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1. Leonardo Da Vinci
a) Aspectos biográficos
a) Aspectos biográficos
b) La obra pictórica de Rafael.
3. Miguel Ángel, pintor
a) Aspectos biográficos
b) La obra pictórica de Miguel Ángel
4. La escuela veneciana: Tiziano
Historia del Arte 2º de Bachillerato. Tema 11: La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. © Juan Antonio García Rex 1
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1.-Leonardo Da Vinci
a) Aspectos biográficos
Nace a mediados del siglo XV en Vinci, cerca de Florencia. Fue hijo ilegítimo de un
rico notario florentino y de una campesina. Fue pintor, arquitecto, ingeniero, biólogo,
músico y escritor. Se formó en el taller de Verrochio. Estuvo al servicio de Ludovico el
Moro, en Milán, donde permaneció cerca de veinte años. El destronamiento de Ludovico
le hizo recorrer Italia durante algunos años, hasta que, al final de su vida, entró al servicio
de Francisco I de Francia.
Además, Leonardo fue un gran teórico que nos dejó expuestas sus doctrinas en su Tratado
de la Pintura.
Entre las obras más significativas de la producción pictórica de Leonardo destacan las
siguientes:
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Pintado en 1483, este óleo sobre lienzo se encuentra en el Museo del Louvre aunque
Leonardo realizó una variación del mismo tema muchos años después que se encuentra
actualmente en Londres.
Es su primera gran obra milanesa. En ella las figuras de la Virgen, Jesús, San Juan y
el ángel se inscriben en un triángulo. Es pues, una composición piramidal.
Utiliza como recuso la técnica del sfumato. En su obra “Tratado della pintura” nos
explica que toda cosa lejana o cercana al pintor debe ser considerada como inmersa en el
aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las masas, a dar distintos tonos al
color: esta es la base del sfumato, es decir, la sustitución del dibujo lineal de los pintores
del siglo XV por el modelado vaporoso que tiene por efecto fundir los contornos de la
atmósfera. En este cuadro nos habla de la belleza ideal. El tema es San Juan niño,
adorando a Jesús, que está situado en el centro y bañado de luz en presencia de un ángel y
de María. Las figuras miran hacia el centro. Parece más una expresión poética que una
realidad, ya que pinta a las figuras emergiendo de la penumbra de una gruta solitaria y
rocosa, en una atmósfera de humedad, generada por un estanque, que vela sus formas con
una especie de neblina, con rocas puntiagudas destacando sobre un cielo rojizo del sol
poniente.
2. La Última Cena.
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La escena recoge le momento en que Jesús comunica a sus discípulos que uno de ellos le
va a traicionar y entregar. El artista tiene que plasmar dos aspectos (según explica en su
Tratado della pintura): el hombre físico y los movimientos del alma; lo primero es fácil, lo
segundo no, porque tiene que representarlo a través de las actitudes y los gestos de los
personajes. Leonardo visualiza este “movimiento del alma” en el dramatismo de los
discípulos y sus reacciones de incertidumbre e interrogación ante el anuncio de la traición.
Sólo uno comprenderá las palabras de Cristo: Judas, que se siente descubierto y exterioriza
la conciencia del peligro, estrujando con inquietud la bolsa de monedas. Las palabras de
Jesús hacen reaccionar a sus discípulos y sus caras expresan sorpresa, incredulidad,
estupor, indignación, dolor, amor...
Identificación
Título: La Gioconda
Cronología: 1503-1505
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Análisis:
Composición:
Leonardo se sintió tan seducido por esta imagen que siempre la llevó consigo, y lo
cubrió con una ancha pátina protectora.
Sobre un paisaje de atmósfera vaporosa, siluetea una figura que luego difumina,
otorgándole una expresión enigmática. Presenta un sfumato de gran refinamiento, que le
da ese aire de misterio.
Identificación:
Cronologia: 1510-1513
Análisis:
No se sabe con exactitud quién encargó esta obra ni cuándo. Actualmente se la data
hacia 1510-13. Generalmente se considera que fue un encargo para el retablo de la Basílica
della Santissima Annunziata en Florencia. El tema de Santa Ana, la Virgen y el Niño había
ocupado a Leonardo desde hacía tiempo. En efecto, se conserva en la National Gallery de
(Londres) el llamado Cartón de Burlington House, que incluye a las tres figuras y además un
niño representando a Juan el Bautista. Este cuadro está en el Louvre desde el año 1810.
Realizó esta pintura en los últimos años de su vida. Quizá por estar pintada dentro
de la época en la que Da Vinci se dedicaba a La Gioconda existe ese gran parecido entre el
rostro de Mona Lisa y Santa Ana. Las exigencias que planteaba ese otro encargo, hicieron
que la pintura quedase incompleta, siendo de otro pintor la figura del cordero.
Composición:
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evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición. La luz proviene de
una fuente indeterminada. Las pinceladas son ligeras, con el típico sfumato mediante una
técnica de veladuras sucesivas que crean un efecto neblinoso. La defectuosa conservación
ha aplanado el color en los mantos de la Virgen y de santa Ana.
