por G. Fernández - theartwolf.

com
Ningún periodo artístico ha sido tan comentado y discutido como el Impresionismo. Pero como
una imagen vale más que mil palabras, theartwolf.com ha decidido seleccionar 50 obras que
resumen lo mejor de este fascinante periodo artístico
Al hablar de Impresionismo, comúnmente se comete el error de adscribir a este movimiento a una
serie de pintores que nada o casi nada tuvieron que ver con él -Henri Rousseau, Odilon Redon-,
otros que, si bien comenzaron atraídos por el impresionismo, pronto se separaron de él -Paul
Gauguin, Paul Cézanne- y otros que, si bien se consideran generalmente como representantes de
este movimiento, no pueden considerarse como puramente impresionistas, bien por desarrollar su
estilo antes de la eclosión impresionista -Édouard Manet- o bien porque sus inquietudes los
llevaron a emplear una técnica o temática que difería de la de este movimiento -Edgar Degas,
Pierre-Auguste Renoir-.

Si quisieramos, cayendo quizás en un purismo arriesgadamente simplista, dar una lista de figuras
representantes del impresionismo puro y esencial, sin interferencias de otras corrientes, dicha lista
terminaría por reducirse a tres nombres: Claude Monet -el auténtico Miguel Ángel del
impresionismo-, Camille Pissarro -el gran cronista de la vida rural- y Alfred Sisley. Sin embargo, en
esta página incluiremos no solo a estos impresionistas "puros", sino también a aquellos que
formaron el llamado Post-impresionismo. Todos aceptamos que Cézanne, van Gogh, Gauguin... no
son verdaderamente pintores impresionistas, pero su relación con ese movimiento es más que
evidente

Las pinturas se muestran en orden alfábetico siguiendo el nombre de su autor. Haga click sobre
una pintura para ver la imagen a alta resolución.

FRÉDERIC BAZILLE: "El estudio del artista

(la habitación de Bazille); 9 rue de la
Condamine" - 1870 - óleo sobre lienzo, 98 -
128.5 cm. - Paris, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución

Amigo de Monet, Sisley y Manet, y nacido en

el seno de una familia acomodada, Bazille es
la figura trágica del impresionismo,
falleciendo en la Guerra Franco-Prusiana
cuando sólo contaba con 28 años de edad.
"El estudio del artista" está considerada
como su obra maestra, en la que podemos
encontrar a personas importantes del
movimiento impresionista, como Monet,
Renoir, Manet, Emile Zola o Edmond Maître

EUGÈNE BOUDIN: "Muelle en Deauville" -

1869 - óleo sobre lienzo, 23 - 32 cm. - Paris,
Musée d'Orsay - ver imagen a alta resolución

Boudin fue uno de los primeros paisajistas

franceses aficionados al trabajo "au plen air",
y está ampliamente considerado como una
de las mayores influencias para los primeros
pintores impresionistas. Cuando se estableció
en Saint-Siméon en 1862, muchos jóvenes
pintores se influenciaron con sus obras,
fundándose un grupo, la llamada "Escuela de
Saint-Siméon", que es uno de los orígenes
del impresionismo
GUSTAVE CAILLEBOTTE: "Les raboteurs
(los acuchilladores)", 1876 - óleo sobre
lienzo, 102 - 146.5 cm. - Paris, Musée
d'Orsay -ver imagen a alta resolución

Caillebotte reúne un enfoque casi fotográfico

con una composición marcada por una
extraña y vertiginosa perspectiva,
característica constante en sus primeras
obras. Esta obra ejemplifica como ninguna
otra obra el estupor que Caillebotte podía
causar entre los asistentes a las primeras
exposiciones impresionistas. Zola, quien
apreciaba bastante a Caillebotte, la describía
como "una pintura antiartística, limpia,
helada y burguesa, a fuerza de exactitud."

