StaFF · Editor·

Toni Face

· Liquidadores·
Miguel A. Sánchez Gárate
Gaboni
Sobornez
Larry - ‘Reggae News’
www.chemaskandal.net

· Maquetación ·
Toni Face

impreso en papel
100% reciclado

© Liquidator Music
CROMOS LIQUIDATOR by Sobornez

the
erin bardwell collective
El organista, DJ y compositor inglés Erin Bardwell dirige este proyecto desde 2003 compo-
niendo sus propias canciones al mas puro estilo early reggae de los 60. En 2004 pasaron de
ser un proyecto de estudio para llevarlo al directo gozando de una intensa actividad en la
actualidad dentro de la escena local, programando conciertos y participando en ‘scooter
rallys’, pero no pordigándose mucho en giras fuera de su entorno. Son entre 5 y 6 personas
en el escenario mas los artistas invitados que suelen llevar a sus recitales y su discografía se
compone de tres CD albums y un single.

Además Erin tambien dirige las sesiones del 'Shocks of Mighty' reggae club en Swindon (UK)
Apdo. Correos 52015, 28080 Madrid con su Shocks of Mighty Sound System. Este proyecto lo inició Johnny Rench junto con Nevil
Tel: (+34) 91 532 27 64 Banton y Erin Bardwell, una plataforma para amenizar estas veladas de ‘oldies’ jamaicanos
Fax: (+34) 91 126 50 41 con Erin y Johnny a los platos y Nevil al micrófono.
info@liquidatormusic.com
www.liquidatormusic.com Pero no todo acaba ahí, tiene su propio sello discográfico, Pop-A-Top, donde da salida a todos
sus diferentes proyectos y en el que acaba de editar su flamante nuevo larga duracion
'Volume 3 - The Instrumentals' editado en CD y siendo su mejor trabajo hasta la fecha, un
trabajo absolutamente groovie boss sounds. Otros artistas de su escudería, además de The
· editorial· Erin Bardwell Collective son Johnny Rench, The Pop-A-Top Dubstars, Nevil Banton, Sandra
Han tenido que pasar cuatro Bell, Recoldo Fleming, The Swindon Ska Trek y un largo etcétera.
largos años para juntar el tiempo y las
fuerzas necesarias que se necesitan Visita su página web www.popatoprecords.co.uk para más información sobre sus fiestas, con-
para sacar un nuevo número de este tu
ciertos, entrevistas y apariciones en los
fanzine.
medios, etc.
Desde el número 8 han cam-
biado bastante las cosas, ahora ya
estamos inmersos en la era digital y
tenemos un catálogo on-line constante-
mente actualizado con mucha más
informacion de la que podíamos ofre-
cer en unas pobres páginas de papel
que se quedaban desfasadas mucho
antes de que pudiéramos editar un
nuevo número. Este fanzine antes era
gratuito, tratábamos de costear los gas-
tos de impresión y distribución con la
publicidad (¡angelitos!), ahora cuesta el
simbólico valor de 2 euros y si tiene
buena acogida y a gente se anima a
leer no tendrán que pasar otros cuatro
años para que tengas en tus manos otro
número. Señalar como el aconteci-
miento más importante desde el pasa-
do número la pérdida de Laurel Aitken,
descanse en paz.
¡Esperamos que lo disfrutes!
the KinKY Dave Barker fue quien les apodó ‘The Mean Machine’ durante los ensayos que
han hecho preparando conciertos por toda la gaografía peninsular. Han actuado

coo coo’ S
juntos en un montón de ocasiones ocupando su faceta de backing back de artis-
tas jamaicanos gran parte de su agenda de conciertos, artistas como Laurel
Aitken, Earl Sixteen, Sister Audrey, Roy Ellis y, por supuesto, Dave, han tocado
con The Kinky Coo Coo’s de banda de soporte en alguna ocasión.

¿Ha cambiado el sonido de la banda en este
nuevo EP de cuatro temas con respecto a vues-
tro anterior álbum ‘Montjuïc Boneyard?
La verdad es que TKCC’s ya goza de un sonido
propio, pero la metodología de las grabaciones ha
ido variando, apostando actualmente por grabar la
banda de forma conjunta, como se hacía en las
antiguas grabaciones, consiguiendo así un sonido
más ‘vintage’ y más auténtico a nuestro parecer.
Este EP representa para nosotros el principio de
una etapa de consolidación, habiendo conseguido el
sonido fresco y ‘negroide’ que caracteriza la banda
actualmente. Tres temas propios con mucha fuerza
y una versión sorprendente de un gran clásico de
Etta James son la muestra y el avance de lo que la
banda ofrece en la actualidad, con una formación
muy bien cohesionada y empastada, TKCC’s hemos
estrenado una etapa productiva excelente que se
deja vislumbrar con este 7”, sólo editado en forma
de vinilo.
Por lo que se ve el grupo está adquiriendo un
status internacional tocando habitualmente por
toda Europa, ¿en qué ciudades habéis estado
tocando en los últimos meses y dónde habéis
tenido mejor acogida?
Hemos hecho dos giras europeas en los últimos dos
años. Nuestro directo se ha podido disfrutar en
varios países como Francia, Alemania, Bélgica,
Suiza, Eslovenia, Austria, República Checa…
Tenemos que reconocer que el público en ciudades
como París o Ljubljana fue excelente, pero la ver-
dad es que la fiesta se vive de formas muy distintas
en nuestro continente, y es curioso ver como un
mismo espectáculo puede funcionar mejor en un
contexto que en otro. Cabría ver la reacción del
público japonés, ya que el álbum Montjuïc Boneyard
se editó también en tierras niponas, donde espera-
mos poder ofrecer algún concierto… y así proyectar
la banda aun más en el marco internacional.
Ademas de ‘The Mean Machine’ habéis publica-
do algún que otro single en otros países, ¿se
trata de diferentes ediciones del mismo EP o
son trabajos distintos?
Scorcha Records nos dio la posibilidad de sacar un
par de temas para un single, esto coincidió con la
grabación de The Mean Machine, pero preferimos
grabar canciones distintas, ya que la productividad
de la banda siempre está en boga. Así decidimos
inmortalizar un tema que tocamos desde que salió
el Montjuïc Boneyard y que nunca había sido regis-
trado antes: ‘Full of Hope’, un rocksteady cantado a
modo de trío vocal; junto a una cara B compuesta
por una versión instrumental de Montjuïc Boneyard:
‘Alive Brains - The Return of the Zombies’, que tuvo
una aceptación inesperada en la presentación del
single en McCormacks Ballroom, en Leipzig.
También coincidió la salida de este single con el lan-
zamiento al mercado del recopilatorio del aniversa-
rio de Liquidator, dónde la banda participó aportan-
do una versión de ‘Heard It Through The
Grapevine’, de la hornada de grabaciones de finales
del 2008; y con el lanzamiento de otro recopilatorio
japonés que incluyó un tema del disco anterior.
Cierto, en Japón parece que hay interés por el
grupo habiendo editado allí un disco y participa-
do en varios recopilatorios, ¿hay planes de ir a
tocar al país nipón?
Ya me adelanté a la pregunta cuando hablaba de
nuestras giras por Europa. Siempre hemos estado
abiertos e ilusionados a lo que se refiere a cualquier
gira, sea europea, nipona, americana... propuestas
no nos faltan! Nuestro objetivo es hacer cuantos
más directos mejor y hacer llegar nuestra música
cada vez a un público mas amplio. El único proble-
ma con las giras es que muchas veces los concier-
tos no son suficientemente rentables, ya que somos
10 componentes y muchos organizadores no están
dispuestos a pagar las cantidades requeridas para
desplazamiento, dietas, alojamiento y caché de la
banda. No obstante las ganas de tirar para adelante
el proyecto y la ilusión son superiores a nuestro
afán de lucro y esperamos poder dar mucha guerra
aún en numerosos escenarios del planeta.
¿Os sentís identificados con otros grupos actua-
les?
Pues la verdad es que el problema que acarrea
tener una banda tan numerosa a la hora de despla-
zarse a países extranjeros para tocar es un proble-
ma común en cualquier banda de más de 7 compo-
nentes, y son muchas en Catalunya las que se
encuentran en las mismas condiciones. Las trabas
suelen ser las mismas, aunque el hecho de abrir
mercados en según qué países suele romper fronte-
ras para otras bandas similares, en este sentido nos
echamos cables los unos a los otros muy a menu-
do. Entonces podríamos decir que nos sentimos
identificados en este sentido con cualquier macro
banda que se dedica a la música jamaicana, aun-
que cada banda tiene un sonido distinto, y dentro de la
escena, cada uno tiene también su propio público; pero es
cierto que también compartimos público con muchas de
ellas como Cabrians, Flight 404, Oldians, The Gramophone
Allstars, Soweto, Red Soul Community, The Pepper Pots,
Granadians, Upsttemians… Después de todo, pero tenemos
que tener en cuenta que cada banda tiene una evolución a
lo largo de los años, y aunque muchas de nosotras hemos
partido de bases similares y bebido de las mismas fuentes,
tenemos diferentes formas de expresar y de vivir la música,
y después de ocho años, creo que hemos conseguido obte-
ner un sonido propio que nos distingue de bandas que
están en la misma onda que nosotros. En cuanto al sonido
nos sentimos más identificados con bandas norteamerica-
nas que no con bandas estatales del momento.

¿Qué significa “The Mean Machine”?

Más que su significado al pie de la letra para nosotros es más un
concepto, un grito de guerra con el que salir a defender nuestra
música encima de los escenarios. Si bien “The Mean Machine”
sería algo así como La Máquina Canalla, tiene muchas otras inter-
pretaciones posibles pero no es ni más ni menos que un apodo
que nos puso un buen amigo y que hemos querido recoger en
nuestro nuevo trabajo para anunciar las nuevas batallas que se
avecinan. Vamos, que creo que no hace falta decir más para que
se entienda… vamos a por todas!