Iconografía:
La representación de este grupo de figuras proviene del culto a Santa Ana, nacido en
la Edad Media. Las narraciones sobre Santa Ana se incluyeron en la "Leyenda Dorada" (obra
del siglo XIII escrita por un monje), y en los siglos posteriores se difundió el culto a la
santa por Occidente. Además del simbolismo de Cristo jugando con el cordero, Fra Pietro
Novellara, un monje de la orden carmelita vio un significado simbólico más profundo en
esta pintura. Creía que la serena expresión de Santa Ana, que contrasta con la ansiedad de
María hacia el Niño, «quizá representa a la Iglesia, preparada para la Pasión de Cristo».
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Cronología: 1504
Análisis:
Es un cuadro hecho a imitación de una tabla del mismo tema obra de Perugino maestro de
Rafael. Igualmente consideran los críticos que la pintura se inspiró en otra del mismo
autor: Cristo entregando a san Pedro las llaves, del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina
No obstante, existen una serie de detalles que evidencian que Rafael pertenece, ya, a
otra generación de pintores. Rafael se aparta del tipo de composición de su maestro y toda
la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada.
Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del
pavimento, que subrayan la perspectiva. El grupo principal se resalta en detrimento de las
figuras acompañantes. El sacerdote es de hecho el centro focal de la escena entre la Virgen
y las mujeres, y San José, y todos los hombres. Estas figuras se inscriben en un
semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de
la tabla.
En primer plano hay un adolescente que rompe un bastón. Se introduce así el tema
de los pretendientes rechazados. Hay toda una serie de figuras detrás del grupo principal
que llevan la mirada hacia el templo del fondo. Algunas están en la plaza que precede al
templo: una pareja de viandantes a la izquierda, un grupito más numeroso a la derecha, en
estos grupos prevalece el color rojo. También aparecen figuras en el exterior del templo.
De esta manera se consigue equilibrar y marcar la profundidad del cuadro. Predominan los
colores cálidos. Esta obra marca la culminación de su actividad juvenil. La acción se sitúa
en un amplio escenario, con un esquema general que recuerda al realizado por Perugino.
Identificación
Cronología: 1504
Análisis:
Identificación
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Cronología: 1510-1511
Análisis:
Está situada en las Estancias vaticanas. Representa la Filosofía, a través de una escena
en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el
espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva
queda rota por los muros laterales .Es la representación del pensamiento mediante la
disputa filosófica. Presenta el interior de una gran basílica (quizá el Vaticano). Reproduce
la Escuela de Atenas, representando a filósofos como Platón (retrato de Leonardo) con la
mano dirigida hacia el cielo (mundo de las ideas), y Aristóteles con la mano dirigida hacia
el suelo (mundo de los sentidos), situados en lo alto de la escalinata. Destaca la amplitud
de la composición, la distribución rítmica del espacio y la disposición de la arquitectura
con las bóvedas que dan grandeza a la obra.
El movimiento de los grupos y las actitudes de los personajes están concebidos con
un efecto casi teatral. En la fuerza de sus personajes muestra la influencia de Miguel Ángel
aunque sin llegar a la fuerza escultórica de aquél.
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Es una obra muy elaborada, que da como resultado una gran sencillez. Sus retratos
son una galería de la Roma de su época. Este es un retrato parcial (no de cuerpo entero)
donde realiza una captación y valoración psicológica del personaje. La obra es de una gran
precisión plástica. El colorido brillante que utiliza influirá en la escuela veneciana.
a) Aspectos biográficos
Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento
italiano, un hombre cuya personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI.
Durante los cerca de setenta años que vivió, sus resultados fueron extraordinarios en cada
una de estas facetas artísticas a las que se dedicó. Sus coetáneos veían en las realizaciones
de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza
de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad
emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que
les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que
dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el Jardín
de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. En 1496
se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la
Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura
de gran belleza y de un acabado impecable.
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Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre
ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza
perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.
En 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel
Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos
Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que permiten apreciar cómo extraía de
los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. Julio II le
pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo al que Miguel Ángel se
resistió, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió en su
creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del
Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo
dominado por dos cualidades: belleza física y energía dinámica.
En 1516, regresó a Florencia, donde proyectó dos obras arquitectónicas magistrales:
la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son
en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular
escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad
en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla
Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales
del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.
En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el
fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro
y diseñó la cúpula de la misma.
b) La obra pictórica de Miguel Angel
1. Capilla Sixtina. (Conjunto)
En 1508, Julio II le encarga que termine la capilla de Sixto IV, donde ya habían
dejado su obra otros grandes pintores como Botticelli. Para poder terminar el sepulcro de
Julio II hizo los frescos en un tiempo record, cuatro años (1508-1512). La crítica moderna
admite que contó con colaboradores.
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Los colores son de tonos fríos y azulados con lo que consigue una gran expresividad.
Las figuras están concebidas como esculturas. Los perfiles son agudos e intenta conseguir
un volumen pétreo y escultórico.
Cada uno de las escenas principales está flanqueada por cuatro atlantes masculinos
desnudos (los Ignudi, símbolos platónicos de la Belleza y la Bondad) que sostienen
guirnaldas y escudos.
