Arte Renacentista

I.E.S.
“FRANCISCO DE GOYA” MOLINA DE SEGURA
1.-LA ARQUITECTURA DEL QUINQUECENTO EN ITALIA

a) La obra arquitectónica de Bramante
Bramante (1444-1514) es uno de los arquitectos más representativos de la
transición al Cinquecento y representa el enlace entre las formas cuatrocentistas y
las nuevas formas arquitectónicas del Barroco. Antes de llegar a Roma procedente
de Urbino trabajó en Milán al servicio de Ludovico Sforzza (El Moro) para quien
proyectó un Mausoleo situado en la Iglesia de santa María de las Gracias. Llegó a
Roma en el año 1500 donde realizó el Patio de Santa María de la Paz por encargo
del Cardenal Caffara para iniciar a partir del año 1502 la construcción del
1.-Templo de San Pedro In Montorio (Selectividad)
Identificación:
Nombre: San Pietro in Montorio
Arquitecto: Bramante, Donato(1444-1514)
Cronología: 1502
Localización: Roma
Estilo: Renacimiento (Quinquecento)
Materiales:piedra, mármol(en la base y capitel de las columnas),y granito (en el
fuste de las mismas)
Dimensiones: diámetro de la cúpula: 4,50 ms
Tipo de edificio: Arquitectura religiosa y conmemorativa.
Análisis:
Exterior:
Se trata de uno de los edificios más bellos del arte romano a pesar de sus
reducidas proporciones y que fue construido para conmemorar el lugar de la
crucifixión de San Pedro. Es templo conmemorativo. Los Reyes Católicos sufragaron
los gastos del templete y del convento franciscano en donde se halla. El edificio
consta de una pequeña cella circular que rodea el agujero abierto en la roca donde
la tradición cristiana sitúa la crucifixión del primer Papa. La cella está rodeada de
una columnata períptera formada por 16 columnas dóricas que sostienen el
correspondiente entablamento con friso de triglifos y metopas, coronado por una
balaustrada.
Bramante recreó un tholos, un templo circular antiguo, como el de Vesta,

conservado en Roma. La referencia al templo antiguo es evidente también en la
función: las pequeñas dimensiones interiores (poco más de 4 metros de diámetro)
2º de Bachillerato. Curso 2008-2009-Historia del arte. La arquitectura del Quinquecento: Miguel Ángel y Bramante. 1
Renacimiento en España. © Departamento de Geografía e Historia.
I.E.S. “FRANCISCO DE GOYA” MOLINA DE SEGURA
permiten alojar un altar, pero no congregar fieles para las ceremonias. El muro
circular de la cella se articula a base de pilastras que se corresponden con las
columnas del pórtico, así como con la alternancia de las oberturas: hornacinas
cubiertas por semicúpulas alternando con ventanas rectangulares. El muro tiene
una altura mayor que la columnata, de forma que el segundo piso se convierte en
tambor de la cúpula que remata el edificio. La superposición de la cúpula con
linterna sobre la cella circular es la innovación más destacable que introduce
Bramante respecto de los modelos antiguos. El conjunto se eleva sobre tres
peldaños.. Por su estructura, por el uso coherente del orden dórico y por el diseño a
modo de capilla conmemorativa, el Templete se acerca más a la esencia de la
arquitectura antigua que ningún otro edificio del Renacimiento. A pesar de su
aparente simplicidad y las pequeñas dimensiones, la influencia del templete se
puede observar en muchas obras posteriores.
Análisis simbólico:
Bramante concibe su arquitectura en términos humanísticos paganos y
cristianos, fundidos en una temática esencialmente religiosa y política. El edificio no
tenía un objeto práctico, sino sencillamente conmemorativo. Quería exaltar la figura
de San Pedro como Pontífice romano cuando, al fijar su sede en Roma, había
confirmado la categoría universal de la ciudad. Para el Renacimiento, el edificio
circular era la figura del mundo, que evocaba la realidad divina del Cosmos (la
Creación) y la expresión conceptual del “sagrado” y representaba la ciudad ideal de
Platón. Por primera vez un entablamento utiliza en sus metopas una iconografía
litúrgica cristiana: el cáliz y la patena (el platillo que contiene el pan).
Los tres cuerpos del templete podrían significar: el primero, la cripta (los
subterráneos): la primitiva iglesia romana de las catacumbas el segundo, la capilla:
la Iglesia militante (participante) y el tercero, la parte superior con la cúpula sería la
Iglesia triunfante, la Gloria del Cielo
2.-Planta de San Pedro del Vaticano:
Julio II le encomendó a Bramante la obra del nuevo templo de San Pedro que
habría de sustituir a la antigua basílica paleocristiana. A Bramante la obsesiona
construir una gran cúpula y se decide por un templo de planta de cruz griega, más
en consonancia con las proporciones cuadradas de la cúpula.
Proyecta cada uno de los brazos terminados en ábside semicircular y con
pórtico al exterior. En los ángulos formados por las naves, e inmediatas a la cúpula
central, dispone otras cuatro menores, y más al exterior, otras tantas torres de gran
altura.
b) Miguel Ángel, arquitecto
El gran artista del Cinquecento es Miguel Ángel Buonarroti. Aunque Miguel Ángel es
principalmente escultor, también se dedicó a la arquitectura así como a la pintura.
Entre sus principales realizaciones arquitectónicas vamos a señalar:
1. Capilla Medicea. (Sacristía Nueva de San Lorenzo) en Florencia
Se inicia en 1520 y tarda cinco años realizarse. La planta continúa la tipología de la
de Brunelleschi en la Capilla Pazzi (Ver)
La Planta está compuesta por dos espacios cuadrados de distinta altura
comunicados a través de un arco y una cúpula sobre pechinas como cubierta en
cada uno de ellos.
También la bicromía de los muros enmarcados por pilastras y molduras de
piedra, mantiene el cromatismo dualista de Brunelleschi.
2. Escalera Laurenciana. (Selectividad)
Identificación:
Nombre: Biblioteca Laurenciana (Florencia). Escalera
Arquitecto: Miguel Ángel
Cronología: 1524
Localización: Florencia
Materiales: piedra
Tipo de edificio: Arquitectura urbana
Análisis:
En 1524 el Papa Clemente VII dispuso trasladar la biblioteca familiar desde el

