Grabado

El Grabado Europeo
SIGLOS XV AL XIX
Hugo Covantes
Libro Digital
ITALIA SIGLO XV
Situación histórica
Situación artística
Actividad en el grabado
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Capítulos
Italia Siglo XV Situación histórica
En el siglo XV algunas importantes ciudades italianas del norte

alcanzaron su máximo desarrollo. Enriquecidas por el próspero
comercio, Venecia, Florencia, Génova y Milán se convirtieron en los
centros bancarios que financiaban a las principales cortes europeas.
Pese a este apogeo económico y cultural, continuó avanzando
la fragmentación política. Al lado de estas ciudades y el reino
de Nápoles subsistían infinidad de pequeños estados, lo que
significó debilidad e incapacidad del país para oponerse con
éxito a las ambiciones hegemónicas de otros estados europeos,
principalmente Francia y España.
El mundo espiritual estaba aún convulsionado por el cisma
católico que había trasladado el papado a Aviñón, creando
inseguridad en el mundo cristiano.
1 37

Capítulos
Después de Santo Tomás la escolástica, esto es, la filosofía

cristiana, había iniciado su decadencia y comenzaba a ser
sustituida por el empirismo y la observación, dando origen a
la investigación científica.
Se extendía por otro lado la idea de que las relaciones entre
Dios y el hombre no debían estar basadas ya en el temor al
infierno sino en el amor entre la criatura y el creador. A estas
ideas había contribuído la doctrina humanista de Francisco
de Asís, cuyos principios eran trasmitidos en forma sencilla y
humana por medio del arte. En esta tarea, la obra de Giotto
di Bondone fue de suma importancia.
La naturaleza se elevaba en concepto como hija de lo
divino, noción inspirada por la filosofía tomista. La libertad
se acrecentaba y el gusto por el mundo de lo sensible era
2 37

Capítulos
decisivo en el arte. El universo material inspiraba amor por

sí mismo y ya no como lenguaje únicamente simbólico. A
ello se debió la conquista primera de Florencia: el cuerpo
humano.
Con el Florencia fue el centro del gran movimiento cultural
Renacimiento
renacentista y tocó a Lorenzo de Médicis, el Magnífico, ser
surgió una nueva
concepción moral propulsor de este importante acontecimiento que transformó
que midió la vida y las ideas de la sociedad. Fue él quien fundó en la
al hombre por
la conciencia segunda parte del siglo XV la Academia de Florencia, de
de su propio inspiración neoplatónica. Renació así el pensamiento griego,
valer
en torno principalmente al idealismo de Platón.
Con el Renacimiento surgió una nueva concepción moral que
midió al hombre ya no por la fe mística sino por la conciencia de
su propio valer. Con la exaltación de la razón, este nuevo hombre
fue capaz de comprender mejor la naturaleza y fue capaz también
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de dominarla. Llegó a considerar la observación del mundo real

como segura guía para la creación artística.
El Renacimiento fue una nueva actitud de entusiasmo.
Entusiasmo por las ciencias, por las artes y por las letras de los
antiguos griegos y romanos. Entusiasmo por los hechos
naturales y por la bondadosa naturaleza que da Vinci declaraba
digna de atención. Entusiasmo por el centro de la naturaleza,
que era el hombre. Fue una época que volvió una vez más la
cara al mundo clásico.
Italia fue la cuna de este gran movimiento cultural porque
aparte de la promoción de estos valores renovados, su suelo
era testimonio vivo de las ruinas clásicas, obras realizadas siglos
atrás por artistas inspirados en el arte imperial.
4 37

Capítulos
Italia Siglo XV Situación artística
El hombre El hombre renacentista pretendió ser el hombre universal, no

renacentista
sólo como artesano que dominaba la técnica sino como hombre
pretendió ser el
hombre culto e intelectual. Los clásicos eran dignos ejemplos porque
universal, culto e supieron concertar en dimensión sublime el equilibrio entre la
intelectual
forma y el fondo de la obra de arte.
En la arquitectura, la nueva sensibilidad se expresó por la
perspectiva del espacio, según la cual todos los elementos de la
construcción se coordinaban con respecto a un punto ideal.
Esta concepción fue de utilidad también para la pintura al
enriquecer sus recursos visuales.
En la construcción renacentista se volvieron a utilizar como
soportes los órdenes clásicos: bóvedas de cañón, cúpulas con
5 37

Capítulos
pechinas, arcadas de medio punto. El pilar fue remplazado por

la columna.
La decoración adquiría mayor o igual importancia que lo
constructivo. De los órdenes el corintio y el compuesto fueron los
más comúnmente utilizados.
La arquitectura tendía a lo monumental, con los bellos frontones
reservados casi exclusivamente para las iglesias. Aquí se impuso la
planta basilical con cruz latina, con tres naves y crucero para que
en el transepto se coronase la cúpula.
La arquitectura Creación notable en este tiempo fue el palacio, que al principio
tendía a
siguió el orden tradicional con muros coronados por almenas y
lo monumental
y la decoración torres o atalayas. Posteriormente fueron edificios rectangulares
adquirió mayor en cuyo interior dominaba el patio con pórticos de columnas o
o igual importancia
que lo constructivo pilares. Las fachadas de estos palacios eran por lo general severas.
6 37

Capítulos
Felipe Brunelleschi fue el primer arquitecto florentino. Giulano

y Benedetto, Giulano de Sangallo y León Bautista Alberti fueron
otros notables constructores. En la arquitectura romana destacó
Donato d’Angelo, el Bramante, Miguel Angel Buonarroti, quien
trabajó en Florencia y en Roma, y Andrea Palladio.
En la escultura, al principio se buscaron las formas bellas
más que la expresividad. La mayoría eran relieves y poco a
poco se fue imponiendo la escultura de bulto redondo.
En escultura, En Florencia, por ejemplo, había obsesión por la nobleza
las formas bellas
del personaje; las manos tendían a ser expresivas por la
fueron más
importantes relevante anatomía.
que la expresividad El realismo y el individualismo fueron actitudes características
de este arte.
Entre los grandes escultores de este período Lorenzo
Ghiberti, Jacopo della Quercia y el Donatello fueron los
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Capítulos
primeros. Después vinieron Andrea del Verrocchio, Antonio

Benci el Pollaiolo y el mismo Miguel Angel.
En pintura, con el fin del giottismo había empezado a
desaparecer la pintura espontáneamente cristiana y los
objetivos del arte se hicieron más autóctonos. El arte se
independizaba y se convertía poco a poco en laico. Se requería
en adelante la enseñanza de los maestros pintores y no la de
los teólogos. La predicación cedía su lugar a la estética.
En Florencia se estableció una suerte de corporación de
pintores cuyas premisas temáticas eran todavía casi
exclusivamente religiosas. La mayoría de los artistas continuaba
al servicio de la filosofía y de la religión.
En este medio cultural nuevo predominaron entonces tres
actitudes: el humanismo, inspirado por el mundo clásico y por
la doctrina de Francisco de Asís; el naturalismo, derivado de la
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ciencia, y el individualismo, producto del triunfo del hombre.

Durante el período gótico la pintura al fresco había
continuado su gran desarrollo, enlazándose con la pintura
mural del Renacimiento. Al uso del fresco y del temple se añadiría
la pintura al óleo, introducida al país por el pintor flamenco Rogier
van der Weyden.
En su renacimiento humanístico florentino, los italianos dieron
su primera atención al hombre, igual en la pintura de caballete
como en la práctica aún de la miniatura. El arte pictórico de este
siglo, el Quattrocento, instaló en Florencia su principal escuela
distinguida por el dibujo, la ingenuidad y la tradición gótica y
clasicista.
Algunos artistas ponían especial interés en lo constructivo,
en la perspectiva lineal o aérea y en el color. En la ciudad del
Arno se promovía también una corriente en la que además
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Capítulos
de las formas y del espacio, estaba presente el movimiento

y la actitud psicológica. Por último, a mediados del siglo,
algunos pintores se internarían en los temas profanos,
frecuentemente inspirados por la mitología griega.
Lorenzo Mónaco, el Beato Angélico, Tomaso di Giovanni,
llamado Massaccio, Paolo Ucello, Fra Filippo Lippi, Piero della
Francesca, Andrea del Castagno, Antonio Pollaiolo, Sandro
Botticelli, fueron los más notables florentinos del
Quattrocento.
Dividido el país en ciudades tipo estado, las escuelas pictóricas
surgieron en distintos lugares y con rasgos también distintos.
A un lado de la escuela florentina hubieron las escuelas de
Siena, Umbría, Padua y de Venecia, entre las más notables.
Posteriormente Roma se convertiría en un punto de irradiación
cultural. 10 37

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De Siena destacó el pintor Sassetta; de Umbría surgieron

Gentile da Fabriano, Pietro Vannucci el Perugino, y Bernardo di
Betto, llamado el Pinturicchio. De Padua sobresalió Andrea
Mantegna y de Venecia la primera gran figura fue Antonio
Pisano el Pisanello, y en la segunda parte del siglo destacaron
los hermanos Bellini, Gentile y Giovanni. Surgieron también de
aquí Antonello de Mesina y Victor Carpaccio.
En este siglo, la supremacía de los artistas italianos en la Europa
Central fue cosa evidente e incuestionable. Naturalmente, Italia
fue un centro de irradiación hacia todos los puntos del
Continente.
11 37

Capítulos
Italia siglo XV Actividad grabado
En Italia, la xilografía más antigua data de 1460, atribuida al

Maestro Anónimo Veneciano. Se trata de un incunable de
San Domenico, figura rígida, uno de los últimos ejemplos del
arte gótico en Venecia. E igualmente se puede mencionar
Santa Catalina una figura de “Santa Catalina de Siena”, xilografía de un
de Siena Maestro Anónimo de la Italia Septentrional, probablemente
Anónimo
veneciano. La estampa fue producida igualmente en 1460.
En este país, la historia del grabado sigue de cerca la historia
de la pintura. Muchos pintores manejaron por sí mismos el
procedimiento del grabado. Aquéllos que no se interesaron en
dibujar sobre la madera o el metal y hacer la incisión, buscaron
los servicios de los maestros grabadores, salidos éstos
frecuentemente de la orfebrería. Aquí, a diferencia de otras 12 37

Capítulos
partes, el grabado en madera apareció casi al mismo tiempo

que el de metal, tardíamente, sin ejercer una gran atracción
entre los artistas destacados. Al parecer, la independencia del
artista italiano, expresada con esplendor en la pintura, vio con
desdén el trabajo de ilustración de libros.Y hay que buscar en
los libros impresos las primeras muestras de este arte gráfico,
desempeñando un papel utilísimo en la ilustración.
El artista italiano Los impresores de esa época, aquéllos que gustaban incluir
vio con desdén
ilustraciones xilográficas, eran extranjeros radicados en ese país.
el trabajo
de ilustración El alemán Ulrico Hahn, por ejemplo, establecido en Roma, editó
de libros las meditaciones de Torquemada, primer libro tipográfico
italiano con ilustraciones de grabado en madera. El libro fue
publicado en 1467.
Venecia tuvo un desarrollo destacado en la impresión. En esa
ciudad trabajó el tipógrafo y humanista Aldo Manucio el Viejo, 13 37

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promotor del espíritu renacentista. Al cerrar el Quattrocento,

en su taller se publicó una obra notable con ilustraciones
xilográficas, el libro Hypnerotomachia Poliphilli (El sueño de
Polifilo). Se trata de una especie de relato filosófico escrito por
Colona Francesco, publicado en 1499, cuyas imágenes de buena
En la primera
mitad del siglo talla se han atribuído, en sus originales, a artistas de gran
aparecieron en renombre como Andrea Mantegna, Giovanni Bellini y Jacopo
Italia muestras
del grabado de Barbari. Obra, según Georges Duplessis, autor de una Historia
en madera, del Grabado, que pasaría al olvido si no fuese por estas “piezas
sin fechas ciertas
y de índole
ejecutadas con ligereza pero con buril seguro, que denota en
anónima el artista grabador ciencia poco común en el dibujo”.
En la primera mitad del siglo aparecieron en Italia muestras
del grabado en madera, sin fechas ciertas y de índole anónima.
Sólo a finales del siglo trabajaron en él artistas de gran calibre.
Hasta entonces, el grabado había estado ahí en manos de 14 37

Capítulos
artesanos, más interesados —como apunta Duplessis— en

edificar creyentes que en procurar productos bellos.
El grabado fue El grabado en madera llegó a ser el libro de texto y el órgano
uno de
informativo de la gente humilde, medio de propagación
los instrumentos
que provocaron la religiosa y política. Muestra de ello son los folletos florentinos
transformación de este siglo, los primeros panfletos políticos dirigidos al
artística y social
de la Edad Media pueblo. No resulta exagerado decir que la expansión del
a la vida grabado fue uno de los instrumentos que provocaron la
renacentista
transformación artística y social de la Edad Media a la vida
renacentista.La xilografía se había desarrollado en la segunda
parte del siglo XIV y la primera del XV al margen de las capas
dirigentes, entonces depositarias de la “verdadera” voluntad
del arte de la época, considerando al grabado como asunto
de una clase media no del todo culta y de gusto retrasado.
En ese tiempo se hacían las miniaturas, pintadas a mano para
15 37

Capítulos
la decoración de manuscritos, una costumbre que había

derivado de Los libros de Horas de Egipto. La Iglesia adoptó
esta costumbre como medio de enseñanza.
Con la imprenta Los Libros de Horas, al ser escritos e ilustrados por los monjes,
perfeccionada
eran un objeto de lujo exclusivo de las clases privilegiadas.
por Gutenberg,
la expansión de Eran “pintores de breves”, que empezaron a emplear el
la cultura artística, grabado en planchas de madera para cubrir una creciente
a través de
los libros, conoció demanda. Los originales provenían de modelos tradicionales
un desarrollo y populares. Los impresores captaron este interés y lo
“democrático”
aprovecharon como un buen negocio.
A partir del invento de la imprenta de tipos móviles,
perfeccionada por Gutenberg y hecha realidad entre 1452
y 54, la expansión de la cultura artística a través de los libros
conoció un desarrollo “democrático”. A un lado de los
tabularios y libros impresos con ilustraciones y caracteres 16 37

Capítulos
movibles, comenzaron a aparecer grabados sueltos firma-

dos por maestros que los avalaban con sus firmas o
anagramas. Había cobres atribuídos a Sandro Botticelli, o al
menos dibujados por él, y obras del Pollaiolo. Con Mantegna,
según Bercier, el grabado había entrado en el templo de las
Con Mantegna,
el grabado entró
grandes artes con un pie de igualdad absoluta.
en el templo En la Biblioteca Clasense de Rávena se conservan poco más
de las grandes
de cuarenta xilografías incunables, provenientes de un
artes con un pie
de igualdad manuscrito que fue propiedad de Giacomo Rubieri, jurista
absoluta de Parma, activo por 1480 en Venecia y en Padua. Esta
colección representa apenas poco más del uno por ciento
1. Exposición en la de las xilografías incunables que existen en todo el mundo,
Galleria Civica d’Arte
según se asienta en el libro catálogo L’Incisione Europea del
Moderna, en Turín, de
abril a junio de 1968. XV al XX Secolo 1. Estas piezas son de lo mejor en Italia; un
17 37

Capítulos
conjunto excepcional por su unidad y su rareza, ejecutadas

entre 1460 y 1470 por maestros anónimos del Véneto.
La colección posee una docena de xilografías consideradas
de alto nivel artístico, de las cuales las mejores son “La Última
Cena”, “San Antonio” y “Santa Clara”, según juicios de Luigi
Mallé, quien escribió los textos históricos y críticos del catálogo
mencionado. El resto de las piezas fue realizado por modestos
artistas grabadores. Sobre “La Última Cena”, del Maestro
Anónimo del mismo nombre (es decir, del Maestro Anónimo
de la Última Cena), el investigador Paul Kristeller escribió2: “Nos
encontramos indudablemente ante uno de los mejores ejemplos
2. Paul Kristeller. del antiguo grabado en madera, por mucho superior a sus
Holzchnitte des
contemporáneos. Estoy seguro que, como en los demás
Meisters des
Abandmabls in antiguos incunables, diseñador y tallador son la misma
Ravenna. Leipzig, 1927.
persona”. 18 37

Capítulos
Las Predische de Savonarola, publicadas en Florencia,

contienen estampas en madera que delinean con exactitud los
bellos dibujos de los florentinos del XV.
Desde su aparición tuvieron una gran acogida y se emplearon
en diversas publicaciones. Las láminas que decoran el
frontispicio o el texto de estos sermones se encuentran en el
Arte del Bien Morir, impreso en Florencia en 1515.
En el grabado en metal existieron primero los nielos. Maso
San Antonio Finiguerra, platero de Florencia, realizó el grabado de una Paz3,
Anónimo
encargado por los hermanos de la iglesia de San Juan. Llenó
las rayas trazadas por el buril con un líquido compuesto de
3. Paz es una chapa aceite y negro de humo. Al ser puesta la chapa casualmente
de metal cincelada o
sobre un lienzo húmedo las líneas grabadas en hueco quedaron
nielada. Era un trabajo
de orfebrería. impresas en la tela. Este, se dice, fue el origen de la impresión
de las estampas. Donde no hay duda es que Finiguerra fue el 19 37

Capítulos
autor de ese nielo grabado en 1452, cuyo tema es “La

Coronación de la Virgen”. La lámina original existe en el Museo
de los Oficios, en Florencia, y la Biblioteca de París conserva la
única prueba conocida.
En Florencia y en otras ciudades italianas estaba la orfebrería
muy en boga al inicio del XV. En esta época decoraban los
plateros casi siempre sus obras con adornos grabados en hueco
y estos adornos se llamaban nielli 4.
La Coronación de
la Virgen Pero las ventajas del sistema de impresión de papel húmedo
Finiguerra sometido a presión, no fueron entendidas en un principio.
Durante muchos años se contentaron los plateros con imprimir
el pequeño número de ejemplares, útiles para la marcha de sus
4 El nombre de trabajos.
nielo se aplica tanto a
Los plateros continuaron cubriendo con grabados las chapas
la lámina como a la
prueba que produce. destinadas a adornar un mueble, una armadura o algún cofrecillo, 20 37

Capítulos
hasta principios del siglo XVI. Algunos maestros experimentados

fueron los primeros en reproducir sobre el metal “un noble
sentimiento de la forma, una expresión de belleza”, al decir de
Duplessis.
Pocos nombres se recuerdan de esta época como nieladores, y
entre ellos destacan el propio Finiguerra, Antonio Pollaiolo y
Francesco Raibolini, llamado Francia. Probablemente Finiguerra
fue el más ilustre maestro nielador. Aparte de “La Coronación
de la Virgen” se le atribuyen algunos nielos más que señalan su
buen gusto.
A Pollaiolo se le reconoce como el autor de dos nielos
notables por el empeño de marcar el dibujo, insistiendo en la
musculatura y la osteología del cuerpo humano. De Francia
son bastantes las obras que se conocen para apreciar los nielos
que se le atribuyen. Las planchas originales de Francia que 21 37

Capítulos
hay en Bolonia, su patria, son obras de buen oficio. Estas

planchas tienen tallas que representan a Cristo en la cruz y
en la resurrección.
Sin saberlo, Muchos artistas anónimos se consagraron al nielo y los
los plateros
italianos finalmente sacaron provecho del descubrimiento de
dieron
nacimiento la impresión de las estampas. Sin saberlo, los plateros dieron
al grabado nacimiento al grabado en metal.
en metal
Los artistas familiarizados con el cincelado terminaron por
darse el título de grabadores. La transición fue casi insensible.
Florencia, Milán, Venecia, Roma, Módena y Bolonia, que tanta
parte tuvieron en el nuevo arte, vieron nacer hábiles
grabadores que conservaron la originalidad que caracterizó a
cada una de las escuelas.
En el recién aparecido grabado en metal, Florencia estuvo a
la cabeza. La ciudad en que durante la Edad Media se
22 37

Capítulos
produjeron las más admirables piezas de los pintores

primitivos, ahora se convertía en la cuna del grabado.
Los primeros metales ejecutados en el país se hallan en el
Monte di Dio, de 1477, y en una edición del Dante, de 1481.
Según Giorgio Vasari, Sandro Botticelli dio los dibujos y
contribuyó a la realización de los grabados. Parece que tuvo
como colaborador a Baccio Baldini, cuya vida no es conocida.
Para Duplessis, estas estampas y las de los Profetas y las Síbilas
provienen todavía de una mano inexperta, si bien las considera
preciosas porque atestiguan ya un alto grado de sentimiento
y de belleza.
Florencia se Los Profetas y las Síbilas tuvieron gran aceptación. Artistas
convirtió en
alemanes hicieron copias desde principios del siglo XVI. Las piezas
la cuna
del grabado poseían suficientes cualidades para que la opinión pública las
atribuyese a Botticelli. Un ejemplo de obra auténtica del célebre 23 37

Capítulos
florentino es la “Venus Acostada”, conservada en Francia en el

Museo Napoleón III. La cabeza es la misma de la Síbila Agrippa.
Antonio Benci, llamado Antonio del Pollaiolo (1431-1498)
nació en Florencia y murió en Roma. Sobrino de un vendedor
de pollos en el mercado de su ciudad natal, de ahí le vino el
sobrenombre del Pollaiolo, con el cual la historia lo identifica.
Los primeros documentos sobre el pintor se refieren a sus
trabajos de orfebrería, actividad que nunca abandonó pese a
su destacamiento como uno de los afamados artistas
florentinos que recibía numerosos encargos en la pintura.
Pintor, orfebre, escultor y grabador, contemporáneo de Finiguerra,
cuyo taller de orfebrería frecuentó, Pollaiolo estudió con Bartolucio
y con Lorenzo Ghiberti, si bien abandonó los talleres de estos
maestros para dedicarse a la orfebrería. Según Vasari, Pollaiolo
era muy hábil para tallar el metal, pero no se contentó finalmente 24 37

Capítulos
con ser excelente platero sino que pidió a su hermano Piero le

reencaminase por los secretos de la pintura.
Antonio del Como orfebre trabajó durante varios años para el baptisterio
Pollaiolo, orfebre
de San Giovanni, en Florencia, haciendo relicarios, cruces de
de renombre,
incursionó plata y en la encuadernación de libros. Esta actividad culminó en
con éxito en 1477 con su participación en el célebre retablo del altar, realizado
la pintura y
luego en el arte en plata. Desde 1466 había comenzado los dibujos para las
del grabado escenas de la vida de San Juan Bautista, ahí mismo en el
baptisterio.
Como pintor hizo realmente pocas obras. Entre sus pinturas
más importantes se encuentran la “Asunción de Santa María
Egipciaca”, en la iglesia de Santa María de Staggia. Los frescos
de la Villa de la Gallina en Florencia, que representan a personajes
desnudos ejecutando una danza, es un ciclo que se relaciona
con el grabado de los hombres desnudos. 25 37

Capítulos
Realizó también el gran panel del “Martirio de San

Sebastián”, del que Vasari afirma que fue terminado en 1475.
Entre sus últimas pinturas están “Apolo y Dafné” y el “Rapto
de Dejanira”.
Los rasgos Dotado de facultades y enérgica voluntad de trabajo, a poco
que definen el
de adentrarse en la pintura alcanzó el renombre que ya tenía
arte florentino
de la segunda como orfebre. Sus cuadros son notables por la manera de
mitad del siglo XV expresar la anatomía, exaltando movimiento y musculatura.
se encuentran
resumidos en el Su arte pictórico se vincula al de Andrea del Castagno y a la
trabajo artístico escultura de Donatello, sobre todo en su último período, con
de Antonio
del Pollaiolo
predilección de un lineaje intrincado. Se aprecia en su obra el
análisis del cuerpo humano, expuesto a través de una línea
nítida e incisiva, atormentada y nerviosa.
Son admirables la agudeza de sus perfiles femeninos y las
siluetas rebosantes de sus cuerpos que aparecen en los 26 37

Capítulos
trabajos de Hércules. Estas composiciones fueron destinadas

a Pedro de Médicis.
La exageración de la figura humana, unida al estilo, es
característica en las tres estampas que se le atribuyen sin
ninguna duda: “Combate de diez hombres des-
nudos”,”Hércules y Anteo” y “La Lucha de los Centauros”.
Algunos le asignan con plena certeza sólo el combate de los
Batalla de los
hombres desnudos hombres desnudos. Este buril fue hecho alrededor de 1470 y
Pollaiolo está considerado como una obra de arte del Quattrocento.
Sobre una tupida vegetación aparecen los hombres peleando,
destacados como si estuviesen en bajorrelieve. Anatómicamente
los protagonistas de la lucha son perfectos.
Algunos comentaristas aducen en esta pieza una cercana
influencia con la obra de Mantegna, pero hay que tomar en
cuenta que las dos escuelas de grabado, la florentina y la 27 37

Capítulos
mantuana, tuvieron un desarrollo independiente. Mantegna

perteneció a esta última.
Ha podido decirse que todos los rasgos que definen el arte
florentino de la segunda mitad del siglo XV se encuentran
resumidos en su trabajo artístico.
Andrea Mantegna (1431-1506) acogió también el nuevo
arte del grabado, produciendo excelentes piezas que pasarían
a ser obras definitivas de la gráfica del XV.
Nacido en la Isla de Carturo, cerca de Padua, aprendió dibujo
aquí con Francesco Squarcione.
Mantegna Mantegna empezó su actividad artística a temprana edad.
empezó
En el gremio de pintores de Padua aparecía ya inscrito en
a los 10 años
su actividad 1441, a los diez años. No es de extrañar así que el maestro
artística Squarcione le llamara hijo, en vez de aprendiz.
28 37

Capítulos
El joven aprendió rápido y a los 16 años, rompiendo con el

maestro, pudo liberarse de un convenio que le hubiera
retenido por algún tiempo en su taller. Squarcione no sólo
era su maestro sino una especie de tutor, por lo cual se
adjudicaba algún derecho. Esta ruptura dejó huella en las
relaciones entre ambos. El maestro no fue realmente
importante para Mantegna en cuanto a la orientación de su
Cristo entre San voluntad creativa.
Andrés y Longino
Mantegna Por ese tiempo no había tradición de escuela local de pintura,
pero en el Trecento había pasado por ahí un artista notable:
Altichiero da Zebio, quien había cubierto las paredes de la
Capilla Lido con algunos frescos. Estas obras fueron la primera
escuela realmente del joven Mantegna. Habrá que recordar
también que Donatello había estado en Padua entre 1449 y
1453, años que fueron los de formación del paduano. 29 37

Capítulos
Donatello estaba entonces en la cima de su gran reputación

y de su creativa madurez.
Mantegna En Padua estaba además la Capilla de los Scrovegny, pintada
se alimentó con
por Giotto. De tal suerte, Mantegna se alimentó con la obra
la obra
de Altichiero de estos dos grandes artistas, Giotto y Donatello.
da Zebio, Giotto En pintura, el paduano se manifestó como gran artista
y Donatello
pintando tablas y altares. En 1448 fue incluido en un grupo
de talentosos pintores para decorar al fresco una capilla en la
Iglesia de los Ermitaños, ahí mismo en Padua. La iglesia era
un templo grandioso, que resultó enteramente destruido en
la última guerra mundial. Los frescos de Mantegna y de sus
compañeros fueron así desaparecidos; una pérdida muy
dolorosa para los italianos, sobre todo.
En la iglesia había una capilla de la cual eran patronos la
familia Ovetari. Ahí fue donde trabajó Mantegna, junto con 30 37

Capítulos
otros pintores, aunque finalmente el trabajo quedó en manos

de Niccolo Pizzolo y él.
Los frescos pintados por Mantegna representaban escenas
de la leyenda de San Jaime. Tenía 30 años al pintar la capilla
Ovetari y este encargo lo lanzó a la fama.
En enero de 1459 fue nombrado pintor oficial de la corte
de los Gonzaga, en Mantua. Suavizando su estilo, duro y
vigoroso, realizó en esta época numerosas decoraciones, sobre
todo en la capilla del marqués de Gonzaga, en el Palacio Ducal,
hoy desaparecido, y en la famosa Cámara de los Esposos, en
1472 y 74.
En 1448 De este período datan el célebre “Cristo Muerto”, en
Mantegna ya era
escorzo, “El Tránsito de la Virgen” y los nueve lienzos sobre
reconocido como
gran artista “El Triunfo de César”.
en la pintura
31 37

Capítulos
Su prestigio aumentó notablemente gracias a la protección

de Isabel de Este y al ser invitado por el Papa, en 1489, para
decorar la capilla del Vaticano.
Una vez de nuevo en Mantua, trabajó con otros pintores
en la decoración del estudiolo de Isabel. En ese tiempo
murió, el 13 de septiembre de 1506.
Muy importante para Mantegna fue su relación con los
Bellini, los artistas venecianos, donde contribuyó a fijar el
rumbo del arte veneciano. Mantegna casó con la hija de
Jacopo Bellini y mantuvo cordiales relaciones con los hijos
de éste, Gentile y Giovanni, los fundadores propiamente
de la escuela veneciana.
Emparentado con los Bellini, no pudo Mantegna evitar
que se le llamara a Venecia. Su residencia ahí duró hasta
1466.
32 37

Capítulos
Mantegna adoptó el grabado y lo patrocinó como necesidad

de dar a conocer sus composiciones lejos del país. Algunos
estudiosos sitúan sus tiempos de producción de estampas
entre 1470 y 80, y alrededor de 1500.
Como ha sucedido con otros grandes artistas, la minuciosa
ejecución de Mantegna como pintor no pudo ser alcanzada
en el metal, pero se encuentra en sus estampas el rasgo de
una mano firme e inteligente en los croquis. Esta soltura y
La necesidad de naturalidad, negligencia aparente, no dañaron su fuerza
dar a conocer sus expresiva. Para Kristeller, por primera vez —refiriéndose a
composiciones
lejos de su país Mantegna— la obra grabada se equipara con las creaciones
hicieron que del arte monumental. Y para Mallé no queda duda de que el
Mantegna
paduano contribuyó en forma excepcional a la estampa, con
adoptara el arte
del grabado al menos siete piezas de muy elevada calidad artística, las
33 37

Capítulos
mismas que aparecen en el libro-catálogo ya mencionado de

la exposición de Turín en 1968.
Antes de Duplessis dice que “El Enterramiento” y el “Descenso al
Mantegna no se
Limbo” tienen un sello de siniestra grandeza, como
había visto a un
gran artista corresponde al carácter de los asuntos. Lo que pretendió el
grabar láminas pintor y grabador fue conmover al alma y no cautivar la vista,
destinadas a ser
multiplicadas por tomando en cuenta su predilección por los episodios patéticos.
la impresión Y aquí se recuerda su “Cristo Muerto” que inspiró una de las
anatomías de Rembrandt.
El consenso general es que sus figuras fueron siempre nobles
y grandiosas.
Las estampas del paduano, para algunos, deben ser
consideradas realmente como las primeras hechas en Italia.
Hasta entonces los plateros italianos se habían dedicado al
grabado pero no se había visto un artista de la talla de 34 37

Capítulos
Mantegna grabar láminas destinadas a ser multiplicadas por

la impresión. Sus obras formaron una escuela dirigida por él
mismo.
La mayoría de las obras salidas de su escuela son interesantes
pero no relevantes; no se apartan de la rutina de la escuela lo
suficiente para mostrar una personalidad sólida, pero no hay
duda que formaron un cuerpo de piezas hechas con habilidad
profesional.
Fue notable la influencia del maestro de Padua en los
grabadores del norte de Italia, si bien es cierto que algunos
artistas volvieron los ojos a Venecia, buscando sobre todo
como inspiración las obras de Giovanni Bellini, de Ticiano y
de Giorgione. Mantegna mismo, en cierto grado, sufrió la
influencia de Bellini. Ello se hizo “entre familia”. La lección
de Bellini operó una atenuación en su incisividad, que derivó 35 37

Capítulos
hacia un colorismo más fundido y más sensible a las variacio-

nes de la atmósfera.
Ettore Camesasca comenta5 que los logros alcanzados por
Mantegna en Padua y durante sus primeros años de Mantua,
bastarían para justificar su fama, basada por mucho tiempo
en su relación con el mundo clásico. Parte de sus grabados
recrean este mundo.
Felix Feliciano, anticuario, dice en las memorias de Ciriaco
de Ancona que “Mantegna tenía una pasión arqueológica
por la antigüedad romana” En efecto, era un investigador
5. Andrea Mantegna. acucioso, aunque en esas tareas y en cuadros que llevaban
Maestros de la Pintura,
esta temática específica, como la serie de cortejo triunfal en
Texto de Ettore
Camesasca. Anesa- la llegada de César a Roma, se veía obligado a largas
Noguer-Rizzoli.
intermitencias. Su obra aquí, escenarios de la ciudad italiana
Barcelona, España. 1973.
cuatrocentista, con la inclusión de arcos de triunfo antiguos y 36 37

Capítulos
ruinas de termas con bóvedas clásicas, alternaban con los

encargos de motivos religiosos y las estupendas decoraciones
de la mitología greco-romana.
Genio poderoso Mantegna, de estilo escultórico,
impregnado de evocaciones góticas y clásicas, inició en
Florencia una nueva fase en la evolución artística, dominada
por su admiración a la antigüedad clásica, mezclada con
vigoroso movimiento y expresión.
37 37

ITALIA SIGLO XVI

Capítulos
Italia Siglo XVI Situación histórica
El desmembramiento territorial de Italia en pequeños estados,

el desplazamiento del movimiento comercial y económico del
Mediterráneo al Atlántico y las ambiciones expansionistas de
Francia y España, explican que el país se viese invadido a principios
de siglo. Durante los primeros treinta años, el territorio italiano
fue escenario de los enfrentamientos entre la monarquía
francesa, heredera de los Anjou, y la monarquía hispánica,
sucesora de los derechos de la corona catalo-aragonesa.
Tras cincuenta años de lucha, España acabó por imponer su
hegemonía, una vez expulsados los franceses. Cerdeña. Sicilia,
Nápoles y el Milanesado quedaron incorporados a la corona
hispana, mientras los demás estados, en mayor o menor
medida giraban en torno a la órbita española.
1 45

Capítulos
La ideología imperial de la monarquía de Carlos V caracterizó

todo este reinado, potencia predominante de la época, con
orientación basada en un imperio universal, caballeresco y
cristiano, llamado a establecer la justicia divina y la paz.
Las corrientes Hubo entonces un retroceso social. Las corrientes culturales
culturales
e ideológicas laicas y liberalizantes introducidas por el
e ideológicas laicas
y liberalizantes Renacimiento, fueron sustituidas por un movimiento
introducidas por reaccionario, cuyo comienzo simbólico ocurrió en 1542, cuando
el Renacimiento,
fueron sustituidas el Papa Paulo III extendió la Inquisición a toda la Iglesia Católica.
por un movimiento La irrupción de la Reforma en 1517 significó una guerra
reaccionario
que se extendió rápidamente por toda Europa, sobre todo
en el norte, región donde se asentó principalmente el
protestantismo.
Ante el empuje de los protestantes, la Iglesia de Roma inició
su propia reforma, la contrarreforma, emanada del Concilio
2 45

Capítulos
de Trento a partir de 1545, que fue más un enderezamiento

de un catolicismo reacio a transigir que un intento serio de
reconciliación con el movimiento de la Reforma. Desde Trento
se configuró un cuerpo doctrinal, una clarificación teológica,
una reforma del episcopado y el clero, una nueva liturgia y
una renovada práctica religiosa, encabezada por los jesuitas
y algunas congregaciones de apoyo.
A pesar de estos conflictos, el país conservó todavía el esplendor
cultural y social del siglo anterior, si bien la fuerte economía que
había tenido, en buena proporción se esfumó. Venecia, ante la
competencia de los holandeses perdió su liderazgo marítimo en
el Mediterráneo. Génova perdió sus posesiones orientales y las
demás ciudades de la península estaban empobrecidas en
comparación a mejores tiempos.
3 45

Capítulos
Italia Siglo XVI Situación artística
La grandiosidad del arte renacentista evolucionó hacia el fenómeno

estético del manierismo, que caracterizó buena parte de las
creaciones italianas del siglo XVI.
La arquitectura de estos años alcanzó su gran horizonte con
dos grandes personalidades: el arquitecto Donato el Bramante
y el arquitecto, escultor y pintor, Miguel Angel Buonarroti.
Bramante introducía en sus edificios una concepción libre
del espacio en el que se incubaban, con sentido pictórico,
los efectos de luz y sombra. Esta idea se ejemplarizó en
proyectos como la Basílica de San Pedro.
Miguel Angel, al oponerse al espacio bramantino, creó una
concepción más dinámica en la Biblioteca Laurenziana,
planteamiento que alcanzó su madurez en la Plaza del
4 45

Capítulos
Campidoglio y culminó en la Basílica de San Pedro, donde

toda la estructura quedaba subordinada a la cúpula. A partir
de aquí empezó a anunciarse la arquitectura barroca, que
se establecería con la célebre Iglesia del Gesú, edificio jesuita
de cruz latina, debida al arquitecto Giacomo Barozzi da
Vignola.
En Miguel Angel En la escultura del Cinquecento destacaron el mismo
se armonizaron
Miguel Angel, considerado como el gran escultor de la edad
la espiritualidad
del cristianismo y moderna, heredero de lo que en el siglo anterior habían
la belleza del arte realizado los maestros de Florencia. En Miguel Angel se
clásico
armonizaron la espiritualidad del cristianismo y la belleza
del arte clásico.
Benvenuto Cellini sobresalió por encima de aquellos
escultores que siguieron la obra de Miguel Angel. Trabajó
en Italia y en Francia.
5 45

Capítulos
En pintura, en este siglo dominó la escuela romana, una vez

en decadencia la florentina, tras la muerte de Lorenzo el
Magnífico. La expresión general se encaminó hacia el
manierismo.
Roma logró conquistar el cetro del arte gracias a la protección
de los pontífices Julio II y León X. Al caer los Médicis de
Florencia, un cúmulo de artistas emigró a la ciudad del Tiber.
Templos, esculturas y pinturas dieron entonces esplendor a la
nueva metrópoli artística.
En pintura, en este La formación espiritual de Julio II provenía de Sixto IV,
siglo dominó
edificador de la Capilla Sixtina, quien supo inculcar en su
la escuela romana,
tras la muerte sobrino el amor por las artes y darle la preparación de hombre
de Lorenzo de estado, que combinó con la espada y la diplomacia.
el Magnífico
León X, hijo de Lorenzo el Magnífico, llevó a Roma el espíritu
florentino y actuó como un verdadero mecenas y emperador
6 45

Capítulos
romano. En él la filosofía, la literatura, la música y el arte se aunaron

para hacer de él el príncipe más representativo y exquisito del
Renacimiento.
León X, llevó Los pintores de este siglo tomaron su numen de la poesía clásica
a Roma el espíritu
y de los historiadores. Hubo una tendencia a la perfección formal y
florentino y actuó
como un verdadero fueron Leonardo, Miguel Angel, Rafael y Correggio los que
mecenas y establecieron los cánones de la pintura posterior.
emperador romano
Juntamente con Roma sobresalió en este siglo la escuela de
Venecia, donde el colorido vino a cubrir las formas pictóricas creadas
en Roma. Estos artistas estuvieron obsesionados por la búsqueda
de la belleza.
7 45

Capítulos
Italia Siglo XVI Actividad grabado
En las estampas de Cristofano Robetta (1462-1535), originario

de Florencia y muerto ahí mismo, hay belleza y elegancia. Su
trabajo como grabador se inspiró en la obra de Filippino Lippi
y en la del Perugino, y en sus estampas de paisaje algunos
han advertido la influencia de Martin Schongauer y Albrecht
Durero.
Como el Pallaiolo, Robetta se esmeró en presentar personajes
Alegoría sobre el
Poder y el Amor desnudos, demostrando el estudio que había hecho de las
Robetta formas humanas. Tal ocurre en el buril de la “Alegoría sobre
el Poder y el Amor” y también en la pieza de “Adán y Eva con
sus hijos Caín y Abel”. En el primero aparecen diversos
personajes de ambos sexos en una escena alegre que recuerda
8 45

Capítulos
las bacanales campestres. En la segunda la familia edénica,

necesariamente desnuda.
Se ha comentado que en su obra, una dulce y risueña
fisonomía remplaza la expresión generalmente austera de las
obras florentinas que le fueron contemporáneas.
Aun cuando no fue una gran figura, Robetta hizo prosperar
suficientemente el arte del grabado. Su obra aquí, no muy
numerosa, se compone de 17 grabados firmados por él y otros
19 que Arthur M. Hind le atribuye con ciertas reservas. No fue un
creador original pero sí un notable artesano, considerado como el
último de los primitivos florentinos. Vasari lo apreció sólo como
platero.
Pocos datos biográficos hay sobre este grabador. Se le menciona
en algunos documentos conservados en Pisa.Hijo de un orfebre
florentino, él se hizo también orfebre, conociéndose únicamente
9 45

Capítulos
como tal hasta 1498. En sus estampas, que parece fueron

realizadas entre 1500 y 1522, se mostró como buen diseñador.
Robetta trató el tema de Adán y Eva en dos grabados
más, introduciendo variantes. Solía adoptar con exactitud
detalles en obras de otros artistas, sabiéndolos incorporar
hábilmente en su composición. Esta obra, más que otras,
señala su primitivismo.
Girolano Campagnola fue un hombre de posición económica
holgada. Fue también un hombre culto, académico, humanista
y escritor de arte. Era natural que deseara así, para su hijo,
Giulio Campagnola (1482-1515), una educación variada y
profunda.
En Padua, su lugar de origen, empezó Giulio sus estudios.
El joven pastor
Campagnola Aprendió el griego, el latín y tuvo buenos conocimientos del
hebreo. Al mismo tiempo que atendía los estudios lingüísticos
10 45
Capítulos
demostraba su gusto por el arte. Con el tiempo, llegó a ser

pintor, escultor, grabador y adicionalmente músico.
Antes de los 17 años era conocido ya como pintor
miniaturista. En 1497 su padre buscó la manera de colocarlo
en la corte de Francisco II de Gonzaga, en Mantua. Dos años
más tarde, se había logrado otro propósito.
Campagnola formó parte del grupo de artistas y hombres de
talento que Hércules de Este atrajera a la corte de Ferrara.
Campagnola formó En 1507 Giulio fue registrado en Venecia. Su arte en este
parte del grupo
período (1507-13) se asimiló al contexto de la pintura veneciana,
de artistas
y hombres de cuya influencia dominante era el círculo de Giorgione. Lo
talento de la corte veneciano fue para el joven pintor y grabador lo que habría de
de Ferrara
marcar su camino estilístico. Habría de morir en esta ciudad.
En ese tiempo, Venecia gozaba de una vida social muy
acelerada: cotidianos placeres, ricos atavíos, reuniones de gran
11 45
Capítulos
tono y brillantes ceremonias. El arte veneciano, en consecuencia,

era primordialmente alegre y luminoso, lleno de vida. Los pintores
cultivaron la afición de representar cuerpos hermosos y vestidos
espléndidos, una idea de la vida fácil, despreocupada, con
escenarios luminosos de paisaje.
La pintura veneciana se manifestaba, sobre todo, en su radiante
colorido.
Esta magnificencia pictórica atrajo a Campagnola e igualmente
Cristo y la mujer de
Samaria los grabados que realizó señalan esta influencia: efectos de
Campagnola esfumado a través de una delicada labor de punteado,
gradaciones tonales que transcribían las gradaciones del color,
como equivalente gráfico a la pintura tonal de Giorgione.
Algunas de sus estampas revelan el estilo de Durero. Otras
muestran la inspiración de Giorgione, de Giovanni Bellini o de
Mantegna. Conservan las estampas el gusto de estos
12 45
Capítulos
creadores, sin tener la forma rigurosa de los objetos y las

figuras. Sacrificó Campagnola al encanto del colorido la
verdad realista del dibujo. En sus paisajes, copiados de los
países que visitó, el estudio de la naturaleza va hacia la
perfección.
Campagnola fue Campagnola fue uno de los primeros artistas que
uno de los
intentaron introducir el colorido en sus cuadros. Y tiene el
primeros artistas
que intentaron mérito de ser uno de los que introdujeron el modelado a
introducir base de pequeños puntos separados, una especie de
el colorido en sus
cuadros puntillismo. Su obra se compone de unos 16 grabados sin
duda suyos, y otros más que se le atribuyen con reserva.
Hind divide su gráfica en grabados de cobre usuales, y otros
ejecutados con buril o punzón, con la técnica del punteado.
En la hoja gráfica, puntos finos logran que en la secuencia
de líneas delicadas varíen las luminosidades y las sombras.
13 45
Capítulos
El grabado en cobre de “San Juan Bautista”, derivado de

un modelo de Mantegna, muestra un ejemplo de este modo
de puntear. Y este tratamiento se advierte también en el
“Joven Pastor”, buril de 1510, aproximadamente, en donde
1. Fechas según el libro se liberan los contornos al quedar fundidos en la atmósfera.
L’Incisione Europea dal XV
Campagnola estuvo alrededor de 1497 en la corte de
al XX Secolo. En el libro
Obras Maestras de la Francesco Gonzaga, en Mantua, donde trabajó con
Gráfica Europea, publicada
Mantegna, Es posible que le conociera y hasta estudiara
por el INBA en 1984, la
cronología básica es 1460/ con él.
70-1516. Barbari fue Jacopo de Barbari (1450-1515)1 , conocido también como
descrito como muerto en
,
un inventario de los
el Maestro del Caduceo, nació en Venecia. Activo en
cuadros de Margarita de diversas ciudades de Alemania y en la corte del emperador
Austria -hija de
Maximiliano. Su primer trabajo conocido aparece a finales
Maximiliano-, para quien
trabajó, el 17 de julio de de la última década del siglo.
1516.
14 45
Capítulos
Probablemente de Barbari estudió con Alvise Vivarini en

Venecia, en 1490. Un primer trabajo, “Vista de Venecia”,
un grabado en madera, monumental, ejecutado entre 1497
y 1500, se le atribuye con seguridad, tanto por el estilo
como por el signo del caduceo, su firma, atributo del dios
Mercurio de la antigüedad clásica, quien era protector de
los artistas. Otros dos grabados en madera, “La batalla de
los hombres desnudos” y “Sátiros”, son también obras de
la época en que estuvo en Venecia.
Entre 1503 y 1505, de Barbari ejecutó obras para Federico
el Sabio, elector de Sajonia, en Wittenberg, Naumburg,
Weimar y otras ciudades alemanas.
Sobre 1508 vivió en Holanda y fue en el castillo de Zuytborch
donde conoció al conde Felipe de Borgoña. Ese año realizó
“Marte y Venus”, sobre el cual algunos han visto el estilo de
15 45
Capítulos
Lucas de Leyden, pero su dibujo es menos refinado. De barbari

vivió cerca de De Leyden y de ahí provino el conocimiento de
su obra.
En 1509 viajó a Roma, acompañando al duque Felipe de
Borgoña. El duque fue su protector, quien lo había enviado
luego a Nuremberg y después a Holanda, lugares donde el
pintor y grabador ejerció notable influencia.
De Barbari murió en 1515 cerca de Venecia. Sus pocos
cuadros conservados en galerías públicas o particulares
atestiguan mejor que sus estampas su origen italiano.
De Barbari realizó 29 grabados al buril, que no llevan fecha
Marte y Venus
De Barbari pero sí la firma del caduceo. Los tiempos de estas piezas no
se han podido determinar bien. Si se consideran los toques
finos de las figuras de las estampas y cierto gusto por lo
grandioso, como el “San Sebastián atado a un árbol”, se
16 45
Capítulos
reconoce en él a un descendiente de la escuela de Mantegna.

Otras veces sus láminas señalan un origen alemán.
Amigo de Durero, de Barbari sufrió su influencia. Pero a su vez
Durero admiraba la pintura suya y en la introducción a su trabajo
sobre proporciones humanas, escrito en 1523, dió crédito a de
Barbari por su conocimiento en el estudio de estas cuestiones.
Tuvo también la influencia de Mantegna y posteriormente la de
De Leyden.
Por esta época muchos grabadores se dedicaban a reproducir
las composiciones que artistas de gran talla como Ticiano hacían
para ellos. Se produjeron estampas tan admirables, no tanto ya
para adornar un libro o explicar un texto sino destinadas
propiamente a divulgar las obras. El mérito del artista grabador
consistió en seguir cuidadosamente los contornos trazados con
pluma o con lápiz del pintor o dibujante.
17 45
Capítulos
Se produjeron Entre los grabadores de la obra de Ticiano destaca Niccolo

estampas
Boldrini, apenas conocido hoy en día. Para Duplessis, tanto Ticiano
admirables,
destinadas como sus discípulos fueron mal servidos por los grabadores. A
propiamente a excepción de algunos grabados en madera, las láminas que se
divulgar las obras
hicieron de la época se debieron a hombres inexpertos.
Es muy probable que Leonardo da Vinci (1452-1519) hubiese
manejado algunas veces el buril. Luca Paccioli, en la dedicatoria
de su libro De Proportione Divina no dice expresamente que
Leonardo sea el autor de los grabados en madera que adornan la
obra. Pero Duplessis comenta que “entre las numerosas láminas
que decoran este volumen, una sola tiene interés artístico; es la
primera, tirada aisladamente y que representa un perfil dibujado.
La precisión de este dibujo y la expresión de la fisonomía, permiten
reconocer la mano de un milanés: Leonardo”.
18 45
Capítulos
Se atribuyen a Leonardo algunas otras estampas; un grabado

con tres cabezas de caballo parece no dejar duda de que fue
hecho por él. Esto lo comprobó Duplessis al estudiar en la colección
de la reina, en Windsor, los tres volúmenes manuscritos que se
conservan de da Vinci. Entre otros dibujos de caballos ahí estaba
la estampa, fijada por la mano del artista.
Otras láminas atribuídas a él, conservadas en el Museo Británico,
no son del todo convincentes en cuanto a su autoría. “Mujer en
Busto y Perfil”, “Mujer en Busto y Perfil” y la “Cabeza de un
Anciano”.
Entre obras de su producción que fueron llevadas a la gráfica,
tres láminas grabadas de la Cena reproducen la composición,
modificándola. Los grabadores se quedaron aquí en plano muy
inferior, pues la pieza del maestro, conforme a su trabajo, es de
excepcional calidad.
19 45
Capítulos
Existe un volumen que contiene estampas sobre madera. De

exquisito dibujo, pertenecen todas sin duda a la escuela que dirigió
Leonardo. El libro, relativo a Santa Verónica, fue impreso en Milán
en 1518. Esto es, un año antes de su muerte.
En Parma, el arte del grabado tuvo también un buen
desarrollo, si bien con la influencia de Roma. Francesco
Mazzola, el Parmesano (1503-1540), fue su más brillante
representante.
El pintor, grabador y diseñador fue instruido en el arte
La sepultura de Jesús
El Parmesano por sus tíos Ilario y Michele Mazzola, modestos pintores
locales. Posteriormente se inspiró en Rafael en el dibujo. El
atractivo que supo dar a sus estampas lo relaciona más con
su compatriota Correggio, de quién fue alumno. Pese a la
influencia del maestro, su obra desarrolló características
propias como la vehemencia expresiva.
20 45
Capítulos
Gran artista, fue menos poderoso que su maestro (Antonio

Allegri, nombre de Correggio) pero lo suficientemente hábil
y a él se reconoce como inspirador de la escuela parmesana
de grabado. No hay duda, fue el mejor grabador de su
escuela.
En Parma, el arte El Parmesano fue uno de los artistas iniciadores del
del grabado tuvo
manierismo, realizando en esta modalidad una obra original
también un buen
desarrollo, y de vigorosa elegancia. En la historia del grabado su
Francesco Mazzola presencia es realmente importante, ya que él inició en Italia
fue el más brillante
representante la práctica convincente del aguafuerte y porque dejó
muchísimos diseños para los grabadores.
En 1523 marchó a Roma, donde fue hecho prisionero en
el saqueo de 1527, liberado poco tiempo después. Su trabajo
ahí tuvo reconocimiento. Ese mismo año pasó a Bolonia, para
después retornar a Parma, su ciudad natal.
21 45
Capítulos
La vida del Parmesano fue corta, y más aún en el arte,

puesto que perdió tiempo en el empeño de la alquimia,
actividad que acabó por arruinar su salud. Se volvió
andrajoso, desaliñado, envejecido prematuramente. En
Parma se le tuvo por excéntrico, melancólico y aficionado al
laúd.
Los comienzos artísticos del Parmesano nos muestran cómo
de un capricho se pueden derivar notables consecuencias.
De niño, el grabador observó los efectos deformes que se
Judit
El Parmesano producían si miraba los objetos a través de una lente o
reflejada por un espejo cóncavo. Las partes más cercanas se
veían prominentes, mientras que las otras se reducían a
medida que se apartaban. Con estos efectos pintó su primer
retrato, en tabla convexa, con una mano izquierda inmensa.
22 45
Capítulos
Esta fue una lección inspiradora para el Parmesano,

anunciando las deformaciones que él buscaría para fines
de expresividad y de diferencia con las obras comunes. Al
principio la deformación era poco sensible. En los altares,
empero, las figuras fueron más desproporcionadas; formas
amaneradas, sensacionales.
Mazzola halló en Mazzola halló en el procedimiento del aguafuerte
el procedimiento
recursos desconocidos hasta entonces. Las láminas que
del aguafuerte
recursos firmó tienen todas las condiciones de su pintura: gracia,
desconocidos encanto y belleza. Denotan una inteligencia del claro-
hasta entonces
oscuro que había escapado a sus predecesores. “La
Sepultura de Jesús”, un aguafuerte de 1530, una de sus
primeras y consideradas mejores piezas, fue muy copiada
en Italia y en Francia.
23 45
Capítulos
Los asuntos religiosos del Parmesano tiran hacia las

composiciones mitológicas griegas. Su Cristo —en el
aguafuerte de la Resurrección— tiene un carácter que se
parece al tipo del Adonis y bajo su buril, la misma Virgen
parece mundana y coqueta.
Cuando trató temas paganos como “Polimnia”, la
afectación del estilo se movió en terreno propio. “Venus
Saliendo del Baño” es otro ejemplo. En estas composiciones
se encuentra completamente libre y en su temperamento.
Tomó aquí su verdadero vuelo.
Sus grabados tuvieron la misma aceptación que sus pinturas.
Fueron buscados con avidez. Deseosos algunos discípulos de
aprovecharse de la fama del maestro, intentaron imitar su estilo,
apropiándose el procedimiento que él perfeccionó. Uno de ellos,
Andrea Meldolla, supo imitarle bien, a tal grado que sus obras
24 45
Capítulos
fueron confundidas con las del maestro. Otro alumno, Antonio

da Trento, también siguió su estilo.
Pero el Parmesano no tuvo propiamente sucesor. Dirigió un
taller numeroso, gozó de gran renombre durante su breve vida
artística, pero se dice que el día que desapareció el jefe,
prácticamente acabó para siempre la escuela de pintura de
Parma.
Grabador y diseñador para xilografías, Mazzola realizó unos
15 aguafuertes que da Trento llevó a Francia y que causaron
revuelo en los artistas de la escuela de Fontainebleau. Murió el
artista en Casal Maggiore, lugar cercano a Cremona.
En Italia, el Parmesano fue el primero en dedicarse al
aguafuerte y en reconocer plenamente el valor artístico de esta
técnica. Es de interés subrayar este mérito porque con él la técnica
adquirió un papel antes relegado, subalterno en la talla dulce.
25 45
Capítulos
Después del Parmesano las planchas se grabaron al aguafuerte

con más frecuencia y el buril se utilizó sólo para acabarlas y dar
mayor propiedad a las calidades que demandaban su presencia.
“El aguafuerte abrió un ancho campo para el libre cultivo del
grabado de trazos caprichosos, rápido, pintoresco y vigoroso,
de gradaciones delicadas y de sombras misteriosas, a cuya
ejecución se podía ir directa y naturalmente sin las trabas
impuestas por las tallas laboriosas, con frescura, sin cuidados ni
reflexiones de ningún género, sin sequedad alguna”, según
palabras de Francisco Esteve Botey en un texto sobre grabado
escrito en Madrid en 1914.
La muerte de Entre los primeros grabadores del siglo destacó el boloñés
Mazzola significó
Marcantonio Raimondi (1480-1534), quien aprendió los primeros
el término de la
escuela de pintura conocimientos del grabado con Francesco Francia, reproduciendo
de Parma sus dibujos. Llegó a Roma en 1510 y ahí desarrolló su trabajo.
26 45
Capítulos
En la ahora capital italiana, pintura y grabado se desarrollaron

tardíamente en este siglo, y fue justamente Raimondi quien fundó
la escuela romana de grabado.
El boloñés había transitado de su maestro Francia a los pintores
El sueño, según
Rafael venecianos aceptando todavía, en cuanto a la ejecución, la
Raimondi influencia de Durero. Al llegar a Roma, atraído por la reputación
de Rafael, su estilo se definió. Guiado por Rafael grabó
“Lucrecia”. A partir de esta pieza le prestó el maestro más
atención y procuró atraérselo con la tarea de reproducir y
multiplicar sus obras. Desde entonces Raimondi se convirtió en
un rafaelista. “Degollación de los Inocentes”, “Adán y Eva”, “El
Juicio de París”, la “Cena” y “Poesía” revelan la inteligencia con
que supo el grabador trasladar al metal los dibujos del gran
maestro. Sólo fueron dibujos sobre los que trabajó. El mismo
Rafael, convencido de que el grabador no podría reflejar con
27 45
Capítulos
fidelidad el espíritu de sus pinturas, prefirió confiarle los estudios

preparatorios que dibujaba sobre el papel.
Consagró Raimondi la mayor parte de su trabajo en
reproducir las composiciones de Rafael. Pero no se limitó
nada más a él. Examinó los trabajos de otros artistas. Buscó
y encontró su camino al fundar la escuela de grabado. Pero
Degollación de los
Inocentes nunca olvidó los principios del gran maestro. Por ejemplo,
Raimondi en los “Trepadores”, que grabó según el cartón de Pisa
ejecutado por Miguel Angel, o bien “El Martirio de San
Lorenzo”, composición de Baccio Bandinelli, realizó una
ejecución concisa, sobria, algo rafaeleana, que
probablemente no tenían los dibujos originales de estas
obras.
No se descarta que Raimondi haya ejecutado composiciones
propias, pero lo que se le atribuye no tiene la precisión de las
28 45
Capítulos
demás piezas. Tal parece que necesitaba una mano poderosa

que le dirigiese. Se le reconoció su talento porque trabajó con
exactitud y respeto las obras de sus contemporáneos,
especialmente las del gran maestro de Urbino.
Su habilidad singular dio sus frutos. Por haber seguido con
docilidad y propiedad los consejos de Rafael, alcanzó su fama
como maestro.
Raimondi dedicó Raimondi creó un prestigio. De todas partes acudieron a su
la mayor parte
lado discípulos, ansiosos de seguir sus lecciones y orientaciones.
de su trabajo
a reproducir Por su eficiencia, pudo Roma tener una escuela de grabado.
las composiciones Hubo quienes imitaron a Raimondi, entre ellos Agostino
de Rafael
Veneciano, activo entre 1514 y después de 1536, y Marco
Ravena. Ambos trabajaron bajo su inmediata dirección, a tal
punto que algunas de sus obras se atribuyeron al mismo
Raimondi.
29 45
Capítulos
Buscando su camino, Veneciano copió estampas de Giulio

Campagnola, a fin de ejercitarse en el buril. Tuvo por modelo
también a Rafael y reprodujo igualmente estampas de Durero.
Ingresó a la escuela romana haciendo copias de Bandinelli. Sus
mejores trabajos se encuentran entre los que hizo de Rafael.
Ravena se asimiló también al estilo de Raimondi. Copió muchas
estampas suyas, acercándose bastante a las láminas originales,
aunque sin la precisión y la seguridad de la ejecución. El modesto
papel de copista que asumió le impidió un mejor lugar en la
historia del grabado de su país.
Muchos artistas grabadores salieron de la escuela de Raimondi.
Gian Giacomo Caraglio grabó con amplia libertad, con un estilo
caracterizado más por la fuerza que por la gracia. Giulio
Bonasone produjo estampas entre 1531 y 1574, “no de gran
calidad pero algunas con acierto”. Cuando trasladó dibujos de
30 45
Capítulos
Rafael y de Miguel Angel los resultados fueron más bien pobres.

Se acomodó mejor con maestros de menos calibre y más fáciles
de reproducir. El Parmesano le inspiró buen número de láminas
y también grabó piezas de su inventiva. Cuidó más la producción
abundante que la perfección.
Entre los artistas que sin recibir lecciones directamente de
Raimondi se inspiraron en él, está el Maestro del Dado. Grabó
varias piezas de Rafael y no se apartó de la escuela romana.
Cuando no seguía a su maestro reproducía las obras de Giulio
Romano o de Baltazar Peruzzi. Grabó la “Historia de Psiquis”.
Su grabado fue menos inteligente que el de su maestro.
No fueron estos los únicos grabadores que trabajaron bajo
la influencia de Raimondi. Un parmesano, Eneas Vico, llegó a
Roma y enseguida, en su práctica, empezó a reproducir al
buril estampas del maestro. Grabó composiciones del
31 45
Capítulos
Parmesano y de Vasari. Abandonó Roma por 1545 y fue a

Florencia, en donde protegido por Cosme II de Médicis se
ocupó en la reproducción de las obras de Miguel Angel y de
Bandinelli. Su talento llegó entonces a todo su apogeo y la
“Leda”, ejecutada según Miguel Angel, ha sido considerada
como una de sus mejores estampas. En su ejecución recuerda
la sobriedad de los grabados de Raimondi.
En 1550 Vico se trasladó a Venecia, donde grabó el retrato
de Carlos V, trabajo que tuvo gran aceptación.
Cuando Vico estuvo en Roma pudo apreciar los monumentos
de la antigüedad, grabando algunos de ellos. En Venecia tomó
gusto también por este género de trabajos y grabó muchas
medallas.
Toda una familia de grabadores originarios de Mantua, al
llegar a Roma, adoptó el estilo Raimondi, haciéndose discípulos
32 45
Capítulos
de la escuela por sus procedimientos y por el gusto del dibujo.

