“Merrie Melodies”

(y otras 13 maneras de entender el

dibujo) Colectiva: Dibujo – Vídeo – Instalaciones
Del 12 de Marzo al 24 de Mayo

Artistas participantes: Chema Alonso, Vicente Blanco, Violeta Caldrés,

Ruth Gómez, Paco Guillén, Fernando Gutiérrez, Abigail Lazkoz, Enrique
Marty, Ling Ming Hui, David de la Mano & Pablo S. Herrero, Diego del
Pozo, Marta Serna, Juan Zamora.
Comisario: Javier Panera

“Merrie Melodies”, (“Fantasías animadas de ayer y hoy” en

español), era el nombre de una famosa y muy recordada serie de
dibujos animados realizada por la Warner Bros Pictures entre 1931-
1969 que constituyó uno de los hitos de la era dorada de la
animación infantil.

Ruth Gómez: Animales de compañía. Colección de la Fundación Coca Cola

Las técnicas de animación –ya centenarias y tradicionalmente

asociadas a la industria cinematográfica y del entretenimiento–
gozan de gran pujanza en el arte contemporáneo actual. Partiendo
de la doble premisa de trabajar con animaciones y contar historias
-pero en este caso para adultos-; que pongan en escena
emociones, obsesiones, relaciones de poder y miedos, esta
exposición reúne una serie de trabajos de artistas emergentes que
redefinen una técnica tradicional como es el dibujo, desde dentro,
pero al mismo tiempo logra situarla en el siglo XXI a través de
hibridaciones y encuentros con nuevas técnicas y soportes, como el
video, la animación digital, la arquitectura o la instalación.
Vicente Blanco: Sin Título 2003. Video y fotografía. Colección de la Fundación Coca
Cola y el DA2
El proyecto, que ocupara la primera planta y algunos espacios de
tránsito del DA2, se articula mediante la contextualización de varias
obras presentes en las colecciones del DA2 de artistas como: Ruth
Gómez, Vicente Blanco, Curro González o Abigail Lazkoz que
establecerán un diálogo con tres proyectos de instalación de dibujos
multimedia, concebidos para espacios específicos del DA2,
abordados por los siguientes artistas: Juan Zamora, Fernando
Gutiérrez y Marta Serna, a los que se suman nuevas piezas de
animación e intervenciones de pequeño-mediano formato y técnica
mixta realizadas por artistas emergentes como Chema Alonso,
Violeta Caldrés, Diego del Pozo, David de la Mano o Lin Ming
Hui.
Los proyectos específicos se irán presentando en tres etapas hasta
la inauguración de la totalidad del proyecto el 12 de Marzo.
Calendario de proyectos:
16 de Febrero – 25 de abril
Juan Zamora “Donde un sol” (Sala
8)
Dibujante y creador sonoro, ambas facetas se funden en
una gracias a las técnicas de la animación, una disciplina a
la que se acerca desde una perspectiva sencilla en su
factura y simplista en su forma. Haciendo uso de materiales
tan primarios como el bolígrafo o el lápiz, Zamora plasma
en sus vídeos los resultados de sus investigaciones en torno
a la percepción sensorial y las relaciones personales
protagonizados por figuras antropomórficas, de clara
ambigüedad sexual y tan primarios en su forma que
parecen esbozos.

Proyecto de Juan Zamora para la sala 8 del DA2

Sus personajes cobran vida a través del movimiento y el
sonido y es este último el que a veces acentúa los
componentes más perturbadores y singulares de la pieza.
Ruidos guturales, que aparecen asociados a su vez a ese
pequeño movimiento y a distintos estados de ánimo. Su
exposición combina piezas de pequeño formato realizadas
en los últimos dos años con dos instalaciones creadas
específicamente para los espacios del DA2.
Marta Serna “Black Wings” (Vestíbulo)
5 de Marzo – 13 de Junio