palacio Medici al convento de San Lorenzo y hacerla pública. Miguel Ángel la trazó
aprovechando las estructuras preexistentes, lo que le obligó a alejarse de los
modelos tradicionales italianos de librerías. La biblioteca se proyectó con dos
núcleos desnivelados: el zaguán y la sala de lectura.
La escalera, de forma caprichosa y única, ocupa la mitad del vestíbulo, con
tres rampas que se unifican en el descansillo central, para acceder en un solo tramo
a la puerta de acceso a la sala de lecturas. Destaca el dinamismo contenido que
producen los elementos constructivos en el espacio reducido. No destacan las
columnas de pared, sino que el muro se adelanta y las columnas quedan atrapadas
pasivamente en un nicho; no sustentan nada, pero tampoco son sustentadas, pues

las ménsulas de volutas que hay debajo están carentes de función. Aunque cada
elemento guarda su independencia, la gran tensión del conjunto produce un efecto
general de grandiosa unidad. Expresa un gran manejo de las masas, de los espacios
y de la luz.
3. Plaza del Capitolio. (Campidoglio).
De sus últimos años es la ordenación de la plaza del Capitolio. En 1538 comenzó su
nueva configuración, con la colocación de la estatua ecuestre de Marco Aurelio, que
fue centro y eje de toda la planificación terminada en 1654.
Las fachadas de los palacios (Conservadores, Capitolio o Nuevo y Senado) son
de orden colosal.Estos edificios forman un trapecio, en el que Miguel Ángel inscribió
un óvalo enllosado. La decoración del enlosado imita un cielo estrellado (Roma
como centro del mundo). Esta plaza es un intento de organizar el espacio urbano,
de realizar la planificación de una ciudad que ha crecido sin orden, idea que se
mantendrá en los siglos siguientes.
De los tres edificios de la plaza el del centro es el palacio del Senado, el de la
izquierda el Capitolio y el de la derecha el palacio de los Conservadores.
4. Cúpula de San Pedro del Vaticano.(Selectividad)
Identificación:
Nombre: Cúpula de san Pedro del Vaticano
Arquitecto: Miguel Ángel
Cronología: se finalizó en 1589 por Giacomo Della Porta
Localización: Roma
Materiales: ladrillo, piedra y mármol
Tipo de edificio: Arquitectura religiosa
Análisis:
Después de muchos problemas, el Papa Paulo III, en 1546, le encomienda la

continuación de las obras a Miguel Ángel. En ese momento el escultor florentino
contaba más de 70 años y era considerado el genio indiscutible de occidente. Se
aceptan sus condiciones. Sigue el plan de Bramante de planta central pero
simplificándolo, desaparecen torres y torrecillas.
El proyecto queda así dispuesto para recibir el principal tema arquitectónico: la
cúpula sobre tambor, cerrando el ciclo de tanteos y experiencia comenzando por el
Panteón de Agripa en Roma seguido de la Santa Sofía de Constantinopla y Santa

María dei Fiore de Florencia. Se había creado definitivamente el tipo de cúpula
occidental y todas las que le sigan hasta el siglo XIX serán imitación de ésta.
Proyectó una cúpula esbelta, aunque pesada y maciza. Para ello tuvo que
reforzar los pilares. De esta manera construyó una cúpula grandiosa de 42 metros
de anchura, cuya cúspide está a 132 m del suelo. Su planta es circular, pero con
nervios robustos, que evitan la monotonía. Para darle mayor impulso la hizo
levantar sobre un robusto tambor, rematado con ático, decorándolo con columnas y
ventanas (y también guirnaldas). El perímetro del tambor aparece subrayado por
columnas gemelas embebidas en la masa que parecen contrarrestar el empuje de
las aristas visibles de la cúpula.
IMÁGENES DE ARQUITECTURA DEL QUINQUECENTO
58. San Pietro in Montorio (Bramante)
59. Cúpula de San Pedro (Miguel Ángel)
60. Biblioteca Laurenciana (Miguel Ángel)
2.- EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