GUSTAVE CAILLEBOTTE: "Calle de París,

día lluvioso (efecto de lluvia)" 1877 - óleo
sobre lienzo, 212.2 - 276.2 cm. - The Art
Institute of Chicago - ver imagen a alta
resolución

Esta es la más famosa y ambiciosa obra de

Caillebotte, expuesta en la Tercera
Exposición Impresionista en la Rue Le
Peletier, donde no fue bien recibida por la
crítica en general. L'Évenement comentó que
"el dibujo es de cierta calidad, pero
Caillebotte parece haber olvidado incluir la
lluvia". No obstante, esta es una de las
mejores representaciones del París del siglo
XIX jamás pintada

MARY CASSATT: "Verano", 1894 - óleo

sobre lienzo, 100.7-81.3 cm. - Terra
Foundation for American Art, Chicago - ver
imagen a alta resolución

Mary Cassatt nació en Pennsylvania, pero

vivió gran parte de si vida en Francia, donde
fue invitada por Edgar Degas a exponer sus
obras junto a los impresionistas franceses.
Sus lienzos pintados en la década de 1890
son los más interesantes de su carrera, y
cuando el grupo de los impresionistas se
dispersó, Cassatt se mantuvo en contacto
con varios de ellos, enriqueciendo su talento
artístico hasta llegar a ser un modelo para
los jóvenes pintores americanos
PAUL CÉZANNE: “La casa del ahorcado en
Auvers-sur-Oise" - 1873 - óleo sobre lienzo,
55 x 66 cm - Paris, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución

Este extraño paisaje de nombre inquietante

es quizás la primera obra maestra de
Cézanne, y fue una de las 3 pinturas
expuestas por el artista en la exposición
impresionista de 1874, donde fue adquirida
por el Conde Armand Doria. Aunque "La casa
del ahorcado" puede ser considerada una
pintura impresionista, la obra está realizada
en el estilo temprano de Cézanne,
trabajando la superficie del lienzo con un
cuchillo

PAUL CÉZANNE: "Naturaleza muerta con

cesta de frutas (mesa de cocina)", ,
1880-1890 - Paris, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución
Cézanne es quizás el mayor maestro del
bodegón de cualquier época, y esta
brillante pintura constituye una de sus
composiciones más ambiciosas. Este
grupo de figuras podrían por ellas
mismas constituir una excepcional
naturaleza muerta, pero Cézanne nos ha
reservado una extraordinaria ilusión en
forma de cesta de frutas. ¿Dónde está
esta cesta? ¿Colocada en un muy
inestable equilibrio en la esquina
superior derecha, o, en un complejo
juego de perspectiva, se halla sobre el
suelo al igual que la pieza de madera
que se intuye en el extremo derecho de
la pintura?

PAUL CÉZANNE: “Los jugadores de

cartas”, 1893-96 - óleo sobre lienzo, 47-
56 cm. - Paris, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución
Esta es la menor de las tres versiones
que Cézanne realizó de una pareja de
jugadores de cartas, pero es bastante
probable que también fuera la última de
ellas, y la más elaborada. Mientras que
la composición es realmente simple (dos
jugadores enfrentados, con una botella
negra que disimuladamente divide el
lienzo en dos partes) la fabulosa
intensidad de los rostros de los
jugadores hacen de esta pintura una de
las obras maestras de la pintura post-
impresionista
PAUL CÉZANNE: “La montaña Sainte-
Victoire visto desde Lauves”, 1904-06 -
óleo dobre lienzo, 60- 72 cm. - Basilea,
Kunstmuseum - ver imagen a alta
resolución
Esta es una de las versiones más
desarrolladas de las numerosas vistas
que Cézanne pintó de la Montaña
Sainte-Victoire. Es una obra que
podríamos denominar cubista antes del
cubismo: la montaña triangular y los
elementos de la pradera –tanto
geográficos como edificatorios-
adquieren volumen no gracias a la
perspectiva, sino a la superposición de
planos cromáticos. Cézanne ha
introducido elementos vegetales en
primer plano, delimitando y enfatizando
la vista de la montaña y la pradera.

PAUL CÉZANNE: “Grandes bañistas”,

1906 - óleo sobre lienzo, 208 - 251 cm. -
Philadelphia Museum of Art - ver imagen
a alta resolución
Este es el mayor lienzo pintado por
Cézanne, y una fabulosa culminación a
la serie de los "bañistas". La pintura es
deudora de alguna de las mejores obras
de Tiziano, como el "Bacanal", mientras
que la representación casi escultórica
del cuerpo humano entronca esta
pintura con los frescos de Miguel Ángel
en el Vaticano. Otras dos versiones
"completas" de los "bañistas" existen,
una en el Museo de Arte moderno de
Nueva York, y otra en la Galería
Nacional de Londres