Estos paneles están sobre las figuras de los Profetas y Sibilas que se alternan en las
pechinas. A cada extremo hay un profeta que cierra la composición. Al lado de cada
profeta y sibila hay dos putti, varón y hembra. De entre las Sibilas-que son cinco: dos viejas
(Pérsica y Cumana) y tres jóvenes (Délfica, Líbica y Eritrea)- destaca La Sibila Délfica
llamada así porque solía formular sus oscuros vaticinios en el templo de Apolo en Delfos.
Es la más famosa de todas y la más hermosa, tiene un óvalo de la cara perfecto y la pureza
de sus líneas recuerda a las Vírgenes juveniles de Miguel Ángel.
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Identificación:
Cronología: 1508-1512
Análisis:
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Identificación:
Cronología: 1533-1540
Análisis:
En el Altar Mayor, en la pared del fondo de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel pintó
entre 1533 y 1540 la escena del Juicio Final.
Es la visión apocalíptica del Juicio presidida por la amenazante figura de Cristo Juez
rodeado de santos y beatos que se agitan dramáticamente, como si un viento fuerte
abatiera la escena; a su lado se halla María que se vuelve con una expresión de profunda
melancolía, sabedora de la justa cólera de su Hijo contra los pecadores, que se precipitan
hacia la Laguna Estigia, donde Caronte los traslada a la otra orilla, mientras los elegidos
ascienden hasta el cielo. Se refleja un rigor moral y un profundo pesimismo, con poca o
ninguna alegría en los colores, con tonos grises y sombras profundas. Está presente su
típica terribilitá y la imagen del Cristo que preside la escena parece más una figura pagana,
un Júpiter vengador, que un dios misericordioso. Ante tanto desnudo, hubo muchas quejas
por lo que el Papa mandó a Volterra cubrirlos.
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a) Apuntes biográficos.
b) Su obra pictórica
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1.- La Bacanal
Identificación:
Título: La Bacanal
Autor: Tiziano
Cronología: 1519-1520
Tema: Mitológico
Análisis:
Es una obra temprana en la que muestra un gusto por el desnudo y por el paisaje
típico de la escuela veneciana, aunque Tiziano le imprime mayor movimiento. Lo que le
importa del mundo clásico son los desnudos femeninos y el movimiento. Sobre un fondo
azul intenso y de nubes doradas, nos muestra la alegría y la laxitud que el vino produce,
haciendo dormir tanto al viejo en la colina como a la joven que aparece en primer plano, e
inspira la alegría a los que beben y danzan en el grupo central.
También se llamó a este cuadro Los Andrianos, pues muestra la llegada de Baco a la
isla de Andros. Estos temas mitológico-bucólicos resultaban muy gratos a la sensibilidad
de la época. Tiziano rinde culto a la alegría de vivir y al lujo reflejado en las telas. La mujer
recostada que ocupa el primer plano del centro de la tela se dice que es Violante, de quien
el pintor estaba enamorado por entonces. Junto a ella hay una partitura, en la que se lee:
«Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber».
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Óleo sobre lienzo 165 cm × 119 cm Galería Uffizi. Pintado en 1538 presenta a una
Venus reposando en la habitación de un palacio, sobre un fondo de cortinas, recostada en
una cama; al fondo, en el lado derecho, unas doncellas buscan en un arcón las vestiduras
que ocultan su bello desnudo. Contrasta la serenidad de la Venus con las servidoras,
trazadas éstas al modo impresionista con un movimiento de trazos. Hay un gusto por los
colores brillantes, por la luz, por el desnudo modelado por suaves modulaciones de color.
Óleo sobre lienzo 129 cm x 180 cm Museo del Prado. Muestra uno de los más
hermosos desnudos pintados por Tiziano. La joven Dánae tumbada observa el oro en
polvo, una de las múltiples formas en que se convertía Zeus, que suelta la anciana sentada
a sus pies. La piel blanca y tersa de la joven contrasta con la oscura y áspera de la anciana.
Óleo sobre lienzo, 332 cm x 229 cm Museo del Prado. Este cuadro lo pintó en 1548
para conmemorar la victoria del Emperador sobre los protestantes. Realizó varios encargos
para los monarcas españoles de la casa de Austria. En este retrato se muestra al Emperador
a caballo, dirigiéndose a algún lugar de la batalla, ganada el año anterior a los protestantes.
Tiziano se trasladó a la ciudad alemana de Augsburgo para realizarlo, pudiendo así reflejar
tanto la armadura como el caballo que intervinieron en el acontecimiento. En busca de la
naturalidad, Tiziano renuncia al retrato glorioso y lo sitúa en el campo de batalla. Aunque
Carlos era todavía joven (47 años) aparece avejentado y cargado de preocupaciones Es en
los retratos donde se muestra como un consumado maestro, especialmente en lo que se
refiere a la captación plástica del carácter humano. Crea una tipología de la figura de
cuerpo entero, con una mano apoyada y la otra en actitud solemne portadora de algún
instrumento alusivo al poder..
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La Escuela de Atenas
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