Con “BLACK WINGS” Marta Serna ha transforma semánticamente la arquitectura del

vestíbulo del DA2 convirtiéndola en una escenografía de potente efecto teatral en la que se
detectan referencias que pueden, ser tanto literarias como cinematográficas que se encuentran
en el inconsciente colectivo. La instalación se complemente con una sugerente pieza sonora
en la que ha colaborado el artista salmantino Chema Alonso, y con tres piezas de animación en
vídeo creadas por la propia Marta Serna que también se integran en el proyecto en las que,
siguiendo la línea de anteriores trabajos plantea rituales de apropiación/canibalismo entre
animales y humanos
MARTA SERNA:
“Bloody Boots” (2009), “Cat Power” (2009), “Black Wings”
(2010)

El tema central del que parte el trabajo de Marta Serna es, según
ella misma reconoce: una revisión de los roles de poder en la
infancia; de la búsqueda del poder atávico de dominación. “Me
interesa reflexionar sobre su origen, por qué se pierde, y lo que es
más importante, cómo se recupera. En el proceso de recuperación
se hace escala en temas como herencia, familia, infancia, sacrificio,
apropiación, vampirismo, adaptación, muerte-vida, sangre…”
Muchas de sus obras reflexionan sobre los límites entre las
naturaleza humana, animal y artificial que poseemos y sobre el
ritual de compensación que hemos de realizar para configurarnos
como entes adaptados al medio. Los dibujos que Marta presenta en
sus vídeos e ilustraciones son sencillos (de apariencia tan infantil
como precaria), -lo que es una característica común en muchos de
los artistas que participan en “Merrie Melodies”-; habitados por
personajes disfuncionales, que generalmente carecen de escenario
y a veces funcionan como un trasunto pseudobiográfico de la propia
autora.

El carácter narrativo de los dibujos ha dado lugar a la creación de

pequeñas historias animadas que complementan la gran instalación
situada en el vestíbulo del DA2 cómo por ejemplo “Bloody Boots”
(2009) el primer video de una trilogía sobre la recuperación de
poder a través de diferentes rituales de apropiación. En Bloody
Boots la sangre es el fluido vital que actúa como conductor para la
realización del ritual y que confiere al objeto un poder especial. En
el video, unas botas desprovistas de singularidad se convierten por
efecto vitalizante y regenerador de la sangre, en un auténtico objeto
mágico de poder. La sangre que brota de la tierra transforma estas
botas en protectoras y mágicas y viste de naturaleza humana al
personaje otorgándole la herencia, la naturaleza genética.

“Cat Power” (2009) hace referencia a la recuperación del poder

salvaje a través de un ritual de apropiación. El personaje central
se apropia de la parte intuitiva y fiera del animal. La muerte del gato
no es en vano. Su sacrificio transfiere al personaje el instinto, la
naturaleza salvaje perdida y olvidada. Se produce una mutación.
Ambos, humano y animal conviven en un mismo cuerpo. Han
dejado de ser quienes eran para dar paso a un nuevo ser hibrido
dotado de nuevas y poderosas características que lo harán más
completo y apto para la supervivencia.

En la misma línea se resuelve el tercer y último vídeo de la trilogía

“Black Wings” (2010) en el que la protagonista entra en “contacto”
con los mismos cuervos negros utilizados para la gran instalación
del vestíbulo del centro de arte.

Del 12 de Marzo al 13 de Junio

Fernando Gutiérrez “Crisálidas” (Sala 7)
Cortesía LABoral Centro de Arte Gijón
En su proyecto “Crisálidas” Fernando Gutiérrez propone una suerte de
“cuento de hadas para adultos”. La sala 7 se transforma en un mágico
paraíso de mutantes en el que la luz se convierte en el límite perceptivo
sobre el que se enfrentan formas biomórficas y antropomórficas.

