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Du XIIIe –> XIVe siècles : le renouveau stylistique du gothique, de la statue colonne à la statue humaine en piédroit.
B. Innovations parisiennes.
Paris -> XIIIe = immense chantier de reconstruction de la façade occidentale de Notre-Dame de Paris. (gallérie des rois, Adam,
apôtres -> Musée de Cluny) et Sainte Chapelle (apôtres)
-> Traitement du corps : nu antiquisant, déhanchement, mouvement de torsion qui oriente les jambes à une direction opposée
de celle du torse., appui sur une jambe -> les statues se détachent progressivement de l’architecture.
Apparition du sourire (ange), anatomie, la Vierge suit la même évolution (le corps est plus « visible » derrière le vêtement).
Essor de la statuaire royale (rois de l’Ancien Testament) . Galeries royales sur les façades (détruites en 1793 débris retrouvés
en 1977. -> iconographie diffusion rapide en Europe (Angleterre, Rhin -> Empire). Dans le Saint-Empire : décors sculptés plutôt
intérieurs.
Strasbourg : position intermédiaire, approche originale. Chef d’œuvre : bras méridional du transept pilier des anges :
caractéristique des évolutions du XIIIe. Iconographie du Jugement dernier
Thématique locale mais influences stylistiques (Reims, Chartres…) originalité Eglise et Synagogue plus récentes (expressivité,
raffinement des drapés, anatomie des corps).
Cathédrales de Bamberg (Bavière) -> sous le patronage de l’empereur et Naumburg (près de Leiptzig) : ensembles sculpturaux
les plus importants du XIIIe. Influence de Reims.
Importance de la polychromie : statues et murs intérieurs et extérieurs.
Autres pôles méridionaux : Saint Jacques de Compostelle, Burgos (pays basque espagnol), Languedoc, Catalogne et bien sûr
l’Italie.
C. Italie du Duecento et du début du Trecento : elle se limite autour de quelques grands noms :
- Nicola PISANO
-Arnolfo di CAMBIO
-Giovanni PISANO,
CIMABUE, DUCCIO, GIOTTO (peinture) ou DANTE en littérature.
Carrefour d’influences : Persistance du roman, arrivée du gothique, influence byzantine emprise germanique (Empire –
Frédéric II) modèles antiques omniprésents. Place de la statue différente (absente des façades aux ébrasements) prédilection
pour le mobilier : chaire, fonds baptismaux. -> C’est une ré-interprétation gothique de l’Antiquité tardive.
Mais au lieu de suivre la convention de la séparation des épisodes dans des compartiments dans les bandes, il les a
combinés dans chaque unité des images simples de chaque côté de la chaire avec une grande puissance et un effet
dramatique. Plusieurs des figures ont été directement inspirées du sarcophage antique que Nicola a vu dans le Campo
Santo à Pise, mais elles sont beaucoup plus que des simples emprunts, parce que il a transposé les sentiments humains
aux scènes chrétiennes.
Forme hexagonale de la chaire, supportée par 6 colonnes extérieures dont trois posées sur des lions et une colonne centrale
reposant aussi sur une base sculptée de personnages et d’animaux.
Chapiteaux végétaux portent le niveau d’arcades trilobées agrémenté de statuettes d’angle : vertus cardinales, Foi, Jean
Baptiste, écoinçons sculptés aussi : prophètes et évangélistes.
Balustrade supérieure : 5 panneaux ornés de reliefs narratifs :
Annonciation – Nativité - Annonce aux bergers, Epiphanie (Jésus se fait reconnaître par mages (Occident) et aux bergers -
er
> arrivée du Messie -> cf étoile. 1 dimanche après la naissance, -> Jésus est bien le fils de Dieu incarné. (en Orient c’est
différent : baptême dans le Jourdain. (Théophanie) Présentation au Temple, Crucifixion, Jugement Dernier.
Ensemble : grande sculpture monumentale par son iconographie (cycle christologique, allégories), et par le décor (arcs
trilobés, feuillages).
