ARTE PREHISPÁNICO

El arte prehispánico se usa para hacer referencia al arte que existía en América
mucho antes de que los españoles llegaran, a las expresiones materiales
desarrolladas por las culturas anteriores a la llegada de los españoles a América.
Este concepto se refiere principalmente a todos los estilos de arte que había antes
de que los españoles conquistaran una gran parte de América. Cuando hablamos
del arte prehispánico nos referimos a todos los estilos de arte que surgieron antes
de 1492, ya que en América existían diferentes culturas y cada cultura tenía
diferentes tipos de representaciones artísticas.
¿Qué culturas comprendían el arte prehispánico?
En el arte prehispánico, o mejor dicho en la etapa prehispánica existen diferentes
culturas que se han de destacar entre ellas podemos destacar:
Cultura Maya: Se estableció durante el período Pre-Clásico en el 2000 a. C. a 250
d. C., de acuerdo con la cronología de Mesoamérica, muchas ciudades Mayas
alcanzaron su mayor desarrollo como estados durante el periodo clásico del 250 d.c
a 900 d. C. y continuaron durante todo el período de Post-Clásico hasta la llegada
de los españoles. La cultura maya fue una de las más conocidas e importantes.
Ocupó una gran parte de América central y México.

Cultura Olmeca: Tuvo una muy amplia influencia ya que sus obras de arte de esta
civilización también se encuentran en El Salvador. Los olmecas se desarrollaron
entre los años 1200 a.c hasta alrededor del año 400 a. C. Fue una civilización
antigua precolombina que habitó en las tierras bajas del centro-sur de México,
durante el periodo Preclásico Medio mesoamericano. Esta cultura se consideró
como la cultura madre de las poblaciones prehispánicas. Se podían encontrar en
las tierras más ajas del centro y el sur del país. Las principales formas artísticas de
los Olmecas que sobreviven a pesar de los siglos son las monumentales obras
líticas y pequeñas obras hechas de piedras preciosas.

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Cultura Azteca: Fueron una civilización precolombina de la región de
Mesoamérica, que floreció entre los siglos XIV y XVI d.c., que se asentó en México
desde el 1325 hasta que llegaron los españoles. Su idioma era el náhuatl. Su arte
estaba al servicio del Estado, un lenguaje utilizado por la sociedad para transmitir
su visión del mundo, reforzando su propia identidad frente a la de las culturas
foráneas. En su arte se ve una forma de “redescubrir” el mundo que lo rodeaba y de
crear formas escultóricas apropiadas a su peculiar visión místico-guerrera del
universo.

Cultura Tolteca: se refiere a las poblaciones que habitaron el centro de México

precolombino quese asentó en el centro de México aproximadamente en el año 900
d.C. El máximo desarrollo artístico de los toltecas se encuentra en el trabajo de la
piedra, con esculturas que muestran escenas militares y de sacrificios humanos.
Una de las más representativas es el Chacmool , una gran figura sentada en forma
reclinada, sosteniendo en el vientre un recipiente y con la cabeza mirando hacia un
costado. El máximo desarrollo artístico de los toltecas se encuentra en el trabajo de
la piedra, con esculturas que muestran escenas militares y de sacrificios humanos.
Una de las más representativas es el Chacmool , una gran figura sentada en forma
reclinada, sosteniendo en el vientre un recipiente y con la cabeza mirando hacia un
costado.

Cultura Zapoteca: Era un pueblo indígena mesoamericano

precolombino que floreció en el Sur del Valle de Oaxaca y en el
istmo de Tehuantepec (México). Hay evidencia arqueológica
que muestra que su cultura se remonta desde hace unos 2500
años. Esta población se encontraba en el valle de Oaxaca donde
se hizo famosa. Los Zapotecas trabajaban la piedra,
especialmente realizaban diseños decorativos que abundan en
su arquitectura. Los bajorrelieves y las pinturas murales
constituyen algunos de los fragmentos más preciosos del arte prehispánico de

