ARTISTI IN RIVISTA
di occa B Anno IV, N. 14 • Luglio-Settembre 2005
Direttore Responsabile: Giorgio Lodetti / Direttore Artistico: Roberto Plevano / Progetto Grafico: Franco Colnaghi
Via Molino delle Armi, 5 - 20123 Milano • Tel. 02 58302239 02 58302093 - Fax 0258435413
Roberto Plevano
La rinascita della vita
Giacomo Lodetti
Conosco Roberto Plevano e la sua pittura da molti
anni e la frequentazione delle sue opere, unita a quella
della sua amabile persona, mi hanno insegnato poco
alla volta a comprendere il suo linguaggio pittorico.
Plevano uomo è generoso e come tutti coloro i quali
sono animati da genuine passioni umanitarie dà scarsa
importanza al denaro; questo è uno dei motivi per i
quali i suoi quadri non hanno raggiunto ancora quota-
zioni considerevoli, l’autore non ne ha mai difeso il
prezzo, anzi è sempre stato propenso a farne regalo ad
amici o anche a chi se ne dimostrava solo attratto.
Plevano lavoratore patisce la contraddizione di chi per
vivere è costretto a lavorare e non ha la buona sorte,
riservata a pochi e felici, di fare il lavoro che ama. La sua
condizione di funzionario ricorda quella di Morlotti
che soffriva l’ambiente bancario nel quale sentiva soffo-
care il proprio naturale spirito artistico.
Plevano artista è una sorgente inesauribile di forme e
colori, è una luminosa giornata di neve i cui fiocchi a
migliaia sono tra loro diversi, fantastiche forme geome-
triche di cui non se ne trovano due eguali, conferman-
do quell’aspetto della realtà in cui ogni forma di vita ha
fatto della diversità la sua essenza unitaria. La Terra vista
dallo spazio è una palla azzurra sulla quale non si per-
cepiscono gli innumerevoli rapporti tra maschio e fem-
mina che per dare vita ad una nuova creatura produco-
no e distruggono milioni di cellule. Come nell’emble-
matico quadro di Plevano Chernobyl for man sembra che
Elisa Pesapane
Paure e conflitti, la vita rappresentata
Luciano Carini
L’incontro con l’espres- magico e straordinario che, pur non essendo né surrea-
sione di Elisa Pesapane le né metafisico, è comunque etereo e sospeso, una via
è stato una piacevolissi- di mezzo tra realtà e finzione, tra mondo reale e mondo
ma sorpresa, una vera e virtuale. I suoi personaggi, scolpiti e ben caratterizzati,
propria immersione sono attori senza nome che si muovono sul grande pal-
nella buona pittura coscenico della vita alla ricerca di un proprio ruolo e di
figurativa, cosa alquanto una propria identità. E così, a volte ci appaiono attoniti
rara oggi, epoca domi- ed assenti, succubi ed emarginati, altre volte protagoni-
nata dall’informale e sti, loro malgrado, di fatti ed eventi di cui, però, non
dalla gestualità oppure sono artefici o ideatori, ma semplici e inerti spettatori.
da un concettuale esa- Espressione attuale, quella di Elisa Pesapane, perché scava
sperato, ormai al di
fuori da ogni canone
estetico-formale.
Di madre italiana e AnnaLaura Cantone
padre olandese, Elisa
Pesapane ha da poco
terminato gli studi alla
Reale Accademia di
Belle Arti dell’Aja, ma vanta già un nutrito e interes-
sante curriculum, con mostre personali e collettive di
riguardo e poi l’esecuzione di impegnativi murales in
svariati spazi pubblici d’Olanda.Artista dotata di buona
tecnica, ma anche di forte e personale creatività, pos-
siede un proprio mondo e proprie tematiche, un con-
tenuto di forte significato e pregnanza, potentemente
agganciato all’uomo e alla sua storia, alle problematiche
più vere e sentite della nostra contemporaneità.
Nelle sue opere, infatti, c’è forza e potenza espressiva e per le Segrete di Bocca
poi, ancora, un gusto scenico e teatrale che cattura l’at- in 3a pagina
tenzione dello spettatore immergendolo in un mondo
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lo spreco sia alla base del processo evolutivo, che per Chernobyl for man, 2005
ottenere un buon risultato sia necessario sbagliare un acrilico su tavola
cm 150 x 100
gran numero di azioni.
Sembra che l’atrocità di una guerra con tutti i suoi
morti porti con sé la forza rigeneratrice di una nuova
condizione, che la tragedia di una catastrofe nucleare
migliori la capacità di usare il cervello, sembra che per
tramandare ai posteri un artista, uno scienziato o un
architetto sia indispensabile seppellirne a migliaia.
Sembra che solo un individuo, pur in possesso delle
stesse capacità di tutti gli altri, ma sapendone fare
miglior uso, possa aprire un nuovo sentiero, una nuova
strada a milioni di altri uomini. Sembra che far parte di
questo ciclo, senza tempo e senza spazio, all’interno del
quale tutto si ripete in forme diverse ma omogenee,
significhi sbagliare in continuazione.
Questo mi fa pensare il suo quadro, lavoro intrigante di
cm 150x100, dove, su di un fondo blu, una pioggia di
piccole figure geometriche bianche ma con accenni di
colore, disposte a triangolo, dall’alto vanno a raggiun-
gere una sfera, dipinta con colori caldi, posta al centro,
sospesa come un ovulo sopra al grande utero di Gaia,
la Terra, sottostante, pronto a riceverlo per dare origine
ad una nuova vita. Dipinto esposto alla mostra Ri-
Creazioni che si inaugura il 18 giugno alla Topcolor di
Buccinasco, ed entrato a far parte della mia collezione,
fatta di quadri-testimonianza come li definisco, perché
acquisiti a testimoniare un rapporto amichevole instau-
rato nel tempo coi loro autori.
TOPCOLOR
Sabato 18 giugno 2005, ore 21
via Lomellina, 10/A - Buccinasco (Mi)
nel quotidiano, negli
attimi segreti dell’uma-
na esistenza, nelle assur-
de contraddizioni dei
nostri giorni facendo
emergere le solitudini
estreme, i silenzi e le
aridità di una vita sem-
pre più caotica e sfrena-
ta, le disperazioni esi-
stenziali e le cocenti
delusioni di una società
sempre più in balia di
falsi miti e di mancate
promesse. Allora i suoi
personaggi diventano
vere e proprie masche-
re esistenziali, un per-
corso tra l’essere e l’ap-
parire, una ricerca spa-
smodica e continua di
un difficile equilibrio
all’interno di una esi-
stenza che, con sempre
maggiore insistenza,
detta tempi e ritmi,
procedendo nella devastante opera di omologazione e di Le tre grazie, 2005
superficiale apparenza, allontanando l’uomo dai propri Tecnica mista su tela
ritmi naturali e biologici. In una società così strutturata cm 200 x 160
e organizzata, dove tutto viene asservito al consumismo
e alle mode del momento, l’artista diventa dunque la
voce intima e profonda della coscienza che grida al
cielo il suo malcontento e il suo disagio. La pittura di
Elisa Pesapane ci appare così come un grido accorato, Pir meu cori alligrari
un lamento silenzioso e insistito per ritrovare emozio- 2005
ni e sentimenti, origini e radici, per abbattere il muro
freddo e gelido dell’indifferenza e dell’incomprensione.
Tecnica mista su tela
cm 70 x 60
 Louise Lawton Louise Lawton creates work that vies between the
individual and the collective, the familiar and the
anonymous. These two divergences are expressed
using different styles and different mediums.
Lawton’s more familiar work, for which she is
widely sought after, is made from charcoal and
gesso on board. Renditions of groups of figures and
occasional elements of landscape are set against
white or grey charcoal backgrounds. Varying in
scale, these works display incomparable traditional
techniques manifested in a highly original and
contemporary manner. Unknown figures allude to
notions of collective behavioural patterns and the
absence of identity.
Set against the above are portraits of family and
friends using oil applied to layers of resin.This work
is personalized and specific.They are intimate depic-
tions that are both familiar and personable which
describe a subject as opposed to subject as object.
People, 2004, charcoal & gesso on board, cm 35 x 45 New York (part.) , 2004, charcoal & gesso on board, cm 45 x 45

Le più che ardite posture delle donne di Lantieri, sono

Paolo Lantieri l’estrema difesa di un femminino che l’artista riscatta
dal ludibrio dell’attuale mercificazione muliebre.
Le donne e i suonatori La prontezza della pennellata, i danzanti squilli di colo-
ri cozzanti fra loro, i segni tutti suoi (le mani, gli occhi,
Pierfrancesco Listri
le scollature), il veloce bric e brac del contesto, ora
marino, ora urbano, l’insistita costruzione per coppie di
La pittura di Paolo Lantieri induce Da Firenze, infine, il senso solenne della costruzione fi- figure costruiscono un teatro al femminile, vivace e
facilmente l’osservatore sbrigativo gurale presto stemperata, con brio fabulistico, nelle perfino ludico ma che non libera da un ambiguo
verso due non ingiustificati errori. cento posture di un quotidiano di quasi stupore di generose e innocenti ninfe del
Essere un pittore facile ed essere il moraviana narratività. Duemila.
narratore dell’erotismo femminile. Lantieri dipinge quasi esclusivamen- Chi vada a vedere del Lantieri i bel-
Bisognerà guardarsene, ribordeg- te donne e suonatori. I secondi lissimi disegni e schizzi di nudo,
giando invece il frastagliato porto- hanno la ventosa e policroma non vi ritroverà quella ironia
lano della sua tavolozza. E comin- grazia di arlecchini ipermoder- dinamica che poi riveste in
ciando col dire che pochi artisti ni. Le prime chiedono un più suoi quadri (quasi a contrap-
hanno una tanto partecipata italia- penetrante discorso. passo delle prevalenti mode di
nità, di cieli e di colori: dalla natia Ogni postura di queste fem- femminile magrezza), bensì
Attesa, 2004, olio su Messina, con tutta la follia della solarità siciliana, risa- mine. È insieme un’allusione una inquieta e ricca eleganza
tela, cm 100 x 100 lendo fino alle mittelleuropee meditazioni degli studi aperta verso le grazie trabor- di segno, una pienezza sicura
a Brera, fino alla definitiva scelta mediana di Firenze, danti e generose di una sco- di tratto che indica il nutri-
deposito di troppi secoli di pittura di figura per non perta sensualità, subito però e mento di una grande e assimi-
accompagnare un artista di così indubbio e nativo insieme, corretta da un’ironia e lata tradizione.
talento. Ora dalla Sicilia, perfino quella di Guttuso, da una quotidianità metropolitana Semmai per Lantieri la sensualità è
certo, questo architetto fattosi pittore ha tratto la magi- che ne stempera la carica verso non la inquieta metafora della condizione
ca miscela fra cozzi di colore trionfante e geometrica ovvie inquietudini di manichino. femminile dei nostri giorni, che non
spigolosità di forme pastose. Le sue donne insomma non hanno il cinismo rinuncia al richiamo di una venustà piena,
Da Milano Lantieri sembra aver tratto quel divertito delle “pomone” boteriane, ma semmai tendono a tra- senza mai avvilirla a lusinga di manichino.
melange fra profondità segnica che si fa divertita sce- sformare il generoso trionfo della carne in un fragile
nografia d’alta cartellonistica europea. incanto di ingombranti innocenze. Concerto, 2004, olio su tavola, Ø cm 80