Nouveautés :
Renforcement des angles par des faisceaux de colonnettes et des statues, Panneaux autonomes et réalistes ->
rappel de l’Antiquité tardive. Travail d’une extraordinaire plasticité à la gloire de Pise (grande cité marchande rivale de
Florence en Toscane).
C'est à Nicola Pisano, sculpteur/architecte, à qui Vasari dans ses Vite (les vies) attribue le lancement de la première des
trois étapes de la Renaissance sculpturale. Le travail d'abord authentifié de Nicola, chaire signée pour le Baptistère de
Pise, justifie le choix de Vasari.
Daté 1260, il fond les éléments méridionaux et toscans dans une vision véritablement originale, renforçant le
consensus sur le lieu de naissance inconnu de l'artiste : il est probablement né en Italie méridionale (dans deux documents il
désigné sous le nom de Nicola "di Apulia") et a pu avoir été formé à Pise ou avoir travaillé pour Frederic II avant de s'établir
à Pise.
Malgré des précédents au XIIe siècle (Antelami,
http://www.wga.hu/frames-e.html?/bio/a/antelami/biograph.html
premier sculpteur à chercher un naturalisme dès l’époque romane), la chaire de Nicola est en effet révolutionnaire.
Sa forme est fonction de son emplacement. Comme hexagone (symbole de la mort du Christ -> dés des soldats), elle fait
écho sans être réitérée (symbolique de la Résurrection) à la forme baptismale octogonale plus tôt adjacente et reprend la
forme ronde (symbolique de la renaissance, de l'éternité et du Dieu) du bâtiment.
La forme et l'organisation géométrique de la chaire ont été alliées aux rapports proportionnels harmonieux – qui associent à
Pythagore à la proportion divine du cosmos.
En outre, les cinq panneaux (le sixième côté était ouvert pour le passage du lutrin (pupitre de lecture) sont séparés
par des colonnettes brunes rougeâtres classiques. La façon classique dont ils encadrent les scènes de marbre blanc de
Carrare ne laisse aucun doute que Nicola était un architecte doué et un sculpteur du premier rang.
La chaire est soutenue par une colonne centrale sur une base avec les figures et les animaux - représentant les
éléments païens intégrés par le christianisme - et par six colonnes externes.
Trois de ces derniers ont comme bases les dos de la proie vaincue par les lions, un motif symbolique du christianisme
triomphant. Les colonnes sont couronnées dans le style Gothique, les chapiteaux feuilletés quasi corinthiens sculptés en
profondeur, travail apparenté aux techniques romaines tardives. Elles soutiennent des archivoltes avec des voûtes
romanes trilobées et marquetées.
Les traces de polychromie suggèrent que cette peinture ait par le passé augmenté le polychromie du marbre coloré.
-> Les panneaux narratifs de Nicola ne sont pas moins révolutionnaires que la disposition générale de la chaire.
Certes selon la coutume toscane, les figures dominent les scènes, mais ici elles sont sans précédent dans leur pleine taille.
En fait, les figures elles-mêmes créent l'espace de sorte que chaque panneau ressemble à une scène romaine de
sarcophage. Profondément dégagées, elles se tiennent d'une façon convaincante l'une devant l'autre. Le poids de leurs
dispositifs est lourd et leur draperie massive révèle leurs corps et est séparé d'eux. Leurs actions ont un réalisme
psychologique concentré et leurs formes sont manifestement sensuelles.
À la différence de premiers sculpteurs qui ont employé des motifs classiques fragmentaires comme des citations, Nicola
a voulu représenter la vie du Christ d'une façon plus intégrée et naturaliste par l'intermédiaire d'un modèle classique. Tandis
qu'il empruntait à l'Antiquité, il innovait.
Par exemple, sa Madone massive s’inspire de Phèdre sur un sarcophage dans le Campo Santo de Pise. Sa forme importante
et Greco-Romaine tête voilée comme ses lèvres et menton imposants sont répétés dans tout le pupitre avec une unité
aristotélicienne de caractère. Dans tous les deux la Nativité, où elle repose comme une matronne etrusque, et l'adoration,
la figure n'est pas copiée mais est plutôt étudié et alors mélangée de façon créative aux emprunts d'autres sources. Plus
directement sont inspirés des figures sur le sarcophage de Phèdre des têtes de la prophétesse expressionniste Anne et
d’Elizabeth dans la présentation au Temple.