¿Con cual de los artistas jamaicanos que habéis tocado

en directo tenéis una relación más estrecha?
Pues clarísimamente y con diferencia, con Dave Barker.
Desde el primer momento hubo muy buena conexión, nos
entendemos muy bien tanto a nivel personal como a nivel
profesional y mantenemos contacto con él regularmente.
Trabajar con él ha sido y es para nosotros una oportunidad
excelente de aprendizaje y todo un privilegio, y estamos muy
contentos con el resultado de todos los trabajos que hemos
podido realizar con él y de haberle podido conocer, ya que a
parte de un artistazo es una persona humilde y amigable
que consideramos uno de nuestros mayores maestros.
 roY elliS
Symarip gozaron de su apogeo en la segunda mitad de los sesenta coincidiendo con el
auge del movimiento skinhead original, del que su frontman Roy Ellis se considera funda-
dor. Pero su relevancia se ha mantenido latente, pese a su inactividad como banda, gra-
cias a las cuantiosas ventas de su álbum “Skinhead Moonstomp”, que ha despachado en
estas cuatro décadas la friolera de ¡¡7 millones de copias!! Tuvimos ocasión de departir
con Roy sobre su reciente retorno al panorama reggae, su trabajo junto al artista-promo-
tor-productor cubano Laurel Aitken y sus últimas referencias discográficas para el sello
madrileño Liquidator.
Jaime Bajo: En una reciente entrevista para Diagonal, te retrataste como uno de
los skinheads negros fundadores del movimiento y señalabas que aún sientes y
te comportas como tal. ¿Cómo le explicarías a un neófito en la materia cómo era
un skinhead en aquel período en unas pocas palabras? ¿Qué diferencias encuen-
tras entre los skinheads de hoy en día y aquella estirpe de los tiempos iniciales?
Roy Ellis: Si pretende entender lo que la escena skinhead era en aquellos días, debería
acudir a mí. Un montón de gente desconoce la escena skinhead inglesa de los 60 y yo
fui el primer skinhead negro. El skinhead de aquellos tiempos era distinto del de ahora:
los de izquierdas son fantásticos, pero en mi tiempo no había skinheads de derechas.
Sólo supe de su existencia en los 80. Existía el paki-bashing, pero la razón tras aquella
batalla con los paquistaníes no era el color de su piel, sino su cultura, porque venían de
Pakistán, de India y se encerraban en ellos mismos. Tenían sus propias tiendas, sus pro-
pios lugares y no puedes hacer esto en un país extranjero. Pero nunca jamás escuché
que golpearan a un negro. Conducíamos scooters, estábamos unidos, solíamos acudir
a Brighton aquellos días y teníamos encontronazos con los rockers.
Sueles explicar la historia de como en 1964 Laurel Aitken buscaba una banda y os
preguntó a The Bees si estabais interesados en acompañarlo en sus actuaciones
como banda de soporte. ¿Cuál era la relación entre Laurel y la banda y cómo se
comportaba en su faceta de productor?
Era un tipo fantástico. Cuando lo conocimos, se encontraba buscando una banda que lo
respaldara y acababa de desembarcar de Jamaica. No interpretaba ska aquellos días,
cantaba temas más latinos: “La Bamba”, “Bésame Mucho”…y no queríamos tocar ese
tipo de música. En los 80 se consagró como “El Padrino del Ska”, pero es “El Padrino”
de la música jamaicana en otro sentido, del boogie boogie. Cuando Prince Buster tuvo
“Wash Wash” en el hit parade y el “Ten Commandments of Men” y Mille Small “My Boy
Lollipop”, ese mismo año nos pusimos a tocar ska. Éramos la única banda de jamaica-
nos que tocaba música jamaicana, el resto eran músicos de Guyana y de las indias occi-
dentales. Era muy buen promotor y aparte de hacer de banda, nos contrató para algu-
nas actuaciones en clubes. Trajo a todos los artistas jamaicanos a los clubes ingleses,
porque en aquellos tiempos los negros tenían vetado el acceso a estos clubes de blan-
cos. Contrataba las salas por una noche y actuábamos de banda para Toots & The
Maytals, The Pioneers, Prince Buster o The Ethiopians. De cualquier modo, le encanta-
mos y nos produjo en “Jesse James Rides Again”, que fue nuestra primera producción
como The Bees para Columbia Bluebeat. Laurel era un gran tipo, éramos como herma-
nos. No había visto a Laurel desde 1968 y acudí a su actuación en Suiza hace cuatro
años y él les dijo a los skinheads: “¡Este tipo escribió Skinhead Moonstomp, es el jefe!
Deberías volver a la escena, la gente quiere verte”. Y me devolvió al panorama de
nuevo. Le debo lo que soy, porque sin él no estaría aquí hoy.
Has comentado que a finales de los sesenta viniste a España para actuar para los
turistas ingleses y que, inspirado por el clima y el modus vivendi mediterráneo,
escribiste la canción “Holidays By The Sea”. ¿Qué puedes contarnos sobre aque-
lla experiencia y dónde actuaste exactamente?
Hablamos de 1969. Te diré el porqué: no podíamos encontrar trabajo en Inglaterra.
Teníamos temas en el hit parade y no encontrábamos trabajo. Tenían miedo a contratar-
nos. Decían: cuando contratas a Symarip, traen un montón de gente, pero al final tienes
que invertir demasiado dinero en reparar el lugar. Entonces nos movimos a
Southampton, luego a Bilbao a través de una agencia francesa que nos llevó a Nancy,
Montpellier, Marsella…y también a España: tocamos en Bilbao, Valencia, Cullera,
Benidorm, Alicante, Madrid. No sabían nada sobre ska, querían escuchar soul: Respect,
Soul Finger y lo tocábamos también. Tuvimos que aprenderlo rápido. Escribimos la can-
ción en un club de Benidorm llamado Hipocampo y cuando regresamos de tener éxito
en España, nos introdujimos de nuevo en el estudio y la grabamos junto al resto del
álbum “Skinhead Moonstomp” en dos pistas porque no teníamos dinero. Y aquel álbum
vendió siete millones de copias y alcanzó en décimo sexto lugar en el listado de álbu-
mes.
De los siete pulgadas que editasteis en sellos variopintos, podemos comprobar
que, a pesar de tratarse de la misma banda, aparecéis con distintas etiquetas:
unas veces como The Pyramids, otras como Symarip, The Seven Letters o
de regreso de la luna
By Jaime Bajo
Zubaba, entre otros. ¿A qué se debía esta mutación en la denominación? ¿No
hubiera sido más sencillo y reconocible haber colocado el mismo nombre en cada
grabación?
Zubaba lo hicimos porque cuando vinimos a Alemania, el reggae no enganchaba y que-
ríamos tocar música de baile. En aquella época se escuchaba a Osibisa, a Santana y
tomamos ideas de ellos e hicimos nuestros propios temas. Era afro rock. Aparecimos
actuando en una película “Warm December” de Sidney Poitier, en la que él irrumpía en
el baile con aquella chica y ahí estábamos nosotros, en el escenario. The Bees cambia-
ron a The Pyramids y luego tuvimos aquel problema con la compañía de discos
President por cambiar el nombre a Symarip, que era lo mismo a la inversa y luego gra-
bamos como The Seven Letters… Para cumplir el contrato con Eddy Grant hicimos
“Skinhead Moonstomp” y teníamos que hacer dos álbumes y lo hicimos, 24 temas, pero
empezaron a editarlas con diferentes nombres: The Seven Letters, EK Bunch, Africans,
The West Indians, The Rough Riders…para hacer dinero, para evitar pagarnos. Si ven-
des en un lugar menos de 100 libras, no te pagan los royalties. Las compañías disco-
gráficas son muy inteligentes. No nos dejaron elegir.
En 1970 el productor y diseñador para el sello Bamboo, Horace Ové, registró un
documental de culto denominado “Reggae”, en el cual productores, músicos,
inmigrantes jamaicanos y skinheads británicos hablaban en profundidad sobre el
significado del reggae. ¿Cómo te sentías en aquel período en el que la escena reg-
gae estaba en su máximo apogeo, copando las posiciones de privilegio en el Top
of The Pops y en los listados estadounidenses? ¿Alcanzará el reggae nuevamen-
te a ese público mayoritario o permanecerá para una audiencia de verdaderos
amantes del estilo?
Pienso que permanecerá para una audiencia selecta. Tendremos durante un tiempo
algún tema de reggae en el hit parade, pero no será como en los ochenta o en los sesen-
ta porque el reggae está cambiando: ahora hacen dancehall, que a mí no me gusta, pero
está bien, es algo nuevo. Todavía están los viejos tocando reggae, se escucha en la
radio temas de Jimmy Cliff, Desmond Dekker, Symarip, Bob Marley, UB40…pero no se
escucha nada de Prince Buster, de mi hermanastro Alton Ellis, al que nunca conocí. El
reggae oldies que yo hago es para un público selecto y que permanezca underground
es mejor, te diré porqué: así nunca morirá. Los temas enfocados al hit parade persiguen
conseguir dinero, pero cuando yo hago un tema bueno, por ejemplo “Skinhead
Moonstomp”, sé que nunca morirá. Incluso el álbum “Skinheads Dem A Come” es ya un
clásico y sólo tiene dos años. Skinhead Girl ha sido grabada por 35 grupos distintos. Me
hace feliz saber que mi música siempre perdurará.
Uno de vuestros temas más populares, “Banana”, recoge un mensaje multirracial
citando la variedad de culturas y colores de piel que integran la raza humana.
Pero, dado que buena parte de la lírica jamaicana contiene veladas referencias a
los atributos sexuales, ¿se refiere este tema a lo que podamos estar pensando?
No. Cuando digo “a todo el mundo le gusta, Banana”, es cierto. No me he encontrado a
nadie que no le guste el plátano. Es un asunto cultural: hablo de una comida magnífica
que siempre puedes comer. Si no tienes dinero y no tienes nada de que alimentarte,
puedes vivir del plátano durante el resto de tu vida, porque contiene todo de lo que pre-
cisas. Lo puedes cocinar verde como las patatas, lo puedes freír o lo puedes comer pela-
do. Fíjate en los tenistas: ¿qué tienen en el asiento cuándo paran de jugar? Plátano.
Cuando te comes un plátano, va a tu sangre, estimula el cerebro…también ocurre con
la sandía, que es buena para el órgano reproductor masculino. Tiene el mismo efecto
que el Viagra, así que no tienes que tomar esa maldita pastilla. Incluso para los jóvenes:
toma tanta sandía como puedas. Incluso Donna Summers grabó en una versión de la
canción, que suena bastante mejor que la otra. Es una canción feliz, no tiene nada que
ver con el sexo, pero si quieren usarla con ese fin, es su problema.
Otra de estas canciones, “Skinhead Moonstomp”, que dio título a vuestro álbum
superventas, está basada en el tema “Moonhop” de Derrick Morgan. ¿Esperabas
un éxito tan arrollador con ese álbum? ¿Cómo reaccionó Derrick Morgan ante
todo aquello? ¿Era un intento de reivindicarlo difundiendo su palabra entre una
audiencia mayor?
No tuvimos otra opción. Esa canción no pertenece a Derrick Morgan, tan sólo el “yeye-
yeyeye”, pero la sección rítmica es del tema “Girl I´ve Got a Date” de mi hermanastro
Alton. Derrick decía “con Skinhead Moonstomp, me habéis robado la canción”. No
hemos robado la canción. Salió la misma semana en Inglaterra en Pama, pero la nues-
tra alcanzó las listas gracias a los skinheads. La suya no. La nuestra estuvo en los lis-
tados de reggae y en los listados nacionales. Derrick Morgan la aceleró, pero proviene
de “I´ll Take You There” de The Staples Singers. De cualquier modo, le cedemos una
parte de los royalties. Cita como compositores a Ellis-Neysmith-Morgan y él está conten-
to con ello. Así que cuando la canto en directo, introduzco algunas palabras de Derrick
Morgan, aunque no tendría que hacerlo necesariamente.
¿Cuál es la relación hoy en día con tus antiguos compañeros en Symarip? ¿Sería
factible una reunificación para grabar de nuevo o para ofrecer una gira como tal?
Nunca giramos como Symarip porque la compañía President nos dijo que no podíamos
girar como Symarip. Giramos como The Pyramids, pero todo el mundo sabía que éra-
mos nosotros. Así que ahora he regresado como Symarip y al bajista y al batería les ha
dado envidia y han montado una banda llamada igual. Es una confusión, porque la gente
quiere verme a mí como cantante y compositor de los temas. La gente sabe quien es
Roy Ellis, porque cuando introduces mi nombre en youtube, aparece Mr.Symarip a.k.a.
Roy Ellis. El teclista Monty Neysmith está de mi lado en este momento para realizar con-
ciertos en Inglaterra. Ellos (Nde. el bajista y el batería) no querían tocar reggae y fue por
ello que la banda se disolvió. Cuando me sumé a la banda, como The Bees, ellos inter-
pretaban temas de The Rolling Stones, ni ska, ni reggae. Y el manager de entonces les
dijo: si Roy Ellis ingresa en la banda, debéis tocar reggae.
Han aparecido una serie de bandas implicadas en el sonido reggae original, por
mencionar a algunas: The Aggrolites, Flight 404, The Caroloregians o su banda de
soporte en esta gira, Red Soul Community (ver ALB 72). Imagino que te supondrá
un motivo de orgullo cuando les oyes tratando de emular el sonido que os era
natural interpretar en los sesenta. ¿Cómo reaccionas cuando escuchas a dichas
bandas y de qué manera puedes ayudarles a mejorar?
No hay mucho que mejorar. Cuando escucho a las bandas que has mencionado, son
como nosotros tocando, pero hoy en día son mejores músicos de lo que lo éramos en
aquellos tiempos. En aquellos tiempos la mayoría de nuestras canciones, el lp
“Skinhead Moonstomp” completo, se grababan en dos pistas y en la actualidad graban
en dieciséis pistas. A estos chicos les deseo todo lo mejor, que sigan en este camino.
Mientras continúe la escena skinhead, mi música perdurará.
Puede que tu faceta más desconocida para el público reggae sea que actualmen-
te te encuentras cantando para un coro de góspel en Suiza. ¿Cuál es su nombre?
¿Qué tipo de canciones interpretáis? ¿Qué tipo de público acude a vuestras actua-
ciones? ¿Habéis grabado algo u obtenido algún tipo de reconocimiento con el
coro?
No actuamos en una iglesia, dirijo mi propio coro. Tengo una banda de soporte de cua-
tro componentes. Normalmente suelo estar bastante ocupado, yendo de una esquina a
otra de América. Viniendo de Jamaica, la gente no espera góspel de mí. En Suiza me
conocen como un cantante de góspel y de soul, imitador de Barry White… En Diciembre
giramos por diferentes ciudades. La gente me contrata para conciertos, funerales y bau-
tizos. La gente joven ya no acude a la iglesia, así que cuando un párroco quiere un
domingo exitoso, al que acuda mucha gente y tiene el dinero, editan pósters grandes
con mi nombre. Y se supone que el párroco debe soltar el sermón, pero al final termina
siendo un concierto. Suiza es una nación pequeña. Cuando actué con Kalles Kaviar en
Zurich hubo bastante público, pero cuando acudí a Berna o a la parte alemana, era la
misma gente. Y debes ser cuidadoso, porque puedes quemar tu nombre. Ese es el moti-
vo por el que no hago demasiadas actuaciones allí.
Tu reciente álbum “Skinheads Dem A Come” (Liquidator, ´06) y el siete pulgadas
“Shine Shine Shine” (Liquidator, ´08) podrían interpretarse como un intento de
Roy Ellis de decir “bueno, aquí estoy, sigo vivo y tengo nuevo material que ofre-
cer”. ¿Por qué has apelado a temas archiconocidos como “Dancing Mood” de
Delroy Wilson o el incunable popularizado por Louis Amstrong “When The Saints
(Go Marching In)”, cuando podías haber incluido nuevas composiciones? ¿Por
qué decidiste retomar el trombón de varas?
Me empujaron a tocar de nuevo. Cuando actué en Club Ska, en Inglaterra, aquellos skinheads ori-
ginales de 60, 65, 70 años me dijeron que no habían tenido oportunidad de verme y me pregunta-
ron “¿no has tocado el trombón más?”. Symarip siempre hemos sido pegadizos, éramos conocidos
por aportar temas que la gente podía corear. The Aggrolites tienen tres álbumes y todavía siguen
interpretando mis temas en directo. ¿Por qué? Porque no pueden tocar canciones que la gente
coree, que sean pegadizas. Continué con “Skinheads Dem A Come” porque me olía que podía vol-
verse un clásico. Se trata de ofrecerle al público lo que el público demanda. Con “When The Skins”
pensé: este puede ser un buen tema, porque hay skinheads a lo largo de todo el mundo y cuando
tengo concierto, se oyen las botas marchando hacia el club. Y la grabamos y ahora suena en las
radios alemanas. Así que no quiero interpretar temas de otros cuando puedo interpretar las mías.
Tengo cientos de temas. Todo el mundo quiere escuchar mis temas clásicos.
the deleGatorS
The Delegators son una nueva banda que
ha irrumpido de repente en la escena euro-
pea con críticas inmejorables. ¿De dónde
salen los Delegators?, ¿cuánto tiempo
lleva la banda funcionando?
The Delegators se forma el Londres hace un
año aproximadamente. Poco a poco fueron
entrando los miembros del grupo y por último
la cantante. Desde el primer día el grupo
empezó componiendo temas propios sin caer
en el error de versionar y tal vez gracias a ello
y por su carisma pronto estaban en los esce-
narios.
Lo que primero engancha del grupo son
sus melodías reggae y rocksteady fantásti-
camente conducidas por la cantante Janet
Kumah, ¿de dónde proviene Janet? ¿había
estado antes en otras bandas del estilo?
Janet tiene raices jamaicanas y africanas,
pero es parte de una tercera generación de
ingleses, vamos, que sus abuelos nacieron en
el Reino Unido. Como ella me cuenta: toda su
familia siempre ha estado muy metida en la
música y ella desde pequeña ya cantaba.
Janet siente especial devoción por la Motown
y la Stax, así como el funk. El reggae, aunque
ha estado sonando en su casa desde peque-
ñita, nunca se había planteado la idea de can-
tarlo sobre un escenario, como sí había hecho
anteriormente con el Soul, y la verdad es que
fue una decisión muy acertada.
Entre las caras de los componentes del
grupo vemos la de un viejo conocido, la de
Teddy García de Los Granadians. ¿Como
es posible compaginar un grupo en
Granada y otro en Londres?
Bueno, todo este proyecto de The Delegators
lo empecé en Londres más que nada por
pasar el "mono" de no tener a mis chicos para
tocar. Desde el principio busque músicos de
nivel para poder disfrutar tocando y al final
viendo el potencial de la banda hubiera sido
un poco tiste que se quedara en unos locales
de ensayo del bajo Londres.
Indiscutiblemente mi corazón es granadian
pero mi bolsillo es delegator. Uno no para, y
ahora con el pequeño Adrián la cosa se pone
más dura, pero como dicen en Granada: "para
atras ni para coger carrerilla".
¿Como definirías el sonido de The
Delegators?
Para mí The Delegators es lo mas parecido a
una banda o conjunto original jamaicano que
empezaba a hacer o a descubrir el reggae o
el rocksteady. Mucha influencia del R&B y
Soul, y una voz acostumbrada a estos soni-
dos incorporándolos a esos nuevos ritmos
que iban apareciendo en la isla como el
Rocksteady o el Reggae, pero con una venta-
ja, que nosotros ya tenemos una buena base
de jamaicano en nuestras espaldas.
Creo que Janet tiene mucho que ver en todo
esto, pues es la "front girl" the Delegators y en
la que delegamos para el buen desarrollo del
show. Ademas la puesta en escena de que el
conjunto instrumental sean solo chicos y este-
mos como en un "segundo plano" respecto a
ella hace que el show tenga un cierto toque
elegante del que estoy muy contento.
Siempre odié tener que describir el sonido de
una banda, así que lo mejor es que para el
próximo concierto todo el que quiera que se
pase y manifieste su opinión!
Pese a ser un grupo que actúa por toda
Europa no tenéis ningún trabajo todavía
publicado, salvo las canciones que se pue-
den escuchar en vuestro myspace. ¿Tenéis
planes de editar algo próximamente?
Entramos a estudio en Junio, justo a tiempo
para tener listo el EP o el 10" para los festiva-
les de veranos que se nos avecinan, como el
de Glastonbury y algunos mas por Irlanda y
Escocia, así como conciertos sueltos por
Europa. En estas dos últimas semanas de
conciertos hemos vendido como unas 600
copias en CD de los temas del myspace!.
Desde luego The Delegators son un conjunto
que cuando empieza el show no quieres que
termine, y cuando termina necesitas un peda-
cito de ellos para seguir tomando su dosis
hasta que vuelvan a tu ciudad.
Sois un grupo con una actividad intensa
de conciertos, ¿cómo es la escena inglesa
comparada con otras ciudades europeas?,
¿hay mucho público para conciertos de
oldies jamaicanos? porque vosotros no
paráis de tocar, vaya.
La "escena oldies", jejeje. Lo que pasa es que
Inglaterra a crecido escuchando Jamaicano,
no es raro que entres a un supermercado y si
te quedas mas de 10 minutos por el hilo musi-
cal suene el Israelites o el Double Barrel. Por
eso y porque ellos no reniegan de la música
de su país de hace 40 años, (cosa que aquí
si, y me apena muchísimo) lluevan las ofertas
en pubs y salas.
Esto por un lado, pero por el otro, el concepto
de quinientas personas metidas en una sala
para ver a un grupo de reggae que no sea ori-
ginal jamaicano solo se da en Europa. Me
atrevo a decir que en mi estancia en Londres
durante dos años y medio no ví skinheads
jóvenes ingleses, si había éramos españoles,
italianos o franceses. Los skinheads Ingleses
o tienen 50 años o son del Oi!.
El "skinhead reggae" esta muchísimo mas
extendido fuera de la Isla. Ademas esta nueva
religión "Aggroliteísta" que profesan algunas
bandas y que personalmente no me gusta, en
Inglaterra no se promulga. Sencillamente no
hay nuevas bandas como en España, por
ejemplo. Creo que en Catalunya hay más
bandas que en todo el Reino unido!, y eso
gusta. Tan solo tienes que ver en las fiestas
de reggae Inglesas quienes son los cabezas
de cartel, incluso los pinchadiscos! todos tiran
de Jim Cox o de Kerry Foster, aquí podemos
hablar de T17, Dani Alphaboys, The
Beatnikers y un sin fin mas!.
Respondiendo a tu pregunta, Toni, la "escena
oldies" com la conocemos solo existe aquí.
By Toni Face.
 FliGht 404
viajan a la luna
Uno de los grupos con mejor reputación en el panorama europeo
y, en cierto modo, revelación de los últimos años aunque a lo tonto
son ya casi 7 años lo que llevan tocando y también el tiempo que
ha tardado en gestarse su puesta de largo con este gran disco
como es ‘Trip To Moon’.
Su afán es tocar los estilos que siempre les han gustado más:
Reggae y Rocksteady, siguiendo fielmente las directrices que los
hermanos Barrett dejaron grabadas bajo infinidad de nombres (The
Hippy Boys, The Upsetters, Harry J. All Stars, The Wailers, etc.).
Reinterpretan el Reggae tal y como nació en Jamaica en 1969,
beben de la fuente de los tríos vocales de lo que a ellos les gusta
llamar pre-Reggae, ese Rocksteady tardío de finales del 68 en el
que ya empiezan a despuntar matices de tempo y patrones de
ritmo cercanos al Reggae.
Desde su nacimiento han actuado por toda Europa con gran acep-
tación por parte del público siendo una de las bandas que goza de
mejor prestigio en a actualidad a nivel internacional, de hecho son
un grupo reclamado en un montón de países.
By Toni Face.