Spartito, 2004, geometria

Jeannette Rütsche Sperya frazionaria su stampa
fotografica Lambda
Ricordi da un mondo lontano cm 50 x 60 montata su
bilaminato 20 mm
plastificato opaco, copia
Chiara Cinelli unica

“Il mondo lontano è la nostra interiorità, universo unico per do si fa riflesso. Ogni singolo evento della sua vita è care tracce di questa,
definizione e costituzione che ci identifica e che è visibile solo segnato da una forte spinta al superamento dei limiti nelle infinite strade della
Pensiero, 2004 a noi stessi nella sua interezza”. conoscitivi, che si realizza in un’incessante e pervicace percezione e dell’emo-
geometria frazionaria Così Jeannette Rütsche, in arte Sperya, definisce con esplorazione del non noto. Il desiderio di entrare in zione. In fondo la crea-
su stampa fotografica chiarezza e sinteticità l’oggetto della sua esplorazione relazione con nuove realtà, nuovi paesaggi e civiltà la zione e la fruizione non sono altro che due facce di
Lambda cm 60 x 80
montata su bilaminato artistica, che è ricerca dinamica, in costante equilibrio porta a viaggiare lungo meridiani e paralleli, Svizzera, uno stesso gioco, in cui ci nascondiamo, ci inseguiamo,
20 mm plastificato tra un dentro e un fuori, tra un mondo lontano sempre Austria, Gran Bretagna e poi Senegal, le Americhe da ci perdiamo per ritrovarci sempre, là da dove eravamo
opaco, copia unica più visibile allo spirito e una realtà che di questo mon- Nord a Sud, i Caraibi, Canada, l’Atlantico del Nord. partiti. Il gioco dei bambini, il gioco dell’arte.
Infine, l’incontro con la magia del Sahara. Un accumu-
lo esperienziale dalle molte facce e molteplici direzio- Identità, 2004, Geometria frazionaria su stampa
ni, che trova un’unica forte intenzionalità nella profon- fotografica Lambda cm 70 x 100 montata su bilaminato
da presa di coscienza di una vita interiore che la 20 mm plastificato opaco, copia unica
costruisce e la identifica sempre più. Con la geometria
frazionaria, o geometria frattale, trova lo strumento ido-
neo a dare espressione alle forme e allo spazio infinito
della mente. I mondi possibili che Sperya esplora sono
quelli dell’interiorità, dai complessi meccanismi della
mente umana fino ai più reconditi angoli del nostro
spirito. La forza comunicativa delle opere di Sperya
risiede nella verità del suo messaggio e nella limpidez-
za spirituale che lo ha generato. Da un punto di vista
“linguistico”, l’infinita possibilità di giochi ottici che la
geometria frazionaria consente di realizzare, dà vita a
spazi prospettici inusuali e a molteplici possibilità di
visione e fruizione: lo spazio non ha carattere di pre-
scrittività per lo spettatore, lo sguardo può decidere di
fermarsi su un piccolo punto dell’opera e farsene ipno-
tizzare, perdersi nell’insieme, o penetrare più a fondo
facendosene assorbire. Sperya indica la via, sulla scia
della propria visione, allo spettatore il compito di cer-
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Galleria dell’Immagine
via Gambalunga, 27 - Rimini
Inaugurazione
venerdì 22 luglio, ore 21.00
23-24 luglio
ore 9,00 - 12.30 e 21.00 - 22.30
dal 25 luglio al 7 agosto
ore 9.00 - 12.30
Ingresso libero
Info: 0541 51105 - 0541 709792

Fiabilandia
Il parco tematico di Rivazzurra di Rimini
via Cardano, 15 - Rimini
dall’8 agosto al 4 settembre
ore 10.00 - 24.00
dal 5 al 18 settembre
ore 10.00 - 19.00
Ingresso compreso nel costo del biglietto del parco
Info: 0541 372064 - 0541 709792
 In un tempo in cui si dà
importanza al cosiddetto
gusto oscillante, al com-
porre in nome della prov-
visorietà e dell’eventuale
tout-court, con il rischio di
far saltare ogni “misura di valo-
re” e di ridurre ogni efficacia
alle impressioni costruite, rende
fiduciosi trovarsi di fronte un
pittore come Vito Ferrara, in
cerca dell’essenziale struttura
del momento creativo (direi fra
Baumgarten e Brandi), coraggiosamente ancorato a
Astrazioni Geometriche un’opinione che ha prodotto molto nel secolo appena
2004, olio su tavola trascorso.Ferrara,un partenopeo che opera in area labro-
cm 50 x 50 nica, ha scelto, con gran convinzione culturale, di donar-
ci composizioni che si rifanno all’astrattismo lirico. I
numi tutelari, se così vogliamo chiamarli, sono, oltre a
Mondrian,Alberto Magnelli, Mauro Reggiani,Atanasio
Soldati e Gualtiero Nativi: ma sono soltanto punti di
riferimento da rispettare e non modelli da riproporre,
con personali varianti sul piano pittorico e sul versante
strettamente compositivo.
Quindi non mi perderò, in questo breve saggio, nei
complicati riscontri — confronti fra l’artista Ferrara e gli
altri, anzi cercherò di mettere in luce la singolarità del
suo modulo, avendo compreso — durante alcune piace-
voli conversazioni, anche telefoniche e cartacee — che
Ferrara ha sposato questa tesi espressiva all’insegna di
un'osservazione acuta e profonda del rapporto tra forme
e colori in sintonia geometrica — “l’ésprit de geome-
trie” è un’affermazione che ha trovato molti adepti nel
secolo scorso soprattutto là dove diviene sinonimo di
“armonia”, da intendersi quest’ultima come conoscenza
libertaria d’ogni apparizione e d’ogni magia visiva —.
Ferrara riesce a mettere colori e forme in dialogo stret-
Vito Ferrara
Le armoniche astrazioni
Ferruccio Battolini
to, badando a rispettare il rigore intransigente dell’estra-
zione geometrica e non rinunciando mai a comunicare
la cifra del suo “sentimento pittorico” che fa parte inte-
grante e sostanziale della cultura che scaturisce da una
forte e motivata “napoletanità”.Colorare forme libere ed
inusuali significa per Ferrara dare una dimensione pitto-
rica anche allo spazio della consapevolezza più aperta e
dinamica e quindi fornire una testimonianza sia di una
quota di razionalità dell’immaginazione sia dei fram-
menti meno leggibili ma determinanti di poesia della
struttura compositiva. E così viene a realizzarsi una
“situazione pittorica” che si propone al di là d’ogni con-
suetudine in grado di porgere speciali ed inconsueti
valori, colti nella loro più ordinaria essenzialità. Ogni
gesto creativo di Ferrara ha una sua storia, un suo per-
corso, direi un suo codice: nessuno di quei gesti è foto-
copia di un altro, non soltanto per-
ché diversi sono gli impulsi ma per-
ché ogni dipinto viene dall’artista
percepito come tappa di un itinera-
rio sconosciuto, sempre alla ricerca
di nuove armonie, di nuovi ordina-
menti spaziali, di nuove dimensioni
formali. Le sue opere rispondono
ad una forte voluttà di nettezza
compositiva, di congiungimenti
cromatici che attivino prospettive
inedite, d’equilibri che si autogo-
vernano, di suggestioni inaspettate.
Vorrà perdonarmi Ferrara se cito
Atanasio Soldati, ma lo faccio in un
certo senso per osservare il valore del suo discorso
creativo :“la pittura astratta ama l’analisi, l’ordine, gli
armoniosi rapporti della geometria, la chiarezza, come
d’ogni opera d’arte di qualunque tempo, da Partenone a
Piero della Francesca”. Come non trovare nell’opera
di Vito Ferrara, sebbene con modulazioni diverse,
quegli stessi valori fondanti?
Per esempio: rigore, lucidità realizzativa, onestà, emozio-
ni dinanzi alle forme viste nella loro originalità ordina-
ria e loro trasformazione in simboli di una realtà in con-
tinua mutazione, disarticolante o unificante che sia. Mi è
difficile non pensare al travaglio intellettivo di Ferrara
che “osa” proporsi, con ostentato coraggio, proprio là e
quando vengono esaltate certe soluzioni un po’ esauste e
asettiche, rispettose della realtà.
La realtà non può essere raffigurata e non può fare a
meno della conoscenza. La “bellezza” — lo sa benissimo
Ferrara — oltre che difficile è strettamente legata alla
libertà. E lui, nelle sue opere recenti, mostra la sua voluttà
di indagare oltre gli steccati, di lasciar galoppare la sua
fantasia, di rifiutare le abitudini stanche e le “modella-
zioni” usurate, di evitare l’aneddotica per avvicinarsi il
più possibile alla “substantia”
delle cose. Le sue estrazioni
geometriche sono ad un
tempo “concrete” e simboli-
che: sono anche, a ben pen-
sarci, la conferma della neces-
sità di lottare per la libertà
senza cui si rischia sempre di
vedere roghi od oblii o revi-
sionismi. Concludendo direi
che anche per Vito Ferrara le
sue forme colore astratte
sono come “esseri viventi —
diceva Yves Klein — veri abi-
tanti dello spazio”.