Présentation au temple
Cet épisode de la vie du Christ nous est uniquement rapporté par l'évangile de Saint Luc (2, 22-40)
Selon les prescriptions de loi hébraïque, les parents de Jésus se rendent à Jérusalem pour présenter leur premier-né au
Seigneur et offrir un sacrifice. Or le vieillard Siméon, un Juste, avait reçu l'assurance de Dieu de ne pas mourir avant d'avoir vu
le Sauveur. Poussé par l'esprit Siméon arrive au temple et prenant Jésus dans ses bras il s'adresse à Dieu :
Le cantique de Siméon
29 "Maintenant, Souverain Maître, tu peux, selon ta parole, laisser ton serviteur s'en aller en paix ;
30 car mes yeux ont vu ton salut,
31 que tu as préparé à la face de tous les peuples,
32 lumière pour éclairer les nations et gloire de ton peuple Israël."
Evangile selon saint Luc (2, 29-32)
Siméon les bénit et ajoute à l'intention de Marie : "Vois ! cet enfant doit amener la chute et le relèvement d'un grand nombre en
Israël ; il doit être un signe en butte à la contradiction, - et toi-même, une épée te transpercera l'âme ! afin que se révèlent les
pensées intimes de bien des cœurs "
A cette rencontre prophétique avec Siméon le Juste s'ajoute l'épisode de la "Prophétie d'Anne". Saint Luc insiste ainsi sur le
rôle de Messie de Jésus.
Cette scène contient également une autre fascinante adaptation d’un thème antique, la transformation d'un Dionysos âgé
hellénistique soutenu par un satyre en vieux prêtre avec un acolyte. (Michelangelo a employé ce prototype général plus
tard pour son Bacchus.)
Nicola adapté à un sujet chrétien la forme païenne dérivée d'une copie romaine d’un cratère dans le Compo santo. C’est
une application du principe de disjonction de Panofsky. Son emprunt a également eu une dimension civique parce que le
cratère était censé pour avoir été donné à la ville par Auguste, de ce fait faire référence aux origines et à l'alliance de Pise aux
Gibelins (partisans de l’empereur).
Vraisemblablement en raison du succès et de la renommée de la chaire de Pise, Nicola a été commissionné en 1265 pour
sculpter une autre en marbre de Carrare pour le Duomo de Sienne. Cette deuxième chaire était achevée en 1268 et est plus
ambitieuse que la précédente à Pise ; elle est octogonale et a donc 7 panneaux.
-> Dimensions
Les colonnettes foncées encadrant les panneaux de Pise ont été remplacées par des figures en marbre blanc aux
angles, permettant au récit de se dérouler tout en diminuant la retenue classique. La corniche richement découpée s'ajoute au
sentiment de l'excitation et de l'unité extérieures ; elle encourage une lecture en continu, qui est accentuée par une ligne de
marqueterie au-dessus de la corniche inférieure. Les dimensions et la disposition plus grandes de la chaire de Sienne
sont le résultat de considérations pratiques et esthétiques. Les scènes de la chaire de Pise étaient clairement visibles de
n'importe quel endroit dans cette petite structure, mais dans le vaste intérieur foncé de la cathédrale il est difficile de regarder
différentes scènes. Nicola doit s'être rendu compte de ces limitations et a projeté son pupitre en conséquence. En outre, le
nombre de personnes dans chaque scène a été augmenté, rendant nécessaire une réduction de leur place. Ainsi la simplicité
sereine de Pise a été échangée pour une richesse de la surface, du mouvement et du récit.
Comme à Pise, les colonnes externes se reposent alternativement sur les dos des lions (deux mâles qui dévorent leur proie et
deux femelles qui nourrissent des petits). La colonne centrale est entourée non pas avec des animaux mais avec des
figures des arts libéraux (Grammaire, Dialectique, Rhétorique
Arithmétique, Musique, Géométrie, Astrologie) d'une amélioration dans la pensée et de forme. Sept panneaux relatent la vie du
Christ, mais avec les changements cruciaux.