Se os suele comparar con los Upsetters, lo
cual tiene su mérito como punto de partida,
pero supongo que el abanico de influen-
cias del grupo será de lo más amplio y
variado, ¿podéis citarnos las bandas o
estilos en las que os fijáis a la hora de pulir
el sonido Flight 404?
Aunque es cierto que nos comparan con
Upsetters, nosotros encontramos más pareci-
dos en formación y sonido con los Crystalites
de Derrick Harriott. Sobre todo por las percu-
siones africanas que usamos en nuestras gra-
baciones y por la manera de combinar los pia-
nos y los órganos, cada uno con un claro
papel diferenciado del otro. En el argot se
suele llamar a esta combinación the “bubbles
& the pops”, una metáfora del sonido burbuje-
ante del shuffle del órgano (the bubbles),
explotando (pop) con los contratiempos del
piano.
En cuanto a las voces, siempre nos han gus-
tado las armonías a tres voces que abundan
en el rocksteady. Podríamos nombrar infinidad
de tríos, pero seguramente si tuviéramos que
escoger algunos estos serian los Heptones o
los Paragons. En nuestros directos solemos
tocar temas de unos y otros.
Tenéis vuestro propio estudio, el Kinky
Lab, donde pulís y dais forma al sonido de
las grabaciones de la banda, ¿son Flight
404 un proyecto de estudio que luego
habéis llevado a los escenarios?
Aunque hemos realizado algún trabajo para
terceros como banda de estudio, Flight 404
siempre ha sido una banda enfocada al direc-
to y a la grabación de temas propios. De
hecho cuando empezamos ni tan siquiera dis-
poníamos de medios para grabar. Eso vino
después con los años ya con unos cuantos
directos a la espalda.
En una entrevista en Radio 3 presentando
el álbum Trip to Moon al compararos con
otras bandas actuales como los Pepper
Pots declarabais que vosotros sois más
macarras... ¿podéis explicarnos el por
qué?, ¿es el público de Flight 404 una
audiencia macarra?, ¿abundan las chupas
de cuero en vuestros conciertos?
Pues la respuesta es fácil. Nosotros no nos
vestimos de lentejuelas ni tenemos grandes
coreografías de natación sincronizada, somos
más de cadenaca de oro y sellaco de 500gr.
Pero sobre todo a lo que nos referíamos como
más macarra era al sonido. Somos como ani-
males tocando. Vamos, que no es raro ver un
bombo o una cuerda de bajo rota en nuestros
directos.
Me consta que ‘Trip to Moon’ ha tenido una
excelente acogida en los medios con inme-
jorables críticas, las canciones son estu-
pendas composiciones y el sonido del
grupo está muy logrado, en la línea de las
bandas clásicas. ¿Por qué creéis vosotros
que el disco está gustando tanto?, ¿como
podríais explicar al lector que no lo conoz-
ca lo que este álbum contiene?
La verdad es que todo empieza porque nos
gusta a nosotros, y mucho! ¿Qué porque está
gustando al público? No es ningún misterio.
Simplemente hemos utilizado una fórmula que
lleva 40 años funcionando. El hecho de ser
purista en cuanto a gustos y la suerte de
haber logrado un sonido fiel al que había en
los 60s y 70s ayuda, sin duda. Y eso es lo
que el oyente va a encontrar en Trip to Moon.
Por un lado instrumentales al más puro estilo
de las session bands jamaicanas y por otro
temas vocales que tranquilamente podrían
estar compuestos allí y entonces.
No es habitual ver una banda de rockste-
ady o reggae haciendo estilos clásicos con
dos órganos, como hacéis vosotros (obvia-
remos las bandas de reggae moderno que
emulan los instrumentos de viento con sin-
tetizadores), ¿es esta la forma original de
tocar estos estilos?, ¿tocan los dos órga-
nos lo mismo a la vez o cada uno tiene su
papel a la hora de interpretar?, ¿qué tecla-
dos usáis?
En la amalgama musical jamaicana de los 60
puedes encontrar muchas bandas con esa
estructura en lo que a teclas se refiere, pero
tampoco me atrevería a decir que es la forma
original de tocar el estilo, porque también
abundan las composiciones con sólo piano o
sólo órgano. De todas formas aunque nos
gusta el sonido ‘bubbles & pops’ también
hacemos combinaciones de hammond y ham-
mond, compaginando el ritmo shuffle de un
teclado con la melodía solista.
Teclados hemos usado muchos y diversos,
analógicos y digitales, con la única caracterís-
tica común de que dispongan de los clásicos
drawbars o tiradores que permiten moldear el
sonido a tu gusto. Actualmente usamos 2
Clavia Nord Electro 3, que la verdad, aun
siendo digitales, simulan a la perfección el
sonido B3, Farfisa o Vox, tienen unos sonidos
de piano acojonantes y lo mejor de todo…
pesan menos de 8 kilos! Cosa que agradecen
nuestras espaldas, jejeje.
Las caras de los miembros del grupo son
conocidas dentro de nuestra escena, a los
miembros del grupo os hemos visto tocan-
do en otras formaciones, ¿son Flight 404
una allstar band?, ¿de que otros grupos
provienen sus integrantes?
En Barcelona somos bastante endogámicos.
Excepto un par de miembros, el resto milita en
más de una banda del estilo o afines. Más que
‘provenir’ yo usaría el verbo ‘compartir’.
Actualmente compartimos personal con The
Kinky CooCoo’s, The Diatones, The Oldians,
Los Retrovisores o Jazzadlimitum por nombrar
algunos.
Combináis los temas instrumentales con
los cantados en inglés, ¿os habéis plantea-
do la posibilidad de cantar en catalán o en
castellano?
De momento no contemplamos esa opción,
pero nunca se sabe, quizás en el futuro…
Después de la edición del LP, ¿que está
planeando ahora Flight 404?
Pues sobretodo actuar, actuar y actuar. Y seguir
creando música que es lo que más nos gusta!