Cristiano Tassinari Sorpresa 2, 2004, inchiostro e

tempera su tavola, cm 80 x 100

Giovanni Blanco
Cristiano Tassinari, nato nel 1980, è laureando
all’Accademia delle Belle Arti di Bologna e oltre a
numerosi inviti a mostre e testi critici ha vinto quat-
tro primi premi ed è stato tra i tre artisti prescelti a
Forlì a presentare un’opera commemorativa di Marco
Palmezano.
Molti se e ma e pensieri si potrebbero fare sulla
pittura contemporanea, è più giusto invece
lasciare la memoria intrisa e impastata di testi-
monianze visive e poetiche, permettendo una
migliore lettura dei lavori di Cristiano Tassinari.
Corre nella sua pittura l’urgenza di raccontare e
raccontarsi attraverso i caratteri corporeo-figu-
rali che causticamente determinano la condi-
zione basica dell’uomo. È la precipua apparte-
nenza di sé che ci riconduce alle formulate e
Arreso, 2004 calibrate pose del corpo: teste, membra, articolazioni
Tecnica mista su tela che, esfoliate dalle loro apparenti sembianze, ci riman-
cm 70 x 50 dano in un’atmosfera complessa, in continua trasforma-
zione. La forma richiama sé stessa, cerca di costruirsi nel
ductus pittorico, materico e liquido, e tenta una via di
separazione tra l’autore e il corpo dell’immagine.Tra i
temi cari a Tassinari vi è la testa che si inscena dentro
lo spazio infuocato dell’esistenza. Si comprime per non
essere giudicata, si rapprende in sostanza pura, quasi
fosse un organo, per nascondere la propria incapacità di
appartenere ad una dimensione “morale” che pietosa-
mente dovrebbe non essere predisposta al pregiudizio e
alla non accettazione del diverso, dell’estraneo. Scatta
Doppio, 2004 così un meccanismo “aggressivo” che consente di per-
Tecnica mista su tela vadere le strutture della forma di cui Tassinari, con
cm 70 x 50 perizia tecnica ed emotiva, ci fa perdere le coordinate,
solleticando il movimento plastico che è insito
nella verità dei soggetti. È curioso constatare
nelle sue opere la dialettica esistente tra il rigo-
re geometrico delle parti, ludicamente compo-
ste, e la sostanza pittorica sciolta in una terragna
e pervasiva fisicità. Nella costruzione cromatica
delle sue figure l’esperienza tonale e quella gra-
fica si intrecciano, quasi a comporre due
momenti antitetici, dando adito al senso del
non finito, frattura antologica che nel gesto
interrotto si potenzia. Questa è la realtà coin-
volgente della posizione estetica di Cristiano
Tassinari. Lo vedo come Essere che non pensa
più all’uomo nella sua integrità e centralità, in
una apparente armonia, che invece è alterata
dai “festosi” e “grotteschi” grafismi dove si ada-
gia il sogno utopico, sempre affascinante, di un
nuovo Umanesimo.
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palo telegrafico, osservato-
re attento, che nella raffi-
gurazione prospettica vie-
ne incontro allo spettatore
con un fascino arcano e
misterioso, magico e in-
quietante indicatore di
strada, viatico che attraver-
sa la campagna e trasporta
altrove verso chissà quali
tracciati del pensiero; cosi’
come i numeri e le targhe
posti qua e là sullo sfondo,
a volte visibili in primo
piano altre volte più nasco-
sti, si pongono quasi come pietre miliari sul cammino
Marco Arduini della vita, caricati di una forte simbologia, lapidi con
date dell’artista o dei suoi cari.
Francesca Baboni La memoria collettiva si fa cosi’ memoria iconografica
personale ed intima, sempre accompagnata da un liri-
Nelle opere dal tratto iperrealista di Arduini, inchiostri smo di sorta che la rende straordinariamente umana e
e tempere su tavole di pioppo rese efficacemente con suggestiva.
una retinatura atta a creare le ombre del chiaroscuro,
Un giorno qualunque in una strada di Milano, 2004
attraverso intrecci di linee ora morbide ora dure che
inchiostro e tempera su tavola, cm 100 x 80
assieme arrivano a comporre una felice pienezza com-
positiva, viene messa in pratica la commistione tra la
tecnologia televisiva e la memoria umana; il risultato
sono dittici nel quale il racconto diviene elemento pre-
dominante ricostruito sulla base di immagini conse-
quenziali. Il soggetto è sempre l’uomo contemporaneo
colto nelle sue varie accezioni e in preda a mutevoli
sentimenti: i bambini dagli sguardi limpidi e smarriti e
dalle mille espressioni facciali frutto della comunicazio-
ne mass-mediatica, volti di uomini e donne colti nella
mimica dei loro attimi d’intensità interiore, che vengo-
no filtrati dall’immaginario televisivo e dalla pubblicità
e accostati ad elementi apparentemente contrastanti,
come macchine d’epoca, rottami e pali telegrafici.
Volti che attraverso le rughe d’espressione, rese con
perizia quasi calligrafica, lasciano trasparire i dati di un
loro personale vissuto, la loro storia individuale, fram-
menti di ricordi lontani; il ricordo si sposa all’immagi-
ne tecnologica nella dualità della sequenza combinato-
ria tutt’altro che casuale, nel momento in cui la figura
umana viene avvicinata a dittico con l’elemento legato
alla memoria, sia questo un tacco spezzato nel caos me-
tropolitano, un vecchio aereo, una macchina da corsa o
l’ombra di una città scomparsa.
La figurazione dettagliata si arricchisce del dettaglio
concettuale e riconfigura nella mente il momento per-
cepito caricandolo di nuovo significato.
Elemento costante e ossessivo delle sue opere, sempre
costantemente presente come presenza silenziosa, è il
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Tel. 0258317556 - 3485630381
Sul filo dell’arte
domanda surreale
Si può psicoanalizzare
un quadro?
risponde
Lucio Perna
Credo di sì.
Certo occorrono due fondamentali condizioni:
a) che il quadro da sottoporre ad analisi sia il risulta-
to dell’opera di un autentico artista, intendendo per
tale non l’artista di successo ma l’accanito operatore
che crede fermamente e disinteressatamente in ciò
che realizza. Il quadro insomma, sul lettino dell’anali-
sta deve essere autenticamente sincero. Non può bluf-
“Arte Prioritaria” è un’idea di Gabriella Brembati. Il logo è stato realizzato da Danilo Premoli
Arte Prioritaria, ovvero priorità dell’arte, è un’idea
forte a supporto della libertà di pensiero atta a inci-
dere nella coscienza e conoscenza collettiva. È un
concetto che va rafforzato con la partecipazione
attiva degli artisti e di chi tenga a cuore le sorti del-
l’arte. Per tale ragione chiediamo soprattutto a que-
sti di esprimere un proprio pensiero sull’argomen-
to. Desideriamo che sorga un movimento di idee
che, raccolte, formino un documento in progress.
E-mail: bazart.scoglioquarto@tscali.it
La priorità dell’arte. L’arte è l’anima dell’uomo. Si può
vivere anche senz’anima, ma si sta male, molto male; e
si può anche morire. (Lucia Pescador, artista)
Che cosa vogliamo o possiamo intendere per arte prio-
ritaria? Direi che il termine non si adatta a un giudizio
di valore, bensì di preminenza nelle consuetudini, nel
costume, nel successo mercantile e così via. Quella che
vince la partita all’interno del suo tempo. Poi si vedrà.
(Rossana Bossaglia, storico e critico d’arte)
È come una bolla d’acqua che va lentamente e non arri-
va mai. Povera poesia! (Edoardo Franceschini, artista)
Nel mondo dell’arte è difficile sopravvivere al valore
storico. Per autenticarsi la critica d’arte inventa l’arte
della critica. Arte prioritaria, ovvero la posta in gioco
del tempo libero… (Miklos N.Varga, critico d’arte)
Mi domando se vi sia una priorità nella vita oltre al
vivere. Se si ama l’arte, se l’arte diventa una priorità,
ecco che ogni altra cosa si subordina ad essa. Nella
mistica dell’arte l’essenza delle cose, lo spirito che vi
abita, il mondo stesso con i suoi misteri si ripropone
evidente e consente una vita più consapevole.
(Stefano Soddu, artista)
L’arte è prioritaria su tutto.
(Grazia Chiesa, Direttore della rivista D’Ars)
Arte Prioritaria. IN PRIMIS.
(Nicola Dimitri, Direttore Young Museum, Revere, Mn)
ARTE PRIORITARIA: perché l’Arte deve arrivare
prima e deve arrivare ovunque. Di più: l’Arte dovreb-
be entrare nel paniere dei prodotti di prima necessità e
di largo consumo per calcolare l’indice del costo della
vita. (Danilo Premoli, artista)
L’urgenza del fare arte per taluni artisti è pari all’ur-
genza del mingere. (Marcello Diotallevi, artista)
Cronache bestiali: Milano, tagli alla cultura, silurato
Caroli. Arte sconvolta… e tra priori irata. Scavare…
riappropriarsi… ricostruire… scavare… riappropriar-
si… ricostruire… (Gianni Ottaviani, artista)
Vi sono stagioni, collettive o personali, in cui è possibi-
le, con la sintesi dell’aforisma, risolvere un interrogati-
vo profondo. Allora, non sembrandomi la presente del
medesimo tenore, consumo le righe a disposizione
pensando che un ruolo possibile sia quello della rifles-
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a cura di Stefano Soddu
fare anche perché verrebbe certamente smascherato
se fosse privo di coerenza e senza contenuti al di là e
indipendentemente dalla minore o maggiore sua gra-
devolezza di facciata. In altri termini il quadro non
deve portare la maschera.
b) Che l’analista sappia leggere i grandi turbamenti
dell’uomo e le sue più segrete pulsioni, sappia che
l’opera non nasce dal ricordo o dall’interpretazione
dei sogni ma che essa stessa crea il sogno attraverso i
materiali e i linguaggi dell’arte.
Che sia onesto e non anteponga il pensiero dell’ono-
rario al compito prioritario dell’indagine. Può però
talvolta accadere, (forse di fronte alle vere opere d’ar-
te), che l’analista cada nella tentazione di distendere se
stesso su quel lettino al posto del quadro, vinto dalla
suggestione che l’opera gli trasmette.
Tutto è sconvolto. Il quadro, che ha assunto indipen-
denza dal suo autore, interfaccia direttamente con l’a-
nalista quasi in un’inversione di ruoli. È l’opera che
sione, del tempo rallentato, come avviene con la posta
prioritaria. (Alberto Veca, critico d’arte).
Crocevia di mondi. L’arte è vera solo quando è presen-
te e diventa voce di uomini che può essere espressa e
riportata da chiunque nella collettività la raccolga.
Arte prioritaria = adeguamento ai tempi della società
= trasformazione = pace = raggiungimento del desti-
natario prima che sia troppo tardi.Tutto si trasforma; la
pace è una conquista; l’arte è sua paladina. L’artista è il
medium che affida alla ‘scrittura rupestre di oggi’ un
messaggio che lega tutti e travalica i secoli.
(Debora Ferrari, poetessa e critico d’arte)
L’arte, per l’uomo, è la migliore forma di indagare la
realtà. (Giacomo Lodetti, libraio)
Per me l’arte prioritaria è rappresentata dal Manifesto
del manierismo geometrico, dove per la prima volta
viene sottolineato il problema delle note in calce che
anche i pittori dovrebbero iniziare a mettere. Non ci
sono allievi senza maestri, e questi ultimi hanno tutto il
diritto di essere dichiarati.
(Carmine Caputo di Roccanova, artista)
L’arte è prioritaria perché dice di un’interiorità indivi-
duale nella quale altre individualità possono specchiar-
si riconoscendosi in una relazione.
(Antonella Prota Giurleo, artista)
L’arte è la miglior forma di investimento… per lo spi-
rito. (Zita Vismara, gallerista)
Arte prioritaria, quella che arriva al cuore e alla mente,
talvolta derisa o incompresa ma recapitata sempre da
mani misteriose. (Ettore Moschetti, artista)
Nella sala del Palazzo / della lingua nazionale / com-
punti commessi archivianti / catalogano per priorità /
parole - detti - titoli e mottetti. La gentile Brembati
gallerista / brevetta “Arte Prioritaria” / creatura predi-
letta che / l’ineffabile commesso assimila / alla mer-
cantile prioritaria posta / mentre indignata la Brembati
protesta. (Alvaro Occhipinti, artista)
Mai arbitraria o consolatoria, / se mai perentoria. /
Non parla, non dà, ma preme, urge, pretende, incalza /
A volte tormenta / E alla fine è quel che ci salva /
È l’arte, è prioritaria. (Cristina Rossi, giornalista)
… urgenza, passione, patos, incazzatura, amplesso, fare,
dire, adorare mettere, togliere, bagnare, manipolare,
incollare, guardare, riflettere, cancellare, rifare, giocare a
credere che l’ARTE è VITA quindi respiro, sete, passio-
ne è prioritariamente Poesia. (Max Marra, artista)
La poesia è prioritaria, la poesia di ricerca, verbale e/o
figurata, in quanto è l’arte più immune da connivenze
basse, in un filo diretto esclusivamente con lo spirito
dell’autore, con le sue esigenze di trasfigurazione della
propria esistenzialità, in senso espressivo o estetico.
Infatti, potrebbe accontentarsi di non farla trapelare da
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arte contemporanea
V. le Col di Lana, 8 - MI
0258317556 - 3485630381
trasmette, quasi per energia pro-
pria, gli impulsi che stimolano
profonde e recondite pulsioni.
E allora, come nelle storie da
rotocalco, il distaccato analista,
avvinto dalla bellezza, non può
più sottrarsi all’incontrollabile
voglia di possedere l’opera.
E vissero per sempre insieme
felici e contenti.
Lucio Perna
espone
dal 27-5 al 30-9
presso gli Uffici di
Mind Share
via Silva, 36 - Milano
una pura e semplice dimensione mentale… In un’epo-
ca e in un mondo in cui le arti visive per essere prese
sul serio, ossia per avere risonanza mediatica e quindi
valutazioni (a) critiche e mercantili, devono rientrare in
una vera e propria industria dell’arte (desueta persino la
formula “sistema dell’arte”), resta in opposizione la
priorità di una poesia critica.
(Giancarlo Pavanello, poeta e artista)
Dice Mario Luzi,… “Ma poi arriva la Natura a ricor-
darci della sua potenza!… il divario tra ricchi e poveri
è diventata la vera questione, con il suo trauma plane-
tario. Ecco, sono queste le considerazioni essenziali da
fare; per questo la presa di coscienza dell’uomo deve
accelerare al massimo”. L’artista può essere indifferente?
Con il mio lavoro quasi trentennale, voglio sottolineare
da sempre ciò che è prioritario: il cibo per la sopravvi-
venza e per la continuazione della specie.
(Armanda Verdirame, artista)
L’epitelio della pittura si deposita sulla muta superficie
è l’antico sedimento di un baco da seta che si trasfor-
ma, sotteso. (Giovanna Fra, artista)
La vita è un sogno d’arte. L’Arte è un sogno di vita.
Vivere d’arte rende immortali. (Franco Colnaghi, artista)
L’Arte è Prioritaria… quando l’essere che ne è posse-
duto ha la necessità di manifestarla oltre ogni limitazio-
ne. (Francesco Cucci, artista)
… ha da essere / un’istituzione / anti-istituzionale /
ch’ha da servire… (Eugenio Zanon, artista)
Che cosa sia l’arte nessuno lo sa o, meglio ma è lo stes-
so, tutti lo sanno: quell’attività che comunemente la
maggioranza degli individui definisce tale.Anche all’ar-
te, inoltre, potrebbe adattarsi quella definizione che si dà
della filosofia: “la filosofia è quella cosa per la quale e
con la quale, ma anche senza la quale, il mondo resta
tale e quale”. Prioritaria: termine che deriva dal latino
prior che, in traduzione, significa “precedente” e/o
“superiore”. Così “arte prioritaria” è tanto quella che
“viene prima” quanto quella che “è superiore”, cioè
un’arte senza false modestie né complessi di inferiorità
ma anche un’arte che può accampare diritti di “ius pri-
mae noctis” e, allo stesso tempo, che è già passata.
Ma, oggi,“prioritaria” è la posta: cioè quella lettera che,
non essendo lenta come la “posta ordinaria” ma nem-
meno veloce come la “posta celere”, arriva un po’
prima di quella e un po’ dopo di questa. Fuor di
metafora:“arte prioritaria” è un’arte che vuole “corre-
re”, “mutare” velocemente, “scorrere” e “rinnovarsi”
subitamente e che, pur riconoscendo la supremazia di
alcune soggettività uniche e geniali, afferma cosciente-
mente il suo valore. (Giorgio Bonomi, critico d’arte).
Segue sul prossimo numero
Collana “ARTE PRIORITARIA” Anno 2005
Ed. Bazart&Scoglio di Quarto - Edizioni numerate
B. Aprea - P. Barrile - A. Borioli - A. Casiraghy - G. Cerri
F. Colnaghi - C. Crosio - M. De Maria - M. Falco - R. Forino
G. Fra - N. Frigerio - G. Gurioli - G. Kuruvilla - A. Lambardi
M. Marra - E. Moschetti - O. Alvaro - R. Origgi - A. Pasquali
G. Pavanello - L. Pescador - L. Pitscheider - A. Pizzolante
C. Plicato - D. Premoli - A. Prota Giurleo - G. Rubino
S. Sansevrino - L. Sessa - S. Soddu - A. Spinelli - A. Verdirame
E. Zanon