El proyecto “Crisálidas” surge de la combinación de la técnica

tradicional del dibujo –un dibujo de línea clara simple y en
ocasiones precaria, pero tremendamente efectiva- ,
ejecutado directamente sobre los muros de la sala 7 del DA2
mediante pintura acrílica negra y pintura fotoluminiscente;
con diferentes soportes electrónicos como el video y
dispositivos de gradación lumínica.
Estos tres componentes: el dibujo, la luz y el vídeo, se
recombinan en un proceso de búsqueda e investigación de
sus distintas posibilidades de articulación espacial, temporal
y semántica que “fluye” de modo natural por las paredes de
la sala; de hecho la materialización plástica del proyecto
pese a su aparente sencillez no está exenta de preciosismo,
como si se quisiera combatir con ello la amenazadora
asepsia visual del cubo blanco…

De esta manera asistimos a una suerte de “vuelta al origen”,

a la germinal relación del pintor con la pared –y en este
punto no debe olvidarse que la formación académica de
Fernando Gutiérrez fue inicialmente como pintor-. Mediante
esta hipnótica y sensual yuxtaposición de imágenes
dibujadas y proyectadas Fernando Gutiérrez se posiciona en
unas coordenadas cercanas a lo que ha venido en llamarse
“pintura expandida”, entendida como aquella en la que los
límites formales y conceptuales del soporte son cuestionados
y redefinidos una y otra vez.

Para terminar conviene señalar que en términos semánticos

las composiciones de Fernando Gutiérrez, discurren a lo
largo de un universo que nos resulta a la vez extraño y
familiar, marcado por recuerdos de la infancia en la misma
medida que por los fantasmas que anidan en nuestro
subconsciente.. Melancolía y dulzura, proximidad y
extrañeza, fragilidad y vigor se entremezclan en imágenes en
perpetuo estado de mutación; aparentemente ingenuas para
unos o como si hubieran salido de un cuento de hadas “para
adultos” para otros, pues en ellas afloran recuerdos, deseos,
pesadillas, traumas anhelos, que son a la postre, parte
irremediable de nuestra colección de intimidades.

VICENTE BLANCO
“Paisaje Nevado”

Vicente Blanco se ha convertido en uno de los referentes del campo

de la videocreación nacional en los últimos años. Su trabajo
presenta una serie de influencias y referentes iconográficos
tomados del cine la publicidad y el lenguaje televisivo.

Haciendo uso de la animación digital, y con una estética que

también bebe directamente del cómic y la novela gráfica, Blanco
elabora guiones que se desarrollan en contextos irreales, si bien
concretos en su definición formal y conceptual, a través de
situaciones diversas donde cobra un papel protagonista la
necesidad narrativa. Todas las acciones adquieren así una doble
intencionalidad: la de ser causa y efecto de otros acontecimientos.

Como señala Carlos Ordás: “En sus narraciones no importa tanto el

fin, sino la forma en que todos y cada uno de los elementos de la
narración se relacionan entre sí. Nos encontramos con ficciones en
las que se busca alterar la tranquilidad de un espectador que se
reconoce con facilidad en lo cotidiano de las imágenes, pero que
asimismo se ve desplazado a un estado de "tensa espera" ante el
devenir de los acontecimientos que en ellas se narra (…)”.

La doble proyección “Paisaje nevado” presenta un escenario

utópico pero reconocible en sus características formales. Un
escenario que se erige como protagonista de la narración, como
origen de los personajes y de sus ausencias, así como de las
acciones que éstos parecen llevar a cabo. Una casa aislada en un
bosque, un personaje en apariencia tranquilo pero ciertamente
amenazador, la imagen repetida de un cadáver en el bosque al que
acaba cubriendo la nieve...
Es así como los distintos acontecimientos desarrollados en este
escenario no se presentan con una conexión clara entre ellos, pero
sí con una sensación de que algo está ocurriendo y que se escapa
a nuestra percepción. La tranquilidad que se desprende de las
imágenes se empaña por aquello que parece que vaya a ocurrir, o
que intuimos que ya ha ocurrido. Es como si estas imágenes, en
palabras del artista, “presintieran un clímax que nunca alcanzan y
que no es visible para el espectador”.

CHEMA ALONSO
NOS MIRAN, nos critican, nos juzgan, nos seducen…
NOS VIGILAN, nos analizan, nos estudian, nos manipulan, nos
utilizan…

El propio título de la instalación multimedia del artista visual y

creador sonoro salmantino Chema Alonso es bastante explícito
respecto a los contenidos e intenciones de su trabajo. Un retorcido y
neobarroco juego especular en el que el espectador es invitado a
mirar y a ser mirado y a poner en cuestión sus sistemas de
percepción.