A pesar de ser el poseedor de uno de
los mayores torrentes vocales que
jamás manaron en territorio antilla-
no, Bruce nunca se consideró a sí
mismo propiamente un cantante de
reggae. Sin embargo, su trayectoria
le ha mostrado como un intérprete
solvente e increíblemente talentoso,
tanto en su etapa en solitario, como
integrando The Techniques, The
Shades, Inner Circle o Chain
Reaction…
Nació el 17 de Febrero de 1952 en St
Catherine, Jamaica, en el seno de una familia
de once hermanos, cuyo padre provenía de
Honduras y cuya familia materna era origina-
ria de Cuba. De ahí que el nombre que esco-
gieran para Bruce suscitara las primeras polé-
micas en su etapa infantil. “Mi nombre real es
Valderrama, pero los muchachos del colegio
siempre hacían bromas al respecto, así que lo
cambié”, reconoce Bruce. Primera transfor-
mación en su denominación, aunque no sería
la definitiva.
Su educación la llevó a cabo en un
colegio de la capital, Kingsway High School,
una institución adventista que permanecía
abierta siete días a la semana. De allí pasó a
Woolma´s High School, período en el que tomó
contacto por primera vez con un entorno
musical, el coro de la iglesia, del que se des-
marca. “Solía asistir al coro cada Domingo,
aunque yo no fuera espiritual ni mucho menos
en ese período, incluso entonces percibí que
había algo erróneo en la iglesia”.
Sus primeras influencias musicales
apuntan a nombres tan evidentes como los
artistas de jazz y blues George Gershwin, Ella
Fitzgerald o Paul Robeson, pero al que guarda
especial admiración es a Delroy Wilson, en su
opinión “el mejor cantante que jamás ha pro-
ducido Jamaica, un cantante maravilloso”.
Sus primeras composiciones se
remontan a los nueve años de edad. Nuestro
protagonista lo recuerda así “solía tener una
pequeña guitarra y escribía la melodía con
ella, aunque nunca fui un guitarrista como
tal”.
Su carácter impetuoso le llevó a
realizar una audición para Byron Lee quien,
asombrado ante semejante muestra de clase,
propuso a Bruce actuar en directo acompaña-
do por su banda, The Dragonaires. La expe-
riencia le resultó gratificante, sin embargo, la
remuneración obtenida no satisfizo las ansias
de Bruce. “Le dije que me pagara y me mos-
tró la cocina, fui pagado con una comida”.
brUce rUFFin UNA VOZ RACIA L SURGIDA DEL UPTOW N JAMA ICANO
No contento con aquello, Bruce aprove-
chaba cualquier espectáculo de talentos para mos-
trar su valía en público. De ninguno de ellos resultó
vencedor, ya que según él “el ganador siempre era
del guetto. Si eras de las clases acomodadas como
yo, no podías ganar nunca”. Su frustración le llevó a
cuestionarse sus habilidades vocales, hasta que cier-
to día, tras comparecer en Vere John´s Opportunity
Tour, le ocurrió un hecho inesperado entre bastido-
res. “En el backstage este hombre me llamó y me
preguntó si las canciones que interpretaba eran
mías, entonces yo dije que sí y él me dijo que era de
The Techniques, era Winston Riley”.
The Techniques, entonces constitui-
dos por nombres ilustres como Pat Kelly,
Junior Menz o el propio Winston Riley, acaba-
ban de obtener el éxito mediante su composi-
ción “Little Did You Know” acreditada a Slim
Smith & The Techniques. Slim Smith había
abandonado recientemente la banda y Riley,
empeñado en cubrir su vacío, pensó en Bruce
para reemplazarlo. “Le dije que sí, ¿por qué
no?” afirma tajante Ruffin, quien se convirtió
en miembro de pleno derecho allá por 1967.
Laureados en la etapa rocksteady,
The Techniques se habían creado a imagen y
semejanza de The Impressions, el trío que
lideraba Curtis Mayfield y sería una reinter-
pretación de estos, “Queen Majesty”, basada
en “Minstrel & Queen”, la que supondría el
estreno de Ruffin como integrante de la
banda. “Junior Menz fue la voz principal en
aquello, lo era en gran parte de las cosas que
hacíamos. La gente no conocía realmente a
Junior, pero era un artista brillante y un gran
compositor”.
Pat Kelly había abandonado, a su
vez, al cuarteto tras la producción de “You
Don´t Care”, en la que ejerció como vocalista
principal. Así pues, quedaron constituidos
como un trío formado por Junior Menz,
Winston Riley y el propio Bruce Ruffin.
Según sostiene Bruce, “Mr. Reid no
produjo realmente las grabaciones (de Queen
Majesty). Byron Smith fue el ingeniero, era un
hombre majo, muy callado”. Los arreglos ins-
trumentales corrieron por cuenta del guita-
rrista Ernest Ranglin, quien “era tan respeta-
do, que cuando vino, todo el mundo hizo exac-
tamente lo que dijo”. Los vientos fueron obra
del saxofonista Tommy McCook, quien se alió
con Winston Wright, teclista en aquella sesión.
Cuenta acerca de Duke Reid que fue
el encargado de esbozar el tema “You Don´t
Care”. “Él fue quien apareció con la línea de
bajo, lo tarareó y ellos lo tocaron”. Eran tiem-
pos duros, donde no había lugar para segundas
oportunidades. “En esos días, debías de hacer-
lo todo a la primera toma, no había over-dubs,
de forma que si las cosas no marchaban bien y
nos tomábamos demasiado tiempo, él”, en
alusión a Reid, “aparecía tranquilo y suave-
mente preguntaba por qué las cosas duraban
tanto”. Y añade “nunca le vi desenfundar su
pistola y disparar al estudio, pero he oído que
ocurrió”.
Tras dejar huella con “Queen
Majesty”, Bruce recibió una petición de Reid,
que andaba preocupado por la escasa repercu-
sión de la banda en comparación con The
Melodians o The Paragons. Le dijo “¿por qué
by Larry Reggae News
no escribes un tema con algo como “love is not
a gamble” en él?”. Dicho y hecho. El tema así
titulado se convirtió en el siguiente éxito de la
banda.
A este tema le siguieron canciones
como “My Girl”, “It´s You I love”, “Drink
Wine” o “Travelling Man”. Tras ello, compusie-
ron la festiva “Run Come Celebrate”, que no
encajaba en la mentalidad de Bruce, “porque
no soy hombre de festivales”. A pesar de lo
cual, la escribió y trepó hasta la tercera posi-
ción. Aunque insiste “yo realmente no quería
hacerla, no creía demasiado en ella”.
Al poco tiempo, Junior Menz retornó
a los Estados Unidos, de donde procedía.
Debido a ello, se vieron obligados a reclutar
para la banda a Bobby Davis y Jackie Parris,
que entonces militaban en The Sensations.
Más tarde retomaría la banda Pat
Kelly, para registrar junto a The Techniques
piezas como “I´m In The Mood For Love” o “I
Wish It Could Rain” o para formar dueto junto
a Bruce Ruffin en “The Time Has Come”.
Para canalizar la energía del terce-
to, formado por Pat Kelly, Winston Riley y el
propio Ruffin, decidieron embarcarse en el
sello Techniques. Tras ello, Pat Kelly abandonó
definitivamente la banda. En ese período,
Bruce había oído comentarios acerca de un
solista local de marcado acento americano,
que respondía al nombre de David Crooks.
Ideal para reemplazar a Kelly, por tanto. Y,
aunque su tiempo de permanencia en la banda
sería breve, la asociación de éste con Riley y
su sello, le alzarían a cotas de popularidad
inimaginables junto a Ansell Collins (como
Dave & Ansell Collins) en superventas como
“Double Barrel” o “Monkey Spanner”.
Mientras tanto, Bruce continuó com-
poniendo para la banda. “A Man Of My World”
y, posteriormente, “What Am I To Do”.
La formación se desmembró y Bruce
se alió con Tyrone Evans, que también integra-
ría The Paragons, y un tercer cantante, cuya
identidad se desconoce, para constituir The
Shades. Para su primera producción confiaron
en la figura de Winston Riley. “Podríamos
haber acudido a cualquiera, pero Winston y yo
éramos todavía buenos amigos”, recuerda
Bruce.
Sus siguientes pasos fueron la rein-
terpretación de The Temptations en “Who You
Gonna Run To” o su composición “Everywhere,
Everyone”, que ascendería hasta la primera
posición de los listados jamaicanos. Más tarde,
repetirían experiencia bajo el auspicio de
Riley en “Let Me Remind You”, “Never Gonna
Give You Up” o “I Know A Girl”.
Otro Winston, Francis, se cruzaría
en el destino de la banda de un modo bastan-
te peculiar. “Escribí “Find Yourself A Fool” y
llamé a Winston Francis, que estaba a punto
de pillar un vuelo. La grabó justo antes de
abandonar Jamaica y fue editada como The
Shades”. A pesar de que en las ediciones
inglesas se la cite como una canción de The
Techniques, pertenecía a The Shades, al igual
que las mencionadas anteriormente.
Por aquel entonces, en la mente de
Bruce ya circulaba la idea de trabajar en soli-
tario, pues “nunca estuvo en mi cabeza que
The Shades fueran a permanecer”. Tenía la
determinación de abrirse camino en la indus-
tria musical como un artista de pop.
Su primera producción como solista,
“Long About Now”, contó a los controles con
Lloyd Charmers y fue editada en Reino Unido por
los sellos Songbird y Crab. El entonces conocido
como Bruce Lanvin, recibiría la recomendación
de Charmers para cambiar su denominación
hacia un apelativo “que sonara ligeramente más
duro”. Desde entonces se le conoce como Bruce
Ruffin.
Sus siguientes ediciones llevarían el
sello de Leslie Kong y la genuina producción de
los estudios Beverly´s. “Dry Up Your Tears”,
“Im The One” o Bitterness Of Life” fueron
seguidas por otras como “Candida”, “Cecilia”,
“Free The People”, “Who´s Gonna Be Your
Man”, “Are You Ready” o “Now You See Me,
Now You Don´t”, que serían licenciadas al
mercado inglés vía Trojan Records y editadas
bajo la etiqueta Summit.
En el entorno de Bruce ya rondaban
Ian y Roger Lewis, a la sazón líderes de los
recién creados Inner Circle. Completaban la
banda Michael “Ibo” Cooper como teclista y
Willie Stewart a la batería. El guitarrista
Stephen “Cat” Coore se incorporaría al poco
tiempo, ya que su madre fue siempre reacia a
su adhesión a la banda.
Tras un período de ensayos en el
campus universitario donde trabajaba el padre
de Ian y Roger, recibieron la visita de Herman
Chin-Loy, que se había forjado un nombre
como selector de las discotecas Lotus y
Spinning Wheel. “Fue gracias a él por lo que
hice ‘Long About Now’ para Lloyd Charmers y
sus Hippy Boys: Glen Adams al teclado, Sly
(Dunbar) a la batería y Family Man (Aston
Barrett) al bajo” rememora Bruce.
La conexión Bruce-Herman fue tal,
que al poco tiempo iniciaron un negocio jun-
tos, una tienda de discos ubicada en Half Way
Tree, en un lugar “donde todas las chicas her-
mosas solían parar”. La bautizaron Aquarius,
ya que ambos tenían dicho signo zodiacal. En
el terreno de lo anecdótico, Bruce recuerda a
gente “como Rita Marley entrar a vendernos
discos” o como un entonces rebelde “Jacob
Miller solía ser un estorbo y yo solía echarlo
fuera de la tienda”.
Simultáneamente, Herman había
financiado unas sesiones de Bruce en estudio,
en las que quedarían registradas “Then Came
The Heartbreak”, “We Can Never Go On This
Way” o “Rain”, versión de José Feliciano, que
no tardó en interpretar en directo acompaña-
do de Inner Circle. La producción artística
estuvo a cargo de Geoffrey Cheng, “un genio,
gran escritor, músico y productor”, quien
daría la primera oportunidad a Augustus Pablo
para demostrar su valía con la melódica.
De cualquier modo, Herman hizo lle-
gar la cinta que contenía el tema “Rain” a ins-
tancias de Bruce White y Tony Cousins, máxi-
mos mandatarios de la agencia Commercial
Entertainment, quienes se encargaron de aña-
dir, a través de Tony King, los pertinentes arre-
glos orquestales, para convertirlo en un tema
que sonó insistentemente a lo largo y ancho de
Europa. Incluso pisó suelo peninsular.
“Recuerdo cuando fui a España y me pregun-
taron por qué había copiado a José Feliciano”,
rememora Bruce, “entonces les dije que no lo
copiaba, que amaba la canción”.
Ante la repercusión alcanzada en los
listados británicos, con un meritorio décimo
noveno puesto en Mayo de 1971, Bruce viajó a
territorio inglés con la misión de grabar algu-
nos temas para Trojan. Una vez allí, registró
los temas “One Happy Family” y “Heaven Radio One y tuvimos un gran éxito en
Child”, que conformaron un single editado en América”. El grupo editó tres álbumes en
Julio de 1971. total, pero tampoco terminó de cuajar.
También vio la luz en Trojan el Una vez iniciada la década de los
álbum de debut del artista, “Rain”, que con- ochenta, Bruce firmó como letrista para Logo,
tenía grabaciones de Leslie Kong y Herman una subsidiara de Marshall Cavendish. Algunas
Chin-Loy, aderezadas con producciones ingle- de sus composiciones fueron tomadas por RCA,
sas del calibre de “Make Love, Not War”, con los que se ligó contractualmente durante
“Finders Weepers (Losers Weepers)”, “You Are tres años y sobre los que apunta “hice unos
The Best”, “We Can Make It” y un instrumen- temas muy popis para ellos”. El dinero obteni-
tal firmado por The Pyramids bajo el título de do le permitió embarcarse en Smash Music,
“Stingo”. compañía que gozaba de los derechos del tele-
En este período, Bruce interpretó visivo Dennis Waterman, actor de la serie
“Rain” y “Bitterness Of Life” en Alexandra Zinder.
Palace, grabaciones que serían incluidas en el En 1981 abandonó el negocio musi-
recopilatorio “Reggae Party Volume One”, cal para formarse en derecho, lo que le sirvió
donde se puede apreciar a Bruce en la contra- para emplearse en adelante como asesor legal
portada junto al resto de participantes del con el fin de “ayudar a la gente”.
larga duración.
Al poco tiempo, Bruce selló un con-
trato con el recién aparecido Creole Records,
desde donde rescató temas que había com-
puesto en su período de adolescencia. Uno de
ellos, “Mad About You”, se convertiría en el
tema insignia del artista. “Recuerdo que fue
durante la semana de tres días, fuimos a Chalk
Farm y el gran Vic Keary, que era el ingeniero,
dijo que teníamos dos horas para grabar el
tema. Entonces hice el tema y boof! Las luces
se apagaron. Por lo que tuve que regresar al
día siguiente y hacer las voces”. Un desgracia-
do hecho provocó que Bruce no sintiera nunca
la grabación como propia. “Tony Cousins tomó
su taza y comenzó a hacer esa estúpida voz y
decidieron incluirla”.
Pese a ello y a que EMI, distribuido-
ra del single, se encontraba en período de
mudanzas, el tema despachó millones de
copias en el continente europeo y se aupó
hasta la novena plaza del listado británico en
el Verano de 1972, acompañado en la cara b
de la sublime “Save The People”.
Aunque como afirma el propio
Bruce, “no esperé a que el disco dejara de
venderse, porque estaba avergonzado de él” y
tras él compuso “Coming On Strong”, a la que
volvieron a cambiar el tempo, desvirtuando la
intención inicial del solista. “Los puristas que-
daron pasmados con todo aquello. Dijeron que
había hecho todo ese gran material antes con
The Techniques y ahora me estaba vendiendo.
No podía culparles, porque a mí tampoco me
gustaba”.
Intentó recuperarse componiendo
temas como “Tickle Me”, “I Like Everything
About You”, “I´m In The Thick Of It”, “Don´t
Walk In My Footsteps”, “Little Boys And Little
Girls” o el larga duración “Bruce Ruffin”, que
contenía la mayor parte de los temas que apa-
recieron en el sello Rhino, además de
“Colourless World”, “A Little Today, A Little
Tomorrow” y “While There Is Life”.
Ninguno de ellos mejoró sus registros en
los listados de reggae o pop.
Creole sólo pensaba en
Ruffin para obtener éxitos a corto
plazo y, ante la ausencia de ellos,
optaron por rescindirle su contrato
en 1974. “Fui a su oficina en
Harlesden y me dijeron que mi
contrato había expirado”.
Entre 1974 y 1979,
Bruce se dedicó únicamente
a escribir canciones, para
posteriormente embarcarse
en el terceto de soul británico
Chain Reaction, en compañía de
Aaron “Bobby” Davis y Dave Barker.
“Probamos nuevas cosas, como el pop pro-
gresivo, nos volvimos “Disco de la Semana” en
 loS GranadianS
del eSPacio eXterior

Con motivo de la salida de su nuevo disco ‘Donde Ningún Hombre Ha Llegado Jamás’ Miguel Angel Sánchez Gárate entrevistó
a Los Granadians del Espacio Exterior para la revista Mondo Sonoro. Como en la edición de la revista venía bastante resumida
hemos aprovechado para publicarla entera aprovechando para hacer un repaso al estado actual de la banda.