2.1 ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA: CUATRO OBRAS

PARADIGMÁTICAS.
1.-La Fachada de la Universidad de Salamanca
Identificación:
Nombre: Fachada de la Universidad de Salamanca
Arquitecto: En ella colaboraron probablemente artistas franceses
Cronología: Primer tercio del siglo XVI (1529-33)
Localización: Salamanca
Estilo: Plateresco (Renacimiento español)
Tipo de edificio: Arquitectura civil urbana

Análisis:
Esta fachada es un ejemplo de denominado estilo plateresco, la variedad más

“recargada” decorativamente del Renacimiento español. Se le denomina así porque
imita, en piedra, el arte de los plateros, muy minucioso, con abundante decoración.
Según el historiador F. Chueca, es una “fachada-estandarte” colocada delante del
muro. Sobre dos puertas gemelas separadas por un mainel se desarrolla, a modo de
enorme bastidor, todo el programa iconográfico, como si de un retablo se tratara.
La fachada está constituida por tres cuerpos sobrepuestos, separados por frisos. El
compartimiento inferior está dividido en cinco espacios, apreciándose en el central
el retrato de los Reyes Católicos en un medallón, con una leyenda en griego en la
que se lee: "Los Reyes a la Universidad y ésta a los Reyes". Los cuatro espacios
restantes presentan una decoración vegetal, animal y humana. En la pilastra de la
derecha, a la altura del primer cuerpo, se hallan tres calaveras, en una de las cuales
encontramos la famosa rana. El segundo compartimiento también está dividido en
cinco espacios: en el central, el blasón con las armas de Carlos I rodeadas del collar
del Toisón. A la izquierda, el águila imperial bicéfala, y a la derecha, el águila de San
Juan.. El compartimiento superior es el que más problemas iconográficos presenta.
En el centro encontramos un sumo pontífice sentado en su cátedra, rodeado de
cardenales y otros personajes. Ha sido interpretado como Martín V, Benedicto XIII o
Alejandro IV... Parece además fuera de toda duda la inspiración libresca del
conjunto: se ha demostrado que algunos elementos decorativos han sido extraídos

de un libro ilustrado impreso en el año 1490 y con unos grabados espléndidos
2.- Fachada del Palacio de Carlos V
Identificación:
Nombre: Fachada del Palacio de Carlos V

Arquitecto: Pedro Machuca.
Cronología: Primer tercio del siglo XVI
Localización: Granada
Estilo: Clasicismo (Renacimiento español)
Análisis:
El Palacio de Carlos V está situado en el corazón de la Alhambra. Si planta es

un cuadrado con un patio interior circular (lo que es bastante novedoso) de 30 ms
de diámetro dividido en dos niveles en los que se superpones el orden toscano y el
jónico.
La fachada repite la ordenación interior: dos pisos en los que se superponen

pilastras toscanas y jónicas, separadas por un entablamento intermedio, entre las
cuales se ordenan dos pisos de huecos, rectangulares los bajos y circulares los altos.
Aparecen elementos decorativos claramente inspirados en el renacimiento italiano cono los

frontones situados sobre los vanos o el almohadillado “rustico” del muro inferior (recordemos que este
tipo de opus es frecuente en los palacios italianos). Es por esto que este palacio es un ejemplo de la
corrientes más “italianizante” del renacimiento español, con una cierta tendencia manierista (presente en
la complejidad de la fachada, frente al equilibrio interior.
3.- El Escorial
Identificación:
Nombre: San Lorenzo del Escorial

Arquitectos: Juan Bautista Toledo( colaborador de Miguel Ángel en la Basílica de
San Pedro del Vaticano y uno de los introductores del Renacimiento
arquitectónico italiano en España. A él se debe la planta del monasterio) y Juan
de Herrera (adaptó el proyecto original al gusto español y le dio una estructura
más unitaria y simétrico. Es “padre” del manierismo arquitectónico español
llamado en su honor “estilo herreriano” caracterizado por la austeridad

decorativa y por la simetría.
Cronología: 1563-1584
Localización: El Escorial (Madrid)
Estilo: Herreriano o manierista (Renacimiento español)
Materiales: granito y pizarra
Tipo de edificio: Arquitectura religiosa (monasterio)
Análisis:
Introducción:
Felipe II encargó a Juan Bautista de Toledo la construcción de este edificio,
símbolo del poder español. Comenzaron las obras en 1563 . En 1567 murió Toledo y
Herrera (su ayudante) quedó al ferente de los trabajos. El precedente más claro de
El Escorial es el Monasterio jerónimo de Yuste .En él no existe ornamentación
superflua. Es arquitectura pura. Está perfectamente integrado en el paisaje: su
masa granítica parece formar parte de la sierra de Gredos de la que han sido
obtenidos los bloques que lo forman. El Escorial es, en opinión de Chueca, el
monumento simbólico de la despersonalización, el símbolo del Estado del que por
ello su impulsor (Felipe II ) hubo de eliminar toda clase de referencias personales y
locales ya que estaba pensando en la “monarquía universal”
Planta:
Es un modelo de unidad y simetría . Tiene forma rectangular dividida por una

estructura reticular. Está atravesada por un eje central simbólico que desde la
fachada principal se prolonga a través del patio de los Reyes (1) y la Iglesia(2)
hasta las estancias privadas de Felipe II(3). Esta zona central está flanqueada por el
resto de las construcciones: el palacio público (cortesano), el seminario y el colegio
universitario, y en la zona sur, el Claustro de los Evangelistas(4) y el monasterio.(5)
Exterior:
El exterior del edificio es austero, sólido, hermético , casi impenetrable.