El jefe de esta familia era Giovanni Battista Scultori, quien pasó
la mayor parte de su existencia en Roma.
Después de haber trabajado como pintor, Scultori se ejercitó
en el grabado. dejó una veintena de estampas según dibujos
de Romano, imitando el estilo de este maestro.”El Combate
Naval”, sobre todo, pieza capital de su obra, se distingue por
su conocimiento del dibujo y por su ligereza del buril.
Los dos hijos de Scultori, Diana y Adamo, adquirieron mayor
reputación que la del padre. Diana recibió lecciones del padre y
fue guiada por influencia inmediata de Romano. Fue a Roma,
afinó su gusto y transformó su estilo. De Romano reprodujo las
“Bodas de Psiquis”, “El Banquete de Los Dioses”, “El Baño de
Marte y Venus”. Estas tres láminas que reproducen con buena
ejecución, poco común en una mujer, los frescos conservados en
33 45
Capítulos
el Palacio T de Mantua (construído bajo la dirección del mismo

Romano), son las obras más celebradas de Diana Scultori.
Adamo comenzó a grabar muy pronto. Su padre le puso desde
la infancia el buril en la mano. Con tan temprano inicio, a los
once años, con la copia de la “Virgen Dando de Beber al Niño
Jesús”, según obra de su padre, pronto su trabajo fue notable.
Más de cien estampas llevan su nombre, las cuales tienen seme-
janza con las de su hermana. Algunas de estas piezas fueron
Ghisi fue un realizadas a finales de siglo.
grabador Giorgio Ghisi (1520-1582) absorbió también las cualidades
destacado. Sus
obras son
esenciales de la escuela fundada bajo la influencia de Romano.
superiores a las Se supone que trabajó también con Battista Scultori, en compañía
demás estampas de
de Diana y Adamo, con cuyos trabajos tenía afinidad. Tuvo mayor
la escuela de
Mantua aplicación que ellos y abandonó muy pronto la escuela mantuana.
34 45
Capítulos
Muy joven llegó Ghisi a Roma y se puso a estudiar las estampas

de Raimondi, a quien trató de imitar. Se inspiró también en las
composiciones de Rafael y de Miguel Angel. Grabó de éste último
“Los Profetas” y “Las Síbilas”. Trasladó también a sus estampas
las bóvedas de la Capilla Sixtina, si bien “no captó bien la nobleza
de las figuras de tan grandiosa obra”, según palabras de
Duplessis.
Pero los grabados de Ghisi fueron superiores a las demás
estampas de la escuela de Mantua. “La Melancolía de Miguel
Angel” es obra de muy elaborado trabajo que acierta en el
manejo del claroscuro. El grabador resume el estilo de esa escuela
Sueño de Rafael que después de haberse formado por el estudio de las obras de
Ghisi
Romano, se mejoró en Roma.
Ghisi, salido del formalismo académico tradicional, empleó
el sombreado mediante una labor excesiva que cubría cada
35 45
Capítulos
milímetro de la estampa. Punteó en líneas diagonales que

ennegrecían toda la composición.
Fue más narrativo que el Parmesano y necesitó más los
escenarios, a veces fantásticos, que manejó con habilidad. Bastante
ecléctico, en su obra se aprecia el acarreo temático griego o de
índole mitológica.
Tras Ghisi no tardó en desaparecer la influencia de
Raimondi, del mismo modo que a finales de XVI desapareció
casi en Italia la escuela de los grandes maestros como Rafael
y Miguel Angel.
Los sucesores de Raimondi se dejaron llevar por la facilidad
de la ejecución, alejándose de la grandeza de este bello y
noble estilo tan frecuente en las producciones hasta la
El juicio de París
mitad del XVI. Remplazó al sentimiento la práctica; suplió
Ghisi al pensamiento la ligereza del buril. Faltó expresión.
36 45
Capítulos
La escuela de Bolonia de grabado se estableció por ini-

ciativa de los Carracci, Luigi y sus primos Agostino y Aníbal,
a finales de siglo.
El primero de los Carracci que puso manos a la obra fue
Luis (1555-1619), quien había estudiado en distintas
ciudades italianas hasta que en 1585 fundó la Academia
de Bolonia, donde tuvo como discípulos a Agostino (1557-
1609) y Aníbal (1560-1609).
La Academia de Pintura de Bolonia “vino a ser la escuela
que fijaba, ordenaba y esclarecía el arte pictórico, y los
Retrato de Ticiano
Agostino Carracci Carracci procuraron establecer un orden ecléctico frente
al imperio del manierismo”, dice José Manuel Lozano
2. Historia del Arte. José Fuentes2. Generalmente se les incluye entre los artistas
Manuel Lozano Fuentes.
imitadores porque en sus obras se aprecian influencias
Cía. Editorial Continental.
México, 1982. marcadas del dibujo de Rafael, el colorido de Correggio, el
37 45
Capítulos
esfumado de Leonardo y los trazos de Miguel Angel, pero

hubo también en ellos composiciones de originalidad.
Los Carracci Luigi se ocupó del estudio del dibujo, en tanto que
renovaron la escuela
Agostino y Aníbal iniciaban la empresa de atraer artistas a
del grabado
la contemplación razonada de la naturaleza y al conoci-
miento profundo de los grandes maestros. Rafael, Ticiano
y Correggio fueron sus modelos preferidos.
Tras un viaje de los hermanos Carracci para conocer estos
maestros, establecieron las Academias de los Deseosos
(Desiderosi) y los Encauzados (Incaminati). En la primera
se agruparon los pintores militantes, merced a los maestros
que les habían reunido. En la segunda sólo tomaron parte
artistas ya formados o los artistas que reconocían a los
Carracci como verdaderos restauradores del arte.
38 45
Capítulos
Al tiempo que los Carracci encauzaban la pintura por

nuevos caminos, renovaban la escuela de grabado. Luigi
fue el primero en utilizar la placa de cobre, si bien ejecutó
unas cuantas piezas, sin comparación con las de sus pri-
mos.
Aníbal, pintor, grabó también pocas láminas, de las cua-
les dos se colocan entre las piezas importantes del graba-
do italiano, “Cristo Muerto y Levantado por las Santas
Mujeres” (1597), conocida también como “Cristo de
Caprarola”, por haber sido realizada en esa ciudad. Se trata
de un grabado al buril, hecho con finura y acento expresivo.
“Silenio Borracho Bebiendo en un Odre que le Prestó un
Sátiro”, ofrece similares cualidades. Aníbal, al parecer,
centró su trabajo en la ciencia del dibujante. En otra lámina,
“La Santa Familia” (1590), fue el color lo que le interesó,
39 45
Capítulos
negro al blanco son demasiado bruscas y secas. El dibujo

de las figuras no es tan delicado como solía serlo en otras
piezas. Unicamente la cabeza de la Virgen está modelada
con alguna precisión. Aníbal dedicó poco de su trabajo al
manejo de la punta y el buril.
De entre su breve obra gráfica destaca también su “María
Magdalena”, aguafuerte fechado en 1591, retocado con
buril. Obra que conoció por lo menos tres copias distintas.
Agostino Carracci tuvo su debut como orfebre pero
María Magdalena adquirió una amplia cultura. En la Academia fundada por
Anibal Carracci
su primo enseñó anatomía, perspectiva y claroscuro. Su
formación como grabador se hizo principalmente en el
taller de T ibaldi, precursor del eclecticismo y del
academismo boloñés. Pronto estuvo en posesión de un
oficio muy sabio en el buril.
40 45
Capítulos
En Agostino, las obras de grabado son considerables; hizo

viñetas, carteles y blasones, imágenes piadosas, asuntos
históricos y retratos. Recuerda su obra el estilo de los artistas
italianizados como Thomassin. Dibujó tan bien como ellos
y como grabador sabía más, pero se dice que tuvo el
defecto de producir demasiado. Cuando reproducía obras
de Veronese o del Tintoretto no era muy convincente.
Despojado el dibujo del encanto del colorido, parecía
grosero e impropio. Lo mismo sucedió con una estampa
de Correggio, el “Ecce Homo”, pues su trabajo tradujo
con sequedad la obra del maestro. Pero en el “Retrato de
Ticiano”, en 1587, logró una obra grandiosa, la más célebre
de cuantas grabó.
Los Carracci pensaron que el antídoto del manierismo es el
estudio directo de la naturaleza. En la Academia no sólo había
41 45
Capítulos
pintores sino también diletantes que discutían sobre estética,

historia, filosofía y temas eruditos.
Agostino tuvo en Italia numerosos discípulos. Directamente
o a través de ellos influyó sobre Callot y sobre los alumnos de
Vouet. El más fecundo de los Carracci, grabó 271 piezas.
Ugo da Carpi, Grande fue la influencia de la escuela de los Carracci. Los
pintor y grabador
artistas que trabajaron en ella permanecieron
que destacó en el
primer tercio del escrupulosamente fieles a los preceptos señalados. Ignóranse
siglo por su por lo general los nombres de estos artistas grabadores. Se
manejo del
clarooscuro recuerdan los de Francesco Brizzio, autor del “Reposo en
Egipto”, según obra de Correggio, y Giovanni Valesio, pintor,
poeta, maestro de esgrima y otras cosas, que trabajó
apartado de Agostino, su maestro, de quien reprodujo sus
composiciones.
42 45
Capítulos
Perteneció a la misma escuela Juan Lanfrane, pintor. A éste

se deben estampas de las “Logias de Rafael”, ejecutadas -se
dice- con gran limpieza.
Otro artista destacó en el primer tercio del siglo, sin
relación aparente con las escuelas ya vistas. Ugo da Carpi
(1480-1532) nació en Carpi y murió en Bolonia. Pintor y
grabador, sus primeros grabados en claroscuro lo
perfilaron en el medio del arte.
El claroscuro fue el rasgo definitivo de su obra, considerada
Diogenes como una nueva manera de resolver la relación entre el objeto
da Carpi y el ambiente, con una labor de mano y renovados
instrumentos.
Da Carpi envió al Senado del Véneto en 1516 la petición de
proteger este procedimiento, petición que fue concedida dos
años después por León X en Roma. La técnica xilográfica, en
43 45
Capítulos
años después por León X en Roma. La técnica xilográfica, en

dos o tres tonos de colores, permitía una atractiva reproduc-
ción de estampas basadas en obras de los grandes maestros,
vendidas a precios bajos.
Desde el punto de vista técnico, el claroscuro de los italianos
era el camafeo germánico. La semejanza fue total en los
primeros ensayos de Da Carpi, como “La Envidia Echada del
Templo de las Musas”, según obra de Peruzzi. Después ya no
fueron dibujos facsimilares, donde la mancha se sustituyó por
contornos lineales. Así fueron “La Muerte de Ananís” en
1518, según Rafael, y “La Pesca Milagrosa”. Esta última tie-
ne una tonalidad ocre, grabada en tres láminas.
Da Carpi encontró su camino cuando reprodujo, hacia
1527, el “Diógenes”, según obra del Parmesano, grabada
en cuatro láminas. Da Carpi trabajó en Venecia, en Roma
44 45
Capítulos
En el grabado de su tiempo, la obra de Da Carpi muestra

una gran originalidad por su técnica. “Diógenes”
representa para el autor grabador el feliz resultado de un
trabajo experimental y es su estampa más conocida, en
la cual expresó cabalmente el efecto lumínico. Obra de
aspecto monumental, tranquilo vigor y cadencioso
movimiento. Otra pieza grandilocuente también es el
“Saturno”, estampa ejecutada también con cuatro
láminas, en composición nuevamente del Parmesano.
45 45
ITALIA SIGLO XVII

Capítulos
Italia Siglo XVII Situación histórica
A fines del siglo XVI Venecia tenía paz y prosperidad. Era un

enorme almacén, centro mundial de distribución de especias y
productos manufacturados. Conservaba posiciones
predominantes en el Mediterráneo oriental, donde cambiaba
sus productos acabados por materias primas, cuya circulación
hacia el resto de Europa en gran medida controlaba.
En treinta años, empero, estas ventajas se vieron brutalmente
mermadas. Los ingresos aduanales disminuyeron en un 40 por
ciento en la primera década del XVII. Las industrias de la seda y
la lana se vieron en peligro y las quiebras se multiplicaron.
A estas calamidades se sumaron dos circunstancias que
convirtieron la recesión en desastre: la guerra de los Treinta Años,
1 25

Capítulos
que aisló a Venecia de sus mercados septentrionales por tiempo

prolongado, y la ofensiva de los países del noroeste.
Los ingleses y los holandeses, que se dotaron de poderosas
organizaciones financieras, bancarias y comerciales, crearon
una competencia que se convirtió en una verdadera guerra
económica, conquistando la hegemonía comercial del
Mediterráneo.
Pero no fue todo. Al tiempo que disminuyó su papel
internacional, el puerto veneciano entró a su vez en el área
de la dependencia de los países del noroeste. El desastre fue
el mismo para toda Italia. Milán y Florencia, por ejemplo,
En el siglo XVII
surgió el arte sufrieron también el abatimiento, sobre todo en las empresas
barroco, aspecto textiles.
más relevante
quizás fue el
A partir de 1630 Italia empezó a exportar productos en
misticismo bruto, mientras se convertía en un mercado dependiente. 2 25

Capítulos
En el aspecto religioso, hubo en ese siglo de receso para los

italianos, acontecimientos importantes. En 1622 se canonizó a
Ignacio de Loyola -fundador de la Compañía de Jesús-, a Francisco
Javier, a Teresa de Ávila y a Felipe Neri. El catolicismo, así, se vio
reforzado con estos pilares espirituales que marcaron la ideología
de la iglesia moderna.
Con el ideario La Iglesia, sobre todo con el ideario de Loyola, adquirió nuevas
de Loyola, la
armas para combatir la corriente materialista práctica y científica
Iglesia adquirió
nuevas armas que avanzaba en el inicio del siglo.
para combatir Las nuevas ideas religiosas impulsaron al arte a tomar nuevas
la corriente
materialista directrices, de tal manera que la libertad renacentista tuvo que
práctica y caminar en reversa, ya que no podía satisfacer las inquietudes
científica
reformistas.
Surgió así el arte barroco, reflejo de estas ideas religiosas. Su
aspecto más relevante quizás fue el misticismo, que tomaría dos 3 25

Capítulos
directrices: el del mundo en que vivía la gente y el proyectado

hacia el más allá. La gran originalidad fue que ambos misticismos,
el práctico y el espiritual, o sea la vida activa y la contemplativa,
se entrelazaron armoniosamente en el objetivo de dar una nueva
idea de Dios.
De gran importancia en este cambio fue el pensamiento de
Loyola, quien defendió la noción de que los misterios de la fe
podían ser entendidos por los sentidos, y que el arte podía estar
al servicio de la vida espiritual. En la arquitectura, por ejemplo,
se utilizó una complicada geometría basada en el movimiento,
a fin de estimular los sentidos.
El arte barroco cumplió un objetivo religioso al servicio del
catolicismo, para ahogar los principios prácticos y empíricos.
Y fue también un magnífico aliado que puso marco
espléndido a la figura del rey absoluto. 4 25

Capítulos
Italia Siglo XVII Situación artística
Miguel Angel Buonarroti y Rafael Sanzio influyeron decisivamente

en las escuelas florentina y romana. En pintura, dieron nacimiento
al manierismo, manifestado éste en un grupo importante de
artistas como Giulio Romano, Giorgio Vasari, Andrea del Sarto,
el Pontormo, Rosso Fiorentino y el Parmesano.
Miguel Angel La escuela veneciana introdujo una característica nueva que
Buonarroti y Rafael
afectaría la pintura moderna europea hasta el impresionismo: el
Sanzio influyeron
decisivamente valor tonal. A partir de entonces la pintura se compuso de masas
en las escuelas de color, cuyas tonalidades proporcionaban una atmósfera única
florentina y romana
en la que ningún elemento aparecía subordinado al otro. Quien
introdujo este tipo de pintura fue Giorgione, al que siguió su
discípulo Ticiano, con quien alcanzó el estilo su madurez.
5 25

Capítulos
Las dos grandes figuras con las que culminó la escuela

veneciana fueron el Veronés, cuya obra señala un sereno
clasicismo, y Tintoreto, de gran fuerza dramática.
El arte barroco El manierismo no renegó propiamente del clasicismo
fue una ruptura
renacentista pero sí actuó en contra de los principios formales
del equilibrio
renacentista, y psicológicos de serenidad y compostura. Produjo esta
predominó modalidad figuraciones refinadas que deseaban expresar en
la emotividad
religiosa frente forma compleja la ambigua sensualidad y la inquietud espiritual
a la razón y moral de la época. El manierismo nació en Toscana (Florencia),
pero fue en Venecia donde logró su máxima expresión.
Los pintores manieristas tuvieron obsesión por la
profundidad, expresada a través de los planos de la pintura. La
línea predominante fue la diagonal, con un movimiento
curvilíneo que procuraba envolver a las figuras. Los jóvenes
pintores sentían el peso enorme de los grandes maestros que 6 25

Capítulos
los habían precedido, por lo que buscaron nuevos senderos o

rompiendo toda regla, quisieron trabajar a la manera del
pasado, quebrantando cánones y afirmando su individualismo.
En el manierismo revolucionario la expresión fue más libre que
en el académico. Los artistas fueron en parte excéntricos y
atormentados. Se abandonó prácticamente la perspectiva lineal
o la relación entre figura y espacio.
La arquitectura fue El arte barroco fue una ruptura del equilibrio renacentista,
la manifestación
indicado por un predominio de la emotividad religiosa frente a
más característica
del barroco la razón. En un principio se desarrolló este arte en Roma, pero
se extendió por toda Italia y Europa, abarcando el arte de los
siglos XVII y XVIII.
La arquitectura fue la manifestación más característica del
barroco, subordinándose en cierta medida la escultura y la
pintura. Elementos fundamentales de esta arquitectura fueron 7 25

Capítulos
el movimiento de las masas en relación con los espacios, los

contrastes acentuados de luz y sombra y un gusto por los
efectos escenográficos. La fachada de los inmuebles adquirió
gran importancia, independizándose del resto de la obra y
llegando a formas muy complejas.
En pintura, la luz y el color sustituyeron al perfecto dibujo
manierista. Las perspectivas aérea y fantástica tomaron gran
importancia y al decaer el dibujo, los planos superficiales fueron
sustituidos por una visión más profunda. Las líneas verticales y
horizontales se abandonaron por los escorzos, por las
ondulaciones, las quebradas y la helicoide.
Los temas religiosos volvieron a tener importancia y sólo en
los palacios continuó la temática mitológica. En la expresión
pictórica barroca se distinguieron Miguel Angel Amerighi el
Caravaggio, el Dominiquino, Guido Reni y Pedro de Cortona. 8 25

Capítulos
Italia Siglo XVII Actividad grabado
La actividad A finales del siglo anterior había surgido en Roma una nueva
en el grabado,
escuela de grabado y se fueron abandonando los principios
en los últimos
años del XVI, antiguos. Los sucesores de Marcantonio Raimondi se dejaron
fue dominada llevar por el facilismo en la ejecución, que los alejó de la
por la influencia
de Agostíno grandeza, del bello y noble estilo de las producciones italianas
Carracci hasta la mitad del siglo XVI, según relata J. Duplessis. “Remplazó
al sentimiento la práctica, amplió al pensamiento la ligereza
del buril y faltó expresión”.
Dominaba entonces en los últimos años del XVI la influencia
de Agostíno Carracci, con su escuela de grabado que reunió,
en Roma, a artistas nacionales y extranjeros.
El cardenal Barberini, quien ejerció el papado de 1623 a 1644
bajo el nombre de Urbano VIII, protegió la estampa y apadrinó 9 25

Capítulos
a grabadores. Roma fue centro de convergencia para artistas

de otros lugares. De Alemania llegaron Cornelis Cort, Francisco
Vellamene, Teodore Kruger. De Francia llegó Philipe
Thomassin, acompañado de algunos seguidores. Alemanes y
franceses se apegaron a los estilos de los artistas romanos.
Las láminas ejecutadas en Italia en ese siglo, con el mismo
gusto y casi por la misma mano, sería dificil atribuirlas a tal o
cual artista si sus autores no se hubiesen tomado el
cuidado de poner su nombre en las mismas.
Los pintores rezagados de la escuela de Miguel Angel
fueron los que inspiraron a estos grabadores. Esta escuela,
exagerada ya bajo la influencia de Baccio Bandinelli, se vio
de pronto transformada por la segunda generación de los
discípulos del pintor de la Sixtina.
10 25

Capítulos
En este siglo, pocos artistas grabadores tuvieron en Italia un

prestigio sobresaliente. La lista se limitaría a los siguientes:
Giuseppe Ribera, conocido también como el Españoleto,
Stefano della Bella, Giovanni Battista Castiglione, Pietro Santo
Bartoli, Guido Reni y Salvatore Rossa.
Cuando la fuerza de la escuela de Bolonia mermó, otros
artistas devolvieron al arte boloñés su lustre. Guido Reni (1575-
1642) dejó gran número de excelentes cuadros y grabó
algunas láminas al aguafuerte.
Reni hizo su primer aprendizaje en el taller de D. Calvaert y
después acudió a la Academia de los Carracci. Su actividad
artística discurrió en Bolonia y en Roma. En esta última ciudad
vivió entre 1600 y 1614. En este año retornó a Bolonia, su
ciudad natal, para convertirse de inmediato en el principal
representante de la escuela boloñesa. 11 25

Capítulos
Sus pinturas fueron ejecutadas con facilidad en sus estampas

(Santas familias, Cristos y la Virgen). Simón Cantarini, llamado
el Pesarese, se acercó mucho a su estilo, pero no logró la
perfección en los ropajes de las figuras.
La obra gráfica de Reni es realmente poca, limitada a unas
cuantas láminas que denotan influencia del Parmesano. “San
Jerónimo”, aguafuerte que se le atribuye sin duda, muestra
claramente el juego gráfico del autor en el claroscuro y en la
línea. La pieza fue realizada alrededor de 1635 y es buen
ejemplo del empleo de los recursos gráficos.
Giuseppe Ribera (1588-1652) nació en Játiva, ciudad
Sileno ebrio
Ribera sevillana de España y murió en Nápoles. Pintor y grabador,
nació español pero fue italiano por educación artística, autor
de unos 18 aguafuertes realizados entre 1621 y 1628. Obras
12 25

Capítulos
excelentes por la técnica, la pureza del estilo y por los

contrastantes valores tonales.
Su padre Simón, zapatero de profesión, se impuso grandes
sacrificios para enviarlo a la universidad, cuyos resultados
fueron medianos. Ribera parecía tener sólo interés en el arte
y logró estudiar pintura con Francisco Ribalta en Valencia.
Ha resultado difícil situar cronológicamente el tiempo de
aprendizaje de Ribera. En 1613 se hallaba ya en Parma, Italia,
y por lo menos a partir de 1615 en Roma, de donde un año
después se trasladó a Nápoles.
En 1616 contrajo matrimonio en esta ciudad con Catalina,
hija del pintor y modelador Bernardino Azzolini, con quien
tuvo cinco hijos. Se ha supuesto que gracias a su suegro el
Españoleto logró irse imponiendo en la entonces capital del
virreinato español. 13 25

Capítulos
Durante años disfrutó la protección del Virrey Duque de

Osuna, quien le encargó importante ciclo pictórico para
la Colegiata de Osuna. Posteriormente, durante el virreinato
del Duque de Alba, el pintor pudo en 1621 volver a Roma.
Como español, parecía natural que hubiese recibido la ayuda
de Nápoles.
Admitido en la Academia de San Lucas en 1644, de Roma
llegó a Ribera otro reconocimiento entonces muy
ambicionado, la dignidad de Caballero de la Orden de Cristo,
concedida por el Papa.
A causa de que una de sus hijas fue seducida por el Virrey
Juan de Austria, Ribera se recluyó en una villa cercana a
Nápoles, buscando rehuir la vergüenza que ello le causó. Ahí
pasó el resto de sus días en la inactividad y acaso en la miseria,
muriendo el 5 de septiembre de 1652 en Nápoles. 14 25

Capítulos
En 1621 apareció un grabado, tal vez el primero de una

serie fechada en 1624, al que debió Ribera el origen de su
fama como grabador. Se trataba de una cabeza grotesca. En
esta producción hacía figuras anatómicas lindantes con lo
monstruoso, con un realismo que no omitía detalles para
revelar las deformidades, en analogía con las indagaciones
de Guido Reni en su fase caravaggiesca, y sobre todo de los
Carracci, ya conocidos por él.
Durante el siglo Tales aspectos se advierten mejor en algunos grabados de
XVII Nápoles tuvo
tema religioso donde viejos santos penitentes y mártires
un solo representante
realmente destacado, huesudos ofrecían al autor posibilidades de exhibir miembros
y éste fue Ribera, exasperadamente contorsionados.
Sus temas eran santos, ermitaños, mártires arrugados y
apergaminados, gigantes mitológicos, filósofos mendigos
de cuerpos no menos atormentados. Su obra llevaba una 15 25

Capítulos
nota de realismo y de sensibilidad tenebrosa, de acuerdo a

la apreciación de Luigi Mallé.
Durante el siglo XVII Nápoles tuvo un solo representante
realmente destacado, y este fue Ribera, en quien Caravaggio
tuvo una influencia apreciable. El Españoleto fue, por otra parte,
el único de los artistas célebres españoles que puede ser
mencionado como grabador, aun cuando su desarrollo
transcurrió en Italia.
Uno de sus grabados más conocidos es “El poeta”, pieza
realizada en 1630, de “soberbia invención personal” por su
distribución del claroscuro y por su composición. Sobre esta
estampa Henri Focillon expresó: “En la economía de un trazo
directo, profundo y coloreado por el ácido, hay una potencia de
sugerencia dramática, tal vez igual a toda la fantasmagoría de
las sombras”. 16 25

Capítulos
A un lado del poeta son mencionables también, como

obras meritorias, el “Maestro de San Bartolomé” y el “Sileno
Ebrio”, este último de 1628. En esta obra se muestra la
fuerza brutal del artista español, con recio temperamento,
con maravillosa sapiencia en el uso de los contrastes.
En 1626 Ribera había pintado, por encargo del mercader Gaspar
de Roomer, un cuadro que representa al Sileno Ebrio. Pero el
aguafuerte y el buril tiene una composición distinta; no es pues
una transposición de la pintura a la gráfica sino una nueva versión.
La plancha se encuentra desde 1738 en la Calcographia
Nazionale de Roma. El grabado fue hecho en Nápoles.
Ribera tuvo influencia en la pintura española y en la
napolitana.
Nacido en Florencia, Stefano della Bella (1610-1664)
murió también en esa ciudad, Fue diseñador y grabador. 17 25

Capítulos
Salvo una estancia de once años en París, de 1639 a 1650, y una

breve permanencia en Amsterdam, vivió toda su vida en Florencia.
Tuvo della Bella gran admiración por la obra de Callot y no pudo
sustraerse a su influencia, si bien su producción, calculada en unos
mil aguafuertes, permaneció típicamente italiana.
Para Jean Laran, della Bella es uno de los espíritus más
modernos del Seicento italiano. Mallé muestra su reserva en
este juicio y lo considera desbordante.
Salvatore Rosa (1615-1673) fue originario de Nápoles. En
Otra fuga a egipto
Della bella 1632, aproximadamente, trabajó en el taller de F. Francanzano;
posteriormente en el de Aniello Falcone, en Nápoles.
En 1635 estuvo en Roma. A raíz de los pleitos que tuvo con
Bernini se marchó a Florencia en 1640. Nueve años más tarde
retornó a Roma, donde desarrolló una actividad muy intensa como
18 25

Capítulos
dibujante. Su obra gráfica se compone de unas 110 piezas.

Murió en esta misma ciudad en 1673.
No es muy conocida su obra. “San Guillermo de Maleval” es un
aguafuerte de cierta significación, a pesar de lo desconocido del
personaje. Habiendo vivido una juventud de libertinaje, Guillermo
se volvió un ermitaño en la isla de Lupocaviso, cerca de Pisa. Sus
discípulos fundaron la congregación de los guillermitas.
El grabador se ocupó de este mismo tema en una pintura
que se encuentra en el Museo de Historia de Arte de Viena, y
un dibujo que representa el mismo sujeto está en Génova. A
ellos se debe que el grabado tenga referencias de enlace y se
le recuerde sobre otras de sus obras.
Pintor y grabador, Giovanni Benedetto Castiglione (1616-
1670) nació en Génova y murió en Mantua. Fue discípulo de
Paggi y de G. A. de Ferrari, en Génova. 19 25

Capítulos
En su primera época se inspiró en los maestros holandeses,

particularmente en Rembrandt y Anthonis van Dyck. Después
perfiló su propio camino. Buen técnico grabador, en algunas
piezas se anticipó a los venecianos.
Castiglione trabajó en Florencia, Roma y Venecia. Carlos II
de Nevers lo llamó a Mantua. Entre sus estampas más bellas
se citan “El Sátiro y la Ninfa”, de 1642, “Diógenes”, “El
Descubrimiento de una Tumba”, de 1643, y la “Bacanal”,
también del 42.
La importancia de Castiglione como técnico se acrecentó a
El genio de
Castiglione causa de la realización de monotipos. De hecho se le considera
Castiglione el padre de esta técnica. Como aguafuertista, su importancia
iguala a la del pintor y dibujante.
En el aguafuerte de “Noé Recibe a los Animales en su Arca”,
la influencia de Rembrandt en el tratamiento de la luz y la 20 25

Capítulos
sombra parece obvia. La composición es parecida a la de una

pintura que se encuentra en una colección privada en Génova.
El aguafuerte probablemente fue producido entre 1655 y 56,
tiempo en que realizó estampas con esta técnica. “El Genio
de G. B. Castiglione”, también aguafuerte, fue editado en
Roma en 1648. Se trata de una alegoría de las bellas artes.
A. Percy menciona un dibujo propiedad de la Academia de
Venecia, hecho para este aguafuerte, grabado probablemente
en Génova. El grabado es uno de los más bellos de Castiglione,
se dice, puesto que tiene la virtud de haber rebasado el
carácter ilustrativo del llamado “grabado de portada”.
En el siglo destacó otro artista, Pietro Santi Bartoli, com-
ponente destacado de la escuela romana, quien reprodujo
con hábil buril gran número de bajorrelieves y de estatuas
antiguas. Winckelmann. historiador del arte antiguo, 21 25

Capítulos
aconsejaba a los jóvenes que quisieran tener una idea de las

cosas antiguas, que consultaran las estampas de este
grabador. Sus estampas de la columna trajana, por ejemplo,
ofrecen preciosos detalles sobre los trajes y las armas de los
antiguos.
Bartoli (1635-1700) trabajó con Giampetro Bellori, erudito
de cualidades y conocimientos diversos: arqueólogo,
anticuario, coleccionista, crítico, pintor y poeta. Ambos
formaron equipo inseparable que ejerció un claro dominio
en la actividad editorial artística-arqueológica en la segunda
mitad del siglo. Su labor conjunta transcurrió por varios
campos y en la arquitectura, particularmente, se volcó sobre
la Columna Trajana, la Columna Antoniniana, los grandes
sepulcros y los arcos triunfales conservados en Roma.
22 25

Capítulos
Hacen notar en el texto de uno de los capítulos del libro Ex

Roma Lux (Electa, Madrid, 1997) Martha Carrasco Ferrer y
Miguel Angel Elvira Barba, «el criterio más científico y menos
dominado por intenciones estéticas o teóricas» de ambos
personajes, el grabador y el sabio.
Bartoli fue discípulo de Poussin y pronto se especializó en
las técnicas del grabado, con gran rigor en su trabajo. Era
coleccionista también, y tratadista erudito, pero «prefirió
aportar la parte gráfica a los estudios de su amigo Bellori, un
investigador de mucha mayor entidad que él». Obra notable
realizada por esta colaboración fue el libro Admiranda
Romanarum Antiquitatum ac Veteris Sculpturae Vestigia,
aparecido en 1693.
Resulta consecuente mencionar también a otro grabador
que precedió a Bartoli, el francés Francois Perrier (1594-1649), 23 25

Capítulos
quien había continuado en cierto modo el desempeño del

grabador Giovanni Battista Cavalieri (1525-1601). Ello muestra
que el grabado se había ocupado ya de reproducir, con buen
nivel técnico y artístico, las antigüedades arquitectónicas y
escultóricas de Roma.
Perrier vivió en esta ciudad entre 1635 y 1645, trabajando
con éxito. Artista de origen borgoñón, había sido discípulo
de Lanfranco y en su turno maestro de Charles le Brun. Entre
sus amigos se encontraban Jean Vouet, Poussin y Pietro da
Cortona. El grabador dedicó buena parte de esta estancia en
Roma para llevar a la estampa edificios y estatuas antiguos.
La obra Segmenta Nobilium Signorum et Statuarum se
componía de cien grabados, que el artista vendió con relativa
facilidad. Este compendio se completó con una segunda parte
24 25

Capítulos
que incluía grabados sobre relieves antiguos, aparecido en

1645, con lo cual selló su estancia en esa ciudad.
Perrier pintó al óleo y realizó numerosos frescos, pero
fueron estas dos obras las que le dieron su nombradía.
Menciona Carrasco Ferrer –en otro texto del libro ya
mencionado– que buena parte de la perdurable fama de
Perrier se debió al módico precio de sus grabados. «En cuanto
a calidad, pronto fueron superados por los que realizó Pietro
Santi Bartoli.»
Otros grabadores extranjeros trabajaron a finales del siglo
anterior y en este del XVII en Italia, pero de modo particular,
por la importancia de la obra y la duración de la estadía, Perrier
se puede asimilar a este desarrollo incipiente del vedutismo
italiano que alcanzaría con el Canaletto y Piranesi, en el siglo
siguiente, una culminación. 25 25

ITALIA SIGLO XVIII

Capítulos
Italia Siglo XVIII Situación histórica
El reconocimiento de Felipe V como rey de España, que

culminó la guerra conocida como la Sucesión Española en
1714 con los Tratados de Utrech y de Rastadt, le acarreó
varios compromisos: la renuncia de sus derechos a la corona
francesa y la cesión de los Países Bajos, Luxemburgo, el
Milanesado, Nápoles, Cerdeña y Sicilia. Siendo Austria uno
de los países beneficiados con el reparto al adquirir el
Milanesado, Cerdeña y Nápoles, fortaleció su posición en el
territorio italiano. Así, el dominio austríaco sobre la península
sucedió al español.
El derrocamiento del poder español fue visto por los
italianos como el inicio de una era de libertad, pero sin
concretarse todavía el ideal de unidad. Bajo los austríacos, a 1 25

Capítulos
lo largo de la segunda mitad del siglo, Italia conoció las

ventajas y los inconvenientes del despotismo ilustrado. El
progreso material y cultural alternó con un absolutismo
político radical. Por su ideología liberal, la revolución francesa
vino a chocar con el imperio austríaco. Ello cambió el cuadro
geopolítico italiano.
En la Italia del siglo En 1794 los ejércitos franceses cruzaron los Alpes. Una
XVIII, el progreso
corriente popular y liberal de simpatía hacia la revolución
material y cultural
alternó con francesa facilitó esta nueva conquista. Hubo cambios como
un absolutismo la conversión de los Estados Pontificios en la República
político radical
Romana (1798), nuevas cesiones a Francia de Saboya y Niza,
y finalmente la Alianza Austrorrusa, en 1799, consiguió
expulsar de Lombardía a los franceses, iniciándose de esta
manera el declive del poder francés en Italia.
2 25

Capítulos
Tras contraer matrimonio con Isabel Farnesio, duquesa de

Parma, Felipe V pudo intervenir en los asuntos italianos. Sus
hijos Carlos, futuro Carlos III de España y Felipe, se instalaron
respectivamente en Nápoles y en Parma. Por ello, España
siguió con un pie en ese país otrora ocupado por la corona
española.
3 25

Capítulos
entre 1753 y 55, y considerarlo como el único ejemplo de

reciprocidad entre su pintura y su gráfica.
Tiépolo grabó una serie de 23 aguafuertes bajo la
identificación de los Caprichos y los Scherzos de Fantasía, de los
cuales se nombran “La Tumba de Pulcinella” y “Dos Reyes y un
Muchacho Observan una Serpiente”. Esta serie se sitúa entre
los años finales del 50 al 70, año de la muerte del pintor y
grabador.
4 25

Capítulos
Italia Siglo XVIII Situación artística
La unidad La unidad intelectual de la Ilustración proclamó la primacía

intelectual de la
de la razón, el papel esencial de la ciencia y la técnica y la
Ilustración proclamó
la primacía de afirmación del derecho a la libertad y la felicidad terrena. Estas
la razón ideas condujeron a un esfuerzo sistemático de desacralización
del pensamiento y de la vida.
Los valores morales de la Ilustración representaban la
rehabilitación del individuo como ser racional y sensible y su
libertad de seguir las leyes de la propia naturaleza. De este
modo, la búsqueda del placer, la felicidad y la satisfacción de
las pasiones pasaron a ser impulsos legítimos. Se promovieron,
principalmente por la burguesía, nuevos valores como la
tolerancia y la humanidad.
5 25

Capítulos
Conforme a este estado de cosas, el siglo XVIII experimentó

una nueva estética concebida como ética del placer y
reconsideración de los sentidos. La búsqueda de la gracia y la
elegancia, el gusto por el virtuosismo y la proeza técnica artística
dieron nacimiento al estilo rococó, que tuvo su expansión en
todas las artes, presidida por la escuela pictórica de Venecia.
El arte rococó El arte rococó, especie de punto final del barroco, con su
fue una especie
exuberancia ornamental y su melosidad expresiva propició a
de punto final
del barroco su vez el campo a la reacción clasicista, presentada en Francia
con gran impulso a finales del reinado de Luis XV.
A fines de siglo, en el último tercio, apareció el neoclasicismo,
un estilo artístico innovador y brillante que buscaba una síntesis
entre la nobleza natural y la pureza lineal. El arte tendió entonces
hacia una exaltación del heroísmo y la grandeza, fundada en las
fuentes de la antigüedad clásica. 6 25

Capítulos
La revolución francesa fue una resonancia mundial donde la

virtud volvió a ser deseable. Las ideas republicanas de la Roma
clásica fueron un símbolo revolucionario y el paganismo tolerante
se sobrepuso al catolicismo dogmático, por considerar que éste
iba en contra de la libertad.
Los símbolos revolucionarios eran también romanos, como el
gorro frigio, derivado del tocado de los libertos, y las haces de
varas que llevaban los lictores, símbolo de la soberanía del pueblo,
al igual que las águilas romanas.
En la arquitectura En la arquitectura se suprimieron los elementos superfluos del
neoclasicista
barroco, en un retorno a la simplicidad constructiva del arte
se suprimieron
los elementos antiguo. Se redujo la ornamentación de las fachadas,
superfluos imponiéndose nuevamente los órdenes dóricos. Se buscó una
del barroco
simplicidad de volumen; la simetría, la sobriedad y las fachadas
volvieron a coronarse con balaustradas. 7 25

Capítulos
El arquitecto Alejandro Galilei introdujo componentes clásicos en

las fachadas de San Juan de Letrán en Roma, que ofrecía un barroco
tardío. Su obra más importante fue la Iglesia de los Florentinos, en la
cual triunfó ya plenamente el espíritu neoclásico con el empleo del
órden dórico. Otros arquitectos impulsaron también estilos clasicistas
como Giuseppe Piermarini, cuya principal obra, basada en la
arquitectura renacentista, el Teatro de la Scala de Milán, fue realizada
con simplicidad extrema.
En Italia, la pintura del francés Jacques Louis David creó una verdadera
corte de seguidores, de los cuales destacó Victorio Camuccini en
Roma, discípulo de aquél y uno de sus más ardientes propagadores.
En Milán, Andrea Appiani llevó al óleo la pintura neoclásica de tema
napoleónico. En Florencia se distinguió Pierre Benvenuti, decorando
algunas salas del Palacio Pitti con temas mitológicos. En Venecia
trabajaban artistas notables como Tiépolo y Canaletto. 8 25

Capítulos
Italia Siglo XVIII Actividad grabado
En Venecia se dio Este siglo, considerado en lo general como frívolo por el

un desarrollo
diverso y original de
carácter decorativo y exquisito de sus manifestaciones en el
la obra gráfica arte, mostró también ejemplos de inquietudes renovadoras.
En el campo del grabado hubo avances en la obtención de
efectos tonales y el manejo de la perspectiva.
Particularmente fue en Venecia donde se dio un desarrollo
diverso y original de la obra gráfica, expresado casi exclusivamente
en la técnica del aguafuerte. Entre estos artistas que mantuvieron
la tradición del grabado, destacan Juan Bautista Tiépolo, Antonio
Canal, llamado el Canaletto, y Giovanni Battista Piranesi. Los
dos últimos ejecutaron y llevaron a un nivel muy alto de calidad,
invenciones urbanas y arquitectónicas; una gráfica de vistas y
panoramas, sobre todo de Venecia y de Roma. 9 26

Capítulos
Pero hubo también otros artistas, de menor cuantía, que

aportaron lo suyo. Luca Carlevaris, pintor que en cierta medida
fue modelo de los primeros artistas del aguafuertismo veneciano
en este siglo, cuya producción en conjunto se caracterizó por
sus imágenes panorámicas de la naturaleza y las ciudades, fue
el primero de ellos.
Antonio Canaletto Frente a la de Canaletto y de Bellotto, la obra de Carlevaris
fue uno de los artistas
aparece como arcaica. El artista había nacido en 1663 y se
más apreciados
en la obra formó en el clima conceptual de ese tiempo.
de panoramas Marco Ricci fue otro artista cuya pintura absorbió lo
o vistas
descriptivo de Antonio Tempesta y lo romántico de Salvatore
Rossa, a decir de Mallé, sin perder el amor por la tradición
del color y la atmósfera luminosa de la Venecia del XVI. Sus
veinte aguafuertes salieron a la luz pública un año después
de su muerte, ocurrida en 1730. Ricci se adhirió a la moda 10 26

Capítulos
del “ruinismo”, es decir, de las viejas construcciones en

ruinas.
Canaletto con su Michele Marieschi -nacido en 1696, veinte años después
observación
de Ricci- tomó igualmente la temática de Carlevaris,
meticulosa de
la luz anticipó llevándola sobre un plano, por lo menos exteriormente,
características cercana a la del Canaletto. Comenta Mallé que hay un hecho
de la pintura al aire
libre del siglo XIX a su favor porque sus aguafuertes parecen desinteresarse
de los problemas compositivos de aquél. Su obra fue más
ingenua y juvenil, con una nota íntima muy suya. Marieschi
grabó poco. Se conocen de él 21 vistas de Venecia, publicadas
en 1741. Esta fecha, en sí, indica una antelación a la obra
gráfica del Canaletto.
Antonio Canal, el Canaletto (1697-1768), veneciano, fue
pintor, diseñador y grabador, uno de los artistas más
apreciados en la obra de panoramas o vistas. Poseyó un 11 26

Capítulos
gran sentido de la perspectiva y de la escenografía. Su

tratamiento de la luz, de índole muy personal, fue en su
obra un elemento de gran importancia. Su observación
meticulosa de la luz anticipó características de la pintura al
aire libre del siglo XIX.
Canaletto fue hijo de Bernard Canal, pintor de teatro. En
El pórtico con la
linterna su primera etapa de trabajo fue escenógrafo pero
Canaletto gradualmente se fue alejando de esta modalidad del oficio
pictórico para perseverar en el arte del paisaje, de la vida
popular veneciana. Probablemente esta especialidad le fue
inspirada por una estancia en Roma entre 1719 y 20, donde
conoció pintores holandeses de “vistas”, observadores
atentos de la realidad, que le trasmitieron ideas precisas de
la perspectiva.
12 26

Capítulos
De regreso a Venecia se integró al gremio de los pintores.

Su experiencia se enriqueció con el conocimiento de la obra
de Carlevaris y de Ricci, particularmente en los problemas
de luces y sombras.
Su producción gráfica, al parecer, se limita a unos 30
aguafuertes producidos entre 1741 y 1744, si bien la
preparación técnica debió iniciarla con Carlevaris tiempo
antes. Una serie de estampas dedicadas al cónsul británico
Smith se sitúa al final de su producción gráfica. Trece de
estas piezas son de gran formato. Se supone que Canaletto
empezó a dibujar estas vistas, algunas tomadas al natural, a
partir de 1741.
Canaletto perseveró La relación que tuvo el pintor y grabador con el cúnsul
en el arte del paisaje,
británico le ayudó a conseguir sus viajes a Inglaterra. El
de la vida popular
veneciana primero en 1746, permaneciendo ahí unos cuatro años. 13 26

Capítulos
Regresó a Venecia y estuvo ahí de 1750 a 1751, volviendo a

Inglaterra, para permanecer hasta 1753. Fuera de estos
tiempos en Roma y en Londres, Canaletto vivió siempre en
Venecia, ciudad donde murió.
Su influencia fue notable no sólo en Italia sino también en
Vista de Venecia
Canaletto Inglaterra, cuyos seguidores así lo atestiguan.
Bernardo Bellotto (1720-1780), sobrino de Canaletto,
también veneciano, trabajó como pintor, diseñador y
grabador. Tras una breve estancia en Roma se instaló de
1746 a 1758 en Dresde como pintor de Augusto III, rey de
Polonia y elector de Sassonia. Vivió por breve tiempo en
Austria y Varsovia.
Se conocen de Bellotto 37 aguafuertes, casi todos de gran
formato, provenientes de sus propios diseños. Relatan vistas
de palacios, iglesias y monumentos, sobre todo de Dresde. 14 26

Capítulos
A un lado de Venecia, escenario que sirvió para el desarrollo

de un espléndido arte de panoramas citadinos, se erige Roma
como la ciudad inspiradora de las vistas de la antigüedad
greco-romana. Retomamos este desarrollo, iniciado ya en el
siglo XVII, y que en el XVIII alcanza, artísticamente en el
grabado, una posición cimera.
Carrasco y Elvira Barba recuerdan que desde la mitad del
Vista interior de
Zwinger en Dresde siglo XVII, al menos, los viajeros más pudientes e ilustrados
Belloto adquirían colecciones de grabados para recordar sus viajes
y que a la vez les permitiesen imaginar el aspecto de la Roma
antigua. Aparte de los grabadores ya referidos en el siglo
anterior, parece necesario mencionar a un autor exitoso en
este campo temático, el grabador Giacomo Lauro (1565-
1645), quien había publicado por primera vez 133 láminas
que componían la obra Antiquae Urbis Splendor en tres 15 26

Capítulos
volúmenes, aparecidos en los años de 1612, 1613 y 1615, y

quien pudo ver la salida de ocho ediciones de este conjunto
de vistas sobre ruinas, palacios y reconstrucciones de la vida
antigua. Sus grabados tuvieron tanto éxito, que todavía a
finales del siglo XVII los reeditaba el impresor Domenico de
Rossi.
«A principios del siglo XVIII -dicen Carrasco y Elvira Barba-
cambia el perfil del viajero que llega a Roma con deseos de
visitarla. Surge por entonces la figura del hombre acomodado
que viaja por placer y que puede llegar a escribir unas
memoras de sus andanzas.
«La educación de esta aristocracia se enfoca hacia el
conocimiento completo de Europa, con un largo viaje
encaminado a aprender cortesía en Francia, libertades políticas
y religiosas en Suiza y, sobre todo, arte en Italia. Esta mentalidad 16 26

Capítulos
se traduce, entre las clases cultas locales, en una apertura mayor

al pensamiento cosmopolita de todo el continente y, en
consecuencia, las guías de viajes se hacen más científicas y
eruditas, más especializadas en ocasiones, mientras que las
colecciones de grabado se dignifican hasta alcanzar el nivel de
las grandes artes».
Sirva este exordio para acercarnos y ubicar a ese célebre
aguafuertista, Piranesi, de origen también veneciano pero cuya
obra que lo hiciera famoso fue hecha sobre las ruinas y las
edificaciones antiguas romanas. Dos grabadores habrá que tomar
en cuenta en conexión con su obra, la del holandés Bonaventure
Overbecke (1660-1706), que hizo varias estadías en Roma, en
El Coliseo
Vasi donde preparó grandes planchas sobre estas vistas, que
conocieron enorme éxito tras su muerte. El otro es Giuseppe
Vasi (1710-1782), quien fue un minucioso observador, muy 17 26

Capítulos
atento a los detalles de sus modelos. Vasi produjo grabados para

una obra ambiciosa que le tomó catorce años preparar, de 1747
a 1761, bajo el título Magnificencia de la Roma Antigua y
Moderna. Ambas producciones, las de Overbecke y la de Vasi,
pueden tomarse como las que abrieron el camino a las de Piranesi.
Tuvo como maestro Gianbattista Piranesi (1720-1778) a
Vista de los restos de
Pro Naos Giuseppe Vasi. A los veinte años se trasladó Piranesi de Venecia,
Piranesi su tierra natal, a Roma, ciudad donde vivió la mayor parte de su
existencia, muriendo ahí. Empezó su profesión como arquitecto.
Ya en 1743 publicó un primer tratado de arquitectura y
perspectiva, y siete años después publicó otro trabajo en el que
hizo algo más que reproducir y proyectar monumentos. De aquí
sacó Piranesi temas para realizar grandes composiciones
pictóricas.
18 26

Capítulos
Recién llegado a Roma, las circunstancias económicas lo

obligaron a grabar vistas destinadas a guías para orientar a los
viajeros. Estas fueron imágenes rápidas, convencionales y pobres
artísticamente, en su mayoría. Pese a ello, las láminas que se
refieren a ruinas de la antigüedad presentaban rasgos distintos
que evidenciaban una aplicación atenta por parte del diseñador
y grabador. Estas láminas consagraron a Piranesi como un
maestro en la técnica del aguafuerte, con gran control en el
manejo del ácido para la consecución de gradaciones de luz y
sombra.
En sus primeras vistas realizó un tratamiento sencillo, con un
dibujo cuidadoso y exacto, distinto al lenguaje rebuscado que
usaría en los aguafuertes de los Arcos Triunfales. Las estampas
fueron vistas con luz de verano, sin las densas sombras negras y
19 26

Capítulos
las nubes aserradas que exhibirían sus panoramas posteriores,

los cuales acusaban su gran dramatismo.
La obra de Piranesi Piranesi grabó cerca de mil aguafuertes, la mayor parte de
contribuyó
formato monumental, en los que predominó el tema
a la propagación
del estilo neoclásico arquitectónico. A veces sus vistas se apegaban al escenario de
e influyó las ruinas; otras señalaban una visión fantástica.
poderosamente
en la creación Firmó obras con el apodo de Salcinio Tiseo, que le daban los
del estilo imperio académicos de Arcadia. Desde entonces fue reconocido
plenamente como romano.
La obra de Piranesi, integrada en 27 colecciones, contribuyó
eficazmente a la propagación del estilo neoclásico en Europa e
influyó poderosamente en la creación del estilo imperio. En
arqueología hizo estudios sistemáticos de algunas zonas con
restos de la antigüedad romana. Registró minuciosamente
muchas edificaciones como asiento de la memoria de la época, 20 26

Capítulos
Con Piranesi, la Italia
del siglo XVIII cierra
su tiempo con un
al tiempo que su imaginación se explayó, respetando únicamente
digno representante los límites de la forma.
del grabado
En cuanto a su proceso de composición, destaca por su
originalidad. Para enfatizar la altura de los arcos adoptó un punto
de vista a ras de suelo o aún más bajo. En otras ocasiones, por el
contrario, se situaba en lo aéreo, revelando su capacidad
imaginativa para reconstruir ángulos imposibles en esa época.
El modo de Piranesi de interpretar las formas clásicas romanas,
componiendo panoramas, facilitó la creación de un arte renovado
en ese tiempo: la escenografía. En el teatro se exigía a los artistas
escenógrafos que los fondos de la escena fueran tangibles y con
precisión en la perspectiva, de modo que se pudiera pensar que
eran sólidos y reales.
Como algo curioso, Piranesi grabó una serie de fantasías
Las prisiones
Piranesi constructivas que llamó Cárceles para Malhechores. Se trata de 21 26

Capítulos
melodramáticas visiones. Por otro lado, halló en el ruinismo un

modo de elevar los despojos de las construcciones a la categoría
del arte. Puso su habilidad e imaginación para sacar algo bello de
lo que a veces es tan sólo desolado montón.
Con Piranesi, la Italia del siglo XVIII cierra su tiempo con un
digno representante del grabado. Pero, en realidad, su actividad
y su conocimiento fueron más amplios. Fue teórico de la
arquitectura y de la historia del arte constructivo, fue pintor,
arquitecto y polemista escritor. Esto es, un verdadero espíritu
renacentista.
Piranesi halló Originario de Venecia, Juan Bautista Tiépolo (1696-1770)
en el ruinismo
atendió clases en el taller de Gregorio Lazzarini, pintor
un modo de elevar
los despojos de academizante, de quien obtuvo enseñanzas sobre todo técnicas.
las construcciones a Pero fueron Sebastiano Ricci, Piazzeta y el Veronés, quienes
la categoría del arte
influyeron más en su obra. En las pinturas de su primera época 22 26

Capítulos
hay fuertes contrastes de luz, producto de la expresión barroca.

La obra del Veronés lo indujo a abandonar el luminismo barroco
en favor de una luminosidad del colorido en su totalidad.
En 1726 Tiépolo se trasladó a Udine para decorar la Capilla del
Sacramento en la catedral y ejecutar el ciclo mural del Palacio
del Arzobispado. Con los frescos de Udine, Tiépolo cerró su ciclo
juvenil pero empezó una larga tarea como fresquista, con grandes
momentos en Wurtzburgo, Venecia, Milán y Madrid, entre otras
Adoración de los
Magos ciudades. El veneciano tuvo una gran movilidad y su obra mural
Tiepolo fue considerable. En Madrid, donde murió. le tomó cinco años
la realización del mural “La Gloria de España”, en el techo del
Salón del Trono del Palacio Real. Este y “La Apoteosis de la
Monarquía Española” en la Sala de Guardia, fueron las últimas
piezas de su actividad en los muros.
23 26

Capítulos
Tiépolo tuvo como asistentes a sus dos hijos, Giandoménico y

Lorenzo, quienes le acompañaron en importantes obras, por lo
menos a partir de 1750, cuando el pintor fue requerido para la
decoración del comedor del Palacio de Wurtzburgo, en Franconia,
con temas de la vida de Federico Barbarroja. De nuevo en Venecia,
en 1756 se le nombró Presidente de la Academia de Venecia. El
pintor tenía ya un sólido prestigio y una obra numerosa, con
más de treinta años de camino.
Tiépolo llegó a Madrid en 1762, llamado por el rey Carlos III de
España para hacerse cargo de trabajos muralísticos en el Palacio
Real. Él y sus hijos permanecieron durante ocho años en ese
país, en la corte madrileña, lugar donde terminó sus días.
Representó el ejemplo veneciano en el medio del arte español,
una de las corrientes dominantes. La otra era del academismo
24 26

Capítulos
secular, sostenido por el pintor Antonio Rafael Mengs. Su obra

fue seguida por alumnos y algunos imitadores.
Calificado como el representante más notable de la pintura
veneciana del siglo XVIII, Tiépolo produjo también estampas de
calidad, aun cuando su número fue limitado en comparación
con sus dibujos y sus pinturas. Produjo trabajos en aguafuerte
que figuran entre las piezas más destacadas de la gráfica
veneciana, a un lado de los grabados de vistas. Henri Focillon
refiere que realizó unos 35 aguafuertes, que constituyen “una
expresión sabrosa de su genio”.
Una de sus estampas más conocidas es la “Adoración de los
Reyes Magos”, de la cual dice M. Santifaller que el pintor tuvo la
intención de grabar este aguafuerte como boceto para una
pintura cuyo destino era Munsterschwarchaz. No se sabe gran
cosa de esta pintura, pero el hecho permite situar el aguafuerte 25 26

Capítulos
entre 1753 y 55, y considerarlo como el único ejemplo de

reciprocidad entre su pintura y su gráfica.
Tiépolo grabó una serie de 23 aguafuertes bajo la
identificación de los Caprichos y los Scherzos de Fantasía, de los
cuales se nombran “La Tumba de Pulcinella” y “Dos Reyes y un
Muchacho Observan una Serpiente”. Esta serie se sitúa entre
los años finales del 50 al 70, año de la muerte del pintor y
grabador.
26 26

ITALIA SIGLO XIX

Capítulos
Italia Siglo XIX Situación histórica
La alianza austrorrusa, que logró a principios del siglo expulsar

a los franceses, fue el inicio del declive del poder francés en
la península italiana; caída que ocurrió con el desastre de
Waterloo. El Congreso de Viena compuso entonces el nuevo
mapa político de Italia, favorable para Austria, que pasaba a
señorear Lombardía y Venecia.
El restablecimiento de la influencia austríaca resucitó el
absolutismo monárquico, poniendo fin a la liberación
introducida por los franceses.
En el transcurso de un siglo surgieron grupos que se
opusieron abiertamente al poder austríaco, que fueron una y
otra vez derrotados. Pero las revueltas, reprimidas
violentamente, terminaron por agitar a los Estados Pontificios 1 11

Capítulos
y a los ducados de Parma y Módena. En 1848 diversos

acontecimientos hicieron cristalizar una corriente ideológica que
afirmaba los ideales de unificación y liberalización, y que
marcaron el proceso definitivo hacia la unidad.
A fines del siglo XIX El advenimiento del papado de Pío IX, quien introdujo en los
Italia comenzó una
Estados Pontificios reformas de corte liberal, hizo surgir en
aventura colonial que
terminó distintos puntos una corriente popular que proclamaba el fin
en desastre del absolutismo. Estalló la insurrección primeramente en el reino
de las dos Sicilias y pronto los gobiernos tuvieron que conceder
constituciones. Carlos Alberto de Cerdeña, con el apoyo de
Lombardía, Venecia, Módena, Parma y Sicilia, emprendió la
lucha frontal contra la ocupación de los austríacos.
La dinastía piamontesa, con Víctor Manuel II, hijo de Carlos
Alberto, se convirtió en la portadora del ideal de la unificación,
2 11

Capítulos
apoyada desde el exterior por Napoleón III. En 1859, una alianza

francopiamontesa, impulsada por Camilo B. Cavour, se enfrentó
a Austria. Tras las batallas de Magenta y Solferino, favorables a los
aliados, la paz de Zurich puso fin a la contienda. En 1860 ascendió
al trono Humberto I, en cuyo reinado se aprobaron importantes
leyes que consolidaron la base institucional del nuevo estado.
A fines del siglo Italia comenzó una aventura colonial que terminó
en desastre. La frustración nacional por este fracaso y la baja de
los precios agrícolas, que acentuó la miseria, provocaron una
profunda crisis social que afectó todo el país.
Hubo represión violenta a las revueltas del hambre y en este
estado de cosas terminó el siglo, ocurriendo el asesinato por
un anarquista, en 1900, del monarca Humberto.
3 11

Capítulos
Italia Siglo XIX Situación artística
Tras la corriente neoclásica, cuyo personaje más notable fue el

escultor Antonio Canova, el artista italiano del siglo XIX se
instaló en un academicismo sin personalidad, manifestado
tanto en la arquitectura como en la escultura y en la pintura.
La pintura neoclásica se caracterizó por el frío academicismo de
los puristas. A finales de la centuria surgió en la Toscana un
movimiento paralelo al impresionismo pero que no alcanzó los
resultados de la escuela francesa. Este movimiento fue el de los
macchiaioli.
Giovanni Fattori fue el principal representante de los macchiaioli
(tachistas), que en la Toscana se impuso en contra de toda regla
neoclásica, en favor de una pintura realista que él practicó.
Fattori había estudiado en la Academia de Bellas Artes 4 11

Capítulos
Italia Siglo XIX Situación artística
de Florencia, aunque después basó su pintura en la

mancha colorista y no en el dibujo. Algunos han visto en
él cierto parecido con los impresionistas franceses.
Y no fue el único que recordaba a estos pintores. Giovanni
Sagantini, principal representante de la corriente divisionista
que hubo en Milán a fines del siglo, derivó del impresionismo
francés con una paleta de colores claros y atmósferas
luminosas. Y aún Telémaco Signorini, en su cuadro de la “Plaza
de Settingnano”, se acercó a Degas por la atmósfera y la
composición. En Florencia fue Signorini el más notable de los
tachistas macchiaioli.
5 11

Capítulos
Italia Siglo XIX Actividad grabado
Si no fue precisamente abundante la nómina de pintores

distinguidos en la Italia del Ochocientos, menos lo fue en
el grabado, que había decaído ya a finales del siglo
anterior, glosado por los vedutistas.
Antonio Fontanesi (1818-1882) fue uno de los dos
Bosque con pastora y
vacas grabadores que fueron tomados en cuenta en este siglo.
Fontanesi Originario de Reggio Emilia, hizo ahí sus primeros estudios
de arte y después en Turín. En 1850 pasó a Génova, donde
asistió a la escuela de un pintor paisajista que influyó en
su trabajo.
En 1885 realizó un viaje a París, siendo para él importante
el encuentro con Auguste Ravier en 1558. Pintó entonces
paisajes apacibles, con luz densa y patética, con espíritu 6 11

Capítulos
cercano a las pinturas de Corot, Daubigny y los pintores

de Barbizón.
Fontanesi volvió a Italia en 1868, exactamente a Turín,
donde al año siguiente obtuvo la cátedra de paisaje en la
Academia Albertina, trabajando ahí hasta su muerte,
acaecida el 17 de abril de 1882.
Las pinturas Las pinturas de madurez de Fontanesi son composiciones
de madurez de
rebuscadas, “que intentarían hallar un efecto de solemne
Fontanesi fueron
composiciones melancolía”, a través de un juego de claroscuro, no ajeno
inclinadas a a los cuadros de Constable y de Turner, obras que había
la solemnidad
y la melancolía visto en Londres en 1866.
La mayoría de sus obras se conservan en el Museo Cívico
de Turín.
Fontanesi ejecutó su primer aguafuerte en 1862, en
Ginebra. El ya había hecho litografía pero su obra gráfica 7 11

Capítulos
principal se compone de aguafuertes, bellos, sobrios, con

línea incisiva que describe paisajes melancólicos.
Giovanni Fattori Su obra gráfica no fue numerosa pero se considera
destacó como pintor
importante por su calidad y porque son de las pocas obras
realista de tendencia
romántica notables que se realizaron en esos años.
Más importante fue Giovanni Fattori (1825-1908),
nacido en Livorno y muerto en Florencia. Pintor y
g r a b a d o r, e n t re 1 8 8 0 y 1 9 0 0 g r a b ó u n o s 2 0 0
aguafuertes sobre placas de zinc, con escenas de la
campiña toscana y temas militares.
Fattori estudió primero en su ciudad natal y después
en Florencia, entre 1846 y 48, al lado de Giuseppe
Bezzuoli, pintor realista de tendencia romántica. Esta
formación le marcó durante muchos años.
8 11

Capítulos
Fatorri se adhirió al círculo de los primeros macchiaioli,

pintores que surgieron hacia 1855, en un momento en
que el gusto romántico evolucionaba hacia el realismo.
Al lado de Lega y Signorini, representantes del grupo
fundador (al cual se unieron ocho o nueve artistas más),
Fattori fue un miembro destacado y de lo más
característico de ese movimiento.
En 1861 Fattori recibió un premio por su obra “La Batalla
Escena militar
Fattori de Magenta”, en la Galería de Arte Moderno de Florencia.
A esta pieza siguieron otras de tema militar, algunos paisajes
y escenas de la vida campesina. Pero puede decirse que su
gran tema fueron las escenas militares, de las cuales realizó
pinturas y grabados de importancia. El había tomado parte
en la guerra de independencia, en 1848 y 49, y tal
experiencia le había conducido por este interés temático. 9 11

Capítulos
Recibió el nombramiento de profesor de la Academia de

Florencia en 1869 y durante muchos años continuó pintando
cuadros militares y escenas rústicas. Su lenguaje pictórico se
caracterizó entonces por una acentuación en la construcción
gráfica, a la que después se añadiría, se dice, un
sentimentalismo propio del verismo social.
En 1875 visitó París, sin que el impresionismo que vio le
haya dejado, curiosamente, una huella apreciable.
También ejecutó retratos que recuerdan los modelos de Bezzuoli.
Y habremos de referirnos en particular a un conjunto de grabados
que han contribuido a que fuera tomado como la personalidad
más fuerte del movimiento macchiaioli. Pinturas y aguafuertes
suyos se encuentran en Florencia, Liorna, Milán y Roma.
Fattori, se dice, vivió aislado del ambiente de la estampa. No
poseía una gran preparación técnica y ejecutaba estos trabajos 10 11

Capítulos
mas bien por la necesidad de llevar a la plancha de cobre cuanto

se ofrecía de interés. Las pocas láminas que fueron impresas
las destinó a sus amigos.
La mayoría de las piezas que circularon posteriormente a su
muerte, provenían de tirajes póstumos.
11 11

FRANCIA SIGLO XV

Capítulos
Francia Siglo XV Situación histórica
La primera mitad del siglo XV en Francia estuvo señalada por

la guerra de los Cien Años contra los ingleses, guerra iniciada
en 1339 y en la cual los móviles y los objetivos fueron
cambiando conforme el paso del tiempo.
En lo que corresponde al siglo, un segundo período del
conflicto comenzó con las pretensiones de Enrique V de
Inglaterra a la corona de Francia, quien lanzó al país francés
dos poderosas expediciones bélicas en 1415 y 1417, que le
dieron una victoria, protocolizada con la firma del Tratado de
Troyes, muy favorable para los ingleses.
Juana de Arco logró algunas victoras en 1429-30,
compensando las derrotas sufridas por las tropas francesas.
Cinco años adelante, y aún en 1444, hubo intentos por
1 13

Capítulos
establecer una paz duradera. A continuación la guerra entró

en su etapa final, en la que los franceses lograron expulsar a
los invasores (Capitulación de Normandía, en 1450). Con la
batalla de Castillón y la rendición inglesa en Gascuña, en 1453,
se puso final a este larguísimo conflicto.
Una vez terminada Terminó la guerra pero el país no conoció el sosiego.
la Guerra
Prosiguieron hechos internos de armas. Luis XI se enfrentó con
de los Cien años
con Inglaterra, el duque de Borgoña, Carlos el Temerario, cuya muerte en
Francia quedó 1477 permitió la incorporación al país de Picardía y Borgoña.
en condiciones
favorables para Después se anexaron los territorios de Anjou, Maine y Provenza.
su desarrollo Carlos VIII completó a finales del siglo la unidad territorial, al
casarse con Ana de Bretaña, heredera de este condado.
Francia, en suma, salió de la guerra de los Cien Años con
la autoridad real reforzada, en condiciones favorables para
su desarrollo posterior. Esto significó abundante población,
2 13

Capítulos
Con el empuje mejoramiento en los precios de los productos agrícolas y, por

de la burguesía
lo tanto, mejoras al campesino. A esto se añadió el
se favoreció
el comercio, fortalecimiento de una potente burguesía que impulsó el
la industria comercio, la industria, y en cierta medida el arte.
y el arte
3 13

Capítulos
Francia Siglo XV Situación artística
Alrededor de 1400 había nacido en el país una pintura que

podría definirse como franco-flamenca, en la cual un exacto
naturalismo se mezclaba con una cortés suavidad. La gran
Piedad del Louvre, pintada quizás por Jean Malouel para Felipe
el Atrevido, duque de Borgoña, del cual era su pintor de corte,
ofrece un notable ejemplo.
El estilo gótico Esta obra pertenece a lo que se llamó el estilo gótico
internacional
internacional, constituido durante el siglo XIV por intercambio
se gestó por la
fusión de rasgos entre países cuyas fronteras eran inestables y que ignoraban el
franceses, nacionalismo en el arte. Este estilo se gestó por la fusión de
flamencos
e italianos rasgos franceses, flamencos e italianos, que en la época
sustentaban el prestigio de las artes plásticas en la Europa
Central.
4 13

Capítulos
Las obras maestras de este estilo que triunfó hasta

principios de siglo XVI, deben buscarse en las miniaturas
de los manuscritos ejecutados para el fastuoso duque de
Berry, sobre todo en las Tres Riches Heures de los hermanos
Limbourg.
También los cuadros de la época están impregnados de este
estilo, y de modo especial el calvario del “Martirio de San
Dionisio”, pintado quizás por Henri Belechose, terminado en
1416 para la cartuja de Champmol, lugar donde fueron sepul-
El triunfo del estilo
tados los duques borgoñones, a las puertas de Dijon.
cortés impuso a
toda Europa El triunfo del estilo cortés impuso a toda Europa occidental
occidental el gusto el gusto por el lujo y el arabesco elegante. Pero a causa de la
por el lujo y el
arabesco elegante devastación por la guerra de los Cien Años, Francia vivía un
período dificil. Habían muerto los grandes mecenas. El Delfin
Carlos VII luchaba por su trono y aunque los miniaturistas
5 13

Capítulos
parisinos continuaban trabajando para los ingleses y los

borgoñones, los centros principales de la actividad artística
se establecían en las fronteras del reino. En Niza, en Marsella
y en Aviñón se preparaba el inminente florecimiento de la
escuela provenzal.
Felipe el Bueno, duque de Borgoña, continuó la tradición
de mecenazgo pero reclutó a casi todos sus artistas en Flandes.
Aunque la pintura continuaba tratando asuntos que eran
herencia del Duecento como la vida de María, la Vírgen con
el niño, la vida de los santos, temas que naturalmente
recogería el grabado, las escenas de la vida pública de Jesús
se hacían más frecuentes, sobre todo las de la Pasión,
manejadas ahora con un realismo nuevo. El juicio universal
continuaba suspendiendo sobre la gente la amenaza del
6 13

Capítulos
castigo eterno. Los elegidos llenaban el Paraíso y los réprobos

se retorcían bajo los más refinados suplicios.
Jean Fouquet, gran En este estado de cosas apareció Jean Fouquet, la figura
figura artistica,
artística más grande de este estilo en Francia, iniciador de la
inició la pintura
renacentista pintura renacentista francesa.
francesa Fouquet había estudiado en París en una escuela de
miniaturistas en la que sobrevivían todavía reminiscencias del
arte gótico.
De primordial importancia fue su trabajo realizado en 1450
para el libro de Las Horas de Esteban Chevalier. En esta obra el
pintor ofreció un panorama de París del siglo XV. Esta labor de
crónica artística fue complementada con las ilustraciones que
hizo para el libro de las Grandes Crónicas de Francia, en donde
describió la vida ciudadana.
7 13

Capítulos
No hay duda que en pintura Fouquet fue la estrella

solitaria de la Francia de ese siglo, en que hubo mucha
actividad artística pero ninguna gran personalidad como la
suya.
8 13

Capítulos
Francia Siglo XV Actividad grabado
La mayoría de las piezas xilográficas se estamparon a partir de

mediados de siglo, siendo contemporáneas de los grabados más
antiguos realizados en los países vecinos.
El estilo de estas estampas era todavía primitivo. Puede
nombrarse al menos una pieza de las primeras del siglo, identificada
como “La Virgen de Lyon”, llamada así por haber sido hallada en
un manuscrito de esa ciudad. La atribución francesa pudo ser
confirmada y existe un ejemplar único en la Biblioteca Nacional
de París. Se trata de una de las xilografías incunables, cuya fecha
se ha situado hacia el año de 1425.
Un buen número de obras en madera fueron ejecutadas a
Virgen de Lyon
Anónimo mediados de siglo. Los primeros libros con grabados aparecen, en
cambio, a finales del mismo. La Historia de Fierabras (Lyon 1480),
9 13

Capítulos
Belial o el Consuelo de los Pobres Pecadores (1484) y otras

obras fueron ornamentadas con grabados xilográficos, si bien
no pueden considerarse significativos artísticamente.
Las publicaciones de Antoine Verard, y entre ellas La Mar
de Historias, impresa por Jean Dupré en 1491, son las primeras
en las que el arte empieza a desempeñar un papel de
importancia. Los cortes de buril son aún toscos pero la
invención tiene aciertos.
En La Danza de los Muertos, impresa por primera vez en
1485 bajo la dirección de Verard, se hayan láminas de interés,
dignas de enaltecer a grabadores que empezaron a ser
artistas.
Libros de escenas históricas o descripciones romanescas
inspiraron los adornos de los libros de horas destinados a
meditaciones religiosas. El grabado en madera encontró en
10 13

Capítulos
estas obras de piedad fácil salida. Atentos los editores de los

deseos del público, emplearon a muchos artistas que no
fueron conocidos. Pero al menos dos impresores han quedado
en la memoria: Verard y Simon Vostre. Los temas transcritos
fueron el Antíguo y el Nuevo Testamento y algunos profanos.
En este tiempo, Figuras sencillas que expresan la animación de la vida, con
la industria
influencia extranjera. Como todo arte primitivo, estas obras
invadió el arte,
desnaturalizándolo, tienen cierta expresividad, cierta gracia en las figuras que
pues la necesidad compensan la ciencia en la composición y dispensan las fallas
de vender barato
produjo obras del dibujo y las imperfecciones formales.
que lejanamente Fueron muchos los impresores que pusieron sus prensas al
se parecían
a las primitivas
servicio de la industria naciente. Philipe Pigouchet se asoció con
Vostre para publicar en 1488 un libro de horas. Otros impresores
como Guillermo Godart y Francois Regnault hicieron libros curiosos,
aunque de mérito artístico pobre.
11 13

Capítulos
No tardó la industria en invadir el arte, desnaturalizándolo,

pues la necesidad de vender barato produjo obras que
lejanamente se parecían a las primitivas.
Las composiciones que aparecen en los libros publicados
por Verard y Vostre son variadas en cuanto a invención, pero
el carácter de los grabadores es siempre el mismo. Los
pequeños personajes se destacan con frecuencia sobre un
fondo hecho con pequeños puntos que recuerdan los fondos
de oro de las miniaturas. Las figuras se mueven sin afectación,
expresando los episodios de la vida.
Si bien la sencillez constituye el rasgo principal de estas
Los ingleses conducen
a Juana de Arco estampas, existió también cierto cuidado en la agrupación
Anónimo de las figuras, que denota un progreso en la producción. Los
grabadores deseaban salir del estado de infancia en que
estaban.
12 13

Capítulos
Se nota en estas piezas la influencia extranjera: algunas piezas

tiran hacia el arte alemán, otras hacia el flamenco. Pero la
mayoría parecen inspiradas por los miniaturistas franceses.
13 13

FRANCIA SIGLO XVI

Capítulos
Francia Siglo XVI Situación histórica
La sólida situación del país estimuló a Carlos III intervenir en

Italia, intentando reivindicar, sin éxito, la corona de Nápoles
como herencia de los Anjou. Esta política intervencionista,
rivalizadora con España, fue proseguida por su primo Luis XII,
de la Casa de Orleans, al incorporarse el Milanesado. La
península italiana fue el escenario de los enfrentamientos entre
la monarquía francesa, heredera de los Anjou, y la monarquía
hispánica, sucesora de los derechos de la corona catalano-
aragonesa. Al final, Francia resultó expulsada de la península
italiana y Cerdeña, Sicilia, Nápoles y el Milanesado quedaron
incorporados al régimen hispánico.
La elección de Carlos I como emperador de Alemania, en
1519, rodeó a Francia con las posesiones de los Austria. 1 31

Capítulos
Francisco I intentó durante su reinado romper este cerco,

recurriendo inútilmente a alianzas con protestantes y turcos.
Las guerras Pese a las derrotas sufridas en la guerra, el país siguió
religiosas pusieron
prosperando. Con el movimiento renacentista, la nobleza se
en peligro
los reinados agrupó en la corte y pudo realizarse una centralización
de Francisco II, administrativa. El comercio y la industria se intensificaron por la
Carlos IX
y Enrique III fundación de las primeras colonias de América.
La difusión del protestantismo que durante el reinado de Enrique
II había llegado a la alta nobleza y que formó el partido de los
hugonotes, creó enfrentamientos con la Santa Liga Católica. Los
reinados de Francisco II, Carlos IX y Enrique III se vieron trabados
por las luchas entre hugonotes y católicos.
Estas luchas religiosas se iniciaron con la matanza de los
hugonotes en Vassy, en 1562. Diez años después, otra matanza
de hugonotes en París durante la noche de San Bartolomé, 2 31

Capítulos
señalaría uno de los episodios más sangrientos en la historia de

las guerras religiosas.
La muerte de Enrique III en 1589 (quien había hecho
concesiones a los protestantes), dejó como heredero al
protestante Enrique de Borbón, rey de Navarra. La Liga pidió
ayuda a España, pero la conversión de Enrique (IV) en 1593,
le facilitó el acceso al trono. El nuevo rey, primero de la
dinastía de los borbones, restableció el orden interno,
respetando la libertad de cultos. El Edicto de Nantes de 1598
favoreció a los hugonotes y puso fin a las guerras internas
de la religión. Ese mismo año la paz acordada entre el
monarca francés y Felipe II, dio fin también a la guerra con
España. Felipe moriría ese mismo año.
3 31

Capítulos
Francia Siglo XVI Situación artística
El Renacimiento italiano se difundió en Francia y sentó las bases

de una tradición clásica que prolongaría por cuatro siglos su
predominio en el arte. Los castillos del Loire (Blois y Chambord),
la iglesia de St. Pierre de Caen, el castillo real de Fontainebleau y
otras obras arquitectónicas transformaron profundamente el
gusto, de acuerdo a los nuevos ideales de armonía clásica y
humanismo.
La difusión del Los monarcas franceses habían mostrado desde la segunda
renacimiento
mitad del siglo XIV la afición por las obras de arte, aunque
italiano en
Francia propició no tanto por la pintura. El inventario de los bienes de Carlos
el predominio V y del duque de Berry señalaban una tendencia por el
de la tradición
clásica del arte coleccionismo de objetos suntuosos y piezas de mobiliario.
por cuatro siglos Para ambos personajes, la pintura no despertaba especial interés. 4 31

Capítulos
Empero, desde finales del XV, Carlos VIII había adquirido diversas
piezas escultóricas de la antigüedad clásica. A partir de entonces
el patrimonio de la corona francesa se enriquecería incesantemente
con obras de género, gracias a la labor coleccionista de
diplomáticos, militares y prelados establecidos en las posesiones
de Italia.
Con respecto a la pintura, no fue sino hasta el reinado de
Francisco I (1515-1547), cuando la monarquía mostró un gran
interés por la pintura. Se debe a este rey, protector de las letras y
de las artes, la creación de una pinacoteca en el Palacio de
Fontainebleau. El inmueble acogió decoraciones murales de artistas
italianos, singularmente de Rosso y Primaticio.
La pintura en este tiempo estuvo pues esencialmente
representada por la escuela de Fontainebleau, surgida de los
5 31

Capítulos
modelos introducidos por estos dos pintores y que produjo

personalidades excepcionales como Jean y Francois Clouet,
Jean Cousin y un grupo de miniaturistas y retratistas, fieles a
la tradición franco-flamenca.
Cousin destacó en Cousin, que se distinguió en pintura, escultura y grabado,
pintura, escultura
tuvo además el mérito de introducir la pintura de desnudo en
y grabado,
además, introdujo el país galo.
la pintura Los Clouet eran de origen flamenco; a esta influencia y a
de desnudo
en el país galo la de los maestros italianos mencionados se debe el estilo de
sus obras renacentistas. Jean -padre de Francois- pintó un
retrato de Francisco I, pieza fastuosa por las telas de la
indumentaria del modelo, ejecutada probablemente en 1535.
Francois proseguiría también la técnica del retrato.
6 31

Capítulos
Otras pinturas anónimas de artistas franceses como una

Diana Cazadora y el cuadro de la duquesa de Villars y Gabriella
de Estrees, que aparecen con el torso desnudo, fueron obras
de la escuela de Fontainebleau y ambas tipifican los principios
conceptuales y estéticos impuestos por Rosso y Primaticio.
En el caso de la Diana, especialmente, el canon alargado de
la figura, procede de Primaticio, en tanto que el modelado
del busto encuentra su paralelo en pinturas de Rosso. Los
desnudos de las hermanas de Estrees hacen ver también este
tipo de modelado en los bustos.
El estilo El estilo de Fontainebleau se consideró como cortesano y
de Fontainebleau
significaba por lo tanto una línea temática distinta a la pintura
se consideró
como cortesano religiosa. Aparte de los retratos se utilizaron aquí los temas
y significó una línea de la mitología greco-romana.
temática distinta a
la pintura religiosa 7 31