Miguel Angel: Los Seat Seiscientos, los discos de Belter, los copazos
de Soberano es cosa de hombres, los guateques con música beat
¿Qué queda de los gloriosos años sesenta en este opaco siglo XXI?
Granadians: La cosa no ha cambiado tanto. La juventud se sigue divir-
tiendo de una manera sana. La música sigue repitiendo las mismas fór-
mulas desde entonces, pero con diferentes caras, y ademas todavía
tenemos la suerte de poder disfrutar de muchos artistas de esa época
sobre el escenario.
Las ganas de fiesta son las mismas. Han descubierto que en Marte hay
hielo por lo que resulta muchísimo más facil montar guateques allí.
Solo hay que llevar la bebida, y el pick-up.
Hemos vivido con fervor las aventuras de la Sonda Phoenix al igual que
nuestros padres disfrutaron de las misiones Apolo.
El futuro es esperanzador.
Si se puede saber ¿Cuál es el sitio donde ningún hombre ha llegado
jamás?
Las chicas de La Tierra suelen ir en grupos a los aseos públi-
cos. Es algo que siempre nos ha llamado la atención. En esas
reuniones femeninas se deben tratar asuntos de vital impor-
tancia a nivel antropológico. Después, salen del baño y como
si nada hubiera pasado. Es el gran misterio. Ellas siempre
han sido nuestra inspiración.
A propósito de esa pegatina tan fardona que os habeis
marcado ¿Es realmente música de otros mundos para los
jovenes de la tierra la que estiláis con Los Granadians?
Nuestra misión está al servicio de la juventud de este plane-
ta y les traemos lo mejor de todo lo que vamos aprendiendo
en nuestros viajes intergalácticos.
Las canciones son el vehículo perfecto para transmitir todo
este conocimiento. Hay una canción en este disco llamada
"La Fiebre" que trata un poco de todo esto.
El dinero es.....¿Pa qué?
"El dinero es para gastarlo", así reza el estribillo de una de las cancio-
nes de nuestro nuevo vinilo. Sentíamos la necesidad de poder expresar
cosas tan reales y cotidianas, y como siempre, en nuestro caso, las can-
tamos en primera persona, y estan basadas en nuestras experiencias.
Es un tema muy serio pero que transmite el espíritu jovial y positivo
que caracteriza a este siglo XXI.
Parker Boogie ¿Está dedicada al hombre araña osease Spiderman o al
genial soplador Charlie Parker?
Charlie Parker! Ni lo habíamos pensado, menudo pájaro estaba hecho
este... Posiblemente tenga algo más que ver con Peter Parker que con
su identidad secreta. La verdad es que es uno de los instrumentales del
disco que más gusta a los fans.
¿Cuál es el eslabón perdido del que habláis en la canción?
Ese instrumental trata de sucesos que acontecieron hace millones de
años, más o menos, aunque para muchos Los Granadians significan el
eslabón perdido, estilísticamente. Para nosotros es sólo rock and roll
pero nos gusta.
¿Qué hacen unos tipos de la ciudad del Albaicín tocando rocksteady,
skinhead reggae o pop del siglo pasado?
Lo hacen lo mejor que pueden, dándolo todo y entregados a sus fans.
No sabríamos hacer otra cosa!
El entorno es bastante favorable, el Albayzin siempre fue un lugar de
energías y por ello siempre ocurren fenómenos de difícil explicación.
¿Resulta un handicap que Airglamboy, vuestro bajista, resida en
Madrid o por el contrario os resulta una ventaja?
No nos supone ningún problema, ya que todos ensayamos en Granada
desde siempre. Es ventajoso por que nos gusta mucho ir por allí.
Malasaña es como nuestra segunda Granada, desde finales del 2000 que
fichamos con el madrileño sello Liquidator.
Hay Granadians que han vivido temporadas en Inglaterra, Alemania, y
en otras ciudades españolas.
Contadnos un poco como ha sido esta vez el proceso de grabación de
vuestro último álbum.
En esta ocasión escribimos las canciones justo antes de ir a Gijón a gra-
barlas por lo que todo el material era nuevo con toda la ilusión que ello
conlleva.
Nunca habíamos tocado ninguna en concierto.
Fuimos al estudio en dos ocasiones: La primera en Febrero y grabamos
mas o menos la mitad de lo que es este LP, después, en verano escri-
bimos la otra mitad del disco y volvimos en Agosto al estudio para gra-
barlas y después mezclarlas todas juntas.
En la mayoría de los casos dejamos bastante para hacer en el estudio:
arreglos, letras etc. Así es mas divertido. El estudio Circo Perrotti es
bastante inspirador.
¿En que difieren los sonidos de vuestras nuevas creaciones, si es que
difieren en algo, de los pergeñados en anteriores discos como ‘El
Temperamental Sonido’ o ‘Space Is Different’?
El estilo es el mismo, no hemos evolucionado, aunque quizá esté más
equilibrada la relación: vocales/instrumentales que en anteriores tra-
bajos.
Siempre habíamos grabado nosotros mismos sin ayuda terrícola, así que
la novedad este año ha sido el grabar en el estudio de Jorge Explosión,
el Circo Perrotti de Gijón, donde además de Jorge hemos contado con
la ayuda de Mike Mariconda.
Como dice el propio Jorge Explosión: producir es una palabra muy pre-
tenciosa, ya que cada grupo trae su sonido, Perrotti es un estudio de
grabación, y los equipos y microfonía estan muy bien preparados para
plasmar en la cinta magnética el propio sonido del grupo, que casi no
haya que mezclar.
Es un sitio increíble, allí se graba como se hacia en un estudio a prin-
cipios de los 60’s y Mike y Jorge son unos genios con los que da gusto
trabajar por que estan en nuestra misma película.
¿Cuál es el lema de los Granadians? ¿"Houston tenemos un proble-
ma", quizás?
Música de otros mundos para los jóvenes de la Tierra
En la portada del disco aparecéis ataviados como los Symarips
¿Vestís así por la calle y en vuestros respectivos trabajos o es pura
pose para el disco?
Nuestro trabajo es el grupo. La foto es un posado, una tarde de tapas
por el Albayzin. En directo nos movemos un poco más.
¿Cúal ha sido el piropo más cachondo que os han lanzado?
Cada Granadian recibe piropos a nivel personal de sus fans, cada chica tiene
su favorito como es normal.
Pero cabe destacar los mensajes de apoyo y elogios que el grupo recibe por
su música.
Por ejemplo, una vez estaba pinchando en una fiesta y un chaval me reco-
noció y se acerco a mi y me dijo: "¿Sabes?, yo he follado gracias a Los
Granadians", eso es muy grande! De eso es de lo que se trata esto del Rock
and Roll.
Y siempre después de cada concierto alguien te comenta lo mucho que dis-
fruta con nuestra música o recibes cartas de fans contándote que tal disco
es su favorito y que gracias a alguna canción enamoró a su novia etc. Este
es el combustible que necesitamos para seguir haciendo discos.
¿En que sitios de Europa habeis descargado y que acogida habeis
tenido allende las fronteras?
Alemania, por ejemplo, es un país que nos quiere bastante. Hay un
fuerte club de fans allí y siempre estamos deseando volver.
En Francia hemos estado en 4 ocasiones, dos de ellas encabezando fes-
tivales.
También hemos estado en Suiza y fue genial, y cuando actuamos en
Praga viajó mucha gente desde Alemania para vernos.
Siempre tocamos solos o encabezando festivales y el publico es fanáti-
co y se conoce las canciones, y eso que cantamos en español, por eso
nos resulta chocante que haya grupos que piensen que cantar en inglés
les abre más puertas.
¿Cómo os sentisteis cuando Radio Nacional de España utilizó vuestra
música para festejar el 25 aniversario de Radio 3?
Fue en la Navidad del 2003, acabábamos de publicar nuestro 7" de
villancicos y nos pillo de sorpresa. Nos enteramos escuchando la radio.
Habíamos estado en Noviembre en Madrid promocionando el disco en el
programa de Charly Faber, en el de Jesus Ordovás y en La Ciudad
Invisible y las reacciones eran bastante positivas. Pero fue divertido
poner la radio y escuchar nuestra versión de "Hacía Belén va Una Burra"
en el jingle del 25 aniversario. ¡Sonaba a todas horas!
¿Habéis editado el disco en Japón ¿Cuando os veremos por el país de
los Otakus, el Monte Fuji y la Tokyo Ska Paradise Orchestra?
El próximo verano estaremos en Japón promocionando "Donde Ningún
Hombre Ha Llegado Jamás", estamos pendientes de su edición en ese
país.
El año pasado un sello Nipon publicó una antología de Los Granadians
de 15 canciones llamada "Del Espacio Exterior", el disco funciona bas-
tante bien por lo que el publico de allí ya nos conoce bien.
En pocas palabras ¿Cómo definiríais a Dennis Alcapone, Derrick
Morgan y Dave Barker, peazo estrellas con las que habeis comparti-
do surcos y tablas?
Los tres son enormes, y con los tres hemos compartido mesa, escena-
rio y camerino. Por lo general son gente muy agradecida de que, a dia
de hoy, se les siga reclamando en conciertos y festivales. Algunos tra-
bajan más ahora que en los 70 y es que todos fueron victimas de lo mal
que se hacían las cosas en los 60 en cuanto a derechos de los artistas y
remuneraciones económicas, a pesar de su enorme popularidad.
Alcapone es un tipo muy serio a la hora de ensayar, muy exigente. Pero
es todo un gentleman, y con un sentido del humor bastante fino.
Derrick Morgan es una leyenda viva del R&B, y le encanta hablar con
sus músicos y se interesa por lo que hacemos. Actuamos con él en un
festival en Potsdam y era alucinante ver, que pese a su ceguera, mane-
jaba como quería a un público de 5000 personas entregadísimas.
Dave Barker, es el tipo más simpático y entrañable de toda la industria
del rock and roll, no para de gastar bromas en los ensayos.
¿Cuál es la versión más extraña que hayáis tocado en vuestra vida?
Hemos hecho muy pocas versiones en vivo, 4 que yo recuerde, y excep-
tuando el EP de 2003 "Feliz Navidad con Los Granadians", que eviden-
temente esta inspirado en villancicos populares, nunca hemos incluido
canciones de otros autores en ninguno de nuestros discos.
¿La mas extraña? En los primeros dias del grupo hace ya 9 años hicimos
en un par de conciertos una versión del Runaway de Del Shannon. El
estribillo decía "Skinhead Runaway, run-run-run-run-runaway". Gustaba
bastante al público.
Pero ya hace mucho tiempo en que nuestro repertorio se compone sola-
mente de canciones nuestras.
¿Qué impresiones y recuerdos guardáis del concierto homenaje al
grupo granadino Los Angeles, en el que tocasteis junto a Lagartija
Nick, Los Planetas o Lori Meyers?
El concierto fue ideado y organizado por Teddy García, nuestro organis-
ta, así que lo vivimos desde dentro. Fueron unos dias muy apasionan-
tes.
Nosotros siempre hemos sido fans y con el grupo de nuevo en activo con
sus dos guitarristas originales, mas nuevos integrantes estupendos y la
inminente publicación de un libro y un documental sobre Los Angeles,
en Granada tuvimos una buena temporada de "Revival".
Muchos jovenes, fans nuestros o de Lori Meyers se acercaron a Los
Angeles gracias a ese concierto. Descubrieron que de su ciudad salió
uno de los conjuntos mas profesionales y talentosos de la música española.
Cada grupo interpretó hasta un máximo de tres canciones de Los Angeles, lleván-
dolas a su estilo, claro está.

El evento lo presento Jesús Ordovas, y
también tuvimos por aquí de invitado a Juan de Pablos, que ademas estu-
vo pinchando para la ocasión y al que le dedicamos una de las canciones que toca-
mos Los Granadians.
Fue muy emotivo tener allí en el palco a los 3 miembros originales de Los Angeles,
ademas de nuestros padres, y otros artistas y personalidades de esa generación.
De las actuaciones tenemos especial recuerdo de Jose Ignacio Lapido, que actuó
por sorpresa, sin estar en el cartel, junto a su hermano Victor. El publico enloque-
ció. También "Al Supersonic y los Teenagers" y "Lagartija Nick" estuvieron sublimes.
Recomendadnos tres bandas y tres discos que cambiaron vuestras vidas.
Blue Rivers & The Maroons - "From Ska to Reggae"
Es una grabación en Londres del 67 de un conjunto Jamaiquino que compré en una
tienda segunda mano sin saber muy bien de que se trataba.
El titulo del disco es confuso, puesto a posteriori y oportunista, ya que cuando se
grabó, en 1967, no existía aun el Reggae, y lo que suena en el disco es básicamen-
te Rocksteady y Soul.
Es una producción impresionante con una fuerza y energía que nunca había escu-
chado antes.
De la poca información de la foto y notas del disco fuí aprendiendo lo que en
Inglaterra llamaban blue-beat, y a partir de ahí seguí buscando referencias.
"Melopea - Surf y Rock and Roll"
Algunos de nosotros nos hemos criado en la costa, y la mayoría de los surfers de mi
barrio o bien eran pijos o iban de rollo Bob Marley o del Acid House de aquellos
años.
Frecuentábamos a diario la playa, nosotros hacíamos skate y si un colega tenia
video, alquilábamos "Thrashin'" y "El Gran Miércoles" y memorizábamos los diálogos.
Aprendimos que había una relación directa entre el sueño adolescente california-
no de principios de los 60 y los años finales de los 80 en los que estábamos.
Conocíamos a Chuck Berry y los Beach Boys por un recopilatorio llamado Made in
USA y teníamos la necesidad de que hubiera algo mas rockanrolero que todo el
ambiente que había a nuestro alrededor.
Entonces en 1989 apareció este disco de Melopea, que era la cassette más cotiza-
da del hermano mayor de un amigo, y no nos la dejaba por que eramos pequeños.
Un dia conseguimos hacernos con ella y hacer copias.
Era increíble, estos eran surfers radicales pero hablaban de guitarras eléctricas,
rock and roll y chupas de cuero y versionaban a los Beach Boys en español.
Recuerdo que los ví en televisión y llevaban unos skaters en el escenario mientras
tocaban. Letras como: "La playa es mi nación, guiris go home, y aquí los surfers solo
sintonizan radio R&R" o "No seré feliz hasta que no pueda salir con todas las chicas
que me gustan en verano... que sus culitos pasen por mis manos", es todo lo que
quieres escuchar con 13 años.
Con el tiempo descubrí que Melopea habían sido auténticos punk rockers antes de
este disco más comercial y que Pablo Sela estuvo en Zoquillos, etc. Todo encaja-
ba.
THE WHO - TOMMY
Conocía a los Who por un directo de grandes éxitos, pero cuando descubrí este
disco en una tienda de segunda mano me cambio la vida. No me enteraba de que
iba la historia, pero transmitía algo muy fuerte.
El disco es increíble y siempre lo escuchamos completo. Creo que es de los prime-
ros discos que me aprendí todas letras. The Who siempre han estado ahí desde
entonces.
donde ninGÚn hoMbre
ha lleGado JaMÁS
Entre los 11 cortes de este nuevo álbum podemos disfrutar de
multitud de matices, manteniendo siempre la coherencia, y
bajo los patrones rítmicos que hubieran seguido los artistas de
origen jamaiquino que grababan entre los años 66 y 73.
Principalmente adoptan los ritmos Rocksteady y Reggae, que
arrasaron entre la juventud Inglesa y que también llegaron, en
menor medida, a España y otros países hispano parlantes.
Pero dentro de estos ritmos encontramos guiños al Soul de
Stax, al Mersey-Beat, a Bo Diddley, y con instrumentales
marcianos como "SONDA PHOENIX", Los Granadians con-
siguen llevar a la superficie del planeta rojo a Los Relámpagos
y sonar tal y como les hubiera obligado a tocar el más furioso
James Brown.
Fascinante es también el instrumental "ESLABÓN PERDIDO",
en este caso parece el propio Joe Meek quien junta a Link
Wray con Los Pekenikes y se los lleva a grabar a un nuevo
mundo.
Y qué decir de los temas vocales: la dulzura de Los Angeles,
Brincos o Toots and The Maytals está patente en "LA CHICA
MAS DULCE" y "DEJAME INTENTARLO", mientras que una
frescura y caradura propia de grupos como Los Diablos, The
Coasters, Los Salvajes, Prince Buster, The Equals o Judge
Dread se manifiesta en canciones como "MENTIROSA" o "EL
DINERO ES PARA GASTARLO".
Los Granadians son una de esas bandas que crean admi-
radores incondicionales entre un público de lo mas diverso y en
este álbum la interacción que mantiene con su público queda
plasmada en canciones como "LA FIEBRE", que es un mereci-
do homenaje a sus fans de todo el planeta.
El reggae mas frenético y rompe pistas vuelve a tener cabida
en este disco en temas como "EL HUMANOIDE" y
"GRANADISSIMO!"
Todo esto con la naturalidad y perfecta armonía que les carac-
teriza, reconstruyendo su propia historia, trasladándose a una
época y grabando aquello que pudo haber sido, pero que
nunca fue. Un viaje intergaláctico con momentos para el mis-
terio, el baile, y el corazón. Para ello el platillo volador de Los
Granadians se trasladó a los estudios "Circo Perrotti" de Gijón:
el nuevo referente mundial en cuanto a sonido "Vintage"se
refiere. Toda la grabación y mezcla ha seguido un proceso
analógico y coherente con la música del grupo. Nada se ha
digitalizado.Se ha registrado el sonido en cinta magnética y uti-
lizado amplificación, microfonía e instrumentos de los años 40,
50 y 60.
Los encargados de capturar ese sonido han sido, a la par,
Jorge Explosión (Doctor Explosión) y el Neoyorquino MIKE
MARICONDA (Raunch Hands, Devil Dogs, etc).
Jorge Explosión ha producido en su estudio a artistas de la talla
de Sonny Burgess & The Pacers, Billy Childish o The Cynics.
Mike Mariconda tiene una extensa trayectoria como productor
de discos de The Mummies, New Bomb Turks,etc.
"DONDE NINGUN HOMBRE HA LLEGADO JAMAS": una frase
clásica de la ciencia-ficción, bien escogida para un álbum de
esos que llaman "de culto". Un tÍtulo metafórico, en cierto
modo, para una banda actual con los pies bien puestos en su
planeta, Granada, y cuya música va a hacer las delicias entre
la tripulación del capitán Kirk, en las reuniones sociales, léase
guateques, de la nave USS Enterprise, allá por el año 2269.

