Mehr als schöne Stimmen: Alltag und Magie des Sängerberufs

Nagano

»Der Quellgrund der Musik«

Singen gehört zum Selbstverständlichsten, was die Menschen kennen und ihnen – mehr oder weniger – eigen ist. Diejenigen, die singen, tun das gerne, oftmals mit besonderem Engagement, mit Leidenschaft und innerer Anteilnahme. Sie üben sich im Singen, pflegen es und versuchen nicht selten, sich in dieser Disziplin zu entwickeln. Im Singen findet die menschliche Stimme gleichsam ihre Überhöhung, manche mögen sogar sagen: ihre eigentliche Bestimmung.

Im Singen aber liegt auch der Quellgrund der Musik, also jenes Phänomens, in dem sich die gestaltende sowie kreative Kraft und Fähigkeit des Menschen im Bereich des klanglichen Ausdrucks offenbaren und zum Ausdrucke bringen. Richard Wagners Votum, die menschliche Stimme sei »die Grundlage der Musik«, ist ein Bekenntnis und besagt nichts weniger, als dass die menschliche Stimme als sich im Gesang offenbarende und erfüllende Stimme geradezu die Bedingungen abgibt für die Möglichkeiten musikalischen Schöpfertums.

Das wird heute so manchen Einspruch und Widerspruch auslösen. Doch wird man dem wiederum entgegenhalten können, dass Singen und Gesang, besonders in ihrer künstlerischen Ausprägung, ungebrochen ihre Faszination, ihre Bannkraft und ihren Zauber auf die Menschen ausüben. Insbesondere dort wird das spürbar, wo der Gesang eine plötzlich als Besonderheit empfundene Aussage enthält, die man mit Worten so ohne Weiteres nicht erfassen kann und wo jeder Versuch einer verbalen Bestimmung unzulänglich und hilflos wirkt; aber doch an der Art der Aufmerksamkeit, der Spannung unter den Zuhörenden, der fühlbaren Ergriffenheit und Benommenheit zum Erlebnis wird, dass da ein »Ereignis« stattfindet. Es ist kein Zufall, dass man gerade Sängern immer wieder zuspricht, sie seien »Mittler zwischen dem Göttlichen, dem Ewigen und dem Menschen«. Orpheus, Farinelli, Caruso, Maria Callas, Edith Piaf, Elvis Presley, Michael Jackson … – in ihnen sahen viele Menschen solche »Mittler«.

Vierhundert Jahre alt ist inzwischen die Geschichte der Oper; jener Gattung also, die tatsächlich den Gesang als Kunst im Sinne menschlichen Ausdrucks zum Wesenskern ihrer Bestimmung gemacht hat und die gerade aus dem Potenzial menschlicher Vokalität ihre ganze Großartigkeit entfaltet hat. Ein einzigartiges Phänomen ist die Oper, und einzigartig ist ihre Geschichte.

Was ist dieses Phänomen? Ein Artefakt, in dem sich viele verschiedene künstlerische Ausdrucksweisen verbinden und auch einander bedingen; untrüglich und immer erkennbar ist es der »singende Darsteller«, der im Mittelpunkt des Geschehens steht, der das Zentrum darstellt. Und letztendlich ist es der gelingende und glückhaft berührende und bewegende Gesang in der Komposition und in der klanglichen Realisierung, der den Ausschlag gibt für Reaktion und Resonanz beim Publikum.