Capítulos
Francia Siglo XVI Actividad grabado
El más fecundo de En este siglo, la influencia del Renacimiento hizo posible el deseo
los maestros
de renovación. Francia tomó parte en el movimiento con
franceses, Salomón
Bernard, fue pintores, arquitectos y escultores. El grabado también estuvo
conocido como el presente, principalmente en la madera. Los grabadores tallaron
Pequeño Bernardo
con destreza y finura sobre excelentes modelos, siguiendo con
fidelidad la obra inspirada, sacrificando su propia personalidad
en ellas.
El más fecundo de estos modestos maestros franceses,
Salomón Bernard, fue conocido como el Pequeño Bernardo.
Nunca firmó una lámina con su nombre o monograma, pero
fue identificado posteriormente en una edición de 1680 de
La Biblia. Sus pequeñas composiciones están animadas por
8 31

Capítulos
multitud de figuras distribuidas, elegantemente dibujadas. El

arte francés presenta aquí los caracteres de su originalidad,
de su espíritu y ligereza.
Las estampas del Pequeño Bernardo, que no fueron pocas,
estimularon a otros artistas. “La boga singular del Pequeño
Bernardo no tardó en originar entre otros artistas el deseo de
ejercitarse en el género, haciéndose hábiles en poco tiempo.
Encargáronles entonces los editores señales para distinguir los
libros que publicaban, después florones, remates de capítulos,
letras iniciales, pequeños adornos en que brilla un mérito
excepcional y que prueban que el arte se introducía por todos
lados. Desgraciadamente, es mucha la dificultad para clasificar
las publicaciones de la época. Es indudable que las hicieron
distintos artistas, pero ninguno tuvo la precaución de firmar sus
estampas”, dice Duplessis. 9 31

Capítulos
Destacó también Godofredo Tory, de Bourges, quien estuvo

al frente de una escuela de grabadores y todas las láminas
que salieron de su taller se reconocen por una doble cruz. No
es difícil reconocer la mano de Godofredo, dice Duplessis, en
cierto número de láminas señaladas con la cruz de Lorena.
Las de Las Horas de la Virgen, publicadas en 1524 por Simon
Enrique II a Caballo
Tory de Colines, están firmadas con el nombre completo. Las figuras
arrogantes y esbeltas señalan el gusto por lo elegante, que los
artistas de Fontainebleau llevaron a la exageración. Puede
atribuírse también a Godofredo la “Entrada de Enrique II a
París en 1549”, “La Antígua y Nueva Alianza”, pieza alegórica,
grabada en un dibujo que recuerda a Jean Cousin.
Después de Tory y los grabadores anónimos que
contribuyeron a recordarnos su estilo, el grabado en madera
declinó. Se imponía el grabado en metal. 10 31

Capítulos
La expresión En el metal, el primer grabador digno de mención fue Jean

más intensa
Duvet (1485-1570), nacido y muerto en Langres. Orfebre y
la alcanzó Duvet,
con los trabajos grabador, sus primeros trabajos evocan la técnica del
al buril sobre cincelador, los nielos con sus contornos apoyados en tonos
el tema
del apocalipsis grisáceos. De tal época son “El Juicio de Salomón” (1519) y
“La Anunciación”(1520). Su estilo personal se iría edificando
poco a poco, tras la asimilación de diversas influencias. Estas
primeras estampas continúan la tradición del siglo XV en
Francia.
De 1521 a 1524 vivió Duvet en Langres. Entre 1450 y 1546
lo hizo en Génova, huyendo de las persecuciones que sufrían
los simpatizantes de la Reforma.
Duvet alcanzó su expresión más intensa cuando realizó los
24 grabados al buril sobre el tema del Apocalipsis, tarea que le
tomó diez años, de 1546 a 1555. Al año siguiente, Enrique II 11 31

Capítulos
le otorgó al grabador el privilegio de la publicación de esta

serie de grabados en cobre. El libro fue publicado en Lyon
en 1570.
El Apocalipsis, último libro del Nuevo Testamento, se ha
interpretado como una parábola profética de la historia del
hombre y el fin del mundo. Esta visión aún causaba inquietud
y temor en el tiempo de Duvet. La lámina intitulada “Jean
Duvet estudia el Apocalipsis”, que es la primera de la serie,
señala gran influencia gótica. Arthur M. Hind, estudioso inglés
del arte, dice que la serie tiene un clima más irreal que el
Apocalipsis de Durero, sobre quien Duvet frecuentemente se
inspiró.
Duvet estudia el
Apocalipsis Mantegna influyó también en el francés. Así se observa en
Duvet una de sus mejores piezas, “El Martirio de San Sebastián”.
12 31

Capítulos
Otro buril de 1560, “El Rey Recibe el Regalo de un

Cazador”, forma parte de una serie de seis grabados que
hacen alguna referencia a los amores de Enrique II con Anna
de Poitiers. Aquí las composiciones fueron ejecutadas en su
estilo propio, ya más perfilado.
En este año del 60, Duvet ejecutó también otra de sus
El Rey recibe regalo
de un cazador series más importantes, “La Licorna”, trabajo por el cual se le
Duvet conoció como el Maestro de Licorna.
El grabador tuvo con frecuencia ideas pueriles y en los últimos
años su obra se definió como una renuncia a la clara
profundidad del espacio, en favor de una monumentalidad
efectista. Esta obra tardía, del Apocalipsis en adelante, es un
abigarramiento de elementos anecdóticos y ornamentales, una
especie de horror al vacío, propio de las tablas muralísticas.
13 31

Capítulos
Son composiciones confusas, caóticas, apretujadas, e incluso

el dibujo se muestra lleno de incorrecciones. Pero este fue
el mejor mundo que pudo ofrecer el grabador, un producto
de la imaginación exaltada, inscrito en el metal en un tejido
finalmente evocador de lo maravilloso.
Dos artistas leoneses, Claude Corneille y Jean de
Gourmont firmaron sus estampas con sus monogramas.
Guiados probablemente por los pequeños maestros en
madera que florecían en Lyon en el XVI, desplegaron en el
cobre una habilidad análoga a la de sus coetáneos.
Sobresalieron en composiciones pequeñas. Gustaban de
hacer arquitecturas complicadas; poblaban sus pórticos o
rotondas con personajes bíblicos o fabulosos.
Otro gran artista de este período renacentista ya
mencionado, Jean Cousin padre (1490-1561), arquitecto, 14 31

Capítulos
pintor, escultor y vitralista, manejó también el buril. Originario

de Sens, de modesta familia de viñadores, tuvo aquí (entre
1512 y 15) como maestros a dos pintores-vitralistas, quienes
trabajaban en la catedral. A él mismo se atribuyen dos vitrales,
uno en la misma catedral de Sens en 1530, y otro en la capilla
de Nuestra Señora de Loreto, en 1542.
En su primera época de trabajo, Cousin fue pintor y
vitralista. En 1526 aparecía calificado en las actas notariales
como pintor y arquitecto. En las crónicas del monasterio de
Vaulvisant, hacia 1530, se daba cuenta de su actividad como
pintor.
Se estableció en París en 1540. Al año siguiente firmó contrato
para diseñar cartones para tapices, con seis episodios de la vida
de Santa Genoveva, destinados a la cofradía de Santa Genoveva
del Monte. 15 31

Capítulos
Fueron bien las cosas para Cousin. Compró un terreno

próximo a la puerta de la villa de Saint-Germain, en la esquina
de la calle de Sena y la nueva calle de Marais, donde mandó
construir una gran mansión, compuesta por varios edificios,
con patio y jardín encerrado por muros. Instaló ahí su estudio
y un taller, en los cuales hubo siempre gran actividad.
Su obra cumbre en la pintura fue el célebre “Juicio Final”,
que decoró por largo tiempo la sacristía de los Mínimos en
Vincennes. En este lienzo supo mover sin confusión cientos
de figuras entre ruinas y ciudades desmanteladas, y en la parte
de arriba la gran corte celestial.
Cousin fue autor de numerosos grabados en madera. Los
editores lo buscaban para ilustrar con sus láminas los impresos.
Debidas a su inspiración son las estampas de la
“Anunciación”, el “Descendimiento” y la “Sagrada Familia”, 16 31

Capítulos
esta última con fecha de 1544. Produjo viñetas para el Libro

de Costumbres de Sens, impreso en 1549; realizó las
ilustraciones de la entrada de Enrique II en París, editadas en
1555. Para su Libro de Perspectiva, impreso en París en 1560,
grabó con sus propias manos varias planchas en madera. La
edición fue realizada en la imprenta de Jean de Roger.
Se publicó también, en 1561, su Libro sobre Arte del
Retrato.
Cousin fue el primer pintor francés que utilizó el desnudo.
Se inspiró claramente en las Venus de Giorgione y de Ticiano,
aunque con un estilo más ingenuo, de vigor más áspero, más
espontáneo. Cousin murió en París en 1561 y su hijo habría
de continuar su obra.
17 31

Capítulos
Otros grabadores lograron también sobresalir entre un

crecido número de profesionales que trabajaban con distinta
suerte. Esteban Delaune, perteneciente a la escuela de
grabado de Orleans. Su estilo indica antecedentes de orfebre,
de ahí su preferencia por trabajos pequeños. Reprodujo en
gran formato composiciones de Cousin.
De Orleans fueron igualmente Jean Chertier y Pierre Vallet.
El primero ejecutó con aspereza unas diez estampas con
figuras alegóricas: la fuerza, la abundancia, la justicia, de
mediano mérito artístico. Vallet fue más hábil; grabó en
aguafuerte con exactitud el plano de París trazado por Francois
Quesnel. Ejecutó también un autorretrato y el retrato del
botánico Jean Robin.
París concentró a los artistas de mayor nombradía. Pierre Biard
grabó estampas de su invención, pero tuvo mejor suerte en dos 18 31

Capítulos
láminas, una sobre obra de Miguel Angel y otra de Giulio

Romano, “El Esclavo” y “Venus Celosa de Psiquis”,
respectivamente.
No habiendo en Francia una escuela de pintura bien
establecida, muchos pintores buscaron sus modelos en Flandes
y en Italia. Otros incluso emigraron. Nicolas Beatrizet y Niccolo
della Casa, al igual que Esteban Duperac, pasaron su vida en
Italia, haciendo obra en el estilo italiano.
Especial importancia tuvo la escuela de Fontainebleau, lugar
a donde Francisco I había atraído a los maestros más
distinguidos de diversos países, principalmente de Italia.
Artistas italianos, franceses y flamencos, al respirar el mismo
aire, parecieron obedecer a la misma influencia. Estos artistas
olvidaron o fundieron sus estilos nacionalistas hasta el punto
19 31

Capítulos
de que sus obras no eran ya italianas, francesas o flamencas

sino una mezcla o asimilación de todas. Francisco, soberano
joven e instruido, y amante por supuesto del lujo, deseó
una renovación en Francia, similar a la del renacimiento
italiano. Adquirió obra de los grandes maestros y logró atraer
a Leonardo da Vinci, a quien ofreció el castillo de Cloux,
cerca de Amboise, poniendo a su alcance todo lo que
necesitaba el prestigiado maestro. Por desgracia para el
soberano, da Vinci murió a los tres años de haberse
Francisco, soberano instalado. Después llamó Andrea del Sarto, pintor
joven e instruido,
manierista, y después llegaron dos artistas también italianos;
deseó una
renovación Rosso y Primaticio, que fueron sucesivamente el alma de
en Francia, ese proyecto artístico singular de Fontaineableau. Ambos
similar a la del
renacimiento pintores enseñaron más con sus obras que con sus
italiano
20 31

Capítulos
enseñanzas teóricas. Ambos cubrieron las paredes del castillo

de inmensos frescos sobre los cuales los artistas grabadores
sacaron sus modelos.
En 1530, Giovanni Battista di Jacopo, (1494-1540), más
conocido como Rosso Fiorentino, alumno y recomendado de
Miguel Angel, llegó a la corte para decorar el Palacio de
Fontaineableau, construido por el mismo Francisco l.
Había vivido en Florencia y Roma, llevando una vida
placentera. Cuando las tropas del condestable de Borbón
entraron a Roma en 1527, el Rosso fue aprehendido y
humillado. Huyó a Perusa, albergado por el pintor Domenico
de París. Durante tres años vagabundeó. Estaba en Venecia
cuando fue llamado por Francisco.
Tras algunos trabajos de menor cuantía, el Rosso emprendió
su gran trabajo decorativo en la galería de Francisco, en el 21 31

Capítulos
castillo de Fontaineableau. Trató ahí trece temas sacados de

la historia y de las leyendas. Los temas, con sentido alegórico,
relacionados con las cualidades morales, los amoríos o las
cosas relevantes del monarca.
Rosso, fecundo Manierista florentino, formado principalmente bajo la
en invención,
influencia de Miguel Angel, Rosso era un pintor dotado de
elegante, con
fuerza y carácter, extraordinario talento decorador. Fecundo en invención, elegante,
fue el centro con fuerza y carácter, fue el centro y director de la actividad
y director
de la actividad plástica desarrollada ahí. Murió el 14 de noviembre de 1540.
plástica Según Vasari, tuvo el Rosso una muerte trágica. Había
denunciado y torturado a su amigo y ayudante Francesco
Pellegrino, por sospecha de robo. Al ser probada la inocencia de
éste Rosso se envenenó.
Al morir Rosso, se confió al Primaticio la conclusión de los
trabajos del castillo. Primaticio, cuyo nombre era Francesco
22 31

Capítulos
de Bolonia (1505-1570), decoró primero la cámara del rey y

después realizó un fresco en la cámara de la duquesa de
Etampes, ahí en el castillo también. La duquesa era una de
las favoritas del monarca.
El Primaticio había colaborado con Rosso en la decoración
del Pabellón de Pomona, en los jardines de Fontaineableau.
Y hubo, naturalmente, una rivalidad entre ambos. El
Primaticio, boloñés, procedía de los conceptos de Correggio
y del Parmesano. La decoración de la Galería de Ulises fue
realizada por él entre 1540 y 1547.
Desaparecido Rosso, Desaparecido Rosso, el Primaticio se convirtió en el maestro
el Primaticio
absoluto de Fontaineableau. Sus dos obras más considerables
se convirtió
en el maestro fueron la suntuosa sala de baños con la historia de Júpiter y
absoluto de de Calisto y la obra pintada en la Galería de Ulises, de 150
Fontaineableau
metros de longitud. Fueron 161 temas pintados que cubrieron 23 31

Capítulos
muros y la bóveda: «Rondas de las Horas» y pasajes de «La

Historia de los Dioses»; 58 episodios tomados de La Odisea.
La mesura francesa En el reinado de Enrique 11, muerto Francisco 1 en 1547,
calmó la exuberancia
el Primaticio emprendió la decoración de la Sala de la Danza.
italiana
En 1559, al morir Enrique, Catalina de Médicis, convertida
en soberana del reino, nombró a Primaticio director de las
edificaciones del rey, ocupando el puesto de Philibert Delorme.
Desde entonces, Primaticio se dedicó casi exclusivamente a
su tarea de arquitecto y encargado de los trabajos de escultura.
Desapareció en plena gloria, en 1570, con un servicio a los
reyes de Francia de cuarenta años.
El arte de Fontaineableau estuvo de acuerdo con el
epicureísmo de la época. Emanó de este arte un encanto
turbador, mezcla de erudición y sensualidad. La mesura
francesa calmaría la exuberancia italiana. Arte particularmente 24 31

Capítulos
ávido de elegancia, de distinción de las formas, que se alargan

y tienden a una gracilidad propia del Parmesano. Gracias a
esta primera escuela de Fontaineableau - y la única realmente
importante- los temas mitológicos reemplazaron a los
religiosos en la pintura francesa. Los desnudos femeninos,
muy libres, figuraron en las escenas paganas, inspirados en
las bellezas célebres de ese tiempo como madame de Etampes,
Diana de Poitiers o Gabriela de Estrees.
Gracias a la escuela Buena parte de toda esta obra espléndida fue trasladada al
de Fontaineableau,
grabado por una legión de grabadores que trabajaron bajo las
los temas
mitológicos indicaciones directas de Rosso y del Primaticio. El grabado tenía
reemplazaron por objetivo vulgarizar estas pinturas, partiendo de los dibujos
a los religiosos
en la pintura preparatorios de ambos artistas y sus ayudantes como el
francesa romano Lucas Peni, el florentino Domenico de Barbieri y el
flamenco italianizante Leonardo Tiry. En suma, el Renacimiento 25 31

Capítulos
italiano invadió el castillo de Fontaineableau durante el segundo

tercio del XVI.
Entre los mejores grabadores de esta escuela deben también
mencionarse a Antonio Fantuzzi, al mismo Tiry, a René Boyvin
y Guido Ruggieri. Estos grabadores, de quienes se conocen
muchas obras firmadas con sus nombres o monogramas,
trabajaron directamente bajo la dirección de Rosso o del
Primaticio.
En «El Parnaso», composición llena de personajes, Fantuzzi
supo distinguir cada grupo y cada figura, dándoles su importancia
relativa. En otra composición, «Júpiter Despidiendo a Juno, Venus
y Minerva delante de París», realizó su trabajo de aguafuertista
con toques de buril.
Reprodujo Fantuzzi, sobre todo, los trabajos de Primaticio.
Leonardo Tiry, probablemente el más fecundo de los grabadores 26 31

Capítulos
de la escuela, pasó parte de su existencia en Italia y llegó a Francia

con un oficio ya consolidado. Sus láminas en aguafuerte y en buril
llevan el sello de un profesional. En sus obras se halla una mezcla
del arte de las regiones donde vivió. Así, sus monumentos
recuerdan su prolongada estancia en Italia; la vestimenta de sus
personajes atestiguan su presencia en Francia. Según Vasari, Tiry
había sido pintor y estuvo asociado a los trabajos del Rosso, lo
que explicaría su habilidad.
Tiry reprodujo las obras de los dos maestros con perfección y
La ninfa
Fontainesbleau fidelidad a sus modelos.
Millan y Boyvin René Boyvin (1530-1598) nació en Angers y se estableció en
París, donde se hizo intérprete de los maestros de Fontaineableau.
Orfebre, burilista y aguafuertista, fue alumno de Pierre Millan,
autor de piezas no firmadas y que se han atribuido al mismo
27 31

Capítulos
Boyvin. Grabador en cobre y grabador de monedas, Millan

trabajó en París entre 1542 y 1550.
Boyvin fue el continuador de Millan en la «Ninfa de
Fontaineableau», grabado realizado en 1553, lámina que no
había sido terminada por éste. La pieza resume la estética
«bellafontaine», con su elegancia y gracia convencionales,
hijas del manierismo del Parmesano. Boyvin murió en Roma
sobre 1598.
Guido Ruggieri siguió la huella de los dos maestros
creadores. Sus piezas no fueron muchas, se dice, pero justifican
su presencia y su actividad en Fontaineableau.
Gran número de estampas a las que no ha sido posible
Ronda de Driadas
Millan atribuirles una paternidad precisa se designan bajo la
denominación colectiva de grabadores anónimos de la
escuela. 28 31

Capítulos
El grabado no tuvo sino parte secundaria en el movimiento

generacional de ese arte. Se le asoció a todos los trabajos de la
escuela porque servía para multiplicarlos y difundirlos.
Los coetáneos no dieron la importancia debida a estos trabajos
gráficos, pero el tiempo los ha reivindicado. Mutilados muchos de
los espacios del palacio de Fontaineableau, sólo las estampas
pudieron conservar las imágenes de los frescos desaparecidos.
Las composiciones del Primaticio no serían conocidas si no fuese
por el trabajo de los grabadores. La mano del hombre y los
insultos de los años han hecho desaparecer la mayor parte o
casi todas las pinturas preciosamente decorativas que este
excepcional artista fijó en las paredes del palacio de Francisco l.
A un lado de este arte de exquisita ornamentación renacentista
nació en la corte otro arte de índole enteramente nacional, que
29 31

Capítulos
se establecería en toda Francia: el arte del retrato. Un arte que

cuidaba que cada rostro tuviese su expresión, su vida, su carácter
y su propia significación. Este género tuvo en el siglo excelentes
practicantes. No obstante la calidad de las piezas grabadas, se
ha dicho que el buril nunca fue capaz de igualar la excelencia de
sus modelos, que se enfrentaba a originales superiores a sus
recursos expresivos y de perfección dibujística.
Jean Rabel y Thomas de Leu fueron dos figuras destacadas. El
primero demostró con sus estampas que era tan buen dibujante
como pintor, sabiendo expresar la fisonomía y el rango psicológico
de sus modelos. Su buril fue lo bastante hábil para corresponder
a su voluntad; la entalladura pudo seguir con gran fidelidad el
dibujo y el sentido de la forma.
De Leu tuvo el cuidado de identificar al pie de muchas de
sus estampas el nombre de aquellos a quienes tomaba por 30 31

Capítulos
modelos. Isaias Fournier, Jacques Bunel, Quesnel, Daniel y

Pierre Demonstier deben a De Leu en parte su notoriedad.
Formado en Amberes, el talento de De Leu consistió
generalmente en reproducir con fidelidad el dibujo que tenía
a la vista. Fue muy numerosa la colección de sus grabados en
el género del retrato, entre ellos los de Gabriela de Estrees y
Pierre de Brach. Se sabe que el grabador anduvo por París
hacia 1576 y que trabajó junto a Rabel. Murió hacia 161l.
Ambos artistas tuvieron imitadores pero ninguno de éstos
alcanzó la excelencia de ellos. Es de interés subrayar que este
selecto grupo de grabadores retratistas del XVI, se prolongó
durante buena parte del siglo XVII, con personalidades
inmediatas como Leonard Gaultier, Pierre Daret, Claude Mellan
y Michel Lasne.
31 31

FRANCIA SIGLO XVII

Capítulos
Francia Siglo XVII Situación histórica
El cardenal Richelieu recibió el gobierno de manos de Luis

XII en 1624 y desempeñó esta tarea con férrea voluntad.
Fue el verdadero creador del absolutismo real y su política
se condujo por tres grandes objetivos: reducir la fuerza del
protestantismo, dominar a la nobleza y abatir el poderío
de la casa de Austria.
En política exterior continuó también el avance
colonialista. Para apoyar el quebrantamiento del poderío
de los Austria estimuló a los protestantes en la guerra de
los Treinta Años, iniciada en 1618.
Su política fue proseguida por Mazarino, cardenal regente de
Luis XIV durante su minoría de edad. La Paz de Westfalia, en
1648, puso fin a la guerra de los Treinta Años pero Francia
1 39

Capítulos
continuó la guerra con España hasta la Paz de los Pirineos en

1659.
Antes de su muerte en 1661, Mazarino preparó el último
toque de la monarquía absoluta instaurada por Luis XIV.
El Rey Sol desplegó una activa política internacional
destinada a romper el equilibrio de Westfalia, cosa que lo
enfrentó a las demás naciones europeas.
Luis XIV gobernó despóticamente desde la corte de
Versalles, rodeado de cortesanos y un equipo eficaz de
colaboradores. Entre ellos el economista Jean Baptiste Colbert,
quien dirigió la Hacienda desde 1665 y orientó el Estado hacia
el mercantilismo. La Hacienda sufrió los efectos del enorme
dispendio del aparato estatal, los gastos de la corte y de la
guerra. Para financiar este gasto aumentó los impuestos e
inventó otros.
2 39

Capítulos
En lo religioso, el rey ejerció también su influencia. Entró

en conflicto con el Papa en 1678 y defendió las libertades
de la iglesia francesa frente a Roma. Persiguió el
calvinismo, revocando en 1685 el Edicto de Nantes, lo
que provocó la emigración de muchos protestantes.
3 39

Capítulos
Francia Siglo XVII Situación artística
La nueva sociedad, estructurada sobre una base central,

rígidamente monárquica, planeó un programa de construcciones
monumentales y fastuosas que se adecuaron al gusto oficial,
impuesto por la Academia de Bellas Artes, fundada por Richelieu.
La mayoría de las obras arquitectónicas se hicieron en París y
en sus alrededores: la residencia real de Versalles, el Palacio de
los Inválidos, la fachada del Louvre y el Palacio de Luxemburgo,
entre otras. Los escultores Francois Girardon y Antoine Coysevox
1.- La Historia de la llenaron de estatuas estas construcciones. En los jardines
Estética. Raymond
proliferaron las fuentes y los estanques proyectados por Le Notre.
Bayer. Fondo de Cultura
Económica. México La Academia Real de Bellas Artes fue dirigida durante
1965.
veinte años por el pintor Charles le Brun, que se convirtió
en un verdadero dictador del gusto clasicista académico.
4 39

Capítulos
Francia Siglo XVII Situación artística
Dice Raymond Bayer1: “Le Brun fue el Luis XIV de las artes,
que aparecieron jerarquizadas, disciplinadas, como el resto
del reino”.
Los grandes pintores clásicos franceses como Nicolás
Los grandes Poussin, Claude Lorrain y Philipe de Champaigne imitaron
pintores clásicos
franceses como
la naturaleza, o para ser más precisos, imitaron a Italia. A
Nicolás Poussin, un lado de este clasicismo académico se desarrolló una
Claude Lorrain y
corriente naturalista y sensitiva en la que destacaron Georges
Philipe de
Champaigne la Tour y Louis le Nain.
imitaron a Italia Durante este siglo la pintura barroca francesa tuvo dos
corrientes: una representada por los pintores que siguieron
a Caravaggio y a los Carracci; otra bajo la influencia que fue
intensificada después de que Rubens decoró la galería de
Luxemburgo.
5 39

Capítulos
Francia Siglo XVII Actividad grabado
Pierre Daret, Claude Mellan y Michel Lasne fueron en tiempos

de Luis XIV lo que habían sido Thomas de Leu y Leonard
Gaultier durante el reinado de Enrique IV. Pocos personajes
célebres se sustrajeron al buril de estos grabadores.
El buril de Daret, por lo general, seco y monótono, tuvo
acierto al reproducir varias obras, entre ellas un dibujo de
Daniel Dumonstier.
Mellan (1598-1688) fue pintor, dibujante y grabador,
Juan bautista nacido en Abberville y fallecido en París. En esta ciudad
Mellan
empezó su formación, poco después de la llegada en 1619,
con De Leu y con Gaultier, y en 1624 estuvo en Roma,
trabajando bajo la influencia de Villamene y de Simon Vouet.
Autor de unos 400 grabados, la mayor parte retratos, figura
6 39

Capítulos
como uno de los mejores grabadores de la época. Sus

primeros grabados se asocian a la influencia de Gaultier.
Mellan figuró Gracias a su compatriota Vouet, en Roma conoció la
como uno
producción artística de los seguidores del Caravaggio,
de los mejores
grabadores haciendo suyos los principios compositivos de esa corriente.
de su época Grandes figuras en la composición, rico juego de
movimientos y luces, fondos oscuros, atestiguan la intensidad
con que el artista se ocupó en los primeros años de su
estancia en Roma, de las pinturas del Caravaggio. Una de
sus obras más difundidas es el “Juan Bautista en el Desierto”,
grabado en cobre realizado en 1629. El santo adolescente
aparece casi desnudo; su humanidad ocupa buena parte de
la composición y se acompaña por un juego rico en
movimientos y luces, con gran riqueza gráfica.
7 39

Capítulos
Algunos de sus trabajos realizados en Roma fueron

reproducciones de obras del mismo Vouet, Pietro de Cortona
y Gianlorenzo Bernini. El resto de sus grabados, hechos a
partir de sus propios dibujos, señalan su inspiración de
diversas fuentes. En estos años Mellan desarrolló el proceso
de grabado en una sola talla que le valió, a su regreso a
París en 1637, una gran reputación.
Nicolás-Claude de Peirsec le encargó la ejecución de las
célebres Ediciones del Louvre. Por este trabajo Luis XIV lo
recompensó generosamente, nombrándolo grabador
ordinario del rey, lo instaló en el Louvre y le otorgó una
pensión. Poco después, Mellan era nombrado grabador del
gabinete de estatuas y de bustos antiguos.
Como pintor retratista tenía también mucha demanda.
Solía dibujar sus modelos al natural y después los trasladaba
8 39

Capítulos
al grabado. Era muy buscado y entre su clientela figuraban

miembros de la familia real borbona. Del total de su obra,
poco más de la mitad fueron retratos.
Con el reinado de Lasne, al parecer, se inspiró al principio en los grabadores
Luis III empezó
extranjeros en lugar de buscar en torno suyo los modelos.
una nueva era
que condujo Por 1630 adoptó un sistema de cruzar las entalladuras y de
a la creación copiar la fisonomía, característica que le hizo distinguirse
de una escuela
francesa que en la escuela francesa.
penetró en las Aparte de los retratos, estos artistas trabajaron en otros
escuelas
extranjeras
temas, reprodujeron acontecimientos que tenían a la vista.
Hasta aquí se trata de un grabado francés sin gran
iniciativa creativa , inspirado en la escuela alemana o en la
flamenca, ejecutado eso sí con gran habilidad. Con el reinado
de Luis III empezó no obstante una nueva era que conduciría
9 39

Capítulos
a la creación de una escuela francesa, que a su vez penetraría

en las escuelas extranjeras.
Jacques Caillot (1592-1635), nacido en Nancy, capital del
ducado de Lorraine, ocupó en el arte del grabado una plaza
aislada por su ingenio eminentemente francés y por su estilo
original.
El padre de Caillot era rey de armas de la corte y entre la
La tentación de
San Antonio familia de su madre había varios pintores. Su primera infancia
Caillot transcurrió en un ambiente de distinción y comodidad, en
compañía de artistas de mérito.
En 1607 ingresó como aprendiz en el taller del orfebre
Domenge Crocq, en Nancy. Después de un par de fugas
aventureras a Italia, en 1608 sus padres decidieron mandarlo
a Roma y un embajador delegado cerca del Papa se hizo
cargo de él en 1609. Antes de partir a Roma había grabado
10 39
Capítulos
algunas cosas que indican su buena disposición para el

dibujo. Algunos biógrafos indican que en Roma su primer
maestro fue Philipe Thomassin, grabador francés establecido
en esta ciudad, con quien perfeccionó su preparación como
grabador en cobre. Thomassin dejó unas 200 planchas, de
las cuales hay 52 reproducciones de estatuas antiguas.
Comenzó Caillot por el buril, ejecutando láminas que
muestran el estilo de Thomassin, pero esta influencia
desapareció pronto.
Después Caillot estuvo cerca de tres años, ahí mismo en
Roma, en el taller del pintor y grabador Antonio Tempesta.
Avecindado por un tiempo en Florencia en 1612, fue
distinguido por Cosme de Médicis, que lo agregó a su casa
y le encargó que grabase la Pompa Fúnebre de la Reina de
España. Salió airoso de este encargo y de ahí comenzó a
11 39
Capítulos
correr su fama de grabador. Ese mismo año decidió Caillot

probar el aguafuerte y a perfeccionar el medio de su
ejecución. Hizo sus primeras estampas en esta técnica en
colaboración con Tempesta.
En 1617 puso en práctica una nueva técnica con auxilio
de un barniz consistente puesto sobre una plancha de metal
recalentada; así pudo dibujar con la misma facilidad que
con una pluma sobre papel. Dejó el buril por el aguafuerte
y realizó muchas láminas en Florencia, volviendo a la Lorena
en 1621, tras la muerte de Cosme, precedido de brillante
reputación. Grabó entonces dos colecciones de doce piezas,
“La Nobleza” y “Los Pobres”, piezas reveladoras de gran
habilidad.
Sitio de Breda
Caillot En 1633, a la entrada de Luis XIII en Nancy, éste le propuso
que grabara el sitio de esa ciudad. Caillot rehusó hacerlo.
12 39
Capítulos
Como lorenés no quiso hacer nada contra el honor de su

príncipe y de su pueblo. El monarca aceptó su razonamiento.
Para probar el horror que la guerra le causaba, inventó
y grabó poco después la famosa colección titulada Miserias
de la Guerra. Representó en estas 18 láminas los males
que sufrieron sus compatriotas durante la lucha. En la
historia del arte, parece que fue el primer artista que en
lugar de glorificar la guerra, la fuerza y la muerte heroica,
representó su horror y su devastación.
Caillot parece ser Dos años más tarde, el 24 de marzo de 1635, murió
el primer artista
Caillot sin dejar hijos de su mujer. Se levantó un mausoleo
que representó
el horror y en su villa natal, Nancy. Otro grabador, Abraham Bosse,
la devastación hizo una estampa del mausoleo.
de la guerra
Desde sus primeros trabajos, Caillot había demostrado
un gran interés por el espectáculo de la vida: la ciudad, el
13 39
Capítulos
campo, las plazas, las calles, fueron algunos de los motivos

que trasladó al grabado. Hizo de todo y con el mismo éxito;
copias de cuadros célebres, retratos, representaciones
principescas y populares, pompas fúnebres, escenas de
guerra y episodios históricos y hasta fantasías truculentas
como las distintas versiones de “La Tentación de San
Antonio”. Su producción, fenomenal, pasó de las 1300
piezas de grabado, aparte de sus dibujos.
Callot creó un género original, nuevo y personal.
Emprendió composiciones inéditas entre sus compatriotas,
donde las figuras de muchedumbres y masas aparecen en
espacios inmensos, con efectos grandiosos. Un trabajo
profundo, lleno de incidentes y hechos dramáticos,
pintorescos, a veces cómicos, con temperamento audaz,
vivo y enérgico.
14 39
Capítulos
Abraham Bosse (1602-1676), que trabajó en los mismos

años que Callot, pero cuya vida se prolongó mucho más,
fue también lorenés. Nació en Tours, hijo de un tallador,
de quien heredó sus hábitos de trabajo sobre barniz duro.
A los quince años fue a vivir a París, y al parecer comezó
su formación como grabador en el taller de Melchior
Tavernier.
De regreso a Tours grabó algunas láminas con el tema
El impresor de talla
dulce de la Virgen y el Niño y escenas de costumbre. Años
Bosse adelante, entre 1624 y 1629, frecuentó el taller de Claude
Vignon -artista también originario de Tours- donde grabó,
entre otras láminas, “El Jardín de la Nobleza Francesa” y
“La Iglesia de la Nobleza Francesa”. Estas piezas muestran
el interés del grabador por los trajes y las costumbres del
reinado de Luis XIII, estampas que tienen además mérito
15 39
Capítulos
artístico. En estas dos estampas aparecen trajes, siguiendo

los dibujos de Jean de Saint Igny. Bosse utilizó aquí el buril.
Estas estampas se consideran entre las mejores que
realizara, junto con dos aguafuertes bien compuestos y
ejecutados. “El Parto”, de 1633, y “El Impresor de Talla
Dulce”, de 1642, en el cual se ofrece la ambientación de
un taller de grabado.
En París, Bosse encontró a Descartes, el matemático, de quien
publicó algunas de sus obras y que ejerció gran influencia sobre
él, que lo llevaría a un estudio profundo de la perspectiva. Este
problema estuvo presente en su obra y en 1648 enseñó esta
asignatura en la Academia Real de Pintura.
En 1651 fue nombrado académico honorario, pero su
temperamento independiente y cáustico provocaron su
salida de la Academia. Se cree que su expulsión se debió a
16 39
Capítulos
las querellas que tuvo con Le Brun, quien le reprochaba no

respetar las reglas de la perspectiva.
Bosse fue un En 1666 Bosse abrió una escuela con un enfoque
artista típico
distinto al de la Academia, pero Le Brun le hizo fracasar.
de la clase media
que describió Convertido en un disidente incomprendido, Bosse se
minuciosamente encerró en sí mismo y se consagró a la redacción de sus
usos y costumbres
escritos relativos a la perspectiva. Su principal obra escrita
fue El Tratado del Grabador en Talla Dulce, que tuvo una
gran aceptación del público. Publicó también sobre las
formas de dibujar la arquitectura antigua. Bosse hizo una
última visita a su terruño y regresó a París, ciudad donde
murió el 16 de febrero de 1676.
Su obra gráfica fue vasta, como la de Callot. Algunos
dicen que ejecutó más de 1400 piezas, a veces trabajando
sobre dibujos de sus contemporáneos. Ilustró libros; un
17 39
Capítulos
ejemplo; El Tratado de Botánica de Guy y de la Brosse. Bosse

en cierto modo fue seducido por la manera en que Callot
trabajó el aguafuerte; su mayor influencia se advierte en la
serie de “Los Gritos de París”, obras hechas con trazo y
composición simple. Adquirió con la punta un gran
virtuosismo, al punto de grabar planchas enteras de una
sola talla.
La Lorena dio La temática de Bosse fue amplia también, desde los
otro célebre
temas religiosos interpretados contemporáneamente,
artista en el XVII,
Claude Gellée, escenas de teatro, encuentros históricos. De la nobleza y
llamado la burguesía representaba lo que ocurría a diario en la
el Lorenés
vida civil.
Bosse fue un artista típico de la clase media que describió
minuciosamente usos y costumbres. Al igual que Callot,
fue un artista original y esencialmente francés.
18 39
Capítulos
Callot no tuvo discípulos a su alrededor. Su estilo gustó

a muchos pero ninguno recibió observaciones directas de
él. Sólo Claude Deruet, su compatriota, pudo recoger sus
revelaciones. Pero Deruet era pintor y no grabó mas que
tres láminas bajo su influencia.
La Lorena dio todavía otro célebre artista en el XVII, Claude
Puerto a la
salida del sol Gellée, llamado el Lorenés (1600-1682). Básicamente pintor,
Gellée como aguafuertista realizó unas 40 láminas en Roma bajo
la influencia de Adam Elsheimer.
El Lorenés se había trasladado a los trece años a Roma,
con algunos familiares. Tras una estancia en Nancy en
1625 y 26, al año siguiente había regresado a Roma,
donde vivió hasta su muerte.
Gellée se sirvió poco del buril pero sus obras fueron
notables. Supo muy bien distribuir la luz y el aire de sus
19 39
Capítulos
paisajes. Reprodujo con igual gracia la transparencia del

agua, la solidez de las construcciones, la ligereza del follaje
agitado por el viento. Su presencia ha quedado como una
excepción en la escuela romano-francesa, principalmente
como pintor de paisaje, cuya influencia se prolongó hasta
muy avanzado el siglo XIX.
Gelée “Puerto a la Salida del Sol” es una obra de excepcionales
quedó como
características. El aguafuerte, al parecer, fue grabado en
una excepción
en la escuela base de una pintura suya, no fechada, que se encuentra
romano-francesa, en el museo El Ermitage de Leningrado. Una réplica
cuya influencia
se prolongó hasta posterior de la composición se halla en una pintura fechada
muy avanzado en 1674, de la Pinacoteca de Munich. Las investigaciones
el siglo XIX.
más recientes sitúan el aguafuerte en 1634.
La lámina fue ejecutada con una técnica sumamente fina
y puede decirse de ella que es una de las creaciones más
20 39
Capítulos
interesantes en la atmósfera, una de las más poéticas. Sus

vibraciones lumínicas son un efecto que se ha comparado
con el tratamiento de la luz en la obra de Turner.
Gellé fue el En el arte de Gellée, sus paisajes “ideales” se ocuparon
representante
de trasmitir imágenes de los puertos con barcos y veleros.
por excelencia
del paisaje Gellée hizo numerosas obras para los ilustres dignatarios
clásico. Su arte romanos y para embajadores, personajes franceses y de la
ofrece una
concepción nobleza extranjera, entre estos últimos el rey de España y el
idealizada príncipe Colonna. En su primera fase se distinguen pequeños
grabados en cobre, muy finos, en la tradición de Elsheimer.
A partir de 1640 se comprueba la influencia de Anibal Carracci
y el Dominiquino, en una composición más sólida y una
atmósfera más serena.
Representante por excelencia del paisaje clásico, el arte
de Gellé (o Lorrain) ofrece una concepción idealizada. Salvo
21 39
Capítulos
excepciones, los paisajes de sus cuadros son siempre

imaginarios.
El secreto de su arte reside en la evocación de la
profundidad del espacio, debida tanto a la observación del
paisaje romano como al estudio de la luz y la atmósfera. El
artista participa así de las corrientes del arte de su siglo por
su iluminismo, la profundidad del espacio y el estudio realista
de la naturaleza. En sus grabados obtiene parecidos efectos.
Gellé se reveló Con más de mil dibujos conocidos, Gellé se ha revelado
como uno de
como uno de los más grandes dibujantes de todos los
los más grandes
dibujantes tiempos. El inventario después de su muerte menciona una
de todos docena de álbumes, entre ellos el de Wildestein, que
los tiempos
contiene 60 dibujos que ilustran su carrera y acreditan la
influencia de Agostino Tassi y de Deruet.
22 39
Capítulos
Desde 1636, Gellé copió sistemáticamente sus cuadros

por orden cronológico en un volumen de 200 hojas: el Liber
Veritatis. Este conjunto fue grabado en dos ocasiones por
R. Earlom en 1770 y por L. Caracciolo en 1815. Hizo unas
40 pastorales, la mayor parte antes de 1642. Estas láminas
grabadas no son obras originales suyas pero están en
estrecha relación con cuadros conocidos.
Algunos grabadores prefirieron reproducir las obras de un
pintor de figuras muy de moda entonces, Simon Vouet. Durante
su juventud, Vouet (1590-1649) había viajado por Inglaterra,
Turquía e Italia, y al regresar a Francia su reputación se estableció
rápidamente. El mismo Luis XIII quiso recibir lecciones de tan
afamado maestro. Este hecho contribuyó al acrecentamiento
de su celebridad.
23 39
Capítulos
Simon Vouet Los grandes señores deseaban poseer un cuadro suyo, o

después de
bien le buscaban para que decorase sus palacios y sus salones.
su viaje por
inglaterra, Los grabadores, por su parte, maravillados por la
turquía e italia aceptación que tenían sus pinturas, se apresuraban a
adquirió buena
reputación como reproducirlas. El mismo Vouet grabó para sí mismo “David y
pintor Goliat” y la “Virgen con el Niño Jesús”.
Pero si Vouet grabó muy poco, en cambio los maridos de
sus dos hijas, Michel Dorigny y Francois Torteblat, se
dedicaron a celebrar la gloria del suegro. Dorigny sobre todo,
ya que Torteblat abandonó pronto el grabado para dedicarse
a la pintura.
Dorigny fue hábil grabador. Con exactitud dio a conocer
en sus estampas el color y el dibujo de Vouet. Reprodujo
numerosas de sus composiciones, siempre con el mayor
escrúpulo. La influencia de Vouet sobre su yerno fue tal,
24 39
Capítulos
que cuando Dorigny pintaba sus propios cuadros, éstos

parecían imitar los de su padre político.
También cayeron bajo la órbita de Vouet y pertenecieron
a su escuela Francois Perrier, Pierre Daret, Michel Lasne y
Claude Mellan, pero cada uno de estos artistas tuvo su modo
personal de grabar.
Las impresiones al aguafuerte de Vouet evocan la luz y el
movimiento, aspectos característicos de su estilo. Las texturas
se hacen notar en la superficie, en conjunción con el blanco
del papel. En su taller, el pintor y grabador vigilaba la
ejecución de su trabajo con los asistentes.
Mientras el grabador francés se desarrollaba ampliamente
en París durante el reinado de Luis XIII, ocurrían movimientos
interesantes en las provincias francesas.
25 39
Capítulos
En Nancy destacaba Jacques Bellange (1575-1616). Pintor,

dibujante y aguafuertista, nacido en Bassigny.
A partir de 1602 Bellange prestó servicios en la corte del
duque Carlos III y de la duquesa de Bar, ahí en Nancy. A partir
de ese año ejecutó numerosos trabajos decorativos para los
duques y para la ciudad, incluyendo decoraciones de camas y
armarios. En lo gráfico realizó unos 40 aguafuertes, entre 1612
y 1616. Desaparecidas la mayoría de sus pinturas, a través de
sus dibujos y grabados se determinan las características estéticas
Las tres Marías
de su trabajo. Su importancia reside por lo tanto en estas obras,
en el sepulcro cuya expresión siguió las huellas del Parmesano, el espíritu de
Bellange
la escuela de Fontaineableau y en ocasiones también el estilo
de Schongauer. Hubo en sus dibujos elementos del manierismo,
esto es, composiciones elongadas, saturadas, poses amaneradas
no exentas de cierto erotismo.
26 39
Capítulos
Para ejecutar mejor su trabajo, en 1608 Bellange fue enviado

a París para estudiar la decoración de los castillos reales. Dos
años después ornamentó en la técnica del fresco el Palacio
Ducal de Nancy.
La obra Bellange expresó la lucha de un artista durante un período
de Bellange
de transición, los vivaces contrastes y conflictos entre el sujeto
se caracteriza por
contener motivos y la expresión. Simbolizó la angustia de la metamorfosis propia
fantásticos, raros del período entre el renacimiento, el manierismo y el barroco.
y exóticos
Y su obra tampoco quedó exenta de evocaciones góticas, como
en el caso de “Las Tres Marías en el Sepulcro”. En esta estampa,
donde traslada el episodio de la resurrección a una cueva
sepulcral, Bellange muestra su originalidad. Su obra, por lo
demás, está llena de motivos fantásticos, raros y exóticos.
Apenas es preciso añadir que su actitud como artista fue el
eclecticismo.
27 39
Capítulos
Es de interés señalar también que Bellange fue uno de los

pocos artistas de los dos siglos que comprendió y supo
aprovechar los recursos expresivos del aguafuerte. Esta
cualidad probablemente le vino del Parmesano.
Bellange emprendió sus primeros estudios artísticos en
Bassigny y los completó en Italia y en París. Murió en 1616 en
Nancy.
Pero si la emulación de la provincia fue laudable y
espontánea, ello no fue suficiente, El gran arte, para prosperar,
tenía necesidad de una enseñanza que no podían proporcionar
ni siquiera las ciudades importantes francesas. Todos los
artistas ansiosos de renombre anhelaron ir a Roma para
estudiar las obras maestras de la antigüedad y del Renacimiento.
La mayor parte vivieron ahí muchos años y algunos se quedaron
para siempre. Entre éstos se halla el artista más grande, según
28 39
Capítulos
algunos, que hasta entonces había visto nacer Francia, Nicolas

Poussin.
Jean Pesne se dedicó a reproducir las obras de Poussin.
Trabajó copiando las pinturas, grabando con el buril a la vista
del pintor, dócil a sus consejos, instruído en todos los recursos
de su arte. Gracias a ello, las obras de Poussin aparecen en
toda su majestuosa belleza. “Los Siete Sacramentos”, “Visión
de San Pablo”, “El Triunfo de Galatea”.
Gérard Audran (1640-1703) grabó copiando a Poussin su
obra principal, “El Tiempo Haciendo por Fin Justicia a la
Verdad”. Aunque Audran no haya hecho mas que poner al
servicio del pintor su talento y haya grabado pocas láminas
copiándolo, se le debe colocar al lado de Pesne por su calidad.
Nacido de familia de artistas en Lyon, Audran aprendió en
Porus y Alejandro
Audran la casa paterna los primeros elementos del arte. Su padre era
29 39
Capítulos
sólo un grabador mediano pero sabía lo suficiente para guiar a

un principiante. Bajo su dirección hizo Gérard sus primeras
obras, las cuales no anunciaban gran vocación ni hacían prever
sus futuras obras maestras.
Un viaje a Italia fijó el gusto del grabador, despejando su
ingenio. Sabía Audran ya dibujar lo bastante cuando fue a Roma
en 1667 para apreciar las obras maestras; su mano había
adquirido ya el hábito del buril para poder ejercitarse con buenos
resultados. Ingresó en el taller de Carlo Maratte pero se dedicó
especialmente a copiar las estatuas antiguas, siendo de este
modo principalmente como llegó a perfeccionarse.
Durante su estancia en Roma hizo Audran un precioso retrato
de Jordano Hilling, un cielo raso pintado por Pedro de Cortona
en el palacio Sacchetti, otro cielo del mismo artista en la galería
Pamphili, y cuatro láminas, copias del Dominiquino. “David
30 39
Capítulos
Bailando Delante del Arca”, “Judit Enseñando al Pueblo la

Cabeza de Holofernes”, “Esther Delante de Asuero” y
“Salomón Haciendo Sentar a Betsabé en su Trono”.
Estas láminas llamaron la atención en Francia. Apenas hubo
regresado Audran a París, Charles Le Brun, primer pintor del rey,
quien acababa de pintar las “Batallas de Alejandro”, lo escogió
para que las grabase. Al cabo de seis años, de 1672 al 78, Audran
concluyó este trabajo gigantesco. Empleando alternativamente
el aguafuerte y el buril, copió con veracidad las pinturas originales.
En el tiempo en que grababa en el cobre estas composiciones
célebres, terminaba el “Pirro Salvado” de Nicolas Poussin,
lámina por la que recibió el nombramiento de miembro de la
Real Academia en 1674. Algunos años más tarde, en 1681,
obtuvo el grado más elevado a que podía aspirar en esa
sociedad, al cargo de consejero.
31 39
Capítulos
Audran siguió produciendo obras notables de Rafael, de

Eustaquio Isueur y de Pierre Mignard, entre otros, hasta su
muerte en París, el 26 de julio de 1703.
Al lado de Audran trabajaron Gérard Edelinck, Robert
Nanteuil y Jean Morin, artistas dotados de gran habilidad.
Audran fue un grabador muy profesional. Con vigor y libertad
combinó el aguafuerte con el buril, resultando innovadora esta
combinación. Se calculan sus piezas en unas doscientas placas,
cantidad considerable dadas las dimensiones de estos grabados,
muchos de los cuales fueron ejecutados en dos, tres o hasta
cuatro placas.
En 1683 se publicó una serie de 30 impresiones que había
preparado sobre las proporciones del cuerpo humano en figuras
de la antigüedad, serie que continuó imprimiéndose hasta 1885,
convertida en un manual tradicional para artistas y estudiantes.
32 39
Capítulos
Claudina Stella (1634-1697), nacida en Lyon, grabó

también obras de Poussin. Se considera excepcional en el
grabado que una mujer haya logrado, con energía, grabar
estampas del maestro, mostrando capacidad para el dibujo
y libertad en la ejecución.
Por lo menos otros diez grabadores trabajaron sobre
Felipe de
Champaigne pinturas de Poussin, pero los mencionados fueron los
Edelink principales.
Gérard Edelinck nació en Amberes en 1640, pero vivió
casi toda su vida en París. Entre las obras de su primera
época está el retrato de Madame Valliere, pieza con algunas
durezas aún que habrán de desaparecer en posteriores
trabajos. “La Santa Familia”, copia de Rafael, “La Tienda
de Darío”, de Le Brun, con retratos de Le Brun, de Francois
Torteblat y de Philipe de Champaigne, son obras meritorias.
33 39
Capítulos
Robert Nanteuil (1623-1678) fue dibujante, pastelista y

grabador. Hijo de un comerciante en lana, vivió al lado de
Edelinck. El mismo hacía con frecuencia los dibujos de sus
grabados. Se han conservado muchos de sus retratos, que
revelan a un talentoso dibujante, diestro con el buril. Buscó
por años el estilo que expresase mejor lo que él quería. A veces
imitaba el género de Jean Boulanger, a veces de Mellan. otras
veces imitaba a su maestro y compatriota Nicolas Regnesson,
con entalladuras cruzadas, siguiendo el sentido de las formas.
Así grabó los retratos de Pomponia de Bellievre, de Gil Menage,
de Jean Loret, de la duquesa de Nemours, entre una veintena
más. Nanteuil asistió al colegio jesuita de Reims. Ahí grabó en
1645.
Luis XIV
Nanteuil También su dibujo sufrió la influencia de Philipe de
Champaigne, si bien hacia 1652 comenzó a desarrollar su
34 39
Capítulos
propia técnica. Su grabado sobre el cardenal Mazarino le dio

reconocimiento oficial y ya para 1658 era nombrado dibujante
y grabador del rey. Fue así que con los temas de la realeza, los
retratos propiamente, hizo sus más importantes obras, entre
ellas los dos célebres grabados de Luis XIV.
Morin reprodujo A Nanteuil el arte del grabado le debe reconocimiento
los retratos
por el edicto de 1660, que Luis XIV publicó a solicitud suya.
de Van Dyck
e imitó su modo Por este edicto se declaró arte libre al grabado, distinguiéndolo
de grabar, de las artes mecánicas con las que se había confundido. Los
perfeccionándolo
y adaptándolo grabadores, libres de toda traba, fueron desde entonces
al genio francés independientes. Desde esa época gozaron de las prerrogativas
atribuídas a los demás artistas.
Nanteuil nació en Reims y murió en París.
Si estos grabadores se valían exclusivamente del buril, Jean
Morin empleó únicamente el punzón y el aguafuerte. Morin
35 39
Capítulos
había seguido las lecciones de De Champaigne, interpretando

mejor que sus coetáneos las pinturas de este maestro.
Comprendió su gusto, se conformó con su estilo. Grabó
gran número de composiciones, paisajes y sobre todo
retratos.
Admirador apasionado de Van Dyck, Morin no sólo prefirió
reproducir los retratos de este maestro sino que imitó su
modo de grabar, perfeccionándolo y adaptándolo al genio
francés. Su técnica consistía en delinear el contorno de los
rasgos del rostro, modelando las carnes por medio de una
infinidad de puntos. Este procedimiento, de difícil ejecución,
sólo fue bien logrado por él y por Van Dyck.
Con este procedimiento grabó los retratos del cardenal
Bentivoglio, del abate Richelieu, de Margarita Lemon,
láminas muy buscadas, se dice, en el siglo XIX.
36 39
Capítulos
Durante el dirigían el gusto del público.

reinado de Luis
Durante el reinado de Luis XIV el grabado a la manera
XIV el grabado
a la manera negra, inventado por Louis de Siegen, reunió en Francia a un
negra, reunió gran número de practicantes. La novedad del descubrimiento,
en Francia a un
gran número los resultados que ofrecía tentaron a algunos grabadores que
de practicantes mostraron facilidad para hacerlo. Un artista, nacido en Lille
en 1623, flamenco por gusto, Wallerant Vaillant, grabó las
primeras láminas a la manera negra, delante del príncipe
Ruperto, amigo y confidente de Siegen. Impresas en Holanda
en escaso número de ejemplares, estas estampas fueron
conocidas en Francia ya muy tarde.
El célebre aficionado Boyer de Aguilles hizo reproducir
a la manera negra parte de los cuadros de su galería de
Aix por un hábil grabador, Sebastian Barras. Jean Cousin
grabó una “Santa Inés” muy apreciada, y así algunas otras
37 39
Capítulos
Aix por un hábil grabador, Sebastian Barras. Jean Cousin

grabó una “Santa Inés” muy apreciada, y así algunas otras
piezas de otros grabadores. Una Virgen de Correggio, de
L. Bernard, hizo ver que las obras de los coloristas eran
más propias para ser reproducidas a la manera negra y
que los efectos del claroscuro convenían mejor a este
género del grabado que las finezas del dibujo o la precisión
de los contornos.
A fines del siglo XVII algunos de estos artistas
consagraron su talento a dibujar los sucesos ocurridos
durante el reinado de Luis XIV. Empero, pocas obras
notables fueron publicadas en ese tiempo, por más que el
grabado había tomado una proyección hasta entonces no
igualada. Se introdujo, por ejemplo, la moda de grabar
grandes almanaques que reproducían en grandes
38 39
Capítulos
medallones los hechos importantes del año acabado de

pasar, si bien los grabados eran apresurados, hechos por
Edelinck, Sebastian Leclerc y Albert Flamen, para una
necesidad del momento.
Durante ese tiempo se erigieron en Francia numerosos
monumentos, testimonios de la fecundidad de los
arquitectos empleados por tan fastuosa monarquía. Un
grabador, Jean Marot, quiso dar a conocer a la posteridad
la mayor parte de los edificios ejecutados a su vista. A través
de estas piezas se reconstruyó la historia de la arquitectura
francesa del XVII.
39 39
FRANCIA SIGLO XVIII

Capítulos
Francia Siglo XVIII Situación histórica
A la muerte de Luis XIV, en 1715, le sucedió su bisnieto de

cinco años, Luis XV, bajo la regencia del duque Felipe de
Orleans. Por parte de los nobles, fue una etapa de ocho
años de intento por recuperar los derechos absorbidos por
el absolutismo de Luis XIV. Fallecido en 1723, de Orleans,
fue sustituido por el cardenal Fleury, quien restauró la
prosperidad mediante una política pacifista, interviniendo
con reserva en las guerras de Sucesión de Polonia. Su sucesor,
Choiseul, fue menos afortunado, pues el país se involucró
en costosas guerras en la Sucesión de Austria (1756-63),
que si bien trajo la anexión de Lorena y Córcega, acarreó
también la pérdida de Luisiana, Canadá y el imperio colonial
de la India.
1 28

Capítulos
La corte despilfarraba el presupuesto nacional; el rey se

codeaba de favoritas -la Pompadour y la Du Barry- y aunque
el país tuvo un gran aumento demográfico y prosperó con
las medidas de liberalismo económico adoptadas por los
fisiócratas, el descontento se centró en el Parlamento, donde
nobles y eclesiásticos defendían sus privilegios. El tercer estado,
dirigido por la burguesía , se oponía a las fuerzas del Antiguo
Régimen.
En este siglo, Luis XVI (1774-91) tuvo que rehacer la difícil situación
Francia tuvo
creada por el reinado precedente. El nuevo rey había sido
un gran aumento
demográfico acogido favorablemente pero el desastroso estado de la
y prosperó con Hacienda y el mantenimiento de privilegios de nobles y
las medidas
de liberalismo clérigos, frente a los que habían fracasado todos los propósitos
económico de la reforma, crearon las condiciones propicias a la revolución,
iniciada con la toma de la Bastilla el 14 de julio de 1789.
2 28

Capítulos
La ambición de El gran acontecimiento había empezado con las

Bonaparte lo llevó
discusiones en los Estados Generales de 1788 y acabó con
a la coronación
como emperador la disolución de la Convención Nacional y el paso a un
Directorio (1795-99) y el derribo de éste por Napoleón
Bonaparte el 18 Brumario de 1799. Tras esto se formó el
Consulado (1799-1804) en el cual Napoleón actuó como
primer cónsul, con plenos poderes. Reprimió toda
oposición, deportó a los jacobinos y puso alto a los realistas.
La ambición de Bonaparte lo llevó a la coronación como
emperador en 1804.
El sistema institucional y de gobierno del siglo XVIII es
conocido como despotismo y absolutismo ilustrado, como
el gobierno absoluto del monarca para aplicar las reformas
de estado necesarias en beneficio del pueblo, de acuerdo
al modelo dejado por Luis XIV. Este sistema conllevó un 3 28

Capítulos
reforzamiento del absolutismo, mayores rendimientos fiscales,

un aumento del ejército, una reorganización administrativa
en provecho de los funcionarios y en detrimento de la
nobleza, una centralización en contra de los derechos de
los reinos, provincias y municipios, entre otras cosas.
A partir de entonces la legitimidad monárquica no se
basó únicamente en el derecho divino sino también en la
idea de un contrato implícito de intercambio de servicios
entre el monarca y los gobernados.
Esta concepción estatal se apoyó en las ideas de la
fisiocracia, vigente en Francia entre 1750 y 1775, que
promovía la idea de una agricultura rentable y competitiva. La
agricultura, así, tomó una orientación capitalista con la
explotación de nuevas tierras, la intensificación y mejoramiento
de los cultivos, produciendo no solamente para el consumo 4 28

Capítulos
interno sino también para exportar, reinvertir y vender más.

Una consecuencia de esta acción en Europa Central culminó
en una nueva servidumbre , con extremos en Italia y en España,
al consolidar el latifundismo.
5 28

Capítulos
Francia Siglo XVIII Situación artística
La evolución La evolución de arte europeo hacia la conquista del color y

del arte europeo,
de la luz, siguiendo el sendero marcado por los venecianos y
produjo pintores
que situaron por Rubens, produjo pintores que situaron a Francia en la
a Francia cabeza del desarrollo artístico europeo. En lugar muy señalado
en la cabeza
del desarrollo estuvo Antoine Watteau, caracterizado por un refinamiento
artístico sensible, festivo y galante de sus pinturas; Jean-Baptiste
Chardin, pintor de la intimidad cotidiana; Honorato Fragonard,
“el más francés de los artistas del XVIII”, quien alternó
erotismo con paisaje; Francois Boucher, creador de
encantadoras piezas, excelente autor de desnudos; el catalán
Jacinto Rigaud, el más famoso retratista de Luis XV, pintor de
temas cortesanos y bucólicos también; Jean Marc Nattier,
especializado en la pintura histórica y mitológica y Maurice 6 28

Capítulos
Quentin de la Tour, sobresaliente en la técnica del pastel y en

el género del retrato. Todos estos artistas reflejaron el lujo y
la sensualidad de la sociedad aristocrática.
En la arquitectura, los grandes edificios monumentales
continuaron sometidos al dictado del clasicismo
académico. Esto es, la corriente volvió a estar dominada
por la antigüedad grecorromana, produciendo a finales
del siglo y primeras décadas del XIX un arte severo,
moralista y frío cuyo representante más notable fue
Jacques Louis David.
En la arquitectura, los A partir de 1789, la escultura neoclásica triunfó plenamente
grandes edificios
en el país galo y llegó a su máximo con Napoleón, a quien un
monumentales
continuaron buen número de artistas —pintores y escultores— le dedicaron
sometidos al dictado enjundiosos retratos. La presencia de Antonio Canova, el más
del clasicismo
académico famoso representante del neoclasicismo italiano, en París,
7 28

Capítulos
inspiró a otros artistas y contribuyó poderosamente al

esplendor de estos años.
En general, el arte de los últimos años del XVIII se clavó
nuevamente en los temas de la antigüedad pagana; fue su
más esencial fuente de inspiración. En la pintura el neoclásico
se basó, principalmente, en el relieve y en la escultura clásica.
8 28

Capítulos
Francia Siglo XVIII Actividad grabado
Durante la primera mitad del siglo, muchos grabadores se

ocuparon de reproducir las obras de Antoine Watteau (1684-
1721), pintor de fiestas galantes y escenas campestres.
Colorista a la manera de Rubens pero sin los grandes temas
de éste, Watteau pintó abundantemente escenas cotidianas.
De origen flamenco, hijo de un maestro tejedor de
El doctor Misaubin
Watteau Valenciennes, su lugar de nacimiento, a los quince años
ingresó como aprendiz del pintor Guerin, antes de llegar a
París y estudiar con Guillot, quien se dedicaba a representar
estampas de la comedia italiana. En París le tocó vivir una
vida dificil. Copiaba imágenes de santos para una tienda
de objetos de arte, ganando así lo indispensable para
sobrevivir. 9 28

Capítulos
Contratado para decorar la residencia del coleccionista de

arte Crozat, tuvo la ocasión de ver ahí a las bellas y a los
elegantes de París. En su última pintura eternizó este ambiente;
un cuadro de grandes dimensiones que pintó para la tienda de
objetos de arte de su amigo Gersaint. El cuadro representa la
galería de ese gran marchand, llena de damas y caballeros
aristócratas que miran y comentan los cuadros exhibidos.
Watteau inauguró Tras una estancia en Valenciennes, una vez de nuevo en
un género
París se interesó vivamente por el desnudo y retornó a sus
por las graciosas
invenciones de temas que acabarían por darle fama. Su pintura sobre “Los
su genio ligero Peregrinos de la Isla de Citerea”, fue la pieza clave que lo
y fácil
proyectó hacia el éxito.
Dotado de gran talento decorador, fecundo, de atractiva
imagen, Watteau inauguró un género por las graciosas
invenciones de su genio ligero y fácil. 10 28

Capítulos
Gerard Audran, El pintor se sirvió también del buril. Sus aguafuertes

maestro de Watteau,
tienen también, como sus pinturas, cualidades de
ejerció
gran influencia delicadeza e ingenio. Por lo demás, con abundancia de
en Francia grabadores que trabajaron sobre sus modelos, el artista
como grabador
tuvo la satisfacción de ver sus grabados hechos con muy
aceptable calidad y fidelidad.
Francia, en esos años, contaba con un crecido número
de grabadores de talento. Parece oportuno hacer notar la
gran influencia ejercida por uno de ellos, Gerard Audran,
que fue además maestro de Watteau. De acuerdo a la escuela
de este maestro, los grabadores que transportaron las
composiciones de Watteau comenzaban sus planchas con
el aguafuerte y sólo utilizaban el buril cuando el dibujo estaba
ya fijado con exactitud. Repasaban después las partes que
era preciso acentuar, modelaban las figuras y armonizaban
11 28

Capítulos
el conjunto. No entregaban las láminas al impresor hasta

haberse asegurado de que el trabajo correspondía
exactamente con la pintura del modelo.
A este procedimiento se deben obras notables y hoy, que
han desaparecido la mayor parte de las pinturas de Watteau,
se revalora su trabajo a través de las estampas.
Entre estos grabadores merece también mención Lorenzo
Cars, nacido en Lyon en 1702 y fallecido en París en 1771.
Cars dejó en las “Fiestas Venecianas” y en “La que dice la
Buenaventura”, ambas piezas de Watteau, la medida más
alta de su talento ligero.
Nicolas Lamerssin tradujo con fidelidad “Los Peregrinos
de la Isla de Citerea”, probablemente la obra más celebrada
del pintor de Valenciennes.
12 28

Capítulos
Al igual que Watteau, Francois Boucher (1703-1770) encarnó

la pintura de tipo galante. Estudió con Lemoine, viajó a Italia y fue
influido por los clásicos del Renacimiento en la pintura mitológica.
La diosa del amor fue el tema de su vida, y Venus fue representada
en múltiples facetas. Al lado de estas formas trabajó escenas
campestres, paisajes y escenas interiores como “El Desayuno”,
cuyo estilo se inscribe inequívocamente en el rococó, del cual fue,
para algunos, el principal representante francés.
Los dibujos de Boucher llevaron a dos grabadores franceses
El inválido
Boucher a un tipo de estampa aún no practicado en el país. Se habla de
estos facsímiles que reproducen un dibujo por completo, hasta
en las inexactitudes y equivocaciones de los autores. Gil
Demarteau y Jean Charles Francois, cada uno de ellos en su
método particular, se esforzaron en obtener la reproducción
exacta de un croquis o de un cuadro. 13 28

Capítulos
Boucher fue director de la real fábrica de tapices de

Beauvais; ahí proyectó encantadores cartones como “Los
amores de los dioses” o la “Historia de Psiqué”, que
engalanaron la residencia de Madame Pompadour. Esta
favorita de Luis XV lo tomó como su maestro de dibujo y
éste, a la vez, la representó en distintas actitudes.
Las composiciones de Boucher fueron multiplicadas por
grabadores que trabajaron sobre modelos de Watteau,
pero sin el mismo mérito que éstas.
Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) tuvo como
Le Benedicité
Lépicié maestro a Noel Coypel, pero debió en gran parte a sí mismo
su formación. Fue autor de apacibles y finísimas evocaciones
de la intimidad burguesa, de inigualables bodegones y
cuadros de naturalezas muertas.
14 28

Capítulos
Nacido y fallecido en París, Chardin supo atraerse

grabadores que reprodujeron bien sus pinturas. Entre los
más hábiles en copiar sus obras se encuentra Bernard
Lépicié, que grabó la “Perinola” y el “Ama de Llaves”.
Lorenzo Cars, Nicolas Cochin y Louis Seruge se inspiraron
también en sus composiciones.
Jean Honoré Fragonard (1732-1806) disfrutó en sus
primeros años de una existencia confortable. Su padre
era comerciante próspero de Grasse –lugar de nacimiento
de Honoré–, quien se instaló en París en 1738. A la muerte
de éste, la situación económica familiar se modificó
notablemente.
Empleado con un notario, el joven Fragonard expresó
El armario
Fragonard su deseo de estudiar pintura e hizo el intento de ingresar
en el taller de Boucher. Este, rechazándolo, lo desplazó
15 28

Capítulos
hacia el taller de Pierre Chardin (1747). Los temperamentos de

maestro y alumno no fueron compatibles y el joven Fragonard
volvió a tocar las puertas del taller de Boucher. Esta vez con
buena fortuna. Pronto descubrió Boucher sus cualidades y
terminó por hacerlo su alumno favorito.
A instancias de Boucher, Fragonard entró y ganó el gran
Ninfa y dos sátiros
Fragonard premio de Roma. Coincidentemente, este fue el último año
que estuvo el joven pintor con el maestro; estaba ya listo
para recorrer nuevos horizontes. El premio obtenido le valió
ser alumno de Van Loo.
De 1756 a 1761 vivió en Roma como pensionado de la
Academia de Francia. En las obras que realizó durante ese
tiempo se advierten influencias de Tiépolo, Agustín Carracci
y Pietro de Cortona y otros maestros del siglo XVII y XVIII.
Boucher le había dicho, entre broma y entre serio, que no
16 28

Capítulos
se metiera con Miguel Angel o con Rafael porque sería

hombre perdido. Fragonard, por lo visto, siguió el consejo.
En Roma conoció a Hebert Robert y al abate St. Non,
amistades que le fueron fructíferas. Juntos hicieron un viaje
a Nápoles y Sicilia durante el cual el abate, quien era muy
aficionado al arte y grabador él mismo, grabó algunos
dibujos de Fragonard.
En tiempos del En esos tiempos del rococó francés había un vivo interés
rococó francés
por el lado alegre y juguetón de la mitología. La serie de
hubo un vivo
interés por el lado aguafuertes de las “Bacanales”, terminada en 1763, fue todo
alegre y juguetón un éxito para Fragonard. St. Non le había aconsejado el tema,
de la mitología
cuyos modelos salieron de los relieves de la antigüedad clásica.
El pintor interpretó estos relieves y les dio nueva vida,
impregnándolos del espíritu del rococó. Las obras recuerdan
los dibujos que hizo por sugerencia de St. Non en Tívoli. 17 28

Capítulos
Una vez en París de nuevo, en 1765 envió al Salón de

Pintura el cuadro “Coresus y Calirrhoe”, que tuvo un
enorme éxito y fue adquirido por el rey para ser reproducido
en gobelinos. Las dificultades que tuvo el pintor para cobrar
su cuadro le desencantaron de los encargos oficiales. Y
esta actitud de independencia también lo mantuvo a
distancia de los honores académicos.
Fragonard visitó Italia una segunda vez en 1773, en
compañía esta vez de su mujer y el financiero Bergueret,
uno de sus mecenas, con quien finalmente terminó en
juicio, a causa de que Bergueret intentó apropiarse de los
dibujos que él había hecho durante el viaje.
En París las obras de Fragonard habían gozado de gran
popularidad, sobre todo sus escenas galantes. La reproducción
gráfica, como era usual en aquel tiempo, la dejó en manos 18 28

Capítulos
de grabadores profesionales. Pocas veces grabó él mismo,

No obstante su producción gráfica, aunque breve, tuvo gran
difusión y su valor no desmerece junto a sus numerosos
dibujos y pinturas.
Fragonard Entre sus clientes en la burguesía y en la nobleza, Madame
tematizó
Du Barry le hizo algunos encargos. Sus temas eran el paisaje,
el paisaje,
las escenas las escenas eróticas y los asuntos familiares. Fragonard era
eróticas y un pintor de éxito y sus precios eran de los más elevados
los asuntos
familiares entre sus colegas.
Su buena suerte, empero, pronto iba a cambiar, pues la
moda pictórica empezó a cambiar ante el empuje de la
expresión neoclásica. Además, la revolución de 1789 fue
un golpe duro para su fortuna; sus principales clientes se
desbandaron y finalmente se refugió en Grasse. De regreso
a París, David lo protegió y le consiguió un empleo de 19 28