Natura morta
con zucche, 2004
olio su tavola
cm 70 x 90
Licio Passon
Giovanni Serafini
Non voglio convincermi che l’oscurità sia stata in qualche momento il
fine dell’arte. Non è credibile che intere generazioni si siano affannate
solo a creare enigmi.
Jorge Luis Borges
“Cosa vuol dire essere classici? Vuol dire essere bravi
per l’eternità” così Giorgio Soavi qualche tempo fa
parlando dell’indimenticabile Gianfranco Ferroni. Un
itinerario di successo, anche se non ancora agguantato
per l’eternità, lo ha percorso anche Licio Passon giova-
ne pittore autodidatta.Anch’egli d’impostazione classi-
ca, che non significa adagiarsi sul passato ma trarne linfa
e incitamento, si esprime con un brillante ed estrover-
so linguaggio figurativo che trasmette universalità alle
sue lucide emozioni. Libero, per inconscia fortuna, dai
condizionamenti delle Accademie che troppo spesso
invece di immergere i potenziali artisti nella grandiosa
storia dell’arte — storia stessa dell’uomo — arricchen-
doli di conoscenze, non solo vengono meno al loro
compito ma pretendono di dirigerli su frusti modelli di
contemporaneità come unico modo d’intendere l’arte
oggi. Il politically correct applicato all’arte! Passon, che
proviene da un’austera famiglia friulana, si è dapprima
costretto a studi ed impegni tecnici e solo in seguito il
suo impulso alla creatività ha liberato l’ardimentoso
sogno del dipingere. Il suo studio insolitamente lindo,
di metodicità asburgica, accoglie con una sensazione di
Francesco Magli
Carlo Sliepcevic
Francesco Magli è nato ad Aiello Calabro, in
provincia di Cosenza, un paese di poche
migliaia di abitanti, non distante dalla costa tir-
renica. Probabilmente deve a queste origini la
confidenza con la semplicità un po’ boschiva
che trasmette alle sue creazioni. La sua visione
delle cose è pervasa da un senso profondo della
realtà, come se in lui fosse presente un senso
del tempo scandito dall’immutabilità delle sta-
gioni. Questa costante entra nelle opere che
realizza. A mio modo di vedere, l’oggetto si
erge, per Magli, a dire di sé. E questo, senza
ragione. E ciò prescindendo da una collocazio-
ne funzionale. Lasciando ad ognuno la libertà
di interpretare ciò che egli realizza, nel detta-
glio, mi permetto una considerazione generale
sulle sue opere. Magli inconsapevolmente
interroga le cose, perché dopo aver conferito
loro una temporalità pervasa del proprio senso
Messaggio, 1992 della realta, è come se ne avvertisse la distanza dalla loro
assemblaggio temporalità, e attende quindi da esse una risposta (in
qualche modo, è un chiedimento del gesto, il suo). La sua
presenza, nelle cose che realizza, è pertanto questa inter-
rogazione. Direi che è lì che lo si trova, perché nella
profonda semplicità della “domanda” (che pochissimi
sono in grado di porsi) c’è la consapevolezza della pro-
pria inadeguatezza, e questa può essere solo dell’uomo,
che quindi si può avvicinare. Potrei fermarmi qui. In
questa sorta di poesia del silenzio che è nelle sue opere.
E tuttavia non posso esimermi dal parlare della persona
Magli che è difficilmente decifrabile. Pervaso di mitezza
e di una pacatezza un po’ selvaggia, non permette di
capire cosa dirà o farà in un certo momento se ve lo tro-
vate di fronte. La sua presenza suggerisce solo rispetto.
Nella presentazione a un catalogo delle sue opere, com-
pare questo emblematico pensiero di Garcia Lorca: “A
questo mondo io sono e sarò sempre dalla parte dei poveri. Sarò
sempre dalla parte di coloro che non hanno nulla ed ai quali si
nega perfino la tranquillità del nulla”.
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benessere: i quadri si offrono intorno e il visitatore
viene avvolto da un piacere che da appagamento di
sensi diventa gioia dell’anima. Un’opera precoce e di
inconsueto equilibrio Il tè delle cinque, quadro corale e
complesso che occupa un’intera parete (cm 180 x 230),
è il suo benvenuto: la cordiale atmosfera di una sontuo-
sa sala da tè affollata di personaggi eleganti tra porcella-
ne e teiere d’argento, riunisce in una specie di emble-
matico capodopera vari e riusciti generi: squisiti ritratti,
esplosivi mazzi di fiori, nature morte di ineludibile
seduzione, e dal fondo una luce nordica a filtrare da una
grande vetrata oltre la quale si delinea un giardino fia-
besco: ennesimo concluso quadro nel quadro.
Dai suoi pazienti, pensosi pennelli nascono le solitarie
Stilleben già molto apprezzate e presenti in Gallerie di
prestigio. Composizioni mature in cui il tempo si ferma
in uno spiovere laterale di luce, liberando in spudorato
risalto visceri umidicci di zucche sventrate, anacronismi
di polvere su vecchie impagliature sfasciate, scheggiatu-
re ripetute sullo stesso angolo di un ricorrente cassetto,
succose profferte di limoni tagliati, sbreccature di broc-
che inesauste, laboriosi inenarrabili intrecci di jute in
cui è conficcato il mistero di un assente arnese ferri-
gno, reticoli fini di foglie in controluce a dissipare eva-
nescenze grigie su orizzonti di silenzio. I ritratti femmi-
nili lasciano trasparire tracce di intimità pensierose su
sfondi di sorprendente complementare ricchezza, stem-
perati a volte in sommesse vibrazioni di colore che ne
accrescono l’atmosfera di composta bellezza. Ma sono le
sue Venezie a suscitare un viluppo di strabilianti passio-
ni. Di puntiglioso verismo nella descrizione delle fug-
genti prospettive delle facciate, serrate un po’ oblique a
sorreggersi a mo’ di annose carampane, Passon ci rac-
conta la sorpresa di casuali prodigi: intonaci sfatti, ara-
beschi barbagli multicolori, disordine penzolante di fili,
antenne sghembe, indumenti a spaventapasseri nel
vento, macrocefali comignoli vacillanti, pietre corrotte,
fondamenta ammantate di alghe simili a fitti velli
bagnati di ansimanti belve marine: già bastevoli rappre-
sentazioni, volendo, di compiuto valore. Sono invece i
portentosi riflessi dei palazzi catturati a liquefarsi nei
canali, allungati in un ininterrotto lamento di architet-
ture sfinite, che ci trascinano in un ulteriore travolgen-
te racconto. Splendidi attimi rubati con la percezione
della miracolosa provvisorietà della luce, che pure si
nutre qui di un perverso fascino di decadenza, in cui il
sole gioca con impudenza di bagliori e di ombre nel-
l’impercettibile vacillamento dell’acqua, quasi illuden-
doci che le offese del tempo possano per strane alchi-
Al Caffè degli Artisti
Giacomo Lodetti
Pittura e cucina sono due facce dell’Arte che accom-
pagnano l’uomo da millenni, allietandolo. Sulla scia di
questa considerazione ho dato vita al sodalizio tra due
storiche aziende della Galleria Vittorio Emanuele II, il
Caffè Ristorante Biffi e la Libreria d’Arte Bocca, che a
sua volta ha prodotto un programma di proposte arti-
stiche con l’obiettivo di avvicinare il grande pubblico
della Galleria alla produzione dei nostri più rinomati
artisti, idea che ha riscosso e sta riscuotendo un soddi-
sfacente consenso di pubblico. Nel mese di aprile è
stata esposta un’opera di Claudio Rotta Loria Vortice
che gli avventori del locale hanno potuto godere
accompagnando la visione con le gustose ed esclusive
offerte culinarie del Biffi che comprendono il famoso
ossobuco con risotto alla milanese, la cotoletta alla
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mie guarire in un capovolto sogno di magici specchi.
Dipinti che squarciano la parete, aprendo varchi sui rii
veneziani, la massa d’acqua verdastra che irrompe, barbe
di alghe a lambire i muri, rosati splendori di marmi a
merletto, mosaici d’oro, candidi profili di pietre istriane
in un movimentato sfavillìo d’instancabile frenesia cro-
matica. Alla mente arriva netto improvviso l’afrore dei
canali che si mescola all’afrodisiaco aleggiare dei sol-
venti e delle vernici del pittore. Su un sandalo nero
attraccato a due paline malferme nella penombra di un
canale zeppo di disciolte facciate è stato abbandonato
un drappo a fasce rosse e bianche. Un rettangolo di
cielo precipita dai tetti e si stende sul velluto d’acqua.
L’arco chiaro di un ponte si conclude nel suo tetro
ovale di ombra. Il fluido incantesimo ci colma. E un
canto malinconico di sopìti rimpianti si risveglia in
questa Venezia di rapinate bellezze, splendida metafora
della vita che pigramente ci uccide.
Venezia, calle con barca, 2003, olio su tavola, cm 90 x 70
milanese, il salame d’oca, gli spaghetti alla Biffi, il nodi-
no alla crema di funghi porcini e il branzino alle olive.
L’inaugurazione del ciclo di esposizioni è avvenuta nel
settembre del 2004 con opere di Max Kuatty. Il ciclo è
proseguito con opere di Giovanni Sesia, Francesco
Chieppa che ha esposto il suo Sublime Callas il 7
dicembre, giorno dell’inaugurazione del rinnovato e
ammodernato Teatro alla Scala, Walter Valentini e
Giancarlo Ossola. Sono previste, in futuro, esposizioni
di Filippo Degasperi, Luiso Sturla, Adalberto Borioli e
Giorgio Milani.
Claudio Rotta Loria è nato a Torino nel 1949.Vive e lavora a
Banchette (TO). Dopo gli studi artistici si laurea in filosofia.
È cofondatore del Ti.zero, Centro sperimentale di ricerca estetica
di Torino. Espone in mostre personali ed è presente in numerose
collettive in Italia e all’estero dal 1966. È invitato alla X Qua-
driennale d’Arte di Roma e alle rassegne Segundos Encontros
Internacionais de Arte em Portugal (Viana do Castelo e Lisboa);
Livres d’Art et d’Artistes (Paris).La scultura in carta (Fabriano);
Forum konkrete Kunst; Pre-
mio di Pittura Stefano Fer-
rario; Caleidoscopio. Progetto
Europa (Torino); Costruttivi-
smo, Concretismo Cinevisua-
lismo per l’unificazione euro-
pea (Milano).
Dal 1968 alla prima metà
degli anni Ottanta sviluppa
ricerche a dominante geometri-
co-costruttiva. Dal 1987 il suo
lavoro è orientato verso la ricer-
ca di una spazialità trascen-
dentale che combina insieme la
ricerca di un rigoroso linguag-
gio formale con l’investigazio-
ne di dimensioni espressive ed
evocative di “rarefatta e indi-
retta” spiritualità.
Vortice, 2004, pigmenti
su carta incollata su tavola
alluminio, ferro
e camera d’aria
cm 120 x 140
 Plevano incontra
Eugenio Zanon
Plevano: qual è per te un’opera d’arte?
Zanon: nel senso che non sempre riesco a individuare-
valutare un’autentica opera d’arte ma posso infallibil-
mente dirti se un’opera non lo è.
P.: vale anche per le tue opere?
Z.: sì, compreso quello che faccio io.
P.: quando lavori pensi di produrre arte?
Z.: l’arte è sempre il risultato di un pensiero-azione
soggettivi…
P.: rigore e anarchia. Perché tu ti professi anarchico? E vanno
d’accordo?
Z.: certo! Il mio lavoro è molto rigoroso. Chi ha mai
detto che l’anarchia non sia una forma di pensiero
rigoroso? Solo che l’anarchia non impone, non preve-
de il castigo per chi trasgredisce.
P.: la tua arte si inserisce in un pensiero europeo? Soprattutto
oggi che vi è l’Europa unita?
Z.: l’Unione Europea? Ho la sgradevole sensazione che
un insieme di nazioni stiano diventando colonie
Anglo-Usa. Ma perché stiamo parlando di politica?
P.: allora vuoi parlare di religione?
Z.: va bene ma è l’ultima. Giovanni Paolo II è stato lo
sconfitto per eccellenza: infatti sul tema del sesso non è