Nacido en 1947, el joven Dennis, un soldador de dia y animador de sound system por
las noches, observó con los ojos bien abiertos a los pioneros del deejay antes de
agarrar el micro con su pequeño sound system Hi Fi “El Paso”. Sobre todo le flipaba el
Home Town Hi Fi de King Tubby con U Roy al micro.
Sus primeras grabaciones fueron para Keith
Hudson, a quien le encantó su charlatanería
con el micro en El Paso, y decidió plastifi-
carlo. Hudson había estado trabajando con
Ken Boothe en canciones como 'Old Fashion
Way' y decidió invertir en el nuevo y prome-
tedor mundo del deejay. Su instinto no le
falló y empezó a cosechar éxitos con Dennis
Alcapone quien firmó sus primeras grabacio-
nes como Dennis Smith. 'Shades of Hudson',
acompañado por 'Spanish Amigo' en la cara
B, se editó en el Reino Unido en el sello Big
Shot en Diciembre de 1970 acreditado al
productor Keith Hudson.
Con buen oído para el ritmo, Dennis movió
el campamento al Studio One de Clement
Dodd, ofreciendo sus servicios como Dee Jay
sobre la mayoría de la grabaciones de esos
dias. Incluso llegó a compaginarlo con tra-
bajos para Duke Reid, pero estando U Roy
instalado allí como el Dee Jay número uno,
Coxsone se le presentaba
como la
denniS alcaPone
mejor opción. 'Nanny Version' fue su debut
con Dodd, que dejó claro el talento de
Dennis lanzándola vertiginosamente a las
listas de éxitos. También fue este el primer
disco que se acreditaba a Dennis Alcapone,
un mote de su infancia que adoptó para su
carrera discográfica. Rejuvenecía las can-
ciones y les daba una nueva dimensión con
su particular estilo toasting por encima.
Gran parte del público estaba convencido
de que 'Nanny Version' era U Roy. Y le siguie-
ron otras versions como 'Home' y 'Forever'
antes de que Coxsone le plasmara su primer
LP titulado 'Forever Version' con aquella
espectacular portada. La subsidiaria de
Studio One en el Reino Unido, Bamboo
Records, editó algunos plásticos de Al
Capone como 'Forever Version' b/w 'Love Me
Forever' en 1971 bajo el sello Banana, un
disco que no llegó a ser un superventas por
su escasa distribución llegando apenas a los
jamaicanos emigrados y al reducido público
británico seguidor del reggae.
Lamentablemente no obtuvo muchos ingre-
sos de su trabajo para Studio One así que
Dennis comenzó a trabajar para el ingenie-
ro de Treaure Isle, Byron Smith, quien le
produjo grabaciones como 'Out The Light
Baby' y 'Mosquito One' acreditándolas a El
Paso como artista que lo firmaba, algo que
Alcapone consideró un error. En cualquier
caso el tema 'Barbwire' de Nora Dean toma-
da como base para su adaptación 'Mosquito
One', se vendió bastante bien y fue publica-
do como un doble cara A en Inglaterra por
Big Shot en Marzo de 1971.
Dennis entabló una estrecha amistad con el
productor Bunny Lee por una temporada y
así se decidió a hacer una grabación para su
amigo registrando 'Better Must Come', que
se convirtió en un éxito instantáneamente,
siendo constantemente radiada en Jamaica
y dando un nuevo aire al perfil del deejay. Y
así se sucedieron otros éxitos con Bunny Lee
como 'Ripe Cherry' tema grabado sobre el
éxito de Eric Donaldson 'Cherry Oh Baby' y
también de la popular 'Horse and Buggy', en
la cual Dennis arrasa el popular 'Mule Train'.
Duke Reid, que no era tonto, observaba el
progresivo éxito de Dennis Alcapone y le
llamó a grabar a Treasure Isle. Se pusieron
manos a la obra, empezaron a trabajar
By Toni Face.
sobre el éxito soul de Jean Knight 'Mr Big
Stuff', naciendo 'Teach The Children' que
rápidamente impactó en la audiencia y
escaló las listas hasta el número uno dándo-
le a The Duke su primer Alcapone hit. Se
suponía que este tema lo tenía que haber
grabado U Roy ya que era el número uno en
Treasure Isle, pero no acababa de cogerle la
onda, así que Reid quiso que fuera Dennis
quien finalizara el proyecto.
Pronto volvió a Studio One para grabar
'Power Version', justo antes de que comen-
zara la Alcapone-mania y se convirtiera en
una estrella, rivalizando con U Roy quien
era el más importante delante del micro en
ese momento. Los cadenciosos ritmos rocks-
teady y reggae de Duke Reid seguían inspi-
rando a Dennis y así grabó una retahíla de
éxitos como 'Rock To The Beat', ‘The Great
Woggie' y 'Wake Up Jamaica', así como gra-
bando para los productores más importantes
del momento como Lee Perry y Bunny Lee.
Dennis comenzó a trabajar con Perry casi
por accidente, al poco de suceder la anéc-
dota de la vuelta a los estudios con Duke
Reid y U Roy no pudiera engancharse con el
ritmo de... En esta tesitura se encontraban
los ánimos, en ese momento una nueva
estrella emergente del deejay, Lloyd
'Jammy' James', Lizzy, quien estaba traba-
jando en Randy's con Perry y Bunny Lee tra-
tando de ponerle voz a un ritmo Upsetter
titulado 'Cherry Oh Baby'. Era un ritmo que
Bunny Lee le había pasado a Perry para tra-
bajar en él. James, un viejo amigo de King
Tubby, había estado manejando su sound
system por Kingston desde mitad de los ‘60
con su deejay estrella Lizzy. Ahora Perry
quería a Lizzy para poner la voz a 'Cherry Oh
Baby', pero el deejay no podía engancharse
bien al ritmo. Dennis, quien tenía su versión
en las listas de éxito, trató de ayudar a Lizzy
desde los controles del estudio, pero al final
un desesperado Lee Perry le dijo a Dennis
que lo hiciera él. Así es como nació 'Well
Dread' y la corta pero fructífera relación
entre Alcapone y Perry.
Con Perry fue como si comenzase una nueva
época. Siempre al loro de lo que se cocía
entre la audiencia Alcapone se hizo eco de
la fe rastafari y junto con el productor regis-
tró los primeros temas deejay de temática
rasta como el soberbio 'Rasta Dub' y el cor-
tante 'Wonderman'. Perry sabía como hacer
los ritmos y Dennis sabía hacer bien su tra-
bajo, y así nació el nuevo sonido roots de los
70. I Roy y Big Youth estaban empezando a
despuntar con su carrera de deejay, pero
era Dennis Alcapone quien primero diera
importancia a las letras en las pistas de
baile, empezando con 'Rocking To Ethiopia'
para el productor Sir JJ Johnson.
Con la ilimitada cosecha de éxitos de Bunny
Lee, Dennis también sacaba a la calle joyas
como 'Musical Liquidator' sobre el inmortal
disco de Harry J, y 'Guns Don't Argue', donde
Dennis cabalgaba sobre el Love of the
Common People de Nicky Thomas, temas
que conformarían su próximo LP.
La canción Guns Don't Argue estaba avocada
a ser un éxito y el resto del disco eran can-
ciones grabadas a la primera toma. No era
la forma habitual del DeeJay ya que lo que
estaba haciendo era escribir sus textos
antes de decidir sobre qué canción quería
trabajar y al final por problemas de tiempo
se tuvieron que quedar a medias dejando a
Dennis con la impresión de poder haber
hecho un trabajo más digno. En cualquier
caso este álbum tuvo su merecido reconoci-
miento ganando la ‘Gold Cup’ del Record
Retailer por su alto volumen de ventas y
popularidad durante los años 1971 y 1972.
El siguiente paso sería una gira por UK en
1973 aprovechando para dejar modelar su
talento por el ex-Pioneer, y en aquel enton-
ces productor, Sydney Crooks. 'Belch It Off',
single que editó Trojan, en su subsello
Pyramid y que no tuvo malas ventas del
todo, las suficientes como para animarse a
sacar un álbum bajo el mismo título en
1974. El sello londinense Magnet también
editó un disco de Alcapone en 1973, 'King of
The Track', que debido a las pocas copias
prensadas no llegó a tener la repercusión y
alcance esperado.
De regreso en Kingston, Dennis montó su
propio sello y comenzó a trabajar como pro-
ductor grabando a artistas tan notables
como Dennis Brown y Delroy Wilson, pero la
mediana distribución obtenida no permitió
que sus discos llegasen al gran público con
facilidad y el proyecto terminó por fracasar.
Ya entrado 1975 Dennis mudó su residencia a
Londres viajando eventualmente a Kingston.
Un LP editado por Live & Love label, ‘Dread
Capone’, fue publicado en 1975, con dos pos-
teriores álbumes en los que metía voces para
Third World, 'Six Million Dollar Man' e
'Investigator Rock', ambos publicados en 1977
y todos ellos usando ritmos de Bunny Lee.
Y más singles seguían siendo acreditados a
Dennis, resaltando 'Sorry Harry' para Sydney
Crooks en 1973 (que se publicaría en el LP
'Belch It Off’), y uno de sus toastings más
representativos de su paseo por el roots,
'Pressure In A Babylon' adaptando el 'Down
Presser' de Nathan Skyers para Ethnic Fight
en 1975.
Tristemente, a pesar de que Dennis conti-
nuaba grabando durante los 70, sus éxitos
eran sólo esporádicos y a su personal y
vibrante estilo le pasaba como a las viejas
gemas de ritmo Rocksteady que tan bien
supo reinventar. El pesado estilo roots que
imperaba en los Dee Jays de la época man-
daba, a pesar de que una de las nuevas pro-
mesas que le usurpaban su trono había
comenzado bajo el apadrinamiento del
micrófono de Dennis algunos años atrás
cuando dirigía El Paso. Este era un jovencí-
simo Dillinger quien, gracias a la generosi-
dad de Dennis, pudo introducirse en la
ciencia del Dee Jay y tener la oportunidad
de grabar.
A finales de los 80 Dennis Alcapone reapari-
ció en el Womad. Cambió su residencia a
Jamaica en 1990 por una larga estancia en
la que grabó un álbum sobre bases digitales
más modernas para su viejo colega Bunny
Lee. Desde entonces hasta la fecha sus con-
ciertos se han sucedido siendo sus actuacio-
nes frecuentes en muchos países, lo mismo
aprovechando el revival de la escena reggae
y sus inventores como gracias a los amantes
del rocksteady y los estilos más clásicos de
la fértil Jamaica, siendo actualmente uno
de los artistas más demandados.
No hace falta aclarar que el material más
importante de Dennis, el grabado entre
1970 y 1973, después de 30 años es igual de
mágico que las canciones originales que él
transformó a su antojo haciéndolas
propias.
 JaZZ JaMaica inte rvie w w ith Gary Cro sby,by To niFace

Gary Crosby, líder de Jazz Jamaica, es uno de esos culos inquietos que está comprometido con mil causas, de gran peso y
calidad cada una, y que sabe sacarlas adelante con notable éxito, a la vista están los reconocimientos y las excelentes críti-
cas. Me senté a charlar con él antes de su actuación en Madrid el 23 de Julio de 2006, estuvimos hablando de sus bandas,
los músicos con los que trabaja (auténticas leyendas del jazz) y su sello discográfico Dune Records, uno de los sellos de jazz
con más prestigio en la actualidad.

Inglés, pero hijo de Jamaicanos, sobrino del legendario guitarrista Ernest Ranglin, y actualmente uno de los músicos de jazz bri-
tánicos de mayor reconocimiento, este hombre de 54 años, cuyo nombre aparece en las más importantes enciclopedias de
jazz con evidente reconocimiento, se despachó amable y cordial en una calurosa tarde de verano.