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México. Destacan especialmente los motivos de guerreros y cautivos, en los que
pueden observarse la importancia de los conflictos bélicos en la sociedad.
Cultura inca: se desarrolló en la zona Andina, surge a principios de XIII . Se origina
en la cuenca del Cuzco en el actual Perú y luego se desarrolla a lo largo del Océano
Pacífico y los Andes en América del Sur, se fue extendiendo desde Colombia hasta
que la Argentina y Chile. Los constructores incaicos esculpieron en piedra sus
mayores obras de arte edificaron eternas creaciones llenas de vida y profundo
respeto por el medio ambiente que los rodeaba y acogía. Sus características más
destacadas eran la solidez, la sencillez y la simetría. La cerámica Incaica era en
mayor parte utilitaria, pero tambien ceremonial ya que fue utilizada en los ritos
religiosos donde esta cerámica era especialmente decorada para esa función.

ARTE GÓTICO
El Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites
cronológicos que encontramos aproximadamente entre el
año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las
áreas geográficas.
Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la
escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los
manuscritos y las diversas artes decorativas.
El término gótico fue empleado por primera vez por los
tratadistas del Renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad
media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico)
comparado con el arte clásico.
En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo
debido a movimientos historicistas y románticos. El gótico
apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja
edad media, y hoy día se considera uno de los momentos
más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.
El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la
arquitectura. Surgió en la primera mitad del siglo XII a partir
de la evolución de precedentes románicos y otros
condicionantes teológicos, tecnológicos y sociales. La
arquitectura gótica perduró hasta bien entrado el siglo XVI

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en diversos países europeos como Inglaterra, mucho después de que el estilo
renacentista hubiera penetrado en otros campos artísticos. Las mayores
realizaciones del gótico se manifestaron en el terreno de la arquitectura religiosa.
En contraste con la arquitectura del románico, cuyas características esenciales son
los arcos de medio punto, las estructuras macizas con escasos vanos y las bóvedas
de cañón o arista, la arquitectura gótica empleó el arco apuntado, agujas, chapiteles
y gabletes, reforzando el sentido ascensional que pretende transmitir el edificio,
amplios vanos con tracerías caladas para conseguir la máxima luminosidad y
estructuras reducidas al mínimo.
Todas estas cualidades estilísticas fueron posibles gracias a las innovaciones constructivas,
especialmente a la aparición de la bóveda de crucería. Las iglesias medievales poseían
bóvedas muy pesadas, que obligaban a disponer muros gruesos y con pocos ventanales
para soportar sus empujes.
A principios del siglo XII los constructores inventaron la bóveda de crucería, que consiste
en el cruce de dos arcos o nervios apuntados, que conforman una estructura resistente
sobre la que se colocan los ligeros elementos de relleno que configuran la bóveda. Este
sistema además de ligero y versátil, permite cubrir espacios de diversa configuración formal,
con lo que posibilita un gran número de combinaciones arquitectónicas.
Aunque las primeras iglesias góticas adoptaron una gran variedad de formas, la
construcción de las grandes catedrales del norte de Francia en la segunda mitad del siglo
XII se benefició de las ventajas de las bóvedas de crucería. Con ellas se podían concentrar
los empujes en los cuatro puntos del vértice y posteriormente apearlos por medio de los
elementos sustentantes, que podían ser los pilares o columnas pero también el sistema de
estribo y arbotante, un arco que transmite los esfuerzos tangenciales hacia un contrafuerte
situado en el exterior del edificio coronado por un
pináculo.
Como consecuencia, los gruesos muros de la
arquitectura románica pudieron ser reemplazados por
ligeros cerramientos con ventanales que permitieron la
aparición de la vidriera y facilitaron que el edificio
alcanzase alturas insospechadas. Así se produjo una
revolución en las técnicas constructivas.
Con la bóveda gótica los edificios pudieron adoptar
formas variadas. Sin embargo, la planta común de las catedrales góticas consistió en tres
o cinco naves longitudinales, un transepto, un coro y un presbiterio, es decir, una
composición similar a la de las iglesias románicas.
ARTE BARROCO
En las Bellas Artes, el término Barroco se deriva del Portugués ‘barocco’ que significa, perla
o piedra irregular y describe un idioma bastante complejo, originario de Roma, que floreció
durante el período entre los años 1590 y 1720, que incluye la pintura y escultura, así como
la arquitectura.