In der jüngeren Entwicklung der Oper und Opernpraxis spricht man gerne von »Musiktheater«. Dieser Begriff verweist durchaus auf beachtliche Veränderungen, so vor allem auf die Tatsache, dass heute im Operngeschehen der Inszenierung und der Regie, also damit der Funktion des Regisseurs im Rahmen der Produktion eine dominierende Rolle unter den Akteuren zukommt. Nicht selten gewinnt man den Eindruck, dass sich die Relationen verschoben haben und die Akzente anders gesetzt werden sollen, mit der Folge, dass der »musikalische Anteil« einer Opernproduktion zurückgesetzt bzw. in seiner Bedeutung reduziert erscheint. Keine Frage: Die Oper hat viele Wandlungen und Änderungen erlebt, sowohl im Bereich ihrer schöpferischen Entwicklung als auch im Bereich der Rezeption eines Repertoires von Werken, die in zurückliegenden Zeiten, in vergangenen Epochen entstanden sind und deren Aktualität immer wieder durch Interpretationen aus der Sicht von heute unter Beweis gestellt werden muss. Die Oper hat viele Wandlungen erlebt und aushalten müssen, und sie wird dem auch weiterhin ausgesetzt sein, will sie überleben und lebendig bleiben.

Das ist gewissermaßen ihr Schicksal, aber es ist auch ihre Chance. Viele Opern haben unter Beweis gestellt, dass sie die sich ergebenden Herausforderungen »im Wandel der Zeiten« durchaus bestehen. Wenn hier von »Oper« gesprochen wird, dann meint das nicht irgendetwas Abstraktes. Oper ist das Ergebnis des Zusammenwirkens von künstlerisch tätigen und engagierten Persönlichkeiten. Diese sind es, die mit den Bedingungen der Produktion von Oper zurechtkommen, die sich folglich auch den neuen und immer wieder neuen Anforderungen stellen und dazu Haltung einnehmen müssen. Solche Anforderungen betreffen natürlich, aber nicht ausschließlich den engeren Produktionsbereich, den man sich manchmal vielleicht als einen Schutzbereich vorstellen möchte, der das aber keineswegs ist. Technik, Kondition, Routine, Nervenstärke, Haushalten, auf den Punkt topfit sein können – in diesen Kategorien spielt sich das Verhalten von uns Künstlern ab und eben auch das der singenden Darsteller. Physische und psychische Stärke ist gefragt, Entscheidungsfähigkeit in kritischen Situationen.

Doch Oper ist mehr. Oper ist ein öffentliches Phänomen! Das bedeutet, sie ist in vielerlei Abhängigkeiten eingebunden, nicht zuletzt in ökonomische und gesellschaftspsychologische Strukturen und wirtschaftliche Verhältnisse. Das muss den Sänger nicht unbedingt persönlich beschäftigen. Doch ob der Sänger (oder die Sängerin) das wahrnehmen will oder nicht, er spürt diese Abhängigkeiten von Beginn seines Studiums an und dann in der Praxis des Opernbetriebs sowie in den Versuchen, den Weg in die Praxis zu finden. Doch er muss diesen seinen Weg finden, sich selbst als Sänger, als Musiker, als Künstler. Viele haben ihren Weg gefunden und auch ihre künstlerische Identität. Und viele werden ihren Weg auch in Zukunft finden, werden sich als mehr oder weniger große, bedeutende, starke Anwälte der Opernkunst auf dem Gebiet der »Gesangsdarstellung« profilieren. Und manche werden in den zukünftigen Gedächtnissen ihren Platz finden.

Das garantieren die faszinierende Größe und die exklusive Bedeutung der vielen Kunstwerke, die uns große Komponisten hinterlassen haben. Da dürfen wir noch auf einige Zeit hin zuversichtlich sein, vorausgesetzt, wir verlieren nicht in übermäßigem Umfang den »Glauben« an diese einzigartige Kunst, an die Schönheit des Gesangs und an das, was in seiner unendlichen Ausdruckstiefe uns als »Wahrheit« des Lebens sich offenbart. Wir wissen, die Zukunft der Oper ist gebunden an die ausstrahlende Macht und Verführungskraft des singenden Menschen, ist gebunden an Persönlichkeiten auf der Bühne, in denen Musik selbst sich zu verkörpern scheint, in denen Musik zum klingenden Ereignis wird, in dem den zuhörenden und teilnehmenden Menschen ein Geschenk gemacht wird, das durch nichts ersetzt, durch nichts aufgewogen werden kann. Gesang in künstlerischer Vollendung – wie auch immer diese sich zeigen mag – ist eine Gabe, die eine Erfahrung des Transzendierens möglich macht und die Menschen einen zutiefst menschlichen Traum von Leben und Liebe, von Freiheit und Einssein mit sich selbst träumen lässt.