Toni Face: Formaste Jazz Jamaica en 1991
en la misma época que estabas con tu grupo
Jazz Warriors, ¿alguien más de los Jazz
Warriors se metió contigo en Jazz Jamaica o
era simplemente tu propio proyecto perso-
nal?
Gary Crosby: Varios miembros de los Jazz
Warriors comenzaron también con Jazz
Jamaica: Michael Rose, Alan Weekes y
Kendrick Rowe, además de otros músicos que
venían de la escena reggae como Rico, Tan Tan
Thornton y Tony Uter.
¿Era la formación del álbum Skaravan?
Sí, así es.
¿Era tu intención hacer un revival del viejo
jazz jamaicano, del ska clásico, o tu inten-
ción era llevar el ska tradicional a la escena
jazz para que evolucionara desde ese punto?
Sí, exactamente era eso, meter el ska jazz en
el terreno de la música jazz, con músicos de
jazz tocando esta música, algo diferente a lo
que otros estaban haciendo, en ese terreno
teníamos competencia. Tener a Rico en la
banda nos ayudó mucho, la gente ponía más
interés en lo que estabas haciendo, es un
nombre importante en la escena.
Despues de haber montado Jazz Jamaica,
haber tocado en directo y grabado un par de
discos transformaste el grupo en un proyec-
to todavía más ambicioso con los Jazz
Jamaica Allstars, una big band de jazz
jamaicano, ¿era posible coordinar un pro-
yecto tan ambicioso para tocar en directo?
¿paraste este proyecto para volver al con-
cepto original de Jazz Jamaica porque la big
band era inviable? ¿o ambos grupos, Jazz
Jamaica y Jazz Jamaica Allstars, son una
misma cosa que puede ser presentado al
público en ambos formatos en cualquier
momento?
Sí, así es. Trabajar con 23 músicos es muy
duro, muy complicado. El formato allstar es
una extensión de esta banda, uno es el forma-
to básico y el otro la extensión. Y volverán a
la carga, seguramente el próximo año volvere-
mos a la carretera. Es un proyecto que no ha
terminado, con Massive fue el primer intento
pero no hemos terminado con Jazz Jamaica
Allstars. El provecto ahora parece más saluda-
ble que cuando comenzamos con músicos nue-
vos y todo eso, el próximo álbum será un
homenaje a Studio 1 o a Trojan y será total-
mente instrumental. Trojan ha sido muy
importante a la hora de estrechar las relacio-
nes entre blancos y negros en Inglaterra. El
homenaje a Studio 1 es más un deseo perso-
nal.
¿Será algo como lo que acabáis de hacer con
la Motown en ‘Motorcity Roots’?
Sí, algo así.
Motorcity Roots, vuestro último álbum, es
un tributo al cancionero de la Motown, ver-
sionáis clásicos con el personal estilo de
Jazz Jamaica. El disco ha ganado el UK
Parlamentary Awards Ensemble of the Year
2006 y ha cosechado críticas formidables en
la prensa escrita... ¿pensaste en este pro-
yecto como una fórmula para llegar a un
público más amplio, a un público más pop?,
¿era tu intención el darle un reconocimien-
to popular a los ritmos clásicos jamaicanos
que nunca tuvieron?
Bueno, siendo honesto, la relación entre
Motown y pop es muy estrecha, Motown es
pop. Atlantic o Stax eran más underground y
Motown es más pop. En la actual formación de
Jazz Jamaica todos los músicos son nuevos y
necesitaba algo para atraer a un público
nuevo, más joven. Ya conozco de sobra al
público genuino de ska, Jazz Jamaica se está
haciendo cada vez más fuerte y en cada con-
cierto que damos presentando Motorcity Roots
vienen siempre aficionados preguntando
“¿donde está Tan Tan?, ¿donde está Rico?”, je,
je. Esta es una banda nueva que se adapta
perfectamente al proyecto Motown, igual no
sería la más indicada para sonar a Skatalites o
para el proyecto de Studio 1 que te comenta-
ba, para esta banda es mucho más sencillo
hacer algo así, de esta manera.
¿Quienes forman Jazz Jamaica en directo?
Alex Wison al piano, Roger Youngs a la batería,
Pete Eckford a la percusión, Soweto Kinch al
saxo alto, Denys Baptiste al saxo tenor, Abram
Wilson a la trompeta, coros y bailarín, Harry
Brown al trombón, Wesley Lucas a la voz, Zara
 Además de tu grupos dedicas tu tiempo
a una actividad no menos importante
como es Dune Records, tu propio sello
discográfico, háblanos de la filosofía
de Dune Records...
(Silencio) ¡Uff, qué difícil! ¿Cómo expre-
sar algo que sientes? Tratamos de dejar
un legado, honestamente. Admiro el
legado que han dejado otros sellos
como Motown, Studio 1, Bluenote; Jazz
Jamaica ha grabado dos álbumes de
tributo a Bluenote en Japón. Creo que
es importante tener un sonido perso-
nal, una imagen como sello. También
es importante hacer dinero, para qué
negarlo, no pretendemos ser un sello
pop, no pretendemos ganar millones,
pero cuando deje este planeta me
gustaría que después de 100 años la
comunidad afrocaribeña inglesa
tuviera un referente musical, hay
talentos increíbles en Londres.
Necesitamos contribuir a una esce-
na multirracial que actualmente se
encuentra muy fragmentada, para
un músico negro actualmente es
McFarlane más difícil conseguir trabajo en estudios de
a la voz y la última adquisición, grabación, en televisión, la carrera musical
Susan Harrior, que está en directo pero no profesional es más dura, hay menos oportuni-
grabó el disco. dades.
Háblanos de tu otro grupo: Nu Troop. ¿Es más duro ahora dirigir una compañía dis-
Nu Troop es mi grupo favorito, son los cográfica, ahora que hay una enorme crisis
mismos músicos que Jazz Jamaica excep- en la industria?
to el guitarrista, percusión y las voces. Si, cuando comienzas un sello siempre hay una
Espero que el año que viene grabemos un excitación inicial, la gente que está a tu
nuevo disco. N o s c u e s t a m u c h o j u n t a r - entorno te apoya y después de editar los pri-
nos porque todos trabajamos en la meros discos la cosa se vuelve más dura. Como
música. bien dices la industria musical ha sufrido
mucho en los últimos 10-15 años. La compañía
tiene que tener la oportunidad de ir cambian-
do con el sistema. Algunas compañías dejaron
de editar discos, de editar disco físicamente,
nosotros preferimos seguir editando discos,
somos una compañía lo suficientemente
pequeña como parar poder seguir haciéndolo.
A pesar de lo duro que se ha vuelto para nos-
otros nuestro sueño es no parar nunca, tene-
mos una visión, más allá de hacer mucho o
poco dinero, tenemos una visión que quere-
mos hacer realidad. Como diría Derrick
Morgan “it is gonna get tougher yet, but toug-
her yet is the rougher, the rougher get rough”,
no importa lo duro que se vuelva esto, tene-
mos que hacerlo, es un negocio familiar y
tenemos que sacar adelante esa visión.
¿Cuanta gente trabaja para Dune Records?
Mmmmhhh, 6.
Eso hoy en dia es casi una compañía gran-
de...
Sí, y estamos tratando de ampliarlo a 8, pro-
bablemente para finales de año...
¿Como crees que será la industria musical
dentro de 10 años?
No tengo la menor idea... sinceramente tam-
poco me preocupa, ja, ja. En 10 años no creo
que se experimenten grandes cambios en la
escena, pero a 50 años vista seguro que esto
será algo completamente diferente, diez años
no son tanto en el fondo, Jazz Jamaica lleva
15 o 16 años tocando y cuando comencé con
este grupo pensaba que en un par de años ter-
minaría y surgirían otros proyectos, ¡ya han
pasado 15 años!, el tiempo pasa rápido,
amigo.

En Pork Pie están de celebración de su 20

aniversario durante el año 2009. Grupos
legendarios, conciertos y festivales inolvi-
dables, han tenido lugar durante las dos
pasadas décadas mientras la escena ha
cambiado bastante desde que el sello editó
su primera referencia. Cuando comenza-
ron el vinilo era el único soporte viable y
ahora hasta el CD parece desfasado. No sólo se notan estos cambios en
lo que al soporte en el que se editan los discos se refiere, también ha
cambiado mucho la forma de trabajar gracias a internet pero sobre todo,
el cambio que más se nota es que las bandas de ahora son mucho mejo-
res que entonces.
En Julio de este año se va a editar ‘The Spirit Of Ska - 20
Years Jubilee Edition’ y los grupos más legendarios del sello estarán pre-
sentes en este álbum, ya sea con grandes clásicos de los últimos 20
años como con nuevas composiciones.
Pork Pie lo fundó un personaje llamado Matzge en 1989 sien-
do el primer sello de Ska de Alemania y convirtiéndose en un exponen-
te a nivel mundial editando trabajos de artistas de renombre como Bad
Manners, Derrick Morgan, No Sports, Yebo, The Toasters, Laurel Aitken,
etc. y hasta 80 referencias en total hasta la fecha. Sus recopilaciones de
Ska...Ska...Skandal y United Colors Of Ska son clásicos que no faltan en
la discografía de cualquier fan que se precie.