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Después del idealismo del renacimiento (1400-1530) y la naturaleza del manierismo (1530-
1600), el arte barroco refleja sobre todo las tensiones religiosas de la época. En particular
el deseo de la iglesia católica en Roma (ya anunciada en el Consejo de Trento, 1545-63),
de reafirmarse en la raíz de la reforma protestante. Por lo tanto es casi sinónimo del arte
católico de la Contrarreforma de la época.
Muchos católicos emperadores y Reyes en
Europa tuvieron una participación importante
en el éxito de la iglesia católica, por lo tanto
un gran número de diseños arquitectónicos,
pinturas y esculturas fueron encargadas por
los tribunales reales de España, Francia y
otros lugares, en paralelo a la campaña
global del arte cristiano católico, perseguido
por el Vaticano, con el fin de glorificar su
propia grandeza divina, en el proceso de fortalecer su posición política. En comparación,
el arte barroco en las áreas protestantes como Holanda tenía contenido mucho menos
religioso y en el lugar del otro, fue diseñado esencialmente para atraer a las aspiraciones
crecientes de los comerciantes y clases medias.
Para cumplir con su papel de propagandista, el arte barroco de inspiración católica solía ser
de grandes obras de arte público, tales como pinturas murales monumentales y enormes
frescos en los techos y bóvedas de iglesias y palacios. Así, la pintura barroca ilustra los
elementos fundamentales del dogma católico, ya sea directamente en obras bíblicas, o
indirectamente en composiciones mitológicas o alegóricas. Junto con este enfoque
monumental, magnánimo, los pintores retratan típicamente un fuerte sentido del
movimiento, usando remolinos espirales y diagonales ascendentes y fuertes colores
suntuosos, para deslumbrar y sorprender.
Igualmente, se desarrollaron nuevas técnicas del tenebrismo y el claroscuro para mejorar
el ambiente. La pincelada cremosa y amplia, a menudo resulta en gruesos empastes. Sin
embargo, la teatralidad y el melodrama de la pintura barroca no fue bien recibido por críticos
posteriores, como el influyente John Ruskin (1819-1900), quien los considera falsos. En la
escultura barroca, el tamaño fue típicamente más grande, se caracterizó por un sentimiento
similar de movimiento dinámico, junto con un uso activo del espacio.
Características del arte barroco
 Representación de sentimientos y emociones más que por la mera imitación de
la realidad que rodeaba a los artistas de la época.
 Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas
de lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera altamente
expresiva.
 Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.
 Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de
muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.
 Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis,
martirios y apariciones milagrosas.

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  La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas;
tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en
sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
 El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se
representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera
individualizada, con su personalidad propia.
 Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las
pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus
personajes.
 La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de
él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
 Los edificios solían construirse con materiales pobres pero resaltando la
majestuosidad y la monumentalidad de la obra.

ARTE RENACENTISTA
El término renacimiento se refiere al periodo
artístico que se inicia en la Edad Moderna y surgió
por la obra de Giorgio Vasari “Vida de arquitectos,
escultores y pintores famosos” que fue sacada a
la luz en 1570 pero no fue hasta el siglo XIX
cuando el término no obtiene una interpretación
artística- histórica. Aun así, Giorgio Vasari había
enunciado una idea concluyente y fue la del
origen de un nuevo arte antiguo, que poco
después supuso una conciencia marcada
histórica particular, es decir, esa idea sería un nuevo fenómeno en la postura espiritual que
tomaría el artista.
Características del arte renacentista
 Cabe destacar por encima de todas que el cuerpo humano recupera su
importancia.
 Se crea una imitación en la escultura y la arquitectura realizada en Roma y
Grecia.
 Quiere hacer representaciones de una belleza ideal.
 Busca el equilibrio, la armonía y la tranquilidad para crear una obra armónica.
 Se crean obras, cuya perfección y claridad están dirigidas por la razón universal.
 Su interés principal será el cuerpo humano y en particular será el desnudo.
 Es realista ya que las obras creadas son realizadas con sumo cuidado y con la
máxima realidad posible.
 Los cuadros poseen una vista geométrica y se crea una ilusión de profundidad.
 Se recupera la escultura exenta y entre los principales materiales que se usan
destaca el mármol y el bronce.
 Se recuperaron los temas mitológicos y aunque en menor medida que en el
gótico, también encontramos temas religiosos.
 También apareció la figura del mecenas que eran los que patrocinaban las obras,
fomentando el arte.
 Aparecerá un arte que producirá la ruptura de los cánones formales y buscarán
nuevos métodos de expresión, naciendo el Manierismo, que se caracterizó por la