Capítulos
conservador del museo de arte, recién fundado por la

Asamblea Nacional.
Pero el artista galante no pudo reubicarse en París.
Algunas tentativas para asimilar formas puestas a la moda
por los alumnos de David produjeron resultados desastrosos.
Finalmente murió en condiciones económicas poco menos
que lamentables en el alojamiento, se dice, que había
reencontrado en el Louvre.
Fragonard había contraído matrimonio en 1769 con su
alumna Marie-Ann Gérard, quien era también de Grasse.
Tuvieron una hija y un hijo. Ambos estudiaron pintura pero
la primera murió a los 18 años. El hijo se consolidó como
pintor.
En su obra gráfica, en los aguafuertes de su propia mano,
se trata de dibujos hechos durante su viaje a Italia, en base 20 28

Capítulos
a obras de artistas italianos. Las “Bacanales” representan

por su originalidad y sus cualidades artísticas, un punto
culminante en la gráfica francesa del siglo; aún más que
Boucher tuvo el verbo, la fineza y el espíritu de lo galante.
El retrato ha ocupado siempre en el arte francés un lugar
importante. En el XVIII hábiles artistas produjeron varios de
sus contemporáneos. Por lo general, cuanto más distinguidos
fueron los pintores, más hábiles fueron los grabadores que
los rodeaban, reproduciendo enseguida las obras terminadas.
Rigaud y Nicolas de Larquilliere fueron pintores a los que los
Drevet tomaron constantemente como modelos.
Pierre Drevet, el padre, que por sus estudios remplazó
Robert de Cotte
Drevet inmediatamente a Nanteuil y a Edelinck en la escuela que
habían inaugurado en Francia, creó un estilo personal que
consistiría en imitar con toda la amplitud del pintor los
21 28

Capítulos
ropajes abundantes, los suntuosos trajes que acompañaban

y encuadraban al personaje. Entre las muchas producciones
de este artista están los retratos de Jean Forest (según
Larquilliere), de Andrés Felibiano (copia de Rigaud), y de
Rigaud, según pintura del propio maestro.
El retrato de Bossuet hecho por Pierre Drevet hijo, copia
de Rigaud, es una buena pieza, una muestra digna de las
mejores estampas de la escuela francesa de ese tiempo.
Al siglo XVIII Los métodos de Drevet hijo fueron parecidos a los del padre.
perteneció
Usaba únicamente el buril pero variaba hasta el infinito, según
la invención
de la viñeta, los personajes, adaptándose a todas las formas. Las ropas en
género que pliegues ricos, espesos, y las cabezas y manos de dibujos
funcionó
muy bien para delicados y perfectos, fueron dispuestos con buen arte.
la literatura Claude Drevet, que trabajó después que los anteriores,
de la época
recuerda en sus estampas el estilo de su padre, pero con la 22 28

Capítulos
diferencia notable de que su buril fue con frecuencia seco y

monótono.
Charles Nicolas Cochin (1715-1788), nacido en París, hizo
los retratos de casi todos los hombres notables de su tiempo,
a quienes representaba de perfil en medallones redondos.
Ponía cuidado en acentuar cada fisonomía pero no pudo
escapar, se dice, a una monotonía fatigante.
Al siglo XVIII pertenece la invención de la viñeta, género
que funcionó muy bien para la literatura de la época. Se
entiende por viñeta una estampa de exiguas dimensiones
que comenta un texto, acompaña una narración y retrata
las escenas principales del poema o los hechos curiosos o
relevantes de una novela. Los artistas que se dedicaron a las
viñetas desplegaron gran perfección y cautivaron el gusto
del público. Apenas había algún libro que no estuviese 23 28

Capítulos
adornado con láminas destinadas a tales funciones. Hubert

Gravelot fue el más hábil dibujante de viñetas. Ilustró los
Cuentos Morales de Marmontel, el Decamerón de Bocaccio
y la edición de las obras de Corneille.
Hubert Gravelot El siglo aparece por completo en estas pequeñas
fue el más hábil
composiciones agrupadas delicadamente, dibujadas con
dibujante
de viñetas esmero y que entre mil invenciones diversas hacen conocer
de la época los más pequeños detalles y las costumbres de un pueblo.
Avanzado el siglo, el arte tomó otra senda, observó los
horizontes de la antigüedad y le pidió modelos nuevamente.
Jacques Louis David (1748-1825) inauguró y enseñó el gusto
nuevo, en tanto que principal representante de la pintura
neoclásica francesa. Su primer maestro había sido Vien,
pintor que había iniciado la tendencia pompeyana. Con la
revolución David magnificó su estilo y al pintar “Marat 24 28

Capítulos
Asesinado” logró que el neoclasicismo pictórico triunfara

en Francia.
Después del tiempo de Robespierre realizó su obra cumbre,
“Las Sabinas”, donde cada personaje tiene actitud estatuaria
pero presencia histórica. Napoleón lo nombró pintor de corte y
en tal calidad pintó “La Coronación del Esperador”, que se
distingue por la riqueza decorativa y la teatralidad imperial. Realizó
varias obras para el corso.
David presidió David, de glorioso destino, presidió como un dictador el
como un dictador
gusto de la escuela neoclásica durante largo tiempo. Con tantos
el gusto de
la escuela discípulos, sin embargo, no supo atraerse grabadores que se
neoclásica consagrasen a reproducir sus obras para participar de su fama.
durante largo
tiempo De tal modo absorbió los ánimos de la revolución, que el
arte durante la primera república no se ocupó mas que en
consignar los hechos de cada día. Deseosos los grabadores de
25 28

Capítulos
tener al público al corriente de los acontecimientos, emplearon

procedimientos expeditos que consistían en trazar al aguafuerte
los contornos de las figuras o de los objetos que querían
representar, confiando el resto del trabajo a los coloristas de
profesión, quienes completaban los tonos de cada prueba. El
arte, en este tipo de trabajos, poco tenía que ver. En el género,
empero, dieron prueba de talento dos o tres artistas.
Duplesis-Bertraux, comparado con Callot, grabó gran
El paseo público
Debucourt número de escenas de la revolución. De buril fino, agudo,
su mérito principal consistió en la facilidad de agrupar las
composiciones más complicadas.
De los grabadores de la revolución, Philibert-Louis
Debucourt (1755-1832) fue el más hábil. Durante los años y
después de la muerte de Luis XV, grabó en color el “Paseo
del Palacio Real”, el “Paseo de la Galería del Palacio Real” y 26 28

Capítulos
cierto número de escenas de constumbres. Fue el primero

que supo obtener excelentes resultados del colorido,
sobreponiendo sucesivamente las planchas.
Las piezas de Su dibujo, muy gracioso, se avino bien con este
Charles, unos
procedimiento.
de los mejores
discipulos de Georg Pero tan pronto pasó el furor de la revolución, Debucourt
Wille, sirvieron adoptó un estilo diferente, al aguatinta, del que no supo
de guía a la escuela
moderna francesa sacar buen partido. Además prefirió grabar obras de otros
y sólo de cuando en cuando trabajó piezas propias.
Charles Clemente Bervic (1756-1822) fue uno de los
mejores discípulos de Georg Wille en el manejo del buril.
Sus entalladuras, hechas con facilidad y mucha simetría, son
más suaves que las de su maestro y sus estampas no tienen
el aspecto metálico que se ha desaprobado en las de Wille.
Entre sus obras se cuentan “La Educación de Aquiles”, de 27 28

Capítulos
un cuadro de Regnault, “El Rapto de Dejanira”, según El

Guido y el retrato de Luis XVI, según Callot, y el grupo de
Laooconte. En estas estampas supo centrar la atención sobre
lo más importante de la composición. Tuvieron además la
ventaja de servir estas piezas como guía a la escuela francesa
moderna.
28 28

FRANCIA SIGLO XIX

Capítulos
Francia Siglo XIX Situación histórica
Los triunfos militares de Napoleón en el exterior le permitieron

anular el Consulado y en 1804 se proclamó emperador de los
franceses. Pronto se impuso en el continente, reformando el
mapa político en detrimento de Austria y de Prusia. Pero el
imperio, asentado sobre bases frágiles, contradictorio, empezó
a mostrar sus fallas. A estas fallas se unió el creciente malestar
de los pueblos dominados. En la misma Francia decaía el
entusiasmo inicial por el imperio a causa del control riguroso
de las libertades.
El fracaso napoleónico de la campaña rusa en 1812 y la
resistencia española a la ocupación militar, alentó el espíritu
nacionalista de los países sojuzgados y una nueva coalición
obtuvo importante victoria en Leipzig. Los aliados entraron 1 66

Capítulos
en París y Napoleón, destituido, marchó desterrado a la isla

de Elba en 1814.
El reinado de Luis Elegido rey Luis XVIII (1815-1824), se restablecieron las
XVIII estuvo marcado
fronteras de 1792. Un intento más pudo hacer Bonaparte
por la reacción de
los conservadores, por volver al poder, pero efímero, y en 1815 fue restaurado
que pretendieron en el trono Luis XVIII (Napoleón fue enviado, nuevamente
resucitar los modelos
del antiguo régimen desterrado, a la isla de Santa Helena).
Su reinado estuvo marcado por la reacción de los
conservadores, que pretendieron resucitar los modelos del
antiguo régimen, persiguiendo a la oposición. Esta política
continuó en el reinado de Carlos X (1824-1830) con el ministro
Polignac, que impuso la censura de prensa y disolvió la
Cámara, lo cual originó el levantamiento de París. La oposición
liberal aprovechó el movimiento popular para entronizar a
Luis Felipe (1830-1848), defraudando a los republicanos. La 2 66

Capítulos
apariencia democrática que promovió el nuevo gobierno

desapareció progresivamente y surgieron otra vez las
restricciones.
La situación precaria del proletariado, agravada por la crisis
alimentaria de 1845-47 desencadenó una campaña en
demanda de la reforma electoral y parlamentaria que condujo
al estallido revolucionario de 1848. La rebelión obligó al
gobierno de Luis Felipe a abdicar, estableciéndose un mando
provisional que proclamó la República.
La situación precaria La Constitución de 1848 estableció la elección de un
del proletariado,
presidente y la creación de una asamblea, resultando elegido
condujo al estallido
revolucionario Luis Napoleón, sobrino de Bonaparte. Con el dominio de los
de 1848 monárquicos en la Asamblea, ambos poderes se confabularon
para instaurar una política regresiva, que terminó con el golpe
de Estado que dio el presidente, elegido emperador en 1852, 3 66

Capítulos
y que duraría hasta 1870. Luis Napoleón practicó un gobierno

autoritario, con apariencia paternalista, que paralizó la vida
política. Hubo en ese reinado logros en la industria, la
economía y aumentó la producción agrícola, con los cual el
monarca se granjeó el apoyo de la burguesía y el campesinado.
Luis Napoleón En el exterior, pese a su defensa de lo nacionalista, Luis
practicó
Napoleón acabó por intervenir para ampliar el imperio. La
un gobierno
autoritario, guerra con Prusia provocó, por la derrota, la caída del régimen.
con apariencia Los prusianos ocuparon parte de Francia y la abandonaron
paternalista,
que paralizó cuando se les pagó la indemnización de guerra. Una Asamblea
la vida política Nacional, de mayoría monárquica eligió jefe del poder
ejecutivo a Thiers, en la nueva República, pero éste sólo duró
dos años, hasta 1873, por oponerse a los monárquicos. Fue
sustituido por el mariscal Mac Mahon, que organizó una
república conservadora pero que no pudo impedir el ascenso 4 66

Capítulos
paulatino de los republicanos, dirigidos por Gambetta, que

instalaron en la presidencia a Jules Grevy (1879-1887).
La creciente fuerza de anarquistas y socialistas hizo que
muchos adversarios se unieran a la República, que llevó a
cabo una activa política exterior en alianza con Rusia y
continuó su expansión colonial.
5 66

Capítulos
Francia Siglo XIX Situación artística
El arte neoclásico El arte neoclásico, iniciado en el reinado de Luis XVI y

se reafirmó en
prolongado hasta los primeros treinta años del siglo XIX, se
su estilo más puro
en el tiempo reafirmó en su estilo más puro en el tiempo de Napoleón
de Napoleón Bonaparte, en el que se buscaron los efectos de masa y
Bonaparte
monumentalidad. De 1806 a 1810 se erigió en la Plaza
Vendome de París la columna de Austerlitz, sustituyendo a
la estatua de Luis XIV, desaparecida durante el movimiento
revolucionario.
La columna fue realizada por los arquitectos Jaime
Gondoin y Lépere. Tiene bellos relieves que narran las
victorias del corso, y encima del capitel está su estatua. El
conjunto se inspiró en la columna trajana de Roma.
6 66

Capítulos
Algunas obras capitales de esta época volvieron a revisar

e inspirarse en los modelos de la antigüedad clásica, como
el Templo de la Gloria o Iglesia de la Magdalena, en París,
del arquitecto Barthelemy Vignon, recinto griego con
columnata corintia, que acogió las banderas y los trofeos
conquistados a los enemigos de Francia.
La escultura neoclásica también triunfó plenamente en el
país, llegando con Napoleón a su máximo esplendor, sobre
todo después de la estancia en París de Antonio Canova.
Chandet, José Chinard, Francois Bosio y Jean Jacques Pradier
fueron escultores sobresalientes del neoclásico francés.
Jacques Louis David En los últimos años del siglo precedente la pintura se inspiró
fue el principal
en los temas de la antigüedad pagana. La naturaleza fue
representante
de la pintura nuevamente idealizada, siendo la principal fuente de inspiración.
neoclásica
en Francia 7 66

Capítulos
Jacques Louis David fue el principal representante de la

pintura neoclásica en Francia. La Revolución Francesa propició
su cambio de estilo y su ideología política. “Marat
Asesinado” y “Las Sabinas” son sus obras maestras.
Ingres influyó Otros pintores importantes de la vuelta de siglo fueron
notablemente
Francois Gerard, Jean Baptiste Regnault, Antoine Jean Gros
en los pintores
del romanticismo, (el barón de Gros) y Jean Auguste Domenique Ingres, quien
corriente que trabajó con David. Ingres influyó notablemente en los pintores
se empalmó
con el neoclásico del romanticismo, corriente que se empalmaría con el
neoclásico en las primeras décadas del siglo.
El romanticismo tuvo su inicio hacia 1830, pero las ideas
libertarias contra la monarquía borbónica de Carlos X se
constituyeron después en todo un programa que con la
bandera de la libertad impulsó a todas las artes.
8 66

Capítulos
El romanticismo fue esencialmente de la clase media, y el

propio Luis Felipe, sucesor de Carlos, se identificaba con la
burguesía. El movimiento tuvo una gran justificación social,
ya que en este período histórico el mundo se industrializaba
y se mecanizaba a pasos apresurados. Ante los ideales que se
perdían por la conquista económica, los idealistas buscaron y
propusieron un nuevo ideal.
Los románticos buscaron ávidamente la naturaleza,
quisieron revivir el pasado glorioso, en especial el de la Edad
Los idealistas
buscaron y
Media, época de ideales caballerescos. Exaltaron también la
propusieron un imaginación, procuraron lo exótico para oponerlo a la
nuevo ideal, ante
academia del neoclasicismo. El arte debía ser libre pero bello,
los ideales que se
perdían inspirado en los más profundos sentimientos. A la grisalla del
neoclásico los pintores románticos opusieron el color, a tal
punto de inferirle valores simbólicos. 9 66

Capítulos
Adicionalmente a esta expresión cromática, los románticos

tuvieron exacerbada conciencia de la individualidad, que era
en sí una reacción contra la socialización. Este individualismo
llegó en ocasiones al exhibicionismo, puesto que la personalidad
pretendía sobresalir por encima de un conjunto social.
El sentido libertario y nacionalista fue otro impulso al que
muchos artistas sacrificaron su posición social, en aras de la
libertad.
La industrialización exigía un arte funcional y práctico pero
los artistas, huyendo de esta realidad social y económica,
optaron por crear una estética imaginativa, y la propia liberalidad
de Luis Felipe y de algunos jefes de estado que comulgaban con
los intelectuales, adoptaron finalmente las formas románticas.
En el romanticismo los estilos se confundieron y aunque se
ha puesto una fecha final hasta la revolución de 1848, en algunas
10 66

Capítulos
partes esta tendencia artística se prolongó durante todo el XIX y

hasta mordió las primeras décadas del XX. En escultores como
David D’Angers se fundieron ambas corrientes, la neoclásica y la
romántica. Caso más complicado estéticamente es Auguste
Rodin, que fue a su vez naturalista, simbolista, lírico y
monumental. Pero en su realismo, indefectiblemente, está el
romanticismo. Fue Rodin, además, un iniciador de la estética
escultórica del siglo XX.
Rodin inició la En pintura ocurrió algo parecido a la escultura; el romanticismo
estética escultórica
se montó a veces en el neoclásico o simplemente lo sucedió. Pero
del siglo XX
definitivamente había en el romanticismo pictórico un gran
colorido, contornos fluidos y composiciones fuera de la mesura y
el canon clásico o neoclásico. Los temas serán nacionalistas,
históricos, íntimos y con gran atracción en algunos artistas por lo
oriental, particularmente el mundo árabe. 11 66

Capítulos
Teodore Géricault, Eugene Delacroix, Jean Baptiste Corot,

Teodore Chasseriau, son algunos de los maestros notables de este
arte sugestivo, vibrante y sensual.
El realismo significó La pintura francesa en este siglo tuvo aún otro empuje con el
un empuje para la
realismo, desarrollado en las décadas que corren de 1849 a 1870,
pintura francesa,
se abandonó una especie de reacción contra el romanticismo, en el cual los
el tema antiguo artistas abandonaron el tema antiguo, el tema exótico, volviendo
volviendo al tema
coetaneo su atención hacia el mundo coetáneo, cercano, con fuerza de
expresión realista.
A veces, como en el caso de Honoré Daumier, el realismo se
tornó en caricatura o expresionismo. El mundo campesino se vio
representado bajo una nueva forma con Francois Millet. En esta
corriente se movió también Gustave Courbert, quien alternó
realismo con sensualidad y tono poético.
12 66

Capítulos
El siglo XIX fue un siglo espléndido en realizaciones, en

tendencias y personajes. En Francia, en la pintura y el grabado
quedaron numerosas y espléndidas obras, probablemente como
en ningún otro tiempo anterior había ocurrido.
13 66

Capítulos
Francia Siglo XIX Actividad grabado
Al igual que en la pintura, la obra de estampación o gráfica en

este siglo tuvo en Francia brillantes representantes que la llevaron
a la cima en el ámbito europeo. Un buen número de artistas
trabajaron en las diversas técnicas, pero ha bastado un
relativamente reducido grupo que logró esta situación de
primacía y privilegio.
En este periodo, Teodore Géricault (1791-1824), pintor y litógrafo, fue autor
la obra gráfica tuvo
en esta técnica de unas 70 piezas que frecuentemente tienen
en Francia brillantes
representantes que como tema o motivo el caballo.
la llevaron a la cima Su vida artística fue breve, “pasó como meteoro”, según
en el ámbito
europeo palabras de Mallé, ya que murió a los 33 años en París. Géricault
había nacido en Rouen, de donde pasó a París. Hizo una estancia
en Florencia y en Roma, entre 1816 y 1817, y posteriormente 14 66

Capítulos
visitó Inglaterra, sobre 1820-22. De ambas estancias nutrió su

trabajo: Miguel Angel y Caravaggio particularmente en Italia, y
de los ingleses se enfrentó a una visión realista, de donde provino
su gran afición por los caballos.
Su experiencia litográfica data de 1817 y de esos primeros
años de producción provienen “Los Caballos en la Caballeriza”
y “El Inválido”. Después vinieron las litografías inglesas. Una pieza
de 1818 es particularmente sigificativa, el “Retorno de Rusia”,
que describe el desastre del ejército de Napoleón en Rusia,
acaecido seis años antes. Géricault era bonapartista y esta
estampa fue una especie de reclamo ante la indiferencia oficial
por los veteranos del gran holocausto.
Se trata en esta obra, más que de un romanticismo, de un
Regreos de Rusia
Géricault realismo sumamente sentido. Jean Laran observa cómo con el
uso sabio del “tapón y el rascador”, el artista pudo dar a su 15 66

Capítulos
litografía una escala completa de valores. Y observa también la

actitud más de elaboración que de instinto de Géricault. La última
etapa pictórica, señalada por su viaje a Inglaterra, lo inclinó
notablemente hacia el realismo, Los ingleses lo habían puesto
frente a la realidad, liberada ésta de tantas rémoras retóricas
latinas. Las litografías inglesas muestran sólo algunas piezas de
caballos heroicos, en tanto que las demás serán objeto de una
realidad seca y cotidiana.
La última etapa Tuvo el artista una vida sumamente inquieta y atormentada.
pictórica
En la última hora se interesó en temas de dementes, que
de Géricault,
señalada por habrían de influir sobre el arte de Délacroix, con quien tuvo
su viaje estrecha amistad.
a Inglaterra,
lo inclinó Fernand Victor Eugene Délacroix (1798-1863) pasó su niñez
notablemente en Charenton, Saint Maurice, donde naciera, cerca de París.
hacia el realismo
En 1806, cuando tenía apenas 8 años, su madre se trasladó a
16 66

Capítulos
París, ya viuda de un año. Por ese tiempo ingresó al Liceo

Imperial, distinguiéndose en el dibujo.
Su tío, el pintor Henri Francois Riesener, en 1815 lo
recomendó a Pierre Narcise Guerin, un conocido pintor
neoclásico, discípulo de David.
Pero algo realmente definitivo en su vida fue su encuentro
con Géricault. Posó para él y sus relaciones de amistad fueron
intensas y provechosas. De innegable importancia fueron
también sus relaciones con Gerard y con Gros, quienes
advirtiendo la presencia en él de un verdadero artista, le
prodigaron ayuda y consejo.
Con el envío a los salones oficiales de la pintura “La Barca
Combate de Giaour
y Pacha de Dante”, en 1822, y de “Las Matanzas de Quíos”, en 1824.
Delacroix Délacroix apareció clamorosamente en la escena de la vida
artística parisiense. Su personalidad provocó discusiones sobre 17 66

Capítulos
el romanticismo y clasicismo, y a partir de su encumbramiento

se suscitó una rivalidad entre él e Ingres.
Délacroix se formó Délacroix se formó en los ejercicios de copias en el Museo
en los ejercicios de
del Louvre y conoció a profundidad la técnica de Goya. Se
copias en el Museo
del Louvre y conoció interesó por la pintura del paisaje de Constable, haciendo un
a profundidad viaje a Inglaterra en mayo de 1825, permaneciendo ahí tres
la técnica de Goya
meses. Otro viaje, esta vez a Italia y a Marruecos, iniciado en
1832, y que duró seis meses, fue un acontecimiento de gran
relieve en su vida. Ese viaje lo hizo descubrir nuevas cosas,
algunos aspectos de violencia y erotismo, de paroxismo místico
que había buscado en las fuentes literarias y en las fantasías.
Estas experiencias alimentaron su labor plástica hasta su muerte,
acaecida en París en 1863, en su casa de la Plaza de Furstenberg.
Tras este viaje, una vez de nuevo en París, Délacroix
inició la serie de empresas decorativas, por las cuales lo
18 66

Capítulos
había llamado en un principio el estadista y ministro

Adolfo Thiers.
En París Délacroix frecuentó las tertulias mundanas e
intelectuales, a las que aportó una nota de refinado dandismo,
tanto en el espíritu como en la vestimenta. Su trato con poetas,
literatos y músicos, más que con pintores, fue característico de
él. Así se hizo amigo sucesivamente de Jorge Sand, de Chopin,
de Gautier y de Baudelaire. Conoció también a Dumas, a
Paganini, a Victor Hugo, a Sthendal y Merimée. Baudelaire,
que escribiría largamente sobre él, dijo: “Para un hombre
semejante, provisto de tal valentía y de tal pasión, las luchas
más interesantes son las que tuvo que sostener consigo mismo”.
El pintor fue un hombre que vivió en constante tensión
con su mundo interior, con sus inquietudes y sus angustias,
que unas veces lo dominaron y otras lo sostuvieron. 19 66

Capítulos
Pintor y grabador, su primer aguafuerte lo realizó en 1814,

cuando tenía 16 años. Su obra litográfica fue más vasta,
apresada por el estudio de los animales y por composiciones
inspiradas en Shakespeare y Goethe.
“Caballo Salvaje” es una litografía de 1828. Otra la pieza
Interior del hospital
militar “Weislingen Atacado por las Gentes de Goetz”, de 1838. La
Délacroix escena de la batalla es la segunda de siete ilustraciones
dedicadas al drama escenográfico Goetz di Berlichingen, de
Wolfgang Goethe. La pequeña serie fue grabada por Délacroix
entre 1836 y 1843. En parte inédita durante su vida, cinco
láminas fueron vendidas hasta después de su muerte.
Délacroix grabó 25 láminas al aguafuerte. Demostró en
“El Interior del Hospital Militar”, de 1828, y en el “Fabbro”
de 1833, con raros efectos de violentos contrastes, un juego
de negros y media sombra lacerantes, en la cual una eventual 20 66

Capítulos
memoria rembrandtiana es transportada con nuevos

significados humanos.
Délacroix, El artista se inició primero en el aguafuerte, en 1814,
con sus imagenes
consciente del poco significado de las primeras pruebas.
despertó el gusto
por lo exótico Después afirmó su romanticismo en su producción. En su serie
y lo misterioso, del Fausto, en 1828, logró un trabajo gráfico tras fabulosa
de gran interés
para algunos sugestión de blancos y grises. Un clima que supera todo riesgo
artistas romanticos literario sin renunciar a la ilustración. Laran subrayó con
vehemencia cierta simplicidad de la foma y de tono que, al
menos en las pruebas más bellas, parecen propiamente un
elemento de encanto de un romanticismo lírico y también
algo ingenuo.
Délacroix realizó imágenes que despertaron el gusto por lo
exótico y lo misterioso, relatando desde luego estos mundos que
algunos artistas románticos también buscaron con gran interés. 21 66

Capítulos
Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) nació en París y

murió en Ville D’Avray. Pintor y grabador, su producción
pictórica se acercó a los tres mil cuadros, en tanto que su
obra gráfica es comparativamente muy escasa. Grabó entre
1845 y 1849 14 aguafuertes de paisaje, de los cuales la
mayoría evocan su primer viaje a Italia. Realizó unas 20
litografías y autografías, y unas 60 estampas con la técnica
del cliché-verre.
La madre de Corot fue modista de la corte de Napoleón y
El bosque de
eremita más tarde de la de los Borbones. Dirigió junto con su padre una
Corot casa de modas. La familia vivió desahogadamente. Corot trabajó
ahí algunos años, hasta que decidió ser pintor. No tuvo ningún
conflicto con la familia por esta vocación. Su padre le asignó
cien francos al mes y al futuro pintor esa suma le pareció bien
para vivir. 22 66

Capítulos
Empezó a pintar en 1822, cuando asistió al estudio de

Michelon. Y nunca más dejó de pintar, acumulando la
producción ya mencionada de pinturas.
En 1825 hizo el primer viaje a Italia, permaneciendo ahí
durante tres años. Los cuadros que pintó entre ese año y
1828 se consideran muy afortunados, entre los cuales hay
verdaderas obras maestras.
A los 50 años Corot recibió la presea de la Legión de Honor,
cosa que sorprendió muchísimo a su padre, quien no
comprendía por qué recibía esa distinción, cuando apenas era
capaz de comprar el material con el que pintaba. Y es que a
Corot le tenía sin cuidado el dinero. Lo único que le importaba
era pintar.
A los 60 años, nadie o pocos se interesaban por sus pinturas,
por sus pequeños “paisajes íntimos”. Pero de un día a otro fue 23 66

Capítulos
descubierto y todos querían poseer un Corot. El despreocupado

pintor se convirtió entonces en un hombre rico por sus
abundantes ingresos. Fortuna a la que se unió la herencia de
su familia. Esta nueva situación no cambió su carácter, aunque
sí su forma de vida. Pero siguió siendo despreocupado con
respecto a ello; generoso o simplemente desinteresado en el
dinero. Ayudó a jóvenes pintores; hizo una donación de 50 mil
francos para un fondo de auxilio para niños pobres. Compró la
casa donde vivía Daumier, en Avray, y se la regaló, ya que lo
En el aguafuerte, habían lanzado. Al morir el pintor Millet, otro amigo suyo,
Corot se impregnó,
al igual que en su
asignó una pensión a la viuda y sus hijos.
pintura, de un En este tiempo en Francia las figuras mayores en el paisaje
timbre lírico
fueron Corot y Millet. En el aguafuerte, Corot se impregnó,
al igual que en su pintura, de un timbre lírico. Dice Laran
que el arte de Corot era “una efusión, un grito del corazón, 24 66

Capítulos
una eclosión espontánea, con amor religioso por la

naturaleza”.
Corot se había formado, no obstante, con austera disciplina,
dedicado al aguafuerte de 1845 al 49, principalmente en su tercer
viaje a Italia. El “Souvenir de Italia” de 1836 es de una densidad y al
mismo tiempo ligereza sorprendente. Sobre todo en el tratamiento
de los árboles. Su ejecución era extremadamente libre y suelta,
verdaderamente vívida en las pruebas.
Decía el pintor: “Pinto como los niños hacen sus pompas de
jabón. Al principio la pompa es todavía muy chica pero ya es
redonda”.
No fue preciso a Corot especular sobre la composición
pictórica. “No construye sus cuadros pero tiene el sentido
constructivo. No se esfuerza por ser espiritual pero toda su
obra está impregnada de la espiritualidad francesa. Su 25 66

Capítulos
inteligencia es la inteligencia de la sensualidad”. Escribió

Westheim 3.
Gavarni Corot utilizó también la técnica del cliché-verre, cerca de
trabajó varias
1853, práctica que se discute como estampa, puesto que
series litográficas,
dedicadas algunas no interviene la impresión, si bien el artista surca con la punta
al carnaval y al tema el estrato coloidal o la tinta distribuida sobre el vidrio, como
de la astucia
femenina un barniz sobre la placa. El cliché-verre (distinto al monotipo)
fue de gran ventaja para Corot: le dio mayor riqueza de
efectos y tal vez porque su trabajo lo realizó todo él mismo,
mientras que en el aguafuerte, grabado una vez el diseño
sobre la placa, prefería dejar a los grabadores la labor restante
de la estampa.
Corot ejecutó piezas litográficas entre 1871 y 1874,
cuando la litografía francesa estaba en decadencia. Son
páginas, entre las suyas, las más frágiles, de un romanticismo 26 66

Capítulos
todavía intacto en sus raíces por el lirismo y lo espontáneo

del golpe de ojo y las pulsaciones luminosas.
Guillermo Chevalier, conocido como Gavarni (1804-1866),
nació en París y tuvo ahí su formación artística. A los veinte años,
en 1824, publicó sus ilustraciones sobre temas de costumbres. En
1837 colaboró con el periódico Charivari, ampliando entonces su
trabajo hacia la caricatura de carácter social y político. Para ese
tiempo, estaba ya reconocido su talento, su refinamiento artístico,
cautivando la admiración de gentes notables como Balzac.
Gavarni trabajó varias series litográficas, dedicadas algunas
El señor a la cocina y
la señora al piano al carnaval y al tema de la astucia femenina. Su serie titulada
Gavarni “Les Lorettes” ofrece un aspecto premanetiano. Su técnica
se volvió cada vez más sabia, con esfumatos del negro y
recursos singulares como la sugerencia de atmósferas
producidas con el rascador. 27 66

Capítulos
Tras varias estancias en Inglaterra, entre 1848 y 1852 cambió

su temática y su tono, transcribiendo la miseria de la metrópoli.
En 1852-53 realizó la serie “Máscaras y Rostros”, en la que
recurrió a valores pictóricos que vitalizaron su expresión.
Honoré Daumier (1808-1879) fue originario de Marsella. Su
padre, que era maestro vidriero, aficionado a la poesía, se mudó
a París con la familia, cuando él tenía tan sólo siete años. El
padre poca o ninguna comprensión tuvo sobre las inclinaciones
artísticas del hijo, a quien sólo le interesaba dibujar y pintar.
Honoré desempeñó fugazmente el papel de recadero en
una librería y con mejor suerte fue a parar a una imprenta
donde aprendió el oficio de litógrafo.
No tardó el joven en hallar su vocación, pues en 1822, a
Guizot
Daumier los 14 años, se encontraba ya su firma en algunas litografías,
bastante ingenuas. 28 66

Capítulos
La litografía Parece que Daumier aprendió los elementos del oficio

fue de gran
artístico con el pintor y litógrafo Ramelet, y gracias a la
importancia para
los fines políticos intervención de Alejandro Lenoir, fundador del Museo de
de la prensa los Movimientos Franceses, la familia se inclinó ante la
vocación y la persistencia del joven. Así, Daumier pudo
recibir enseñanzas, primero de Lenoir, en la Academia
Boudin, y después en el Louvre, particularmente examinando
la obra de maestros antíguos y la de Rubens. Trabajó como
asistente del litógrafo Belliard de 1825 a 1830. La litografía,
inventada en 1798 por Aloys Senefelder (Praga 1771 -
Munich 1834) ofrecía en estos años buenas perspectivas
como proceso para la prensa. Daumier pudo utilizarla para
llegar al público con la palabra escrita y con la estampa. Y
en primer lugar en la estampa de tendencia satírica a través
de la caricatura. 29 66

Capítulos
La prensa perseguía fines políticos y la litografía encajó

idealmente. Al ilustrador se le pedía ante todo rapidez. El
dibujante trazaba sus líneas con el lápiz graso sobre la piedra
y el dibujo se imprimía de inmediato.
El gobierno Cuando Charles Philipon, ingenioso periodista adversario
suspendió
de Luis Felipe, fundó su revista satírica “La Caricatura”, invitó
la libertad de
prensa, a causa a colaborar con él a Daumier, quien tenía entonces 22 años y
de las tajantes se ganaba el pan haciendo litografías para portadas de
caricaturas
de Daumier cuadernos de música. Pronto se convirtió Daumier, mediante
la caricatura política, en la atracción del semanario. Luchó
apasionadamente por las ideas republicanas, con su
temperamento ardiente, volcánico, bajo los regímenes
reaccionarios de Luis Felipe y Luis Napoleón, a partir de la
revolución de julio de 1830, año en que ascendió al trono
Luis Felipe. 30 66

Capítulos
Daumier satirizó al “Rey Ciudadano”, quien finalmente fue

derrocado por el pueblo en 1848. Las caricaturas de Daumier
fueron de tal grado tajantes, que el gobierno suspendió la
libertad de prensa, promulgándose una ley que prohibió bajo
severas sanciones cualquier crítica a la autoridad. Daumier
fue condenado a seis meses de prisión por su dibujo de 1831,
“Gargantúa”, y por la representación que hizo de los ministros
devorando grandes cantidades de dinero. Este hecho dio gran
popularidad al dibujante y grabador.
Philipon, por su parte, a pesar de una buena defensa que
Calle Transnonain
Daumier hizo en el juicio al que lo sometieron, tuvo que pagar una
multa de 6 mil francos. Finalmente, “La Caricatura” fue
suprimida en 1834. Philipon había fundado antes la
publicación llamada “Charivari”.
31 66

Capítulos
En 1834 apareció la célebre caricatura de “El Vientre

Legislador”. El dibujante resumía aquí, en composición
monumental, a personas cuyas caricaturas había publicado
con regularidad desde las páginas primeras de “La
Caricatura”. Esta pieza la había realizado Daumier para la
Asociación Mensual para la Libertad de Prensa, y se considera
una de las obras más importantes de sus primeros tiempos.
En “El Vientre Legislativo” el dibujante acusó a los
representantes del Parlamento, a los vientres obesos que
hacen las leyes, a los jueces cómodamente sentados en sus
sillones, quienes dictan indiferentes, aburridos, las sentencias
que destruyen sus vidas.
En 1835, rigurosas medidas de censura interrumpieron
temporalmente su actividad como caricaturista político.
32 66

Capítulos
En 1860 Daumier abandonó su trabajo regular e intentó

sólo pintar, pero nadie se interesó en su pintura. Cuatro años
después se vio obligado a reanudar su colaboración diaria en
la prensa. A partir de 1866 defendió la idea de una paz
internacional.
Daumier murió pobre, en Valmondis, a la edad de 71 años.
Una institución de beneficiencia tuvo que sufragar los gastos
de su entierro.
Se conocen de él, según Westheim, cerca de 6 mil
litografías, otros autores le atribuyen más de 4 mil, muchas
de ellas realizadas para revistas y periódicos.
Sus temas constantes fueron los habitantes de París,
caricaturizó sus costumbres y sus particularidades, con
frecuencia en el tono del sarcasmo. Pintura y obra gráfica
hablan de la miseria social. Su célebre “Vagón de Tercera 33 66

Capítulos
Clase” se distingue de la pintura de género contemporáneo

por el vigor de su escritura artística y la actitud de
responsabilidad social que refleja. La tendencia social fue el
rasgo dominante de sus trabajos.
Daumier desarrolló durante años una y otra vez un tema,
procurando perfeccionarlo, encontrarle una expresión más
clara y convincente. Lo modificaba también espiritualmente
como concepción, abordándolo con nuevos puntos de vista.
Así existen varias versiones de muchas de sus piezas. El Quijote,
por ejemplo.
Sus figuras se relacionan con lo complejo de su vida social,
sin caer en la prédica ni en la propaganda: un moralista social.
En este sentido podría considerarse el heredero espiritual de
Goya. Ver la verdad fue para Daumier un compromiso también
para con la sociedad. 34 66

Capítulos
Su escritura artística, de grandes trazos, lapidaria, logró

mediante fuertes efectos de contraste dar a su pintura cierto
carácter escultórico, de cosa labrada al cincel. “Desde lo
oscuro, desde un punto de vista opaco o un gris negruzco,
tiende hacia lo luminoso. Es como si la oscuridad, una
oscuridad impenetrable, maciza, le hubiera servido de
material para tallar esas cabezas enérgicamente perfiladas,
caracterizadas con nítida precisión”, escribió Westheim.
Daumier formò Daumier creó una gigantesca enciclopedia del burgués,
una gigantesca
comparable con la Comedia Humana de Balzac, su
enciclopedia
del burgués, compañero de redacción.
comparable Muchas de sus piezas gráficas se consideran obras de
con la Comedia
Humana de Balzac arte, en las cuales la caricatura no parece sino un pretexto
para profundizar a veces magistralmente en vivo, a veces
con benevolencia o amargura, la gran comedia humana, 35 66

Capítulos
sobre todo de la burguesía. Daumier desde un principio creó

un estilo personal que llegó a ser el estilo de la litografía del
siglo XIX.
Daumier Pintor y grabador, autor de unos 20 aguafuertes y de unas
creó un estilo
cuantas litografías, inspiradas muchas de ellas en la vida
personal que llegó
a ser el estilo campestre, Jean Francois Millet (1814-1875?) nació en
de la litografía Greville y murió en Barbizon.
del siglo XIX
Criado en el campo, sin descuidar sus labores agrícolas
tomaba clases de pintura en Cherburgo. En 1837 se inscribió
en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudió con
Delaroche. En 1846 conoció a dos pintores pertenecientes
a la escuela de Barbizon (H. Troyon y N. Díaz), relación que
lo indujo a trasladarse definitivamente a ese lugar. En
Barbizon había un grupo de artistas que se dedicaba a la
36 66

Capítulos
pintura al aire libre, práctica novedosa para ese tiempo.

Millet fue autor de 6 litografías realizadas entre 1849 y
1858, y 20 aguafuertes ejecutados entre 1855 y 1863.
La presentación de la pintura “El Sembrador” en el Salón
de 1850 fue considerada como un manifiesto del naturalismo
por la crítica progresista. Para el pintor fue un momento
crucial en su carrera. Sus composiciones posteriores, que
presentan figuras de la vida real, captadas en forma
monumental, integradas a su medio ambiente, forman una
unidad “casi religiosa”. En su obra, compuesta sobre todo
por óleos, pasteles y dibujos, la gráfica ocupa un lugar
modesto pero importante por su calidad.
“El Sembrador” tuvo una versión litográfica en 1851,
realizada para el periódico El Artista, pero ésta no fue
publicada. Existe solamente el tiraje póstumo de 1879. 37 66

Capítulos
“La Gran Pastora”, de 1862, fue una página grandiosa,

cargada de alusiones e intensa humanidad; una bella relación
entre lo humano y la naturaleza. Millet entregó el aguafuerte
de la pastora en 1862 a la Sociedad de Aguafuertistas,
institución de importancia en el siglo.
Al contrario de artistas contemporáneos como Bresdin, no
le importó a Millet desplegar en su gráfica un virtuosismo
técnico, refinamiento y buen gusto, sino en reproducir lo más
fielmente posible la luz, el aire y la atmósfera. Sólo insinuó
las figuras y los objetos mediante líneas trazadas como si
estuviera ensayando un conjunto de rayas más o menos
densas. La figura de “La Pastora”, plásticamente pesada,
La gran pastora
Millet constituye un contraste fuerte con los árboles tiernos detrás
de ella y con el rebaño de ovejas, bocetadas con trazos
delgados. 38 66

Capítulos
La intención de lograr en un cuadro, pintado al natural,

hombre, animal y paisaje, quedaron absorbidos pictóricamente
en una atmósfera general. La manera en que Millet puso sus
recursos técnicos al servicio de esta intención, anuncia ya el
impresionismo que estaba por llegar.
La manera Millet fue un artista cándido, puro, que trazó sus temas
en que Millet
en el aguafuerte, tratando el diseño sobre la plancha con
puso sus recursos
técnicos anunció gran fluidez.
el impresionismo Su “Costurera” de 1855 y de trazo algo pesado pero vital
que estaba
por llegar en el elemento gráfico, se salva por el timbre afectuoso de
las luces, por el contenido que hace la claridad, la sinceridad
humana del artista.
Millet fue, junto con Corot, una de las grandes figuras en
el dominio del paisajismo. Supo impregnar un timbre simbólico
humanitario a sus aguafuertes; Corot un timbre lírico. 39 66

Capítulos
A Bresdin En su pintura, como en su gráfica, Millet vio con amor y

se le consideró
simpatía la vida del campo. Hay en sus láminas algo de
como uno de
los precursores misterio y de íntimo que parece fundir a sus humildes
del simbolismo personajes con la tierra sobre la cual vivían.
Por su temática, por su estilo, la obra de Rodolfo Bresdin
(1822-1885) se emparenta con las del Bosco, Bruegel y Durero.
Nacido en La Fresne, Loira, vivió interrumpidamente en París.
Fue un grabador aislado, incomprendido como Meryon.
Prototipo de bohemio, fue protagonista de la novela Le
Corsaire; Chien Caillou de Champfleury. Después de 1849,
frecuentemente se retiró por largas épocas al campo. Ese
mismo año empezó su amistad con Odile Redon, quien fue
primero su discípulo y luego su amigo de toda la vida.
Bresdin realizó unos 150 grabados. Por el carácter
fantasioso de algunas de sus láminas, por su detallismo 40 66

Capítulos
narrativo, se le considera uno de los precursores del

simbolismo. En “El Buen Samaritano”, litografía trazada a
la pluma, de 1861, se aprecian las cualidades del trabajo.
Bresdin proyectó varios bocetos antes de proceder. Usó
pluma y pincel, aclarando las superficies oscuras con aguja
para mezzotinta mediante líneas finas y puntos. Esta
litografía, la más célebre del artista, muestra características
formales e iconográficas que se hallarán después en las obras
del simbolismo y realismo fantástico.
El grabador se sintió atraído, aparte de los grandes
maestros, por lo exótico. Murió en Sevres.
Charles Meryon (1821-1868) nació en París y murió
enloquecido en el asilo de Charenton. Grabador, hijo de un
médico inglés y una bailarina de ópera. Meryon se consagró
41 66

Capítulos
al aguafuerte a partir de 1849, bajo la dirección de Eugene

Blery, aguafuertista y litógrafo, oriundo de Fontainebleau.
Realizó más de cien piezas al aguafuerte, de las cuales las
más fascinantes son las de la serie de 22 vistas de París,
hechas estas entre 1850 y 1854, consideradas como cimas
del arte de la estampa por su concisión y agudeza.
Entre sus grabados muchos se refieren a las miserias de
la vida, a la salud del artista y a los aspectos algo sórdidos, por
lo menos simbólicamente, como es el caso de la pieza “La
Morgue”, conocida por su concisa objetividad, al tiempo
que enfoca la función del macabro significado del edificio,
“una sobriedad alusiva y casi cruel”.
Meryon fue un enamorado de la ciudad del Sena y pudo
Le petit pont
Meryon mostrar los misterios sobre los que antes nadie había
reparado. Con poética visión descubrió la humanidad de las 42 66

Capítulos
piedras de París, sus puentes, sus iglesias, sus torres y sus

antiguas construcciones.
De esta serie de vistas destacan “El Pequeño Puente” de
1850, “El Pont-au-Change” de 1854, del cual se conocen 12
estados distintos. Y desde luego “La Morgue”, también de
1854, al igual que “El Ábside de Nuestra Señora de París”,
estampa con la cual termina la serie. De esta misma es “La
Calle de los Chicos Malos”, lámina que describe una historia
de amarga soledad.
Después En las últimas láminas de la serie de estas vistas parisinas,
de Goya,
se advierte ya la situación tormentosa, causada por la
Meyron fue
el mayor enfermedad que habría de llevarlo a la muerte prematura en
aguaferista Charenton.
de la época
Meyron se sintió atraído por la pintura y los aguafuertes
de las vistas citadinas holandesas del siglo XVII, sobre todo
43 66

Capítulos
de Reyniers Nooms. Este fue su impulso para las “Vistas de

París”, que renovaron por un lado el aguafuerte en Francia y
el tema de las vistas en Europa.
Meyron Jean Laran supo centrar la singularidad de Meyron, que
se distinguió
parecía hecha de “precisiones categóricas” pero en la que
de otros por el
carácter subjetivo vibró un temperamento enfermo de receptividad del “alma
de sus vistas, rebasó de las cosas”. Para Luigi Mallé, entre otros, Meyron fue el
lo puramente
tipográfico o mayor aguafuertista del 800 después de Goya.
físico De 1839 a 1847 Meyron estuvo al servicio de la marina
francesa. En 1846 se decidió a estudiar pintura y escogió como
maestro a C. F. Phelippes, discípulo de David. Se hizo famoso
por sus aguafuertes, a los que se dedicó exclusivamente desde
1848.
Desde 1858 fueron cada vez más frecuentes sus estados
de melancolía y de esquizofrenia, hasta que murió en total 44 66

Capítulos
de melancolía y de esquizofrenia, hasta que murió en total

enajenación mental. Su obra gráfica abarca apenas algo más
de cien piezas, suficientes para asegurar su buen sitial en la
estampa.
En los tiempos de la serie Eaux-Fortes de París (1852-54),
las vistas de los barrios antiguos de París eran temas populares.
Lo que distingue a Meryon de otros es el carácter subjetivo
de sus vistas, que rebasa lo puramente tipográfico o físico.
Esto es evidente sobre todo en la elección de los motivos, en
la añadidura de textos que evocan la atmósfera y el empleo
de ciertos recursos estilísticos; desviaciones conscientes de la
realidad y fuertes contrastes de claroscuro.
La Morgue
Meryon En “La Morgue” está representada esa vieja casa de los
muertos a orillas del Sena, donde eran llevados los ahogados.
Son características del artista, por una parte el descuido de
45 66

Capítulos
los detalles y, por otra, la extraordinaria nitidez de las formas.

Sus trazos sutiles, muchas veces paralelos, no acentúan mu-
cho la sustancia de la arquitectura; mas bien siguen las líneas
principales de éstas, confiriéndoles una rítmica propia.
Old Chelsea
McNeil Whistler James Abbot McNeil Whistler (1834-1903) tiene una
singular importancia dentro de la estampa europea. Nacido
en Lowell, Massachusets, se estableció principalmente en
Francia, país donde desarrolló buena parte de su actividad
como pintor y grabador. Separado de la marina militar
norteamericana por indisciplinado, hizo varios viajes por
Europa, deteniéndose en Inglaterra y después en Francia.
Whistler realizó las primeras pruebas en aguafuerte en
1851. Llegó a trabajar en París cuatro años después. Fue
miembro fundador de la Sociedad de Aguafuertistas, donde
46 66

Capítulos
Latour. En 1858 terminó una primera suite con el tema del

río Támesis. Ese mismo año publicó en París dos láminas bajo
el título “D’Apres Nature”, obras vívidas y nerviosas, como
alguien las calificó. Pero la revelación vino en 1859, cuando
publicó sus vistas del Támesis.
Se trata aquí de piezas que trasmutan todo en fluida
atmósfera, con insistencia en las porciones oscuras. Dice Mallé
que en ese momento Whistler estuvo bajo el influjo del
rembrandtismo de su cuñado, Seymour Haden. Un ejemplo
de esta influencia es la estampa del “Billinsgate”.
“Rotherhite” es uno de los aguafuertes que pertenecen a
la serie de 16 con el tema del Támesis, que describen la gran
actividad que se desenvuelve sobre tan importante arteria
fluvial. Un mundo agitado, con naves que llegan y parten
hacia los puntos más lejanos.
47 66

Capítulos
Otra serie notable de Whistler fue la “Pequeña Venecia”,

compuesta por 12 aguafuertes ejecutados entre 1879 y 1880.
El grabador hizo una segunda serie de 26 grabados sobre el
mismo tema veneciano, en 1880, que fueron expuestas hasta
1886. Se dice que Whistler iba a Venecia en busca de
inspiración, desesperado también por sus desastrosas
condiciones financieras. Un juicio perdido por un libro suyo
contra John Ruskin, el autor de Las Piedras de Venecia, lo dejó
en mala situación económica. Por ese tiempo, el grabador
confió al amigo Joseph Panell: “...no me siento con el ánimo
de hacer grabados sobre la Venecia de los turistas”.
Whistler trabajó en Venecia, haciendo frecuentemente
los grabados directamente sobre el cobre, sin diseños
preparatorios. Su buril supo obtener, según Mallé, efectos de
48 66

Capítulos
luz tan sensibles que en algunas estampas se podían ver los

reflejos dorados de la laguna. “El sueño sereno del más refinado
de los artistas”, escribiría más tarde Wedmore en Pequeña
Venecia. La serie fue exhibida en Londres en la Galería de la
Sociedad de Bellas Artes, en diciembre de 1880, siendo el mayor
fracaso de su larga carrera de grabador.
Fue por esos meses, en Londres, cuando el grabador trabajó
durante un año la litografía.
Whistler De la serie veneciana, «Los Palacios», aguafuerte de
revolucionó
1880, es la lámina de mayor formato, probablemente la
el arte de la
estampa; fue el más conocida y la más ambiciosa.
primero en verter Whistler era criticado por haber grabado tan sólo balcones
sobre el cobre
sus experiencias y portones de los canales,. Esta estampa, transferida sobre
de impresionista cobre, con su acostumbrada delicadeza, con gran fuerza
expresiva, ofreció la imagen completa de un palacio. 49 66

Capítulos
Fue Whistler un revolucionario en el arte de la estampa; el

primero en verter sobre el cobre sus experiencias de
impresionista. Su influencia fue notable en París y en Londres,
las dos sedes preferidas en las que alternaba sus estancias.
Pero expuso su obra en toda Europa, causando sorpresa por
su típica gráfica pictórica.
Henri Focillon hizo notar la comprensión que tuvo el artista
sobre el arte del Lejano Oriente, cuyos rasgos, asimilados, los
trasmitió en «nuestra pintura de paisaje».
Pierre-Auguste Hyacinthe, padre de Edgard-Hilaire Germain
Marie Cassat en el
Louvre (1834-1917) juntó el nombre, que era De Gas, que provenía
Degas de familia noble de origen bretón. Edgard inició sus estudios
medios en 1845, a los once años. Su padre era un hombre
culto, aficionado al arte y a la música, quien lo acompañaba
con frecuencia a visitar museos y colecciones privadas. 50 66

Capítulos
con frecuencia a visitar museos y colecciones privadas.

En 1853 Degas ingresó al taller del pintor de temas histó-
ricos F. J. Barrias, pero no abandonó la práctica de hacer co-
pias en el Louvre y en el gabinete de grabados de la Biblioteca
Nacional de París. Al año siguiente fue alumno de L. Lamothe,
otro pintor de temas históricos y de retratos, a su vez discípu-
lo de Flandrin. Lamothe le transmitió la pasión por el maestro
El público europeo de su maestro, Dominique Ingres. El aprendizaje fue breve,
se deslumbró con el pues Degas se marchó a Nápoles con sus parientes, viaje que
grabado japonés,
con el delicioso
repetiría cada año, hasta 1859, aprovechando para estudiar
refinamiento de su las colecciones artísticas de Florencia y Roma.
colorido y su grácil y
En 1855 conoció a Ingres, quien le recomendó dibujar
fino dibujo
con intensidad del natural y de memoria. Degas tendría
presente este consejo durante toda su vida. Ingres fue un
51 66

Capítulos
Otra gran influencia fue el arte japonés, las cromoxilografias

japonesas.
Hasta 1879 seguiría Degas haciendo copias. Se trataba
de sumarios, esbozos a lápiz, con claridad de trazo, que revela
una superación de la práctica académica.
Degas procuraba sintetizar el dato compositivo o elegir
un detalle que le pareciese particularmente interesante,
aunque sobre el papel fuera un motivo casi abstracto. Lo que
preocupaba al dibujante, en realidad, era el planteamiento
general y en el caso de los detalles, la dinámica del cuerpo
humano. De ahí su preferencia por el dibujo como medio
más inmediato.
Los grabadores japoneses deslumbraron al público europeo
Manet sentado
Degas con el delicioso refinamiento de su colorido y su grácil y fino
dibujo. Degas fue uno de los primeros pintores occidentales
52 66

Capítulos
y uno de los más importantes en adoptar esa visión y ese

método, novedosos para el arte de aquel tiempo.
Paul Gustave Doré (1833-1883) se volvió célebre por sus
ilustraciones para grandes obras de la literatura. La gente lo
conoció, sobre todo, por sus trabajos para el Quijote y el
infierno dantesco.
Dibujante, pintor, escultor y litógrafo, Doré nació en
Ilustración para
Don Quijote Estrasburgo y cursó estudios en el liceo parisiense Carlomagno,
Doré ingresando a él a los quince años. Sus inclinaciones, empero,
no eran para los estudios científicos y fue en el dominio de
las artes plásticas donde mostró su gran habilidad.
Concretamente en el dibujo, afición que empezó a los 11
años y que pronto se convirtió en su ocupación principal.
Por ese tiempo, el editor Philipon publicaba un semanario,
Journal pour Rire, quien le tomó a su servicio para dibujos 53 66

Capítulos
Journal pour Rire, quien le tomó a su servicio para dibujos

humorísticos, con contrato de tres años. Su primera obra ilus-
trada fueron grabados para Rabelais, en 1854, y después si-
guieron los dibujos para Contes Drolatiques (cuentos
extravagantes) de Honorato de Balzac, trabajo con el que
alcanzó cierta celebridad.
En 1860 y 61 dibujó las planchas para La Divina Comedia
de Dante, y dos años más tarde emprendería los dibujos para
Paul Gustave Doré el Quijote. En 1866 vino el Paraíso Perdido y en 1867 las
ganó la inmortalidad Fábulas de la Fontaine; en 1865-70 realizó las ilustraciones
con sus trabajos de
ilustración en varias para la Biblia y en 1873 ilustró varias obras para libros de
obras literarias Rabelais. Fueron doce años de labor en lo suyo, la ilustración,
que le dieron la inmortalidad.
Las estampas para La Divina Comedia popularizaron su
nombre. Sobre esta obra se imprimieron ediciones especiales 54 66

Capítulos
del dibujante, reproducidas las planchas de zinc, sacadas de

las matrices de madera.
El concepto Desde las ilustraciones del Quijote, Doré abandonó el
romántico de
grabado directo en madera, limitándose después a reproducir
la reconstrucción
fue muy agudo fotográficamente sobre las planchas o tacos sus dibujos a la
en la época aguada, que varios grabadores reproducían. En el catálogo
de Doré
de sus obras figuran los nombres de más de 40 de estos
colaboradores, entre los que sobresalió Pennemaker.
Los maestros de Doré fueron los cuadros del museo del
Louvre y las representaciones de teatro. Se dice que efectuó
todas sus composiciones de memoria y con gran sensibilidad
escenográfica. Su capacidad para generar fantasía fue una
de sus características y su habilidad dibujística le hizo ser un
creador muy atractivo para el gran público. «La literatura
necesita describir para crear ambientes, y lo característico de 55 66

Capítulos
lo artístico visual es la atmósfera de un cuadro cualquiera,

donde muchas veces no importa tanto la imagen sino el
ambiente en que la envuelve, que la permea, que es lo que
proporciona el valor y el significado», dice Severino Salazar,
en el prólogo de una de sus ediciones de La Divina Comedia.
Y esta cualidad del ilustrador es lo que supo obtener Doré,
creando un discurso paralelo al literario. Si se piensa en las
ilustraciones del infierno de Dante, se trata sin duda del
infierno de Doré, forzosamente diferente al del escritor y
poeta, aunque ambos están asociados.
El espíritu romántico en que vivió Doré hizo posible que el
artista desarrollara un sentimiento precisamente romántico y
fantasioso. El concepto romántico de la reconstrucción, explica
Salazar, fue muy agudo en la época de Doré. La reconstrucción
del pasado llegó a ser una preocupación primordial. Cuando 56 66

Capítulos
un castillo está en ruinas, por ejemplo, el artista inventa a

partir de estas ruinas. De aquí el surgimiento del neogótico,
que tantos frutos dio en Inglaterra, promovido después por
los prerrafaelistas, hermanados con Doré artísticamente.
Los dibujos de Doré tuvieron la originalidad artística y el
dominio extraordinario de la técnica, tanto en la composición
como en las figuras.
Murió Gustave Doré en París en 1883, habiendo obtenido
dos condecoraciones de la Legión de Honor.
La obra de Doré Las maderas grabadas de los originales del dibujante fueron
tuvo la originalidad
celosamente guardadas por la casa Alfred Mame, de Tours, y
artística, dominio
extraordinario sirvieron para tirar muchas ediciones. Estas fueron destruidas
de la técnica, tanto durante un bombardeo en la primera guerra mundial. Por
en la composición
como en las figuras fortuna para todos, antes se habían hecho muy buenas
impresiones directas de ellas. 57 66

Capítulos
Henri Marie-Raymond Toulouse-Lautrec Monfa (1864-

190l) nació el 1 de noviembre en Albi, en el Palacio de Bose,
hijo del conde Alphonse Charles, de recia nobleza, y de Adele
Marquette Tapié de Céleyran. Su infancia transcurrió en el
castillo solariego, en el valle de Viaur, a unos 50 kilómetros
de Albi.
De constitución débil, a los 14 años resbaló en el pavimento
El inglés en el
Moulin Rouge de Albi y se fracturó el fémur izquierdo. Al año siguiente, en
Toulouse-Lautrec 1879, en un paseo con su madre cayó en una zanja y se rompió
el otro fémur. Esta doble fractura fue de extrema gravedad,
probablemente en razón de una fragilidad congénita de los
huesos. El crecimiento de las piernas se estancó, mientras el
resto del cuerpo continuó creciendo normalmente. Al llegar a
la adolescencia, Henri medía sólo 1.36 metros de altura.
58 66

Capítulos
Con este crecimiento anormal, el futuro artista tuvo que

renunciar a la carrera militar que se le había querido destinar.
Es posible que el gremio castrense haya perdido un buen
elemento, pero es claro que el arte ganó enormemente con su
aportación.
La circunstancia de su forzosa inactividad a causa de su
mal, permitió al joven dedicarse a la pintura, cambiando así
sus hábitos en el ambiente del mundo aristocrático al que
pertenecía.
La primera formación artística de Henri estuvo bajo la guía
de un amigo de su padre, el pintor René Princetau, especializado
en temas de caballos y perros.
En 1882 ingresó al taller de Leon Bonnat, en la escuela de
Bellas Artes, famoso pintor académico, puntual adversario del
impresionismo. El joven practicaba continuamente la copia al
59 66

Capítulos
impresionismo. El joven practicaba continuamente la copia al

natural. Al año siguiente pasó a estudiar con Fernand Cormon,
otro artista académico, aunque bastante abierto a las
Lautrec asimiló novedades. Estos años fueron definitivos para su formación.
el impresionismo
En 1885 se instaló en Montmartre, lugar donde alternó la
a través de la
obra de Manet vida de placer con el trabajo.
y de Renoir, En el taller de Cormon Lautrec conoció a varios jóvenes artistas
sin embargo,
su maestro inquietos, entre ellos a Emile Bernard y Vincent Van Gogh, cuando
inspirador éste llegó a París en 1866. Un compañero de estudios atestigua
fue Degas
que Lautrec sentía admiración por Velázquez, Goya, Ingres, Renoir
y Forain, y se mostraba fascinado por los maestros japoneses.
Lautrec asimiló el impresionismo a través de la obra de
Manet y de Renoir, experiencia que le fue de gran valor,
especialmente en el sentido de captar la realidad inmediata.
Su maestro inspirador, empero, fue Degas, con el cual se
60 66

Capítulos
En el espectáculo de la vida, Lautrec se interesó

principalmente en el hecho humano; el ambiente y el paisaje
fueron para él un complemento. «No existe mas que la figura.
El paisaje no es nada y no debería ser sino un accesorio. El
paisaje sólo debería usarse para hacer más inteligible el carácter
de la figura», diría el artista.
Lautrec se interesó «Para Lautrec el grabado japonés fue una confirmación
principalmente en
necesaria, dice María Cristina Gozzoli . El color se libera de
el hecho humano.
El ambiente toda función descriptiva, esto es, del tonalismo, para
y el paisaje convertirse en fondo plano. Las líneas del contorno adquieren
fueron para él
un complemento valor expresivo a base de curvas y ángulos sutilmente
contrapuestos. El espacio, reducido a línea, se dilata o se
restringe».
Artista de extrema sensibilidad, espectador nato, lúcido y
auténtico, Lautrec se apasionó por los deportes, por las 61 66

Capítulos
carreras, por el teatro, por la gente de circo y por los

prostíbulos. En 1888, con la pintura «La Caballeriza del Circo
Fernando», alcanzó su estilo personal. «Precisaba su elección
temática, distinto al mundo burgués representado por los
impresionistas, visto sin cadenas moralistas pero también sin
complacencias sensuales», dice Gozzoli. Lo que le interesaba
era registrar la vida tal como era; la actitud del cuerpo
femenino en reposo o en movimiento de danza, el ademán
de un brazo, la mueca de una boca, una mirada, la captación
en el instante de una expresión gesticular.
En 1890 inició el ciclo de las escenas del Moulin Rouge, con
El diván japonés
Toulouse-Lautrec personajes clásicos de la Belle Epoque. A partir de sus numerosos
carteles, en 1891, el pintor y dibujante se dedicaría apasionadamente
al arte litográfico, revolucionando esta técnica, confiriéndole una
autonomía de lenguaje desconocida hasta entonces. 62 66

Capítulos
Desde sus intentos iniciales, Lautrec demostró la plena

adecuación de su visión con la técnica del cartel, a base de
una síntesis y una acentuación de las formas que permiten
al espectador captar de inmediato el significado de la
imagen y la disposición decorativa del conjunto.
Son varias las series litográficas de Lautrec: 16 piezas
dedicadas a la cantante Yvette Gilbert en 1894; 13 de 1895
comprenden retratos de actores y actrices; sobre prostíbulos
fueron ejecutados por el editor Gustave Pellet en 1896.
Otras tantas obras de Yvette, en blanco y negro, se
imprimieron en Londres en 1898. Lautrec estuvo en esta
ciudad en 1895 y en 1898.
El pintor y litógrafo fue internado en marzo de 1899 en
una clínica de Neuilly, tras haberse manifestado en él las
primeras crisis de etilismo. Cuando se dio de alta se trasladó 63 66

Capítulos
a El Havre, donde reanudó la pintura, mostrando voluntad

de renovación estilística, con un lenguaje más complejo y
sensible a los efectos de la luz y de la sombra.
El siglo XIX fue el A finales de 1899 regresó a París, y tras algunos viajes más se
mejor siglo para
refugió con su madre en el castillo de Malromé. Ahí, a
la concentración
de talentos consecuencia de un colapso, falleció el 9 de septiembre de 1901.
en la gráfica, Con el tiempo surgió su leyenda, íntimamente vinculada
principalmente
en la técnica al mundo maldito y alegre, en el cual voluntariamente Lautrec
litográfica se había atrincherado en su voluntario y progresivo
embrutecimiento.
Pero es preciso señalar, dice Gozzoli, que Lautrec nunca
estuvo abrumado por su condición de minusválido ni por el
ambiente algo alegre y algo sórdido en que vivió.
El desapego sentimental y aristocrático conque Lautrec
contempló aquel mundo de farándula y prostíbulos le permitió 64 66

Capítulos
no caer en el hecho ilustrativo o costumbrista, pues tuvo un

empeño estilístico constante y avizor que se traduce en el
descubrimiento de un lenguaje sintético de la línea.
En ningún siglo como éste ha habido tal concentración
de talentos en la gráfica, principalmente en la técnica
litográfica. Mientras que en países como Italia, Holanda,
Bélgica y Alemania el grabado había bajado de intensidad,
Francia se robustecía y aseguraba también un dominio en
el siglo XX, en donde la escuela de París se convertiría en
una verdadera metrópoli artística en la que convergerían
personalidades de todas partes.
En el siglo XIX estuvieron presentes también algunos
artistas más de primer rango como Paul Gauguin (1848-
1903), pintor y excepcionalmente grabador, nacido en París
y muerto en la isla de Tahití. Después de haber estado en
65 66

Capítulos
y muerto en la isla de Tahití. Después de haber estado en

diversos movimientos, del impresionismo al simbolismo,
Gauguin aterrizó en un arte muy personal de rasgos
primitivistas, con influencias de los fauves.
Su obra gráfica no fue numerosa pero utilizó varias
técnicas. En la madera, con instrumental rudimentario, ejecutó
unas cuarenta piezas que habrá que considerar como su apor-
tación original al arte de la estampa.
Theodore Chasseriaux, Celestin Nanteuil, Francois Daubigni,
Theodore Rousseau y Ferdinand Gaillard son algunos artistas
más que incursionaron en el grabado de ese tiempo, aunque
con menor brillo que los ya mencionados. Otros más pertenecen
propiamente al siglo XX.
66 66

ALEMANIA SIGLO XV

Capítulos
Alemania Siglo XV Situación histórica
Cuando Alberto de Austria heredó Hungría y Babiera, la familia

de los Habsburgo afianzó su poder, convirtiéndose en la más
poderosa de Alemania. Maximiliano 1 (1493-1519) se esforzó
en conducir una política centralizadora, tratando de extender
las instituciones austríacas a todo el territorio imperial. Fracasó
en el intento a causa del poder adquirido por los príncipes y
los electores, que reafirmaron en su respuesta su actitud
individualista.
En el curso del siglo XV estos príncipes habían asaltado
prácticamente las ciudades, acabando por asimilarlas a sus
estados. Ello provocó el debilitamiento de la burguesía, clase
fundamental para llevar a buen fin una política unificadora.
1 31

Capítulos
Alemania Siglo XV Situación histórica
En cada estado el príncipe encarnó la unión de los poderes

temporal y religioso. Así, la voluntad del emperador dejó de
ser fundamentalmente una ley para los súbditos alemanes.
Maximiliano, fundador de la Casa de Austria, terminó
gobernando casi para nadie.
2 31

Capítulos
Alemania Siglo XV Situación artística
En pintura, a finales del XIV y primera mitad del XV se extendió

en Alemania, Austria y Bohemia la tendencia internacional
del gótico. Durante la segunda mitad del XV Nuremberg fue
una ciudad impregnada de cultura y muy abierta a las
corrientes humanísticas de origen italiano. No obstante, dice
Ettore Camesasca, “los ideales mantenidos en el ámbito
artístico no se adecuaban al fervor de renovación que animaba
a los escritores y eruditos: el Renacimiento era estudiado,
1. Maestro de la imitado e incluso amado, pero como hecho exterior. Así, la
Pintura. Vida y obra
pintura permanecía fijada en el gusto del gótico tardío, con
de A. Durero. Anesa.
Noger, Rizzoli, 1973, graves taras de árida minuciosidad y falta de naturalidad que
Argentina la rutina relegaba a un plano artesanal”1.
3 31

Capítulos
Alemania Siglo XV Situación artística
En la ciudad de Nuremberg, Michael Wolgemut (1434-1516)

siguió la corriente de la escuela de Bohemia. Aparte de este
maestro, en el siglo destacó también Esteban Lochner, el pintor
más importante de Colonia. En el Alto Rin Lucas Moser
abandonaba el tradicionalismo gótico al evitar los fondos
dorados en el retablo de Santa Magdalena, si bien esta obra
conservaba el estilo de los miniaturistas por el detallismo de
la figura y de la naturaleza.
Otro artista notable fue Conrado Witz, quien hizo la mayoría
de sus obras en Basilea.
4 31

Capítulos
Alemania Siglo XV Actividad grabado
El grabado El grabado xilográfico de “San Cristóbal”, de 1423, marcó

xilográfico de
un punto de partida en las discusiones de los orígenes de la
“San Cristóbal”,
marcó el inicio estampa europea. Se sabe ya que hubo estampas cuya
en las discusiones cronología quedó situada aún más atrás, en 1410, atribuidas
de los orígenes
de la estampa al Maestro Bávaro. Pero para encontrar una manifestación
europea real del talento en la actividad del grabado, habrá que llegar
a la segunda mitad del siglo. Las planchas anteriores a 1450
son tan sencillas y revelan poca habilidad en sus autores,
que ha bastado con declarar simplemente su existencia.
Pfister es para algunos el grabador en madera más antiguo
de Alemania. Instruido como impresor y grabador por
Gutemberg, se estableció en Bamberg por 1458 y publicó,
5 31

Capítulos
con sus propios recursos, cierto número de obras que Jean Laborde
consignó en su libro Los Inicios de la Imprenta en Maguncia y
Bamberg. Las estampas de estas primeras impresiones son toscas,
con escaso mérito artístico, pero tuvieron la virtud de estar libres
de toda influencia extranjera. Son de interés porque fijan el origen
completamente alemán del grabado en madera.
El desarrollo del Fue extraordinario el desarrollo del grabado xilográfico en
grabado xilográfico
la Alemania del siglo XV pero esta abundancia, según
fue extraordinario,
pero esta Duplessis, tuvo inconvenientes. Los artistas de talento que
abundancia hacían composiciones no vigilaban bien a sus grabadores,
tuvo algunos
inconvenientes quienes modificaban contornos y desnaturalizaban las
formas. No se preocuparon mucho por el dibujo estos
artesanos. Grabaron la madera con facilidad y en eso
consistió su mérito.
6 31