Discografía: Ska... Ska... Skandal No. 1 - Laurel Aitken / Everybody Ska - Napoleon Solo / Shot! - Skaos / Catch This
Beat - The Braces / Blue - The Toasters / T-Time - El Bosso & Die Ping Pongs / Immer nur Ska! - El Bosso & Die Ping
Pongs / El Bosso & Die Ping Pongs - El Bosso & Die Ping Pongs / Renn Los - El Bosso & Die Ping Pongs / Ich bin Touri
- The Frits / Little Idiots - No Sports / Limited Edition - Ska... Ska... Skandal No. 2 - Bad Manners / Fat Sound - No Sports
/ Successfools - The Toasters / New York Fever - Ska... Ska... Skandal No. 3 - The Frits / Ebbie's Bluff/November Rain
- The Frits / Not Enough For You - No Sports / King Ska - The Toasters / Live in L.A. - Yebo / Eastern Standard Time -
United Colors of Ska - The Toasters / DUB 56 - The Frits / Look on the bright side of Live - Derrick Morgan / The
Conquering Ruler - United Colors of Ska Vol. 2 - Dr. Ring-Ding & The Senior Allstars Dandimite! - The Ventilators / The
Ventilators - Skaos / Back to Live - Ska... Ska... Skandal No. 4 - The Toasters Two Tone Army - El Bosso & Die Ping
Pongs / Komplett! - Skaos & Buster Bloodvessel / Live In Berlin - Spitfire / Night Hunting - Skaos / Ham & Eggs - The
Toasters / History Book - Bad Manners / Don't Knock the Baldhead! - Blascore / 's Fistkind kommt - V.A. / Ska... Ska...
Skandal No. 1-4 Vinyl-Box - The Skalatones / The Best Tracks So Far - Die Deutschstunde - Lektion 1 - The Skalatones
Tune - Blascore / Blascore - Bluekilla / Ska Is Our Business - Spitfire / The Coast Is Clear - Derrick Morgan & Yebo The
Conquering Ruler / Eastern Standard Time - V.A. / The Spirit Of Ska - 10 Years Jubilee Edition - Skaos / Porno 75 - The
Toasters / DUB 56 incl. Live in L.A. - The Porkers / Hot Dog Daiquiri - United Colors of Ska Vol. 3 - United Colors of Ska
Vol. 1-3 Vinyl Box - Spare Shells - Modern Interpretations of Songs Performed by * The Specials - United Colors of Ska
Vol. 1-3 CD Box - Skaos / Breaking the Curfew - Ska... Ska... Skandal No. 1-4 CD-Box - The Busters / Live - Lionsclub
/ TV & Movie Themes - The Busters / Revolution Rock - Spitfire / Thrills and Kills - Bluekilla / Back to Skatalonia - Bad
Manners / Fat Sound & Don't Knock The Baldhead CD-Box - Skaos / Pocomania - No Sports / King Ska & Successfools
- 20 Years Jubilee Edition - Skandal No. 5 - The Football Edition - Skaos / Silver - Jubilee Edition - The Valkyrians / High
& Mighty - Dallax / Core Color - Yellow Umbrella / Little Planet - United Colors Of Ska 4.0 - Benuts / Bavarian Ska
Maniacs - Yellow Umbrella / Same Same - But Different - No Life Lost / Von Santa Fu bis Saint Tropez - Stan Or Itchy /
Sweat' n' Suits - Spitfire / Lifetime Visa - Ringo Ska / Betolzkahitoparat - The Spirit Of Ska - 20 Years Jubilee Edition
 derricK MorGan
Llegó a copar los siete primeros puestos de las listas, un récord que difícilmente
podría ser batido. Fue número uno por mucho tiempo y supo adaptarse a la evolución
que fue sufriendo la música jamaicana.
Nació en Marzo de 1940 en las
zonas rurales de Parish of
Clarendon y emigró a Kingston
cuando era un chaval donde
dedicó su tiempo a estudiar.
Estamos hablando de los años
50 cuando se vivió el mayor
éxodo rural en la isla. Sus pri-
meros contactos con la músi-
ca fueron en la iglesia, empu-
jado por su padre, y los más
callejeros ritmos
Rithm'n'Blues que se escuchaban en las emisoras
estadounidenses que podían sintonizarse en la isla a través del Golfo de
México.
Contando con 17 años se dirigió a un concurso de jóvenes talen-
tos en el Palace Theatre donde no lo tuvo nada fácil, sus competidores
eran aristas de la talla de Eric 'Monty' Morris, Owen Gray y Jackie Edwards.
Derrick interpretó dos canciones de Little Richard que impresionaron a los
allí presentes. El resultado fue que el dúo de humoristas más importante
de la isla llamado Bim & Bam le apadrinó lIevándole en sus actuaciones por
toda Jamaica como parte vocal del show.
Cuando la música americana y más concretamente el picante
ritmo Rithm'n'Blues empezó a pasar de moda, los propietarios de los Sound
Systems necesitaban seguir dándole marcha a las multitudes y empezaron
a fijarse en los grandes talentos que tenían en la cantera.
Consecuentemente, en aquellos dias, Laurel Aitken, Joe Higgs,
Jackie Edwards y Owen Gray empezaban a tener éxito con sus primeras
grabaciones y Derrick se empeñó en que él también tenía que grabar un
disco. Había oído hablar de un tal Duke Reid, propietario de uno de los
sound systems más importantes de la ísla que estaba buscando jóvenes
talentos para grabarles con su recién creado sello 'Treasure Isle', y radiar-
los posteriormente en su programa de radio del mismo nombre que se emi-
tía todos los miércoles y sábados desde Kingston. Derrick consiguió grabar
dos temas para él: 'Lover Boy' (aka 'Skinhead Corner Rock') y 'Oh My'. Ambas
se hicieron muy populares entre la audiencia.
El duque estaba esperando a que llegara en siguiente año para hacer otro
lanzamiento, más potente si cabe, de nuevas canciones, pero Derrick no
debía tener un pelo de tonto porque simultáneamente fue a visitar a otro
productor llamado L. S. 'Little Wonder' Smith. Tras una audición en la que
nuestro protagonista interpretó 'Fat Man' el productor quedó impresionado
por el potencial de ambos: el cantante y la canción. Le grabó un disco, que
no hace falta decir que fue un éxito, en su propio sello 'Hi Lite'. En este
momento se puede decir que despegó la carrera musical de Derrick
Morgan.
Grabó un par de temas con Smith y siguió buscándose la vida con
la música, ahora empezaba a ser popular. Se juntó con el legendario pro-
ductor Clement 'Coxsone' Dodd y grabó un éxito titulado 'Leave Earth' b/w
'Wec Wigger Shufile' y todavia volvió con Duke Reid grabando una versión
de Shirley & Lec que llevaba por titulo 'Feel So Fine' acompañándole a las
voces Patsy Todd, la primera cantante femenina con la que hizo dúo.
Y seguía creciendo su popularidad, a Prince Buster le tiró los
tejos para que grabara con su recién creada compañía 'Wild Bells'. Derrick
siguió merodeando, trabajaba para un productor y se iba con otro.
Un joven cantante llamado Jimmy Cliff le entró un día hablándole sobre
un hombre de negocios chino-jamaicano que se llamaba Leslie Kong y que
buscaba cantantes para una compañía que acababa de fundar. Derrick fue
a visitarlo y decidió apoyar a Leslie con sus primeros lanzamientos, graba-
ron dos canciones: 'Be Still' y 'Sunday Monday'. Fueron las primeras refe-
rencias de Beverly, así se llamaba la nueva compañía discográfica, que
empujaron a Kong hacia una frenética carrera que llegó a situarle como
uno de los más prolíficos productores de Jamaica. Una carrera que termi-
nó con su trágica muerte en 1971.
En los meses siguientes grabaron juntos 'Travel On', 'The Hop' y
'Forward March', canción esta última con la que celebraba la recien obteni-
da independencia de la isla. El disco fue un éxito y salió Prince Buster dicien-
do que le habían robado una melodía de su canción 'They Got To Come'. Se
rebotó tanto el príncipe que sacó un tema titulado 'Blackhead Chinaman' en
clara alusión a Leslie Kong. Así comenzó la guerra musical entre los dos pro-
ductores. A principios de 1963 las disputas entre fans rivales creció hasta
niveles tan preocupantes que el recien formado gobierno jamaicano tuvo
que tomar cartas en el asunto para calmar la guerra musical. Instaron a los
dos productores a salir fotografiados juntos en la prensa diciendo que a
pesar de la retórica de las canciones ambos eran íntimos amigos.
By Toni Face.
A parte de grabar con Kong, Derrick Morgan le ayudó también
a encontrar nuevos talentos haciendo audiciones a jóvenes como
Robert Marley o The Maytals, estos últimos no pasaron la prueba. En
1968 por fin ve la luz el primer larga duración de Derrick Morgan
'Forward March' editado en Jamaica por 'Beverley' y por 'Island' en
Inglaterra. En este disco estaba uno de los mayores éxitos de Derrick
Morgan: 'Housewives Choice', canción en la que compartía voces con
Patsy. Después de la salida del disco Prince Buster le convenció para ir
juntos a Inglaterra a grabar para el sello Melodisc que contaba con la
subsidiaria Bue Beat, dedicada a los ritmos sincopados. Grabaron y
Derrick decidió que como en su cálida jamaica natal no se está en nin-
gún lado, así que se volvió. De vuelta a la isla siguió con su trabajo tal
como lo había dejado, continuó grabando éxitos para Prince Buster y
Duke Reid.
En 1965, cuando llevaba cinco años de exitosa carrera y duro
trabajo, decidió dejar de grabar por una temporada. Esta decisión la
tomó en parte por lo atado que estaba a su contrato con Melodisc que
le impedía publicar cualquier canción en U.K. con ningún sello que no
fuera 'Blue Beat'. En cualquier caso los productores de la isla, que no
tenían ningún contrato firmado por esta compañía, le rondaban tirán-
dole los tejos por si grababan con él algún éxito y hasta el mismísimo
ministro de finanzas de Jamaica, Edward Seaga, tuvo que tomar parte
en este asunto por lo que significaba para él un posible conflicto con la
compañía británica. En cualquier caso Derrick decidió volver a grabar.
Tan inquieto como siempre grabó para Joe Gibbs y Coxone Dodd y en el
'67 volvió con Kong grabando una ristra de éxitos, hoy en dia clásicos
de reggae como: 'Tougher Than Tough', 'Court Dismiss' y 'Judge Dread
In Court' como respuesta a la canción anti-rude boy que grabó Prince
Buster 'Judge Dread (Four Hundred Years)'. Y Derrick también grababa
con Kong: 'KiII Me Dead', 'Greedy Gal', 'I Am The Ruler', etc.
El éxito que estaba teniendo Bunny Lee animó a Derrick a
montar su propio sello discográfico: 'Hop Records'. Contaba con el res-
paldo de una de las mejores bandas instrumentales de Jamaica, 'Lyn
Taitt & The Jets'. Derrick produjo éxitos suyos propios como
'Conquering Ruler' y 'Gimme Back', y de otros artistas como 'The
Consomates', 'The Viceroys' y a LIoyd Robinson & Devon Rusell con su
tema 'Red Bum Ball' que sería uno de los grandes éxitos de la isla ese
año. 1968 significó también para él la salida a la calle de su primer LP
autoproducido 'Derrick Morgan & Friends'. Continuó con su trabajo de
productor de Bunny y Kong y también produjo a Lynford Anderson el
tema más exitoso de su carrera ‘Fat Man', tema que con los años regra-
baría bajo el pseudónimo de Andy Capp. Solamente durante el periodo
del Ska y Rocksteady Derrick llegó a grabar más de 200 títulos.
Cuando Derrick llegó a Inglaterra la encontró cambiada.
Estaba formándose una locura por el reggae, Derrick era casi un ídolo.
Aprovechó para dar conciertos y grabar con el legendario sello Pama
Records dos álbumes: 'Derrick Morgan in London' y el clásico 'Moonhop'
que lIegaría a entrar en las listas de éxitos de el pais. En los sucesivos
años Derrick Morgan estuvo viviendo entre Londres y Kingston, graban-
do y produciendo gente como The Righteous Flames o Max Romeo.
Su carrera continuó así de exitosa en los sucesivos años hasta que en
1975 decidió emigrar a Canadá. AIIí grabó con Imperial Records, estuvo
cuatro años, hasta que decidió moverse a un sitio con un clima algo más
cálido como era Miami. En Miami estuvo medio retirado hasta que en
1989, impulsado por sus fans, volvió a Inglaterra para hacer unos cuan-
tos conciertos.
En los 90, a parte de dar conciertos, principalmente en
Alemania, editó una revisitada versión de 'Moonhop' volviendo a las
voces con su vieja compañera Patsy para el sello Unicorn. El sello
Trojan Records editó un recopilatorio en 1992 titulado ‘I Am The Ruler’
que resulta una interesantísima selección de sus primeros años. En el
94 grabó para el sello alemán Pork Pie un álbum con los alemanes Yebo
titulado 'The Conquering Ruler' y siguió ofreciendo conciertos mientras
veía recopilado un disco de sus grabaciones para Pama titulado ‘Early
Reggae Recordings - Derrick Pop The Top’ por la compañía Reggae
Retro. Ya en el siglo XXI Derrick Morgan ha actuado por medio mundo,
grabado un álbum en directo con los holandeses Rude Rich & The
Highnotes y un single con Los Granadians, y viendo como Trojan edita-
ba una amplia retrospectiva de su carrera con el doble álbum ‘Moon
Hop - Best Of The Early Years 1960-69’ al mismo tiempo que otros reco-
pilatorios de viejos temas como ‘Do The Beng Beng’ y ‘Ska vol. 1’ son
lanzados al mercado por el sello inglés Reggae Retro, ‘I Am The Ruler’
por Earmark y ‘Ska Man Classics’ y ‘Time Marches On’ por Heartbeat.
 winSton FranciS
en dos éxitos propios durante 2 años. En 1969 de Trojan, Winston estaba experimentando
grabó 'Go Find Yourself a Fool' para Treasure con el sonido. Canciones como 'Jump the Gun',
Isle. La canción la había escrito Bruce Ruffin, 'Little Green Apples' y 'Don't Take My Teeth
miembro de los Techniques quien hacía coros From Me'. Pero justo cuando parecía que esto
en la grabación original. El mismo dia que empezaba a funcionar, a finales de los 70,
grabó la canción Winston volvió a Miami para Winston se unió a Eugene Thompson, Mel
unas actuaciones y cuando volvió a Jamaica, Nixon, y TC Anderson para formar Cosmic
unas semanas después, la canción California High, y estuvieron girando con bastante éxito.
Desde muy joven Winston ya canta-
Dreaming estaba pegando fuerte en Y en 1980 Winston volvió a Jamaica
ba en el coro de la iglesia Roman Catholic,
Inglaterra. a cuidar de su madre que había caído enfer-
pero sus habilidades como bailarín con sus
Winston voló a Londres, firmando ma. Allí estuvo 8 meses hasta que su madre
características contorsiones le llevaron a tra-
con Junior Lincoln del sello Bamboo quien falleció en Mayo de 1981. Así que hizo de
bajar para la agencia Bim and Bam.
lanzó esa canción en UK. Tony Blackburn hizo nuevo las maletas y volvió a Inglaterra con su
El espectáculo llamado 'Healing in the
de California Dreaming su 'hit pick of the familia, y volvió a unirse a Eugene y los Cosmic
Bamyard' viajó por toda la isla de Jamaica
week' (éxito de la semana) en Radio One pero High continuando sus giras hasta 1985. Pero el
contando Winston tan sólo con 7 años de edad
cuando Winston aterrizó Tony repitió su 'hit grupo llevaba ya bastantes años juntos y la
compatibilizando su carrera artística con sus
pick of the week' y así la canción se mantuvo energía inicial estaba comenzando a desvane-
estudios en el colegio. Su papel de serpiente
durante dos semanas, radiándose diariamen- cerse.
en el espectáculo hizo que le pusieran el
te. Era la primera vez que Tony mantenía un Entonces cogió a Errol Brown de los
sobrenombre de Cobra Boy y siguió trabajando
éxito durante dos semanas. Junior llevó a Chosen Few, para ensayar un nuevo espectá-
para esta compañía hasta los once anos.
Winston al club del hotel Cumberland donde le culo, Black Heroes, que se representaría en el
Winston posteriormente ganaría una
presentó a Dick Katz, quien se convertía en su Astoria Theatre de Londres. Al dia siguiente
plaza en el 'Opportunity Hour' de Vere John y
manager y agente durante varios años. de su estreno Flip Frazer, el director, le dijo
allí permanecería durante varias rondas, el
Dick introdujo a Winston al Bailey Circuit, un "me he estado fijando en ti, todo el mundo
público solía comportarse de manera salvaje,
tour por prestigiosos clubs y salas. Poco tiem- hablaba de ti, ven a verme en el intermedio".
tirando frutas podridas y abucheando a quien
po faltaría para que Winston conociera a Al final de esa noche Winston firmó un contra-
no le agradaba. Algo que nunca le ocurrió a
Angie, de quien se enamoró a primera vista. to con la compañía con la que estuvo repre-
Winston, estas actuaciones le darían bastantes
Le preguntó a Angie si querría ser su esposa sentando ese espectáculo durante 5 años,
tablas y en aquellos dias, a los 13 años, ganó
pero ella rehusó, así que Winston se refugió en girando por Inglaterra y por EE. UU. un par de
la final 2 veces. Entonces le enviaron a EE.
la bebida y el cannnabis, pero afortunadamen- veces. Justo antes de la segunda gira por EE.
UU. a vivir con sus tios en Miami sin volver a
te Winston dejó estos vicios y terminaron por UU., Dennis Bovell llamó a Winston y le pidió
Jamaica hasta 2 años después. A su regreso se
casarse. Girar por Inglaterra dentro del Bailey que fuera al estudio de Matumbi en Brixton
unió a Edwin 'Bammo' Brown para formar The
Circuit era algo prestigioso en esos dias, más para grabar para un productor francés,
Sheridans un grupo vocal de cuatro cantantes
aún para un jamaicano. Winston permaneció Philippe, que estaba produciendo algunas can-
donde también se encontraban Owen 'Spirry'
dentro del circuito durante 4 años, tocando ciones para BMG. Pasaron una estupenda tarde
Roberts y Pat Kelly.
noche tras noche, pero le estaba empezando a en la que grabaron dos canciones, 'Stand by
Paralelamente Winston había
picar el gusanillo de volver al estudio y grabar Me' y 'Chain Gang'.
comenzado a trabajar en una imprenta para
reggae. Se encontró con Stanley Pembleton Así que Winston abandonó el tour
aprender el oficio de impresor, cuando The
quien a su vez se había encontrado con Dave con los Black Heroes por EE. UU., y cuando
Sheridans entraron a formar parte del concur-
Barker y comenzaron a trabajar en el Manfred volvió a Inglaterra el productor francés le
so 'Star is Born' quedando en segundo lugar.
Man Studio. Winston estaba grabando otra vez había estado llamando. Stand By Me era un
Esto le supuso al grupo encontrar unos cuantos
en el estudio y registró el tema soul 'Extra éxito en Francia y había vendido más de
conciertos para acabar siendo la banda de
Careful' obteniendo en 1975 un acuerdo con 90.000 copias. La canción se había editado
acompañamiento de Carlos Malcolm, una de
MCA. Por aquel entonces MCA trabajaba con como King Cool y 'Stand by Me' siguió su
las bandas más punteras de la isla de Jamaica
Power Exchange, sello y productora, y finan- escalada en las listas, BMG le pidió a
en ese momento. Se embarcaron en giras por
ciaron a Stanley y Winston para iniciar su pro- Winston que grabara el álbum ‘His Majesty
EE. UU. y Canada durante 2 años, antes de que
pia compañía, Workhouse Productions. Requests’, que estaba predestinado a ser un
The Sheridans se separasen.
Stanley y Winston invitaron a venir a gran éxito en Francia.
Trabajando como cantante en trave-
Alton Ellis, Ken Parker y Slim Smith desde Después de una gira por Japón con
sías navieras, Winston reunió el dinero sufi-
Jamaica. Ellos vinieron y la compañía les hos- B.B. Seaton y otra gira con los Black
ciente para volver a los EE. UU. En ese viaje su
pedó en Jessmund Avenue, en Wembley, Heroes, Clive Davison preguntó a Winston si
amigo Bob Davies le presentó al pianista de
donde convivieron con Bobsy, quien hoy en dia quería hacer un disco con los Paragons de
jazz Chuck Bird. Chuck estaba tan impresiona-
posee una fábrica de discos en Park Royal. versiones de los Beatles y Bob Dylan. Y así
do con la voz de Winston que decidió apadri-
Grabaron unas 8 canciones. Con Dave Barker grabaron el disco de versiones en 1998. Ese
narle, metiéndole a dar clases de canto y pre-
y Bobby Davies, Winston montó el grupo The mismo año UB40 hizo una versión del 'Mr Fix
sentándole a Bernard Burlett, quien se conver-
Connections y grabó un par de temas nuevos. it' y Winston hizo unos brillantes conciertos
tiría en su mentor en los EE. UU. Pero fue
Las facilidades con las que contaban eran con ellos en el Wembley Arena.
Chuck quien le consiguió su primera actuación
excelentes, el ingeniero era Phillip Chen Winston Francis ha estado muy ocu-
en solitario. Buddy Grecko era el lider de The
(bajista de Rod Stewart). Extra Careful funcio- pado durante los últimos años, uniéndose a su
Jackie Gleeson Orchestra en el prestigioso
nó muy bien, sonaba a americano. Winston viejo amigo A. J. Franklin (voz de The Chosen
Fountain Blue Hotel quien tenía unas actua-
cambió su nombre por el de Billy Cole para Few). En 2001 Winston y A.J estuvieron traba-
ciones muy especiales con Spirew Agnew como
esa canción y aun hoy en dia es también cono- jando juntos en un álbum con Terry Devine-
invitado de honor. Buddy contrajo posterior-
cido con ese sobrenombre. The Connections King, Francis and Franklin 'Stand Firm’.
mente laringitis y Chuck Bird decidió que
estuvieron de gira durante 1976-77 gracias al Winston es un artista que está cons-
fuera Winston quien jugara ese papel. Este
éxito de 'Extra Careful'. tantemente actuando por Europa y también por
espectáculo prosiguió con éxito hasta que
Por medio de Angie, Winston fue Jamaica, el pasado verano estuvo actuando en el
Winston volvió a Jamaica en 1968, donde
presentado a Sid Sargent y posteriormente a prestigioso festival jamaicano Heineken Star Time.
encontró a su viejo amigo Jackie Estick quien
Bill Farley de EMI. Bill y Winston conectaron, En 2005, Winston ha visto tambien reeditados sus
le presentó a Coxone Dodd del afamado
presentando Winston a Dennis Bovell de dos LPs de Studio One, ‘Mr. Fix It’ y ‘California
Studio One. Allí grabó más de veinte canciones
Matumbi. Trabajando juntos, escribiendo can- Dream’ en un CD. Se podría decir que los dias
entre las que se encontraban las exitosas
ciones para EMI y mezclando para Danny Ray actuales son su época de mayor prestigio y trabajo.
'California Dreamin' y 'Mr Fix It' convirtiéndose