Cientos de ventanas cuadradas, sin molduras ni cornisas se suceden
monótonamente por su fachada granítica que incorpora cuatro torres en sus
extremos. Esa monotonía se completa con las cubiertas de pizarra negra y se rompe
con las bolas y los chapiteles de las torres (remates piramidales).
La monotonía vuelve a romperse en el acceso a la fachada principal donde un

cuerpo sobresale ligeramente presidido por un doble friso de columnas dóricas
gigantes y rematado por un frontón
Interior:
La Iglesia bajo cuyo altar mayor se halla el “Panteón de Reyes” es el punto

neurálgico del Escorial. Es de planta de cruz griega con una cúpula central que
sobresale por encima de todo el conjunto monumental. El ábside que remata la
planta es cuadrado y está unido a las dependencias privadas de Felipe II desde las
que veía el altar mayor de la Iglesia.
La fachada de la Iglesia tiene dos cuerpos: en el inferior un paramento

decorado por 6 semicolumnas gigantes de estrilo dórico. En el superior (separado
de inferior por un entablamento), seis pedestales con las esculturas de los Reyes de
Israel delante de un muro rematado por un frontón cuya base es interrumpida por
un vano.
4. Bóveda de la capilla de los Junterones
Identificación:
Nombre: Capilla de los Junterones (fue promovida por don Gil Rodríguez de
Junterón, arcewdiano de Lorca y protonotario del Papa Julio II)
Arquitectos: ¿Jerónimo Quijano?
Cronología: siglo XVI
Localización: Catedral de Murcia
Estilo: Renacentista
Materiales:
Análisis:
Es una de las grandes obras del renacimiento español, con una bóveda
elíptica cuya singularidad ha hecho que en los libros de historia del arte se
catalogue como " la Bóveda de Murcia”. Es una de las mejores obras de la Catedral,
y sin duda la mejor capilla de enterramiento del Renacimiento murciano. Fue
promovida por D. Gil Rodríguez de Junterón, personaje destacado en la corte de Julio
II. Es de planta oblonga (más larga que ancha) y constituye un conjunto de singular
novedad así como de excepcional calidad donde se funden arquitectura y escultura.
Cabe destacar el magnífico altorrelieve que, representando la Gloria, se alza por
encima del retablo de la Adoración de los Magos, así como las figuras de Isaías, San
Juan Bautista y las doce Sibilas, en una mezcla de lo religioso y lo pagano, tan
característico del Renacimiento.
2.2 PINTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA: EL GRECO

a) Características generales de la pintura renacentista española
La pintura española de este siglo (XVI) presenta un panorama complejo con rasgos
peculiares:
1. La introducción del Renacimiento fue tardía, a fines del siglo XV. Hasta el siglo
XVI no se asimila plenamente el nuevo lenguaje, que convive con el gótico-
flamenco.
2. La lenta difusión de las formas renacentistas se realiza por distintos medios:
importación de pinturas y grabados de Italia, presencia de pintores italianos
en España y viaje de artistas españoles a Italia. Esto explica la
heterogeneidad de planteamientos.
3. El artista español carece de la formación intelectual que demanda la nueva
cultura humanística y sigue teniendo consideración de artesano. A mediados
de siglo contamos ya con artistas, formados en Italia, que desarrollan un
lenguaje propio incorporando los aspectos más renovadores de los grandes
maestros.
4. Los clientes de los artistas, debido a la casi inexistencia de burguesía
ciudadana, son la nobleza terrateniente, la Iglesia y la Monarquía. La
aristocracia española, gran admiradora de las cortes italianas, adopta el
nuevo arte porque su modernidad aumenta su prestigio, no por valorar los
ideales renacentistas. Una minoría humanista va creando lentamente un
clima más receptivo a lo largo del XVI. Los reyes Carlos V y Felipe II impulsan
el desarrollo de programas artísticos clasicistas como expresión de su poder.
5. El cliente más importante es la Iglesia. De ahí el predominio de temas
religiosos. Las imágenes son un instrumento de propaganda de la fe católica
frente al protestantismo. Tienen como misión conmover a los fieles. La pintura
mitológica y la de historias profanas son escasas, salvo las realizadas por
pintores italianos como Tiziano para Carlos V, Felipe II y grandes señores,
igual que los retratos.
6. En cuanto a técnicas la más empleada es el óleo sobre tabla y posteriormente
sobre lienzo.
El fresco apenas se desarrolla, a diferencia de Italia.
b) Etapas y evolución
1. Primer tercio del siglo XVI: Conviven dos influencias: La flamenca del siglo XV,
con su realismo y detallismo, su rico colorido, su amor por paisaje e interiores, va
dejando espacio progresivamente a la influencia italiana del siglo XV
(Quattrocento). Los pintores se interesan por el dibujo, la figura humana (no por el
desnudo), la proporción , la luz, la composición y la profundidad espacial mediante
la perspectiva lineal, aunque no lo consiguen del todo. Algo más tarde llega la
influencia de Leonardo da Vinci, que se aprecia en el sfumato o sombreado y en el
interés por las actitudes y el paisaje
2.El segundo tercio de siglo: La influencia de Rafael, con sus elegantes