Dans la première scène, la Visitation remplace l'Annonciation. Dans la seconde, le voyage des rois Mages est ajouté à
l'"adoration" simple. Il est rempli d'un mage noir, d'un entourage, et de quatre arbres pour suggérer un paysage.
Une nouvelle scène, le Massacre de l'Innocents, sûrement par Giovanni, est présentée. En conclusion, le Jugement
Dernier représente les damnés du côté gauche du Christ et les élus du côté droit.
En 1329 les colonnes ont été remplacées et au seizième siècle les escaliers ont été ajoutés et la chaire s'est déplacée à son
endroit actuel, rehaussée sur une base pour avoir les moyens une plus grande visibilité.
-> Le premier est l'influence du gothique français, vue dans le beau Christ le la Rédemption aussi bien que dans le
draperie décorative et les proportions.
Nicola a été exposé aux idées gothiques françaises en partie du contact avec des ivoiries français. Puisqu'un
changement de modèle se traduit par un changement de langage figuré, la figure classique de Hercule à Pise est remplacée
par une vertu féminine plus traditionnelle.
En Italie, la Sculpture qui n’ jamais été soumise à l’architecture. Elle reste un art majeur comme dans l’Antiquité. Les
statues d’ébrasements ne s’imposent pas. En revanche, des monuments de la sculpture sont élaborés : les chaires. De même
des fontaines comme à Pérouse.
Arnolfo Di Cambio.
Il s’est aussi formé auprès de Nicola Pisano (chaire du Duomo de Sienne, dès 1260, baptistère de Pise, vers 1281 à la fontaine
de Pérouse. Son œuvre majeure : le Tombeau du cardinal Braye, 1282 à San Domenico di Orvieto. Spécialiste de la sculpture
funéraire -> a créé une véritable école. Tombeau mural à enfeu (Niche funéraire à fond plat, s'ouvrant par une arcade dans le
mur d'une église.) Le modèle de cette sculpture profane (véritables portraits) se trouve à l'abbaye royale de de Saint-Denis qui
était l'église d'enterrement des rois de France et de leur famille. Plusieurs des tombeaux ont été vandalisés à la Révolution
française.
On lui attribue également une des premières statues – portraits de Charles d’Anjou à Rome (Musé du Capitole) :
Le XIVe siècle.
Généralités France Europe du Nord :
Fin XIIIe : chantiers des cathédrales plus limités mais développement de statues de dévotion à l’intérieur. Goût pour la
narration. Les commandes les plus novatrices viennent des milieux aristocratiques et royaux. -> Art de Cour : goût du luxe et du
détail.
Double tendance : « maniériste » et réaliste.
Grande nouveauté : figuration de personnes contemporaines dans le décor des églises.
-> redécouverte du portrait presque absent depuis l’Antiquité.
En même temps des tendances pathétiques apparaissent -> changement de la spiritualité, dévotio moderna
(compassion vis à vis du Christ -> empathie : Saint François.
En Italie:
GIOVANNI PISANO
http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/p/pisano/giovanni/index.html
Architecte et sculpteur -> on lui attribue des ensembles architecturaux sculptés -> façade de la cathédrale de Sienne. (1284 –
1296). Première façade gothique italienne avec des sculptures. Iconographie : Vierge, prophètes, Platon, Aristote, la
Sibylle, inscriptions annonciatrices du Messie.
Pas de statues d’ébrasements.
Originalité du travail de Giovanni : gothique mais emprunt d’influences antiques. Statuaire librement disposée sur la
façade.
André Chastel : Après avoir sculpté certains bas-reliefs de la fontaine de Pérouse, Giovanni participe entre 1284 et 1299 aux
chantiers des façades de la cathédrale de Sienne et du baptistère de Pise. A Sienne il sculpte une foule de figures
monumentales pour décorer la façade. Le programme n’est achevé qu’en 1377. Cette façade peut être rapprochée de celle de
Reims (Giovanni a voyagé en France peut-être entre 1270 et 1275). Peu d’artistes ont combiné à ce point « la tension classique
et l’inflexion gothique » dans un mouvement presque « baroque » à la fin « tour à tour Sluter et Rodin ».