En esta instalación hay un “adentro” y un “afuera” en el que se

mezclan dispositivos de vigilancia y sonidos en espacios
inmersivos, que han sido modificados pictóricamente mediante
dispositivos fotoluminiscentes. Como consecuencia de todo ello el
espectador se convierte en un “Voyeur” que es a su vez espiado…
en un vigilante a quien vigilan… El trabajo de Chema Alonso nos
obliga a activar todos nuestros sentidos y a dudar de modo
permanente sobre nuestro estatuto de percepción en la era de la
circulación promiscua de imágenes.

DAVID DE LA MANO & PABLO S. HERRERO

La Casa Ciega. (2009-2010)

La Casa Ciega es el registro en video stop-motion sobre un

proyecto mural comenzado a finales de diciembre de 2009 en el
barrio de Pizarrales, Salamanca.

David de la Mano y Pablo S.Herrero llevan algo más de un año

desarrollando un programa independiente de intervención artística
en las zonas más abandonadas de la geografía urbana salmantina,
teniendo como foco central de acción el barrio de Pizarrales,
paradigma de la marginalidad que la ciudad tiene con ciertas partes
de sí misma. Una serie de murales pintados en el barrio entre
diciembre de 2008 y diciembre de 2009 son la expresión de una
particular forma de entender la conexión entre arte y contexto: el
lugar es víctima del desahucio y del abandono, del mismo modo
que lo son las piezas allí desarrolladas .

En esencia, el arte urbano lleva consigo la definición de efímero.

Una obra de arte urbano no es protegida ni restaurada. De este
modo, el deterioro de una obra es paralelo al deterioro del lugar,
siempre que la pieza no sea destruida antes, cosa que suele llevar
a cabo, en la mayoría de los casos, la institución encargada de
decidir cómo y hacia dónde debe crecer una ciudad. Así, los
murales pintados en los sitios del barrio llamados a desaparecer,
desaparecen. Sin embargo, y en contra de la propia naturaleza del
arte urbano, algunas de sus obras gozan de cierta perdurabilidad.
Esto sucede a causa de la simpatía entre la obra artística y el
barrio, cuyos vecinos son sus primeros y genuinos espectadores.

En esta línea y trabajando con la dialéctica entre lo transitorio y lo

perdurable, el proyecto La Casa Ciega, pretende ser un mural
cíclico, realizado y destruido continuamente a modo de bloc de
notas, como un dibujo en una pizarra. La obra durará y será
recreada el mismo tiempo que el soporte (una casa cegada y lista
para su derribo) permanezca en pie.

DIEGO DEL POZO

La Familia (2005).
El topo y la anguila (2007)

Diego del Pozo ha desarrollado en los últimos años una obra

coherente y tremendamente personal que, bajo una aparente
simplicidad formal, se ocupa de temas relacionados con la
identidad, el afecto, el amor, el deseo y por la forma en que
dichas emociones, asociadas a la experiencia subjetiva y
privada, están condicionadas por la sociedad de consumo,
nuestro ambiente social y los métodos de producción.
Las relaciones personales dejan al descubierto las restricciones que
la sociedad patriarcal y falocéntrica ejerce sobre la libertad y el
modo en que el entorno condiciona el establecimiento y
consecución de nuestros objetivos vitales.

Utilizando diferentes técnicas y medios -dibujo, instalaciones,

vídeo- nos enfrenta a una realidad en la cual nuestros
deseos, que creemos personales y privados, se revelan como
construcciones que incitan al consumo o al control social.

La serie de dibujos “Familia” es una metáfora visual clara y directa

que bajo una óptica aparentemente autobiográfica habla de la
familia como una suerte de rémora que traba el desarrollo personal
y determina la elección de un camino determinado entre los
muchos posibles mediante el sometimiento a unos sólidos lazos
afectivos convertidos aquí en irrompibles cadenas.”