stato ascoltato neppure dai seguaci di A.C. e C.L. E sulla
pace? Non abbiamo forse assistito al suo funerale con
in prima fila i potenti della terra che mandano a mori-
re generazioni di giovani in guerra? (forse erano lì per
assicurarsi che fosse veramente morto).
Solaris
I percorsi del fuoco
Giuseppe Antonello Leone
Giancarlo Ianuario, o meglio Solaris, irrompe nell’arte
della ceramica, avvinto dalla conoscenza per il “fuoco”,
per l’acqua, per l’aria.
Nello spazio della rivalità Solaris si
pone da mistico-neofita, si accende
nell’incantesimo del sole, cercando,
poi, nelle “ventotto” dimore delle
luna, il segno; il graffiare, il fora-
re per oltrepassare il campo,
con la Kimia “alchimia”, per
poter creare infinite varianti ai
riflessi cromatici da attivare con
dosaggi sapienti, ottenuti da
composti, derivanti dal manga-
nese, dall’ossido di ferro, dal
nichel, dall’antimonio, dal titanio,
dall’argento, dall’oro, dal cadmio e
altro; da pilotare a temperature di
atmosfere ossidanti e riducenti per
dar vita a un cromatismo misterio-
samente poetico.
La sua avventura, nell’affrontare
fulmineamente con acqua e sega-
tura predisposta, su un corpo
modellato, ingobbiato e cromato,
incandescente, è da brivido; tutto
questo per ottenere con la tecnica del raku una veloce
perdita di calore ed ottenere, a rischio, l’attesa “magia”,
di un cromatismo che si può ottenere solo con questi
Attilio Rossi l’artefice del Classico
Loris Pabos
Metti un tardo pomeriggio alla Libreria Bocca a parlare
dell’incontro tra un pilastro della didattica cinese, Il
Classico dei tre caratteri, un pittore,Attilio Rossi, che è stato
anche ideatore e “costruttore” di libri, e un editore-
libraio, Giacomo Lodetti, che ha fortemente voluto
un’avventura editoriale emozionante e ardita come
poche. È stato proprio Lodetti a ricordare come, nella
ideazione grafica del libro, coinvolse Attilio Rossi, che,
nonostante si fosse ormai dedicato completamente alla
pittura, accettò la sfida e trasformò questa straordinaria
opera, tradotta in italiano da Edoardo Fazzioli, in una
preziosa edizione. Ora, questo antico sillabario cinese è
stato rivisitato in chiave pittorica: la nuova versione si
intitola 90 Artisti per il Classico dei tre caratteri. In pratica, il
volume è stato suddiviso in dieci parti, ciascuna delle
quali viene interpretata da nove pittori.
A tutt’oggi si è giunti alla sesta parte con l’impegno di
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P.: hai altro da dire su questo argomento?
Z.: con la parola sesso riassumo (in questo contesto)
qualcosa che va dal divorzio, all’anticoncezionale, all’a-
borto, etc… Del resto, questo è un periodico che è
destinato a persone di un certo livello intellettivo e spe-
cificare, a volte, mi sembra superfluo… e poi, ci sareb-
be da chiedersi, a proposito del XII-III MM, perché ha
elevato agli altari i carnefici? E perché tanto s’è dato da
fare per l’unione delle chiese cristiane e monoteistiche
sotto un unico Papa cattolico, distruggendo il rapporto
dialettico tra le varie fedi.
P.: tu da laico, anzi da anarchico, che critiche muovi nei con-
fronti della Chiesa?
Z.: Ma, di queste cose non mi interesso: sacerdozio
femminile, matrimonio dei preti, clausura… sono cose
che riguardano loro, io sono al di fuori.
P.: vuoi parlare di Berlusconi?
Z.: no, c…! Su Berlusconi no! Secondo Fede è un
“grande comunicatore”. È un imbonitore! Riesce a
vendere politica come Wanna Marchi vende amuleti
contro il malocchio! E la capitalizza pro domo sua; c’è
riuscito! Complimenti!
P.: forse conviene, allora, parlare di te?
Z.: oh! Parliamo di me?! Che vuoi sapere?
P.: i pregi e i difetti.
Z.: pregi e difetti, i miei pregi è presto detto: sono così
pochi che per dirli non serve elencarli… no, non te li
dico. In quanto ai difetti: sono pigro, testardo, bronto-
lone, sprecone… un libro non basterebbe a elencarli
tutti.
P.: allora non produci molte opere!
Z.: no, non sono un grande produttore d’arte, ho scel-
to di “produrre” poco, prediligo la qualità alla quantità.
P.: sicuro che sia solo per pigrizia?
rischi. Il suo studio è incastrato sotto un possente mura-
glione costruito a secco durante il regno aragonese, in
vico Perzechiello al Casamale di Somma Vesuviana, stu-
dio protetto da un cancello di ferro che raramente chiu-
de e dall’altra parte un cancello amicale costruito con
legno e canne.Dal piano terra si può salire,attraverso una
scala a chiocciola con l’approdo a un pensatoio, dove tra
appunti e provini Giancarlo conduce il gioco.
Ecco un’altra scala, rasenta la parte sud; scala che t’invita
a scendere in due giardini contigui, dove il Distratto e
l’Attento convivono antropologicamente, per segnare il
futuro che è sempre presente
per l’innovazione crescente,
che Giancarlo, nel manipolare
o modellare l’argilla, transita
tra architetti mitici e totem
iniziatici. Nel giardino, dove il
forno per il raku, costruito e
proporzionato da Solaris, tacito
aspetta per bruciare, per narra-
re, a fuoco spento, le memorie
dei blu turchese, dei gialli, delle
ocre dorate, dei verdi ramini
dando all’uomo “cosmico” e
all’uomo “spaziale” una ritualità
centellinata da solchi dinamici,
quasi scritture dell’anima. L’artista si
appropria, sempre più delle possibi-
lità plastiche delle varie argille:
modella il suo diario plastico mol-
tiplicando il metamorfismo miti-
co-religioso delle tematiche femmini-
li, perforando la materia per arricchire visioni di cieli
allusivi che lo spazio connota. Giancarlo, laureato in
sociologia, sostiene che le sorti percettive vanno coordi-
54 artisti. Pablo Rossi, figlio di Attilio, ha poi ripercorso
la vicenda artistica e culturale di suo padre.
A 24 anni Rossi fonda con un gruppo di amici e dirige
Campo Grafico, la rivista che ha saputo introdurre nella
grafica il contributo dell’arte moderna.
Trasferitosi in Argentina,Attilio Rossi si occupa di libri,
e crea, tra l’altro, le prime collane economiche, che rin-
noveranno il mercato editoriale dei paesi americani di
lingua spagnola. In occasione della messa a punto della
prima collana, l’Austral, Rossi, nella fretta, disegna un
orso polare bianco come marchio, ma sarà l’amico Jorge
Luis Borges a salvarlo, ricordandogli che al Polo Sud non
ci sono proprio orsi.
Una frenetica attività editoriale caratterizza quegli anni
di lavoro, con 20 libri progettati e stampati ogni mese.
Escono anche la prima edizione integrale delle opere di
Federico Garcìa Lorca e un classico come De Divina
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Z.: molti confondono ozio con noia. Come
faccio a convincerti che passeggiando in un
prato, un bosco, inerpicandomi nei monti sto
lavorando? Accidenti a sti brianzoli! Laurà,
laurà, laurà! Tutto a deturpare vita e paesaggio
ma i fa i danè!!!
P.: qual è il tuo grande sogno irrealizzato?
Z.: è di non essere diventato un musicista. Mea
culpa e della mia pigrizia.
P.: che tipo di musica prediligi?
Z.: per anni sono stato un cultore del jazz,
quasi un fanatico; ora sono interessato alla
musica contemporanea da Varés, a Lieti, da
Cage a Nono, Berio etc… e a un tempo, al
canto gregoriano, alla musica medievale sacra
e profana.
P.: e la musica classica?
Z.: ma certo! Anche la musica classica, i canti
popolari, dai cori alpini ai canti delle mondi-
ne, della boaria, canti di protesta e politici…
P.: frequenti teatri? Vai alle prime della Scala?
Z.: ma figurati! Quelle-quelli vanno alle
“prime” per una questione di prestigio, per
sfoggiare i loro gioielli e la loro toelette! Di
musica non capiscono nulla, si annoiano, si
guardano in giro nei palchi per vedere se ci
sono e quali personalità alle quali sentirsi alla
pari. Un po’ come nelle “classi inferiori” si va
a messa la domenica mattina.
P.: quali sono le tue letture preferite? Leggi molto?
Z.: sì, leggo molto ma non abbastanza.
P.: ma non abbiamo parlato della tua arte…
Z.: della mia arte preferisco non parlare, mi
limito a farla affinché lei parli per me.
nate con l’azione e sviluppate con
logica matematica sempre innovativa,
capace di unire le metamorfosi e dis-
sociarle, nello stesso tempo con la
geometricità di un’esperienza che
vive nella logica personale del fare; ed
è caratterizzante dell’esplicito e per
quegli impulsi che Solaris, alternando
le sue esperienze con tecniche diver-
se, esprime gli stessi principi del nar-
rato anche con l’opposto delle resi-
stenze materiche, così con la cartape-
sta realizza le sue volumetrie scultoree
con l’immediatezza e l’amplificarsi
della sua visione. Una primordialità si
fa strada in lui, proprio nel conciliare
l’acqua con il fuoco. Poi, il vivere
quotidiano è addolcito da Solaris,
curando il suo giardino, dove l’aran-
cio, il gelso, il fico, il nespolo fanno
parte di quei passi surreali, che
Giancarlo narra a se stesso e agli
amici. Per ogni giorno, ogni stagione
vi è un problema e, lui alterna il fare
con la gioia di bere un po’ di vino;
con l’assaporare la varietà della sua
frutta, così il mistero transita dai sensi al pensiero che si Vaso in terracotta
fa sempre più strada in Solaris, col suo modellato, sobrio h. cm 70
ma esplosivo nell’immaginario spazio che apre luce nel
rovesciamento dei piani e in quegli svuotamenti che
consentono al pensiero di viaggiare oltre.
SpazioBoccainGalleria Profilo di donna
mercoledì 29 giugno, ore 18,30 ceramica raku
cm 45 x 35
Proportione di Luca Pacioli.
Contemporaneamente, Rossi pub-
blica, nel 1951, Buenos Aires en tinta
china: 130 suoi disegni presentati da
Borges, accompagnati da liriche di
Rafael Alberti.
È dunque simbolico che l’artista, alla
fine della sua lunga e operosa giorna-
ta che l’ha visto pittore e anche orga-
nizzatore culturale (si deve a lui se
nel 1953 Picasso prestò a Milano la
grande tela di Guernica), si cimenti
ancora una volta con la grafica, nel-
l’impresa, propostagli da Lodetti, di
trasformare il Classico dei tre caratteri in
un suggestivo libro.
Anche Sergio Dangelo ha ricordato,
con un affettuoso intervento, il lato
umano di Attilio Rossi e il suo esse-
re fin troppo schivo, un aspetto che
forse ha portato a sottovalutare il suo
valore artistico.
Manifesto
“Saveart”
Saveart è un movimento artisti-
co a-partitico e a-politico che
intende restituire il maltolto
all’artista: la forza delle sue idee,
l’efficacia delle sue rappresenta-
zioni, l’unicità della sua inter-
pretazione del mondo, la libertà
di esprimerla, di proporla in
contesti adeguati.
Saveart vi avverte che il pianeta
Terra è già saturo: di merce e di
rifiuti.
Saveart aggiunge che il pianeta
Terra è già poverissimo: di
risorse.
Saveart salva il pianeta Terra,
lascia fare agli artisti, i nuovi
alchimisti che sanno trasforma-
re i rifiuti in risorse.
Saveart lancia la sfida, qui e ora,
agli artisti e ai designer di tutto
il mondo che progettano oppu-
re hanno già iniziato a utilizza-
re materiali salvati, ossia ricicla-
ti, per dare corpo alla propria
creatività e al proprio stile: Ma-
nifestatevi! Saveart è il vostro
megafono, il tazebao dell’artista
nel nuovo millennio.
Saveart vi informa che è possi-
bile abbinare sensibilità e salva-
guardia dell’ambiente con crea-