CHARLES CONDER: “Día de vacaciones

en Mentone”, c.1888 - óleo sobre lienzo,
46.2-60.8 cm. - Art Gallery of South
Australia, Adelaide - ver imagen a alta
resolución
Nacido en Inglaterra, Conder (1868-
1909) emigró a Australia cuando tenía
tan solo 20 años, y hoy es considerado
una figura clave en la pintura
australiana. Aunque su Arte no fue bien
recibido en su época, fue alabado por
otros artistas como Pissarro o Degas, y
Toulouse-Lautrec incluso lo retrató en
1892
EDGAR DEGAS: “La clase de danza",
c.1874 - óleo sobre lienzo, 83.2 x 76.8
cm - Musée d’Orsay, Paris - ver imagen
a alta resolución
Las pinturas de Degas representando a
jóvenes bailarinas o ballerinas se
cuentan entre sus mayores -y desde
luego más famosos- logros. El artista
representa a las jóvenes chicas como
verdaderas profesionales, practicando
todo el día bajo la estricta tutela de su
maestro. En este lienzo, el maestro
aparece en el centro-derecha de la
composición, supervisando la escena
como una autoridad con máximos
poderes

EDGAR DEGAS: “L'absinthe (bebedores

de absenta)", 1876 - óleo sobre lienzo,
92-68 cm. - Musée d’Orsay, Paris - ver
imagen a alta resolución
"Vaya fulana", exclamó George Moore al
ver a la mujer que aparece en la pintura,
añadiendo que "este cuento no es
agradable, pero es toda una lección", y
que "nadie ha dicho tanto en tan poco
espacio, ni nadie se ha expresado de
manera tan simple (...) gracias a la
ciencia del dibujo, invisible pero
omnipresente, casi impresonal". Las
tristes y melancólicas figuras parecen
haber influenciado obras de artistas
posteriores, como los interiores de
Picasso en su Periodo Azul, o las
solitarias escenas urbanas de Edward
Hopper

PAUL GAUGUIN - "Le Christ jaune (El

Cristo amarillo"), 1889 - óleo sobre
lienzo, 91.1-73.4 cm. - Albright-Knox Art
Gallery, Buffalo - ver imagen a alta
resolución
Esta obra puede ser considerada uno de
los orígenes de la pintura simbolista,
junto con "El Cristo verde", y es un claro
precedente a las pinturas religiosas que
Gauguin creó en la Polinesia ("Ia Orana
Maria", "Maternidad"), pero empleando
como modelos a mujeres bretonas en
lugar de chicas de la Polinesia. El Cristo
amarillo también aparece en un famoso
autorretrato del artista hoy en el Museo
de Orsay en París
PAUL GAUGUIN - "Mata Mua (en el
principio)", 1892 - óleo sobre lienzo, 91-
69 cm. - Madrid, Museo Thyssen - ver
imagen a alta resolución
Gauguin viajó a los trópicos buscando
una redención artística, una búsqueda
de lo primitivo y exótico para purificar
su arte. "Mata Mua (en tiempos
remotos)" es una fascinante
composición dividida por un gigantesco
árbol que se alza majestuoso sobre un
río de color púrpura. Las dos mujeres de
la derecha representan en presente de
Tahití, mientras el grupo de mujeres que
adoran a la enorme estatua del ídolo son
una representación del pasado, la vida
primitiva de Tahití

PAUL GAUGUIN - "¿De dónde venimos?

¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?",
1897 - óleo sobre lienzo, 139- 375 cm. -
Boston, Museum of Fine Arts - ver
imagen a alta resolución
Esta pintura no es simplemente la obra
más colosal que Gauguin pintó vida
(139- 375 cm .) sino que desarrolla por
completo la doctrina filosófica y
pictórica del artista. Estructurando el
cuadro en un sentido cronológico
inverso, Gauguin parece señalar lo
primitivo, lo inocente, como único
camino a seguir por el artista