San Francisco, im Juli 2014

AUFTAKT:

Hinter den Kulissen eines Traumberufs

»Die menschliche Stimme ist die Grundlage aller Musik.«

Richard Wagner

Etwas hörte auf. Nicht nur die Atemzüge des Publikums, das gebannt den letzten Tönen von Händels Oratorium Il trionfo del Tempo e del Disinganno lauschte. Die Sopranistin Sandrine Piau hatte sie gerade ergreifend schlicht in die Kuppel der Kölner Philharmonie geseufzt. Auch die Zeit setzte aus, für die Winzigkeit eines Wimpernschlags stand die Welt still. Ein Augenblick, in dem es nur eins gab: diese berückenden und berührenden Töne. Es war ein Singen, das völlig nach innen gerichtet war. Seine Wirkung war so groß, weil Sandrine Piau den Mut hatte, so klein und pur zu musizieren. Was folgte, war eine Emotionalität der Stille: Der Moment vom Schlusston bis zum ersten Applaus ist der Moment der Magie in der Musik – ein Geschenk des Sängers an das Publikum und an sich selbst.

Szenenwechsel: Wagners Walküre an der Met mit Jonas Kaufmann in der Rolle des Siegmund. Ein Schwert verhieß mir der Vater – der Tenor beginnt den brütenden Gesang mit erstickter, baritonal eingedunkelter Stimme, die den Vulkan unter der Oberfläche nur erahnen lässt. Sie steigert sich und kulminiert schließlich in den Paroxysmen der »Wälse«-Rufe, so mächtig wie der Stamm der Weltesche, in dem das Schwert steckt, mit Tönen, deren Oberfläche so aufregend rau ist wie deren Rinde. Jonas Kaufmanns Stimme ist ein Ereignis, ein Tenor voller Testosteron. Auch dadurch fasziniert Gesang: mit der Überwältigung durch die Wucht, die Schönheit oder den Reichtum einer Stimme. Wenn ein Sänger seinen Gesang, wie Jonas Kaufmann, in den Dienst des Dramas stellt, den Sinn der Worte mit den Mitteln der Stimme illuminiert, sind auch das große Momente auf der Bühne.

Zeitsprung: Juni 2001, am Kölner Opernhaus gibt Karin Beier ihr Operndebüt mit Verdis Rigoletto. Es ist eine brillante Inszenierung, in der die Regisseurin der Gesellschaft unnachgiebig den Spiegel vorhält. Besonders zugespitzt zeigt sich das in der Ballszene: Rigolettos Gesang, der Abbild seiner zunehmenden Verzweiflung ist, steht in krassem Gegensatz zur derben Party Crowd, die ihn umgibt. Auf seinen Narrenstab ist eine Kamera gesteckt, mit der er durch die obszön feiernden Gäste auf der Bühne läuft. Die Bilder der Partygesellschaft werden per Beamer in Echtzeit auf Großleinwände projiziert. Es gibt Zwischenrufe und Tumulte im Publikum. »Konzertant!«, ruft ein aufgebrachter Zuschauer. In der Pause kommt es gar zu Handgreiflichkeiten zwischen Gegnern und Befürwortern der Inszenierung. Auch das kann Gesang respektive Oper sein: politisch und gesellschaftskritisch, wie ihr Ursprung im griechisch-antiken Theater.