composiciones y dulces formas, sustituye a la del viejo Leonardo y acaba con los
restos de la herencia flamenca. Llega el Manierismo, estilo anticlásico, intelectual y
minoritario. Colores fríos, desproporción, movimiento exagerado, formas
helicoidales y alargadas, confusión son sus características. Los artistas españoles se
incorporan con rapidez a esta corriente debido al escaso influjo del clasicismo y a la
tradición del lenguaje gótico.
c) Artistas y obras más representativas: Las tres escuelas principales son

Valencia, Castilla y Andalucía.
1.- Primer tercio del siglo XVI:
• A Valencia llega, a fines del siglo XV, la influencia del Quattrocento italiano,
por su proximidad y la presencia de pintores italianos. Fernando Yañez (+ h.
1536) y Hernando Llanos, que trabajan juntos, importan el estilo de Leonardo
(Santa Catalina)
• En Castilla la obra de Pedro de Berruguete (+ 1503) refleja la doble influencia
flamenca (detallismo, realismo, uso del pan de oro ) e italiana (preocupación
por la luz y la perspectiva) tras su estancia en Urbino. (Retablo de Santo
Tomás, de Ávila) En Toledo Juan de Borgoña (+ h. 1535) muestra el influjo
italiano en sus frescos de la Sala Capitular de la catedral, pero sin desplazar
aún el recuerdo flamenco.
• En Andalucía vemos la misma dualidad en Alejo Fernández (+ h. 1545), autor
de la conocida Virgen de los Navegantes (Sevilla, Archivo de Indias).
2.- Segundo tercio del siglo XVI:
• En Valencia el estilo sentimental de Juan de Juanes (+ 1579) funde el sfumato

de Leonardo con el color y dulzura de Rafael. Su Santa Cena es muy popular.
• En Castilla el escultor Alonso Berruguete (h. 1489-1561), hijo de Pedro,
introduce el Manierismo de Miguel Ángel muy pronto. Tras su viaje a Italia
pinta alargadas figuras y escorzos en movidas composiciones (Retablo de San
Benito, Valladolid)
• En Andalucía destaca Pedro Machuca (+ 1550), arquitecto, formado en Italia.
Su Descendimiento ( M. del Prado), con luz nocturna, es claramente
manierista.
• En Extremadura sobresale Luis de Morales (1510-1586),"el Divino",
divulgador de temas piadosos de hondo misticismo, muy populares (Virgen
con el Niño, Piedad). Su manierismo de figuras alargadas y expresivas mezcla
el sfumato leonardesco con la dulzura de los rostros de Rafael y el detallismo

flamenco. -
3.- Último tercio del siglo XVI:
• Felipe II, gran conocedor y admirador del arte italiano, necesita artistas para
decorar el Monasterio de El Escorial. Acuden numerosos pintores manieristas
italianos, como Tibaldi, Zúccaro, etc. El español Juan F. Navarrete el Mudo
(1526-1579) en su Martirio de Santiago usa el color veneciano junto a detalles
ya tenebristas
• .En Madrid el más importante de los retratistas de corte al servicio de Felipe II
es Alonso Sánchez Coello (1531- 1588), buen dibujante. Conjuga el
virtuosismo flamenco de su maestro Antonio Moro con la riqueza decorativa
de los venecianos y el interés psicológico por los retratados, idealizados (El
príncipe Don Carlos, Isabel Clara Eugenia, en M. del Prado). Su discípulo Juan
Pantoja de la Cruz (1553-1608) es muy detallista en vestidos y joyas
(Margarita de Austria, Prado).
• Pero sin duda el pintor más importante y original de este siglo es
Doménikos Theotokopoulos "El Greco" (1541-1614):
Nace en Creta donde inicia su aprendizaje en la tradición bizantina de los

iconos. Su acomodada posición económica le permite viajar a Venecia y
trabajar desde 1560 en el taller de Tiziano, donde asimila sus ricos colores y
la concepción espacial y juegos de luces de Tintoretto. (La Anunciación, M. del
Prado). Se instala en Roma en 1570. Entra en contacto con los círculos
humanistas y manieristas; estudia las composiciones de Rafael y el dibujo de
Miguel Ángel. Se traslada a España en 1576. En La Trinidad muestra la
influencia de Miguel Ángel. Para la catedral de Toledo pinta El Expolio, de rico
colorido veneciano. Su principal objetivo es trabajar para la decoración de El
Escorial; hace para Felipe II San Mauricio y la Legión Tebana (El Escorial),
pero la obra es rechazada por no ajustarse a los planteamientos clasicistas
que demanda el rey. Cerrado el camino a la Corte, fija su residencia definitiva
en Toledo. La élite culta de la ciudad, atraída por el enfoque intelectual de su
pintura, le hace numerosos encargos. Goza de gran popularidad y puede
desarrollar libremente su pensamiento y estética. Pinta su obra maestra El
entierro del Conde de Orgaz.
Su estilo manierista es muy personal y muestra aportaciones de todos los
lugares por los que ha pasado (Creta, Venecia, Roma y Toledo) y se
caracteriza por:
a) Ausencia de perspectivas clásicas.(isocefalia , simbolismo e iconografía