Capítulos
La Biblia de Koburger contiene 86 estampas mejor

ejecutadas que la generalidad de las anteriores, impresas
por el mismo Koburger. La Crónica de Nuremberg, impresa
también por el editor, tenía ya un buen número de grabados
hechos con maestría, pero inspirados en dibujos de escasa
calidad artística. En las figuras rechonchas, en los ropajes
angulosos y sobrecargados de pliegues, se reconoce el
producto de la escuelas alemanas.
Koburger señala en su prefacio como autores de las láminas
de la Crónica a Wolgemut y Whilelmo Pleydenworff, pero
de estos maestros se conocen obras de mayor mérito
artístico.
En el grabado en cobre –talla dulce–, se estima que el
primer artista es el Maestro de los Naipes, cuya labor fue
7 31

Capítulos
realizada en la región del Alto Rin, en Estrasburgo y tal vez

en Maguncia, entre 1430 y 1450. Las piezas, así, fueron
hechas en plena fase de los incunables2, piezas sorprendentes
por su calidad y pericia gráfica y su sutileza expresiva.
Max Lehrs logró reunir unos 40 grabados de este maestro,
aparte de los aproximadamente 75 de los naipes. Todos los
grabados son ejemplares únicos, sumamente raros en las
colecciones.
Algunas obras de este orfebre y grabador se conservan en la
Rey de los salvajes
Maestro de los Biblioteca Nacional de París y en el gabinete de grabados de
Naipes Dresde (Kupferstichkabinet).
2. Incunables: grabados Cerca del Maestro de los Naipes, en tiempo y lugar, vivió y
hechos desde tiempo de la
trabajó el Maestro E. S., activo entre 1450 y 1467 en la
fundación de la imprenta
en 1452 hasta principios localidad también del Ato Rin y la Suiza Septentrional. Para
del siglo XVI.
8 31

Capítulos
la abadía de Einsiedeln, cerca de Zurich, realizó los primeros

grabados de los recuerdos de los peregrinos.
El Maestro El Maestro no parece haber sido insensible a la obra de su
E. S. demostró
predecesor. Sus grabados juveniles señalan la influencia de
el sentimiento y la
expresión exacta aquél.
de la figura Del Maestro existen numerosas estampas firmadas con las
que ponía
en acción letras E. S. y con fechas de 1463 y 1467. 18 de estas
estampas llevan su monograma y 16 están fechadas en
1467, probable fecha de su muerte. De aquí se le conoce
también como el Maestro de 1467. Sobre el estudio de estas
18 piezas firmadas se le atribuyen cerca de unas 300
estampas, la mayoría ejemplares únicos.
Por esta época, se dice, “ no podría hallarse en ningún
país un artista tan instruido en la práctica del grabado, ni
9 31

Capítulos
tan fecundo. Su buril limpio y de gran exactitud cortaba el

cobre con sorprendente ligereza”. Su dibujo fue ligero y
expresivo. Sus composiciones variadas.” La Adoración de
los Magos” recuerda las miniaturas del siglo precedente.
Daba el maestro E. S. a sus figuras una delgadez exagerada,
pero cuando se trataba de componer una pieza de
orfebrería, ornamentada, componía obras llenas de gusto
y de gracia.
El Maestro “Artista gráfico por excelencia, no buscó este maestro la
E. S. revolucionó
belleza tal como la conocemos y la deseamos, tal como la
la técnica
del grabado expresaron siempre los primitivos italianos. La forma y la
por el uso de grandeza del dibujo fueron para él preocupaciones
curvas, puntos
y cruzamientos secundarias. Lo que se empeñó en demostrar fue el
sentimiento y la expresión exacta de la figura que ponía en
10 31

Capítulos
acción. El Maestro fue el primer artista alemán que puso su

talento al servicio de la expresión y del sentimiento”, anota
Duplessis.
Entre algunas de las obras notables del Maestro E. S. se cuenta
“San Juan en la Isla de Patmos”, que relata el exilio que al
evangelista le impuso el emperador Domiziano. El personaje
está en cuclillas, con un gran manto, escribiendo el Apocalipsis.
Otra estampa maestra es “La Caída del Hombre”,
El gran jardín del
amor dramática escena del Antiguo Testamento, también al
Maestro E. S. buril. Fue autor igualmente de un Juego de Naipes, que
evidentemente derivó del Maestro de los Naipes. Se trata
de figuritas humanas, soldados y reyes en diferentes
gestos y movimientos, realizados en 1463. Hay láminas
también con el diseño de perros y aves. Todas estas piezas
11 31

Capítulos
son ejemplares únicos que se conservan en la Pinacoteca

Nacional de Bolonia.
El Maestro dejó una buena aportación al revolucionar la
técnica del grabado por el uso de curvas, puntos y
cruzamientos en un estilo adecuado justamente para la obra
gráfica.
Grabó toda clase de motivos, muchos de ellos con una
calidad que inspiró a los grandes maestros alemanes que
vendrían después con él, como Schongauer.
Michael Wolgemut (1459-1519) nació y murió en
Nuremberg. Fue alumno y colaborador de Pleydenwurff, con
cuya viuda se casó.
Considerado en su ciudad natal como el mejor pintor de su
San Juan en la Isla
de Patmos tiempo, su obra maestra fue el cuadro de altar de 1479 para la
Maestro E.S. 12 31

Capítulos
Iglesia de Nuestra Señora de Zurickau. Hizo también escultura

en madera.
Ejecutó Wolgemut grabados en colaboración con su
yerno. Ilustró dos obras publicadas hacia 1491-94, la
principal de ellas la Crónica Universal, conocida igualmente
como la Crónica de Nuremberg, para la cual grabó 650
planchas.
En su taller, tuvo el nuremburgués numerosos ayudantes.
3. Duplessis sitúa el Durero mismo fue su alumno, de 1486 a 1490.
nacimiento de
Schongauer sobre Martín Schongauer (1450-1491), nacido en Colmar y
1420 y su muerte en
1488, mencionando
muerto en Brisach3, fue orfebre, grabador y pintor, hijo de
que así consta en la orfebre. Su familia era originaria de Schongau, en la región
partida de defunción
encontrada en los de Augsburgo. Entre su familia hubo dos hermanos orfebres
registros de la
parroquia de San
y uno pintor. Probablemente vivió Martín en sus años
Martín de Colmar. 13 31

Capítulos
juveniles en los Países Bajos, en Borgoña y en España. En

1471 se instaló en Colmar, su lugar natal.
Sus primeros trabajos tienen influencia del maestro E. S. y
algunos aseguran que éste le dio orientaciones. Más tarde
se libró de la apariencia gótica, logrando un trabajo con el
equilibrio y la armonía propios de los grandes maestros.
En Colmar, Schongauer vivió un ambiente artístico de
influencia flamenca y holandesa, dominado por un estilo
arcaizante pero genuino. Pudo viajar relacionándose con los
medios del arte en Alsacia, Suavia, Babiera y Basilea.
Su obra gráfica consta de 116 grabados al buril, todos
identificados con su monograma.
Schongauer tuvo gran ascendencia sobre la escuela alemana,
Jesús carga la cruz
Schongauer a tal punto de ser llamado padre de ella. Los editores ponían
14 31

Capítulos
su firma incluso sobre obras que no eran de su paternidad, a

fin de elevar su precio ante aficionados poco conocedores.
Su influencia no se limitó a sus connacionales sino también a
los italianos. El mismo Miguel Angel hizo una copia en color
de “La Tentación de San Antonio”, uno de sus grabados más
celebrados.
El grabador vivió muchos años en Colmar, realizando ahí
Salida al mercado
Schongauer gran número también de pinturas de las cuales muy pocas se
conservan. Pintó un retablo de 16 escenas sobre la Pasión. En
sus Cristos y personajes piadosos se advierte la influencia de
Rogier van der Weyden.
Son pocos los datos que hay sobre Schongauer pero han
quedado las piezas grabadas, que permiten apreciar su
capacidad dibujística y su talento creativo. Varias son las
15 31

Capítulos
láminas de importancia dejadas por él en la historia del gra-

bado. “La Cruz a Cuestas”, también conocida como “Cami-
no al Calvario”, “La Tentación de San Antonio”, ya referida,
“San Pablo Herido en el Camino de Damasco”. Para algunos,
“La Huida a Egipto” es la joya de Schongauer. Esta ingeniosa
composición está enaltecida por el sentimiento de felicidad de
la Virgen, que viaja sobre un asno estrechando entre sus brazos
al niño.
Las piezas En “La Tentación de San Antonio”, los motivos son ricos en
de Schongauer
imaginación y sin duda estos horrendos demonios sirvieron de
tienen una fuerte
carga de moral inspiración al Bosco y a Brueghel. Al igual que en las piezas
y religiosidad fantásticas de éstos, en la de Schongauer había una fuerte carga
de moral y religiosidad.
16 31

Capítulos
Schongauer creó en el cobre excelentes piezas en blanco y

negro que muestran una gran
riqueza colorística. El grabado de “Cristo con la Cruz” tuvo
enorme éxito y fue copiado
repetidamente. Hay evidencia que tuvo repercusión en ar-
tistas de la talla de Memling, Durero y Rafael. Existen de él
unos 70 ejemplares.
Los artistas góticos sobresalieron en los asuntos tiernos. Tenían
fe y esta fe alumbraba sus inspiraciones. Podrían citarse varias
obras de Schongauer, notables por el sentimiento
religioso: “La Muerte de la Virgen”, “Las Vírgenes Cuerdas y
las Vírgenes Locas”, “Los Emblemas de los Cuatro Evangelis-
tas”, “Jesucristo Coronado por la Virgen”. Todas estas piezas
de gran perfección en el dibujo.
17 31

Capítulos
Otros grabadores siguieron su obra y trataron de imitarla, sin

lograr su calidad: Alberto Glockenton, lsrahel van Meckenem,
Franz von Bocholt, entre otros. Después de Schongauer, a finales
de siglo, llegó otro artista pintor y grabador más grande todavía
que él: Albrecht Durero.
Activo desde 1465, lsrahel van Meckenem, (mediados del XV-
151O), nació probablemente en Meckenheim, cerca de la ciudad
de Bonn. A partir de 1480 varios documentos dan fe de él como
ciudadano y como propietario de una casa en Bocholt, poblado
contiguo a Munster, en Westfalia. Una copia de lápida sepulcral,
conservada en el Museo Británico, muestra que murió el 10 de
noviembre de 1510.
En 1466 van Meckenem realizó un viaje de estudios al taller
Judith con la cabeza
de Holofernes del Maestro E.S., quien le dejó sus herramientas y planchas. Entre
Meckenem 18 31

Capítulos
sus obras, desde luego, se encuentran copias de este maestro y

de Schongauer, de Holbein el Viejo y del mismo Durero, a quien
plagiaba, según se dice, copiando la firma o añadiendo su
monograma. Era muy común entonces basarse en el trabajo de
otros artistas, sobre todo los maestros con quienes se había
estudiado. El caso de van Meckenem es particularmente cierto
en este grado de “eclecticismo”, pero también realizó láminas
con sus propios originales.
Meckenem llegó Como quiera que sea, con copias o con obra propia, parecía
a ser uno de los más
gozar de fama y estima, puesto que en 1482 era ya invitado de
importantes editores
de grabado en cobre honor en el banquete del Consejo, ahí en Bocholt.
de su tiempo Van Meckenem fue probablemente el más productivo de los
grabadores alemanes en metal en el siglo XV. Se han conservado
más de 600 grabados, muchos de ellos firmados con su
19 31

Capítulos
monograma o con su nombre. Al parecer, trabajó también como

orfebre.
Tras una primera actividad como copista, buscó después la
colaboración con artistas creadores, entre ellos Hans Holbein el
Viejo. Llegó a ser uno de los más importantes editores de grabado
en cobre de su tiempo.
Entre sus obras conocidas está “Judit”, personaje bíblico que
cortó la cabeza de Holofernes, general asirio del rey
Nabucodonosor, en la lucha por Betulia, ciudad israelita. M. H.
Geisberg opina que este grabado en cobre es copia de un original
perdido del Maestro PW y un pendant de la “Danza de Salomé”.
De acuerdo con Lehrs, ambos grabados son originales del
Maestro de Bocholt. Ambos coinciden en el tema de la astucia y
el poder de las mujeres.
20 31

Capítulos
Van Meckenem grabó en madera a principios del XVI una

copia de la pieza de Judit, cuya plancha se conserva en la
colección Albertina. La estampa es ejemplo de la técnica fina y
madura del maestro, obra de la época tardía. La pieza en cobre,
ejecutada con buril, fue realizada entre 1490 y 95.
“La Anunciación”, pieza también en cobre, es la quinta de
una serie de doce sobre la vida de la Virgen, todas hechas según
modelos dibujados por Holbein hacia 1500. Algunas imágenes
de la serie coinciden con las de los retablos de altar de
Weingarten, obra de Holbein de 1494. Pertenecen estas
estampas a la madurez profesional del grabador.
Entre sus grabados ejecutados según sus propios dibujos se
halla el doble retrato que hizo de sí mismo con su mujer, la
“Gran Pasión”, serie de dos estampas realizadas hacia 1480, la
21 31

Capítulos
“Gran Danza” de Herodias y una serie de doce estampas con escenas

de la vida cotidiana, y la pieza misma del pasaje bíblico de Judit.
Entre los grabadores anónimos alemanes que trabajaron en
este siglo se localiza también el Maestro L Cz, activo entre 1480
y 1500. Probablemente nació en Franconia. Al lado del mismo
Schongauer, fue uno de los más sobresalientes grabadores en
cobre. pero su obra es escasa. Se conocen de él unos 12 grabados,
con manejo virtuoso del buril. Dos de sus grabados tienen las
fechas de 1492 y 97.
Algunos estudiosos identifican al Maestro con Lorenz
La tentación de Katzheimer, que perteneció a una familia de pintores de Bamberg.
Cristo
Maestro L Cz Probablemente su obra más conocida es “La Tentación de
Cristo”, estampa en cobre. Se asocia esta lámina con las láminas
del Maestro E. S. y de Schongauer. Esta estampa, en cuanto a
22 31

Capítulos
estilo y técnica, es de los trabajos maduros del maestro y podría

datarse sobre 1500, un punto culminante de su producción.
Otra obra suya conocida es “El velo de Santa Verónica Sostenido
por San Pedro y San Pablo” (el sudario), cuyo estilo difiere del de
la Tentación.
Activo entre 1465 y 1500, se hizo notar también el Maestro
Aristóteles y Filis
Maestro Libro de del Libro de Casa (Maestro de Hausbuch) o Maestro del Gabinete
Casa de Amsterdam porque de sus 91 grabados en cobre que se le
atribuyen, 82 se conservan en la sección gráfica
(Rijksprentenkabinet) del museo de la ciudad, el Rijksmuseum.
El nombre del Libro de Casa proviene de un manuscrito de
carácter medieval de 1480, que contenía 91 láminas del maestro,
que perteneció a la colección del príncipe von Waldburg-
Wolfegg-Waldsee. Un manuscrito rico en diseños alegóricos, de
23 31

Capítulos
género, de batallas y blasones. 78 de estas estampas han

sobrevivido como ejemplares únicos.
Poca información precisa hay sobre el origen del Maestro, si
bien prevalece la hipótesis de haber sido alemán u holandés.
Respecto a su formación, queda también la conjetura de si estuvo
con los miniaturistas flamencos, los pintores renanos o en el
medio artístico alsaciano. Es posible, se dice, que haya tenido
estos contactos, ya que se advierte en su obra una impronta
espiritual neerlandesa, con puntos de contacto con los Países
Bajos meridionales. Su actividad probablemente se desarrolló
en la región del Medio Rin, cerca de Brujas, en la actual Bélgica.
Esta zona situada en la confluencia de vías que atravesaban el
Los amantes
Maestro Libro de país, con diferentes influjos que penetraron el arte alemán. Los
Casa artistas de esta región tuvieron así influencias de sensibilidad,
24 31

Capítulos
fuerza en el dibujo y trazo de gusto delicado, como corresponde

a su obra. Él y el Maestro W. B. fueron los más destacados artistas
anónimos de la región.
Los escolásticos Su obra pictórica muestra facilidad de expresión y gracia en el
del siglo XV
movimiento de las figuras. En la gráfica, igualmente, tuvo un
fueron traidores
del verdadero manejo delicado del dibujo, simplicidad exenta de adornos, cuyo
espíritu de ejemplo podría ser la estampa de “Los Amantes”, la más
la escuela
clásica conocida seguramente entre sus parejas de enamorados. Y el
mismo grabado de Aristóteles y Philis.
Vale la pena detenerse un poco en esta pieza, que encierra
gran riqueza plástica y simbólica. Podría decirse que se trata de
una farsa, una crítica del Maestro de Hausbuch hacia las ideas
del filósofo vistas bajo la lente de una escolástica ya sobrepasada,
poco generadora para una Europa que despertaba a la
25 31

Capítulos
modernidad, tras un letargo medieval. De hecho, las doctrinas

astronómicas de Copérnico, ampliadas por Galileo y Kepler en
Alemania, terminarían por dejar muy poco o nada en pie de la
física aristotélica. Pero hay que tomar en cuenta que los
escolásticos del siglo XV, al negar los adelantos de la ciencia,
fueron traidores del verdadero espíritu de la escuela clásica. Malas
traducciones y versiones adulteradas, desfiguradas, hicieron poca
justicia al pensamiento de hombres como Aristóteles. Podría
decirse que las bases teóricas de los mismos humanistas
modificaron las ideas de este pensador.
De la intención de esta obra no es difícil deducir que el Maestro
San Huberto
Maestro de Jesús de Hausbuch estaba del lado de los escolásticos, o simplemente
no estaba de acuerdo con el pensamiento del filósofo y por eso
aprovechó la imagen para burlarse de él.
26 31

Capítulos
En su etapa madura, parece que el artista trabajó en

Heidelberg, en la corte del conde Felipe el Sincero, etapa en
que trazó el grabado sobre Aristóteles.
Pintor, diseñador y grabador, el Maestro fue un artista original
en el espíritu de la composición, con una temática selecta y
culta. Tiene el mérito de haber sido el primer grabador que
utilizó la punta seca, técnica en la que realizó la mayoría de las
piezas, conservadas, como se anotó ya, como ejemplares únicos.
Entre sus obras destacan “Aristóteles y Philis”, “La Mujer,
los Tres Amigos y el Bufón” y “Los Amantes”, las tres estampas
ubicadas en 1480, las tres realizadas en buril y punta seca.
Esta circunstancia cronológica de su obra ha llevado a que
San Jorge
Maestro de San también se reconozca al grabador bajo el nombre del Maestro
Jorge del Año 1480.
27 31

Capítulos
Pero no se agotan aquí los grabadores de significación en la

Alemania de este siglo. Entre algunos más, hay dos de
imprescindible mención: El Maestro MZ y Mair von Landshut.
El Maestro MZ estuvo activo a fines del XV y principios del
XVI. Fue grabador en cobre del sur de Alemania,
probablemente en Baviera. Su obra se compone de unos 22
grabados, 6 de ellos fechados entre 1501 y 3, sin que se
defina un estilo propio. Resulta clara la influencia que tuvieron
en él los grabados en cobre de los primeros tiempos de Durero.
“El Abrazo” es una pieza de 1503, que lleva el monograma
El abrazo
Maestro MZ MZ. Se trata de una escena de ambiente íntimo, de
indumentaria elegante, trabajado finamente al buril.
Del Maestro se conocen igualmente las estampas de “El
28 31

Capítulos
Martirio de Santa Bárbara”, dramática escena donde la

protagonista está a punto de ser sacrificada con un golpe de
espada. “El Baile”, en cambio, es una escena galante y amable
donde las parejas disfrutan de una fiesta en el interior de un
castillo. Otro grabado, “El Torneo”, recrea un ambiente festivo
con caballeros y caballos. El estilo del Maestro es
indudablemente gótico y algo primitivo.
Von Landshut Mair von Landshut, grabador activo en 1480 y después del
logró aspectos
siglo, ha sido identificado por 22 estampas en cobre y 3
parecidos al dibujo,
convirtiéndose xilografías. En 10 de ellas aparece el año de 1499.
en precursor De von Landshut se conocen también pinturas y dibujos.
de la xilografía
al claroscuro Estos llevan fechas de 1495, 96 y 1504. En el registro de
impuestos municipales de Munich, en 1490, aparece como
“Mair, pintor de Freising”, según Lehrs.
29 31

Capítulos
Se conocen varias piezas del grabador: “La Adoración de

los Magos”, composición equilibrada con seis personajes y el
frente de una casa, firmada con el nombre de Mair. “La
Sagrada Familia y Dos Ángeles” presenta un espacio
arquitectónico interior, gótico, en el cual aparece la Virgen
sentada, con un largo y anguloso drapeado.
Sus grabados más interesantes presentan poderosas es-
La hora de la muerte
Von Landshut tructuras arquitectónicas internas, como ocurre con las
piezas “Dalila Cortando el Cabello a Sansón”, “El Saludo
en la Puerta de Casa” y “El Viejo Orando”.
En “La Hora de la Muerte” de 1499, von Landshut trata
el tema generalizado en pintura y gráfica del “Jardín del
Amor”, al cual el grabador –como advertencia de lo
efímero de la vida y del juego erótico–, añade a la muerte,
30 31

Capítulos
como en la Danza Macabra. En estas piezas

arquitectónicas, se dice, el grabador gustaba utilizar
papeles de color para luego poner sobre ellos texturas con
pincel y blanco opaco. Así lograba aspectos parecidos al dibujo,
convirtiéndose en precursor de la xilografía al claroscuro,
que apareció más tarde.
31 31

ALEMANIA SIGLO XVI

Capítulos
Alemania Siglo XVI Situación histórica
La reforma protestante de Martín Lutero, iniciada en 1517,

volvió más difícil la política de unificación promovida por
Maximiliano I a principios del siglo. Años adelante, la Paz de
Augsburgo (1555) representó el fracaso del emperador Carlos
V. La determinación de que la religión en los estados del imperio
sería la elegida por cada príncipe, terminó por afirmar la división
política y religiosa del país.
En cada estado el príncipe procuraba defender ante la
autoridad imperial su poder personal.
La Reforma significó la guerra interna y externa. Entre 1517 y
1570 el movimiento reformador se había extendido por toda
Europa, consolidándose en la parte nórdica-central, esto es, el
1 47

Capítulos
territorio que ocupaba el sacro imperio romano-germánico.

Había tres tendencias: el luteranismo, el zuinglio-calvinismo y
el anglicanismo, enfrentados a la vez entre sí. Naturalmente,
la gran contienda era entre la reforma y el catolicismo.
Lutero rompió En 1520 Lutero rompió con Roma, al quemar en Wittenberg
con Roma,
la bula papal. Tres años antes, había expuesto públicamente
al quemar
en Wittenberg sus tesis contra la venta de indulgencias del sistema religioso
la bula papal católico. La respuesta a la Reforma fue una Contrarreforma,
salida en 1545 del Concilio de Trento, un intento de enderezar
el catolicismo reacio e intransigente y un intento de
reconciliación, no logrado este último, con el movimiento de
la Reforma.
El panorama general a finales de siglo presentaba dos Europas
religiosas: la protestante y la católica, ambas apoyadas en el
2 47

Capítulos
poder civil de reyes y príncipes. En la parte norte dominaba la

primera, en la parte meridional la segunda.
La oposición era abierta y a manera de corrección, en 1542,
el Papa Paulo III extendió la Inquisición en toda la Iglesia
Católica.
Europa vivía en este siglo un aumento demográfico notable
por menor incidencia de guerras, hambre y peste. El mundo
rural en algunos países se había convertido en pilar de la
economía.
El mundo Las ciudades principales se convertían en centros
mediterráneo dejó
comerciales, actividad impulsada por las nuevas rutas
de ser el centro
económico y pasó marítimas de portugueses y españoles hacia las Indias
a ser un área Orientales y Occidentales para explotar las especias y los
provincial de un
mundo más vasto metales preciosos. Algunas ciudades alemanas conocieron
3 47

Capítulos
también esta vitalidad. Otro hecho significativo era que el

mundo mediterráneo dejaba de ser el centro económico para
pasar a ser un área provincial de un mundo más vasto.
4 47

Capítulos
Alemania Siglo XVI Situación artística
El humanismo El humanismo, movimiento intelectual surgido a finales del siglo

definió un conjunto
XIV en Italia, definió un conjunto de métodos y valores
de métodos y
valores, con énfasis renovados que pusieron énfasis en el mensaje filosófico y
en el mensaje estético de la antigüedad grecolatina. Se empezó a promover
filosófico y estético
entonces una tendencia hacia la laicización de los intelectuales.
El clero perdía gradualmente el monopolio de la cultura. Entre
los humanistas, clérigos y laicos, existió una corriente de
acercamiento y solidaridad, favorecida por el ansia de saber y
de ejercer una visión crítica.
El humanismo afirmó nuevos valores morales y sociales como
la dignidad del hombre, dueño de su destino y situado en el
centro del universo. Este humanismo desconfiaba del
5 47

Capítulos
ascetismo y quería demostrar que la vida cotidiana del laico

podría ser también una vida santa.
El arte de este humanismo se expresó en el Renacimiento,
que de entrada significaba el prestigio del arte y del artista.
Ello conllevó a una libertad cada vez mayor del artista, que se
independizaba de las corporaciones gremiales.
El arte, así, entroncó renovadamente con el poder y el artista
encontró un nuevo mecenazgo entre los príncipes y la
burguesía poderosa.
El movimiento El movimiento renacentista se extendió por toda Europa y
renacentista
en cada lugar tuvo su desarrollo particular.
se extendió
por toda Europa En Alemania, el avance del Renacimiento se caracterizó por
y en cada lugar la profusión que tomó el grabado y que influyó en el carácter
tuvo su desarrollo
particular lineal que tendría la pintura, algo distinta a la del Renacimiento
6 47

Capítulos
italiano. De aquí que la pintura germánica diese mayor

importancia al dibujo que al color.
Pueden citarse un buen número de artistas alemanes en
este siglo, pero destacan como grandes maestros unos
cuantos: Durero, Mathias Grünewald, Hans Holbein, el Joven
y Lucas Cranach. Estos cuatro artistas bastarían para considerar
glorioso el siglo de Alemania.
7 47

Capítulos
Alemania Siglo XVI Actividad grabado
A principios del siglo recibió el grabado en madera un impulso

particular, cuando el emperador Maximiliano encargó a los
mejores artistas alemanes cuatro obras consagradas a su
gloria. El Rey Sabio contiene gran número de láminas
dibujadas por Hans Burgkmair y grabadas por varios artistas.
El Theverdank, poema alegórico y moral escrito por el mismo
Maximiliano en colaboración con su secretario, tiene láminas
atribuidas a dibujos de Hans Schauflein.
La más importante de estas obras, El Triunfo de Maximiliano,
fue confiada casi por completo a Burgkmair, quien mandó
también ejecutar Los Santos y Las Santas de la Familia Imperial.
La muerte de Maximiliano interrumpió estos trabajos.
8 47

Capítulos
Las planchas originales de El Triunfo hicieron posible conocer

el nombre de los grabadores; Jerónimo Resch, Jan de Bonn,
Alejo Lindt, Jost de Negker, Jaime Rupp, entre otros que se
han perdido en el tiempo, Auténticos grabadores, todos
alemanes, las planchas han servido para reconocer
monogramas y aclarar la historia del grabado alemán.
Durero La lista de xilografistas y burilistas alemanes es amplia.
acusó los gustos
Aparte de los artistas anónimos o conocidos únicamente por
del detallismo y la
falta de naturalidad, sus monogramas, hay varios que pueden ser citados como
características Just Amman, Urs Grat, Hans Sebald Beham, Daniel Hoffper,
del arte gótico
y naturalmente Baldung, Aldegrever, Altdolfer, quienes serán
tratados con cierto detenimiento más adelante. Estos
grabadores mencionados, con excepción de Baldung,
destacaron en el trabajo del cobre.
9 47

Capítulos
Tres artistas más, ya referidos, constituyen la élite del grabado

alemán en este siglo; Durero, Hans Holbein y Lucas Cranach.
Albrecht Durero, el Viejo, profesaba por tradición el oficio
de orfebre, en el cual dibujar era tarea de todos los días.
Como muchos otros de su profesión, acusaba los gustos del
detallismo y la falta de naturalidad, características del arte
gótico. El joven Albrecht (1471-1528) no empezó de modo
muy diferente, según un autorretrato dibujado a la edad de
trece años. Seis años más tarde, cuando pintó los rasgos de
su padre, “consiguió avivar un esquema flamenco, con un
vigor gráfico que carga de tensión los elementos naturales”,
según palabras de Ettore Camesasca.
En autorretrato posterior, es admisible referir la influencia
Los jinetes del
Apocalipsis de Schongauer. Durero había estado en Colmar entre 1490 y
Durero 10 47

Capítulos
1494, como huésped de los hijos del grabador, quienes eran

también artistas. No resulta pues extraña esta relación. Años
antes, de 1486 al 89, el joven había tomado en Nuremberg,
su ciudad natal y de su muerte, enseñanzas de Michael
Wolgemut, pintor importante pero fiel a los modelos de
Rogier van der Weyden.
Durero produjo en 1498 las quince tablas del Apocalipsis,
Baño de hombres
Durero serie de grabados en madera en torno al tema del libro de
San Juan, que todavía en estos años sembraba una gran
inquietud y hasta temor.
Eran estampas de gran formato y traducían, con fuerza
visionaria, las profecías del evangelista en imágenes
impresionantes para los muchos que no sabían leer. “El
Apocalipsis fue una obra que surgió de las angustias de la
11 47

Capítulos
época, que todos deseaban poseer y que hizo famoso de

golpe a su autor”, expresa Paul Westheim1.
También data de esta primera época, en madera, “La Vida
de la Virgen”, Durero no realizó el tallado; este trabajo se
atribuye a artistas grabadores que trabajaron con él. La
mayoría de las láminas que componen estas series debieron
ser ejecutadas por Jerónimo Resch, tallista en madera y
Adán y Eva grabador en metales, según la opinión de un historiador de
Durero
Nuremberg. La ejecución, el carácter magistral del trabajo,
hacen de estas láminas obras ejemplares.
1. Mundo y Vida de Si cabe duda de que el mismo Durero grabara estas láminas,
Grandes Artistas (Alberto
debe reconocerse que él dirigía a los grabadores y que las
Durero), Paul Westhein L
Ediciones ERA. México, estampas no lograban gran calidad si no estaba él pendiente
1973. de la correcta interpretación de los dibujos.
12 47

Capítulos
En el metal, en cambio, no hay duda de que él mismo trabajó

las planchas.
En 1505 atravesó a pie los Alpes para buscar la nueva belleza.
Lo que vio en Italia le pareció un milagro. A él, Durero, lo
agasajaban, lo colmaban de honores, lo trataban como artista
de igual rango que a los artistas italianos ante quienes él se
sentía aprendiz. El Dux y el Cabildo de Venecia lo invitaron a
quedarse y hasta le ofrecieron un empleo. ¡Cómo estiman en
este país al artista!, dijo entonces. ¡No como en casa! ¡Aquí
soy un señor, en mi tierra un parásito!
Dominado por su afán de expresividad que en los grabados
del Apocalipsis se volvía energía, vigor y tensión en la forma,
¿podría él alcanzar la mesura, la seguridad estilística de los
italianos? He aquí el conflicto que lo atormentaba: lo nórdico
13 47

Capítulos
contra lo mediterráneo; lo alemán frente a lo italiano, anota

Westheim.
Worringer dice.- “Su humildad nórdica no pudo renunciar
a sí misma; no logró entregarse por entero a la belleza y
armonía meridionales. Este trágico sino hace que sea tan
grande”.
La Reforma Durero cambió en su viaje a Italia, escribe Westheim. Basta
y el humanismo
comparar los grabados en madera del Apocalipsis con la serie
tuvieron profundas
resonancias de xilografías de “La Vida de la Virgen”, realizada después
en el arte de su viaje. El espíritu de ambas es distinto. Hasta la escritura
de Durero
artística cambió de modo radical. En el Apocalipsis audaz
expresión gótica; en la otra, un esfuerzo por impregnar de
claridad clásica la descripción detallada, llena de ternura, de
apreciables escenas domésticas.
14 47

Capítulos
En la ejecución de sus cuadros no logra la abstracción

renacentista de la vida. Su mentalidad individualista de hombre
gótico se niega a sujetarse al canon de la belleza. Sería
sacrificar la expresividad.
Durero vivió en un tiempo de crisis transformadora. El mundo
medieval, el mundo gótico en el cual estaba arraigada su naturaleza
íntima, se descomponía y se desintegraba ante sus ojos.
La personalidad del grabador aparecía en Alemania cuando
“ésta despertaba de un largo sueño, cuando aunaba sus fuerzas
para fundar su libertad moral”. La Reforma y el humanismo
tienen profundas resonancias en su arte. Sin embargo, no se
hace teólogo como Cranach; no abdica, como otros, de su
carácter alemán, ante la revelación italiana”
15 47

Capítulos
El principio Confrontado ante la Reforma, Durero permaneció en su

viviente del arte
cristianismo interior y grave; dominando su fe la afirmaba,
de Durero está
en el sentimiento sufriendo por ella la sentía vivir. La Pasión de Cristo adquiría
popular para él una eterna actualidad. De esta actitud, de esta
asimilación espiritual provenía el profundo acento religioso
de su obra.
Por otro lado, el humanismo ensanchó su pensamiento,
le reveló la tradición de su arte, “le inició en las síntesis
naturales de la mitología”, según palabras de Maurice
Hamel. “Estas no son, sin embargo, sino corrientes que
lo empujan, fuerzas que lo ayudan a emanciparse. El principio
viviente de su arte está en el sentimiento popular, sin
orgullo, ese mismo sentimiento que no rompiendo lo
escolástico de los maestros cantores, florece en el lied
16 47

Capítulos
alemán. En esto, Durero comulga con el corazón de su

raza”.
Los mejores grabados de Durero están vinculados con la
vida del pueblo. Y de sus grabados vivió, en primer lugar.
Su esposa viajaba a la feria de Francfort para vender ahí
sus estampas. El artista solía quejarse de que no le pagaban
bien su trabajo en la pintura. “Por eso quiero ocuparme de mis
El elector de Sajonia grabados. Y si lo hubiera hecho antes, tendría hoy mil florines”2.
Cranach
Lucas Cranach, el Viejo (1472-1553), nació en Kronach,
pueblo situado al suroeste de Alemania, por el mismo tiempo
2. Haciendo un recuento que Durero. Se desconocen sus inicios en el arte y no se sabe
de lo ganado con sus
clientes de la nobleza y la
quien fue su maestro. Los primeros cuadros conocidos datan
burguesía. Durero decía de entre 1502 y 1505 y son pinturas de temas piadosos.
que había ganado 500
Su estilo se emparentó entonces a los de Altdolfer y de Huber,
florines
17 47

Capítulos
artistas alemanes del sur. Entre 1506 y 1509 hizo una serie de
grabados en madera, reveladores ya de su estilo. Su estilo fue
muy distinto al de Durero. No buscó tanto como él la belleza ni
lo acabado de la ejecución. Los grabadores que empleó hacían
un trabajo más pintoresco y menos preciso y los dibujos eran
de menor belleza que los del maestro de Nuremberg.
Amigo de Lutero, Cranach abrazó la Reforma con entusiasmo.
Pintó retratos del reformador y su mujer y de Federico el Sabio.
Puso su talento al servicio de la naciente religión y adornó de
estampas los atrevidos escritos de su célebre amigo.
Cranach abrazó Los grabadores en madera que reprodujeron sus dibujos se
la Reforma
esforzaron en simplificar el trabajo para que cada composición
con entusiasmo
y puso su talento apareciese como él la había planeado. Los grabadores sacrificaron,
al servicio de la por lo general, su personalidad en obsequio a la de su maestro.
naciente religión
18 47

Capítulos
Cranach tenía cerca de treinta años cuando el príncipe elector

Federico el Sabio lo llamó como pintor de cámara a su nueva
corte de Wittenberg, ciudad sajona, lugar donde vivió casi
cincuenta años de su vida. Ahí pintó los retratos de las personas
eminentes de la corte, celebridades y hasta simples particulares
que lo buscaban para pedirle ser retratados. Pintó varios retratos
del cardenal Alberto de Brandeburgo, gran aficionado al arte.
Retratos que eran bien remunerados.
El ingreso de estas ventas lo invertía Cranach en casas y
Jucio de París
Cranach terrenos. Al poco tiempo de establecerse en Wittenberg, poseía
la casa más suntuosa de la corte. Ahí estableció su taller, con
gran número de oficiales a quienes instruía y enseñaba a
trabajar a su manera.
19 47

Capítulos
Fue un hombre cordial y capaz que servía para hacer una

diversidad de cosas: pintaba un altar, un retrato o decoraba
una cama matrimonial. No le faltaron encargos y
honorarios.
Cranach Tres años después de su nombramiento como pintor de cámara
fue uno de
fue ennoblecido por el Elector y posteriormente fue nombrado
los grandes
maestros burgomaestre, esto es, primer magistrado municipal.
del grabado Cranach fue uno de los grandes maestros del grabado en
en madera
madera. La xilografía era en ese tiempo el arte popular por
excelencia. Su técnica permitía una gran divulgación de las
estampas, saciando el hambre de imágenes de la gente
analfabeta, sobre todo de imágenes de santos y escenas bíblicas,
propias para colgar en los muros domésticos. Uno de sus más
bellos grabados que muestra su talento de narrador, su inventiva
20 47

Capítulos
plástica y su buen oficio, representa el Paraíso, Adán y Eva

rodeados de animales. Una escena plácida y amable.
Cuando el príncipe Federico pasó a Weimar en calidad de
exiliado, Cranach lo siguió en el exilio. Tras la muerte de aquél,
en la corte le pidieron sesenta retratos del personaje para
obsequiar a deudos y amigos. En su taller se guardaba un modelo
realizado por él y los oficiales lo copiaban.
Al igual que Durero, Cranach vio también la “nueva belleza”
llegada de Italia. En su juventud había pintado cuadros en el
nuevo estilo, como el retrato del emperador Maximiliano, pero
no sucumbió al hechizo del arte renacentista.
Cranach murió ahí, en Weimar, a los 81 años de edad.
Las Brujas
Baldung Grien Nació Hans Baldung Grien (1840-1552) en Weyershein, cerca
de Estrasburgo, en la región del Alto Rin, proveniente de una
21 47

Capítulos
familia de abogados. Se le puso el apodo de “Grien”, el Verde,

a causa de que su vestimenta era casi siempre de ese color. Su
padre era consultor jurídico del Obispo. Esta posición familiar le
permitió buenos contactos con las familias nobles. En 1510
contrajo matrimonio con Margarita Herlin, de rancia nobleza
alsaciana. Un año más tarde fue elegido miembro del consejo
municipal.
Baldung tuvo Por intermediación de su cuñado, el canónigo Herlin, Baldung
predilección
pudo vislumbrar algo del fermento espiritual que predominaba
por lo feo
y lo grotesco en toda la región del Alto Rin. Fue pintor de cámara del Obispo.
en su arte Gustó de la literatura popular y del trato con damas elegantes.
Pintor y dibujante, fue alumno de Durero, a quien tenía gran
respeto. Esta veneración se hacía palpable en los dibujos que
mandaba grabar. Su estilo se acercó al del maestro, exagerándolo.
22 47

Capítulos
Baldung tenía predilección por lo feo y grotesco. Inventaba figuras

rechonchas, rostros gesticuladores, movimientos inverosímiles
que los grabadores repetían con exactitud.
A lo largo de su trabajo tuvo una viva atracción por los temas
Semental y yegua
Baldung Grien de las brujas y de la muerte, tratándolos con poderosa, extraña
imaginación, llegando incluso a la imagen impúdica. En el motivo
de la muerte, muy popular en ese tiempo en la región del Alto
Rin, Baldung lo trató con imaginación personal, con violencia y
fantasía, influyendo por ello en artistas como Urs Graf y Niklaus
Manuel. Su dramatismo llegó algunas veces al límite de lo
macabro, lo sádico y lo erótico, “unidos en una tensión frenética”,
según palabras de Francois-Georges Pariset.
Sus primeras pinturas trataron empero temas religiosos,
abordados con visión romántica, con humanismo. Pero estos
23 47

Capítulos
trabajos no se consideran muy buenos. Mejores fueron sus

retratos de senadores y potentados. No pintó retratos de mujeres,
aun cuando éstas aparecen en algunos cuadros y grabados.
En la mitad de En 1500 Durero visitó Estrasburgo, en donde conoció al joven
su carrera, Baldung
Baldung. Parece claro, por la observación en la obra de ambos
abandonó los temas
religiosos y plasmó artistas, que Baldung tuvo un período de aprendizaje en el taller
temas sacados del gran artista de Nuremberg. En 1509 Baldung, una vez en
de sus ensueños
Estrasburgo, se estableció como pintor local, haciendo dibujos
para vitrales, blasones heráldicos y altares. En la mitad de su
carrera abandonó los temas religiosos y empezó a plasmar y
grabar temas sacados de sus ensueños.
Más notable que como pintor, Baldung lo fue como grabador.
Grabó en madera de boj con trazos fuertes y con mucho detalle,
pero buscando el efectismo. Con frecuencia sus grabados eran
24 47

Capítulos
a dos tintas, una negra que dibujaba el asunto y otra de color

castaño que dejaba rasgos en claro, por donde se veía el blanco
del papel. Así formaba una policromía de los tres valores.
Sus grabados xilográficos representan temas laicos, sobre todo
escenas de brujería, asuntos que eran de gran preocupación en
la época en la cual la superstición acompañaba a mucha gente.
Los grabados de Baldung tuvieron éxito tras las fronteras de su
país. El mismo Durero llevaba consigo grabados de “El Verde”
para venderlos en sus viajes a los Países Bajos.
Los grabados Los que hizo en cobre fueron más finos, por razón de técnica.
xilográficos
Sus temas aquí eran religiosos. En estas estampas se percibía la
de Baldung
representaron supervivencia del estilo de Schongauer.
temas laicos Han quedado también de Baldung muy buenos dibujos,
y tuvieron éxito
tras la fronteras algunos con trazos fuertes y expresivos. También proyectó vitrales
de su país 25 47

Capítulos
para las construcciones de los nobles y ayudó al desarrollo de la

imprenta con grabados que enriquecieron las grandes impresiones.
Hans Holbein, el Joven (1497-1543), pintor y grabador, hijo de
Hans Holbein, el Viejo, nació en Augsburgo. Se inició en la pintura
con su padre. En 1515 fue a Basilea, donde junto con su hermano
recibió enseñanzas en el taller de Hans Herbster. En 1519, a los
22 años, fue admitido en el gremio de pintores. Ahí en Basilea
hizo amistad con el grupo humanista de la ciudad.
De esta primera época son “La Madona con la Familia Mayer”
La muerte y el médico
Holbein (1516), “El Descendimiento de la Cruz” y “La Lamentación de
Cristo” (1520), los retratos de Amerbach y unos dibujos con
historias del Antiguo Testamento.
Holbein tuvo la fortuna de encontrar un grabador en madera
que multiplicó magistralmente buen número de sus obras. Hans
26 47

Capítulos
Lutzelburger fue indudablemente el ejecutante de los

grabados de “La Danza de la Muerte” (1538) y del Antiguo
Testamento (1547). Su buril reprodujo con extrema pulcritud
los dibujos de Holbein, pequeñas composiciones pero de muy
exacto dibujo. El talento del grabador consistió en saber
conservar en piezas sumamente exiguas esta concepción
grandiosa.
Holbein nació Numerosos grabadores desconocidos reprodujeron también
en el mundo
dibujos de Holbeln, pero ninguno como Lutzelburger. El abate
del humanismo,
del cual le eran Zani le llamó “el príncipe de los grabadores en madera”.
familiares sus ideas Holbein nació en el mundo del humanismo, del cual le eran
y su lenguaje
plástico familiares sus ideas y su lenguaje plástico. Con su célebre
universidad, en esos años Basilea se consideraba el centro del
espíritu humanista. En torno de la gran figura de Erasmo de
27 47

Capítulos
Rotterdam se reunía un grupo nutrido de sabios y filósofos

adictos a las nuevas tendencias espirituales.
“La Danza Macabra” Era también la ciudad de muchos impresores prestigiados
de Holbein
que se servían del invento de Gutemberg para difundir la
es su filosofar
en torno Biblia y los últimos conocimientos científicos. Con ellos se
al fenómeno relacionó el joven pintor para ganarse la vida ilustrando los
de la muerte
libros que editaban.
Johan Froben, editor, le encomendó la ilustración de
numerosos libros. Entre estos ilustró, con dibujos satíricos, El
Elogio de la Locura de Erasmo, una de las obras más
sustanciales del célebre humanista.
Holbein fue amigo de Erasmo y lo dibujó varias veces. El
éxito del libro de éste lo animó a crear tres series de dibujos
que se publicaron como grabados de madera, las
28 47

Capítulos
ilustraciones para el “Antiguo Testamento”, el “Alfabeto

de la Danza de la Muerte” y la más famosa y popular, “La
Danza Macabra”. La danza se compone de 41 grabados,
realizados entre 1523 y 1526 pero impresos posteriormente.
La muerte es aquí el personaje central. Cada campesino, cada
rey, papa, mercader, niño, madre, esposa o juez, aparece con
la muerte en un costado, bailando, riendo, abrazándolos. La
muerte es una compañera inevitable.
“La Danza Macabra” de la Edad Media recuerda la muerte
a los que vivían despreocupadamente, sin pensar en su
salvación, entregados a las pasiones terrenales. “La Danza
Macabra” de Holbein es el filosofar de un espíritu culto en
torno al fenómeno de la muerte. Es una meditación
erasmiana también sobre la vanidad de la vida. Con esta
29 47

Capítulos
danza Holbein se ocupaba de uno de los problemas que

obsesionaban a la cultura y al mundo de la Edad Media, al
hombre preocupado por su trascendencia.
En estas estampas el artista representó la insolencia, la
acusación, el espanto, la hostilidad que evitaba como pintor
de la corte. Todo retomado por la muerte. La serie de los
cuarenta y un grabados se acompañaban con fragmentos
bíblicos y citas de santos.
En las iglesias Las disputas religiosas provocaron turbulencias en muchos
de Alemania varias
lugares. En las iglesias de los países Bajos y de Alemania
obras de arte
fueron destruidas, varias obras de arte fueron destruidas, víctimas del fanatismo
por el fanatismo iconoclasta de los luteranos. En Basilea ocurrió algo parecido
iconoclasta de
los luteranos y varias pinturas de los Holbein, padre e hijo, fueron
quemadas. Holbein abandonó entonces Basilea en busca
30 47

Capítulos
de nuevos horizontes. En 1528 fue a Londres, en donde

una carta de recomendación de Erasmo para Tomás Moro
convirtió a éste en su protector. Moro era el gran canciller
de Enrique VIII. El autor de la Utopía lo relacionó con las
personalidades más destacadas de la sociedad londinense.
Años después, Enrique VIII rompió con la Iglesia Católica
porque ésta se negó a concederle el divorcio de su primera
mujer, Catalina de Aragón, para casarse con su amante, Ana
Bolena. Las críticas o el desencanto de Moro con el soberano
le costaron su cabeza; fue decapitado en 1535. Holbein
decidió regresar a Basilea, pero la vida ahí le resultó limitada.
Aunque el Concejo Municipal le ofreció un puesto con paga
fija, no se interesó y regresó a Londres.
31 47

Capítulos
Holbein emprendió La sociedad londinense no necesitaba retablos sino retratos

una estupenda labor
y Holbein emprendió así una estupenda labor como retratista
como retratista
en Londres, de esa sociedad, convirtiéndose en su pintor favorito.
convirtiéndose En 1536 Enrique VIII lo nombró pintor de cámara y en tal
en su pintor favorito
calidad ejecutó varios retratos del monarca y de sus sucesivas
esposas. Juana de Seymour y Ana de Cleves quedarían
inmortalizadas en su pincel.
Holbein no sólo pintó a la familia real sino dibujó también a
todas las personas de la corte. Captó, caracterizó, conservó sus
rasgos más allá de la vida. “Toda una sociedad consagrada, dice
Westheim, por un gran observador, por un genial artista”.
El pintor y dibujante pasó la última etapa de su vida en Londres,
donde murió víctima de la peste a la edad de 46 años.
32 47

Capítulos
Tres grabadores más destacan en este siglo, los tres alumnos de

Durero: Albrecht Altdorfer, Heinrich Aldegrever y Hans Burgkmair,
los tres ya mencionados.
Albrecht Altdorfer (1480-1538) nació en la ciudad suiza de Altdorf
y murió en Ratisbona. Pintor, arquitecto y grabador, fue el más
original de los llamados Pequeños Maestros, que trabajaban en
formatos pequeños. Hijo del pintor Ulrich Altdorfer, hermano
también de un pintor.
Altdorfer llegó a Ratisbona el 1505 y desarrolló ahí su trabajo
Cristo en la cruz
artístico. En 1526 lo nombraron arquitecto municipal y dos
Altdorfer años más tarde le eligieron alcalde de la ciudad, puesto que no
aceptó. En 1535 viajó como delegado de Ratisbona a Viena.
Grabó sobre lámina de cobre y diseñó para xilografía. Sus
estampas, unas 200, versan sobre temas religiosos y profanos,
33 47

Capítulos
con frecuencia ornamentales. De modo particular destacó en

el tema del paisaje. Podría considerarse como uno de los
primeros artistas alemanes con gran interés de mostrar la
naturaleza, nutriéndose de los parajes del Danubio. Altdorfer
realizó nueve aguafuertes en el motivo paisajístico, aparte de
sus pinturas.
En 1515 realizó una serie de 40 xilografías sobre el tema de
la “Caída y Redención del Hombre”. “Jesús Muere en la Cruz”
A Altdorfer se le
es uno de estos grabados, cuya característica consistió en
considera como manejar grupos de figuras en un espacio sumamente reducido.
uno de los primeros
“Esto, dice Max Friedlan, era un pecado contra las leyes del
artistas alemanes
con gran interés grabado en madera. No obstante, el trabajo de Altdorfer fue
de mostrar la un brillante suceso. El control de la luz y la sombra, su contraste,
naturaleza
dio vida y majestuosidad a las impresiones”
34 47

Capítulos
De su obra gráfica se conservan 125 estampas en madera,

muchas de ellas creadas al servicio del emperador Maximiliano
1 para La Marcha Triunfal y el Arco de Triunfo. Se conservan
igualmente 77 grabados en cobre y 36 aguafuertes.
Altdorfer pudo gozar de ciertas comodidades sin llegar a ser
un gran burgués. Ya en los primeros años de su trabajo, en
1513, pudo adquirir una casa “con torre y patio” junto a la
iglesia de los agustinos, ahí en Regensburgo, fecha en la que ya
estaba casado. Fue propietario de una viña en la ribera del
Danubio.
En 1532 murió su esposa y compró otra casa con jardín, en el
barrio de San Leonardo, también en la misma ciudad. Al morir,
en su testamento dejó sus bienes, mitad y mitad, a los parientes
y a los amigos. Las dos casas, al parecer, estaban hipotecadas.
35 47

Capítulos
Altdorfer –como Durero, Erasmo y tantos otros personajes de

la época– simpatizaban con los protestantes, sin romper
completamente con la iglesia romana. Evitaba sus prácticas sin
manifestar anticlericalismo. Pintó muchas veces temas de la
leyenda evangélica y del santoral. Y sorprende aún más que
aceptara el encargo de decorar una bula papal para indulgencias.
Fue discípulo de la escuela de Viena, pero no hizo residencia
ahí de aprendizaje. Su formación, el carácter de su obra en
algo se puede atribuir a esta influencia vienesa, centro donde
El abeto había talleres de pintura que por la abundancia de su
Altdorfer producción competía con Nuremberg y Colonia. El arte ahí se
mantenía dentro de la tradición gótica, en el llamado “estilo
del Danubio”, del cual el grabador fue un representante
destacado.
36 47

Capítulos
Produjo piezas consideradas originales en el tema precisamente

del paisaje. Pinos, musgos y rocas participan de la acción
maravillosa de la naturaleza. “El pequeño abeto”, un aguafuerte
con coloratura antigua, ejecutado entre 1517 y 1520, era un
tema novedoso en la historia del grabado alemán. Se trata sin
duda de su grabado más conocido en el tema. Trabajo minucioso
en la descripción de lo natural y en el detalle del dibujo. Altdorfer,
se dijo, creaba con un fondo de paisaje un estado del alma.
Burgkmair fue el
Junto con Cranach, Georges Breu y Wolf Huber, Altdorfer se
maestro principal cuenta entre los principales maestros de la escuela del Danubio.
del arte pictórico y
Hans Burgkmair (1473 -153l) nació en Augsburgo y ahí
colorista de
Augsburgo encontró la muerte. Pintor y grabador xilográfico, alumno
de Durero, trabajó largamente bajo su influencia.
Posteriormente se apegó al estilo italiano.
37 47

Capítulos
Fue hijo de Thomas Burgkmair. Sus primeros años de

aprendizaje transcurrieron de 1488 a 1490 en el taller de
Martín Schongauer. En 1498 fue miembro del grupo de
pintores de Augsburgo. En 1503 viajó al Rin; en 1507 a
Italia. A partir de 1512 estuvo al servicio de Maximiliano l.
Al lado de su importante labor pictórica está la de su gráfica,
que abarca más de 800 piezas, en su mayor parte
ilustraciones hechas por encargo.
Mientras que el arte coetáneo de Franconia, producido por
el grupo que estuvo alrededor de Durero, atribuye el máximo
Muerte de los
valor a la línea, Burgkmair es el maestro principal del arte
amantes
Burgkmair pictórico y colorista de Augsburgo.
La colaboración que tuvo el grabador con el editor y tallista
Jost de Negker en 1508 produjo las primeras cromoxilografias.
38 47

Capítulos
Al “San Jorge”, ejecutado originalmente en papel de color

en una plancha de línea negra y otra de color oro, Negker
agregó posteriormente una plancha de color. Con este
procedimiento, ambos se erigieron en los creadores del primer
grabado en madera al claroscuro.
“La Muerte Asalta a una Pareja de Amantes”, otra
cromoxilografia en claroscuro, de tres planchas, presenta el
drama en el entorno de un paisaje urbano renacentista. La
combinación de las planchas de color y de las luces dan por
Burgkmair resultado que el blanco del papel no se siente tanto como el
introdujo cambios
vehículo del dibujo sino como la claridad más luminosa de la
notables en sus
retratos, con una escena.
combinación La estampa es una de las principales de Burgkmair. La
cromática diferente
composición puede considerarse como una de sus más
39 47

Capítulos
excelentes y representa un momento culminante de la

adaptación de formas italianas a la gráfica del renacimiento
alemán. En escrito de 1512 dirigido al Emperador Maximiliano,
Negker se designaba como el inventor de este tipo de
cromoxilografía.
Italia constituyó una experiencia importante para Burgkmair,
que introdujo cambios notables en los retratos que pintaba,
más finamente dibujados, con una combinación cromática
distinta; era el efecto del Renacimiento. En su gráfica, una
serie de autorretratos alcanzan una perfección en la que
Los doctores algunos ven el estilo de los retratos funerarios de Roma. Hay
Burgkmair
uno en especial, hecho con tres placas de madera entintadas
con diferentes grises en los que alcanza una amplia gama,
sin trabajo de línea negra.
40 47

Capítulos
Este influjo italiano es visible igualmente en los grabados de

la Virgen y el niño (1508-1510), siguiendo la escuela de
Leonardo.
La producción xilográfica en el retrato alcanzó con Burgkmair
una gran maestría. Se menciona como ejemplo el que hizo
de Hans Paumgartner, con un fondo de arquitectura
renacentista, impreso en tres diferentes sombreados con
La producción
placas distintas. En este tratamiento ocurrió también el de
xilográfica en el los amantes asaltados por la muerte, bajo el escenario urbano
retrato alcanzó con
renacentista.
Burgkmair una gran
maestría En los trabajos de xilografía hechos para el emperador en el
Triunfo de Maximiliano, con toda probabilidad Burgkmair fue
el principal participante, no sólo por la calidad de su obra,
exuberante y creativa, de complejos pasajes históricos, sino
41 47

Capítulos
porque tomó parte en cuatro de los proyectos. Desde princi-

pios de siglo, se dice, Burgkmair se convirtió en el centro del
grabado en madera en Augsburgo. Su trabajo no tenía la
precisión analítica de un Durero sino que destacaba en él su
naturaleza fantasiosa, con detalles decorativos y narrativos y
cierto sentido dramático.
Parece importante aquí insistir en el hecho de que Burgkmair contó
con la valiosa asistencia técnica de Jost de Negker (1485-1544),
quien dominaba el recurso del claroscuro mediante el uso de las
tres planchas que daban a las piezas una inusitada riqueza de tonos.
Esta colaboración entre los dos artistas produjo las 67 láminas para
la edición del libro El Triunfo de Maximiliano, las genealogías de los
ancestros reales y mitológicos del emperador y los Habsburgo y las
ilustraciones para el Nuevo Testamento de Lutero.
42 47

Capítulos
Heinrich Aldegrever (1502-ca 1558) fue originario de Padeborn,

ciudad de la región de Westfalia, y murió en Soest. Pintor y
grabador, alumno de Durero, pertenece también a la categoría
de los Pequeños Maestros.
Aldegrever pasó en Nuremberg la mayor parte de su vida y tuvo
constantemente a la vista las estampas de Durero. No obstante,
estuvo también atento a otras producciones como las de Hans
Sebald Lautensack y Berthel Beham, artistas nuremburgueses, con
quienes compartió el gusto por los pequeños formatos y por los
motivos de ornato, el camino manierístico y el claroscuro.
Fue autor de unas 300 estampas, la mayoría de tipo ornamental.
Danzantes del pueblo Aldegrever trabajó en todos los géneros, pero su habilidad pudo
Aldegrever
demostrarse mejor en los retratos de los personajes de su tiempo.
Se limitó a copiar lo que tenía a la vista y lo hizo bastante bien.
43 47

Capítulos
Había en su obra la tendencia al alargamiento de las figuras, sobre

todo en sus estampas de trajes alemanes, acaso un poco
disimulado por los ropajes espléndidos.
“El Retrato de Jean van Leyden”, realizado al buril en 1536,
puede considerarse como uno de sus más notables trabajos. El
personaje, jefe de la secta de los anabaptistas de Munster, aparece
retratado con la actitud de monarca, con dibujo elegante y
preciso. A finales de siglo en Alemania, podría decirse que
mientras el grabado en buril obtenía un éxito que se justificaba
por la habilidad con que era ejecutado, algunos practicaban
también el aguafuerte. Pero aquí no había realmente practicantes
de gran talla. El mismo Durero trabajó en esta técnica, pero sin
alcanzar el mismo grado de perfección que obtuvo en sus otras
láminas. Su estilo aquí no formó escuela.
44 47

Capítulos
Sebald Lautensack y Augustin Hirschvogel, artistas de

Nuremberg, dejaron cierto número de aguafuertes pero no
suficientes para dar una idea del aguafuertismo alemán. Es decir,
al final de cuentas los alemanes fueron superiores en el buril.
Augustin Hirschvogel (1505-1553) nació en Nuremberg y murió
en Viena. Dibujante, aguafuertista, pintor sobre vidrio, medallista
y cartógrafo, realizó una obra considerable en la gráfica, a
pesar de sus diversas actividades. Creada en el curso de una
década, esta obra abarca unas 300 láminas, la mayor parte
fechadas y provistas del monograma A. Hirschvogel HAF.
Fue hijo de Veit Hirschvogel el Viejo, pintor sobre vidrio.
Vivió el grabador en Laibach entre 1536 y 1543, y a partir del
año siguiente residió en Viena. Como cartógrafo, entró al
servicio del Imperio.
45 47

Capítulos
Su talento, se dice, reside en la evocación de la atmósfera

general de sus obras, del espacio libre, de la luz y el aire, de
la belleza natural. En el paisaje idílico se le puede considerar
continuador de Altdorfer, Huber y de los maestros de la
Escuela del Danubio.
Sus mejores piezas las realizó en el aguafuerte paisajístico.
“Paisaje Fluvial”, de 1546, es una de estas piezas que le
representan bien.
Los Pequeños Maestros se extraviaron cuando la escuela
El arte alemán fundada por Durero comenzó a perder su prestigio. Se
tomó a fines del
XVI otra
conservó, es cierto, el gusto por las cosas pequeñas, por los
dirección, adornos, por los objetos de orfebrería. El arte se había
perdiendo su
acabado en las manos de grabadores tan hábiles como los
carácter original
ya mencionados.
46 47

Capítulos
Había concluido el período original de la escuela flamenca;

no se hallaban mas que artistas de segunda línea buscando
inspiración en sus predecesores y perdiendo en esta tentativa
la parte más preciosa de su talante, la personalidad.
El arte alemán tomó a fines del XVI otra dirección,
perdiendo su carácter original. Los grabadores que
permanecieron en el país fueron acaparados por los autores,
quienes se preocuparon más en hacerles trabajar mucho
que en auxiliarlos para que produjesen obras de mérito
artístico.
47 47

ALEMANIA SIGLOS XVII Y XVIII

Capítulos
Alemania Siglo XVII y XVIII Situación histórica
A comienzos del siglo Alemania estaba dividida en dos

campos hostiles en política y religión. Esta situación la
involucró en la Guerra de los Treinta Años (1618-1648).
El coflicto, inicialmente religioso, originado en Bohemia en
1618, se extendió a casi todas las potencias europeas y se
amplió en un enfrentamiento entre los Austria y la monarquía
francesa, por las ambiciones de alcanzar la hegemonía
continental. La contienda comenzó con la llamada
“defenestración de Praga” de dos checos católicos por la
asamblea protestante, reunida en esa ciudad. Al año siguiente,
la dieta de Bohemia eligió como rey al protestante Federico
V, enfrentándolo al emperador católico Fernando II.
1 11

Capítulos
El conflicto religioso se convirtió en político y de guerra

civil alemana pasó a europea, por sucesivas entradas de
nuevos beligerantes.
Con la paz de Westfalia, en 1648, se terminó el problema,
que significó para Alemania un desmembramiento
territorial. Metz, Toul, Verdún y Alsacia pasaron a Francia
Con la paz de
y se reconoció la independencia de Holanda y Suiza. El
Westfalia se terminó
el problema, que triunfo del particularismo fue completo y Alemania quedó
significó para dividida en 350 estados que constituyeron el Sacro Imperio,
Alemania un
desmembramiento concebido como una república de monarquías.
territorial Entre todos estos estados destacó Prusia, que gracias al
gran elector Federico Guillermo (1640-88), logró convertir
su estructura medieval en una organización moderna. El
monarca llamó a los hugonotes franceses para impulsar el
2 11

Capítulos
desarrollo económico y la colonización; centralizó el país y

creó un ejército permanente. De tal suerte, la posición de
Prusia quedó consolidada.
3 11

Capítulos
Alemania Siglo XVII y XVIII Situación artística
Tras la época de Durero surgió una gran cantidad de

maestros menores y unos pocos notables. La mayoría de
ellos cambiaron el lenguaje formal del gran maestro de
Nuremberg y de Holbein y miraron hacia el arte italiano,
cuya forma perfecta los fascinaba. Esta inclinación significó
entonces grave prejuicio de su propia personalidad.
Hubo de correr el tiempo para que los modelos italianos
se asimilaran y fueran fructíferos.
Los pintores De excepcional importancia para el arte alemán del XVI
de los Países
y aún del XVII fueron los pintores de los Países Bajos, que
Bajos fueron
de excepcional ya en temprana etapa se habían familiarizado con las
importancia para concepciones artísticas italianas.
el arte alemán
De ambos países, pues, afluyeron a Alemania los estímulos.
4 11

Capítulos
Alemania Siglo XVII y XVIII Situación artística
Debe tomarse en cuenta que los conflictos religiosos y las guerras

que el imperio alemán debió sostener, fueron causas de que el
arte no tuviera un desarrollo pródigo, comparado con el del siglo
anterior, el XVI.
El arte aleman En estas circunstancias históricas, Adam Elsheimer fue el
no tuvo un
artista más notable. Los acarreos italianos y flamencos, a
desarrollo
pródigo, decir de Gustav Barthel, no alcanzaron importancia ni se
comparado volvieron fecundos sino precisamente en la obra de este
con el del
siglo anterior artista contemporáneo de Rubens.
5 11

Capítulos
Alemania Siglo XVII y XVIII Actividad grabado
Murió Elsheimer Adam Elsheimer (1578-1610) inició su formación en Francfort,
en Roma,
su ciudad natal, completándola en Italia. En Roma recibió la
ningún pintor
alemán de los que influencia de Rubens —quien a su vez lo admiró a él— y también
le siguieron alcanzó del Caravaggio captó la herencia de la luz. En el paisaje siguió la
su proyección
escuela holandesa.
Fue pintor y grabador y lo mismo en una técnica que en la otra
se advierte el conocimiento de los vénetos y de los Carracci.
Su producción en el aguafuerte no fue numerosa; se le atribuyen
tan sólo 17 piezas. “Tobías y el Angel”, de 1600, es una de sus
estampas más conocidas.
Murió Elsheimer en Roma, a los 32 años de edad. Ningún pintor
alemán de los que le siguieron alcanzó su proyección.
Otros grabadores desempeñaron su trabajo en este siglo,
6 11

Capítulos
cediendo a la rutina de los editores, buscando deliberadamente

los trazos agradables hasta la exageración. Estos artistas
prefirieron demostrar su habilidad en el corte del metal, olvidando
al parecer que el saber dibujar es condición indispensable para
lograr un grabado realmente bueno.
Wenzel Hollar (1607-1677), originario de bohemia, fue una
excepción. Grandes viajes le permitieron conocer y comparar las
escuelas rivales y cultivó un estilo personal en sus estampas.
Se dice que Hollar era inimitable en representar la fisonomía
Catedral de Anvers
Hollar humana, en reproducir la transparencia del cristal, en dar
brillantez a los metales, en detallar los pelos o las plumas de las
aves y en dar brillo a las sedas. Pero era preciso tener el modelo
enfrente.
Wendel Dieterlin, que no salió de Alsacia, fue un buen arquitecto
7 11

Capítulos
y pintor de cierta nombradía. Se le reconoce un puesto honroso

entre los arquitectos grabadores de esa época, pero son poco
conocidas sus estampas.
Johan Karl Ridinger debe su modesta reputación a los
asuntos de caza y escenas de la vida de los animales, que
trató con acierto y nada más.
Johan Georg Wille y su compañero Georg Friedrich Schmidt
fueron a Francia muy jóvenes y realizaron en París estudios
de grabado. Para vivir en la capital francesa se vieron
obligados a trabajar con el editor Odieuvre, quien tenía más
cuidado por el buen negocio que por la calidad de sus ediciones.
Wille alcanzó pronto una facilidad manual que le hizo destacar
entre los demás grabadores. Hyacinthe Rigaud vio algunas de
sus láminas y reconociendo sus méritos le proporcionó medios
8 11

Capítulos
para que produjera sus obras. No tardó el joven alemán en ponerse

al frente de todos los grabadores franceses de su tiempo.
Wille era reconocido también por su gusto exquisito como
aficionado al arte, ya que pudo lograr reunir un buen número de
cuadros y objetos y entre sus estampas más conocidas y admiradas,
existen algunas que reproducían pinturas de su colección.
Wille y Schmidt Schmidt, su compatriota y amigo más cercano, tuvo similares
tuvieron gran
principios y oportunidades. Nicolás Lancret prestó ayuda a
influencia
en el arte Schmidt al relacionarlo con el maestro Lamerssin, para quien el
francés grabador estuvo preparando planchas. En sus ratos libres Schmidt
grabó pequeños retratos para Odieuvre, que si bien no
aumentaron su reputación de artista, al menos le permitieron
sobrevivir en esos primeros años de lucha y relativa penuria.
Pudo después establecerse como amigo de Wille. Rigaud mismo
9 11

Capítulos
no vaciló en confiarle un retrato que acababa de terminar del

conde de Evreux. A continuación Rigaud le dio a reproducir, con
autorización del prelado, el retrato de San Albino, arzobispo de
Cambray. Esta estampa, se dice, aseguró el renombre de Schmidt
como grabador.
Desde esa época, 1724, no cesó de publicar cada año cierto
número de estampas, que eran una prueba de su habilidad y su
asiduidad a la profesión. Su modo de grabar tenía semejanza
con el de Wille, sirviéndose generalmente del buril.
Wille y Schmidt tuvieron gran influencia en el arte francés.
Ambos adquirieron una reputación que eclipsó a la de sus
compañeros. La escuela moderna francesa del grabado fue
deudora de ambos. El maestro Charles Clement Bervic estudió
en el taller de Wille, siguiendo con escrúpulo los consejos del
10 11

Capítulos
artista alemán. Y después trasmitió fielmente a sus discípulos las

lecciones que él mismo había recibido.
11 11

ALEMANIA SIGLO XIX

Capítulos
Alemania Siglo XIX Situación histórica
Incapaz de resistir al ejército napoleónico, Francisco I se vio

obligado a suprimir el Sacro Imperio en 1806 y constituir una
confederación de Rin bajo protectorado francés. Prusia vio
aniquilado su ejército en Jena y no hubo indicio de resistencia
nacional.
Por el activismo de algunos grupos de políticos e
intelectuales, empero, que intentaban crear en torno a Prusia
la nación alemana, se trabajó en una reorganización general
que culminó con la derrota de las tropas francesas en Leipzig
en 1813. Pero el esfuerzo de una unidad nacional fracasó
por la oposición de Austria, temerosa de un estado liberal en
Prusia.
1 30

Capítulos
El éxito El tratado de Viena de 1815 estableció finalmente la

del comercio
confederación germánica con 39 estados soberanos,
entre Estados
asociados independientes, excepto para las decisiones en política exterior.
estableció El éxito del comercio entre estados asociados animó a la
un Estado liberal
y unificado burguesía a pugnar por el establecimiento de un estado liberal
y unificado. En 1848 se produjo un enfrentamiento entre los
simpatizantes de este proyecto y el status. En muchas ciudades
alemanas hubo revueltas de quienes exigían la implantación de
un sistema democrático. Los rebeldes fueron vencidos en Austria
y en otros estados, cosa que decidió a Prusia pactar nuevamente
con la aristocracia y con el ejército, reprimiendo duramente a
los sublevados. La burguesía alemana, decepcionada con el
fracaso, se desinteresó de la política y abandonó el gobierno en
favor de los grupos reaccionarios.
2 30

Capítulos
La unidad alemana no habría de realizarse por la vía

democrática.
Otto Bismarck El surgimiento de la revolución industrial, en la primera parte
captó los intereses
del siglo, procreó una potente burguesía de negociantes, muy
de la burguesía
y supo integrarla interesada en la unificación, básica para el crecimiento
al estado prusiano económico, pero ajena a un planteamiento democrático. Un
prusiano audaz e inteligente, Otto Bismarck, captó los
intereses de esta burguesía y supo integrarla al estado
prusiano. Nombrado canciller en 1862, Bismarck organizó
el ejército y la administración y empezó la ofensiva contra
Austria, el principal obstáculo a su política unificadora.
Derrotó a los austríacos cuatro años más tarde y pudo
incorporar a Prusia los estados situados al norte del Main.
3 30

Capítulos
Bismarck desencadenó la guerra franco-prusiana, hábilmente

preparada, explotada por una propaganda que la convirtió en
una guerra nacional, esto es, una guerra que afectaba también
a los estados del sur. Ante la población alemana Francia era el
país agresor, y todos los estados terminaron por aceptar la
autoridad de Prusia, que derrotó a los franceses en 1870.
En 1871 Guillermo I fue proclamado emperador de Alemania
en Versalles. Los estados del sur no ofrecieron ninguna resistencia
y se integraron al imperio, concebido como estado federal.
Cuando Guillermo II Tras estos acontecimientos Bismarck continuó dirigiendo,
decidió prescindir de
dictatorialmente, la política alemana, prosiguiendo la centralización
Bismarck empezaron
a aflorar problemas del país, maniobrando hábilmente con los partidos políticos,
en el país atrayéndose a conservadores y a liberales, procurando reducir la
influencia de socialistas y del centro católico.
4 30

Capítulos
Cuando Guillermo II decidió prescindir de Bismarck en 1890,

empezaron a aflorar problemas en el país, disimulados por el astuto
juego del canciller.
5 30

Capítulos
Alemania Siglo XIX Situación artística
Con el siglo XIX Con el siglo XIX aparecieron las primeras manifestaciones
aparecieron
del romanticismo, movimiento o actitud que se proyectó a
las primeras
manifestaciones lo largo del siglo. En sus primeros años convivió con éste la
del romanticismo expresión del neoclásico.
Gustav Barthel1 evoca al joven Friedrich Gilli, que en 1797
había elegido un templo griego para un monumento
nacional de Federico el Grande, en la plaza de Leipzig en
1. Historia del arte Berlín. “Dio así expresión al sueño de la nueva juventud, a
Alemán. Gustav Barthel.
ese sueño que inspiró a Holderlin a buscar con el alma la
Breviarios del Fondo de
Cultura Económica. tierra de los griegos y a enlazar en el canto de los alemanes
México, 1993
a Delos, a Olimpia, al Atica”.
6 30

Capítulos
Otro arquitecto, Carl Gotthard Langhans, había retomado

también el espíritu de la Hélade en la puerta de
Brandenburgo, en 1788-91.
Karl Friedrich Schinkel, discípulo y continuador de Gilli,
director de obras públicas en Prusia Oriental, Silesia y el Rhin,
edificó en Berlín algunas obras en que el clasicismo alemán
alcanzaría proyección mundial.
La visión Con el paso de los años, los arquitectos irían abandonando
romántica brotó
los modelos clásicos, inspirándose en otros estilos, no sin
de la nostalgia
de los valores tremulaciones. Al ideal clásico se enfrentó el ideal antiguo
desaparecidos alemán y cristiano del romanticismo, que aspiraba a elevar
al hombre por encima de lo individual a la región de lo divino.
Los artistas, dice Barthel, sienten que ha llegado su hora,
se unen en ligas amistosas para encontrar esa unidad de
7 30

Capítulos
religión y pueblo, de mito y antigüedad clásica. La tensión

entre el espíritu y la naturaleza denuncia la polaridad del
romanticismo; quiere encontrar lo perdido y volver a unir lo
separado. De esa visión de espíritu y naturaleza se espera
una nueva idea, una nueva comunidad vital, una nueva
cultura.
Se tratase ya de los que miraban hacia la Edad Media o los
que suspiraban por la antigüedad clásica, la visión romántica
brotó de la nostalgia de los valores desaparecidos.
Estuvo este siglo en Alemania muy poblado de artistas, pero
no muchos destacaron como verdaderos creadores. Entre los
principales pintores románticos debe mencionarse a Otto
Runge, muerto prematuramente en Hamburgo a los 33 años.
Solitario, la duda y la melancolía asediaron a este artista que
8 30

Capítulos
sobrepasó, según Barthel, a los grandes retratistas de su época

en la solución pictórica del tema.
Friedrich fue Gaspar David Friedrich, tres años mayor que Runge pero que
el más típico
le sobrevivió cerca de treinta, estudió como aquel en la
romántico
en la pintura Academia de Copenhague. “Monje a Orillas del Mar” es un
de paisaje cuadro suyo muy comentado. Varias pinturas presentan a
hombres absortos en la contemplación de la naturaleza. Fue
Friedrich el más típico romántico en la pintura de paisaje.
Wilhlem von Kaulbach fue uno de los artistas más prolíficos,
director de la Academia de Munich y que recibió ayuda de Luis
I de Baviera. Realizó grandes frescos en la escalera del Museo
de Berlín y en la nueva Pinacoteca de la ciudad. Buen retratista
y buen grabador en madera.
9 30

Capítulos
Alfred Rethel se formó, como Kaulbach, en la Academia de

Dusseldorf y se dintinguió como pintor y grabador. A él se
deben los proyectos de la Sala del ayuntamiento de Aquisgrán,
donde narró la historia del emperador Carlomagno.
Max Klinger fue un importante pintor realista de la segunda
parte del siglo, distinguido además como escultor y grabador.
En su paleta se funden la mística religiosa y la naturaleza en
una obra simbolista.
En Max Klinger Adolf Menzel, también realista, pintó el mundo que le rodeaba
se fundió
en escenas interioristas. Después se dedicó a pintar personajes
la mística religiosa
y la naturaleza famosos de la época de Federico el Grande. Menzel fue uno
en una obra de los más destacados grabadores.
simbolista
Max Lieberman estudió en Berlín pero su formación se debió
realmente a las escuelas de París y de Barbizón. A él se debió
10 30

Capítulos
la introducción del naturalismo y el impresionismo en Alemania.