Diese Abende erlebt man nicht oft. Es sind seltene und daher kostbare Momente, in denen alle Rädchen im Wunderwerk der Oper ineinandergreifen und mehr als die Summe ihrer Teile werden. Diese Momente kann man auch nicht »machen«, sie entstehen im Dialog des Künstlers mit dem Kunstwerk und im Dialog der beiden mit dem Publikum. Manchmal erhaschen wir dabei nur einen kurzen Blick in diesen fremd-faszinierenden Kosmos, manchmal aber stehen die Tore weit offen, und wir betreten eine neue Welt, staunend wie Alice beim ersten Blick auf das Wunderland. Wenn alles zusammenkommt, kann Musik, kann ein Lied, eine Oper uns etwas erzählen, über die Welt, in der wir leben, und über uns: wer wir sind, wo wir herkommen und wohin wir gehen (können).

Dies sind drei kurze Geschichten darüber, was Gesang für uns bedeuten kann. Vom Gesang reden heißt aber auch und vor allem: von Sängern reden. Man könnte diese Episoden nicht ohne sie erzählen – und ohne sie gäbe es auch dieses Buch nicht: Sie sollen hier zu Wort kommen, um sie soll es gehen, um ihre Arbeit und ihr Leben mit der Stimme.

Zwar hat die zunehmende Aufmerksamkeit für das Regietheater sie in den Feuilletons der Zeitungen immer weiter an den Rand gedrängt – wenn überhaupt noch über Oper geschrieben wird, geht es fast ausschließlich um die Inszenierung, die Sänger müssen sich mit einigen wenigen Sätzen begnügen oder werden gleich ganz in die Klammer abgeschoben – der überwiegende Teil des Publikums aber geht auch oder sogar: vor allem wegen der Sänger in die Oper. Im Sänger vereinen sich die unterschiedlichen Kunstformen zum Gesamtkunstwerk Oper: In seinem Gesang repräsentiert er die Musik, in seinem Spiel die theatralische Aktion, durch sein Kostüm hat er Anteil an der Ausstattung.

Dabei ist das, was wir von einem Sängerleben sehen, nicht mehr als ein kurzer Ausschnitt, der Moment, wenn sich am Abend der Vorhang hebt und den Blick freigibt auf das glänzende Endprodukt. Von den Anstrengungen, Rückschlägen, Kämpfen, Siegen und Niederlagen und vor allem von der harten Arbeit auf dem Weg zu einer glanzvollen Aufführung, gar zum Glamour eines Diven-Daseins, wissen wir wenig. Für den Sänger besteht das Leben nicht nur aus Scheinwerferlicht, Applaus und Premierenpartys, im Gegenteil: Singen ist Hochleistungssport! Und ebenso wie der Leistungssportler muss auch der Sänger sein Leben seiner Profession anpassen und bisweilen sogar unterordnen. Eine schöne Stimme allein reicht nicht aus, um auf Dauer erfolgreich zu sein. Es geht auch um Disziplin und Arbeit, um Entbehrung und Verzicht, um Glück und Gesundheit, um gute Lehrer und zuverlässige Weggefährten. Für manche wird der vermeintliche Traumberuf dabei zum Albtraum.

Wenig wissen Opernbesucher und Musikhörer über die Komplexität des Sängerberufs. Hier für Aufklärung zu sorgen liegt offensichtlich auch den Sängern am Herzen: Fast alle haben sich bereit erklärt, über den eigenen Beruf zu sprechen, auch über das, was wir als Zuschauer normalerweise nicht sehen – über Ängste, Zweifel und Krisen, aber auch über jene magischen Momente, für die sich alle Anstrengung lohnt. Trotz voller Terminkalender und eng gesteckter Reisepläne haben sie sich die Zeit für intime Einblicke und die gemeinsame Reflexion über ihren Beruf genommen. Wie in einem Kaleidoskop entsteht aus diesen Gesprächen mit Sängern unterschiedlichster Stimmfächer und Altersstufen ein Bild davon, was es bedeutet, Berufssänger zu sein. Stattgefunden haben sie an den unterschiedlichsten Orten: mit Philippe Jaroussky und Angelika Kirchschlager etwa am Morgen nach einer Aufführung beim gemeinsamen Frühstück im Hotel, der zweiten Heimat vieler Sänger; mit Christiane Karg und Piotr Beczala via Skype, weil die eine zum verabredeten Zeitpunkt eine schwere Erkältung auskurieren musste und der andere für eine mehrwöchige Probenphase in den USA weilte; oder ganz privat wie bei Christa Ludwig zu Hause in Klosterneuburg vor den Toren Wiens und bei Edda Moser, die ihren Rückzugsort in Rheinbreitbach gefunden hat, nur einen Steinwurf entfernt vom Drachenfels bei Bonn.