El vídeo "El topo y la anguila" gira en torno al intercambio, el

trabajo efectivo y las relaciones entre la economía y el
afecto. Cuenta la historia de sendos grupos de clandestinos,
que han creado una economía diferente durante un período
de guerra. Los individuos que pertenecen a estos dos grupos
eligen vivir una existencia precaria, en el contexto de una
economía supuestamente abundante. Es, también, la historia
de dos grupos de personas anónimas que pertenecen a
diferentes clases y niveles de producción. Buscan acciones
subjetivas por medio de la liberación de la cadena de
intercambios afectivos.

RUTH GÓMEZ
“Animales de compañía” (2006)
“Made in Musac” (2004)

El dibujo lineal, los colores planos y la animación son habituales en

la obra de Ruth Gómez que, como muchos licenciados en Bellas
Artes, ha trabajado en el ámbito de la publicidad. Su relación con
los medios audiovisuales la aproximan a una estética tecno-pop
muy actual e inconfundible, a base de vectores y tintas planas con
predominancia del rosa fucsia y unos desarrollos narrativos también
cercanos a la estética del videoclip.
Sus trabajos, de cariz autobiográfico, ofrecen una personal manera
de entender el mundo y son el resultado de su necesidad de narrar
lo que sucede en su vida cotidiana o en su entorno más próximo.

En el vídeo “Made in MUSAC” aparece multiplicada la imagen de

Ruth Gómez, quien se muestra luchando consigo misma en un
esfuerzo por superarse. Una muestra autobiográfica, donde la
artista expone, de modo metafórico, sus miedos y los diferentes
estados de ánimo por los que ha pasado durante el año de disfrute
de la I Beca MUSAC; de ahí que ella misma se presente como un
producto.

Este vídeo, como ella misma explica, “muestra todas las caras de
una persona (mi persona) durante este período de aprendizaje, así
como de inicio de mi carrera artística. Dibujo, por tanto, a mis “yo”
asustadas, mis “yo” perdidas...ante el cruel desafío que los críticos
imponen, con su juicio de: “tú vales, y tú no”. La importancia del
marketing dentro del arte y mi pasado profesional me delatan en
esta frase. Pero, esta vez, el producto que vendo soy yo, de tal
forma que mis “yo” espectadoras esperan frente a la incertidumbre
del desenlace del film, del veredicto. Muy a mi pesar, el vídeo se
convierte en un bucle. Así pues, y a modo de contrapunto, mis otras
“yo” luchan en una carrera de superación personal y bússqueda de
esa respuesta, reinventándose (…) “

En “Animales de compañía”, realizada con dibujo digital, reflexiona

sobre las relaciones y comportamientos del ser humano. Una
onírica selva, como escenario, y un amplio reparto de personajes,
como protagonistas, sirven como hilo conductor para la recreación
de una sociedad a escala que plantea preguntas y persigue
respuestas acerca de la naturaleza del ser humano, como “persona”
y como “animal social”, en otras palabras, Ruth Gómez recrea en
una jungla la lucha por la supervivencia.

LIN, MING HUI

“¡Ah!”, ¡Oye!”, “¡Bu!” (2007 -2009)

Esta artista de origen taiwanes, aunque formada en la Universidad de

salamanca utiliza animaciones en vídeo de fuerte carga poética para
reflexionar sobre su propia identidad y su condición de artista. Sueño y
realidad, de la misma manera que el mundo infantil y el de los adultos se
dan la mano a través de narraciones sencillas pero de gran lirismo en las
que el sonido y el lenguaje abren vías de diálogo con el espectador que
cuando contemple estos vídeos descubrirá un universo cotidiano, pero
también extraño.

PACO GUILLÉN
Las predicciones del Gran Chin (2008)

Las animaciones de Paco Guillén hacen uso de un dibujo

aparentemente sencillo y casi precario para reflexionar sobre su
propia condición de artista y los condicionantes y dependencias del
sistema del arte.

En Las predicciones del Gran Chin, mostrada en la última Bienal de

la Habana, una supuesta artista emergente que practica el dibujo
por ser “el lenguaje de moda” interroga a una especie de oráculo-
curator para intentar adivinar cual será la próxima tendencia
artística a la cual debe adherirse para tener éxito. Mientras tanto, el
“oráculo” responde a la entrevistadora con una jerga que tanto
podría pasar por una abstrusa reflexión sobre el sistema del arte
como un párrafo extraído del “libro rojo”.