ARMAND GUILLAUMIN: "Soleil couchant

à Ivry (puesta de sol en Ivry)", 1873 -
óleo sobre lienzo, 81-65 cm. - Musée
d’Orsay, Paris - ver imagen a alta
resolución
Aunque no es tan famoso como Monet,
Renoir, y otros impresionistas de
primera fila, Armand Guillaumin (1841-
1927) fue una figura importante dentro
del Impresionismo. Amigo de Renoir,
Cézanne y van Gogh, Guillaumin es
posiblemente el más colorista de todos
ellos, lo que puede ser apreciado de
forma clara en sus paisajes de Paris, la
Provenza y la Costa Mediterránea
CHILDE HASSAM: "La Avenida bajo la
lluvia" - 1917. óleo sobre lienzo - White
House Museum - ver imagen a alta
resolución
Childe Hassam (1859-1935) fue una
figura clave del Impresionismo
americano, aunque su único contacto
directo con los impresionistas franceses
ocurrió cuando se hizo cargo del estudio
de Pierre Auguste Renoir’s y encontró
una serie de bocetos del artista francés.
Sus obras más famosas son aquellas que
forman la serie de las "banderas" (que
recuerdan a series similares de Monet),
y "The Avenue in the rain" es la más
impresionista de todas ellas

KONSTANTIN KOROVIN: “Primavera” -

1917 - óleo sobre lienzo, - Museo de
Rusia, San Petersburgo, Rusia - ver
imagen a alta resolución
"Paris fue un "shock" para mi…
Impresionistas… en ellos encontré todo
lo que no podía hallar en casa, en
Moscú". Korovin (1861-1939) fue, junto
a su amigo Valentin Serov, la gran figura
de los pintores impresionistas rusos.
Muy influenciado por los artistas
franceses, desarrolló, no obstante, un
estilo muy personal que mezcla los
elementos típicos del impresionismo
francés con la riqueza de colorido tan
típica de la pintura rusa de la época.

WINSLOW HOMER: “noche de verano” -

1890 - óleo sobre lienzo, 76.7- 102 cm. -
Paris, Musée d' Orsay - ver imagen a
alta resolución
A menudo se comete el error de
considerar el impresionismo como un
movimiento exclusivamente francés,
cuando algunos pintores
norteamericanos merecen figurar al lado
de los Monet, Degas, Pisarro… De todos
ellos, el más importante es sin duda
Winslow Homer, artista original e
innovador con un especial talento para
la representación del mar. La
espontaneidad con la que el artista
representa la magia de una noche de
verano hacen de esta pintura una de las
cumbres de la pintura norteamericana.
EDOUARD MANET: "Le Déjeuner sur
l'Herbe (desayuno sobre la hierba)",
1862/63 - óleo sobre lienzo - Paris,
Musée d'Orsay - ver imagen a alta
resolución
Algunos expertos han llamado a esta
obra "el orígen del Impresionismo", y lo
que parece claro es que en absoluto se
trata de una pintura realista. Manet
agitó el mundo del Arte al exponer esta
obra en el Salon des Refusés en 1863.
Émile Zola escribió sobre este
monumental lienzo: "Es, en pocas
palabras, un vasto ensamblaje, lleno de
atmósfera, una esquina de la naturaleza
representada con una simplicidad
admirable"

EDOUARD MANET: "Olympia", 1863 - oil

on canvas, 130.5 - 190 cm. - óleo sobre
lienzo - Paris, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución
Podemos decir que ésta es una de las
obras más polémicas de la historia de la
pintura, y no fue en absoluto bien
recibida por la crítica cuando se expuso
en 1865. "¿Quién es esa odalisca
amarilla?", se preguntó Jules Claretie de
L'Artiste, mientras Antonin Proust
declaró que "si la pintura de la olympia
no ha sido todavía destruída, es
solamente gracias a las precauciones
tomadas por la exposición". La obra fue,
no obstante, defendida por Émile Zola

EDOUARD MANET: "Bar en el Folies

Bergere", 1882 - London, Courtald
Institute Galleries - ver imagen a alta
resolución
Las pinturas de cafes y restaurantes de
Manet son verdaderos"retratos" de la
sociedad parisina del siglo XIX, y esta
fabulosa e intrincada pintura es sin duda
una de sus obras maestras. Es llamativo
como la imagen reflejada de la camarera
no ocupa la posición que debería ocupar.
¿Es esto un terrible fallo del artista, o
una representación de una doble
realidad, una "ilusión" en la mente de la
chica de mirada ausente?