Eines wurde dabei schnell klar: Den Sängerberuf gibt es nicht, die Karrierewege verlaufen und verliefen höchst individuell. Sie hängen von der stimmlichen Veranlagung und Entwicklung ab, von der eigenen Persönlichkeit, dem künstlerischen Umfeld aus Lehrern, Agenten, Intendanten – und immer wieder auch vom Faktor Glück. Dennoch gibt es Fragen und Probleme, denen sich ein Sänger früher oder später stellen muss, das fängt schon in der Gesangsausbildung an. Die eigene Stimme zu finden bedeutet nicht nur, das Instrument technisch zu beherrschen, sondern auch seinen persönlichen Klang und Charakter zu finden und zu lieben. Anja Harteros spricht deswegen von einer Selbstliebe, die man als Sänger zu seiner eigenen Stimme entwickeln muss. Es bedeutet auch, die Möglichkeiten und Grenzen einer Stimme auszuloten und: zu akzeptieren – hinsichtlich der Wahl des Stimmfaches und des Repertoires.

Sänger zu sein heißt aber immer auch: einer zu werden. Eine Gesangsstimme ist nie fertig, sie wandelt sich vielmehr fortwährend, analog zur körperlichen Entwicklung eines jeden Menschen. Jedes Alter bringt dabei seine ganz eigenen Vorzüge und Probleme mit sich. Die große Edita Gruberová hat unlängst etwa ihre Gesangstechnik umgestellt, um damit der altersbedingten Entwicklung ihres Körpers Rechnung zu tragen – mit fast 70 Jahren. Immer wieder müssen Sänger richtungsweisende Entscheidungen treffen, auf jedem Level ihrer Karriere: bei der Wahl des richtigen Lehrers, im Umgang mit jugendlicher Ungeduld, im Hinblick auf die Verlockungen, die Erfolg und Ruhm mit sich bringen, oder auf den richtigen Moment für den Abschied von der Bühne.

Was die Sänger erzählt haben, ihre Gedanken, Erfahrungen und Reflexionen, zeichnen nicht nur Karriere-, sondern auch Lebenswege nach. Zum einen weil das Singen einen so großen Einfluss auf das Privatleben und die persönliche Lebensführung hat, zum anderen aber auch weil sich Stimme und Persönlichkeit eines Menschen nicht voneinander trennen lassen. Das Spannungsfeld zwischen Kunst und Leben muss jeder Sänger immer wieder neu austarieren, und nicht immer liegen die Entscheidungen allein bei ihm. Freimütig berichten die Sänger über ihre ganz individuellen Wege, die nicht nur von der Schönheit und Ausdruckskraft der eigenen Stimme bestimmt werden, sondern von vielen weiteren Faktoren abhängig sind. Dazu gehört der Umgang mit Lehrern, Kollegen, Bühnenpartnern, Regisseuren und Dirigenten. Denn auch wenn er allein im Rampenlicht steht: Ein Sänger ist immer nur so gut wie das Team, das ihn umgibt.

Dazu gehören aber auch Berichte von Sängerleben, die von Verzicht geprägt sind: auf ein »normales Leben«, auf Freunde, Familie und Kinder. Die Stimme diktiert das Leben und seine Rhythmen. Wie sehr – auch das muss jeder Sänger für sich selbst entscheiden. Aber es gibt auch Geschichten von Glücksmomenten, von Erfüllung, vom Aufgehen in der Musik. Für viele Sänger ist der Gesang Ausdruck ihrer Persönlichkeit, so tiefgreifend und ehrlich, wie es die gesprochene Sprache allein nicht sein kann. Für manche hat er gar etwas Therapeutisches wie für Angelika Kirchschlager oder für Anne Schwanewilms, die davon berichtet, dass sie sich als Mensch erst durch die Kunst gefunden hat.