ENRIQUE MARTY
“Duelo” (2007)

“Duelo” es una de las primeras animaciones realizadas por el artista

salmantino Enrique Marty; en ella, plantea al igual que en muchas
de sus pinturas y esculturas dos situaciones cotidianas que se
sitúan entre lo grotesco y lo amenazador.
En dos planos paralelos en el tiempo y en el espacio un personaje
masculino y otro femenino (que guardan un extraordinario parecido
con los padres del artista) realizan estridentes disparos con un
revolver. El sentido direccional de los disparos de ambos
personajes hace que percibamos la acción como un duelo –o tal vez
una guerra de sexos- , sin embargo en ninguno de los dos casos
llegamos a descubrir contra quien se están efectuando los disparos.
Es por tanto el espectador quien debe decidir si nos encontramos
ante un conflicto familiar resuelto por la vía de la violencia o ante un
acto de violencia ejercido contra una víctima anónima.
ABIGAIL LÁZKOZ
“Haciendo el muerto”

La obra de Abigail Lazkoz reflexiona, mediante una estructura

dibujística próxima al mundo de la viñeta gráfica, sobre la realidad
política, social o los roles de género, planteando en el propio
espectador cuestiones que han de ser desveladas yendo más allá
de lo que el dibujo, aparentemente sencillo, ofrece en un primer
golpe de vista. De ahí que los títulos de la mayoría de sus
trabajos‚normalmente frases‚ clarifican parte del significado. Tal es
el caso de la pieza que nos ocupa: “Haciendo el muerto”

Tras la sencillez del trazo y la combinación de diferentes técnicas

que van del dibujo al collage, pasando por las fotocopias o la
animación en vídeo, los trabajos de Abigail Lazkoz nos plantean
una aproximación a la cruda realidad en la que vivimos, de tal forma
que tras su aparente sencillez se esconden unos replanteamientos
sociales y políticos dignos del mejor analista social contemporáneo,
pero sin renunciar a aspectos visuales y ornamentales de gran
atractivo

“Utilizo el arte para poder satisfacer mi necesidad de reflexionar

sobre los hechos exteriores e interiores que determinan la vida de
las personas” ...., “dicho esto, se podría pensar que mi obra
pertenece el tipo de arte que se preocupa más del contenido que de
la forma, de lo que cuenta más que de cómo lo cuenta. Sin
embargo, yo considero que la elección del arte para reflexionar
sobre la vida, lleva implícita una regla básica de uso que determina
el juego desde el principio: la aspiración a conseguir una obra que
transmita un contenido determinado pero que sea capaz de ofrecer
a la vez una experiencia estimulante para los sentidos y para el
intelecto”.
VIOLETA CALDRÉS

Hipertituladas . 2010

La obra de Violeta Caldrés, tal y como apunta Carlos Primo,

“despliega ante nuestros ojos las infinitas complicaciones de la
identidad y sus múltiples reflejos. Con sus formas ambiguas, su
poderoso cromatismo y su inquietante complejidad, estos dibujos y
recortables parecen surgidos del caos y, sin embargo, dan forma a
una imagen definida y esclarecedora de las topografías íntimas de
la vida contemporánea (…)”.
(…) Las piezas se montan, se desmontan, se combinan entre sí y
son intercambiables. Sin embargo, no hay ningún tipo de
ingenuidad; el juego es la actividad más seria que existe y, en la
obra de Violeta Caldrés, el juego tiene connotaciones nada triviales.
La crisis económica y social que impregna todo afecta también al
modo en que el hombre y la mujer capitalizan su cuerpo, su deseo y
su sexualidad. Lo sexual –por ejemplo, lo genital- tiene en estos
dibujos una fuerte presencia, y cumple dos objetivos; por un lado,
subraya de manera exultante la importancia vital de esta dimensión
humana y, por otro, cosifica el cuerpo para convertirlo en
herramienta de negociación, en mercancía y en generador de
oportunidades.