CLAUDE MONET – "Terraza en Sainte

Adresse" (1867) - New York,
Metropolitan Museum - ver imagen a
alta resolución
La escena burguesa se desarrolla bajo
una potente luz de “plein air”. Tres
planos de tierra, mar y cielo dividen y
jerarquizan la composición, organizada
verticalmente por las dos banderas que
ondean vivamente por la suave brisa del
océano. La pintura tiene un encanto tal
que nos sentimos inmediatamente
tentados a sentarnos en una de las sillas
vacías a disfrutar de esta plácida tarde
de domingo.
CLAUDE MONET – "Impresión, salida de
sol" (1873) - Paris, Musée Marmottan -
ver imagen a alta resolución
“El papel sin pintar de las paredes está
mejor terminado que esta marina”
escribió un agudo crítico de la época
sobre este lienzo, expuesto en la
primera exposición impresionista de
1877. No se trató de una crítica aislada,
sino que es tan solo un ejemplo de cómo
los críticos de la época reaccionaron
ante esta pintura, y por extensión, ante
la pintura impresionista (movimiento
que, a la larga, debería su nombre a esta
marina) No resulta sorprendente, pues,
que nadie ofreciera los 1,000 francos
que Monet pedía por esta pintura.

CLAUDE MONET – “Le gare Saint Lazare

(La estación de Saint Lazare)”, 1877 –
óleo sobre lienzo, 75-100 cm. - Paris,
Musée d'Orsay - ver imagen a alta
resolución
"Es una sinfonía pictórica", observó el
magazine "L'homme libre" cuando esta
pintura se mostró en la Tercera
Exposición Impresionista en 1877, una
de las pocas críticas positivas a una
pintura de la exposición. "A Monet le
gusta esta estación, y ya la había
pintado otras veces con menos éxito.
Esta vez si es maravillosa. Ha logrado
captar no solo el movimiento, la
actividad, sino también el ruido. Es
inolvidable"

CLAUDE MONET – “Meules (almiares,

deshielo)” - 1889 - óleo sobre lienzo -
Hill-Stead Museum, Farmington Entre
1889 y 1891 Monet realizó una serie de
15 lienzos representando unos almiares
en las afueras de Giverny. Kandinsky
tuvo la oportunidad de ver uno de estos
almiares en una exposición de Moscú en
1895, y quedó impresionado hasta el
punto de sugerirlo como la primera obra
abstracta de la pintura: "Y de pronto,
por primera vez, vi un cuadro. Leí en el
catálogo que se trataba de un montón
de heno, pero yo no podía reconocerlo
(.) Me di cuenta de que faltaba el objeto
del cuadro (.) Lo que tenía
perfectamente presente era la
insospechada y hasta entonces oculta
fuerza de la paleta"
CLAUDE MONET – “Poplars au bord de
l'Epte, (álamos al borde del Epte, vista
de la marisma)” - 1891 – óleo sobre
lienzo, 88- 93 cm. - USA, colección
privada - ver imagen a alta resolución
Claude Monet es el pintor impresionista
por antonomasia, y su mayor cota lírica
la alcanza en este cuadro extrañamente
irresistible. La composición posee la
extraña belleza de un haiku japonés,
asimétrica y conmovedora, mientras las
hojas de los álamos se desdoblan en una
gama de rojos y púrpuras, concluyendo
en un azul que haría enrojecer de
envidia a Yves Klein. Es, en definitiva,
Monet en su máximo esplendor, aquel
artista que “quisiera pintar como el
pájaro canta”, y que, en obras como
esta, lo consigue.

CLAUDE MONET – “El portal de la

Catedral de Rouen (soleil), armonía en
azul y oro" - óleo sobre lienzo, 101 - 65
cm. - 1893. Paris, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución
"El clímax del impresionismo" . Así se ha
descrito la serie de vistas de La Catedral
de Rouen llevada a cabo por Claude
Monet entre 1892 y 1894. La serie -
consistente en 31 lienzos que muestran
la fachada de la catedral gótica de
Rouen bajo distintas condiciones de luz
y clima- provocó una admiración
inmediata entre la crítica de su tiempo,
y fue alabada por muchos maestros
posteriores, desde Wassily Kandinsky
hasta Roy Lichtenstein.

CLAUDE MONET – “Nympheas

(nenúfares)" - óleo sobre lienzo, 219-
602 cm. - 1920-1926 - Paris, Musée de
l'Orangerie - ver imagen a alta
resolución
La serie de los nenúfares realizada por
Monet ha sido descrita como "La Capilla
Sixtina del Impresionismo".