Davon, wie sich die Arbeit mit einem Instrument gestaltet, das im Körper sitzt, handelt das I. Kapitel. Denn daraus ergeben sich die Besonderheiten und Eigenarten, die den Sänger von anderen Musikern grundlegend unterscheiden. Es geht darum, die eigene Stimme und das richtige Verhältnis zu ihr zu finden, denn Gesang ist etwas zutiefst Intimes, in dem viel von der Persönlichkeit des Sängers mitschwingt. Es geht aber auch darum, wie man die Stimme pflegt und gesund erhält, und nicht zuletzt auch darum, wie sehr die Rücksicht auf die Stimme das eigene Leben bestimmt. Hat ein Sänger »seine« Stimme gefunden, geht es um die Wahl der richtigen Rollen, die entscheidend ist für eine lange und erfolgreiche Karriere. »Man soll mit der Stimme singen, die man hat, nicht mit der, die man gerne hätte«, sagt Christa Ludwig, eine der größten Sängerinnen des letzten Jahrhunderts. Was das bedeutet, wo Gefahren lauern, was man tun muss, wenn sich die Stimme verändert oder wie man würdevoll Abschied nimmt, davon erzählt das II. Kapitel.

Ist die richtige Rolle gefunden, geht es wiederum darum, sie zu interpretieren: mit der eigenen Stimme und Persönlichkeit. Die Suche nach der musikalischen Wahrheit ist dabei ein spannender Prozess, den jeder Sänger anders gestaltet, verbunden mit der Frage, wie sehr er sich der Musik und der Rolle hingeben möchte. Das III. Kapitel geht ihr nach und sucht gleichzeitig die Antwort auf die immer wieder gestellte Frage nach der schönen oder der wahrhaften Stimme. Sänger zu sein bedeutet jedoch nicht, nur hehre Kunst zu machen. Wie jeder Beruf hat auch dieser einen Alltag, von ihm handelt das IV. Kapitel: vom Verhältnis der Sänger zu Regisseuren und Dirigenten, aber auch von den sehr pragmatischen Fragen jedes Berufs wie Bezahlung, Arbeitsplatz, Arbeitszeiten. Klingt das zu nüchtern? Vielleicht, aber professioneller Gesang ist nicht nur Berufung, sondern auch Broterwerb, und wenn die Arbeitsbedingungen dauerhaft schlecht sind, wird nur selten große Kunst entstehen.

Hier wird es deutlich: Der Traumberuf Opernsänger hat auch seine Schattenseiten. Er ist geprägt von Reisen, vom Verzicht auf Familie und Freunde und der permanenten Rücksichtnahme auf die eigene Stimme. Christa Ludwig bezeichnet ihren Beruf daher »als elende Sklaverei« und wird darin von vielen ihrer Kollegen bestätigt. Doch fast alle würden sie ihn wieder ergreifen, denn die meisten Sänger sind, in eindrücklichen Gesprächen wie dem mit Janet Baker wird es deutlich, getragen von einem unerschütterlichen Glauben an die Kraft der Musik. Deshalb handelt Kapitel V nicht nur von den Entbehrungen, sondern auch vom Erfüllenden des Sängerberufs, das selbst über Zweifel und Stimmprobleme hinweghilft. Diesen Krisenzeiten im Leben eines Sängers, vom Umgang mit Lampenfieber bis zum Gang zum HNO, ist dann das VI. Kapitel gewidmet.

Ein besonderes Augenmerk dieses Buches liegt aber auch auf der Ausbildung junger Sänger – darüber wird im VII. Kapitel nachgedacht. Denn junge Sänger sind die Hoffnung für die Zukunft, eine Frischzellenkur für einen Betrieb,