Giovanni a ainsi évolué vers des effets de plus en plus violents, vers des compositions plus complexes pareilles à des batailles,
comme s’il lui fallait comprimer dans un espace réduit un monde douloureux et gesticulant.
Cette convexité donne une impression circulaire du monument. Les récits se lisent comme un rouleau cohérent et
déroulé, facilité par la corniche massive qui favorise une lecture linéaire. Giovanni, un narrateur doué, a augmenté la
superposition des épisodes et a créé des variations sur les récits standard de Pisano. Il a également présenté deux nouveaux
sujets - un avec trois épisodes de la vie de Jean-Baptiste, les autres dépeignant la trahison, la raillerie et la flagellation, aussi
bien que le Christ devant Caïphe.
Aucune étude systématique n'a distingué les nombreuses interventions de différents sculpteurs. Tandis que les panneaux sont
inclinés vers le spectateur comme à Pistoia, il y a moins d'unité stylistique et les éléments décoratifs semblent plus
prodigues.
André Chastel : A la chaire de Pise, Giovanni consacre douze années. Ici l’artiste signe en latin comme pour proclamer sa
gloire et ses tourments. Dans un plan circulaire et non plus hexagonal, il compose une chaire monumentale (plus de 4 m de
hauteur) aussi peuplée qu’une cathédrale : colonnes lisses et statues colonnes alternent à l’extérieur, d’autres supports
glissées sous le plat de l’étage sont de véritables pyramides de figures. Il y a une agitation, un emmêlement des formes, une
richesse de facture presque excessifs sur les neufs panneaux du parapet. Le Massacre des innocents, la Crucifixion, le
Jugement dernier semblent amonceler dans un espace prêt à céder des personnages étirés, des faces expressives, des têtes
de barbares, de bergers, de soudards, d’anges ou de saints. C’est un mélange de souvenirs de sarcophages antiques et de
linteaux français, véritable « trésor » de la sculpture universelle.
Le dégagement des figures est encore
plus profond, de sorte que dans les
endroits, les têtes soient
indépendantes et le fond translucide
le jour.
Ici, la crucifixion, chef d’œuvre de
théâtralité narrative dans la gestuelle, et
de réalisme le modelé des corps du
Christ et ceux nus des deux bandits
crucifiés. Une grande agitation des
figures, une composition complexe
créatrice d’espace par la variété des
positions (face, profil, dos)
Il y a également des déséquilibres proportionnels parmi les figures. Les tranchants gothiques aigus des archivoltes ont été
remplacées par les doubles volutes mis en rouleau qui ne se réunissent pas au centre au-dessous des prophètes étendus.
Ces vagues formes classiques prêtent une qualité non définie à cette section de la chaire. Les appuis inférieurs, qui ne
peuvent être correctement reconstruits, sont les éléments les plus intéressants et incluent plusieurs innovations qui se sont
développées après à la chaire de Pistoia. Par exemple, une plus grande complexité de la composition par l’ajout de
personnages sur la base de la chaire : les quatre vertus cardinales : le Courage, la Justice, la Force et la Prudence,
représentées pendant qu'une « Venus Pudica » couvre ses parties génitales et seins. Dans leurs types et attitudes faciaux
massifs on observe que Giovanni a rompu avec les modèles de la chaire voisine du Baptistère due à son père ainsi qu’avec
les « vestiges antiques » de Pise. Cette influence apparaît également dans une des deux figures de support simples, Hercule
souffrant comme martyre plus ancien qui, en comparaison du « courage » herculéen sur la chaire du Baptistère,
indique à quel point le modèle de Giovanni était différent de celui de son père.
À l'angle de la archivoltes les prophètes sont au nombre de six, avec les génies sibylles leur chuchotant à l'oreille, un
motif également utilisé par Michel-Ange sur le plafond de la Chapelle Sixtine. C'est dans le style du relief et des figures très
expressives à la gestuelle très marquée, les formes anguleuses, le rythme des diagonales, la taille profonde mettant l'accent
sur le jeu d’ombres que l'on ressent la maturité de l’art de Giovanni. L'influence des ivoires français est partout évidente. Il y
a aussi des traces de dorure et de verre incrusté en forme de quatre-feuilles, le style gothique est omniprésent. Les reliefs ont
été sculptés rapidement avec assurance et une grande liberté en jouant sur le jeu d’ombres. Cette virtuosité
généralisée fausse les figures expressives mais portant les marques du ciseau. Pour la première fois, les reliefs sculptés
Giovanni sont inclinés vers le spectateur pour une plus grande visibilité.