bizantinas).
b) Rompe con el dibujo aplicando el color en pinceladas anchas y libres, con
retoques.
c) Colores brillantes y estridentes, irisados, cálidos (amarillo, carmesí,
morado) que irán evolucionando hacia una gama fría (verdes, azules,
grises), pero muy expresiva.
d) Luces artificiales y fuertes contrastes lumínicos.
e) Representa varias escenas en un mismo cuadro, con varios centros de
atención: suele haber dos sectores: el terrenal y el espiritual.
f) Sacrifica anatomía y proporciones en beneficio de expresividad. Figuras
alargadas, estilizadas, "serpentinatas", ondulantes como llamas. Escorzos
atrevidos.
g) Misticismo y expresionismo dramático.
h) Sus temas preferidos son:
• Religiosos, siguiendo las ideas de la Contrarreforma, como los citados

y el Bautismo de Cristo, La Resurrección, Adoración de los
Pastores, etc. Santos místicos, como sus Apostolados, San
Andrés y San Francisco, en M. del Prado.
• Retratos: Resalta las cualidades espirituales del personaje a través
de gestos, manos y mirada. Caballero de la mano en el pecho (M
del Prado).
• Paisajes: De su etapa final, muy subjetivos, con figuras deformadas
en colores gris plata y rojo llameante: Vista de Toledo, Laocoonte
y sus hijos.
El entierro del Conde de Orgaz. (Selectividad)
Identificación:
Nombre: El entierro del Conde de Orgaz
Autor:: El Greco
Cronología: 1586,
Localización: iglesia de Santo Tomé de Toledo
Estilo: Clasicismo (Renacimiento español)
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 487 cms x 360 cms (gran formato)

Tema: pintura religiosa. Representa el milagro de la presencia de san Esteban y
San Agustín en el entierro del Señor de Orgaz, ante los asistentes; en la parte
superior, el alma del conde es recibida en el cielo, con el tema de la deesis
bizantina- Cristo, la Virgen y San Juan
Análisis:
Descripción:
Este gran cuadro está dividido en dos grandes zonas, por un lado en la parte
alta se observa una zona celestial en donde aparecen Cristo, la Virgen,
ángeles, santos y otros personajes ya fallecidos. En la parte inferior, la terrenal,
se representa un entierro rodeado de personajes, unos eclesiásticos y otros
civiles.
Análisis formal de la obra
La obra tiene una serie de características que la sitúan dentro del estilo
Manierista
Estas características del nuevo estilo que podemos observar en la obra que
estamos comentando son:
Luces de apariencia artificial: en la obra por tanto podemos observar como la

parte celestial tiene una luz diáfana que no emana de una fuente en concreto,
o como en la parte terrenal parecen el cuerpo del señor de Orgaz y los santos
más iluminados que el resto así como las caras de los personajes
representados. Esta iluminación no es natural, si hubiese sido así las antorchas
que portan algunos individuos hubiesen modificado la luminosidad del cuadro
creando unos contrastes entre luces y sombras. El Greco por tanto utiliza este
recurso de una forma artificial que inquieta al espectador y le hace atraer la
mirada hacia unas escenas determinadas
El alargamiento de las figuras: recurso ampliamente utilizado por el pintor en

todos sus lienzos hasta tal punto que éste se ha tomado como característico
de su obra. Este recurso lo tomará de Miguel Ángel tras su paso por Roma y
en segundo lugar de Tintoretto y Parmigianino de la escuela Veneciana.
Consiste en el alargamiento voluntario de las formas buscando en ello una
belleza de las formas a través de la estilización de éstas, existe por tanto una
inspiración goticista, pero también una intencionalidad de poner en cuestión
unas reglas y modelos nacidos en el Alto Renacimiento y que a la altura del
siglo XVI son considerados como caducos. Es por este motivo que los
tratadistas se harán eco de la nueva situación argumentando que el cuerpo
no se puede medir objetivamente, y ha de ser el ojo y no las reglas las que
marquen la composición de una figura. El Greco conoce la obra de Miguel
Ángel tras su estancia en Roma, conoce a los demás manieristas, y también
sabemos que en su biblioteca se guardaban algunos tratados al respecto en
donde anotó su conformidad con estos postulados. Así no es de extrañar la
estilización de las figuras que aparece en la obra que comentamos.
Figuras cortadas: es otro de los recursos manieristas utilizados en esta

pintura, algo impensable dentro del Renacimiento pleno que postula la
armonía, el equilibrio, la composición dentro de la obra, pero que el
Manierismo al romper con las normas no tiene en cuenta, buscando así unos
efectos mayores en el cuadro. Ejemplo de todo ello lo podemos encontrar en
las figuras recortadas que aparecen en los laterales del lienzo.
Figuras serpentinatas: consiste en la elaboración de figuras retorcidas que