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 distorsión de las figuras, la creación de espacios irreales y la utilización de colores
muy claros o muy vivos.

La arquitectura del renacimiento

Vuelve a representarse las estructuras romanas y griegas, sus
elementos principales serán:
 Se preocupan por la perfección y el equilibrio.
 Se vuelve a originar las columnas y las pilastras.
La escultura en el Renacimiento
Las características principales que se pueden observar en la escultura
renacentista son:
 Se interesa por las proporciones.
 Busca una nueva visión: La belleza que hay en el cuerpo desnudo.

La pintura en el Renacimiento
En la pintura renacentista no veremos ninguna referencia de la romana ya que comienza
desde cero. Sus características principales son:
 Se crean obras tridimensionales, es decir, volumen, color y luz.
 Tiene una visión lineal y aérea.

ARTE SURREALISTA
Podemos decir que la definición de arte surrealista es un modelo que busca inspirar
cambios surrealista con obras conceptuales sin necesidad de que estas sean
figurativas. Este movimiento empezó
en Francia por lo que el dadaísmo tomo fue una de
sus bases en la década de 1920, se desarrolla como
una manera de poder olvidar la realidad y
encontrar alguna forma de que el artista se
encierre en sí mismo, un impulso psíquico de lo
imaginario y lo irracional. Surgió como parte del
avance de las vanguardias artísticas que
querían representar ideales diferentes a los
academicistas, rompiendo las leyes de la pintura
tradicional y con un fin de llamar la atención del espectador de manera directa, con
imágenes no realistas y en muchos casos ni siquiera figurativas.
Características del arte surrealista
Como hemos dicho anteriormente, esta clase de arte se caracterizaba por hacer
representaciones magia, del inconsciente, de fantasías y de sueños, además de la
irracionalidad que tenían las obras. Entre las características más conocidas podemos
destacar:
 Pretende acceder a la esencia última de la realidad adentrándose en los campos
profundos del pensamiento y dejando a éste libre de toda sujeción racional.
 Mezclan objetos, sentimientos y conceptos que la razón mantiene
separados, apareciendo asociaciones libres e inesperadas de palabras, metáforas
insólitas, imágenes oníricas y hasta delirantes.

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  Es una forma de vida. Breton exalta la “espera y disponibilidad” vital necesarias
para entrar en trance con objetos, símbolos y personas, con grandes
encuentros fortuitos y pasajeros, con un amor “loco”, con un fundamento mágico,
no sentimental, recurriendo al la crueldad y al humor.

El Surrealismo Abstracto
Se caracteriza por aplicar el automatismo puro, por lo que los artistas inventan universos
figurativos propios. Así, en el automatismo las ideas y las asociaciones de imágenes,
tienen un surgimiento y origen de forma rápida, espontánea, fluida, no tomando en cuenta
para nada la coherencia y el sentido.

El surrealismo Figurativo
Esta corriente nace en Europa, en Francia, después de la primera guerra mundial, siendo
uno de sus máximos representantes Salvador Dalí. Por lo que, no hay más que ver sus
obras para extasiarse con la forma como Salvador Dalí envuelve al espectador al
internarlo en el mundo surreal de sus magníficas pinturas. En las que dimensiona su
mundo interior y como lo percibe llevándolo al mundo real. Así, con ese mundo fantástico
recreado se trae de vuelta al espectador que está en el mundo real, a su mundo interior.