Pintó temas y motivos populares, antes de recibir a finales de
siglo la inspiración de los impresionistas.
La introducción En Roma, un grupo de artistas alemanes se reunieron a partir
del naturalismo
de 1810, llamados después como el grupo de los nazarenos,
y el impresionismo
en Alemania designación de tintes irónicos. Estos pintores creyeron encontrar
se debió a Max la verdad en la pureza de una vida piadosa como la que llevaban
Lieberman
en la comunidad de la Hermandad de San Lucas. Creyeron
también en el retorno al arte noble de los antiguos maestros.
Pintaron cuadros simples e ingenuos de historia, sin originalidad
y sin vida genuina.
Entre estos pintores de segunda fila estuvieron J. F. Overbeck,
Schnorr von Carosfeld y otros, a los que se unió Peter von Cornelius,
pintores que intentaron renovar la pintura mural religiosa.
11 30

Capítulos
Alemania Siglo XIX Actividad grabado
En el arte alemán de la primera mitad de siglo, las iglesias

góticas, las ruinas y los cementerios, situados comúnmente
en lugares solitarios, eran motivos de gran aceptación. Ello
expresa tres aspectos claves del romanticismo, movimiento
que entre los alemanes tuvo resonancia muy especial: la nos-
talgia de la soledad y la muerte, la conciencia de lo efímero y
la idealización de la Edad Media.
En el arte El movimiento de una resurrección del goticismo, que partió de
alemán, las iglesias
Inglaterra, no sólo estaba vinculado con una fuerte nostalgia del
góticas, las ruinas
y los cementerios pasado irremediablemente perdido, sino también con la esperanza
fueron motivos de un nuevo futuro, sobre todo en Alemania, donde el despertar
de gran aceptación
del orgullo nacional se mezclaba con ciertas tendencias del
12 30

Capítulos
romanticismo, era más fácil identificarse con el pasado propio

medieval que con el de griegos o romanos.
En el grabado, que no fue muy intenso en la Alemania de
este siglo, se reflejaron estas aspiraciones e inquietudes.
Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), arquitecto, pintor y grabador,
realizó sus estudios de arquitectura en el taller de Friedrich Gilly, y
desde 1799 en la Academia de Arquitectura, en Berlín. Viajó por
Italia, trazando bocetos que utilizó después, entre 1806 y 10, en
su pintura de paisaje, actividad que alternaba con su profesión de
arquitecto.
En 1815 fue nombrado consejero de construcciones y encargado
Iglesia gótica
Schinkel de la conservación de monumentos, y en esos años empezó su
gran actividad arquitectónica en Berlín y sus alrededores. Talento
versátil, hacía también dibujos para escenografías y objetos de
13 30

Capítulos
arte aplicado. Su obra gráfica no fue abundante, pero ocupa un

lugar significativo en los principios de la litografía en Berlín.
Adolph Menzel, es Schinkel hizo amistad con personajes eminentes del romanticismo
reconocido como
alemán, entre ellos Clemens von Brentano y Archim von Arnim.
el más grande
de los realistas Este último ocupó un sitio relevante en su creación artística.
del arte alemán “Iglesia Gótica en el Bosque de Encinos”, litografía ejecutada
del siglo XIX
a pluma, es una de sus más bellas piezas gráficas en la que el
artista vertió su emoción romántica. El trabajo es
extraordinariamente pulcro y meticuloso, con gran riqueza tonal
por su “cromatismo”.
Schinkel nació en Neuruppin y murió en Berlín. Su personalidad
fue más destacada en la arquitectura, actividad en la cual buscó
caminos para expresar el goticismo que para él era equivalente
a lo antiguo alemán.
14 30

Capítulos
Adolph Menzel (1815-1905) nació en Breslau y aunque atendió

estudios en la Academia de Berlín cuando tenía quince años, se
consideró autodidacta. Al morir su padre en 1832, se hizo cargo
del taller litográfico que este había fundado. Al principio se dedicó
a la gráfica publicitaria y posteriormente grabó series con el tema
de la historia de Prusia y de Federico el Grande
Pintor y grabador, gozó de estima en su tiempo y los años
lo han situado como el más grande de los realistas del arte
alemán del siglo XIX.
En 1839 Menzel recibió el encargo de ilustrar con grabados
Federico el Grande
Menzel en madera la Historia de Federico el Grande, de Franz Kluger.
Fue una obra monumental, pues el artista tuvo que realizar
400 dibujos para relatar múltiples escenas de la vida y el
ambiente que rodeó al rey. Con la vivacidad de un testigo ocular,
15 30

Capítulos
quiso reproducir la historia como si fuese un presente vivo.

Esta circunstancia de viveza, de inmediatez, fue característica
de su trabajo. Las piezas fueron terminadas en 1842, y al año
siguiente, y hasta 1849, por encargo de Federico Guillermo IV,
ejecutó 200 nuevos dibujos para la publicación, esta vez, de
Las Obras del Gran Federico.
Barthel dice que “nada de lo que le cae entre manos sigue
siendo materia muerta; todo cobra vida porque este
dibujante sobrio y observador es, al mismo tiempo, un poeta
del lápiz. En su espíritu surgen visiones plásticas que funden
lo conocido y lo visto en una unidad llena de vida orgánica
y de lógica interna”.
Desde los años cuarenta Menzel realizó un trabajo
pictórico libre, con fulguraciones impresionistas. Estuvo
16 30

Capítulos
familiarizado con distintas técnicas gráficas, pero en

especial sus litografías tuvieron mayor relevancia, puesto
que en este terreno logró trabajos de mayor soltura y
habilidad. “No hay nada —comenta Barthel— que no
capte con pasión el ojo de este hombrecillo contrahecho,
y que su mano no reproduzca en el papel con una
intensidad que nunca desmaya”.
Menzel editó en 1851 una serie de seis piezas con el título
La cueva de los osos
Menzel “Ensayos sobre piedra con pincel y raspador”. En sus
trabajos anteriores en litografías con pluma y en modelos
para grabado en madera, había buscado un virtuosismo
progresivo en su lenguaje lineal. En esa serie procuró
enriquecer su técnica, de lograr que estas obras
correspondieran a sus cualidades de pintor. En piedra
17 30

Capítulos
granulada extendía con un rodillo una capa delgada de

tinta. Sobre ésta fijaba las formas principales con pincel.
Los acentos luminosos los raspaba con navaja y las áreas
de cierta extensión las trabajaba con el raspador.
La litografía de la «Cueva de los Osos en el Jardín
Zoológico» es la última pieza de la serie. Aquí, lo
espontáneo de la representación, lo aparentemente casual
y lo fragmentario de la imagen predicen el impresionismo.
Menzel no rompió A pesar de su gusto por los escenarios fastuosos, en la
con la esencia
temática de Menzel predominan los asuntos tomados del
de la pintura
tradicional y ofreció natural, de la vida de los burgueses de Berlín, paseando con
un vasto panorama sus trajes domingueros por el Thiergarten. Contempló en sus
de la vida
de su tiempo estampas y pinturas los ínfimos incidentes callejeros, los
repletos vagones del ferrocarril de gente que iba de día de
18 30

Capítulos
campo. Los rasgos más decisivos de su talento narrativo se

hallan en los dibujos de trazo amplio y seguro, en la anotación
de los detalles exiguos donde aprisiona a veces una acerba
ironía o la gracia incisiva que fija una expresión o un
movimiento.
Menzel, que por su formación autodidacta aparecía en su
obra de juventud como un precursor del realismo, no rompió
con la esencia de la pintura tradicional. Su sentido de la plástica
le hizo anotar, con agudez y malicia, tipos y espectáculos
ofreciendo un vasto panorama de la vida de su tiempo.
Menzel murió en la ciudad de Berlín. Particularmente
se le recuerda en sus pinturas sobre el rey prusiano,
descripciones grandiosas, llenas de vida y espontaneidad,
muy lejanas de las reproducciones patéticas,
19 30

Capítulos
sensacionalistas y de pompa y trivialidad colorística que

caracterizaron a los pintores históricos de su época, y aun
posteriores.
Grabador de los más capaces, Alfred Rethel (1816-1859)
también lo fue en la pintura. De entre tanto pintor mediano
en el mural de su tiempo, ahí en Alemania, él supo elevarlo
a una altura solitaria. Sus frescos inspirados en la vida de
Carlomagno, en la Sala del Ayuntamiento de Aquisgrán,
son un claro testimonio de su fuerza, dramatismo y buena
composición.
En pleno siglo XIX dibujó a la manera de sus grandes
La muerte amiga
Rethel antecesores: Durero y Holbein. Pero el espíritu de su medio
fue el romanticismo y a él respondió.
Rethel encontró en el blanco y negro el medio idóneo
20 30

Capítulos
para su austera expresión. Se aplicó en la pluma o el lápiz

litográfico (Leyendas del Rin, 1834), en la punta seca y el
buril, pero la madera sirvió mejor a su voluntad, a su marca
propia. «La Muerte como Vencedora» es un ejemplo de
excelente trabajo, imagen perteneciente a la serie
xilográfica llamada «También una Danza Macabra»,
realizada en 1848.
Rethel encontró Aquí, en esta versión muy distinta a la gran serie de
en el blanco y negro
Holbein, Rethel fundió en forma impresionante la fantasía
el medio idóneo para
su austera expresión y la observación, la idea y lo narrativo. Creó en estas lámi-
nas su visión dramática como el siniestro caballero que
horroriza hasta los cuervos, o la muerte enemiga que en
un baile parisino toca en un violín macabro la marcha del
cólera.
21 30

Capítulos
Rethel había nacido en Hans Diepenbend y desde los trece

años acudió al taller de Friedrich Wilhem Schadow en
Dusseldorf, haciéndose notar por su precocidad. Su
maestro había tenido que contener el ardor natural,
expansivo y ambicioso de su adolescencia. Lo sometió a
una rígida pero útil disciplina, inculcándole la costumbre
de la reflexión y el amor por los problemas esenciales del
arte. Sus primeras obras hacían evidente esta severa
formación.
A los veinte años había abandonado las enseñanzas de
La muerte en la
barricada Schadow para trasladarse a Francfort, donde proseguiría
Rethel estudios al lado de Veit, quien lo instruyó en las doctrinas
de los nazarenos.
22 30

Capítulos
La revolución En 1844 estaba en Italia, donde realizó una serie de

francesa le sugirió
dibujos para ilustrar pasajes de la Biblia. En 1847 se hallaba
a Rethel la serie de
6 grabados bajo el nuevamente en Aquisgrán, para dar comienzo a la
lema de la libertad, decoración de la sala imperial del consistorio.
la igualdad
y la fraternidad La revolución francesa de 1848, instauradora de la segunda
República, le sugirió la serie de 6 grabados que aparecieron en
Leipzig en 1849 bajo el lema de la libertad, la igualdad y la
fraternidad. Por encima de todo partidismo político estaba la
idea de la muerte, única y suprema igualdad posible entre los
hombres.
Durante sus breves descansos en la obra de Aquisgrán, Rethel
se desplazaba a Dresde, a la escuela de xilografía que ahí
funcionaba, atendida por Ludwig Richter.
23 30

Capítulos
Todavía en 1851 presentó nuevamente la muerte en un

grabado en madera titulado «La Muerte Amiga»,
considerado como joya de la gráfica alemana. En esta
lámina muestra el ascético refugio de un sacristán en la
torre de campanas de su iglesia.
Desde que dio comienzo su obra en Aquisgrán, Rethel
vivió prácticamente retirado, sumido en una delirante fiebre
de invención. «Al mismo tiempo, escribe José Selva2,
prosigue su labor en la ilustración monumental de la historia
2. La Pintura Alemana de Carlomagno. Esta doble tarea lo absorbe hasta el
del Siglo XIX. José Selva.
agotamiento».
Editorial Ramón Sopena,
S.A. Barcelona,1963 Por el agotamiento, a los 36 años el grabador hizo un
viaje a Italia en busca de reposo. Pero no pudo revitalizarse.
«Los amigos que acudían para asistirle veían naufragar
24 30

Capítulos
inexorablemente la razón del artista en una final

inconsciencia. Sus nervios perdían su equilibrio».
Rethel arrastró su locura en medio de terribles
padecimientos durante siete largos años, muriendo después
de lenta y dolorosa agonía. Él, que desde temprana edad
se había colgado obsesivamente a la idea de la muerte, la
sufrió indeciblemente.
Perteneciente a una generación posterior, Max Klinger
Und Doch
Klinger (1857-1920), originario de Leipzig, incidió también en el
medio del arte alemán con una personalidad peculiar.
Klinger estudió con Karl Gussow entre 1874 y 75, en
Karlsruhe, y posteriormente, de 1875 al 78, en la Academia
de Berlín, donde aprendió a grabar.
Pintor, escultor, grabador, hombre de sólida cultura,
25 30

Capítulos
inquieto, soñador. Sus múltiples expresiones tendieron a

fundirse en una síntesis plástica, con la ambición de hallar
la obra suma que totalizara sus aspiraciones creadoras.
En 1878 presentó su primera exposición como pintor en
la Academia de Berlín, y al año siguiente se trasladó a
Bruselas, haciendo estudios con el pintor simbolista Emile
Wauters. Aquí se imprimieron sus primeras estampas al
aguafuerte.
Para En 1833 fue comisionado para decorar la Villa Albers en
Max Klinger, el
la ciudad de Steglitz, cerca de Berlín. En estas pinturas
aguafuerte resultó
el medio ideal reflejó su admiración por la pintura impresionista y por la
para manifestarse obra del artista suizo Arnol Bocklin. Por estos años conoció
con una escritura
extremadamente también la obra de Durero y Goya, de los cuales sufrió su
subjetiva influencia como grabador.
26 30

Capítulos
Entre 1883 y 1866 vivió en París, y de 1888 a 1893 residió

en Roma. En este lapso de once años produjo algunas
importantes series de grabado: «Una Vida», veinte piezas al
aguafuerte y «Dramas», ambas de 1883; «Un Amor»,
aguafuerte y aguatinta, de 1889, y «Fantasía sobre Brahms»,
44 placas al aguafuerte, agua y mezzotinta.
Después de su estancia en Roma retornó a Leipzig, donde
se instaló definitivamente.
Con su profundo dominio de los procedimientos del
Acción
Klinger aguafuerte, de la talla dulce y del aguatinta, Klinger puso a
contribución cuantos recursos le ofreció la técnica para dar a
sus interpretaciones la fuerza gráfica que tradujese su fantasía.
Sin duda, su trabajo es una de las más valiosas aportaciones
al arte alemán del grabado en los siglos XVIII y XIX.
27 30

Capítulos
Klinger En su diversa temática, el aguafuerte resultó desde un

fue un simbolista,
principio el medio adecuado a su aspiración de manifestarse
se interesó en las
cuestiones místicas, con una escritura de sutiles matices, extremadamente
la mitología, subjetiva. En virtud a su modo original, resultado de una
el desnudo
y la música precisión técnica y una fecunda imaginación, sus 14 ciclos de
aguafuertes constituyen un sólido testimonio artístico, que
gozó además de gran popularidad. En esta creación gráfica
desarrolló mayormente el mundo de la poesía y de la fantasía.
En cuanto a las otras tareas plásticas, las pinturas y
esculturas monumentales que realizó muestran su esfuerzo
por lograr también una amplia expresión de su concepción
del mundo. Desde un principio, de hecho, su obra aparece
ligada a un vasto pensamiento que le hace preferir los
asuntos que pueden desarrollarse de modo cíclico. En su
28 30

Capítulos
gráfica, más que en las planchas sobre temas aislados, abun-

dan las series consagradas sucesivamente a pasajes
mitológicos, leyendas, alegorías, cuando no elucubraciones
de simbolismo filosófico.
Y resulta curioso la diferencia de enfoque entre su pintura
y su grabado. En la primera trata los asuntos positivos de la
vida, en tanto que en la gráfica habla con sesgo negativo,
expresando sus más profundas emociones y convicciones
como artista y como humano.
Klinger fue un simbolista interesado en las cuestiones místicas,
El manicomio
Kaulbach la mitología, el desnudo y la música. Entre los ciclos de aguafuertes,
el del «guante» fue de una significación aspiradora para los artistas
del simbolismo. Por su perfección técnica y la sutil combinación
del tema y su configuración, se dice que esta serie es una de las
29 30

Capítulos
mejores de Klinger. La serie apareció en 1881, pero al parecer

había sido concebida ya tres años antes en la modalidad del dibujo
a pluma.
Klinger murió en Grossjena el 4 de julio de 1920.
30 30

PAISES BAJOS SIGLO XV

Capítulos
Países Bajos Siglo XV Situación histórica
Al inicio del siglo Europa Occidental quebrantó el equilibrio

cristiano, produciendo cambios en las estructuras sociales y en
el pensamiento. El auge económico y la Guerra de los Cien Años
entre franceses e ingleses fueron factores que contribuyeron
también en estas transformaciones.
Desde los últimos años del siglo anterior los duques borgoñones
se habían anexado tierras situadas entre el delta del Rin y el Escalda.
Toda esta llanura litoral, desde el noroeste de Francia hasta una
parte de Holanda, pasando por la región septentrional de Bélgica,
empezó a llamarse Países Bajos. Los duques de Borgoña respetaron
al principio las autonomías locales de estos territorios, pero poco
a poco los fueron centralizando.
En este tiempo Bélgica formaba parte del ducado de Borgoña.
1 10

Capítulos
Al morir en 1477 el último borgoñón, Carlos el Temerario, su hija

María contrajo matrimonio con el archiduque Maximiliano de
Austria, cediendo así su soberanía a la casa de los Habsburgo.
Políticamente, los Habsburgo prosiguieron los intentos
centralizadores y limitaron los privilegios de origen medieval.
La rivalidad entre la monarquía absoluta y lo que quedaba del
feudalismo alcanzó nuevas proporciones. No se trataba ya de una
lucha entre rey y noble sino entre hermanos, pues al desaparecer
la sociedad feudal el monarca repartía sus tierras entre los príncipes
de sangre, por lo que el conflicto entre señor y vasallos se tornó
frecuentemente más agudo.
El reinado de los Habsburgo coincidió con un período de fuerte
expansión económica de Flandes, basado en la industria textil, en
la pesca, en el cultivo de nuevas tierras, pero sobre todo en el
comercio. Este desarrollo afectó principalmente a las zonas que 2 10

Capítulos
poseían las mejores comunicaciones. Paralelamente, los Países Bajos

se convirtieron, merced a su desarrollo, en una zona de intensa
actividad intelectual y religiosa.
Los Países Bajos Por su tipo de economía, Flandes llegó a ser una sociedad
se convirtieron
plutocrática y el mercado del arte reflejó este tipo de economía.
en una zona
de intensa Los artistas cumplían encargos de los banqueros y los industriales,
actividad aparte del mecenazgo de la aristocracia monárquica.
intelectual
y religiosa
3 10

Capítulos
Países Bajos Siglo XV Situación artística
La gloria del arte flamenco en este siglo fue la pintura, campo

en el que empezaron a surgir grandes figuras en la etapa del
gótico internacional. Rasgos geniales tuvo también el arte de la
miniatura, en el que destacan artistas como Jean Malouel y sobre
todo Jean y Paul Limbourg, autores de las célebres ilustraciones
para el códice del duque de Berry (Les Tres Riches Heures de
Berry), piezas notables por la perfección técnica y el refinado
gusto poético. Estos rasgos pasaron a la pintura sobre tabla,
cuyos iniciadores fueron los hermanos Van Eyck, Huberto y Jan.
En este siglo, Este último fue la gran figura del siglo. “El Cordero Místico”, su
la pintura fue
principal obra, compuesta por 20 paneles y cerca de 250 figuras
lo más importante
del arte flamenco (San Bavon, Gante), es una de las obras capitales del arte universal
y puede considerarse como el origen de la escuela flamenca. 4 10

Capítulos
Otros grandes artistas produjeron en ese tiempo: Rogier van

der Weyden, Hans Memling, Thierry Bouts, Hugo van der Goes,
y en Holanda el gran Bosco, Hieronymus Bosch.
Los artistas flamencos fueron los primeros en utilizar la pintura
al óleo y Vasari asegura que fueron precisamente los hermanos
van Eyck, luego de haber hallado la fórmula del secado rápido.
Los artistas En Utrech, Holanda, existió en este siglo también un importante
flamencos fueron
centro de miniaturistas. Esta actividad recibió un buen impulso
los primeros
en utilizar la con la Devotio Moderna, que difundió ampliamente el libro
pintura al óleo devoto. Hacia 1475 había una gran actividad pictórica en
ciudades como Haarlem, Delft y Leyden. El gran artista de la
época fue Geertgen Tot Sint Jans, autor de un altar para la capilla
de los Caballeros de San Juan, en Haarlem.
Los flamencos fueron buenos artistas en el grabado, puesto
de moda en este siglo, alentado fuertemente por la aparición 5 10

Capítulos
de la imprenta en 1452. Las principales técnicas practicadas

eran la xilografía y la lámina de cobre, tal como ocurría en los
otros países de Europa Central.
Es este tiempo el arte de Flandes y de Holanda transcurrió
con intereses y rasgos comunes. Durante éste y el siguiente
siglo mantuvieron las mismas fórmulas.
6 10

Capítulos
Países Bajos Siglo XV Actividad grabado
En Haarlem apareció por primera vez el Speculum Humanae

Salvationis, libro piadoso adornado con grabados en madera,
que muestran ya un conocimiento aceptable del arte y la com-
posición. Cuatro ediciones se sucedieron sin fechas y sin nom-
bre del impresor. Se dice que en ninguna parte se había visto
grabar una obra de gráfica superior, entonces, al Speculum o
Biblia de los Pobres.
A los Países Bajos corresponde el honor de haber hallado los
Crucifixión
Maestro Bávaro primeros medios de impresión —después perfeccionados por
Gutemberg— y haber producido las primeras planchas dignas
de atención.
La escuela de los Van Eyck fue exitosa y estimuló a varios
artistas a trabajar el grabado para multiplicar sus obras. 7 10

Capítulos
Son numerosos los grabados en madera de los Países Bajos

en este siglo, la mayor parte de ellos con calidad artesanal. En
Amsterdam y en Amberes se publicaron libros adornados con
láminas que proclamaban la utilidad de la impresión mecánica.
Los maestros que tallaron la madera en este tiempo y principios
del XVI, son desconocidos y sus trabajos no han sido fácilmente
identificables.
Las planchas de procedencia flamenca en la corte de los
duques de Borgoña y los dibujos que los grabadores obtenían
sobre el boj o el peral, por ejemplo, tienen rasgos y cualidades
tan parecidas que su clasificación ha sido poco menos que
imposible. Las figuras son cortas, a veces deformes. Los tipos
de cabeza carecen de la grandiosidad de los clásicos, si bien los
movimientos poseen carácter naturalista.
8 10

Capítulos
Los primeros artistas que grabaron sobre metal se acercaron

a sus predecesores en madera. Fue la misma influencia que los
guió. Un anónimo identificado bajo el nombre de Maestro I A
M de Zwolle trabajó entre 1475 y 1500 en los Países Bajos. El
nombre proviene seguramente del poblado de Zwolle, en el
norte de Holanda, que fue el lugar donde parece haber
trabajado el grabador.
Algunas láminas suyas recuerdan la escuela de pintura por su
La crucifixión
Zwolle rudeza. Su buril, sin duda gótico, se muestra ligero y a veces
con sutileza en el manejo de la expresión de los personajes,
como ocurre en una de sus 26 piezas que se le atribuyen, “La
Traición a Cristo”. Se trata aquí de una de las piezas más
ricamente trabajadas, no sólo por el conjunto de sus personajes
sino por la resolución compositiva y el virtuosismo de su dibujo.
9 10

Capítulos
Otra pieza de riqueza parecida es “La Misa de San Gregorio”, en

la cual Cristo no está en la cruz sino de pie sobre una especie de
altar, con una presencia perfectamente humana. El interior
arquitectónico y los personajes muestran una gran unidad estilística.
Casi todas las estampas conocidas del Maestro son de tema
religioso: “La Crucifixión”, “Santa Ana con la Virgen y el Niño”,
“La Madonna con el Niño Cargando la Cruz”, “San Jorge y el
Dragón”, e incluso en el “Memento Mori”, a un lado del
esqueleto y los cráneos calavéricos, aparece la figura de Dios.
Se asegura que de Zwolle jamás salió de los Países Bajos ni
Cristo en el Monte
de los Olivos conoció estampas de Italia o Alemania. A su estilo no le atribuyen
Anónimo influencias del extranjero. Y en palabras de Duplessis, su buril
trazó únicamente las composiciones concebidas en el gusto de
la escuela patrocinada por los duques de Borgoña.
10 10

PAISES BAJOS SIGLO XVI

Capítulos
Países Bajos Siglo XVI Situación histórica
Carlos V de España heredó en 1528 las posesiones de lo

que había sido el ducado de Borgoña, con lo que se inició la
era del dominio extranjero, siendo el de los españoles
particularmente duro en el reinado de Felipe II.
Durante el reinado de Felipe las tendencias hacia el
absolutismo católico se agudizaron. El descontento se
extendió también en Holanda y los nobles reunidos en Breda
(1566) pidieron que se suprimiera la Inquisición. Ese año
hubo motines populares contra el rey católico.
Felipe quiso arreglar el asunto mediante las gestiones del
duque de Alba, pero la política represiva de éste enardeció
más a los enemigos del monarca. Estos, dirigidos por
1 29

Capítulos
Guillermo de Orange, iniciaron un levantamiento armado

en 1568 y tras varios años de lucha lograron expulsar a las
tropas españolas de las provincias del norte. Las del sur,
habitadas por una mayoría católica, aceptaron la soberanía
de Felipe. De esta unión (Unión de Arras, 1579) de las
provincias meridionales surgiría el núcleo de la futura Bélgica.
Amberes fue En el mismo año, las provincias del norte fundaron la Unión
el primer mercado
de Utrech y rechazaron el dominio español, continuando la
mundial, la primera
bolsa de capitales lucha contras las tropas hispanas, hasta que en 1609 se firmó
de Europa y un la tregua de los Doce Años.
centro fuerte del
comercio colonial Durante todo este siglo Amberes constituyó el primer
mercado mundial, la primera bolsa de capitales de Europa y
fue uno de los centros fuertes del comercio colonial. Atrajo
a comerciantes de todas partes y dio lugar a una de las
2 29

Capítulos
primeras experiencias del capitalismo comercial europeo, al

iniciarse un temprano sistema de libres relaciones
mercantiles.
3 29

Capítulos
Países Bajos Siglo XVI Situación artística
El Renacimiento A partir de este siglo los ejemplos arquitectónicos del

penetró en Holanda
Renacimiento italiano y francés influyeron en las grandes
a través de la obra
del italiano Tomaso construcciones del Palacio Episcopal de Lieja y el Palacio Comunal
Vincidor de Amberes (1561-65). La misma influencia se ejerció sobre la
escultura de Cornelis Floris y de Jean Mone, entre otros. En pintura
aún se hacía notar el estilo de Van Eyck, representado por Quentin
Metsys y Pieter Pourbus, y la influencia italiana, representada
por Jean Mabuse, Frans Floris y Martin de Vos.
Dos personalidades extraordinarias estaban también en este
escenario: El Bosco y Brueghel.
El Renacimiento penetró también en Holanda, a través de
la obra del italiano Tomaso Vincidor. En la segunda mitad
4 29

Capítulos
del siglo, los arquitectos, abandonando los vestigios del

gótico, se inclinaron en definitiva sobre lo italiano. De esta
época son los palacios de Oudewater (1581), Franeker (1591)
y Naardem (1601) y otros edificios civiles como el mercado
de carnes de Haarlem.
La actividad escultórica tradicional de los talleres de Utrech
continuó en este siglo, surgiendo piezas como los retablos
de Dordrecht y Kampen y los púlpitos de Delft y La Haya. En
la más importante de las escuelas regionales, la de Frigia,
trabajaron los escultores Peter Dirks y Vincent Lucas.
En Utrech se formó El maestro más importante de la pintura holandesa del
un grupo de artistas
siglo, Jan van Scorel, tras vivir en Italia llevó al país las formas
de tradición
italianizante romanas y venecianas. Discípulos suyos fueron Antonio Moro
y académica y Maerten van Hemskerck. A finales de siglo se formó en
5 29

Capítulos
Utrech un grupo de artistas de tradición italianizante y

académica, influido por la pintura del Caravaggio y la de
Saraceni. En Amsterdam, en torno a la figura de Jacob
Cornelisz, despuntaba la tradición holandesa del retrato
colectivo.
6 29

Capítulos
Países Bajos Siglo XVI Actividad grabado
La pasión Durante la primera parte del siglo, la aportación de los

por el arte italiano
artistas italianos causó un verdadero revuelo en la actividad
transformó
las fórmulas gráfica. Las estampas de Marcantonio y otros grabadores
del arte flamenco llegaban en gran número a los talleres de los artistas
neerlandeses, y éstos mismos acudían a Roma. Esta pasión
por el arte italiano transformó las fórmulas del arte flamenco.
Los verdaderos creadores, al tiempo que pudieron conservar
su esencia estilística, asimilaron lo que tomaron de los
italianos.
En los más distinguidos maestros romanistas aún se
reconocía el genio local, de poderoso realismo, apegado a
las humildes realidades de la vida familiar. Lo que tomaron
7 29

Capítulos
estos artistas de los italianos fue el estilo apasionado y

elegante, muy distinto al de los primitivos neerlandeses, de
factura minuciosa y preciso dibujo, un tanto seco,
miniaturesco. Estos artistas, ansiosos de novedad, llevaron
al país la afición a los grandes conjuntos, las expresiones
muy acusadas, los temas mitológicos, el estudio anatómico,
los colores violentamente contrastados o fundidos, y la
Lucas de Leyden sensación de movimiento. Todos estos eran recursos que
resumió todas
las cualidades de enriquecerían la expresión flamenca, aunque algunos
la escuela primitiva pintores como de Leyden tomarían su distancia con respecto
y ocupó un lugar
preferente en
al espíritu italiano.
la historia del arte Nacido en Leyden, una de las ciudades más prósperas de
los Países Bajos por el comercio de lanas, Lucas de Leyden
(1494-1533) resumió todas las cualidades de la escuela
8 29

Capítulos
primitiva y ocupa en la historia del arte, por el carácter

innovador de su obra, un lugar preferente. Fue reconocido
en su tiempo, muy tempranamente, y pudo disfrutar así de
una posición cómoda en lo económico.
Pintor, grabador en cobre y diseñador para estampas de
1. Karel van Mander madera, aprendió desde corta edad el oficio de grabador
(1548-1606). Poeta y
en casa de un armero y platero. Van Mander1 asegura que a
escritor flamenco. Pintor
manierista. Conocido la edad de 9 años, en el taller de su padre, grababa ya plan-
sobre todo por su obra
chas de cobre sobre sus propios dibujos. A los doce años
“La Vida de los más
Célebres Pintores llegaría a causar el asombro de los pintores locales por el
Modernos”, concluida en brío, la fuerza y la seguridad de una pintura al temple, “La
1604, libro que contiene
datos sobre los pintores
Historia de San Huberto”. Lucas era un niño prodigio.
de los Países Bajos. Leyden había sido iniciado en el arte por su padre, el pintor
Hughe Jacobsz. A los quince años éste lo envió como
9 29

Capítulos
aprendiz al taller de Engelbrechtsz. Lucas asimiló bien y

pronto las enseñanzas que se le ofrecieron.
Lucas de Leyden Antes de él, se dice, ningún grabador en los Países Bajos había
fue conocido como
puesto tanto interés por la perspectiva ni se había esmerado
grabador y sólo
por el mérito tanto en dar a sus composiciones claridad en la colocación de
de sus grabados los personajes; una precisión que engrandecía el espacio de la
mereció
ser aceptado escena. Dice Vasari: “La composición de los grabados de Lucas
en el gremio es extremadamente original, sin confusión, y con tal orden que
de los pintores
cada escena parece que no se hubiera podido representar de
otro modo”. Y asentaba además el pintor y cronista del arte de
su tiempo, que sus obras estaban tratadas con más cuidado y
eran más acordes con las reglas del arte que las del mismo Durero.
En 1517 contrajo matrimonio con Lizbeth van
Boschhuyzen, hija noble de la más poderosa familia de
10 29

Capítulos
Leyden, que le aportó su fortuna. Para entonces, Lucas ya

se había enriquecido con el producto del gran número de
grabados ejecutados y vendidos.
Lucas conoció a Durero en 1521, cuando éste estuvo en
La lechera
Leyden Amberes, ciudad a la que había ido el famoso grabador
alemán para recibir un homenaje de los artistas locales.
Atraído por su personalidad, de Leyden fue a conocerlo e
intercambió estampas con él. Admiraba su obra pero pudo
conservar su modo particular de interpretar los temas que
inventaba. En ese tiempo Lucas tenía también un prestigio.
Hacía ya diez años que había realizado una de sus obras
maestras en el grabado, “La Lechera”. Sobre esta estampa
van Mander había dicho que Lucas había grabado esta pieza
a la edad de 16 años, “de una manera agradable y delicada.
11 29

Capítulos
Es un pequeño cuadrito que ahora, en 1590, es todavía muy

buscado”.
Lucas fue conocido siempre como grabador más que como
pintor, y no deja de ser extraño que sólo por el mérito de
sus grabados mereciera ser aceptado en el gremio de los
pintores de Amberes, en 1522.
De Leyden fue un artista innovador. Lo nuevo en sus obras
era un naturalismo que no había tenido precedente en
Flandes. Personas como Van Mander admiraban en las pie-
zas del hombrecillo el acertado empeño en reproducir la
realidad sin adornarla.
La separación de Lucas de los tipos tradicionales debió
haber ocurrido “con recaídas en lo antiguo”. Viajó el pintor
y grabador por las antiguas ciudades de Flandes, donde pudo
12 29

Capítulos
ver las pinturas estupendas de los cuatrocentistas de Brujas,

Gante y Amberes. En ocasiones se dejó impresionar también
por el arte italiano, infiltrado en el norte por Mabuse.
Leyden trabajó Aunque Leyden prefería los asuntos religiosos o de carácter
temas religiosos,
elevado, no desdeñó en ocuparse de escenas íntimas ni de
así como
composiciones composiciones en que los protagonistas eran campesinos y
con el campesino aldeanos. Así ocurre en las estampas de “Los Aldeanos de
y el aldeano
Viaje”, o “El Travieso”. Ejecutada esta lámina por un devoto
de la elegancia, inauguró la gran serie de grabados con
aldeanos y mendigos, que inspiraron más tarde a los Teniers,
los Ostade, los Dusart y otros artistas más.
Pero al final de cuentas, en el grabado los temas bíblicos
tuvieron igual importancia que los temas populares. “El Hijo
Pródigo” y “La Lechera” poseen parecidos valores, con el
13 29

Capítulos
añadido de que en estas últimas obras dio impulso al paisaje

y a la pintura de género costumbrista.
Aspecto poco conocido y tal vez irrelevante era su
proclividad al fausto y la prodigalidad. Acaso pensaba, dice
Van Mander, con gestos de gran señor hacer olvidar su
pequeñez física, su silueta de hombrecillo. De Leyden, por
ejemplo, cuando tenía 35 años, decidió hacer una visita a
los pintores de Flandes y Bravante. Para ello fletó un barco
de lujo para él y sus acompañantes, en donde se comió y
bebió en abundancia.
El grabador murió a los 39 años, pensando que lo habían
envenenado artistas envidiosos durante un viaje que hizo a
Gante y Amberes. Leyden vendió bien su obra. En el
inventario de los cuadros que tenía Rubens al morir, un
14 29

Capítulos
retrato de Erasmo y un San Pablo Ermitaño con San Antonio,

eran de su creación.
Otro artista neerlandés, Cornelis Metsys (1466-1530), se
formó en Amberes, en la escuela de Bouts. Podría alinearse
en la escuela de los pequeños maestros, por lo menos en una
parte de sus obras. Las estampas, que llevan su monograma,
son generalmente de pequeñas dimensiones. Estas son sus
mejores obras, inspiradas en los motivos aldeanos.
Metsys modificó Metsys hizo un viaje a Italia y modificó su estilo, tratando
su estilo tratando
de ennoblecer el dibujo al contacto de las obras italianas.
de ennoblecer el
dibujo al contacto “Pesca Milagrosa” es una estampa de tamaño relativamente
de las obras italianas grande en la que su buril no pudo elevarse al estilo de Rafael.
Aunque heredó la tradición medieval, Metsys fue seducido
por la corriente renacentista.
15 29

Capítulos
Pieter Brueghel, el Viejo (1530-1569) no fue propiamente

un grabador pero sí un diseñador que entregó unas 250
piezas para ser transportadas al grabado, ejecutadas en
Amberes con el grabador Hieronymus Cock.
Brueghel nació en Breda. Hijo de campesino, hacia 1545
ingresó como aprendiz con el maestro Pieter Coeck, un
romanista que había viajado a Italia en distintas ocasiones.
Coeck le enseñó las disciplinas del arte italiano. Más tarde,
en 1563, Brueghel se casaría con María Coeck, hija de su
maestro, de la que tuvo un hijo y una hija, que se harían
también pintores.
Después de su aprendizaje con Coeck, Brueghel pasó a
Caza del conejo
Brueghel vivir un tiempo en la ciudad de Hertogenbosch, donde
conoció la obra de Hieronymus Bosch. Este fue real y
16 29

Capítulos
espiritualmente su iniciador. De esta ciudad se trasladó a

Amberes, donde conoció a Hieronymus Cock, el más
importante de los editores de gráfica y grabador él mismo,
en los Países Bajos.
Brueghel ejecutó ahí con Cock algunas composiciones
personales y reproducciones del Bosco. Volvería después al
taller, ya no como alumno sino como un colaborador muy
asiduo, el más importante que tuvo Cock.
Hieronymus Wellens Cock (1510-1570). Grabador,
La fortaleza
Brueghel impresor y comerciante en arte, hijo de Jan Wellens de Cock,
hizo un viaje a Roma, por ahí en 1550, donde conoció al
llamado «marchante de Salamanca». Se dio cuenta entonces
de la importancia que habían alcanzado las ediciones de
grabado y acabó por instalarse como editor en Amberes. Su
17 29

Capítulos
editorial, «A los Cuatro Vientos», que era también tienda-galería,

se convirtió pronto en un centro de reunión de la élite artística e
intelectual y de los aficionados al arte.
Su taller producía grabados con escenas de género y mitológicas,
Paisaje con la
tentación de Cristo al estilo de Fontainebleau. Se rodeó de buenos grabadores como
Cock Cornelis Floris y Cornelis de Vos. En 1550 publicó una serie de 25
vistas de ruinas romanas. Su producción fue muy exitosa. Según
Van Mander, Cock se enriqueció con el comercio del arte.
Como artista produjo 62 grabados entre 1550 y 1558 con
temas de paisaje, vistas topográficas y mapas. Aunque Van
Mander lo describe como un paisajista inventivo, otros
consideran que sus piezas eran tomadas de otros artistas: el
mismo Brueghel, su buen amigo y casi socio, Maerten van
Hemskerck y su propio hermano Matthijs Cock.
18 29

Capítulos
Fue hábil en el manejo de la línea, haciendo variar el gro-

sor del trazo y sugerir una perspectiva atmosférica.
En 1560 abandonó la práctica artística, convencido tal vez de
que no era ese su mejor camino. Como impresor, en cambio,
llegó a ser el más importante de su tiempo en el norte de
Europa. Fue figura clave en el oficio de impresión, al transformar
la actividad individual en una verdadera industria, basada en la
división del trabajo, algo que ya habían desarrollado otros
artistas como Wolgemut en Nuremberg y Raimondi en Roma.
En 1551, el pintor fue admitido en la guilda de San Lucas,
Interior de la
academia en Amberes. Dos años más tarde hizo un viaje a Italia, con
Cornelis destino a Roma. Durante su travesía por la región alpina
trazó apuntes que después fueron trasladados al aguafuerte,
en una serie de doce grandes paisajes.
19 29

Capítulos
Finalmente, en 1563, Brueghel llegó a Bruselas, donde

habría de morir seis años después.
En su arte A muy grandes rasgos, el desarrollo artístico de Brueghel
de costumbres
se compone de dos etapas, una primera y rápida bajo la
Brueghel alcanzó
su dimensión influencia del Bosco, en obras de índole simbólica y
de gran artista fantástica. En la otra se consagró al mundo real,
representando la vida cotidiana de su país. En sus diseños
para grabado destacan, aparte de sus paisajes, estas
escenas aldeanas.
En su arte de costumbres Brueghel alcanzó su dimensión
de gran artista. Estos cuadros no sólo narran la vida diaria
de la gente sino que satiriza la época. Brueghel fue un
artista humano y profundo y todas las clases fueron
criticadas con una visión filosófica, derivada de los
20 29

Capítulos
antiguos proverbios flamencos. Su arte, en cieto modo,

podría considerarse como una enseñanza moral.
Entre otros artistas más de su tiempo, estuvo ahí Dirk van
Staren, el Maestro de la Estrella. En las estampas de “San
Lucas Pintando a la Virgen”, “El Diluvio” y un “Santo
Arrodillado Ante la Virgen”, el grabador muestra su habilidad
como dibujante.
Hendrick Goltzius (1558-1617), nacido en Mulbracht y
fallecido en Haarlem, fue pintor, diseñador y grabador de
unas 300 estampas en las que con frecuencia se reflejó la
impronta italiana.
Al parecer, los primeros años de Goltzius transcurrieron en
Paisaje arcádico
Goltzius Duisburg, donde su padre, Jan Goltzius, se había mudado
para desempeñarse como pintor en vidrio.
21 29

Capítulos
Sobre 1574 Goltzius fue alumno del maestro grabador

Coornhert, en Xanten, de quien aprendió el oficio.
Posteriormente, entre 1577 y 78 trabajó para el editor Philip
Galle. Al año siguiente contrajo matrimonio con Margarita
Jansde, hija de un arquitecto naval, en estado de viudez. De
este matrimonio no hubo hijos.
Goltzius trasmitió Una vez asentado en Haarlem, sobre 1582, abrió su propio
el dinamismo
taller de gráfica en casa. En esta década, su trabajo se
de sus desnudos,
marcando desarrolló en un buen número de retratos que provenían de
el manierismo la tradición septentrional, comprendidos en éstos los de su
“furioso”
de Spranger patrón Galle, realizados en 1582, y los de su maestro
Coornhert, hechos en 1585.
Sus primeros grabados, firmados y fechados, datan de 1578
(“La Anunciación”), antes de su establecimiento en Haarlem,
22 29

Capítulos
dentro de un estilo flamenco que habría de prevalecer en el

círculo Galle. En 1585, con el grabado “El Baile de Venecia”,
impreso de dos placas según obra de Dirck Barendsz, se
marcó el comienzo de una nueva técnica, con una
distribución más balanceada del claroscuro y un uso más
dinámico del buril. Este desarrollo se puede apreciar un poco,
también, en los grabados de retratos de esa época.
A partir de 1585 Goltzius grabó para Bartholomaus
Hércules Farnese
Goltzius Spranger, trasmitiendo el dinamismo de sus desnudos.
Durante años siguientes sus dibujos y grabados están
marcados por el manierismo “furioso” de Spranger, artista
que le fue presentado por su amigo Karel van Mander, quien
también se alineaba en la tendencia manierista, junto con
Cornelius Cornelisz. De este período se pueden citar las
23 29

Capítulos
láminas de “Marcus Curtius” (1586), “Minerva y Mercurio”

(1588) y la serie de los Profetas y las Síbilas.
Goltzius nunca tuvo En 1589, con la imagen de una santa familia, Goltzius se
un estilo propio
reubicó en la tradición. De esta época data su excelente
y su trabajo
dependió de pieza de “Jean Zaremus”, realizada en1588, según modelo
una práctica de Maerten van Hemskerck. Por estos últimos años de la
ecléctica
década Goltzius abandonó a Spranger, con lo cual se cerraría,
digamos, una etapa de su vida profesional.
Goltzius nunca tuvo en realidad un estilo propio, y su
desempeño como dibujante y grabador dependió de una
práctica ecléctica. Antes de viajar a Italia, en 1590, año crucial
que delimita una segunda etapa en su vida artística, grabó
diseños también de Blocklandt, de Joannes Stradamus, de
Dirck Barendsz, de Martin de Vos, de Cornelisz, y por
24 29

Capítulos
supuesto de él mismo y de Spranger. Era éste ya un acervo

productivo numeroso.
Su visita a Italia fue supuestamente por motivos de salud,
pero de ella se delinearía una nueva visión de su trabajo.
Estuvo en Roma, Nápoles, Venecia y Florencia, lugares donde
dibujó retratos de artistas y registró las maravillas de la ciudad
eterna, sobre todo en la estatuaria. En la capital italiana
conoció a Federico Zuccaro, de quien recibió influencia.
Su viaje a Italia, que duró cerca de un año, lo condujo por
un nuevo y amplio acercamiento al arte italiano. A finales
de 1591 regresó a Haarlem. Tras su regreso hizo
reproducciones de escultura antigua y de pinturas italianas
de Rafael, de Anibal Carracci, de Ticiano, de Campagnola.
Usó dibujos o copias de dibujos de estos artistas, quienes
25 29

Capítulos
dieron un nuevo estímulo a su trabajo. También le orientaron

las obras de Durero y de Lucas de Leyden.
En su período de ausencia en Italia, Jan Saenredam y otros
trabajaron como grabadores en su estudio. A pesar de su
mal estado de salud, Goltzius continuó trabajando
vigorosamente. La bella estampa de “Jean Bol”, de 1593,
se halla entre las figuras que revelan el estilo de los maestros
italianos.
Sobre finales del siglo, Goltzius, iniciando una tercera etapa,
Noe construyendo el
arca abandonó prácticamente el grabado en favor de la pintura.
Sadeler Sus pastiches, escenas de la Virgen, de 1593 a 94, han
sido consideradas como obras maestras. En estas piezas
asimiló con “rara felicidad” el estilo de Rafael, del
Parmesano, de Durero y de De Leyden. En la “Piedad” de
26 29

Capítulos
1596 revisó profundamente a Durero. “Aquí –comenta

Laran– nos presenta los elementos de ese gran sincretismo
que deviene la religión de los grabadores de oficio, en el
momento en que el Renacimiento se convierte en
Academismo”.
Goltzius fue un versátil dibujante, hábil en el uso de
diferentes técnicas y herramientas; punta de metal, pluma
de ave con tinta, pincel, sanguina y carbón. Parecía no tener
preferencia alguna, pero llegó a ser conocido como “el
maestro de la pluma”.
En sus primeros años Goltzius se habia mostrado tímido y
enamorado de la finura y la precisión. Después tomó
diferente rumbo, con estilo parecido al de Durero. Grabó
pequeños retratos que rivalizaron con la miniatura. Después
27 29

Capítulos
publicó las lámimas más extravagantes. Alcanzó la reputación

de gran burilista, aunque algunos como Duplessis dicen que
perdió la fama de dibujante fino y correcto que le habían
asegurado sus primeras obras.
Grabó figuras con trajes en los que se observa un trabajo
muy delicado. En contraste con este estilo en el metal realizó
al menos una xilografía en 1595, con trazo más libre y un
dibujo menos perfeccionista. Esta pieza, “Paisaje Arcádico”,
muestra los valores del claroscuro. En realidad, el fue uno
de los pocos artistas que practicó el claroscuro en este siglo,
técnica en la que liberado de la traza manierista, demostró
su mejor originalidad.
Se ha dicho que cuando Goltzius no tenía la naturaleza
Noe construyendo el
arca por sostén, caía fácilmente en los remilgos del manierismo
Sadeler 28 29

Capítulos
italianizante. El abigarramiento de formas, el exceso del

gesto, la exuberancia de la composición, hicieron de muchas
de sus planchas las perfectas muestras de ese barroquismo.
Tal parece que después de haber realizado en 1597 el
célebre “Perro de Goltzius”, el grabador se consagró en
adelante a la pintura.
Goltzius fue un artista importante entre el período de
transición de finales del XVI y principios del XVII, cuando la
concepción del arte cambiaba gradualmente en el norte de
los Países Bajos. Fue una especie de hábito, aquí, en el XVI,
el movimiento de artistas que emigraron a Italia. Entre los
que se quedaron, sedentarios, habrían de destacar dos
grandes maestros: Rubens y Rembrandt.
29 29

FLANDES SIGLO XVII

Capítulos
Flandes Siglo XVII Situación histórica
La República de las Provincias Unidas surgió en 1568 como

respuesta de los habitantes de los Países Bajos a la intromisión
de los españoles, que avasallaron la región. En 1609 se pudo
firmar la Tregua de los Doce Años, pero las hostilidades
empezaron nuevamente por la Guerra de los Treinta Años,
que duraría de 1618 a 1648.
Al firmarse la Paz de Munster, España reconoció finalmente
la independencia de estas siete provincias, conocidas también
como la “República de los Mercaderes”.
Todavía las provincias tuvieron que enfrentar una guerra más
contra Francia e Inglaterra, si bien ésta duró solamente de
1672 a 1674.
1 28

Capítulos
Durante el siglo se registraron cambios en la relaciones de

poderío mercantil, que dieron lugar al predominio de Inglaterra
y de las mismas Provincias Unidas, entre quienes se entabló
una intensa rivalidad.
El bloqueo El bloqueo de los ingleses y los conflictos religiosos llevaron
de los ingleses
progresivamente el decaimiento de Amberes, la gran ciudad
y los conflictos
religiosos llevaron floreciente de la centuria pasada.
progresivamente El enfrentamiento de la Reforma y la Contrarreforma causó
al decaimiento
de Amberes desgaste en la región, si bien por encima de las divergencias
teológicas entre católicos y protestantes, las dos religiones
compartían el objetivo de enseñar al pueblo una fe más
conforme con el mensaje del evangelio. Flandes o las provincias
meridionales se mantuvieron religiosamente fieles a Roma.
2 28

Capítulos
Para cumplir bien el objetivo de evangelización era necesario un

clero más numeroso, pero sobre todo más instruido y digno.
Ambas religiones se orientaron hacia la cristianización del pueblo,
inculcando las verdades de la fe y los comportamientos éticos
que definirían mejor a la sociedad cristiana.
3 28

Capítulos
Flandes Siglo XVII Situación artística
En Flandes triunfó En la segunda mitad del XVI triunfó en Flandes el Renacimiento

el Renacimiento
italiano a través de la obra de Cornelis Floris, constructor del
italiano a través
de la obra Palacio Municipal de Amberes. Esto facilitó que los arquitectos
de Cornelis Floris flamencos adoptasen el barroco, difundido por los jesuitas
como el estilo romano de la Contrarreforma.
Este movimiento produjo la exuberancia triunfal de San
Carlos Borromeo de Amberes, construida por el jesuita
Aiguillon, exuberancia acentuada en la abadía de Grimbergen,
y a finales de siglo en el conjunto de la Plaza Mayor de
Bruselas.
Tal vez la obra maestra del barroco flamenco es la iglesia de San
Miguel en Lovaina, construida entre 1650 y 1666 por los religiosos
4 28

Capítulos
Wille van Hees-Hessius, quien fue su diseñador y Fay d’Herbe,

con inspiración en el barroco romano pero que recogió la tradición
local del verticalismo gótico, con fachada típicamente flamenca.
La escultura barroca creó un buen número de púlpitos y
confesionarios. En el país destacaron particularmente dos dinastías
de escultores en Amberes, los Quellin y los Verbruggen. Hendrik
Verbruggen fue el autor del púlpito de la catedral de Santa Gúdula,
en Bruselas. Artus Quellin, el Viejo, después de haber decorado
varias iglesias en Amberes, fue llamado de Amsterdam, donde se
hizo cargo, con otros escultores holandeses, de la rica decoración
escultórica de las salas del Palacio Municipal.
En pintura, el escenario estuvo poblado de grandes
personalidades encabezadas por Pieter Paul Rubens, quien
transformó el italianismo flamenco en un lirismo espléndido, y
5 28

Capítulos
por Anthonis van Dyck, su alumno, cuyos retratos de noble

elegancia influyeron medularmente en la pintura inglesa. Cerca
de estos dos grandes artistas desarrollaron su arte Jacob
Jordaens, Adriaen Brawuer, Francisco Snyder, David Teniers y
Hércules Seghers, una brillante constelación de la pintura
barroca flamenca.
6 28

Capítulos
Flandes Siglo XVII Actividad grabado
Pieter Paul Rubens (1577-1640) fue personaje importante en

el grabado no por su obra propia, que fue casi nula, sino por
haber fundado una escuela que con gran habilidad técnica
reprodujo en cobre sus pinturas y diseños. Cerca de 800
grabados hechos sobre sus modelos difundieron por toda
Europa su fama de pintor.
“Santa Catalina entre las Nubes”, conocida también como
Santa Catalina
Rubens “Santa Catalina de Alejandría”, aguafuerte de 1620, es la única
estampa atribuida con certeza a la mano del propio Rubens. La
pieza proviene de un fresco de ese mismo año de la iglesia de
los jesuitas, en Amberes. En el grabado aparece la leyenda “P.
Paul Rubens fecit”, aunque sólo en el tercer y último estado. Se
7 28

Capítulos
menciona la intervención de Lucas Vorsterman, uno de sus

discípulos. Una contraprueba del primer estado, conservada en
el Museo Metropolitano de Nueva York, muestra retoques hechos
personalmente por Rubens, con pluma y pincel.
Rubens pasó en Siegen, su lugar natal, sus primeros
años.Después vivió en Colonia y llegó a Amberes en 1588. Ingresó
ahí en el taller de Otón Venius, su principal maestro, con quien
permaneció cuatro años. Trabajó también con Adriaen van der
Noort. Para completar sus estudios visitó Italia.
Rubens fue En mayo de 1600 salió de Amberes y recorrió Venecia, Mantua,
enviado a España
Roma, Génova y Milán. En Venecia, cuya estancia fue mayor,
e Inglaterra para
concertar la paz copió las pinturas del Veronés, de Ticiano y del Tintoretto.
entre ambos Un joven oficial le introdujo en la corte del duque de Mantua.
países
Este, que gustaba rodearse de escritores y pintores, le retuvo a
8 28

Capítulos
su lado con el encargo de varios trabajos. Aparte de sus

cualidades de pintor, el duque le vio cualidades también para
desempeñar misiones diplomáticas. Envió regalos a Felipe III,
confiando al pintor esta tarea delicada. El buen desempeño de
este encargo fue premiado por el duque con un viaje a Roma
para que estudiara las obras maestras del arte que en esa ciudad
había.
Después se estableció Rubens definitivamente en Amberes,
en una casa que se mandó construir. Se casó con Isabel Brandt
en 1609. En 1620 se trasladó a París, llamado por María de
Médicis para pintar la galería de Luxemburgo.
En el servicio diplomático, Rubens fue enviado a España e
Inglaterra para concertar la paz entre ambos países en guerra
desde hacía muchos años. Estas sucesivas embajadas le
9 28

Capítulos
facilitaron ocasiones para ejercitar su pincel, haciendo retratos

de la nobleza. En Londres y en Madrid dejó obras, recuerdos
magníficos de su estancia.
La influencia Habiendo muerto su primera mujer, en 1630 se volvió a casar
de Rubens
con su sobrina Elena Fourment, con quien tuvo cinco hijos.
en el grabado
fue decisiva, sirvió La influencia de Rubens en el grabado fue decisiva. No sólo
de modelo y guía sus obras eran excelentes modelos para los artistas grabadores
para artistas
grabadores sino que además los guiaba. Trabajaron en presencia suya y él
mismo retocaba con el pincel las estampas grabadas, cuidando
con esmero el terminado. Gran colorista en su pintura, de
profundo sentimiento de la vida, de gran fuerza armónica, logró
el equivalente en sus grabados en blanco y negro por su activa
vigilancia y su inteligente dirección. Los grabadores que se
sirvieron del buril produjeron obras de primer orden.
10 28

Capítulos
Entre 1615 y 1640 Rubens hizo dibujos y diseños para

portadas de libros, la mayoría para la empresa editorial Plantin-
Moreto, en Amberes. De gran significado para los impresores
fueron Rubens y su escuela de grabadores. Su labor encumbró
a la ciudad como la capital del mundo en el arte de la tipografía
y del grabado.
Rubens La actividad de Baltazar Moreto al frente de la empresa
y su escuela
coincidió con la de Rubens como dibujante de portadas, trabajo
de grabadores
fueron de gran que hacía como descanso de su obra pictórica. El dinamismo
significado para del primero y el genio del segundo concurrieron para lograr
los impresores
ediciones no superadas. Con la muerte de Rubens en 1640 y
la de Baltazar, un año después, concluyó la etapa más rica y
fecunda de esa prestigiosa casa, fundada en 1550 por Cristobal
Plantin.
11 28

Capítulos
Richard Judson1 refiere cómo a partir de 1637 se estableció

una asociación entre el maestro que daba la idea y concebía el
dibujo y el que se encargaba de ejecutarlo.
El objetivo
de Bolswert fue Pocos artistas llegaron a tener un grupo de colaboradores
dar a conocer tan selecto como lo tuvo Rubens. Colaboradores de larga
con la mayor
fidelidad posible experiencia y dueños de una tradición bien establecida, para la
las obras pintadas cual se requería no sólo de pericia artesanal sino también del
por sus coetáneos
nivel artístico indispensable para trasladar, con todo vigor el
dibujo del maestro a la plancha del metal.
1. Referido en Libros y En estas portadas ejecutaron el grabado profesionales como
Grabados en el Fondo de
Cornelius Galle, Jan Collaert y otros. El más importante de sus
Origen de la Biblioteca
Nacional. Eduardo Baez colaboradores en este tipo de grabado fue Cornelius, dibujante
Macías y Judith Puente
y grabador burilista. A él pertenecen las más hermosas láminas
León. Instituto de
Investigaciones Estéticas, realizadas entre 1615 y 1636, antes que dejara Amberes para
UNAM. 1989.
12 28

Capítulos
radicar en Bruselas. De sus trabajos se mencionan los hechos

para las portadas Crux Triumphans et Gloriosa, de 1617, y
Catena. Sexaquinta Quique Grecorum Patrum, de 1628.
El más habil de los grabadores formados en la escuela
de Rubens fue Schelte de Bolswert, nacido en Bolswert
sobre 1586. Junto con su hermano había ido a estudiar
grabado en Amberes, donde tuvo como condiscípulo a
Paul Pontius.
Bolswert fue sensible a la técnica al obtener del buril algo
La caza del león
Bolswert más que la seca representación de la pintura. Intentó que sus
grabados expresaran la vida y la riqueza del colorido de las
pinturas que transcribió a las planchas. “La luz fue ejecutada
con limpieza y el lineaje, frecuentemente terminado con
puntos, modelaron las masas y afirmaron los contornos con
13 28

Capítulos
una precisión tan firme como concienzuda”, dice Duplessis.