buscan extraños escorzos. Esta idea nace de Miguel Ángel que quiere con ello
imprimir en la figura una expresión no alcanzada anteriormente, idea que
pronto es aceptada y desarrollada por los manieristas. Ejemplo de ello lo
podemos encontrar en la figura del ángel que conduce el alma del señor de
Orgaz al cielo y en menor medida en la posición de otros ángeles de la escena
celestial.
Predominio del color en la composición frente a la línea: algo que se sale de

la influencia de Miguel Ángel pero que la acerca a las obras del Manierismo
Veneciano y más concretamente a la órbita de Tintoretto y de Tiziano cuyas
obras eran verdaderas explosiones de color. Esta circunstancia la podemos
observar en los colores vistosos y llamativos que se utilizan en su obra que
llaman poderosamente la atención trasmitiendo una emoción al contemplador
como puede ser las casullas de los santos, las caras recortadas en fondo
negro de los personajes, la utilización de los blancos y en general el colorido
de la parte celestial. El predominio del color alcanzará su impronta más alta
en la representación del alma del difunto, en donde ésta queda resumida en
unas pinceladas de color en donde ha desaparecido totalmente la línea.
Un cierto “Horror vacui” en la composición: esta es otra de las características

del Manierismo, que trata de llenar todo el espacio pictórico. Ejemplo de ello
lo podemos ver sobre todo en la parte celestial en donde aparecen un sin fin
de personajes que llenan por completo la escena.
El movimiento: característica manierista que es ampliamente utilizada por los

pintores de este estilo, nace de la importancia que Miguel Ángel le da en la
representación de las figuras ya que el movimiento será una característica de
la belleza. El Greco lo utilizará en muchas de sus obras, si bien en esta no sea
algo característico a excepción de las aposturas de algunos ángeles que
denotan movimiento.
Análisis iconográfico de la obra:
Tal y como se ha dicho, la intención del cuadro era pintar el milagro aludido
anteriormente. Para ello el artista pintará el entierro tal y como se le ha
mandado, pero también una visión divina del mundo celestial ha donde irá el
alma del difunto.
En esta visión divina se representa el cielo. Un cielo dominado por la figura

central de Jesucristo Resucitado (vestiduras de blanco) que sentado en un
trono juzga como rey del universo a todas las almas. En este sentido hay
quien observa una relación entre este Cristo y las figuras de los pantocrátor
medievales.
Cristo como Señor del mundo ha de juzgar esta nueva alma del difunto que
sube hacia él. Por eso con la mano derecha señala hacia San Pedro (portador
de las llaves del cielo tal y como lo atestigua su atributo pictórico),
indicándole que ha de abrir las puertas para esta alma que sube.
Bajo la figura central aparece la Virgen María (vestida de rojo y azul como lo
demanda la tradición; rojo porque es coopartícipe de la Pasión de Cristo y azul
como color de la esperanza en el cielo) María, está en disposición de acoger el

alma que sube “ayudando” por medio de un gesto a que ese alma se eleve.
Esta posición de la Virgen como intercesora ante su Hijo, en el papel de Madre
será uno de los argumentos contrareformistas más utilizados en el Barroco
unos años después, con el fin de contrarrestar las doctrinas protestantes-
A la izquierda de Cristo (derecha del cuadro) aparecen toda una serie de

personajes que miran a Dios. Entre ellos y reconocibles a través de sus
atributos, cabe destacar en primer lugar a San Juan el Bautista, reconocible
por su vestimenta de piel de camello, que se encuentra en un primer lugar.
Junto a él dos mártires: San Pablo Apostol (con la espada de su martirio) y
Santiago el Mayor patrono de España, con indumentaria que asemeja la de un
peregrino y con la concha. En segunda fila de este grupo aparece Santo
Tomás (titular de la parroquia y reconocible por la escuadra de arquitecto) y el
resto de los apóstoles al lado de Felipe II, lo cual no deja de ser un
sorprendente lugar. En último lugar aparecen una serie de santos sin
identificar que forman el coro celestial alrededor de la Figura de Cristo. Bajo
ellos, en la esquina derecha de la parte celestial de la composición, sí se
pueden identificar a María Magdalena (cabellos despeinados) y a San
Sebastián con las saetas de su martirio, ambos santos con una devoción
particular en el lugar.
En la parte izquierda del cuadro aparecen diversas figuras del Antiguo