BERTHE MORISOT – “Día de verano",

1879 - Londres, National Gallery - óleo
sobre lienzo, 45-75 cm. - ver imagen a
alta resolución
Nieta de Fragonard, el famoso pintor
clásico francés, y criada en el seno de
una familia acomodada, Morisot fue un
miembro activo del grupo impresionista,
e incluso Manet alabó su estilo ágil y
suelto. En sus últimas obras, la
influencia de Renoir es muy clara
CAMILLE PISSARRO: "Paisaje en
Pontoise", 1874 - óleo sobre lienzo, 61-
81 cm. - Winterthur, Fundación Oskar
Reinhart - ver imagen a alta resolución
Llamado a veces "el Padre del
Impresionismo", Pissarro es, junto con
Monet and Sisley, el más "puro" de los
pintores impresionistas, exponiendo en
las ocho exposiciones impresionistas. Es
especialmente famoso por sus
representaciones de la vida rural en el
norte de Francia, sobre todo en el
pueblo de Pontoise, donde la influencia
del naturalismo de Jean-Baptiste Corot y
Gustave Courbet es muy evidente

CAMILLE PISSARRO: "Le Boulevard

Montmartre, effet de nuit (El Boulevard
Montmartre de noche)", 1897 - óleo
sobre lienzo, 53.3 x 64.8 cm - Londres,
National Gallery - ver imagen a alta
resolución
Aunque Pissarro es más conocido por
sus paisajes rurales, creó un gran
número de escenas urbanas de París de
gran calidad. En 1897 alquiló un estudio
en el Boulevard Montmartre y
representó esta vía a distintas horas del
día, siendo esta la única vista nocturna
de la noche. "El Boulevard Montmartre
de noche" es una sensacional pintura
impresionista, aunque Pissarro nunca la
expusiera en público en vida.

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: "Moulin de la

Galette", 1876 - óleo sobre lienzo, 131-
175 cm. - Paris, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución
Esta pintura ha sido descrita en
ocasiones como "la pintura más bella
del siglo XIX". La escena describe uno
de los numerosos bailes que se
celebraban en el Molino de la Galette ,
uno de los locales de diversión más
frecuentados de Montmartre y punto de
encuentro para bohemios y artistas
como Toulouse-Lautrec, van Gogh o el
propio Renoir.

PIERRE-AUGUSTE RENOIR: "Le déjeuner

des canotiers (el almuerzo de los
barqueros)", 1880-81 - óleo sobre
lienzo, 129.5 × 172.7 cm - Washington,
Phillips Collection - ver imagen a alta
resolución
La luz es la principal protagonista de
esta famosa pintura, en la que Renoir ha
representado a un grupo de personas en
actitud relajada durante un viaje de
placer por el Río Sena (entre ellos, otro
famoso pintor impresionista, Gustave
Caillebotte, quien puede ser visto en la
parte inferior derecha del lienzo).
PIERRE-AUGUSTE RENOIR: "Los
paraguas", 1881-86 - óleo sobre lienzo,
180 - 114 cm. - Londres, National
Gallery - ver imagen a alta resolución
"Alrededor de 1883, una ruptura ocurrió
en mi obra. Había llegado al final del
impresionismo, a la conclusión de que
no sabía dibujar o pintar. En una
palabra, estaba en un punto muerto".
"Los paraguas" es una obra compleja en
la que podemos hallar a su autor en dos
etapas distintas de su producción
artística. Mientras que el dibujo preciso
de la mujer de la izquierda es
claramente pertenciente al periodo
impresionista, varias de las figuras de la
parte derecha se situarían en un periodo
posterior, muy influenciado por Ingres,
comenzado en 1883

THEODORE ROBINSON: "La débâcle",

1892 - óleo sobre lienzo - Scripps
College, Claremont, California - ver
imagen a alta resolución
Theodore Robinson (1852-1896) es sin
duda alguna una de las figuras
principales del Impresionismo
americano. Gran amigo de Claude
Monet, creó algunas de sus mejores
obras mientras residía en Giverny, pocos
meses antes de regresar a América. "La
dèbâcle"es una obra típica de Robinson,
ejecutada "au plen air", y representando
a una joven en actitud ociosa