Su objetivo fue dar a conocer con la mayor fidelidad
posible las obras pintadas por sus coetáneos. Escogió de
preferencia los cuadros de Rubens. Nada de extraño
puesto que el ilustre maestro era el patrón de la escuela y
porque sus obras atraían a los maestros grabadores.
Bolswert buscó también a dignos alumnos de Rubens para
ejercitar el buril. Al lado de la “Asunción”, de “La Pesca
Milagrosa” y de la “Resurrección”, obras admirables de Rubens,
Bolswert grabó “Los Músicos”, de Jacob Jordaens, y el “Sileno
Borracho”, de van Dyck.
Paul Pontius (1603-1658), quien trabajó al lado de Bolswert
y que compartió con él la amistad del maestro, reprodujo por
supuesto las obras de éste con exacto buril. Expresó bien las
14 28

Capítulos
masas de carnes abundantes y lozanas o la amplitud de los

paños con tonos ricos y hasta espléndidos.
Pontius era originario de Amberes y parece que asistió ahí
al taller del pintor Osias Beert, en 1616, es decir, a los trece
años de edad. Después aprendió a grabar con Lucas
Vorsterman, sustituyéndolo en el taller de Rubens cuando se
agudizaron los problemas entre aquél y éste. Vorsterman
terminó por emigrar a Inglaterra en 1624, y no queda muy
claro si alguna vez atentó contra la vida de Rubens. El caso es
que Pontius se instaló luego en casa del maestro, y vivió ahí
entre 1624 y 1631.
Pontius tuvo tres matrimonios, de los cuales quedaron
varios hijos. Por estos años se había convertido ya en un
maestro, continuando su trabajo ahí en Amberes con un
15 28

Capítulos
estilo propio en sus grabados, cuando no trabajaba sobre

las obras de Rubens.
El impecable Se caracterizan los grabados de ese tiempo por un dibujo
trabajo de Pontius
cuidadoso y por la exactitud que lograba respecto a los modelos
y su depurada
expresión de pictóricos, con eficaces efectos de luz y de color. Ejemplo de
los rostros aseguró ellos son “Susana y los Viejos” y “La Ascención de la Virgen”
al grabador fama
como retratista (1624); “Cristo ante San Roque” (1626); “La Lamentación”
(1628) y “La Crucifixión (1631), entre otras piezas más.
Tras la muerte de Rubens, Pontius trabajó con varios
pintores y grabadores, entre los más conocidos van Dyck y
Jacob Jordaens. Su impecable trabajo y su depurada
expresión de los rostros aseguró al grabador fama como
retratista. Muchos de sus grabados fueron publicados por
diversas casas: Van Dycks Iconography y otras. Entre estos
16 28

Capítulos
retratos destacan los del mismo Rubens, Isabel de Borbón,

esposa de Felipe IV, rey de España, Gaspar Guzmán, el conde
duque de Olivares y Gustavo Adolfo, rey de Suecia. Pontius estaba
en el apogeo de su prestigio.
Pontius llevó el recurso del claroscuro más lejos que cualquier
otro grabador de la escuela. El número de piezas que grabó del
maestro fue considerable: “El Pentecostés”, “La Asunción”,
“Susana en el Baño”, “La Presentación en el Templo”, para
mencionar sólo algunas.
Pontius llevó Una de las estampas más conocidas de Pontius presenta el
el recurso
célebre cuadro de Jordaens, conservado en el Louvre, “La Fiesta
del claroscuro más
lejos que cualquier del Rey”. Manifiesta ahí el color brutal del cuadro y las alegres
otro grabador expresiones de los personajes.
de la escuela
17 28

Capítulos
El estilo de Lucas Vorsterman (1595-1675) fue diferente al de

los anteriores grabadores. Menos vivo su buril, aunque
igualmente diestro, ofreció otros aspectos de las pinturas de
Rubens. Distinguió con claridad los diversos elementos de un
cuadro. Por medio de líneas esparcidas y ligeras que siguen la
forma del modelo, representó las carnes, mientras obtenía los
ropajes por un lineaje apretado, según el sitio que ocupasen en
relación a la luz. “Susana y los Viejos”, “La Adoración de los
Pastores” y muchas santas familias dan una idea de la habilidad
de Vorsterman como grabador. Fue escrupuloso traductor del
maestro.
Como Pontius, Vorsterman inició su labor de grabador a muy
Cristo llorado por la
virgen temprana edad, a los doce años. En 1630 pidió a Rubens que
Vorsterman fuera su maestro y le solicitó trabajo en su taller. El maestro
18 28

Capítulos
encontró en el joven una gran sensibilidad y gran potencialidad

para la reproducción de grabados.
Así, el joven aprendiz desarrolló su técnica de buril. En esos
años, tras su ingreso al taller, Vorsterman reprodujo unos diez
grabados. Rubens apadrinó al alumno y hubo una relación
amigable entre ellos por unos años, hasta que empezaron a
surgir las dificultades, se dice, por la ambición de Vorsterman;
hasta el momento de la ruptura en 1624, año en que Vorsterman
se fue a Inglaterra, donde permaneció ocho años, grabando
pinturas de otro carácter distinto al de Rubens.Cuando se dedicó
a las obras de Rafael, de Anibal Carracci o de Caravaggio, no
olvido sin embargo Vorsterman las lecciones recibidas en el taller
de Rubens. Sus estampas, según obras de estos maestros,
llevaban el sello de la escuela en que se había formado. Bajo el
19 28

Capítulos
buril perdieron los contornos de Rafael su exquisita pureza y su

gracia. Por el naturalismo en que se había educado, no se amoldó
a tales exigencias. Ahí en Londres, fue su compatriota van Dyck
quien le inspiró sus mejores obras.
La originalidad Vorsterman nació en Bommel, Holanda, y falleció en Amberes
de Pedro Yode
en 1675.
se manifestó
en las pinturas La originalidad de Pedro Yode, el Joven (Amberes 1606), se
de Rubens, de van manifestó en las pinturas de Rubens, de van Dyck y de Jordaens.
Dyck y de Jordaens
Su buril, poderoso y fácil, pudo trasmitir los efectos del color al
cobre con exactitud. “El Casamiento de Santa Catalina” y “El
Milagro de San Martin de Tours”, de Jordaens, colocaron a Yode
en el rango de los buenos grabadores de la escuela flamenca.La
escuela de Rubens contó con otros artistas más, pero los
mencionados fueron los más ilustres. Otros grabadores de
20 28

Capítulos
segundo rango alguna vez imitaron al maestro con excepcional

fortuna.
Se menciona en especial al grabador en madera de origen
alemán, nacido en Amberes, Christoffel Jegher (1596-1652).
Sus estampas fueron conocidas por Rubens, quien deseó ver
reproducidas algunas de sus obras en esta técnica. Dibujó el
maestro sobre la madera y Jegher siguió escrupulosamente los
contornos y las líneas cruzadas. Las estampas son verdaderos
facsímiles de Rubens.
Algunas veces, usando varias planchas, a ejemplo de los
italianos, Jegher indicó los diferentes tonos del dibujo, modelando
los contornos. Sus aguadas transmiten con fidelidad los dibujos
del pintor flamenco.
21 28

Capítulos
Jegher grabó ilustraciones, entre 1636 y 1642, para el Breviario

y el Misal Romano, basados en los dibujos de Rubens. Pero sus
trabajos más importantes son nueve xilografías inspiradas en las
composiciones del mismo maestro, con quien trabajó
estrechamente en 1633.
Anthonis van Dyck (1599-1641) fue pintor, grabador y diseñador,
alumno también de Rubens. Nació en el seno de una familia rica
dedicada al comercio de sedas, en Amberes, en una casa ubicada
en la Plaza del Palacio Municipal. La madre, dedicada al bordado,
le inició desde niño en el conocimiento del color.
Cuando Anthonis tenía apenas diez años su madre lo colocó
Retrato de Lucas
Vorsterman en el taller de un pintor mediano, Hendrik van Balen. Estuvo ahí
van Dick unos cinco años, ya que en 1615 estaba en el grupo de jóvenes
que trabajaban con Rubens. Aunque no tuvo con Balen la
22 28

Capítulos
oportunidad de saturarse de humanismo, ni tener una educación

sistemática, puesto que el maestro conservaba los antiguos
procedimientos tradicionales, los del Flandes cuatrocentista, Van
Dyck no olvidó sus lecciones.
Van Dyck No es posible precisar la fecha cuando Van Dyck entró en el
pintó magníficos
taller de Rubens, pero debió hacerlo ya con adelantado
retratos de Carlos I
y de los príncipes aprendizaje porque el maestro no aceptaba regularmente sino a
reales, que fueron aquellos alumnos con quienes no tenía que distraerse en las
enviados a las cortes
europeas como lecciones elementales. En 1619, Van Dyck estaba ya inscrito como
regalos miembro de la Academia de San Lucas, en Amberes.
Rubens estaba orgulloso de Van Dyck; cuando éste tenía veinte
años el maestro escribió al pie de un cuadro (“Aquiles con la
Hija de Licomedes”): “Ejecutado por el mejor de mis discípulos”.
Esta pintura la conservó Rubens para toda su vida.
23 28

Capítulos
Rubens tenía la costumbre de reunir en su casa a los mejores

discípulos y sentarlos a su mesa. Parece que congenió
especialmente con Van Dyck, estableciéndose una familiaridad
que causó envidias. El joven pintó el retrato de Isabel Brandt, la
primera esposa del maestro.
En 1620 hizo su primer viaje a Londres, contratado por
J. Brueghel
van Dick la corona. Poco duró su estancia, ya que otros pintores
del Continente protegidos por el duque de Buckingham,
estaban en boga y no era fácil la colocación para un joven
maestro. Así, Van Dyck regresó a Amberes, para luego
hacer una larga estadía de varios años en Italia. Este viaje,
propuesto también por Rubens, fue de gran
aprovechamiento para el joven. En Roma pintó muchos
retratos, haciéndose notar por su porte elegante. La
24 28

Capítulos
apostura física del pintor le atraía admiradoras, damas

que le agasajaron frecuentemente.
En los retratos, Al regresar a Amberes, en 1628, estableció ahí su taller.
Van Dyck no fue
Cuatro años después regresó a Londres, siendo entonces
inferior a Rubens,
le preocupaba nombrado Pintor de Cámara de Carlos I. Este le asignó un
más la hermosura espléndido salario y puso a su disposición una casa en la gran
que la grandeza
ciudad y una residencia en el condado de Kent. Llegó incluso
a casarlo con una joven de la corte, Mary Ruthwen. Van Dyck
pintó magníficos retratos de Carlos I y de los príncipes reales,
que fueron enviados a las cortes europeas como regalos.
Murió en Londres, recibiendo sepultura en la vieja Catedral de
San Pablo.
En los retratos, Van Dyck —se dice— no es inferior a Rubens.
Es la naturaleza bajo otros aspectos. A él le preocupaba más la
25 28

Capítulos
hermosura que la grandeza. Dyck no se contentó con revisar las

estampas ejecutadas de sus cuadros por Bolswert, Pontius o por
Vorsterman, ni se contentó con aconsejar a sus grabadores, sino
él mismo manejó el buril. No fue en sus composiciones, empero,
donde logró sus mejores resultados. “El Cristo Coronado de
Espinas” y “Ticiano y su Querida” no son suficientes para dar
idea de su talento como aguafuertista. Sus 18 retratos de la
colección de 80 piezas de Icones Pictorum, en cambio, revelan a
un diestro y excelente buril. La fisonomía de los personajes —
pintores y grabadores algunos- está tomada al vuelo, es viva y
expresiva. Tradujo aquí con fidelidad el espíritu de su modelo.
Al igual que Rubens, Van Dyck pintó a muchos de los partidiarios
de la reina María de Médicis, que la habían seguido a Amberes,
desterrada por sus desacuerdos con Richelieu. Estos emigrados
26 28

Capítulos
tenían tiempo sobrado para posar para retratos. Esto fue por 1630 al
32, tiempo en el que Van Dyck se ocupó principalmente de grabar en
cobre. Sobre todo trabajó para el álbum de grabados que preparaba
Martin van Enden con imágenes de personajes importantes.
Después de Van Tras la tirada de algunas pruebas, los retratos de Van Dyck,
Dyck languideció
dibujados en cobre, pasaron a manos de grabadores de
la escuela flamenca
del grabado, profesión. Se terminaron con el buril y se les dio un sello
desapareciendo uniforme. La serie fue publicada por Gil Hendrick y el
por completo
mismo van Enden. Grabaron, aparte de las 18 piezas
atribuídas a él, Vorsterman, Pontius, Bolswert y Yode,
entre otros más. Esta magnífica serie da una idea exacta
del talento de Van Dyck.
Después de él languideció la escuela flamenca del
grabado. Hubo un buen número de grabadores pero no
27 28

Capítulos
con la capacidad y la habilidad de los maestros

mencionados. La escuela desapareció por completo en el
siglo XVIII.
28 28

HOLANDA SIGLO XVII

Capítulos
Holanda Siglo XVII Situación histórica
Con la Guerra de los Treinta Años en Holanda estalló de nuevo

el conflicto entre las Provincias Unidas del Norte y el reino de
España. Durante el mismo, los gobernadores holandeses
promovieron la unidad de la familia como defensa contra la
monarquía española. Cada provincia era independiente y sólo
el statuder o gobernador era el símbolo de la unidad nacional.
El avance mismo del protestantismo contribuyó a crear una
sociedad individualista que se concentró en el hogar.
Al firmarse la paz de Munster, en 1648, la potencia hispana
reconoció por fin la soberanía de las Provincias.
Desde fines del siglo anterior se había iniciado un nuevo período
de expansión económica, favorecida por el comercio con
1 33

Capítulos
América, especialmente con las Indias Orientales. La burguesía

local se enriquecía con la venta de productos textiles de Leyden
y de Haarlem, con los terciopelos de Utrech y con los productos
coloniales africanos y de Extremo Oriente. Amsterdam se convirtió
así en el emporio comercial más importante de Europa y controló
el mercado mundial de los diamantes y los metales preciosos.
Amsterdam El bienestar económico dio lugar a una clase media elevada
se convirtió en
que no sólo se interesó en el comercio sino también en el
el centro comercial
más importante y intelecto, como lo demuestran las universidades de Utrech y de
controló el Leyden.
mercado mundial
de diamantes y A fines de siglo la prosperidad del país decayó y su comercio
metales preciosos pasó a manos de Inglaterra. Esta decadencia fue alimentada
también por las luchas internas y las guerras contra Luis XVI de
Francia.
2 33

Capítulos
En el orden En el orden religioso, el protestantismo aquí fue más abierto

religioso, el
que en Inglaterra. Amsterdam en particular vino a representar la
protestantismo
fue más abierto suma de la libertad del pensamiento y en esta ciudad hallaron
que en Inglaterra ambiente propicio pensadores como Descartes y Spinoza.
3 33

Capítulos
Holanda Siglo XVII Situación artística
Lo característico de la arquitectura holandesa en este período

fue el rechazo a las formas barrocas. Durante la primera mitad
del siglo ésta mantuvo todavía los rasgos de la tradición, en
tanto que en la segunda se impuso la influencia de los italianos
con Serlio, Palladio y Scamozzi.
Lo característico Hacia 1630 empezó a desarrollarse un nuevo estilo
de la arquitectura
clásico acorde con el gusto por la sencillez de la rica
holandesa
fue el rechazo burguesía. El edificio más representativo de tal tendencia
a las formas es el Mauritshuis de La Haya, famoso palacio del príncipe
barrocas
Mauricio de Nassau, hoy convertido en Museo. El edificio
fue construido por Jacob van Campen. La corriente
clasicista continuó con el Mercado de Paños de Leyden,
4 33

Capítulos
obra de van Gravesande. El mismo van Campen construyó

el Palacio Real de Amsterdam y Pieter Post el Palacio
Municipal de Maastrich.
La arquitectura La arquitectura religiosa en este tiempo careció de
religiosa careció
importancia y apenas dio prueba de su existencia en
de importancia y
apenas dio prueba alguna iglesia protestante.
de su existencia A diferencia de los templos de Flandes, en las iglesias
en alguna iglesia
protestante holandesas la escultura fue casi nula, expulsada por el
puritanismo del culto protestante, reducida a las
representaciones funerarias. En esta disciplina la única
figura de relieve fue Rombout Verhulst, autor de varios
monumentos funerarios.
La iglesia protestante no necesitaba templos, ni esculturas
ni pinturas de ornato. De aquí que no fue la iglesia la que
5 33

Capítulos
encargó obras de arte sino los particulares para la decoración

de sus residencias.
En la pintura, por el contrario, se vivió durante esta centuria
una época de oro. En la mayoría de las ciudades importantes
de Holanda se crearon talleres y escuelas de donde surgían
artistas de gran talento. Una de las más famosas fue la de
Haarlem con figuras como Frans Hals, Adriaen Brauwer, los
hermanos van Ostade y Gerard Terborch. En la escuela de
Utrech destacaron algunos pintores influidos por la corriente
del Caravaggio. En Amsterdam, en los talleres locales
trabajaron gran cantidad de artistas, entre ellos el propio
Rembrandt.
Y estuvieron también las escuelas de Leyden, de La Haya y
la de Delft. En esta última trabajaron Pieter van Hooch y Jan
6 33

Capítulos
Vermeer, poetas de la vida íntima y avezados estudiosos de la

luz.
Por encima de todas estas escuelas y pintores dominó la
gran personalidad de Rembrandt, maestro de la luz y del
espacio. En conjunto, la pintura holandesa del barroco se
presenta como un fenómeno de producción artística intensa
y compacta, profundamente profana y realista.
7 33

Capítulos
Holanda Siglo XVII Actividad grabado
En el siglo XVI En el siglo XVI hubo notable emigración de pintores de los Países
hubo notable
Bajos hacia Italia. Tal parecía que Flandes y Holanda no pudieran
emigración
de pintores ofrecer buenos modelos de maestros para retenerlos en casa. En
de los Países parte era esto y en parte el gran prestigio de los maestros italianos,
Bajos hacia Italia
cuya influencia corría por toda la Europa Occidental.
A principios del XVII, en cambio, empezó a manifestarse un
sedentarismo entre pintores y grabadores neerlandeses, que
permitió que éstos se consagrasen a lo suyo, con sus propios
recursos, y que finalmente pudieron fundar escuelas bien
acreditadas. Entre estos artistas sedentarios descollaron dos grandes
artistas, Rubens y Rembrandt, quienes fundaron precisamente dos
de estas escuelas, el primero en Flandes y el segundo en Holanda.
8 33

Capítulos
Escribe Duplessis que “durante todo el siglo XVI, desde Lucas

de Leyden hasta los grabadores de un orden inferior, no
produjeron los artistas de Holanda ni de Flandes obra alguna
digna de mencionarse”. Y ocurría que en efecto, Lamberto
Lombardo, Adriaen Collaert, Martin Hemskerke y Dirck
Volkert, entre muchos otros, pasaron la mayor parte de su
vida en Roma, esforzándose en producir en el ideal del
Renacimiento y su derivación el manierismo.
Hubo muchas obras producidas pero de poca monta artística
Paisaje con 3 chozas
Rembrandt y poca originalidad. Inundaban los grabadores el mercado,
trabajando para mantener el comercio de asuntos piadosos,
dedicados a la alegoría decadente y esas cosas.
Es de importancia tener presente que el arte flamenco y el
holandés, que hasta finales del XVI habían marchado con
9 33

Capítulos
propósitos e intereses comunes, en las primeras décadas del

XVII comenzaron a tener caminos propios y separados, a causa
de que las tendencias artísticas se modificaban, de acuerdo a
intereses también distintos. Se ha mencionado que Flandes o
las provincias meridionales, de mayoría católica, seguían los
derroteros de Roma y que políticamente estaban cercanos
todavía a España, en tanto que las provincias del norte, de
mayoría protestante, rechazaron los modelos barrocos
propuestos y difundidos por los jesuitas de la Contrarreforma.
El arte flamenco Esta situación religiosa impuso caminos distintos para el arte
y el holandés
de ambas regiones.
comenzaron
a tener caminos Los grabadores de fines del XVI se habían dedicado a la
propios y separados producción de piezas para el mercado, con calidad inferior,
por tendencias
e intereses distintos impulsados por el propósito únicamente de producir, sin tomar
10 33

Capítulos
en cuenta los objetivos estéticos. El panorama, se dijo, era

realmente deplorable para el arte.
En el clima En este clima de decaimiento del grabado surgió Rembrandt,
de decaimiento
nacido en Leyden y fallecido en Amsterdam.
del grabado
surgió Rembrandt, Harmensz van Rijn Rembrandt (1609-1669) asistía a la universidad
nacido en Leyden de Leyden, su tierra natal, cuando Jan Lievens, un vecino suyo
y fallecido
en Amsterdam que había estudiado en el taller de Pieter Lastman, en Amsterdam,
lo animó para que él también se dedicara al arte. Rembrandt
defendió ante sus padres este deseo de hacerse artista y empezó
su enseñanza con el pintor Jacob van Swanenburg, un artista
italianizante mediano que practicaba también el buril. Después
de tres años con este maestro. Lievens le aconsejó que fuera a
Amsterdam, al taller de Lastman, artista que seguía también la
traza del arte italiano, seguidor del estilo de los Carracci.
11 33

Capítulos
Lastman tenía su taller al lado del negociante de cuadros y

estampas, Hendrick van Uylenburg, con quien Rembrandt
estableció amistad, sin imaginar en un principio el papel
fundamental que este personaje tendría en su vida.
En 1628 Rembrandt se asoció con Lievens para producir
una serie de estampas y grabó entonces sus primeros cobres,
entre ellos el retrato de su madre. Un par de años después
adquirió las primeras estampas y pinturas que iniciarían su
gran colección, entre ellos buriles de Lucas de Leyden, Callot
y de Holbein el Joven.
La primera experiencia en el mercado de estampas estimuló
la idea de producir otras series de grabados, para lo cual pidió
la colaboración del mismo Lievens y de algunos de sus
alumnos. Esta colaboración duró hasta 1632, y de esta época
12 33

Capítulos
son los grabados firmados con el monograma JL y RH, o la

doble inicial RL-RL, Rembrandt-Lievens.
Por este tiempo el pintor y grabador abandonó
definitivamente Leyden para instalarse en Amsterdam,
siguiendo consejos de Uylenburg. En 1934 se casó con la
prima de éste, Saskia Uylenburg, con la que tuvo dos hijos.
Uno murió pronto y el otro, Tito, al crecer siguió la carrera de
su padre, aunque sin brillo alguno.
Rembrandt, quien había adquirido una reputación desde sus
Jesús cura a los
enfermos primeras pinturas y grabados, inició entonces una promisoria
Rembrandt carrera. En su taller de Bloemgracht reunió a un numeroso grupo
de alumnos, entre los que destacaron Koninck, Backer y Flinck.
De la sabia mano del maestro y del buen trabajo de sus
colaboradores fue surgiendo una formidable producción de esos
13 33

Capítulos
años, con técnica cada vez más depurada y con una temática
variada que igual trataba los motivos religiosos como las
costumbres populares, los paisajes y las escenas domésticas. El
maestro permaneció siempre en Amsterdam, saliendo pocas
veces del terruño. Supo encontrar ahí los modelos que bastaron
a su trabajo, desde los personajes locales hasta la naturaleza. Su
obra gráfica comprende unos 300 grabados al aguafuerte, con
el uso frecuente de la punta seca después de 1640.
Pero esta existencia a pedir de boca no tardaría mucho en
tornarse oscura y un tanto desesperada. Saskia murió en 1642,
poco después que Rembrandt terminara la “Ronda de Noche”,
considerada una de sus obras maestras. A partir de la desaparición
de su mujer, la vida social, económica y emocional del pintor
sufrió un decaimiento progresivo, hasta el punto de ser declarado
14 33

Capítulos
insolvente. Se vio así precisado a vender su espléndida casa, su

mobiliario y las piezas de arte de una excelente colección que
rápidamente había crecido. Su vida se deslizó entonces un poco
en la penumbra, sin dejar de trabajar desde luego, pero
sensiblemente disminuido su mercado.
En su madurez hizo vida común con su sirvienta, Hendrickje
Stoffels, que fue a la vez su amante y su modelo. En 1668
murió su hijo Tito y meses después él mismo, el 4 de octubre
de 1669.
Rembrandt fundó Rembrandt fue el fundador de la escuela holandesa principal
la escuela holandesa
de su siglo, a la cual representó por completo puesto que
principal de su siglo,
abordó todos abordó todos los asuntos y en todas las técnicas conocidas.
los asuntos y todas Su buril obtuvo del aguafuerte los máximos resultados,
las técnicas conocidas
llevando esta modalidad del grabado a una gran altura.
15 33

Capítulos
En sus retratos, se dijo, “nadie dio más vida y más grandeza”.

Juan Lutma, el burgomaestre Six o el mismo Rembrandt vivirán
eternamente en sus grabados. A un lado de los grandes
paisajistas que supieron inspirarse en la tierra de Holanda, él
recreó también ese suelo “con verdad maravillosa”.
Rembrandt no sólo fue un artista profundo y singular sino
Autorretrato en el
alfeizar también un excepcional técnico. Advirtió el gran valor del
Rembrandt proceso en el grabado y por ello cuidó todo detalle, desde el
barnizado de la plancha hasta el estampado en el papel
apropiado. De ahí que sus estampas fuesen de muy alta
ejecución. El mismo retocaba las planchas en sus primeros
estados con ayuda del buril y de la punta seca borrando,
bruñendo, entrecruzando líneas hasta conseguir profundidad
en la pieza.
16 33

Capítulos
Tuvo imitadores pero no formó discípulos propiamente. Su

genio espontáneo produjo en algunos grabadores el deseo
de seguir el camino abierto por él. Lievens, Fernando Bol y
Van Uliet grabaron sus composiciones pero sin su habilidad y
perfección.
De Hércules Seghers (1589/90-1638/40), dice Salvador
Paisaje con río y 4 Jiménez1 que han llegado hasta nosotros unas 138 pruebas
árboles
procedentes de 34 diferentes grabados en cobre. Luigi Mallé,
Seghers
por su parte, dice que la producción gráfica de este pintor y
grabador consta de unos 56 grabados, muchos de ellos con
1. Diccionario Larousse un solo ejemplar. La mayoría de estas piezas son paisajes,
de la Pintura. Salvador
algunas escenas nocturnas y alguna naturaleza muerta. Al
Jiménez. Vol III. Editorial
Planeta de Angostini, margen de los paisajes, Seghers hizo varios estudios de árboles
S.A. Barcelona, España,
en parajes naturales o sobre un fondo neutro. Eran los mismos
1987.
17 33

Capítulos
temas de sus contemporáneos pero con un tratamiento más

audaz.
Seghers no trabajó con ningún impresor y sacó muy pocas
pruebas de sus grabados, haciendo modificaciones en cada
tirada. Su producción, por lo tanto, fue escasa.
Las técnicas de tiraje desempeñaron en su trabajo un papel
Pequeña ruina de
Rijnsburg primordial; en cada una de las pruebas hacía variaciones sin fin, a
Seghers partir de un solo cobre. Los efectos de policromía le interesaron
particularmente, al punto que terminó haciendo verdaderas pinturas,
como lo prueba la “Pequeña Ruina de la Abadía de Rijnsburg”.
Tirada la estampa en amarillo sobre papel pintado de negro, el
artista dejó resaltos de verde en el cielo y de rojo sobre las piedras. El
grabador logró aquí hacer de un paisaje silvestre, tratado en forma
naturalista, un paisaje fantástico, de imagen poética.
18 33

Capítulos
Las dos principales colecciones de sus grabados se

encuentran en el Rijksmuseum y en París. Aparte de Johannes
Ruyscher las estampas de este grabador no influenciaron a
ninguno de los artistas del XVII, si bien Rembrandt y Philips
Koninck tuvieron una deuda con él. En pintura, sólo Frans de
Momper fue influenciado por sus paisajes.
Seghers nació en Haarlem y fue discípulo del paisajista
flamenco Giles van Coninxloo; admitido en la asociación de
los pintores de esta ciudad en 1612. Contrajo matrimonio
tres años después con Annek van de Brugghem. Después se
instaló en Amsterdam, donde en 1619 compró una casa de
la cual dejó un recuerdo en un grabado al aguafuerte, “Vista
desde la Ventana de la Casa de Seghers”.
19 33

Capítulos
J. Friedlander expresó que Seghers fue un fanático

experimentador de la gráfica, un precursor incomprendido,
obsesionado del paisaje que contínuamente recorrió su obra.
Adriaen van Ostade (1510-1685), pintor y grabador nacido y
fallecido en Haarlem, fue discípulo de Frans Hals, a cuyo taller
ingresó alrededor de 1627, teniendo como condiscípulo a
Adriaen Brauwer. Su desarrollo artístico estuvo ligado también
al de Paulus Potter.
Seghers Tercero de ocho hijos del tejedor January Hendricx van
fue un fanático
Eyndhoven, no hay mayores datos acerca de sus años formativos
experimentador de
la gráfica, precursor como grabador. Parece evidente que van Ostade tuvo que ser
incomprendido, autodidacta en esta técnica, echando a perder en su
obsesionado
del paisaje aprendizaje. Sus figuras eran tan sólo delineadas, con ausencia
de volumen, utilizando el negro únicamente en la zona de
20 33

Capítulos
sombras. Ostade imprimía su obra y revisaba sus pruebas,

repitiendo el proceso una y otra vez hasta lograr el
resultado deseado. Poco a poco fue perfeccionando el
claroscuro, logrando cada vez mayor espacialidad y
mejorando sus composiciones en las escenas de grupos
de gentes. Se dice que recibió influencia del trabajo de
Rembrandt.
Ostade encontró En 1638 contrajo matrimonio con una muchacha de Haarlem,
en su ciudad natal
quien murió cuatro años después sin dejar hijos. Más tarde, en
a los únicos
protagonistas 1657, Ostade se volvió a casar con Anna Ingels, mujer
que le interesaron proveniente de una familia acomodada y de religión católica.
para su obra
La pareja procreó una hija, Johanna María. Cuatro años después
murió esta segunda esposa.
21 33

Capítulos
Ostade pintó El pintor y grabador llegó a tener un taller, entre cuyos alumnos
retratos históricos
se hallaban Cornelius Dusart, Cornelius Bega y su propio
pero sobre todo
fue un pintor hermano Isaak.
y grabador de Parece que Ostade encontró en su ciudad natal a los únicos
escenas rurales
y aldeanas protagonistas que le interesaron para su obra: gentes rústicas
ocupadas en sus deberes cotidianos o entregándose a placeres
elementales. Sus decorados fueron los albergues, las fachadas
rústicas, las cocinas y los interiores de las tabernas. Todo ese
pequeño mundo representado con humor y bonhomía, una
simpatía comunicativa.
Por ese tiempo las tabernas fueron ambientes muy concurridos
por algunos artistas, lugares que fueron trasladados a sus
pinturas y grabados. Van Ostade trató también estos escenarios
populares, al igual que su compañero Brauwer.
22 33

Capítulos
Van Ostade ejecutó grabados al aguafuerte y a la punta seca,

de muy original factura por el oficio y por los sujetos mismos
de la vida campirana. Fue uno de los primeros grabadores de
los que se han conservado gran número de pruebas de estado.
Realizó unas 50 estampas, repartidas a lo largo de su carrera.
Pintó retratos históricos pero abrumadoramente fue un pintor
y grabador de escenas rurales y aldeanas. Fue un talento
excepcional al servicio de las escenas íntimas, o por lo menos
de los interiores, a veces con aire popular y con humorismo.
Grabó gran número de estampas que agradan sobre todo por
el espíritu y la animación de las figuras.
Los gestos de sus personajes son exactos; macizo en las
Familia campesina
van Ostade formas, los volúmenes simples, con predominio del claroscuro.
Representó a veces placeres groseros y gentes beodas.
23 33

Capítulos
Tras la muerte de Ostade, en 1685, se realizó una gran subasta

en la que no se vendieron sus placas. En otras palabras, fue un
fracaso.
Van Ostade tuvo algunos seguidores como su alumno Dusart,
quien dibujó con menos gracia y trivialidad en sus figuras. De
hecho, los artistas holandeses, incluido Brueghel, en estos años
no se preocuparon de dar belleza a la figura humana. Eran
otros caminos de expresión, algo primitiva y con mayor sentido
del humor.
Los artistas Bega fue también un cronista de los aldeanos en la taberna o
holandeses,
con gentes platicando en el portón de casa o en la ocupación
incluido Brueghel,
no se preocuparon doméstica. Tema y tratamiento estilístico de estas láminas fueron
de dar belleza característicos en esta época y en este lugar en el cual, de hecho,
a la figura
humana no se tenía una tradición en las impresiones gráficas. Ni siquiera el
24 33

Capítulos
dibujo como prerrequisito artístico existía en el contexto de esa

sociedad. Ostade, los hemos visto, tuvo que hacerse a sí mismo
como grabador.
Su estilo fue sencillo, recordando la síntesis de Brueghel
Baile en la hostería
van Ostade cuando trató los temas aldeanos. Nada ha estado tan alejado
del “gran gusto”. Partió libremente de los dibujos, de
construcción tal vez floja pero llenos de vivacidad. Tuvo
también, como Brueghel, el secreto de encerrar en simples
contornos blancos de los dibujos, de construcción tal vez floja
pero llenos de vivacidad. Tuvo también, como Brueghel, el
secreto de encerrar en simples contornos blancos compactos,
dotados de espesura. Sintió la atmósfera, descrita ésta por
trazos cruzados a los cuales el aguafuerte vino a añadir sus
vibraciones propias como técnica muy característica.
25 33

Capítulos
Adriaen Brauwer (1605-1638), pintor y grabador, tuvo una vida

relativamente corta pero llena de aventuras. Estuvo en la cárcel y
fue asiduo de las tabernas, como Van Ostade. En su arte se aprecian
las influencias de Brueghel y de Frans Hals, con temas inspirados
en el pueblo: malhechores, miserables, bebedores y fumadores,
entre otros. Su arte tuvo un fondo satírico, moral.
Brauwer y Van Brauwer había nacido en Oudenaarde, en Flandes, de familia
Ostade, fueron
pobre. Probablemente heredó de su padre, que hacía diseños
considerados
fundadores de para tapices, la inclinación por el dibujo.
“la vida airada” En 1622 llegó a Amberes, haciendo aprendizaje de pintor en el
de la pintura
holandesa círculo de Brueghel. Tres años después marchó a Haarlem. Ahí
conoció a Frans Hals y trabajó en su estudio, al mismo tiempo que
Van Ostade. Ambos artistas, Brauwer y Van Ostade, son
considerados como fundadores de “la vida airada” de la pintura
26 33

Capítulos
holandesa, e influyeron en los pintores holandeses y flamencos

de escenas costumbristas, especialmente en Jan Steen y David
Teniers, el Joven.
Poseyó Brauwer Hacia 1632 Brauwer retornó a Amberes, ingresando al gremio
un dibujo audaz
de pintores. Cayó bajo la órbita del arte de Rubens, particularmente
y rápido y hoy
se le considera un en el color.
artista apasionado Brauwer murió a los 33 años, en la puerta de una taberna de
y profundo
Amberes.
Algunas obras suyas confirman su preferencia por los temas de
tomadores: “Tres Holandeses Bebiendo”, “Fumadores y Bebedores
en una Taberna”, “Bebedores Sentados en el Patio”, éstas dos
últimas de 1631, y “Campesino Alborotando”.
Poseyó Brauwer un dibujo audaz y rápido y hoy se le considera
un artista apasionado y profundo, con un gran acercamiento al
27 33

Capítulos
impresionismo en una pieza titulada “Jugadores de Naipes”, en

el ambiente de una taberna. Grabó en la técnica del aguafuerte.
Pintor y aguafuertista, Jacob Ruisdael (1628-1682), se inició en
el arte con su padre Isaack, pero asimiló más la influencia de su
tío Salomón. Recibió orientaciones del reconocido artista de
Leyden, Jan van Goyen, y del menos célebre pero original
Cornelis Vroon.
Apenas se movió de Haarlem, su ciudad natal, donde
también murió.
Las primeras obras de Ruisdael describen paisajes de los
Paisaje con río y
árboles alrededores de Haarlem, con algún viajero que hace un
Ruisdael descanso, campesinos que charlan o modestas cabañas al
abrigo de un árbol, vistas panorámicas con bosquecillos,
molinos de viento y torres campanarias. Se dice que nadie
28 33

Capítulos
como él tuvo mayor conciencia de la belleza del paisaje

holandés, a veces descrito con tendencia romántica, como
en el cuadro que representa el cementerio israelita de
Oudekerk, con cielo tempestuoso que tiñe de dramatismo
la visión.
Goethe, quien gustó de la obra de Ruisdael, comentó que
esta obra tenía todas las condiciones para satisfacer el gusto
más dificil y que por ella Ruisdael se revelaba como gran
pensador y poeta.
Como grabador dejó excelentes aguafuertes, tanto como
sus cuadros, hechos con soltura. Antes que él, al parecer,
nadie había indicado con tanta precisión la forma de los
árboles, ni detallado los follajes con mayor limpieza. Algunas
planchas resumen su talento: “Campo de Trigo” y “Los
29 33

Capítulos
Viajeros”. Jamás, se dice, se había presentado una imagen

más perfecta de un simple campo de trigo, que rodea una
alta hilera de árboles.
No pasan de doce sus aguafuertes, todos de paisajes. Sus dos
más antiguos datan de 1646, en los que se advierte la influencia
de Vroom. Ruisdael, cosa poco común, se había recibido como
doctor en medicina en la Universidad de Caen.
Potter amó Paulus Potter (1625-1654) provenía de una familia burguesa. El
los animales, este
padre era pintor pero se enroló, en un intento por sacar adelante
amor lo comunicó
en muchos dibujos, la economía hogareña, en un negocio de curtiduría que finalmente
que nutrieron le hizo perder todo y quedar con deudas. Los ingresos del hijo,
sus pinturas
y después más adelante, lo sacarían al menos de morir en la indigencia.
sus grabados Potter hizo su aprendizaje de arte en Haarlem y en
Amsterdam. Huraño, poco sociable, amó el campo y
30 33

Capítulos
particularmente las bestias. Se le recuerda como el pintor

del torito en el Museo de La Haya.
Potter amaba a los animales: las vacas y los toros. Este
amor lo comunicó en muchos dibujos, apuntes del natural
que nutrieron sus pinturas y después sus grabados.
Alguien hizo la observación de que Potter estudiaba con
Toro
Potter extrema paciencia a los animales; sus formas, sus
peculiaridades al mirar, al escuchar. Sus dibujos resumían
esta claridad y exactitud, a tal grado de hacerlos seres
inteligibles.
Fue en verdad el retratista del ganado vacuno, con toda
su ambientación campirana, pintada en una atmósfera de
luz clara y limpia, detallada con precisión excepcional.
31 33

Capítulos
Todavía joven, que siempre lo fue, pasó a vivir a La Haya,

en una casa junto a la del pintor Van Goyen. Por ahí vivía
también un carpintero contratista que había hecho fortuna.
Potter se enamoró de su hija Adriana, quien le correspondía,
pero el contratista rechazó al pintor cuando este le pidió su
mano. Le parecía una locura casar a su hija con un pintor de
vacas. ¡Si al menos pintara personas! había argumentado.
Más tarde, cuando se dio cuenta del éxito del pintor, que
El rocín
Potter recibía encargos del mismo príncipe Mauricio de Nassau,
el contratista concedió el permiso para el casamiento de
los enamorados, efectuado en julio de 1650. Dos años más
tarde la pareja fue a vivir a Amsterdam, atendiendo un
llamado de Dirck Tulp, hijo del célebre Dr. Tulp, de la
32 33

Capítulos
“Lección de Anatomía” de Rembrandt, cuadro conservado

también en el Museo Mauritshuis de La Haya.
Tuvo Potter éxito en Amsterdam, viviendo en una
prosperidad que sería breve, pues de naturaleza enclenque
y de no muy buena salud, murió en enero de 1654, a los 29
años de edad sin dejar hijos.
Potter dejó varios grabados que ejecutaba por las noches.
Cirujano rural
Dusart Pintó y grabó animales, dándoles una grandeza hasta
entonces desconocida. Sin transigir nunca de la exacta
corrección de formas, ennobleció sus modelos,
poetizándolos. Entre sus grabados realizó un caballo de
Frisia que por lo perfecto de su ejecución rivaliza con las
producciones de las mejores escuelas, las de grandeza.
33 33

INGLATERRA SIGLO XVII

Capítulos
Inglaterra Siglo XVII Situación histórica
Durante el siglo, en la parte sur y este del país tuvo lugar un

excepcional desarrollo de las manufacturas, especialmente en la
lana, y los pequeños propietarios agrícolas empezaron a perfeccionar
las técnicas de cultivo y a vender los excedentes de granos y ganado.
En el norte y el oeste, en cambio, dominaba la nobleza latifundista.
Los primeros Estuardo —Jacobo I y Carlos I— intentaron establecer
la soberanía del rey sobre el parlamento y practicaron una política
financiera que chocó con los intereses de la clase burguesa. El
absolutismo real se había convertido en un obstáculo para el
progreso. Debido a ello tuvo lugar la primera revolución, en la cual
las clases medias del sur y del este vencieron a la nobleza del norte,
en una guerra civil que duró de 1642 a 1649.
1 12

Capítulos
Inglaterra Siglo XVII Situación histórica
Cuando llegó Oliver Cromwell al poder (1653-58), la

dictadura militar sirvió al Estado para dominar los
movimientos de masas de ideología más avanzada.
Tras el período de transición de la Restauración, en los
reinados de Carlos II y Jacobo II, la revolución de 1688
confirmó el derecho del Parlamento a dirigir la política fiscal
y a controlar el reclutamiento y presupuesto del ejército.
Por estos años aparecieron los primeros grupos
parlamentarios, los whigs y los tories.
La guerra contra La guerra contra Holanda, de 1652 al 54, y el Acta de
Holanda y el Acta
Navegación, habían favorecido no sólo el comercio sino
de Navegación,
favorecieron también el avance colonialista. Inglaterra, de hecho, sustituyó
el comercio a Holanda como primera potencia marítima y comercial de
y el avance
colonialista Europa.
2 12

Capítulos
Inglaterra Siglo XVII Situación artística
Tras el período Durante el reinado de Carlos I, los conflictos políticos y

de Cromwell,
religiosos no fueron propicios al desarrollo del arte inglés.
Inglaterra estableció
su primera escuela En escultura destacó la figura de Nicolas Stone, artista
importante con influencia italiana. El introdujo en el país la escultura
de pintura
de tipo alegórico (monumento funerario del duque de
Buckingham), donde aparecen figuras como la
beneficiencia, la fama, Minerva, Neptuno, Marte, esto
es, la mitología romana (griega). Destacó también el
holandés Grinling Gibbons en la talla de madera y cuyas
principales obras quedaron en el castillo de Windsor y en
el coro de la catedral de San Pablo en Londres.
3 12

Capítulos
Tras el período de Cromwell y el brevísimo gobierno de

su hijo, Inglaterra estableció su primera escuela
importante de pintura. Los pintores fundadores fueron
maestros flamencos, holandeses, alemanes o franceses.
Durante este tiempo el genio de Van Dyck dará línea a
una escuela de retrato que habría de prolongarse hasta
el siguiente siglo.
Carlos II fue un monarca que había vivido en Francia y
en Holanda. De espíritu alegre y algo libertino, ello influyó
en los pintores que rodearon a su corte. Se había educado
en la corte de Luis XVI y de ahí venían, reforzadas, las
ideas del absolutismo. Con él, la capital inglesa era un
remedo de la corte de Versalles.
4 12

Capítulos
Fue un magnífico coleccionista de arte y sus embajadores

compraron para la casa real cuadros en distintos países
de Europa.
Pero Carlos II no pudo invertir en arte para el estado,
sino limitadamente, a causa de su enfrentamiento con
una burguesía bien organizada. A esto habría que agregar
que el espíritu rigorista de la iglesia protestante no
permitió que la pintura religiosa tuviera una gran
proyección, como todavía ocurría en otros países.
El espíritu Hasta principios del XVIII Inglaterra no cesó de solicitar
rigorista de la
a los pintores extranjeros: Holbein, Cranach, Van Dyck,
iglesia protestante
no permitió que entre los más famosos.
la pintura religiosa
tuviera una gran
proyección
5 12

Capítulos
Inglaterra Siglo XVII Actividad grabado
En Inglaterra Los ingleses se mostraron en un principio poco entusiastas por el

se mostraron poco
grabado. Probablemente se debe atribuir esta frialdad al carácter
entusiastas
por el grabado rígido de su religión que, al excluir las imágenes de los templos,
y en su origen excluyó también las imágenes de los libros de rezo, primer asilo del
no tuvo un estilo
propio grabado en madera en Italia, Alemania, los Países Bajos y Francia.
El grabado en este país, por lo tanto, no tuvo en su origen
un estilo propio. En el siglo XV apenas pueden mencionarse
unos ejemplos donde intervino el grabado, muy poco
artístico además y con no muy clara procedencia. Los libros
The Game and Playe of the Cheese, impreso en el país en
1474, y el Espejo del Tiempo, en 1481, denotan la poca
habilidad de los primeros grabadores ingleses.
6 12

Capítulos
En una edición de las Fábulas de Esopo, publicada en

1484 por William Caxton, se hallan láminas copiadas de
las ediciones anteriores latinas y francesas.
En otros libros más de los siglos XV y XVI seguramente se
utilizaron xilografías de inferior calidad.
El interés, así, empezó en el momento en que el grabado
nacional había conquistado un carácter particular y cuando
el talento de los artistas dedicados a él atrajo la atención.
John Payne fue el John Payne (1606-1648) nació y murió en Londres. Fue el
primer grabador
primer grabador significativo. Sus estampas grabadas
significativo
de Inglaterra, únicamente al buril están hechas con una habilidad que antes
sus estampas de él ningún artista inglés había alcanzado. Discípulo de Simon
están hechas
con una habilidad de Passe, artista flamenco que vivió muchos años en Inglaterra,
no encontrada en ejecutó con alguna dureza viñetas, adornos y retratos.
artistas anteriores
7 12

Capítulos
En la misma época de Payne nació en Londres William

Faithorne (1616-1691), quien colocó a Inglaterra en
primera línea en el grabado a buril. Faithorne fue primero
aprendiz de orfebre, en 1635, pero prefirió habilitarse
como grabador.
Su primer maestro fue Robert Peake. De 1636 a 1639
trabajó para Payne y después para el hijo de Peake, quien
era impresor y grabador.
Faithorne, como su maestro Peake, abrazó la causa de
Samuel Collins
Faithorne Carlos I. Fue hecho prisionero en 1645, cuando cayó el
príncipe, y estuvo preso en Aldergate. Los momentos de
ocio que tuvo en el cautiverio los empleó en grabar. Hizo
así, entre otras piezas, un retrato del duque de
Buckingham.
8 12

Capítulos
Las planchas Supuestamente, Faithorne se negó jurar alianza con Oliver

de Faithorne revelan
Cromwell y por ello se le trasladó a Francia. Ahí continuó con
la influencia que
ejerció en la escuela su tarea de grabador, obteniendo el patrocinio de Abbé Michel
naciente el ilustre de Marolles. El grabador cayó bajo la influencia de Philipe de
discipulo de Rubens
Champaigne y de Robert Nanteuil, pero no es seguro que éstos
hayan sido sus instructores.
De regreso a Inglaterra, en 1650, Faithorne estableció un taller
de imprenta y grabado en Londres. El dibujante y grabador se
había hecho ya de un prestigio y pudo disfrutar del patrocinio
de importantes personajes del Commonwealth, tales como
Robert Fairfax, a quien le hizo un grabado. Después de la
Restauración siguió sirviendo a la corte, adoptando el título de
Pintor del Príncipe Rupert, si bien no hay evidencia de que
hubiera sido un pintor de caballete.
9 12

Capítulos
A Faithorne se debe una traducción del tratado de grabar

en talla dulce del francés Abraham Bosse, que recapituló como
El Arte del Grabado y Agua Fuerte. Esta fue la primera
publicación importante en la materia que apareció en
Inglaterra.
Formado un poco al estilo de Nanteuil, Fairthorne desarrolló
su trabajo acrecentando su fama. Su producción fue
básicamente de retratos, algunos provenientes de sus propios
dibujos. Grabó igualmente buen número de frontispicios y
diseñó ilustraciones para libros, dos de ellos publicados por él
mismo en 1673. Este mismo año editó un tratado con
aguafuertes de Wenzes Hollar.
Sir Thomas Browne
White Las planchas de Faithorne, grabadas algunas según Van
Dyck y otros maestros bajo la inspiración del flamenco,
10 12

Capítulos
revelan la influencia que ejerció en la escuela naciente el

ilustre discípulo de Rubens. Atestiguan una preocupación
por el colorido, que no se advierte en el grabador francés
Nanteuil. Los retratos de R. Bayfeild, de William Paston, de
Samuel Collins y otros muchos, son pruebas de su pericia.
Estas son las obras que dan mejor idea de su talento de
artista, ya que otras composiciones que grabó, de tema
religioso, no revelan la misma habilidad.
Hubo dibujantes que intentaron imitar el estilo de
Faithorne, pero ninguno tuvo bastante originalidad para
destacar en la escuela inglesa. Sus mismos compatriotas
acudían todavía a los artistas extranjeros cuando querían
grabar una obra de importancia. Por ejemplo, el grabador
francés Nicolas Dorigny fue llamado para multiplicar en
11 12

Capítulos
cobre los famosos cartones de Rafael, conservados en el

castillo de Hamptoncourt, y Baron también fue contratado
para reproducir las pinturas de Rubens y Van Dyck de las
colecciones inglesas.
Y no hay más grabadores en este siglo que hayan realizado
estampas de interés artístico.
12 12

INGLATERRA SIGLO XVIII

Capítulos
Inglaterra Siglo XVIII Situación histórica
El Acta de Unión de 1707 fusionó los parlamentos, los

gobiernos y las economías de Inglaterra y Escocia. Permitió
así a los escoceses participar en el desarrollo manufacturero y
en el tráfico colonialista inglés. El Reino Unido de Gran
Bretaña, entidad más amplia que Inglaterra, comprendió varias
unidades históricas como la propia Inglaterra, Escocia, Gales
e Irlanda. A partir de entonces, pues, se utilizaría también
este nombre.
A lo largo del XVIII, Gran Bretaña consolidó su supremacía
marítima y comercial y puso los fundamentos de su supremacía
colonial. Fue la cuna de la revolución industrial y el
establecimiento del regimen parlamentario, en el cual el poder
1 23

Capítulos
ejecutivo pasó al Gabinete —principales consejeros privados

del rey—, que deliberaba sin la presencia del monarca y en
cuya actuación tuvo cada vez más influencia el Parlamento.
La intervención de Gran Bretaña en los conflictos
continentales como las guerras de Sucesión española y
austriaca, y la guerra de los Siete Años, resolvió a su favor su
rivalidad colonial con Francia, que por el tratado de París de
1763 se vio obligada a cederle sus posesiones en la India y en
América del Norte (Canadá y parte de Luisiana). De 1760 a
1783 el rey Jorge III pretendió restablecer el gobierno personal
y la prerrogativa real, pero tras la derrota sufrida en la guerra
contra los colonos, la guerra de la independencia norteamericana,
tuvo que reconocer en 1783 a un ministerio basado más en
la confianza del Parlamento que en la del rey.
2 23

Capítulos
Gran Bretaña El gran auge de la producción manufacturera, el saqueo de

fue el primer
las colonias, especialmente en la India, y la exportación de
país que pasó
de la industria manufacturas produjeron en el Reino Unido una gran
manufacturera acumulación de capital. Por todos estos factores Gran Bretaña
a la mecánica
fue el primer país que pasó de la industria manufacturera a
la mecánica, cuando un gran aumento en la demanda de
productos hizo necesario el sistema de producción en serie.
La fecha comúnmente aceptada como inicio de la revolución
industrial fue 1781, momento en que el tráfico portuario inglés
y la producción de paños y tejidos de algodón sufrieron un
alza casi vertical, y el crecimiento del producto nacional superó
el nivel mantenido en el siglo anterior.
3 23

Capítulos
Inglaterra Siglo XVIII Situación artística
En la arquitectura, desde mediados del siglo se impuso en

Gran Bretaña el estilo neoclásico, impulsado por Robert y
James Adam, representado tardíamente por el edificio del
Banco de Inglaterra, de John Soane.
En la arquitectura, En su mayor parte, las esculturas realizadas entre los siglos
desde mediados
XVII y XVIII se debieron a artistas extranjeros. Seguidores
del siglo se impuso
en Gran Bretaña ingleses fueron Thomas Banks, iniciador del neoclasicismo,
el estilo neoclásico influenciado por la corriente romana, y John Flaxman,
dibujante y escultor, partidario de un retorno al estilo clásico.
Banks esculpió la piezas “Caractacus ante Claudio”, y la
tumba de Sir Eyre Coote en la Abadía de Westminster,
consideradas sus obras más célebres en el neoclásico. Flaxman
4 23

Capítulos
Inglaterra Siglo XVIII Situación artística
esculpió también en el neoclásico, los sepulcros de Nelson en

la catedral de San Pablo y el de Lord Manfield en la Abadía de
Westminster.
Tras un período mediano de obras y artistas que
correspondió al reinado de Jorge I, la pintura inglesa
renació fuertemente con un grupo de pintores talentosos
como William Hogarth y David Wilkin en la pintura de
género; Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough y Thomas
Blake en el retrato.
Lo mejor de Junto con el retrato, lo mejor de la pintura inglesa de
la pintura inglesa
finales del siglo y principios del XIX fue el paisaje. En el
de finales del siglo
y principios del XIX retrato, todavía en el siglo XVIII se dejó sentir el estilo de
fue el paisaje la obra de Van Dyck.
5 23

Capítulos
Inglaterra Siglo XVIII Actividad grabado
En el grabado En este tiempo, en el grabado se observó todavía la

se observó
influencia de los artistas franceses.
todavía
la influencia Robert Strange (1723-1795), muy joven todavía, fue a estudiar
de los artistas a París en casa de Philipe Lebas, quien le enseñó el manejo de
franceses
buril y los primeros elementos del arte. Pronto el alumno
sobrepasó al maestro como burilista y dejó el taller para ir a
Italia a conocer la obra de los grandes maestros. Permaneció
en ese país cinco años, observando las obras de Rafael, Ticiano,
Correggio y otros más. No regresó a Londres sino hasta que
sus estudios fueron completos, sin nada más que aprender.
Produjo estampas con buril armonioso. Sus trazos
siguieron las formas, cubrieron los contornos y se cruzaron
6 23

Capítulos
hasta el infinito. Ni una sola de sus numerosas láminas,

comenta Duplessis, revela debilidad ni falta de energía
sino un conocimiento profundo del arte del grabado.
William Woollett, William Woollett, nacido en Inglaterra, dirigió su interés
dirigió su interés
al paisaje. Grabó figuras y composiciones importantes
al paisaje,
pero su mayor como “La Batalla de la Hogue” y “La Muerte del General
mérito lo encontró Wo l f ” , p e ro s u m a y o r m é r i t o l o e n c o n t r ó e n l a
en la reproducción
de Claude Lorrain reproducción de los cuadros de Claude Lorrain o Gellée,
y otros de Richard Wilson y de Pillement.
Con el buril obtuvo efectos y dio relevancia a los planos.
Las lontananzas, iluminadas por los últimos rayos del
sol, están dibujadas con precisión y claridad. Los árboles
y los terrenos de los primeros términos, en cambio,
fueron grabados con buril grande, hiriendo profundamente
7 23

Capítulos
el cobre, procediendo con trazos anchos y espaciosos

en los cuales la tinta penetró con abundancia.
Lorrain, cuyas obras fueron ávidamente buscadas en
Inglaterra, proporcionó a Woollett sus mejores láminas.
La majestuosa disposición de las líneas, los vastos y
profundos horizontes, la belleza de los sitios, sedujeron
al grabador, quien supo trasmitir a sus reproducciones
las eminentes cualidades del pintor y grabador. En ninguna
época fue Lorrain mejor interpretado, y desde los
soberbios aguafuertes grabados por el mismo maestro,
se dice, no se había hallado un artista tan identificado
con el paisajista francés.
El mismo Gellée fue inspiración también para el grabador
Francois Vivares, nacido en Francia pero que pasó en
8 23

Capítulos
Inglaterra la mayor parte de su existencia, aprendiendo

ahí la profesión. Como Woollett, él también reprodujo
con habilidad la obras de Gellée. Su temática fue
exclusivamente, casi, en el paisaje,
El grabador conoció a fondo las leyes de la luz y supo
disponer las sombras, de tal modo que las partes heridas
directamente por el sol aparecían con un brillo extraordinario.
William Winne Ryland, nacido en Londres en 1732,
Willian Winne aprendió grabado en el estudio de Ravenet, artista francés
empleó
establecido en Inglaterra. Fue después a Francia y asistió
un método nuevo,
que consistió al taller de Boucher y grabó al aguafuerte dos paisajes,
en imitar con el buril copias de este maestro. Siguió durante un tiempo los
el efecto producido
por el lápiz sobre consejos de Lebas y regresó a su patria después de cinco
el papel años de ausencia. Pero en lugar de sacar partido de los
9 23

Capítulos
modelos que estudió en Francia, en cuanto estuvo en

Inglaterra se dejó seducir por un método nuevo, importado
por un grabador italiano, Francesco Bartolozzi, método que
consistía en imitar con el buril el efecto producido por el
lápiz sobre el papel. Ryland, se dice, no tenía bastante
habilidad para sacar partido de este método.
Abraham Raimbach completa la lista de los grabadores
burilistas ingleses. Reprodujo composiciones ingeniosas al
traducir las obras del pintor Wilkie, “La Gallina Ciega”,
“El Pagador de Rentas” y “Los Políticos de la Aldea”, con
delicadeza y habilidad excepcional; algo parecido a lo que
se llamó grabado de género.
Su ejecución fue libre, preparadas las láminas al
aguafuerte, el grabador las siguió casi totalmente con el
10 23

Capítulos
El grabado buril, logrando agradables efectos. Los rostros risueños

en negro, importado
de los niños que juegan alrededor de sus padres, o de los
por el príncipe
Ruperto, recibió una rentistas esperando el dinero que se les debe, están
favorable acogida tratados en el metal con veracidad.
de los ingleses
y quienes sacaron Raimbach ocupó entre sus compatriotas uno de los
buen provecho de él primeros puestos. En la historia general del grabado le
colocan sus obras en la categoría de los que mejor
conocieron los recursos de ese arte, sobre todo en la
fisonomía humana.
Si el grabado al buril fue practicado con éxito por un
escaso número de artistas, si el aguafuerte sólo reunió a
unos cuantos adeptos, el grabado en negro, en cambio,
importado por el príncipe Ruperto, recibió de los ingleses
más favorable acogida y se sacó buen provecho de él. Las
11 23

Capítulos
obras de sir Joshua Reynolds, de Gainsborough, de Sir

Thomas Lawrence, generalmente de colorido dulce y
agradable, de un dibujo algo indeciso, convenían a este
tipo de grabados que admitía una interpretación vaga de
los contornos. Por esto los retratos pintados por Anthonis
Van Dyck en Inglaterra eran otros tantos excelentes
modelos. Así lo comprendieron muchos artistas, por lo
que se dedicaron al estilo negro, más que en otros países,
El retrato fue mejor
comprendido mostrándose más hábiles, más llenos de inventiva.
en Inglaterra que Richard Earlom, acaso el más conocido, no se limitó al
las composiciones
de historia
género del retrato; debe su reputación a la variedad de
o de género trabajos que emprendió, grabando flores y frutas, copiando
a Van Huysum. “Betsabé Llevando Abisag a David” pasa a
ser la obra maestra del grabado en negro. Se reconocen en
12 23

Capítulos
estas obras cualidades excepcionales que podrían ser el

origen de toda una escuela.
El retrato ha sido mejor comprendido en Inglaterra que las
composiciones de historia o de género.
Sir Joshua Reynolds Sir Joshua Reynolds, el más ilustre de esta época,
proporcionó a los
proporcionó a los grabadores muchos modelos notables,
grabadores muchos
modelos notables, que éstos a su vez se apresuraron a imitar. Es suficiente
que éstos a su vez recorrer las obras de este pintor para conocer un buen
se apresuraron
a imitar número de grabadores en estilo negro en Inglaterra.
El mismo Reynolds parece haber vigilado a los grabadores
que interpretaron sus obras. De tal forma, la ejecución se
conformaba con los procedimientos del pintor. La
reproducción fue exacta e imitó hasta los toques del
pincel. Pero ninguno de estos grabadores tuvo en realidad
13 23

Capítulos
un estilo individual que le distinguiese de sus rivales.

Nacido el pintor Godofredo Kneller en Lubeck en 1648,
educado en la escuela de Rembrandt, a pesar de su origen
y de su educación extranjera, figura en la escuela inglesa.
Se estableció desde muy joven en Londres y no abandonó
nunca esta ciudad. Muchos artistas grabaron sus cuadros
al buril, pero J. Smith fue casi el único que se consagró al
estilo negro, copiándole. En recompensa de esta asiduidad
el pintor hizo el retrato del grabador, que éste trasladó
enseguida al cobre. Entre los otros retratos grabados por
Smith, copiando a Kneller, llaman particularmente la
atención el de Guillermo III, rey de Inglaterra, el del pintor
William Vandevelde, el de la condesa Salisbury y el de
Juan, duque de Marlborough. Estas láminas reproducen
14 23

Capítulos
con exactitud las pinturas un tanto simétricas del maestro.

De Thomas Gainsborough, los retratos del príncipe de
Gales, grabado por John Rafael Smith, de Richard Warren,
Sir Thomas grabado por J. Jones, del conde de Derby, grabado por
Lawrence encontró
George Keating, atestiguan no sólo la habilidad de los
en Samuel Cousins
un intérprete hábil grabadores sino también el partido que con el estilo negro
que ejecutó, podía obtenerse de estas pinturas frescas y alegres que
una verdadera
obra maestra dan de la aristocracia inglesa una idea tan noble como
exacta. Desgraciadamente, son muy pocas las pinturas
de Gainsborough que fueron grabadas.
Sir Thomas Lawrence fue más afortunado, pues si bien
no encontró tampoco muchos artistas que se dedicasen
a multiplicar sus obras, al menos tuvo la suerte de encontrar
en Samuel Cousins un intérprete hábil que ejecutó,
15 23

Capítulos
copiando una de sus pinturas, una verdadera obra maestra.

Se alude aquí al retrato del Papa Pio VII, acaso la mejor
lámina ejecutada en estilo negro en los tiempos modernos.
Cousins distribuyó las luces con buen tacto y dibujó la
cabeza del pontífice con una maestría, se dice, que la mayor
parte de sus compatriotas no conocieron jamás.
Ch. Turner grabó también un excelente retrato de
Lawrence sobre William Pitt. Este último, gran pintor
El caso inglés, descendiente directo de Reynolds, tuvo la suerte
de William Hogarth
de encontrar entre sus contemporáneos a artistas
fue excepcional por
el giro humorístico grabadores que comprendieron sus obras y las tradujeron
sutil, de muchas con talento.
de sus obras
El caso de William Hogarth (1697-1764) es excepcional
por el giro humorístico, sutil, de muchas de sus obras.
16 23

Capítulos
Pintor, diseñador y grabador, nació en Londres, en el seno

de una familia de limitados recursos. Su padre, Richard
Hogarth, era maestro de escuela y periodista de temas
literarios. Parte de la educación que recibió le fue
impartida por su propio padre.
Iniciado Hogarth en el oficio como aprendiz en casa de
un platero, comenzó por cincelar metales, por trazar sobre
plata, oro o bronce, cifras y arabescos. De este modo
Matrimonio a la
moda aprendió el grabado. Poco después abandonó el trabajo
Hogarth de copista para dedicarse al arte propiamente dicho.
En 1720 fue a la escuela de John Vanderbank, haciendo
ahí piezas en pintura y grabado. Ese mismo año abrió un
negocio de estampas y trabajó independientemente en
la ilustración de libros.
17 23

Capítulos
la ilustración de libros.
A fin de incrementar sus conocimientos en arte, Hogarth
asistió a la academia del pintor Sir James Thornhill. Raptó a
su hija y se casó secretamente con ella en 1729, en la iglesia
de Paddington. Por ese tiempo comenzó a pintar retratos
en pequeño formato, pero la venta de estas piezas no era
suficiente para sostener la casa.
Obra de importancia para esta época fueron las
ilustraciones que hizo para la novela Hudibras, de Samuel
Gin Lane
Hogarth Butler, en 1726. A finales de esta década, la pintura se
perfilaba como su actividad más importante, sin dejar de
hacer ilustraciones para libros y de cuando en cuando
grababos satíricos.
En 1732 apareció a Harlot’s Progress (Vida de una Joven
18 23

Capítulos
que acabó por situar su reputación como el pintor de las

tradiciones y las costumbres de la sociedad inglesa. Este
prestigio se afirmaría en 1735 con la aparición de A Rake’s
Progress (La Carrera de un Libertino), grabados según
pinturas de él mismo, realizadas en 1734. Hogarth adquirió
con estas dos series la fama de un brillante satirista y un
filósofo de la moralidad de su tiempo.
Al morir Thornhill, su suegro, en 1733, Hogarth tomó
los muebles y parte del equipo de la academia para montar
otra academia junto a otros artistas en St. Martin’s Lane,
El arresto
Hogarth escuela que sobrevivió hasta la fundación de la Real
Academia.
En 1743 hizo un viaje a París para ampliar su horizonte
intelectual y su conocimiento del arte. De este tiempo, entre
19 23

Capítulos
El ejemplo 1736 y 1743 datan algunos grabados notables como “Before

de Hogarth
and After” (1736), “The Discret Poet” (1736-37), “The Four
contribuyó
a que los ingleses Times of the Day” (1738), “The Enraged Musician” (1741), y
se despegaran más completó la serie de pinturas para “Marriage a la Mode”,
de las influencias
del extranjero aparecida en 1743. Dos años más tarde hizo la versión
correspondiente en grabado. Matrimonio a la Moda es una crítica
fársica del matrimonio por conveniencia en los círculos de la alta
sociedad londinense. Se trata de una de las expresiones artísticas
más altas de Hogarth, consideradas por la crítica especializada
como su obra maestra, o una de sus obras maestras.
La serie de los libertinos y del matrimonio a la moda son
realmente comedias morales en las que el autor trataba
de instruir. Hogarth no se limitó a narrar escenas de costumbres;
él mismo las grabó, conservando así el acento y el atractivo
20 23

Capítulos
él mismo las grabó, conservando así el acento y el atractivo

originales. Preparadas al aguafuete, fueron continuadas las lá-
minas al buril, con gran destreza. Preocupado especialmente
de la expresión, se servía de la punta y el buril con igual facilidad
que del pincel. Sus estampas no sólo ofrecen las mismas
cualidades de sus pinturas sino son más armoniosas.
Entre Hogarth y los artistas que manejaron en Inglaterra los
asuntos de constumbres y las caricaturas, hay una gran
Retrato de Richard
Warren distancia. El dio a sus composiciones todo el valor de una
Johnes enseñanza moral. Y algo importante también, su ejemplo
contribuyó a que sus contemporáneos ingleses se despegaran
más de las influencias del extranjero. Esta fue una actitud
que se hizo presente en su trabajo y en su pensamiento.
En 1745 Hogarth seguramente revisó su propio trabajo;
21 23

Capítulos
en el grabado. Sabia decisión. Como pintor Hogarth aseguró

su nombre en la nómina de artistas plásticos ingleses. Como
grabador no ha dejado duda de que fue el más grande hasta
su momento y muy probablemente el más grande en toda la
historia de la gráfica inglesa.
No sería fácil separar la experiencia vital de Hogarth con su
actitud artística. La vida miserable que sus padres llevaron (su
padre fue a la cárcel por deudas) y que él compartió por algún
Lady Betty Delmé
Green tiempo, dejó en su espíritu observador y curioso un recuerdo de
amargura y de tristeza que le hicieron considerar a la humanidad
por el lado más doloroso. Así, en su obra buscó la realidad áspera,
siempre enérgica y penetrantemente. Fielding decía de su amigo:
“Las figuras de los otros pintores respiran, pero las de Hogarth
piensan”.
22 23

Capítulos
Fue el genial hombre tanto filósofo como artista. Sus

cuadros, de tonos generalmente poco armoniosos y algo
fríos, están concebidos con habilidad pero el pensamiento
parecía dominarlo todo. El asunto que narra —y sobre todo
en el grabado— absorbe la mirada y el interés a expensas
del dibujo y de la ejecución.
Qué contentos
estamos de que
haya médicos
Dighton
23 23

INGLATERRA SIGLO XIX

Capítulos
Inglaterra Siglo XIX Situación histórica
Entre 1815 y 1850 Gran Bretaña tuvo un vertiginoso desarrollo

del capitalismo industrial que le permitió polarizar la economía
mundial. Una primera fase de la industrialización en el ramo
textil alcanzó sus límites en la década de los cuarenta, pero pronto
se inició una nueva etapa con las industrias del carbón, el hierro
y el acero, y en especial el ferrocarril. El movimiento económico
británico fue muy superior al del resto de los países europeos,
por los bajos costos de producción.
En la organización política, los británicos fueron los iniciadores
del parlamentarismo en Europa. Gran Bretaña introdujo el sistema
bicameral, que se extendió luego por muchos países. La cámara
electa fue sustituyendo gradualmente a la cámara nombrada o
1 32

Capítulos
hereditaria (cámara de los lores) y empezó la transición de los

regímenes constitucionales hacia el parlamentarismo, a partir
de la separación de poderes.
Al partido liberal correspondió aprobar en 1833 los derechos
de reforma parlamentaria, por lo cual la alta burguesía industrial
rompió el monopolio parlamentario de los grandes terratenientes.
En este siglo, se En 1867 la reforma electoral extendió el sufragio a la pequeña
utilizó por primera
burguesía de las ciudades y a los arrendatarios campesinos
vez, en Inglaterra
el principio medios.
de representación, Ocurrió también en Inglaterra por primera vez el principio de
que limitaba
a la monarquía representación, que limitaba a la monarquía. La nación sólo podía
ejercer su soberanía por delegación, si bien el régimen
representativo se estableció marginando al pueblo en la dirección
de los asuntos públicos.
2 32

Capítulos
Tras el Congreso de Viena (1814-1815), las clases dirigentes

inglesas reforzaron su conservadurismo y reprimieron con dureza
los intentos reformistas y el descontento provocado por las
inhumanas condiciones del proletariado industrial. Empero, en
la segunda década del siglo los gobiernos se mostraron dispuestos
a adaptar la legislación del país a la nueva estructura de la
sociedad. Los tories, reformistas, autorizaron la existencia de las
uniones obreras, aunque con facultades muy limitadas. No sería
sino hasta 1871 cuando la ley concedió a estas uniones el carácter
de asociaciones legales. Cuatro años después, en 1875, se
legalizó el derecho de huelga.
A partir de 1870, la industrialización de otros países obligó a
Inglaterra a abandonar el librecambismo y a reservar y ampliar
su imperio colonial como mercado exclusivo de sus productos.
3 32

Capítulos
Los bancos ingleses alcanzaron una gran concentración de

capitales y dieron créditos industriales y financieros a otros países,
dirigiendo la exportación de capitales a los países
subdesarrollados, donde era posible la obtención de elevadísimos
intereses.
Con Benjamín Disraelí en el poder como primer ministro (1874-
80), jefe del partido conservador, la mística imperialista tuvo el
más ávido representante de las tendencias más abiertamente
colonialistas.
4 32

Capítulos
Inglaterra Siglo XIX Situación artística
En el primer tercio En el primer tercio del siglo XIX coincidieron dos movimientos
del siglo XIX
artísticos de importancia: el neoclásico y el romanticismo.
coincidieron dos
movimientos En la arquitectura, el movimiento romántico estuvo
artísticos representado principalmente por John Ruskin. A finales de
de importancia:
el neoclásico siglo el grupo encabezado por William Morris y Norman Shaw
y el romanticismo puso fin al período romántico, anunciando una vuelta al
pintoresco clasicismo del renacimiento inglés. La construcción
del Crystal Palace, de Joseph Paxton, preparó el advenimiento
del racionalismo moderno, representado por J. Belcher en la
Electra House y el University Club de R. Blonfield.
Hubo a finales de este período cierto desordenado eclecticismo
que se manifestó, por ejemplo, en el Palacio Gótico de Westminster.
5 32

Capítulos
En pintura, los artistas románticos alternaron con los

prerrafaelistas, cofradía surgida a mediados del siglo, de no
mucha duración pero que alcanzó a dejar huella en la historia
del arte.
En pintura, Ruskin, teórico de la corriente prerrafaelista, defendió el
los artistas románticos
convencionalismo de los pintores italianos del siglo XVI, por
alternaron con
los prerrafaelistas, lo que los temas religiosos e históricos “debían ser
cofradía surgida verdaderos”, en el marco de una técnica analítica y minuciosa,
a mediados del siglo
presentando los hechos históricos “tal como sucedieron”.
Estos artistas se inclinaron hacia una actitud mística. Sus
cuadros muestran sencillez y unidad.
William Holman Hunt, uno de los fundadores de la
hermandad en 1848, practicó en especial los temas históricos
y religiosos, con influencia de los primitivos italianos y
6 32

Capítulos
flamencos. John Everett Millais, en su primera época tendió

hacia el romanticismo y más tarde su estilo se hizo más
delicado y de formas mórbidas.
Dante Gabriel Rossetti fue también fundador de la cofradía.
Botticelli ejerció sobre él notable fuerza durante su primera
etapa. Se separó del grupo y su única preocupación consistió
en pintar a la mujer.
Rossetti fue Rossetti fue un pintor poeta, aunque su pintura mostró
un pintor poeta,
rigidez debido a la obsesión que tuvo por la Edad Media. Se
se le considera
un manifestante le considera un manifestante extraordinario del romanticismo
extraordinario inglés.
del romanticismo
inglés John Constable, paisajista, logró irradiar un influjo
extraordinario tras su muerte. Parte de su fama descansó en
los impresionistas franceses, quienes encontraron nutrimiento
7 32

Capítulos
en su obra. Aunque la técnica no llegó al impresionismo y

fue tradicionalista su expresion, la disolución de la forma en
la luz tuvo resonancias para esta tendencia desarrollada en
los últimos treinta años del siglo.
Constable se dedicó primeramente al grabado. La
originalidad de su obra consistió en los contrastes de color y
en el nerviosismo de la espátula. Hoy día se le considera como
el más relevante paisajista inglés del siglo XIX.
La originalidad William Turner inició también su carrera como grabador e
de la obra
impresor. Reprodujo para una revista monumentos históricos y
de Constable
consistió en los paisajes de Inglaterra. En sus viajes recopiló vistas de paisajes de
contrastes de color Francia y Suiza y se apasionó por la pintura de Lorrain, en especial
y en el nerviosismo
de la espátula en los estudios de atmósfera y de luz.
8 32

Capítulos
Turner Más que pintar al natural, Turner usó la imaginación. Tras un

fue el antecesor
viaje por Italia la luminosidad casi blanca sería típica en muchas
del impresionismo
y en él ocurrió de sus pinturas.
también el humor En su última etapa de trabajo, Turner llegó a fundir la luz y el
romántico
movimiento, como ocurrió ejemplarmente en “Tormenta de
Nieve en el Mar”. Más aún que Constable, Turner fue el antecesor
del impresionismo y en él ocurrió también el humor romántico.
9 32

Capítulos
Inglaterra Siglo XIX Actividad grabado
Poeta, filósofo, pintor y grabador, William Blake (1757-1827) fue

reconocido un siglo después de su muerte como uno de los grandes
poetas y uno de los artistas más importantes del mundo inglés.
Escribió una veintena de libros poéticos y proféticos y fue autor de
un buen número de grabados al buril, algunos realizados para
ilustrar sus propios libros.
William Blake Blake asistió a los diez años a la escuela de dibujo Henry Pars.
fue reconocido
Posteriormente, en 1772, se inició como grabador en el taller de
como uno de los
grandes poetas y James Basire. Duró aquí siete años, antes de pasar a la Royal
uno de los artistas Academic School para completar su aprendizaje. En su juventud,
más importantes
del mundo inglés Basire había sido un reconocido grabador y había trabajado con
10 32

Capítulos
Hogarth y con Benjamín West, pero en este tiempo estaba en

rezago y decadente.
A partir de 1779 Blake trabajó regularmente en el grabado,
abriendo una tienda de estampas en 1874. Cinco años más tarde
publicó Los Cantos de Inocencia y el Libro de Thel, seguido en
1790 de Las Bodas de Cielo y Tierra, los tres con ilustraciones y
grabados suyos.
Blake pasó diez años —de 1791 a 1800— en el barrio londinense
Blake contempla el
sol de fuego de Lambeth, lugar donde publicó varios de sus libros miniados.
Blake En 1794, en la editorial Lambeth ilustró Las puertas del Paraíso,
las Visiones de las Hijas de Albión y Los Cantos de la
Experiencia, y realizó los 537 diseños para Las Noches, de
los cuales se grabó sólo una parte.
11 32

Capítulos
Después de 1794, el grupo revolucionario de amigos suyos

se disolvió y él se recogió en una protesta espiritual. Ello se
advierte en su producción de Lambeth, bajo la idea de un
principio del mal. Fueron los días de sus fantasías más crueles
pero de espléndido resultado artístico en el grabado a color.
En 1795 surgió La Canción de Los, obra acompañada con
8 aguafuertes. En esta obra se cuenta, inserta entre Europa
y América, la más antigua historia de la humanidad. Tras la
caída de Adán, Urizen, a través de las hijas de Los, da al
hombre leyes morales dulcificadas en la mitología.
En 1803 Blake ilustró a Milton y pintó el “Peregrinaje a
Canterbury”, inspirado en Chaucer, que grabó en 1810. En
1820 publicó las únicas xilografías que hizo para el Virgilio
de Thornton, a las que seguirían los grabados para el Libro
12 32