Testamento como el rey David con su arpa, Moisés con las Tablas de la Ley o
Noé al lado de su arca. En definitiva toda una serie de personajes importantes
a quienes se presupone un lugar destacado en la otra vida.
En la parte terrenal de la pintura, tal y como hemos indicado aparece el

cuerpo inerte del noble difunto que es recogido por San Agustín con su
vestimenta de obispo y San Esteban, diacono de la Iglesia y primer mártir. En
las casullas y estolas de ambos personajes decora El Greco algunos
personajes bíblicos y otras escenas; ropajes por demás contemporáneos al
autor del cuadro, pero no así a los de la época de las dos figuras retratadas. A
este entierro asisten anacrónicamente el párroco que encarga el cuadro que
preside las exequias leyendo el ritual de los oficios y otros clérigos de su
entorno. En la parte opuesta, un fraile franciscano, otro agustino y un fraile
dominico. En la fila del centro una serie de personajes contemporáneos de El
Greco, y el mismo Greco que nos mira de frente, invitando a entrar al
espectador en el misterio y milagro que está ocurriendo, de la misma manera
que hace el niño del primer plano hijo de El Greco señalando con su dedo al
personaje central.
Entre la parte terrenal y la celestial aparece el alma del difunto que es

ascendida ayudada por un ángel. De esta forma los ángeles serían los más
cercanos a los personajes vivos y por tanto más parecidos a los mortales-
73. Fachada de la Universidad de Salamanca
74. Fachada del Palacio de Carlos V
75. El Escorial
76. Bóveda de la capilla de los Junterones
77. El entierro del conde de Orgaz

Arte Renacentista

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I.E.S.

“FRANCISCO DE GOYA” MOLINA DE SEGURA

1.-LA ARQUITECTURA DEL QUINQUECENTO EN ITALIA

Bramante recreó un tholos, un templo circular antiguo, como el de Vesta,

En 1524 el Papa Clemente VII dispuso trasladar la biblioteca familiar desde el

pasivamente en un nicho; no sustentan nada, pero tampoco son sustentadas, pues

Después de muchos problemas, el Papa Paulo III, en 1546, le encomienda la

Panteón de Agripa en Roma seguido de la Santa Sofía de Constantinopla y Santa

59. Cúpula de San Pedro (Miguel Ángel)

60. Biblioteca Laurenciana (Miguel Ángel)

2.- EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

2.1 ARQUITECTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA: CUATRO OBRAS

Nombre: Fachada de la Universidad de Salamanca

Arquitecto: En ella colaboraron probablemente artistas franceses

Cronología: Primer tercio del siglo XVI (1529-33)

Estilo: Plateresco (Renacimiento español)

Materiales: ladrillo, piedra y mármol

Tipo de edificio: Arquitectura civil urbana

Esta fachada es un ejemplo de denominado estilo plateresco, la variedad más

conjunto: se ha demostrado que algunos elementos decorativos han sido extraídos

2.- Fachada del Palacio de Carlos V

Nombre: Fachada del Palacio de Carlos V

El Palacio de Carlos V está situado en el corazón de la Alhambra. Si planta es

La fachada repite la ordenación interior: dos pisos en los que se superponen

Aparecen elementos decorativos claramente inspirados en el renacimiento italiano cono los

Nombre: San Lorenzo del Escorial

llamado en su honor “estilo herreriano” caracterizado por la austeridad

Es un modelo de unidad y simetría . Tiene forma rectangular dividida por una

El exterior del edificio es austero, sólido, hermético , casi impenetrable.

La monotonía vuelve a romperse en el acceso a la fachada principal donde un

La Iglesia bajo cuyo altar mayor se halla el “Panteón de Reyes” es el punto

La fachada de la Iglesia tiene dos cuerpos: en el inferior un paramento

4. Bóveda de la capilla de los Junterones

2.2 PINTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA: EL GRECO

2.El segundo tercio de siglo: La influencia de Rafael, con sus elegantes

c) Artistas y obras más representativas: Las tres escuelas principales son

1.- Primer tercio del siglo XVI:

2.- Segundo tercio del siglo XVI:

• En Valencia el estilo sentimental de Juan de Juanes (+ 1579) funde el sfumato

el sfumato leonardesco con la dulzura de los rostros de Rafael y el detallismo

3.- Último tercio del siglo XVI:

Doménikos Theotokopoulos "El Greco" (1541-1614):

Nace en Creta donde inicia su aprendizaje en la tradición bizantina de los

a) Ausencia de perspectivas clásicas.(isocefalia , simbolismo e iconografía

• Religiosos, siguiendo las ideas de la Contrarreforma, como los citados

El entierro del Conde de Orgaz. (Selectividad)

Dimensiones: 487 cms x 360 cms (gran formato)

Luces de apariencia artificial: en la obra por tanto podemos observar como la

El alargamiento de las figuras: recurso ampliamente utilizado por el pintor en

Figuras cortadas: es otro de los recursos manieristas utilizados en esta

Figuras serpentinatas: consiste en la elaboración de figuras retorcidas que

Predominio del color en la composición frente a la línea: algo que se sale de

Un cierto “Horror vacui” en la composición: esta es otra de las características

El movimiento: característica manierista que es ampliamente utilizada por los

Análisis iconográfico de la obra:

En esta visión divina se representa el cielo. Un cielo dominado por la figura

como color de la esperanza en el cielo) María, está en disposición de acoger el

A la izquierda de Cristo (derecha del cuadro) aparecen toda una serie de

En la parte izquierda del cuadro aparecen diversas figuras del Antiguo

En la parte terrenal de la pintura, tal y como hemos indicado aparece el

Entre la parte terrenal y la celestial aparece el alma del difunto que es

73. Fachada de la Universidad de Salamanca

74. Fachada del Palacio de Carlos V

76. Bóveda de la capilla de los Junterones