GEORGES SEURAT: "Une baignade à

Asnières (Bañistas en Asnieres)",
1883/84 - óleo sobre lienzo, 201-300
cm. - Londres, National gallery - ver
imagen a alta resolución
Georges Seurat es uno de los más
importantes pintores post-
impresionistas, y está considerado como
el creador del "puntillismo", un estilo de
pintura en el que pequeños puntos de
colores primarios crean la impresión de
masas de colores secundarios e
intermedios. "Bañistas de Asnieres" es
el primero de los lienzos a gran escala
de Seurat
GEORGES SEURAT: "Tarde de domingo
en la Isla de La Grande-Jatte", 1884-86
- óleo sobre lienzo, 207.6 - 308 cm. -
Chicago, Art institute - ver imagen a alta
resolución
"Tarde de domingo en la Isla de La
Grande Jatte" es la obra maestra de
Seurat (quién pasó más de dos años
pintando este lienzo, además de crear
más de medio centenar de bocetos y
dibujos preparatorios), el mejor ejemplo
de arte puntillista, y un icono de la
pintura post-impresionista.

PAUL SIGNAC: "Le Palais des Papes,

Avignon (El Palacio Papal, Avignon)",
c.1900 - óleo sobre lienzo, 73.5-92.5
cm. - Paris, Musée d'Orsay - ver imagen
a alta resolución
Junto con su maestro Georges Seurat,
Paul Signac (1863-1925) es la figura
clave del puntillismo. Signac amaba
navegar, y viajó por toda la costa
francesa, en especial por la parte
mediterránea, donde creó algunas de
sus composiciones más brillantes, como
el ejemplo aquí mostrado. Signac fue
una importante influencia para artistas
posteriores, como Henri Matisse

ALFRED SISLEY: "Chemin de la Machine,

Louveciennes", 1873 - Paris, Musée
d'Orsay - óleo sobre lienzo - ver imagen
a alta resolución
Si quisieramos dar una lista de figuras
representantes del impresionismo puro
y esencial, sin interferencias de otras
corrientes, dicha lista terminaría por
reducirse a tres nombres: Claude Monet,
Camille Pissarro y Alfred Sisley. Las
pinturas que Sisley realizó en el
pequeño pueblo de Louveciennes son
quizás sus mayores logros, y esta simple
pero poderosa composición es buena
prueba de ello

ALFRED SISLEY: "L'inondation à Port-

Marly", 1876 - Paris, Musée d'Orsay -
óleo sobre lienzo - ver imagen a alta
resolución Sisley pintó varios
lienzos representando la crecida del
Sena en Port-Marly, pero las dos
composiciones más destacadas son
aquellas que recogen la inundación ante
la tienda de un comerciante de vinos de
la Rue de Paris. Es posible sugerir un
nexo de unión entre estas pinturas y la
agitada biografía de su autor: tal vez
Sisley veía las inundaciones en la
plácida localidad de Port-Marly como un
reflejo de su propia vida accidentada,
desbordada, tras unos acontecimientos
tan imprevisibles e inevitables como la
crecida de un río
JOAQUÍN SOROLLA: "La hora del baño",
1904 - óleo sobre lienzo, 84-119 cm. -
colección privada - ver imagen a alta
resolución
El impresionismo apenas tuvo presencia
en España. De hecho, el hombre que
generalmente es considerado su mayor
representante en España - Joaquín
Sorolla- no fue un impresionista "puro",
aunque sus obras de madurez están
influenciadas de manera notable por
dicho movimiento. Esta pintura se
vendió por 6.2 millones de dólares en
2003, un precio record por una obra de
Sorolla

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC: "En el

Moulin Rouge", 1890 - óleo sobre lienzo,
115-150 cm. - París, Musée d'Orsay - ver
imagen a alta resolución
Nacido en una familia perteneciente a la
aristocracia, y físicamente impedido por
una enfermedad que afectó a su
crecimiento, Toulouse-Lautrec es
conocido como el gran cronista de la
vida nocturna del París del XIX. Esta
pintura, que muestra uno de los muchos
bailes que tenían lugar en uno de los
cabarets más famosos de Paris, es una
de sus obras maestras, y junto con el
"Moulin de la Galette" de Renoir es una
de las mejores representaciones del
París ocioso de su época