tività pindarica. Saveart traccia i
binari su cui scorrerà l’arte del
prossimo millennio. Poi Saveart
vedrà. Saveart non intende tor-
nare a un mondo utopico senza
macchine. Vuole usare le mac-
chine per salvare il mondo.
Saveart inaugura il nuovo modo
di comunicare con il pubblico e
con la comunità scientifica e
tecnologica.
Porta l’arte in laboratorio e i
laboratori nella casa delle Muse,
negli atelier, nelle accademie.
Saveart è il nuovo punto di dif-
fusione per progetti e ricerche
innovative e coerenti con il
necessario bilinguismo dell’arti-
sta: estro e creatività da un lato,
ricerca teorica, scientifica e
umanistica dall’altro.
Maria Teresa Illuminato:
Ideatrice e fondatrice
del movimento “Saveart”
Cristina Muccioli: Critico d’arte
Per la tua pubblicità chiama Gabriele Lodetti allo 02860806 - Giorgio Lodetti allo 0258302093
Elena Ferrari
Andrea Spiriti
In aggiunta a quello che la mia antica collega Nadia Ri-
ghi ha scritto, vorrei sottolineare un elemento-cardine:
il coraggio di Elena Ferrari, un coraggio che ha come
suo compenso l’evidente timidezza retorica quando si
tratta di parlare in pubblico, ma che è invece un corag-
gio di ricerca, cosa per un artista ancora più importan-
te, più decisiva. Si tratta di questa capacità di affrontare
temi difficili, perché abusati da secoli, da millenni di pit-
tura: parlare di nudo, parlare di paesaggio oggi è evi-
dentemente più complesso che nel 2000 a.C., ed è
altrettanto chiaro che avendo alle spalle una sovrabbon-
dante tradizione occidentale che su questi temi si è eser-
citata quasi “ad nauseam”, è evidentemente molto bello
vedere che dei giovani abbiano ancora il coraggio di
affrontarli con grande energia, con grande vigore, non
accontentandosi di prove, ma giocando su un esercizio
tematico prolungato: vedrete infatti quelle che sono in Ragazza, 2005, tecnica mista su carta, cm 60 x 40
fondo numerose variazioni, sempre originali, su alcuni
pochi grandi temi di base.Vi è coraggio anche in un ni da quella che è una ricchissima ed antologica cono-
altro senso, questo riuscire ad essere poetica trattando scenza della pittura occidentale; ma tutti questi spunti,
argomenti non facili, usando sia sul piano tecnico, e assolutamente intuibili ma da una lettura smaliziata, sono
quindi con una ricerca che è veramente inesausta, sia su però perfettamente fusi in quello che è uno stile perso-
un piano concettuale quello che è un continuo con- nale, uno stile che è sicuramente un linguaggio, un lin-
frontarsi, non accettare mai come terminale il proprio guaggio individuale, che è quindi un qualcosa di ben
punto d’arrivo, affrontare la sfida di ambiti che sono diverso dal saper tecnicamente far bene pittura; è un
sempre lì ad un passo. In fondo chi parla di paesaggio qualcosa in più che è pienamente risultante dalla giova-
rischia sempre di fare la cartolina illustrata, chi parla di ne ma abbondante produzione di questa bravissima arti-
nudo rischia sempre di fare cose grossolane, evidente- sta, e che trova qui una più che adeguata ed articolata
mente la sfida è sempre aperta, ma sfida, bisogna dire, codificazione in grado proprio di leggere, come dire un
vittoriosa perché in entrambi i casi la ricerca costante work in progress, una ricerca, che è ben lungi dall’essere
sul paesaggio, qui rappresentata soprattutto dalla produ- compiuta.
zione grafica, e la ricerca sul nudo, hanno invece questa Trascrizione del discorso dell’11 dicembre 2004
continua capacità di giocarsi, di arrivare a conseguenze
decisamente positive. SpazioBoccainGalleria
Vi è poi un’autentica sapienza citazionistica: la pittura di dall’8 al 22 giugno
Elena Ferrari è ricchissima di spunti, citazioni, variazio-
Quando l’arte ruota di 180°
Luciano Lepri
Si chiama “dispositivo automatico di rotazione per qua- to ottico. Come ricorda l’autore l’apparecchiatura —
dri, immagini e similari” ed è stato depositato presso che suscita sempre grande curiosità nel pubblico — può
l’ufficio internazionale brevetti di Bologna dall’ideatore essere utilizzata per opere pittoriche o grafiche, figurati-
e realizzatore: Bonfiglio Costetti, pittore, coadiuvato per ve o astratte, come, con i dovuti aggiustamenti, si può
la parte elettronica del dispositivo da Danilo Dallari. adattare anche alle sculture, costituendo, un valido stru-
Ma cos’è, e a cosa serve, questo “dispositivo automatico mento finalizzato alla didattica.
di rotazione per quadri” mostrato, con successo, alla Certo sarebbe interessante vedere alcuni celebrati capo-
terza Biennale Internazionale d’Arte di Firenze, tenuta- lavori dell’arte contemporanea dai cubisti, ai dada, agli
si presso la Fortezza Medicea Girifalco, in occasione astrattisti, agli informali, applicati sul “dispositivo auto-
della Rassegna d’Arte Contemporanea Artexit, e del matico di rotazione” di Bonfiglio Costetti e valutare se
quale si sono interessati La Gazzetta di Reggio e Il anche dopo 180° di rotazione conservano o — e perché
Tirreno? Ce lo spiega direttamente l’artista reggiano, no — accrescono il loro fascino. Di sicuro questa appa-
Bonfiglio Costetti:“Il tutto è nato dall’esigenza di crea- recchiatura può essere uno stimolo per tanti pittori che,
re un’opera pittorica innovativa che contenesse in sé utilizzandola, vedrebbero sollecitata la propria fantasia e
qualcosa di concettualmente nuovo: riuscire a realizzare il proprio ingegno alla ricerca di un’opera valida e godi-
sullo stesso supporto (tela o tavola) due vedute paesag- bile — così come la definisce Costetti — sia che sia “sta-
gistiche iconograficamente completamente diverse, di tica” o “dinamica”.
cui una venisse svelata solo dopo una rotazione del Meccanismo brevettato
quadro di 180°”. con quadro in movimento. Base quadro 1
Ma a questo punto chiediamo all’ingegnoso
pittore-inventore: Qual è lo scopo di tutto ciò?.
“Volevo dimostrare ai fruitori dell’opera d’arte,
che la percezione di realtà vera, unica ed immu-
tabile, ricevuta guardando il quadro ‘statico’,
attraverso il senso visivo, era solo apparenza.
Infatti con il passaggio dal quadro ‘statico’ a
quello ‘dinamico’, attraverso la sua rotazione
tramite il mio congegno era possibile andare
oltre l’apparenza. Il pubblico — prosegue il pit-
tore — si trova, così, di fronte alla stessa tela sulla
quale poco prima c’era un paesaggio comple-
tamente diverso da quello ammirato dopo la
rotazione. Insomma l’opera mantiene le stesse
caratteristiche tecniche ma presenta due diversi
modi di leggerla. Lo scopo — conclude
Bonfiglio Costetti — mi sembra così raggiun-
to: dimostrare che quanto si basa su un elemen-
to sensibile, nel caso specifico la vista, è un dato
in divenire, per nulla immutabile e pertanto fal-
lace”. In questo modo il nostro artista-invento-
re ha la possibilità di mostrare, in un unico lavo-
ro due composizioni, assolutamente diverse a
seconda che le si guardi prima e dopo la rota-
zione sullo speciale “dispositivo”; è ovvio che
questi dipinti elaborati con grande tecnica e
capacità inventiva, vengono appositamente stu-
diati ed eseguiti per dare questo peculiare effet-
22
 voltar pagina. Ha il suo proprio tratto distintivo con presenza ingombrante e laboriosa delle macchine
cui, inarrestabile, dipinge, affresca, decora, scatta, filma. estrattive. Sono dei dinosauri meccanici, con le zampe
Cambiano gli strumenti. Al posto del pennello può allargate ben salde nel punto in cui hanno odorato la
usare una macchina fotografica digitale. A volte dispo- preda. Con un lungo collo e un muso ispettore che
ne la tela con un rituale e un piglio che lo fa somiglia- aritmicamente penetra il terreno e risucchia, penetra e
re a un torero che fa carambolare la mantiglia, per ini- risucchia. La ripetitività del movimento e il clangore
ziare a copiare dai suoi ricordi, dalle sue immagini inte- delle parti metalliche del mostro meccanico zoomorfi-
riori, quasi disturbate dalla presenza discreta e paziente co reinventato da un abilissimo tecnico del suono, sono
— quasi un’assenza — di una modella, o di uno squar- ipnotizzanti.
cio paesaggistico urbano. Bisogna selezionare dei lavo- Quell’olio di pietra, come lo chiamavano gli antichi,
ri per una mostra. E con quale criterio? che zampilla così di frequente in Albania dalle sorgenti
Quali sono i più “belli”? Che cosa si intende per come l’acqua, per incedere nella sua lenta pastosità
“bello” quando una tela è imbrattata di bitume lacri- sinuosa da rettile onnivoro, non sarà mai “un olio mine-
moso e rappreso, puzzolente pure, da vicino, ma lascia rale potenzialmente inquinante da raffinare ecc. ecc.” La
trasparire sotto quella patina una raffinatezza lirica del sua identità originaria e calcificata nelle definizioni utili
tratto, un amore religioso per il corpo umano, un’at- al senso comune, è stata dispersa in mille rivoli di signi-
tenzione ossessiva alle leggi prospettiche: gli spigoli vivi ficazioni altre. Tutte vere. Tutte forti e memorabili.
dei palazzi che tagliano l’immagine più di uno squar- Nessuna esaustiva: ora è energia pura che fa pulsare il
cio e moltiplicano, spostano, confondono per eccesso di cuore a un treno affusolato ad alta velocità, che scalpi-
nitore il punto di fuga. Il petrolio lo ha sedotto. ta in sosta coatta in una galleria-di-forza.
Gli piace la densità, la lucentezza, quel suo avere un’a- Ora è una patina di tristezza uggiosa su una Milano
nima gassosa, rapita dagli ultimi surreali scatti fotogra- dall’eleganza stanca, lisa, verticalizzata nella speranza di
fici, che si diverte a soffiare da dentro e a ingioiellarsi distogliere qualche sguardo dalle vetrine clonate, e far
di collier di perle-bollicine in cui il mondo, incurvan- reclinare qualche testa all’indietro in cerca di tetti, mae-
dosi, si rispecchia. Il petrolio ha il colore della nostalgia stosità, e cieli negletti; ora è poltiglia di lacrime e rab-
per il suo paese, di cui ama e rievoca anche le bruttu- bia, di orrore ed estasi sul volto sfigurato di una giova-
re, gli angoli squallidi, se sono pregni di vita vissuta, di ne donna. Bionda.
passato recente, di significati che
possono ispirare un pittore o un
artista. Non un turista. Per esempio
le fabbriche, dirute, medievali, un
po’ spettrali, in un paesaggio non
ben identificabile — cos’è?
Campagna, entroterra marino,
montagna? In che epoca siamo? —
L’oro nero, 2004 le fabbriche, dicevamo, che presi-
fotografia su alluminio
cm 40 x 30
Eltjon Valle diano i pozzi della Nafta, parola
albanese che significa proprio
Cristina Muccioli
petrolio, parola che è entrata a far
parte del nostro vocabolario in
Guardare le opere di un artista, una dopo l’altra, una maniera del tutto inconsapevole a
accanto all’altra, vuol dire per lo spettatore istruire il partire dal secolo scorso.
proprio occhio a considerare il mondo con gli occhi di In un cortometraggio appena rea-
Guggenheim, 2004 chi l’ha ritratto, rappresentato, “deformato” con i pro- lizzato Valle ci restituisce, mescolan-
petrolio su tela pri sentimenti, con i propri tratti denotanti. do a modo suo, uno stile documen-
cm 40 x 70 Valle non ha un’evoluzione stilistica, un’involuzione, un tario con uno narrativo-epico, la