André Chastel : La comparaison des reliefs de Pistoia qui se creusent et ondulent sous des formes nerveusement tordues
avec les panneaux ordonnées emprunts de « dignitas » antique suffit pour montrer ce que le tempérament turbulent, inquiet
de Giovanni a apporté de pathétique, de fort parfois de torturé. Les atlantes se tordent en grimaçant, les lions semblent
rugir sous les colonnes. On sent parler un génie qui ne peut plus faire école, comme plus tard Michel-Ange ; il avance seul sans
trouver d’obstacle à sa taille. La disparition de Giovanni en 1317 laisse un vide que très peu de sculpteurs réussiront à combler
en particulier le siennois Lorenzo Maitani.
Lorenzo Maitani.
André Chastel : C’est très loin de la grande manière de Giovanni que Maitani se situe à la cathédrale d’Orvieto,
avec de minces et délicats reliefs aux guirlandes des rinceaux tortueux, aux figures minces et profilées
inscrites dans des paysages stylisés, d’un goût typiquement siennois. Véritable travail d’orfèvre, la sculpture
divorce avec l’architecture puisque ces panneaux monumentaux (le Jugement dernier comprend cinq zones)
sont mal intégrés à la structure de l’édifice.
Panneau de la Genèse, Création d’Adam.
Andrea Pisano.
Après la disparition prématurée d’Arnolfo, il n’y a plus de sculpteur à Florence, Andrea dit Pisano est invité pour la porte du
Baptistère terminée en 1336. Ici, on a l’application de modèles gothiques du Nord, chaque « cartouche gothique » enferme une
scène aussi élégante que possible. C’est le point de départ d’un art nouveau en Italie, sans rapport avec le travail de Giovanni.
Andrea reprend les modes de Giotto mais en plus joli et plus monumental que les figures massives du peintre, car il s’appuie
sur les ivoires et miniatures parisiens. Les figures sont allongées, les plis en Y, poli, calme et sérénité caractérisent l’art
d’Andrea. Dans la décoration du Campanile (1337-1343) il poursuit le travail de Giotto avec les allégories des arts
mécaniques, des Arts libéraux, avec des Vertus… Une véritable encyclopédie du labeur humain. Peut-être en rapport avec
les nouvelles idées de la pensée scolastique : « le salut viendra par le travail ».
Il y a trois maux apportés sur nous par Adam et Eve, à savoir péché, ignorance et mortalité.
Pour eux Dieu a fourni trois remèdes correspondants, : vertu, sagesse et nécessité pratique.
Au niveau humain ces cadeaux divins sont représentés par les sept vertus, sept arts libéraux, et sept arts mécaniques
respectivement
Orcagna - un peintre, sculpteur et architecte - a été chargé d'exécuter la seule, la grande sculpture de l'époque à Florence, le
tabernacle de mammouth Orsanmichele. Cette structure gothique en marbre, un peu comme une miniature de l'église, était un
religieux et civiques édifice construit pour abriter Bernardo Daddi la peinture d'une perte d'image de la Vierge à l'Enfant.
Hexagonal reliefs des vertus et des reliefs octogonale de la vie de la Vierge suppléants sur sa base. Il culmine dans la grand
secours sur le revers, la Dormition et l'Assomption de la Vierge, où le travail est signé et daté 1359.
Le tabernacle est précieux incrustés de lapis, d'or et incrustation de verre qui crée un brillant, éclatant polychromie, elle est
particulièrement dense dans le royaume céleste, ce qui rend la région encore plus plat. La décoration est d'élaborer l'équivalent
de la richesse de brocarts dans la peinture contemporaine, un goût qui s'épanouit avec le style gothique international.