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC: “Dans le

lit (en la cama)", 1893 - óleo sobre
lienzo, 54-70.5 cm. - París, Musée
d'Orsay - ver imagen a alta resolución
Esta es una (y probablemente la mejor)
de las varias pinturas representando a
una pareja en ela cama realizadas por
Toulouse-Lautrec, que han sido
calificadas en varias ocasiones como
"desapasionadas" a pesar de lo íntimo
de la escena. Aunque la composición
parece muy simple, el artista ha
empleado una complicada perspectiva
reforzada por los brillantes colores
VINCENT VAN GOGH: "Los girasoles
(vaso con 15 girasoles)", 1888 - óleo
sobre lienzo - Londres, National Gallery
of Art - ver imagen a alta resolución
"Los girasoles" de van Gogh son una de
las series de pinturas más famosas del
mundo. El propio van Gogh se sentía
especialmente a gusto mientras pintaba
los girasoles ("el girasol es propio de
mí", llegó a escribir a su hermano Theo
en una carta) y el único retrato de van
Gogh que pintó Gauguin muestra al
artista holandés pintando precisamente
este tema. Es ejemplar ilustrado aquí es
la primera composición con quince
girasoles que realizó van Gogh, y sin
duda en la que el color amarillo ("el
color del sol", como decía van Gogh)
está más presente en la composición.
Una pintura de esta serie batió todos los
records de cotización para una obra de
Arte al ser vendida a un inversor
japonés por casi 40 millones de dólares
en marzo de 1987. Recientemente han
surgido rumores sobre la posibilidad de
que dicha pieza pudiera no ser de van
Gogh, sino una copia de Emile
Schuffenecker.

VINCENT VAN GOGH: “La chambre de

Van Gogh à Arles (La habitación del
artista en Arles)”, 1889 - óleo sobre
lienzo, 73-92 cm. - Chicago, Art Institute
- ver imagen a alta resolución
Van Gogh pintó su habitación en Arles
en octubre de 1888 (Ámsterdam,
Rijksmuseum Van Gogh), y un año
después pintó otras dos copias mientras
residía en Saint-Rémy, siendo el
ejemplar mostrado aquí el más
elaborado de los tres. "Esta vez es
simplemente mi dormitorio" - comentó
Van Gogh en una carta - "y lo único que
importa es el color, lo simple le da a los
objetos un mayor estilo"

VINCENT VAN GOGH: “Noche

estrellada”, 1889 - óleo sobre lienzo,
73,7 - 92,1 cm. - Nueva York, (MOMA) -
ver imagen a alta resolución
Una de las obras más famosas y
reproducidas de van Gogh, comúnmente
asociada a su creciente locura, y que en
realidad es resultado de la preocupación
del artista por las investigaciones
astronómicas del momento. De hecho,
en la pintura conviven elementos reales
y fantásticos. Por un lado, un estudio del
Griffith Park Observatory demostró que
van Gogh representó la Luna , Venus, y
varias estrellas en la posición exacta en
la que se encontraban aquella noche
despejada. Por otro lado, la llamativa
espiral que ocupa gran parte de la obra
es un elemento claramente fantástico
VINCENT VAN GOGH: “Lirios”, 1889 -
óleo sobre lienzo, 73,5 - 92 cm. - Jean
Paul Getty Museum, Malibú - ver imagen
a alta resolución
Van Goh pintó esta famosa tela mientras
estaba internado en el sanatorio de
Saint-Rémy, donde se le permitía pintar
"au plen air". Todo el lienzo es un canto
a la belleza de la naturaleza, y llama la
atención como el suelo rojo parece
acompañar a las flores rojas de la parte
posterior, a la vez que el lirio blanco
encuentra un eco en una flor azul pálida
de la derecha. La pintura fue vendida en
Sotheby's en 1989 por 53.9 millones de
dólares, entonces un precio record para
una obra de Arte

VINCENT VAN GOGH: “Autorretrato con

la oreja vendada” , 1889 - óleo sobre
lienzo, 60-49 cm., London, Courtald
Institute Galleries -ver imagen a alta
resolución
Este es uno de los dos autorretratos que
van Gogh realizó tras seccionarse la
oreja (el otro, anteriormente en la
colección Leigh B. Block en Chicago, fue
comprado posteriormente por la familia
Niarchos). La expresión del rostro del
artista es, paradójicamente, más serena
que en otros muchos autorretratos del
artista. Tal vez se trata de un esfuerzo
del pintor por encontrar en la pintura su
salvación particular, a lo que podría
contribuir la presencia de una estampa
japonesa en el fondo, una pintura –la
japonesa- que van Gogh admiraba por “
su estilo tan sencillo como respirar