Sergio Pedrocchi
Franco Patruno

L’infittirsi dei segni neri incisi, sino ad un intreccio a tal punto avvolgente da creare una sorta
di oscuramento di cielo, non appesantisce il campo visivo. Il paradosso — ma la contraddizio-
ne apparente ha alle spalle la tradizione della gloriosa follia reticolare del grande Rembrandt —
è l’effetto di leggerezza, del respiro interno, del vortice che libera inediti ed assoluti squarci. Non
ci son dubbi sull’abilità tecnica di Sergio Pedrocchi: quando, con Franco Farina, un decennio fa
ci mostrò, oltre ad una felice serie di chine macchiate sul tema del Compianto, le sue acquefor-
ti e punte secche, si pensò subito ad un’esposizione a Casa Cini che presto ebbe modo di cir-
cuitare anche in Germania. Con la velocità del tratto a pastello Sergio creò poi una sequenza
di schizzi durante un viaggio dalla Lombardia alla Sicilia. Ospitato in un convento e avvolgen-
dosi nel silenzio che gli è abituale nel suo casale alle pendici delle Dolomiti di Brenta, pensò ad
un’officina grafica che collegasse il calore dell’isola che tange il Mediterraneo con l’austerità delle
atmosfere rocciose del Trentino. Ed è effettivamente un racconto itinerante la parabola artistica
di Pedrocchi, ma con l’ostensione narrativa che prevede, come nelle cadenze del canto grego-
riano, delle pause e dei confortanti ritorni a casa. Stupisce sempre la sua riflessione grafica, per-
ché tutt’altro che umorale ed istintiva, anche se l’effetto immediato sembra quello di un Action
Painting di raffinatezza estrema. E‚ più Scanavino che emoziona l’artista, anche se l’eleganza del
pittore genovese gli è scritta nella mano ancor prima d’essere esplicita coscienza, secondo un
sentire che è un convenire ad una comune costante dell’interiore percezione dei segni. Non si
pensi tuttavia ad un esercizio puramente formale o di mera vetrina d’abilità, perché Pedrocchi
non limita al non figurativo — inteso come assenza dell’iconismo legato ai tratti contornuali
del modello umano — la sua indagine: spesso,
le atmosfere tangibili ed ombratili delle situa-
zioni esistenziali s’evidenziano in una sagoma-
tura o nel duplice effetto dell’astrazione e della
forma che ci è data non in platonica attesa della
liberazione dell’anima, ma nella sagomatura che
s’intuisce nel cuore delle sue incisioni. Anzi, è
tutta esistenziale la tensione dei tendini grafici
che sembrano esili, tanto son leggeri, quanto
impossibili ed impassibili ad ogni facile sdruci-
tura.E in quell’intensità che s’affolla,l’ansito che
preme crea varchi come pretesa d’esserci e
redenzione da ogni oscuro annullamento in un
empireo dell’indistinzione. E poi s’acquieta
l’impeto della mano, per svolgersi nel riposo
dello sguardo.
Ma per poco: l’impulso creativo, che non s’in-
venta in un mattino d’illusioni, preme.
Riprende il viaggio ed il cammino è sempre più
simile al pellegrinaggio verso una meta.

Tecnica mista su carta, 2004, cm 40 x 55


Giorgio Bulzi
Artista poliedrico
Nicoletta Saini Lanzetti
Perché esporre le opere d’arte? Se lo chiedeva Ananda
K. Coomaraswamy nel suo Come interpretare un’opera
d’arte, facendo una distinzione tra opere antiche, opere
moderne e opere esotiche. La risposta è articolata, me-
riterebbe senza dubbio uno spazio in più. Ma nel caso
di Giorgio Bulzi lo spunto preso in prestito dal noto
studioso angloindiano, aiuta a comprendere chi è que-
sto artista, che cosa fa, come vive, perché seppur non
esponga i suoi lavori da circa tre anni né a Milano, la
sua città di residenza e di lavoro, né in nessun altro
luogo in Italia e all’estero, continui volontariamente a
produrre pittura, e a sostenersi con la pittura.
Dalla prima uscita pubblica dal titolo Proibito leggere,
all’ultima esposizione personale, Tuono nel cielo, dedica-
ta a Gengis Khan, con il patrocinio del Consolato di
Mongolia, sono passati quattordici anni e decine di ini-
ziative singole e collettive sparse un po’ ovunque, New
York e Canada compresi.Allora il pittore era un venti-
cinquenne dalla capace giovinezza, oggi, di un anno
oltre i quaranta, è un artista che della sua arte ha fatto
Matteo Soltanto
Viaggio al termine del ritratto
Roberto Cresti
Diciamolo subito: l’impatto è forte. L’aria che si respira
intorno odora di zolfo, e l’idea di una combustione
prossima a irrompere al di qua della tela conferisce ad
ogni immagine una consistenza sospesa fra il decadi-
mento organico e la rivelazione spirituale.
È comunque evidente che, malgrado le apparenze, que-
ste fisionomie non possono esser dette dei ritratti poi-
ché la diffusione dei lineamenti a brattee oppure il loro
scavo in solchi di aciduli piovaschi, l’ombra semicarbo-
nizzata degli occhi ed altre sottrazioni, aboliscono il
rapporto con l’originale. Ma Matteo Soltanto non si
limita a questo: egli inverte alla radice il venire alla luce
del volto e mentre ritrae un soggetto dotato in origine
di una propria identità ne dissecca l’“umano” in un fos-
sile anonimo, rendendo l’anatomia del viso una pelli-
cola sulla quale il tempo si irrigidisce e dirama in labi-
rinti di pieghe o di rughe.
(…) Si può infatti notare come questi “ritratti” bloc-
chino le metamorfosi vitali del volto alle soglie tra la
luce e l’ombra: tale possibilità si deve alla fotografia, da
cui Soltanto comincia a lavorare come se fosse una
materia prima che egli irradia sulla tela. Se allora la
fotografia è una materia prima, può esserlo esclusiva-
mente in modo paradossale poiché da essa si ricrea
sempre una forma che è già finita prima di comincia-
re, e ogni sua riproduzione o uso avrà un’eventualità in
cui l’infanzia del “non più” ed il decadimento verso il
“non ancora” sono sovrapposti e l’una determina l’al-
tro come un’apparizione in via di sparizione: come un
movimento di entrata e uscita della luce dal tempo.
È dunque in questo immobile movimento che si deve
Per la tua pubblicità chiama Gabriele Lodetti allo 02860806 - Giorgio Lodetti allo 0258302093
ciò che Francesco d’Assisi fece nel ’200 della propria
arte. Preghiera vivente nel caso del Santo umbro, pittura
altrettanto viva nel caso dell’artista milanese, che in oltre
vent’anni di lavoro e di affinità con il gotico e il sacro, ha
attraversato l’informale, il gestuale, la ricerca segnica del
’900 sino ad occuparsi di calligrafia, con stimabile cono-
scenza e abilità di riproduzione e comprensione degli
alfabeti antichi e delle scritture extraeuropee.
Forse bisognerebbe aggiungere alla domanda perché
esporre le opere d’arte: che cos’è la pittura? In questo
caso è una presenza costante, un’instancabile volontà,
l’applicazione di un ordine e di una armonia, anche
quando educa all’immagine i bambini delle scuole ele-
mentari, quando disegna e realizza lampade e lampada-
ri, quando progetta mobili o impagina libri, quando
pratica la scherma moderna e classica giapponese op-
pure, e non ultima per importanza tra le altre attività già
citate del pittore, quando naviga per mari.
Giorgio Bulzi, un padre che l’ha invogliato all’arte
all’età di cinque anni (la moglie ne conserva la testimo-
nianza con un paesaggio montano verde smeraldo), più
che esprimersi, nel senso comune dell’accezione, appli-
ca a sé stesso e a ciò che lo riguarda l’essenza stessa del-
l’espressività.
La tecnica che gli appartiene non è limitata all’ambito
di una tela, di un’estetica e di qualche aperitivo consu-
mato prima di cena, ma è appunto preghiera vivente
per raggiungere attraverso vitae forma et
regula la competenza di ciò che dev’esse-
re espresso.
Così se dalla prima mostra all’ultima
sono passati quattordici anni nulla è di
fatto cambiato nello spirito di questo
artista, più consono all’arte medioevale
che a quella moderna.
È solo cresciuto negli anni, ha solo raffi-
nato ciò che aveva già. Coomaraswamy
invita a esaminare la teoria dell’arte di
ogni singolo autore, «per comprenderne
il senso realizzato “con” l’arte», e in me-
rito all’artista del medioevo sottolineava
che «non era un genere speciale di
uomo, ma ogni uomo un genere parti-
colare di artista».
Da Katori Shinto Ryu, un pigmento
vegetale su tela del 1988 a Il Messaggero
del 2002 (china cinese, smalto oro, pig-
mento vegetale e oggetti su tela) è certa-
mente passato del tempo ed è sicura-
mente migliorata una potenzialità.
Ma il tempo in sé non trasforma, aiuta
solo a essere ciò che si è.
Abraxas, 2001, tecnica mista su tela, cm
100 x 100, © Courtesy Franco Colnaghi
identificare la materia prima delle opere di Soltanto,
nelle quali è proprio l’“apparizione come sparizione”
del volto a fissare gli estremi del “ritratto”. Esso non è
pertanto l’immagine di un soggetto ma la vicenda di
una sua fotografia elevata a metafora dell’esistente inte-
ro, come appunto una materia prima. Rilevarlo non è
però sufficiente se non s’aggiunge subito che Soltanto,
proprio perché assume tutta la realtà in termini foto-
grafici, opera al fine di liberarla e di liberarsi dai limiti
della ripetizione. Egli infatti elabora il fotogramma di
partenza con l’intento di sottrarlo al suo prestabilito
“non ancora” e a tal fine impiega tutti gli strumenti
espressivi della pittura. I suoi colori agiscono così sui
contrasti fondamentali dell’immagine, colmando le
assenze o estinguendo le presenze, con una alternanza
e un’inversione di effetti che creano un’immagine ori-
ginale. Ed è ovvio che, in tal modo, la somiglianza fra
l’immagine stessa e il suo contenuto subisce una dupli-
ce rimozione poiché da un lato viene meno quella tra
la fotografia e il suo contenuto, dall’altro quella del
volto con il modello fotografico. Di questo anzi resta
pochissimo, ed è per ciò che Soltanto supera le analo-
ghe esperienze della pop-art, nel senso che non modi-
fica un’immagine di pubblico consumo per crearne
un’altra soggetta allo stesso destino, bensì riscatta il
fondo anonimo d’ogni immagine agendo sull’identità
estetica della sua materia. Quel processo di inversione
nel venire del volto alla luce si rivela allora sì una per-
dita dell’umanità del soggetto ma anche una sua rinno-
vata “illuminazione pittorica”.
(…) Già in Rembrandt è però evidente che il volto -
24
La fabbrica
delle favole
Corsi di illustrazione:
Largo Mario Affede, 5
• Francesca Chessa 62100 Macerata
Come nasce un libro illustrato Tel/fax 0733.231740
cell. 3284535545
dal 18 al 23 luglio fabbricadellefavole@tiscali.it
www.lafabbricadellefavole.com
• Carll Cneut
Pastello e acrilico
dal 25 al 30 luglio
• AnnaLaura Cantone
Fantasy builkding
dall’1 al 6 agosto
• Pia Valentini
Forza e poesia del tratto
dall’8 al 13 agosto
Corsi di scrittura:
• Luigi Dal Cin
Gli strumenti dello scrittore
dal 28 al 30 luglio
• Chiara Carminati
La parola e l’immagine
dall’8 al 13 agosto
in quanto ritratto di un originale - non
esiste più, e infatti con elvetica malizia
Jakob Burckhardt ricordava che, negli
ultimi tempi della sua vita, il maestro di
Leida non aveva più avuto commissioni
di ritratti poiché a nessuno faceva piacere
d’essere ricordato in famiglia “come un
problema di luce”. Parlo di grandi esem-
pi poiché essi sono soprattutto — come
la storia in se stessa — dei paradigmi
ideali attivi nello spirito di ogni indivi-
duo. E se potessi nominarli con delle
semplici lettere, come Vincenzo Cuoco
suggeriva di fare con i grandi di ogni
tempo, mi limiterei ad associarli a una
funzione logica. E’ questa infatti che
conta più di tutto, e che ciascuno nei suoi
limiti è chiamato a seguire e, se lo può, a
rinnovare. È infine un’aria baconiana a Ritratto, 2005, olio su tela, cm 90 x 70
circolare in questi suoi lavori, evocando
un clima spirituale da vicolo o pub lon- Ritratto, 2005, olio su tela, cm 130 x 110
dinese ove si ricordava con rabbia, e le
immagini prese direttamente dalla realtà
divenivano, attraverso la fotografia o il
cinema, dei foto-grammi da incendiare o
da solcare coi più corrosivi succhi del
corpo e della mente. Londra — la stessa
terra desolata attraversata da Eliot — assi-
steva all’estrema eclisse del personaggio
uomo, la cui immagine perdeva ogni
identità facendosi un vuoto doloroso, sul
quale di lì a poco le comunicazioni di
massa avrebbero iniziato a tessere il loro
velo di Maia. I ritratti di Matteo Soltanto
nascono su quel velo, ma lo tendono, lo
bruciano e l’abbassano fino a farlo aderi-
re di nuovo a quel vuoto di rughe senza
età che è rimasto chiuso dall’altra parte.
 Matteo Rosselli
( Firenze 1578 - 1650)

La morte di Adone

www.mirexspa.it
email: mirexspa@tin.it PER L’ARTE