Capítulos
de Giobbe. Su último trabajo, casi a los setenta años, fueron

los diseños para la Divina Comedia.
La obra de Blake De no haber sido por los encargos de los poquísimos
reveló alucinante
amigos, la mísera vida de Blake hubiera sido insoportable.
fuerza y grandeza,
energía mental John Linnell fue uno de sus mecenas, para quien grabó en
y empeño 1825 las 2 tablas del Libro de Giobbe. Esta obra, por la pureza
de creación
de la línea grabada y por el dramatismo de la composición,
se considera como obra maestra del buril. El espacio
destinado al diseño aquí es pequeño pero de gran
concentración en la escena. De estas páginas surgió la más
digna glosa de la literatura hebraica.
La obra grabada de Blake está impregnada de numerosos
símbolos y alusiones oscuras que no facilitan la comprensión
13 32

Capítulos
de su pensamiento místico. Blake tuvo una visión de extra-

ña singularidad, difícil para captar en un ojo meridional. Era
el suyo el reflejo de un mundo antiguo y heroico, transpor-
tado a lo simbólico, a lo místico, a lo surreal.
En una Inglaterra que padeció por siglos de clasicismo, no
era atractiva la lucidez mental de un nostálgico y sombrío
sentimiento.
Su obra revela alucinante fuerza y grandeza, energía mental
Peregrinaje a
Canterbury y empeño de creación. “Yo no interrogo mi ojo material
Blake más de cuanto puede interrogar al panorama una ventana.
Miro a través de mis ojos, no con ellos”, dice el poeta.
El drama de sus libros proféticos, particularmente sombríos
aquellos de Lambeth, en la lucha entre las fuerzas del mal que
tienen origen en el Jehová del Antiguo Testamento. Su Urizen es
14 32

Capítulos
el responsable de la creación, con Dios, el Cristo de los Evangelios,

que representa la fuerza del bien.
Toda su obra literaria, gráfica o pictórica descansa en el poder
para él sobrenatural de la imaginación, que él mismo definió
como “mundo de la eternidad” que la naturaleza refleja,
degenerándola.
Como todo visionario y místico afirmó que “todo lo que vive
es santo”, frase que se proyecta sobre el plano de lo imaginativo.
De aquí el singular naturalismo antinaturalístico, la fidelidad a
los cánones incluso académicos, sujetos a deformaciones. Así
su obra cae bajo el signo de un expresionismo-surrealismo,
impregnado de símbolos. Blake desdeñaba el mundo clásico
como fruto de la razón, si bien Miguel Angel le había enseñado
a pulsarlo dramáticamente.
15 32

Capítulos
En conexión con sus libros miniados, Blake pensaba que “el

libro debe estar concebido como unidad en donde estampa,
decoración y paginación debe ser obra de una sola mano”. A
este criterio se apegó siempre.
Ligado Blake en la forma a los maestros del Renacimiento,
mostró cierto menosprecio por el arte académico, por la
imitación de la naturaleza. Buscó siempre una expresión nueva,
una idea abstracta y con frecuencia oscuramente simbólica.
Blake buscó siempre Se ha dicho que la pintura y la gráfica de los siglos XVIII y
una expresión nueva,
XIX constituyeron premisas fundamentales para el desarrollo
una idea abstracta
y con frecuencia de la pintura romántica europea. Blake, visionario, irreal, como
oscuramente no lo fueron los románticos franceses, dejaría huella sobre todo
simbólica
en el ambiente alemán y suizo. Más aún, naturalmente, sobre
los prerrafaelistas, artistas contradictorios como él. Fue
16 32

Capítulos
exponente de un misticismo, de una visión unitaria del arte y

de la vida. Los tiempos de Blake ya no eran aquellos de la
integración de las facultades humanas y artísticas de un
humanismo cuatrocentista.
De muy distinta orientación artística a la de Blake fue
Excursión a Rumford
Rowlandson Thomas Rowlandson (1756-1827). Pintor, grabador y
caricaturista, nació y murió en Londres.
Hijo único de William Rowlandson, un comerciante de lana y
seda que se arruinó cuando él tenía apenas tres años, pasó a vivir
primero con unos tíos y en 1764 se mudó a Soho, con su tía Jane.
En 1772 empezó sus primeros estudios de arte en la
Academia Real, y dos años después se fue a París, regresando
a Londres en 1775. Ese mismo año expuso en la Real
Academia, actividad que repetiría a lo largo de varios años.
17 32

Capítulos
Su trabajo de una primera época revela numerosas

influencias. Pintó a la acuarela retratos de mujeres jóvenes y
atractivas, en la línea de la tradición establecida por Francis
Wheatley y John Raphael Smith. Más adelante sufrió la
influencia de la obra humorística de John Hamilton Mortimer,
a quien admiró grandemente al parecer. De este artista llegó
a poseer más de 50 dibujos.
A partir de 1780 la obra de Rowlandson siguió el trazo
caricaturesco, evidentemente una deuda a Mortimer y
probablemente también a Thomas Patch. De su estancia en
París había absorbido igualmente la influencia francesa y de
Gainsborough en el paisaje. No fue tampoco insensible a la
obra de Hogarth, a quien estudió en sus figuras y en sus
composiciones.
18 32

Capítulos
En 1784 hizo el primero de varios viajes en los que tomaba

dibujos, acompañado de su amigo el caricaturista Henry
Wigstead. Su viaje desde Salisbury a Portmouth fue
registrado en 70 dibujos. En viajes posteriores a Brighton y
a Wales publicó dibujos comentados por Wigstead.
En 1784 Rowlandson produjo una serie de grabados
satirizando aspectos políticos y de la vida de la alta sociedad.
Más tarde, en 1787, cesó de participar en las exposiciones
Colegio de médicos
Rowlandson y Pugin de la Real Academia, pese a la reputación que ya había
adquirido entre el público y entre los mismos artistas. Se
atribuye a que habiendo recibido la herencia de un tío, se
dedicó a vivir en el despilfarro, en la bohemia y en las casas
de juego, lugares donde agotó la herencia, entrando en un
estado cercano a la pobreza. Rowlandson renunció entonces
19 32

Capítulos
a su trabajo en el arte, con excepción de la caricatura, género

en el que ya se había perfilado con éxito y que representaba
una buena fuente de ingresos. Pudo así reconstruir un poco
su existencia de tiempos mejores.
Rowlandson Rowlandson trasladó sus dibujos al aguafuerte, estampas
permaneció como
que eran coloreadas por distintos artistas, entre ellos Stadler.
uno de los artistas
destacados del Generalmente él hacía los dibujos, dejando a veces la tarea
género caricaturesco, a otros artistas. “Escalofríos y Fiebre” es una de estas
una especie
de Daumier británico estampas, cuyo diseño trazó James Dunthorne. “Una Visita
al Médico” es otro ejemplo, según dibujo de Woodward. El
primero en 1792 y el segundo en 1810.
La relación que trabó el caricaturista y grabador con
Rudolph Ackerman en 1797, cambió su suerte hacia una
situación económica mejor. En ese taller de grabado se
20 32

Capítulos
produjeron varios de sus trabajos. Entre ellos la serie con

tema de hospitales y médicos, con el título de Macrocosm
of London. En esta obra Rowlandson trabajó en colaboración
con Auguste Pugin, artista inglés reconocido como él. Tres
piezas características de esta colaboración serían “El Hospital
Middlesex de Londres” y “El Colegio de Médicos”, de 1808,
y “El Hospital de San Lucas”, de 1809. Pugin se hizo cargo
del dibujo arquitectónico y él de las figuras humanas.
En el grabado de la época, por su visión humorística, satírica
y festiva, Rowlandson permanece como uno de los artistas
destacados del género caricaturesco, una especie de Daumier
británico.
Proveniente de una familia de artistas gráficos y pintores,
Robert Dighton (1752-1814) fue otro profesional de la
21 32

Capítulos
caricatura. Nació en Londres y murió ahí mismo. Su padre,

John Dighton, fue también grabador.
Dighton ingresó a la Real Academia en 1772, pero ya desde
los 17 años exhibía sus dibujos, oficio aprendido con su
familia. Por un tiempo se instaló en un lugar llamado Los
Cuatro Jardines de la Primavera, en donde tenía una galería,
llamándose maestro de dibujo.
En la década de los noventa produjo acuarelas y grabados a
color, alternando estas actividades con las de cantante y actor.
Dighton produjo Dighton tuvo siempre problemas financieros para la
en la década
realización de sus obras y ello lo indujo en 1806 a robar
de los noventa
acuarelas y grabados grabados del Museo Inglés. El robo se convirtió en un
a color, alternando escándalo. Al principio estuvo de acuerdo en devolver los
estas actividades
con las de cantante grabados pero luego abandonó Londres para vivir errante
y actor 22 32

Capítulos
en Oxford, Cambridge, Bath, Cheltenham y Brighton, lugares

en los que hizo caricaturas de grandes personajes. En 1810
regresó a Londres, aparentemente perdonado. Por la
proyección de su trabajo, se le tenía incluso admiración.
Para que funcionaran mejor en el mercado, las caricaturas
de Dighton eran atractivamente coloreadas. Sus protagonistas
eran nobles, militares, políticos, personalidades de la Iglesia y
gentes en general del Estado. El Museo Inglés y el Victoria y
el Albert Museum conservan una gran colección de estas
caricaturas.
Dighton fue más acuarelista y dibujante que grabador, pero
su obra aquí fue lo bastante meritoria para que se le tomara
en cuenta.
23 32

Capítulos
William Ward (1766-1826), nacido en Londres, fue alumno

y ayudante de John Raphael Smith, grabador londinense
especializado en mezzotinta y grabado en cobre punteado.
Los ingleses tuvieron preferencia por esta técnica, la
mezzotinta, frente a los procedimientos corrosivos de la
impresión en hueco, logrando en ella una gran maestría.
Ward, grabador en cobre de la Casa Real, fue hábil en las
La comida
campestre de los dos técnicas mencionadas. “La Comida Campestre de los
pescadores Pescadores” es una mezzotinta coloreada, basada en una
Ward
composición pictórica de su cuñado George Morland. También
utilizó Ward, como modelos, trabajos de su hermano James.
Ward produjo pinturas y reatratos de Reynolds y trabajó
también a partir de pinturas de animales de su hermano James.
24 32

Capítulos
En 1811 fue distinguido al ser aceptado como miembro de

la Real Academia, y fue el grabador del príncipe regente y del
duque de York. De 1785 a 1826, expuso cerca de treinta
grabados en la Academia.
El tipo de grabado llamado a la manera inglesa se prestó
adecuadamente a la imagen pictórica. Una sola placa se
impregnaba con varios colores, lo que obligaba con frecuencia a
iluminar con pincel y acuarela los grabados impresos. Temas como
este de los pescadores, que relataban la vida alegre del campo,
fueron muy comunes en el siglo XVII en el arte inglés.
También en la mezzotinta grabó el londinense William Reynolds
(1773-1835), que había sido discípulo de H. Hodges y J. R. Smith,
y que posteriormente fue maestro de dibujo de las hijas del rey
Jorge III. Reynolds basaba sus grabados en sus propios modelos y
25 32

Capítulos
en los modelos ajenos, entre los de Rubens, Géricault y Joshua

Reynolds, de quien tradujo 357 hojas de formato pequeño.
Reynolds “Mrs. Whitbread” es una mezzotinta y aguafuerte iluminado,
desarrolló su
según modelo de John Hoppner; una dama galante de la sociedad
arte también
en la pintura, inglesa de fines del XVIII. El grabador supo cómo vincular
como paisajista técnicamente la suavidad de la mezzotinta con los vigorosos
y retratista
acentos de la aguja de grabar aguafuerte.
Reynolds desarrolló su arte también en la pintura, como paisajista
y retratista.
Nacido en Noruega y fallecido en Londres, John Sell Cotman
(1782-1842) fue hijo de Ann Sell y Edmund Cotman, quien tenía
oficio de peluquero.
En 1798 Cotman se trasladó a Londres, trabajando como
asistente en el taller de grabado de Rudolph Ackerman. Asistió a
26 32

Capítulos
la Real Academia y en 1799 se hizo miembro de la sociedad de

Grabado, que se había formado en torno a Thomas Girtin. Su
primera exposición en la Academia le hizo acreedor a un premio.
Entre 1800 y 1805 Cotman emprendió viajes que tuvieron gran
repercusión en su trabajo. Viajó a Gales en busca de lo pintoresco;
descubrió castillos y montañas que avivaron su imaginación. En el
segundo viaje, en 1803, probablemente fue acompañado por
Paul Sandby Munn, quien estuvo con él en las primeras etapas de
su viaje a Yorkshire. Yorkshire impactó al pintor y grabador.
Cotman fue En 1809 abrió una biblioteca circulante para enseñar a dibujar al
acuarelista
“estilo Cotman”, compitiendo con otros artistas que también
y pintor con
mediano éxito impartían clases.
en la venta En 1810 fue electo vicepresidente de la sociedad noruega de
artistas. Al año siguiente se convirtió en presidente de la sociedad
27 32

Capítulos
y publicó sus Grabados Misceláneos. Esta fue su primera serie

publicada, abrigando grandes esperanzas en esta modalidad del
arte. Cotman era acuarelista y pintor con mediano éxito en la venta.
En 1812 Dawsin Turner uno de sus patrones, lo animó a que
se mudara a Yarmouth, donde empezó la ambiciosa labor de
ejecutar más de 400 grabados, publicados en seis volúmenes
bajo el título de Antigüedades Arquitectónicas de Norfolk
(1812-18).
Sus Antigüedades Arquitectónicas de Normandía, de 1822,
Chateau Gaillard
Cotman son tal vez las que tuvieron mayor éxito. En 1818 había
contribuido también con varios grabados para los dos
volúmenes de Excursiones en la Provincia de Norfolk.
Cotman volvió a Noruega en 1823 y abrió una escuela de
dibujo en su residencia de Palace Plain. Expuso en la British
28 32

Capítulos
Institution y en mayo de 1824 vendió un buen número de

dibujos a Christie’s de Londres.
Cotman era un hombre ambicioso y enfocaba su trabajo a
la obtención de un prestigio, pero sufría con frecuencia
decepciones que lo postraban en la melancolía y en la
depresión. En 1826, año en que sufrió una fuerte crisis
depresiva, dijo a un sacerdote que su estado mental era “un
caos de agonía”.
En 1834 se mudó a Londres para ocupar el puesto de dibujo
Miss Whitbread
W. Reynolds en la King’s College School. En 1838 se publicó su Liber
Studiorum y sus grabados completos —excepto la serie de
Normandía—, Especímenes de Ruinas Arquitectónicas en
Varias Provincias de Inglaterra, especialmente Norkfolk.
29 32

Capítulos
Cotman se había casado en 1809 con Anne Miles de

Felbrigg. De sus cinco hijos, tres se hicieron artistas: Anne,
Miles Edmund y John Joseph.
En el grabado fue cuidadoso. Aprendices le ayudaban a
preparar las placas, haciendo él los terminados.
El arte de temas arquitectónicos y arqueológicos de Cotman
recuerda necesariamente la obra de Piranesi, provista
también de una cualidad visionaria.
Grabador, refinado coleccionista de aguafuertes de
Rembrandt, Sir Francis Seymour Haden (1818-1910) nació y
murió en Londres.
Destacado cirujano, se interesó en el arte del grabado,
Autorretrato
Seymour Haden orientado y estimulado por su cuñado McNeil Whistler. Llegó
a ser presidente de la célebre Sociedad de Aguafuertistas de
30 32

Capítulos
París en 1861, asociación de la que formaron parte

personalidades como Degas, Manet y Pissarro.
Haden se hizo un profesional del grabado y destacó en la
segunda mitad del siglo. Ejecutó 250 aguafuertes, de
exquisitez “cromática” en el blanco y negro.
En sus grabados reprodujo particularmente escenas
El moralista
Nutter paisajísticas de las riberas de Inglaterra, trabajándolas con gran
amor a la naturaleza.
Más adelantado el siglo, William Nutter (1854-1902) ejecutó
grabados en la técnica de la mezzotinta. Fue discípulo también
de J. R. Smith. La pieza “El Moralista”, un cobre punteado según
modelo del propio Smith, es una de sus piezas más conocidas.
La técnica del grabado punteado, recordamos, fue dada a
conocer en Inglaterra por el florentino Francesco Bartolozzi
31 32

Capítulos
en 1773. El procedimiento consiste en que la placa se torna

áspera con el trabajo de pequeños buriles y martillos, de modo
que se producen suaves modelados en claroscuro. La técnica
impresora en color era deficiente, por lo cual se aplicaba color
con pincel.
En Inglaterra el grabado en color se empleó por lo general
para reproducir pinturas que gozaban del aprecio del público,
por eso se le llegó a calificar como “gráfica reproductora”.
Sus resonancias culturales fueron incalculables, pues
contribuyó eficazmente a la difusión de un estilo de vida en
Europa y en el mundo, para el cual Inglaterra durante mucho
Ramsgate
Tissot tiempo ofreció una imagen rectora.
32 32

ESPAÑA SIGLOS XVIII Y XIX

Capítulos
España S. XVIII y XIX Situación histórica
Durante el reinado de Carlos II, que duró hasta 1700, hubo

una actitud defensiva frente a los reiterados esfuerzos de
Francia y Austria para apoderarse de los restos del imperio
español en Europa. España se vio obligada a ceder en Utrech,
en 1714, los Países Bajos y las posesiones italianas a cambio
del reconocimiento de Felipe V como rey de los españoles.
La nueva dinastía borbónica emprendió entonces una amplia
política de reformas durante los reinados de Felipe (1700-
1746) y de Fernando VI (1746-1759), creando un nuevo
aparato administrativo que facilitara la centralización del país
y el autoritarismo monárquico. La única fuerza que debilitó
1 26

Capítulos
la autoridad real fue la Iglesia, que tenía gran influencia moral

y material en la sociedad española.
El reinado de Carlos III (1759-1788) fue el más fecundo
del despotismo ilustrado. Los distintos ministros —
Floridablanca el último— fueron los promotores del vasto
plan de reformas destinado a impulsar el desarrollo material
del país. Las minorías ilustradas ejercían presión, buscando
sustituir la tradición por la razón, buscando impulsar el
espíritu científico y de llevar a cabo la educación popular.
En suma, se trataba de que España se adaptara al mundo
moderno.
El reinado A un lado de esta actividad económica, cultural y política,
de Carlos III fue
se dieron episodios de otro orden. En 1776 estalló un
el más fecundo
del despotismo movimiento popular contra el marqués de Esquillache,
ilustrado
2 26

Capítulos
ministro plenipotenciario de Carlos III por imponer la

vestimenta al estilo francés con casaca, peluca y tricornio,
prohibiendo la capa y el sombrero de ala ancha. La multitud
enfurecida invadió las calles y saqueó el palacio del ministro,
que apenas logró salvar su persona.
El movimiento Poco después el rey anunció solemnemente que había
revolucionario
decidido conceder lo que el pueblo reclamaba. Se podría
francés
fue alarmante vestir otra vez capa y sombrero y Esquillache fue expulsado
para las clases para siempre.
privilegiadas
españolas Carlos IV era ya el nuevo soberano español cuando la
agitación popular en Francia derribó la monarquía. El
movimiento revolucionario francés fue alarmante para las
clases privilegiadas españolas.
3 26

Capítulos
A partir de 1792 el despotismo ministerial de Manuel

Godoy intentó proseguir con el reformismo. En los
primeros años del XIX, empero, su situación era crítica.
Lo presionaban las clases privilegiadas, se vio amenazado
por la presión que Bonaparte ejercía sobre su rey en 1808,
estando ya las topas francesas en territorio español, el
pueblo también se rebeló contra el favorito de la reina,
derrocándolo. Carlos IV fue obligado a abdicar en favor
de su hijo Fernando.
El despotismo Cuando las tropas napoleónicas entraron en Madrid,
ministerial de
obligaron a Fernando a abdicar en favor de José
Manuel Godoy
intentó proseguir Bonaparte, quien pasó a ser José I de España. Si las clases
con el reformismo dominantes españolas cedieron a la imposición extranjera
sin un amago de rebeldía, no lo hizo la población popular,
4 26

Capítulos
protagonista del heróico levantamiento del 2 de mayo

de 1808, que fue duramente reprimido. La ocupación
francesa duraría seis años, hasta 1814, cuando la
resistencia española triunfó sobre el ejército napoleónico.
5 26

Capítulos
España S. XVIII y XIX Situación artística
En el tiempo En el tiempo de los Borbones, España adoptó la arquitectura

de los Borbones,
neoclásica francesa, reflejada ésta primeramente en el Palacio
España adoptó
la arquitectura de la Granja y después, en la segunda mitad del siglo, en el
neoclásica Palacio de Oriente, en la Iglesia de San Marcos, en el Museo
francesa
del Prado y en el Observatorio, todos en Madrid. En escultura
y pintura, pocos ejemplos relevantes hubo antes de que
surgiera el genio de Francisco de Goya.
Durante la primera época de este gran artista se disputaban
la escena española la escuela italiana y la francesa, con la
producción de imitaciones mas bien serviles. En este siglo se
intitucionalizaron las academias y el ambiente cortesano con
sus exigencias deformó el rumbo del arte español.
6 26

Capítulos
España S. XVIII y XIX Situación artística
Concretamente, dos tendencias se disputaban el predominio

en la escena en Madrid; una era la de Tiépolo, que desde
1762 trabajaba con la colaboración de sus hijos en el Palacio
Real, y que representaba a la escuela veneciana. Antonio
Rafael Mengs, originario de Bohemia, personificaba la reacción
contra el amaneramiento del siglo, atrincherado en un
academismo mecánico y frío. Esta escuela influyó notablemente
en la primera época de Goya como retratista. Con el tiempo,
Antonio Rafael la obra del genial artista llegó a prefigurar el impresionismo y
Mengs, personificó
el expresionismo contemporáneos.
la reacción contra
el amaneramiento
del siglo,atrincherado
en un academismo
mecánico y frío
7 26

Capítulos
España S. XVIII y XIX Actividad grabado
Puede decirse que la actividad del grabado en España

comenzó, como en otros países europeos que lo cultivaron,
en el siglo XV, pero de modo tan primitivo y tan escaso que la
mayoría de los pocos tratados de historia del grabado, si no
es que todos, no se tomaron la molestia de ocuparse de tal
aportación.
Hubo incipientes trabajos en planchas de madera,
descritas como obras faltas de tersura y groseramente
elaboradas.
La invención de la imprenta extendió su beneficio
inmediato también en este país y fue el móvil más activo
del grabado en madera. Tempranamente se inició una
8 26

Capítulos
actividad impresora el la cual Mateo Flandero fue uno de

los primeros protagonistas, al montar una prensa en
Zaragoza en 1475, y en 1478 funcionaba otra ya en
Valencia, de Nicolás Spindoler. En Barcelona salieron
impresiones en 1482 de Pedro Brun, y pronto se dio una
generalización del uso de la imprenta en relación al grabado
en madera, para obras no estrictamente artísticas. Resulta
evidente que no se pudieron concretar obras durante
muchos años, ni suficientes ni de calidad artística apreciable
para poder establecer una historia del grabado español,
algo que valiera la pena.
Se ha reconocido que los dos únicos grabadores de mérito
El sueño de la razón
produce monstruos que produjo España, en siglos anteriores al XX, fueron José
Goya Ribera y Francisco de Goya. El primero en el siglo XVII,
9 26

Capítulos
formado y con desempeño de su trabajo en Italia. El

segundo de los siglos XVIII y XIX, que debe considerarse
realmente como el primer gran grabador que se desarrolló
en el seno de la propia España. Más aún, en su tiempo fue
el único grabador español digno de tomarse en cuenta y
singularmente es la estrella solitaria que inserta a España
en la historia universal del grabado.
Goya fue Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828). Pintor original
el único grabador
e innovador en la historia del arte, surgido y madurado
español digno de
tomarse en cuenta y entre dos siglos, Goya asimiló la experiencia figurativa
es la estrella solitaria académica del primero, para trascenderla después en el
que inserta a España
en la historia universal XIX. En todas sus transiciones tuvo presente lo real, a
del grabado medida que su estilo se afirmaba. Se rebeló contra las
fórmulas de la pintura española y de la época. Absorbido
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Capítulos
en el espíritu cortesano y galante del siglo en que naciera,

produjo obras en el estilo del rococó, inpirándose en sus
más notables contemporáneos, Reynolds, Boucher y
Tiépolo.
Goya rechazó En su lucha solitaria contra un medio hostil, Goya rechazó
la exaltación
en su lenguaje plástico la exaltación del individualismo,
del individualismo,
negó negando la transcripción servil de la realidad aparente para
la transcripción buscar en sus profundidades. Fue el gran precursor de la
servil de la
realidad aparente pintura moderna, a la cual enseñó la gran lección de la
para buscar en libertad. André Malraux diría: “Goya prefiguró todo arte
sus profundidades
moderno porque el arte moderno comienza en esa
libertad”.
El pintor y grabador nació en Fuendetodos, un pequeño
pueblo aragonés. En 1760, gracias a los oficios del cura Felix
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Capítulos
Salcedo, quien descubrió las cualidades artísticas del joven y

abogó ante su familia, Goya se trasladó a Zaragoza para cultivar
su vocación en el arte. Ingresó como aprendiz en el taller del
pintor José Luzán y Martínez, en el cual duró seis años.
Paralelamente tomó clases de dibujo en la escuela pública.
En 1763 lo recomendaron al pintor, también aragonés,
Francisco Bayeu, quien vivía en Madrid.
El joven pintor estuvo en Italia sobre 1770. Al regresar a España
se instaló en Madrid. Por invitación de Bayeu se le incluyó en
1775 en el grupo de pintores de la Fábrica Real de Tapices Santa
Bárbara, del Estado, donde colaboró hasta 1791 pintando cartones.
En esta época la influencia de Bayeu sobre él fue poderosa.
En 1778 hizo copias al aguafuerte de obras de Velázquez,
Los Chinchillas
Goya por encargo del rey Carlos III. En 1783 empezó a pintar retratos
12 26

Capítulos
de personajes importantes como el conde de Floridablanca,

influyente ministro del rey.
A la muerte de Carlos III, en 1788, fue coronado Carlos IV y
Goya se convirtió en el Pintor de Cámara de la Corte.
Ya muy avanzada su sordera, en 1794 empezó la serie de Los
Caprichos, cuya primera recopilación se editó en 1799. Entre 1800 y
1801 pintó las majas, cuyo probable modelo fue la Duquesa de Alba,
con quien mantuvo relaciones íntimas. La duquesa murió en 1802.
Tuvieron que pasar muchos años para la realización de los
grabados siguientes, que fueron Los Desastres de la Guerra. Esto
fue en 1809-11. Seis años más tarde, en 1816, publicó sus
grabados de la Tauromaquia.
Rehuyendo el trato social y con problemas de orden político, en
1819 adquirió lo que llamarían después la Quinta del Sordo, a
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Capítulos
orillas del río Manzanares, donde se refugió. Ahí realizó entre

1820 y 22 la serie de grabados Los Disparates y las célebres pinturas
negras, tremendas figuras del expresionismo grotesco, creaciones
que habrían de impactar fuertemente el clima del arte europeo.
Goya se ganó Por sus ideas, Goya se ganó la desconfianza de la corte en un
la desconfianza
tiempo en que los liberales y constitucionlistas eran objeto de
de la corte
en un tiempo persecución. El rey le perdonó la vida cuando se presentó a la corte;
en que los liberales le permitió viajar a Francia y hasta le mantuvo su pensión. Durante
y constitucionlistas
eran objeto su estancia en Burdeos preparó las litografías Los Toros de Burdeos.
de persecución Goya murió el 16 de abril de 1828, después de haber
sufrido un ataque de apoplejía.
La serie de Los Caprichos, aguafuertes publicados en 1799,
es la primera colección de grabados preparada para ser
vendida como conjunto. En el prólogo, dice Cean Bermudez:
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Capítulos
“Persuadido el autor de que la censura de los errores y vicios

humanos puede ser objeto también de la pintura, ha
escogido como asuntos para su obra, entre la multitud de
extravagancias y desaciertos que son comunes a toda la
sociedad civil”.
Goya alcanzó con esta primera serie sus cimas expresivas
como moralista y crítico de las costumbres. Atacó aquí con
severidad la ignorancia, la hipocresía, el fanatismo y la
avaricia. La serie fue publicada por la Calcografía Nacional.
Goya Desde el punto de vista técnico, Goya había hecho ya un
fue moralista y crítico
enorme avance desde sus primeras experiencias como
de las costumbres.
Atacó la ignorancia, grabador. Aquí empleó con maestría el aguafuerte, y para
la hipocresía, los fondos, el aguatinta, recurso con el que obtuvo efectos
el fanatismo
y la avaricia de oscuros aterciopelados y sombras de rara profundidad
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Capítulos
“de las que emergen unos blancos puros, que unas veces se
definen con exacta rotundidez monumental, y otras como
simples superficies luminosas”, dice Ariel Bignami.
La génesis de Los Caprichos fue lenta y habría que vincularla
a la crisis de su enfermedad de 1792, que le hizo refugiarse
en sí mismo y dar rienda suelta al capricho y la invención.
Algunos de los dibujos que hizo durante su estancia en
Sanlúcar de Barrameda, con la Duquesa de Alba, en 1797,
fueron reutilizados en ciertas estampas de la serie. En 1797
debían estar ya preparadas algunas de las láminas, pues en
esa fecha se imprimió un prospecto anunciando su aparición
en serie de 72 piezas.
Por el peligroso contenido de sus estampas, en 1803 decidió
Goya regalar las planchas y los ejemplares que le quedaban
16 26

Capítulos
al rey, con destino a la Real Calcografía, donde aún se conservan,

solicitando una pensión para su hijo, a la que accedió Carlos
IV. Muchos años después, en carta a un amigo suyo. Goya
recordaba el incidente: “Los cedí al rey ha más de veinte años,
y con todo eso me acusaron ante la Santa Inquisición”.
Los Desastres Son muchos los dibujos preparatorios que se conservan para
de la Guerra
estas estampas, que informan sobre su génesis y sucesivas
constituyeron
la serie más modificaciones. En conjunto, Los Caprichos son parte
dramática, intensa y fundamental del legado artístico de Goya y una de las
la que mejor reveló
el pensamiento secciones de su arte que más contribuyeron a hacerlo conocido
de Goya y estimado en toda Europa, desde los tiempos del
romanticismo francés.
Goya preparó los grabados de Los Desastres de la Guerra
entre 1809 y 1811, basados en la represión del levantamiento
17 26

Capítulos
popular del 2 de mayo de 1808 contra las tropas napoleónicas,

en Madrid, y los fusilamientos del día siguiente. Narraba en
estas piezas la represión desatada desde el inicio de la guerra
independentista. Expresaba también la angustia ante la
situación del pueblo, en dibujos que en ese tiempo no grabó
por prudencia y que representan a presos y torturados. Los
Desastres de la Guerra constituyen la serie más dramática, la
más intensa y la que mejor revela el pensamiento del artista y
la visión de la circunstancia trágica que le tocó vivir.
Las imágenes de esta serie empezaron a ser pasadas a las
láminas en 1810. La presencia de los soldados de Napoleón,
los invasores, suponían para quien amaba a su tierra y a sus
hombres, tremenda zozobra. Los acontecimientos golpearon
la sensibilidad del viejo pintor y en vibrantes dibujos
18 26

Capítulos
preparatorios, en sanguina, y en las estampas definitivas,

quedó su dramático testimonio.
Goya mostró Goya no vio la guerra en donde había buenos y malos, se
también en su obra
dice. Lo que censuró, lo que le dolió en los más profundo fue
temas cómo
la violencia, la guerra misma con la violencia.
el hambre, y la falta Pero no sólo fue la violencia lo que le impactó. Junto a la
de solidaridad
de los poderosos guerra, el hambre ha sido siempre inseparable compañera.
Madrid vivió entre 1811 y 1812 una terrible falta de alimentos
que el grabador describió en sus desoladoras escenas.
E igualmente la falta de solidaridad de los poderosos que
podían conseguir alimentos, en contraste con la angustiante
necesidad de los humildes. Esto se ve en algunas estampas
en las que la muerte está presente. No la muerte sangrienta y
ruidosa de las escenas de guerra, sino la silenciosa de los
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Capítulos
preparatorios, en sanguina, y en las estampas definitivas,

quedó su dramático testimonio.
Goya mostró Goya no vio la guerra en donde había buenos y malos, se
también en su obra
dice. Lo que censuró, lo que le dolió en los más profundo fue
temas como
la violencia, la guerra misma con la violencia.
el hambre, y la falta Pero no sólo fue la violencia lo que le impactó. Junto a la
de solidaridad
de los poderosos guerra, el hambre ha sido siempre inseparable compañera.
Madrid vivió entre 1811 y 1812 una terrible falta de alimentos
que el grabador describió en sus desoladoras escenas.
E igualmente la falta de solidaridad de los poderosos que
podían conseguir alimentos, en contraste con la angustiante
necesidad de los humildes. Esto se ve en algunas estampas
en las que la muerte está presente. No la muerte sangrienta y
ruidosa de las escenas de guerra, sino la silenciosa de los
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Capítulos
abandonados en la calle o de las carretadas de cadáveres

camino del cementerio.
Concluída la guerra nada pareció haber cambiado. Al
egoismo, a la simulación, a la ignorancia y a la beatería debía
añadirse el desencanto que produjo Fernando VII con la
restauración del absolutismo.
Goya, amargado, desencantado, guardó las láminas que
publicadas podrían resultar más comprometedoras que Los
Caprichos. Sólo unas cuantas pruebas de estado circularían
entre amigos de toda confianza. Habría que esperar hasta
1863 para disponer de una edición realizada por la Academia
con los cobres que habían llegado a su poder, y que sin duda
habían sufrido daños en sus cuarenta años o más de encierro.
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Capítulos
Goya como Esta serie de Los Desastres habría de quedar como uno de
grabador
los más profundos testimonios del mensaje goyesco, y como
rivalizó con
grandes artistas uno de los más sinceros y graves actos de contrición del género
como Durero humano ante su miseria y su barbarie.
y Hogarth
El 28 de octubre de 1816, el diario Madrid informaba que
la serie de aguafuertes de La Tauromaquia había sido
terminada y que se ponía a la venta. Se sabe que en España
apenas se consiguió vender, adquiriéndola un comerciante
alemán, quien la dió a conocer en Francia. En la serie se
leía: “Treinta y tres estampas que representan diferentes
suertes y actitudes del arte de lidiar toros, inventadas y
grabadas al aguafuerte en Madrid por don Francisco de Goya
y Lucientes”.
21 26

Capítulos
Las estampas se hicieron realmente populares en la segunda

tirada de 1855, hecha por la Calcografía Nacional. Una tercera
edición se hizo en París en 1876, por el editor Loizelet.
Parece que los motivos que tuvo Goya para el incio de estos
aguafuertes fue la trágica muerte de su amigo “Pepe Illo”, el
torero, ocurrida en 1810, presenciada por él mismo.
La serie de estampas, dedicada en un principio a describir
las diferentes suertes de la lidia de toros y de recordar
momentos emocionantes de las corridas de toros de la época,
se amplió dando la visión histórica de su origen. Para ello se
basó primero en la Carta histórica sobre el origen y el
progreso de las fiesta de toros en España, escrita por
Nicolás Fernández de Moratín, y después en la Tauromaquia
22 26

Capítulos
o el arte de torear, publicada en Cádiz en 1796 —veinte

años más tarde que la carta de Moratín— por el torero
Josef Delgado, “Pepe Illo”.
En las primeras doce láminas Goya siguió la carta de
Moratín; otras están basadas en el texto de Pepe Illo, que
muestran sencillamente diversas suertes del toreo, y
finalmente el resto de las láminas narran hazañas y
tragedias famosas de la fiesta brava.
El trabajo Goya debió grabar al menos 44 láminas, pues tal es el
gráfico de Goya
número de estampas que se conocen en prueba de estado.
ejerció una profunda
influencia Pero hubo de eliminar 11 de ellas. Sin duda fue la serie
en Francia por medio más divulgada, a pesar de la poca venta en España de la
de Délacroix, Daumier
y Courbet primera edición.
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Capítulos
Obra tal vez menor, sin la trascendencia crítica de Los

Caprichos, sin la hondísima emoción humana de Los
Los Disparates Desastres, La Tauromaquia muestra empero una maravillosa
o Proverbios capacidad para captar el movimiento, la vida tensa, el
son los grabados
de Goya arrebato bestial de la corrida.
de más difícil Sobre el mismo tema taurino, producto de su exilio en
interpretación
Burdeos, Francia, produjo en el taller litográfico de Ganlón
una serie de tres estampas a las que llamó Los Toros de
1. En la carpeta de “La Burdeos, publicada por la Casa Ganlón de París en 1826.
Tauromaquia and The
Posteriormente agregó una cuarta litografía, la única
Bulls of Bordeaux”,
editada por Dover fechada en 1825.1
Publications Inc. New
También llamados sueños, Los Disparates o Proverbios son los
York, 1969, aparece una
quinta estampa. grabados de Goya de más difícil interpretación. Obras de la vejez
del maestro, realizadas entre 1819 y 1823, recogen el ambiente
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Capítulos
espiritual próximo a las pinturas negras. Ninguna de las estampas

tiene fecha precisa y parece que la serie como tal debió darse
por concluida. Es probable que las planchas permanecieran en
Madrid junto a las de Los Desastres y sólo en 1864 la Academia
de San Fernando preparó una edición de las 18 planchas. Debió
Goya proyectar más composiciones de la serie, pues una prueba
de estado lleva el número 25. En el estado actual, la serie consta
de 25 estampas.2
Al publicar la serie en 1864 la Academia tituló la obra como
2. En la misma Los Proverbios. sugiriendo así que las estampas servían de
publicación mencionada,
comentario a proverbios y refranes. No resulta clara la posible
en relación a la
Tauromaquia, aparecen relación. Algunas pruebas de estado llevaban inscripciones de
43 estampas.
Goya que las titulaban como Disparates, lo que ha permitido
generalizar esta denominación, adecuada a los disparates, lo
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Capítulos
absurdo, lo irracional que presentan las estampas. Las pocas

piezas que llevan la inscripción o título de mano del propio
Goya, resultan tan enigmáticas como las que no lo llevan. Goya
produjo unos 280 aguafuertes, entre los cuales hay unas pocas
litografías. Dejó a la posteridad una obra inmensa, ya que realizó
alrededor de unas quinientas pinturas y cerca de mil dibujos.
Como grabador rivalizó con grandes artistas como Durero y
Hogarth. Su trabajo gráfico ejerció una profunda influencia en
Francia por medio de Délacroix, Daumier y Courbet.
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ITALIA SIGLO XV

Maestro Anónimo Una primera imagen de componer a los personajes en un tema que
La Última Cena (Rávena) ha tenido distintas versiones. La concepción del dibujo es primitiva,
Xilografía coloreada. ca. 1470. 265 x 195mm con la intención del artista de dar expresividad mediante la línea.

Maestro Anónimo Veneciano Síntesis de gran sencillez e ingenuidad. Pertenece
Santa Catalina de Siena a la colección de la Biblioteca de Rávena, compuesta
Xilografía coloreada. 132 x 132mm por unas 40 xilografías incunables.

Maestro Anónimo del Véneto Destaca la monumentalidad de la figura sobre la iglesia de Padua.
San Antonio de Padua Existe otro grabado sobre el santo, casi igual pero sin el fondo
Xilografía 1460-70. 280 x 202mm arquitectónico. Ejemplar único, conservado, como el de la Última
Cena, en la Biblioteca Clasense de Rávena.

Maestro Florentino Los personajes son absorbidos por la poderosa estructura
El juicio arquitectónica, que Rafael dejaría plasmada en su famoso
Buril. 1460-80. 236 x 195mm cuadro, “Los Esponsales de la Virgen”. Aunque imperfecta,
la perspectiva es recurso importante en la estampa.

Antonio Pollaiolo Escena de gran impacto dramático por el enérgico movimiento
La Batalla de los Hombres Desnudos de los protagonistas. Una densa y detallada fronda destaca los
Buril. 1470. 388 x 586mm cuerpos desnudos. Pollaiolo fue el primer gran artista italiano
en llevar el desnudo al grabado.

Maso Finiguerra Finiguerra fue uno de los nielistas más renombrados.
La Coronación de la Virgen La pieza es de un notable abigarramiento. Se considera
Nielo. ca 1452. 130 x 86mm esta obra la más antigua del grabado italiano.

Andrea Mantegna Trabajo de plena madurez, donde la perfección del dibujo
Cristo Resucitado entre San Andrés y la monumentalidad producen gran elocuencia. Uno de
y San Longino sus grabados más bellos.
Buril. ca 1500. 356 x 332mm

Andrea Mantegna Con Mategna llegó el gran arte del grabado en Italia.
La Virgen y el Niño El tema religioso y el profano, basado éste en la antigüedad
Buril. 1450-55? 345 x 268mm grecoromana, fueron motivos que inspiraron su obra.

Andrea Mantegna Los elementos fantásticos se integran en la escena
Batalla de los Dioses Marinos predominantemente clásica. Mantegna fue un gran
Buril. ca 1490. 335 x 440mm promotor del arte antiguo, un espíritu fiel al ideal
renacentista.

Andrea Mantegna Mantegna tuvo gran influencia entre los grabadores
Los elefantes de su tiempo, algunos de los cuales pasaron por su
De los triunfos de César escuela. La pieza es claro del paganismo artístico.
Buril. Ca. 1495

Andrea Mantegna A la ejecución de lo dramático se añade un virtuosismo
Bacanal con Sileno tecnico, con sutil tejido de semioscuros.
Buril. ca 1490. 335 x 454mm

Escuela de Mantegna El tema y el tratamiento pertenecen al maestro,
El Descenso al Limbo pero sin el logro de los mejores momentos de éste.
Buril. ca. 1490. 446 x 347mm0

Escuela de Mantegna La estampa, de tono grandioso, no resolvió con acierto
El Triunfo de César los contrastes tonales y dejó una impresión confusa.
1470-90. 270 x 310mm

Gentile Bellini Estampa publicada por primera vez en el Fasciculus Medicinae
Visita a un Apestado de Ketham, uno de los primeros libros de medicina (1491).
Xilografía. Hacia 1491 Bellini confió a la línea, grácil y tersa, la eficiencia de la anécdota.

Escuela italiana. Siglo XVI Proviene de la portada del Pillularium de Panthaleon,
La Consulta Pavia, 1516. La plancha se ha utilizado para ilustrar libros
Xilografía. ca. 1516 y de medicina. El estilo preciso, con predominio de los blancos.

Escuela de Da Vinci El diseño perteneció a un alumno del gran maestro, identificable
Retrato de Señora en el estilo pero sin su calidad. Poquísimas obras gráficas pudieron
ca 1500. 392 x 291mm atribuirse a la mano directa de Da Vinci.

ITALIA SIGLO XVI

Marcantonio Raimondi Ambiciosa pieza que anima el sentido dialéctico del
El Sueño, según Rafael claroscuro. Raimondi trató de obtener la riqueza
Buril. 1505-09. 237 x 332mm cromática del autor.

Jacopo de Barbari Esta pareja está más finamente trabajada que la del Apolo
Marte y Venus y Diana y señala los mejores momentos del grabador. Duplessis
Buril. ca 1508. 275 x 171mm comentó que De Barbari prefería ejecutar figuras solas, a causa
de su limitada imaginación.

Marcantonio Raimondi En Venecia, el maestro grabador se familiarizó con el arte de
Retrato de Pietro Aretino Durero, de quien copio muchas de sus xilografías. Le efigie
Cobre. 213 x 149mm de Aretino recuerda esa fuente del nuremburgues.

Marcantonio Raimondi La pieza muestra profundos contrastes entre claros
Lucrecia Dándose la Muerte, y oscuros. Mucho se captó del donaire rafaeliano.
según Rafael
Buril. ca. 1510. 213 x 132mm

Cristofano Robetta Historia y tratamiento se apegan al estilo renacentista.
Alegoría Sobre el Poder del Amor En Robetta se cruzan diversas influencias: Filippino Lippi
Buril. ca 1500. 298 x 274mm y el Perugino, entre sus compatriotas, y Durero y Schongauer,
de la escuela alemana.

Cristofano Robetta En su eclecticismo, el desnudo llamó
La Vieja y las dos Parejas poderosamente la atención del grabador.
Buril. Principios del XVI. 250 x 175mm Sus temas fueron preferentemente profanos.

Jacopo de Barbari Entre las influencias que se cruzan en la obra de Barbari,
La Virgen con el Niño, Santa Ana destacan las de Durero y Mantegna. La estampa denota
y San Pablo un trabajo fino y el gusto por lo grandioso.
Cobre. ca 1503. 153 x 190mm

Giulio Campagnola Campagnola creó una imagen distinta, de gran soltura y precisión,
El Joven Pastor con base en una técnica puntillista. Dos cualidades más destacan sus
Buril. ca 1510. 135 x 78mm obras: el logro de la atmósfera y su fineza para graduar la tonalidad.

Marcantonio Raimondi Con predominio de claros, esta escena de movimiento y
Masacre de los Inocentes, según Rafael tragedia establece uno de los mejores parámetros en el
Buril. ca 1510. 274 x 427mm trabajo del grabador. Hay grandiosidad clásica.

Giulio Campagnola De buena factura, la pieza se deriva de un modelo de
San Juan Bautista Mantegna. Las cualidades sobresalientes de su estilo
Buril. 345 x 240mm quedaron aquí establecidas.

Francesco Mazzola, el Parmesano Alumno de Corregio, el Parmesano trascendió su influencia
La Sepultura de Jesús por el rasgo vehemente de su expresión. Sus personajes
Aguafuerte. ca 1530. 315 x 239mm tienen vivencia interior y estan dotados de una fluidez de
emoción que no tuvieron los clásicos.

Antonio da Trento Esta estampa se distingue de la mayoría de las estampas italianas
Hombre visto de Espaldas de la época por el gran dominio de los oscuros. Da Trento fue
Xilografía. ca 1530. 181 x 256mm alumno del Parmesano y su obra continuó los rasgos básicos del
maestro.

Giulio Campagnola Para algunos esta es la más notable estampa del grabador.
Cristo y la Mujer de Samaria Gráficamente es distinta a las anteriores, con fuerte definición
Buril. ca 1510. 132 x 186mm de los oscuros.

Giorgio Ghisi Ghisi se inspiró en composiciones de Rafael y de Miguel Angel,
Sueño de Rafael (o la Melancolía de dándose la tarea temeraria de trasladar a la estampa episodios
Miguel Angel)
de las bóvedas de la Capilla Sixtina.
Buril. 1561. 380 x 540mm

El Parmesano La figura de Cristo posee aquí un carácter distinto al uso de
La Resurrección de Cristo toda la iconografía anterior. Se expresa el redentor con un
Aguafuerte y punta seca, ca. 1527. sentimiento de sensualidad y hasta de triunfo.
208 x 135mm

Giorgio Ghisi En Roma, el grabador observó con detenimiento la obra de Raimondi
El Juicio de París y trató de imitarlo. Su obra, muy elaborada, conscientizó los efectos
Xilografía. Editada en 1555. 394 x del claroscuro. En la estampa hay actitudes manieristas y rasgos de
525mm grandilocuencia.

G. B. Cavalieri Cavalieri trabajo habitualmente en cuadros de Miguel Angel,
El Toro Farnesio Rafael y Tiziano, pero frecuentó también las antigüedades
Buril. Ca. 1550 escultóricas. El Toro Farnesio se emparentó con los manieristas.

Agostino Carracci El grabador se inició como orfebre pero se fue más a fondo
Anunciación en su estudio del dibujo y del grabado. Las imágenes piadosas
Buril. 445 x 325mm como La Anunciación son ejemplos de su resolución académica.

Ugo da Carpi Interesante composición que siguiendo a los personajes produce
La Muerte de Ananías una elíptica que da solidez al conjunto. Los valores del claroscuro
Xilografía. ca 1518. 243 x 486mm presentan una característica que definió su obra.

Ugo da Carpi Da Carpi creó y protegió debidamente un nuevo modo de trabajar
Diógenes ;1530 la xilografía, utilizando dos o tres tonos a colores y el claroscuro.
Xilografía. 480 x 348mm Su expresión lineal, en este caso, se emparenta con la del Parmesano.

Agostino Carracci Dibujo de gran carácter, ejemplo del mejor academismo.
Retrato de Tiziano El retrato es una pieza realmente grandiosa en la estampa
Buril, 1587. 312 x 231mm europea.

Anibal Carracci Pocas estampas grabó este miembro de los Carracci,
María Magdalena alternando en ellas sus soluciones como dibujante y
Aguafuerte, 1591. 223 x 160mm como “colorista”. En esta pieza hizo retoques con el buril.

El Parmesano Dos aspectos destacan en el grabador: fue de los artistas iniciadores
Judit del manierismo y se considera también el iniciador de la escuela
Aguafuerte. ca 1525. 155 x 90mm parmesana de grabado.

ITALIA SIGLO XVII

José Ribera, El Españoleto Fue amplia la elección de personajes que Ribera trazó en las láminas
El Poeta del grabado: santos, ermitaños, mártires, prototipos de la mitología
Aguafuerte. ca 1630. 155 x 117mm y mendigos. El Poeta es uno de sus grabados más conocidos.

Guido Reni Como pintor, Reni llegó a ser el principal representante de la
San Jerónimo escuela de Bolonia. Su obra gráfica fue escasa pero importante
Aguafuerte. ca. 1635. 209 x 135mm por su prestigio. La influencia del Parmesano es evidente en esta
estampa.

P. S. Bartoli Menos preocupados que Piranesi es la estética, Bartoli y el sabio
Columna Trajana Bellori formaron un equipo que dominó, con su varia actividad,
Detalle de los relieves. la segunda parte del siglo XVII. Las columnas Trajana y Antoniana
Buril. Segunda mitad del siglo de Bartoli son piezas rigurosas de la historia.

Giuseppe Ribera Los sátiros eran acompañantes de Dionisio. Sileno, representado
El Sileno Ebrio siempre obeso y embriagado, fue mentor de Dionisio. Ribera
Aguafuerte y buril. 1628. 271 x dibujó espléndidamente a viejos y menesterosos. A su buen
353mm dibujo se añade aquí su resolución de luces y oscuros.

G. Benedetto Castiglione Alegoría multisimbólica que alude al éxito, a la gloria y hasta
El Genio de G. B. Castiglione a la fecundidad. Pieza semejante a los llamados ”grabados de
Aguafuerte. Editado en 1648. 370 x 247mm portada“, realizado con toda la propiedad técnica y artística.

Stefano della Bella Autor muy prolífico, con una producción calculada en unos mil
Otra Fuga a Egipto aguafuertes, Della Bella se sintió atraído por la personalidad de
Aguafuerte. 1662. 232 x 191mm Callot cuya influencia reflejó en algunas obras.

Salvatore Rosa El personaje es poco conocido hoy día. Para el arte gráfico
San Guillermo de Maleval (y la pintura) Rosa lo rescató en esta pieza bien diseñada
Aguafuerte 1615-1673. 302 x 434mm y ejecutada.

ITALIA SIGLO XVIII

El Canaleto Una característica desarrollada por el Canaleto fue la perspectiva.
El Pórtico con la Linterna A los 22 años conoció en Roma pintores holandeses de “vistas”,
Aguafuerte, 1741-44. 302 x 434mm de quienes obtuvo conocimientos precisos de ese uso visual.

El Canaleto Se trata de una de las obras más bellas y conocidas del artista,
Vista de Venecia sin duda una de las más ponderadas en la relación del espacio,
Aguafuerte. ca 1741. 144 x 210mm arquitectura y figura humana.

Giuseppe Vasi Al fondo del monumento principal aparece el Arco de
Magnificaciones de la Roma Antigua Constantino. Vasi fue minucioso analista que combinó
y moderna. El coliseo la poesía de las ruinas con el paisaje urbano de Roma.
Buril. Entre 1747-1761.

El Canaleto El artista tuvo conocimiento de la obra de panorama de dos
La Torre de Malghera antecesores importantes en el género: Carlevaris y Ricci.
Aguafuerte. ca 1741. 297 x 427mm De ambos adquirio el gusto por los tratamientos de luz
y sombra.

Giovanni Battista Tiépolo El grabado veneciano de Tiépolo fue una alternante de los
Adoración de los Magos aguafuertes de las vistas, particularmente con el Canaleto.
Aguafuerte. ca 1755. 421 x 290mm Los relatores de panoramas dieron cuerpo al grabado
representativo de la Italia del XVIII.

Giuseppe Vasi Meticulosa pieza de esta serie magnifica a la que el
Magnificaciones de la Roma Antigua grabador consagró 14 años de su vida. Junto con el
y moderna. Campo Vaccino holandés.
Buril. Entre 1747-1761

Giovanni Battista Tiépolo
Dos Reyes y un Muchacho observan Al igual que en la Adoración, en este grabado el artista dejó espacios
una Serpiente en claro. La formación triangular de los protagonistas recuerda las
Aguafuerte, 1750-70. 140 x 187mm composiciones piramidales de Rafael.

Giambattista Piranesi El punto de vista de las ruinas acentúa el efecto de monumentalidad.
Vista de los Restos de Pronaos Piranesi fue un maestro de la perspectiva, recurso que magnificó por
Aguafuerte, 1778. 494 x 678mm su imaginación en el encuadre de las obras.

Bernardo Belloto Sobrino de El Canaleto, Bernardo siguió el género de las vistas.
Vista Interior de Zwinger en Dresde Durante su estancia de doce años en Dresde, hizo numerosos
Aguafuerte, 1758. 464 x 792mm dibujos y grabados de iglesias, castillos y monumentos de la ciudad.

Giambattista Piranesi En tanto como arquitecto, esta pieza de Piranesi muestra
Las Prisiones un sentido constructivo de complejos ritmos estructurales.
Aguafuerte. 1760. 540 x 410mm La vista revela también la intención de dramatismo.

Giambattista Piranesi La exuberancia dibujística de Piranesi fue un hito
Composición que introduce sus vistas de Roma del lirismo gráfico. Lo puramente arquitectónico
Aguafuerte. Entre 1748-1751 de repente se impregnó de un gran dramatismo.

Giambattista Piranesi Vasi introdujo a Piranesi en la técnica del grabado,
Reconstrucción ideal de Le Antichita Romane pero pronto disintió con el maestro y empezo a realizar
Aguafuerte. Ca 1756. pequeños grabados con las vistas de Roma, inicio de un
oficio magistral tanto en técnica como en imaginación.

ITALIA SIGLO XIX

Giovanni Fattori Fattori no fue muy conocido en su tiempo, pero la historia
Campiña Toscana del grabado lo ha rescatado. El gabinete de dibujos y estampas
Aguafuerte. ca. 1885 de la galeria de los oficios, en Florencia, conserva un ejemplar
de este grabado.

Giovanni Fattori Aun cuando su técnica no fue muy depurada, esta estampa
Escena militar adquiere interés por el juego de contrastes entre la chaqueta
Aguafuerte. 1890. 265 x 198mm del soldado y el blanco de la tienda de campaña, elementos
que captan el golpe visual.

Antonio Fontanesi Ambiente bucólico de esta estampa en
Bosque con Pastora y Vacas la que predominan las partes umbrosas.
Aguafuerte. ca 1870. 165 x 210mm

FRANCIA SIGLO XV

Maestro Anónimo Francés Una de las estampas francesas más antiguas. La gran mayoría de las
La Virgen de Lyon piezas xilográficas se produjeron aquí a partir de la segunda parte
Xilografía. ca 1425. 210 x 92mm del siglo. La expresión es primitiva.

Godofredo Tory Tory fue probablemente el primer grabador francés que identificó
Enrique II a Caballo las piezas que salían de su taller, con una doble cruz. Su obra tendió
Buril. ca 1549 al preciosismo.

Escuela Francesa El gran intercambio que ocurría en las imprentas parisinas de la
Interior del Hospital época hacía muy difícil establecer la identidad de los diseñadores.
Xilografía. 1500 Parece que el artista ilustró varios Libros de Horas. Aquí, la composición
y el trazo dibujístico son de un conocedor.

Anónimo Imagen típica del período gótico, con un dibujo que sintetiza
Los Ingleses Conducen a Juana de Arco las formas y las precisa. La estampa se adorna con una gran
a Rouen senefa que enmarca la historia por tres lados.
Incunable tipográfico. 1493. 100 x 130mm

FRANCIA SIGLO XVI

Jean Duvet Duvet realizó seis grabados que hacen referencia a los amores de
El Rey Recibe un Regalo de un Cazador Enrique II con Anna de Poitiers. Si el francés tuvo la influencia de
Buril. ca 1550. 220 x 389mm Mantegna, aquí su estilo está ya muy personalizado.

Pierre Millan En la escuela de Fontainebleau hubo una gran actividad de grabado.
Ronda de Driadas. Según Rosso El tema alegre y profano de la antigüedad griega fue creado por Rosso,
Buril. ca 1549. 270 x 400mm uno de los maestros que sostuvieron el prestigio de la escuela.

Jean Duvet Diez años tomó al grabador hacer los 24 buriles que componen
Jean Duvet Estudia el Apocalipsis El Apocalipsis, su obra de mayor ambición.
Buril. 1546-55. 300 x 215mm

Pierre Millan y René Boyvin Imagen también tributaria de Rosso. Artistas italianos, franceses
La Ninfa de Fontaineableau y flamencos, al respirar el mismo aire artístico en Fontaineableau,
Buril. ca 1553. 305 x 514mm coincidieron en el espíritu de sus trabajos.

FRANCIA SIGLO XVII

Jacques Bellange No escapó Bellange a la influencia de Fontaineableau,
El Martirio de Santa Lucía pero su estilo habría de dar pasos también en la
Aguafuerte. 1610. 458 x 348mm expresión manierista florentina.

Jacques Bellange Bellange expresó la lucha de un artista que vivió
Las Tres Marías en el Sepulcro la transición entre el renacimiento y el barroco.
Aguafuerte. 1620. 441 x 288mm Su lenguaje, en esta pieza, logra empero originalidad.

Jacques Callot En 1612 Callot probó el aguafuerte y empezó a perfeccionar
La Feria de Grondeville el medio de su ejecución. Sus primeras estampas en esta
Aguafuerte. 1625. 333 x 182mm técnica las hizo en colaboración con Antonio Tempesta.

Jacques Callot En las escenas militares, el grabador manejó con eficacia
El Sitio de Breda los distintos planos para dar profundidad. En este tiempo,
Fragmento. Aguafuerte. 1627. 644 x 480mm. su estilo estaba ya plenamente desarrollado.

Abraham Bosse De extraordinario interés resulta este motivo que
El Impresor de Talla Dulce documenta el ambiente de trabajo de los grabadores
Aguafuerte. 1642. 259 x 317mm de su tiempo.

Abraham Bosse Bosse realizó escenas costumbristas y describió las
El Parto vestimentas de la nobleza. El Parto muestra un buen
Aguafuerte. 1633 dibujo y los contrastes de luz y oscuridad.

Claude Mellan La influencia de los italianos, y en especial los principios compositivos
San Juan Bautista en el Desierto del Caravaggio, permearon la obra de este pintor y grabador.
Grabado en cobre. 1629. 390 x 277mm En Roma recibió también la influencia de su compatriota Simon Vouet.

Jacques Callot El abigarramiento en el motivo central recuerda la estampa
La Tentación de San Antonio de Schongauer. Callot produjo más estampas sobre este tema.
Aguafuerte. 355 x 462mm

Claude Mellan Mellan fue un excelente retratista, uno de los mejores de
Habert de Montmor una pléyade de pintores y grabadores de este género.
Buril. 1640. 345 x 233mm En París empezó su formación con De Leu y con Gaultier.

Claude Gellée La estampa tiene un sabio uso de la luz y de la atmósfera.
Puerto a la Salida del Sol Se dice que Gellée, conocido también como el Lorenés, hizo
descubrir a Turner el espíritu del paisaje, que a su vez éste
Aguafuerte. ca 1634. 130 x 199mm trasmitió a los impresionistas franceses.

Claude Gellée La influencia del lorenés en el paisaje se prolongó
El Vaquero hasta muy avanzado el siglo XIX.
Aguafuerte. 1636. 127 x 195mm

Gérard Audran Probablemente la estampa más conocida de este grabador,
El Tiempo Haciendo por Fin Justicia a la Verdad
Según Poussin que en nada desmerece del trabajo de Jean Pesne, especialista
Aguafuerte y buril en las obras del gran pintor que fue Poussin.

Gérard Audran Audran ejercitó en Roma el buril, con buenos resultados.
Porus y Alejandro
Fragmento. Según LeBrun Perfeccionó su dibujo con la copia de estatuas antiguas.
Aguafuerte y buril. 1678, 708 x 480mm La excelencia de este grabado recuerda a Durero.

Gérard Edelink Edelink trabajó al lado de notables grabadores como Audran,
Felipe de Champaigne Nanteuil y Morin. El mismo de Champaigne, pintor, fue uno
Buril, 1676. 430 x 346mm de los preferidos por estos grabadores.

Robert Nanteuil Los siglos XVI y XVII produjeron en Francia una veintena de
Jean Loret célebres retratistas, entre éstos Nanteuil. Dibujó sus propios
Buril 1658. 253 x 177mm modelos, pero su fama se debió por el traslado de otros artistas.

Robert Nanteuil Sin duda el más famoso retrato del monarca en la estampa. Nanteuil
Luis XIV logró que el rey francés publicara un edicto que declaró como arte
Buril 1672. 685 x 595mm libre el grabado, distinguiéndolo de las artes mecánicas.

FRANCIA SIGLO XVIII

Pierre Drevet Drevet prosiguió en el XVIII la tradición ,retratista, remplazando
Robert de Cotte a Nanteuil y a Edelink en la escuela que ambos habían fundado.
Según Rigaud. Buril. 1722. 385 x 289mm

Pierre-Imbert Drevet Los métodos de Drevet hijo fueron parecidos a los de
Samuel Bernard su padre. Usó únicamente el buril. Un arte suntuoso.
Según Rigaud. Buril. 1729. 439 x 345mm

Francois Boucher Grabado por Cars. Famoso artista del rococó francés, afortunado
El Inválido Imaginario en los puestos y favorito de Madame Pompadour, quien fue además
su alumna. Buen trabajo de Cars, si bien el grabado no alcanzó las
Buril. 1734
delicias de sus pinturas.

Francois Boucher Boucher fue influido por los clásicos renacentistas.
Hora de Reposo Al igual que éstos, reprodujo los personajes mitológicos.
Buril. 1736. 236 x 167mm Para él, Venus fue el gran tema de su vida.

Bernard Lépicié Fue uno de los más hábiles grabadores de las obras de
Le Benedicité Chardin, transportadas directamente de sus pinturas.
Según Chardin. Aguafuerte y Buril. 1744. 378 x

Honoré Fragonard Pintor de gran éxito y la tercer gran figura francesa de
El Armario la pintura galante. Toda su producción gráfica la confió
Aguafuerte. 1778. 340 x 457mm a grabadores profesionales de prestigio.

Antoine Watteau Poseedor de un talento decorador, de atractiva imagen y
Traje graciosas invenciones, Watteau pintó abundantes piezas sobre
Aguafuerte escenas cotidianas en las que mostró la opulencia del vestuario.

Honoré Fragonard Rechazado por primera vez por Boucher, logró después ser
Ninfa y Dos Sátiros aceptado por el maestro y terminó por ser su alumno favorito.
Aguafuerte. 1763. 143 x 207mm El tema mitológico llamó su atención poderosamente.

Antoine Watteau Watteau, que no tenía gran simpatía por los médicos, dio a la
Dr. Misaubin apariencia de este dibujo un espíritu ligeramente caricaturesco.
Grabado por Arthur Pond. 1739 Misaubin fue un charlatán que vendía píldoras que curaban todo.

Philibert-Louis Debucourt Tras la muerte de Luis XV, Debucourt grabó varias escenas
El Paseo Público constumbristas de paseos, en los cuales creó amplios
Aguatinta. 1792. 635 x 456mm escenarios teatrales.

Philibert-Louis Debucourt El intimismo de la escena y su espíritu ligero
La Rosa Mal Defendida no fue distante del estilo de las obras galantes.
Grabado. 1791. 424 x 385mm

FRANCIA SIGLO XIX

Theodore Géricault La estampa describe el desaliento de la gran derrota napoleónica
Regreso de Rusia y quiere hacer evidente un reclamo ante la indiferencia oficial por
Litografía. 1818. 444 x 362mm los veteranos de guerra.

Eugene Délacroix El tema oriental proporcionó al pintor del romanticismo
Combate de Giaour y Pacha un amplio material, rico en cromatismo y exótico.
Litografía. 1827. 360 x 260mm

Theodore Géricault Vigorosa estampa realista. De los ingleses, Géricault se aficionó
El Mariscal Flamenco al tema de los caballos, que aparecen con frecuencia en su obra.

Eugene Délacroix La personalidad del pintor provocó discusiones sobre el
Fausto tratando de seducir a Margarita arte romántico y el clásico. Ello hizo nacer una rivalidad
Litografía. 1828. 263 x 210mm entre Ingres y él.

Eugene Délacroix Los efectos lumínicos alcanzan en esta pieza un alto
Interior del Hospital Militar contraste con el oscuro del fondo, característica no
Litografía. 1828. 220 x 258mm típica de su obra.

Guillermo Chevalier, Gavarni La pieza proviene de la serie de Las Pequeñas Desgracias de la
Cólico en la Noche de Bodas Felicidad. Al igual que Daumier, Gavarni fue un agudo cronista
Litografía a color. 1838 humorístico de las costumbres francesas de su tiempo.

Guillermo Chevalier, Gavarni El dibujante destaca poderosamente al personaje masculino,
El Señor a la Cocina, la Señora al Piano contrastándolo sobre el fondo oscuro, donde finalmente aparece
Litografía. 1843. 227 x 197mm la silueta de la mujer. Situación ridícula espléndidamente lograda.

Honoré Daumier Daumier incrementó su oficio de dibujante observando la obra
Guizot de los grandes maestros antiguos en el Museo del Louvre. Guizot
Litografía. 1833. 270 x 200mm es una estampa realizada con maestría.

Honoré Daumier Con ingenio y habilidad. Daumier logró un
Calle Transnonain el 15 de abril 1834 extenso ejemplario de la tipología popular.

Honoré Daumier Daumier luchó apasionadamente por las ideas republicanas.
El Parlamento En la estampa hace una graciosa crítica a la opulencia
Litografía. 1834. 280 x 431mm legislativa. En 1831, un dibujo similar lo había llevado
a la prisión por burlarse de la autoridad.

Honoré Daumier La burguesía fue un bocado precioso para el sarcasmo del litógrafo.
Tres de la Mañana El contraste de claros y oscuros hace resaltar los motivos centrales.

Edgar Degas El pintor y dibujante procuró sintetizar la composición.
Manet Sentado El dibujo se caracteriza por una economía lineal.
Grabado en metal. 1864. 176 x 112mm

Edgar Degas Degas puso especial interés en el planteamiento general de la
Mary Cassat en el Louvre obra y desde luego la figura humana es el elemento principal.

Charles Meryon Meyron tomó como su escenario la ciudad de París.
Le Petit Pont Con poética visión descubrió la humanidad de las
Aguafuerte. 1850. 155 x 335mm calles y los edificios, a manera de amoroso cronista.

Charles Meryon Grandiosidad y truculencia, en este caso por la institución
La Morgue mortuoria. Pertenece esta estampa a sus Vistas de París, obra que
Buril. 1854. 230 x 207mm renovó el aguafuerte en Francia y el tema de las vistas en Europa.

Jean Francois Millet Se siente pesada la figura de la pastora, en contraste con
La Gran Pastora los árboles ligeros y las tenuidades de las figuras del fondo.

Jean Francois Millet La mayor parte de las obras de Millet refieren personajes de la vida
La Costurera campirana. La campesina, en el interior de su casa, permitió el juego
Aguafuerte. 1855. 105 x 73mm de luces y sombras, recurso que define el valor gráfico de la pieza.

James Abbot Mc Neil Whistler Whistler fue aficionado al tema marino, seguramente porque
Billinsgate conocía bien el mar y todo su mundo relacionante. La estampa
Aguafuerte. 1859.101 x 165mm es típica en su producción.

James Abbot Mc. Neil Whistler En 1858, Whistler había terminado su primera serie sobre el Támesis.
Old Chelsea Dice Luigi Mallé que en estas piezas el artista estuvo bajo el influjo
Aguafuerte. 1879. 175 x 300mm del rembrandtismo de su cuñado, Seymour Haden.

Paul Gustave Doré Los cuentos, basados en la obra de Balzac, dieron
Viñeta para los Cuentos Extravagantes tempranamente cierta celebridad al extraordinario
Litografía. 1855. 135 x 89mm dibujante.

Paul Gustave Doré Las planchas para la Divina Comedia (1861) proporcionaron un
Ilustración para Don Quijote reconocimiento definitivo al genio de Doré. Dos años después
Litografía. 1863. 250 x 200mm emprendió esta magna obra también del Quijote, que asentará
su prestigio como artista.

Camille Corot Corot visitó varias veces Italia. La ejecución de las obras ahí realizadas
fue muy suelta, muy vívida en las pruebas. Sus obras empezaron a
El Domo Florentino circular profusamente, después de reposar pacientemente durante
Aguafuerte. 1870. 255 x 160mm años en la bodega.

Henri Toulouse-Lautrec Desde pequeño. Lautrec se familiarizó con los caballos. Su obra
El Jockey refleja esta afición equina que él mismo ya no pudo disfrutar a
Litografía. 1899. 515 x 360mm causa de sus limitaciones físicas.

Camille Corot Es esta técnica Corot se impregnó de un timbre lírico, quizás más notable
El Bosque del Eremita aún en su pintura. La estampa revela una densidad lineal que causa un
Aguafuerte. 1858 aspecto sombrío.

Henri Toulouse-Lautrec Para Lautrec no existió mas que la figura humana. El entorno
El Inglés en el Moulin Rouge y el paisaje aparecen como un dato accesorio. Su color aquí es
Litografía a color. ca 1896. 625 x 483mm estricto y muy concreto.

Henri Toulouse-Lautrec La estilización del dibujo y la elección colorista crearon piezas
El Diván Japonés de gran eficacia informativa y gran atractivo artístico.

ALEMANIA SIGLO XV

Maestro de los Naipes Su primer oficio fue la orfebrería, de la cual se alejó en busca de
Rey de los Salvajes valores pictóricos. Las estampas de los naipes son exquisitas, con
Grabado en cobre. ca 1440. 130 x 98mm firmeza de trazo y gran sentido de la graduación tonal.

Maestro Anónimo de Colonia La riqueza ornamental lo acerca a la técnica de un orfebre,
San Roque que seguramente lo era. Estampa de clara inspiración gótica.
Grabado punteado. ca 1460-70. 235 x 180mm Ejemplar único.

Maestro E.S De los primeros temas profanos en la estampa. La escena
El Gran Jardín del amor representa el gusto de la época por los placeres de la mesa
Grabado en cobre. Buril. ca 1440. 229 x 153mm y las diversiones galantes, no exentas de erotismo.

Maestro E.S El evangelista, exiliado en la isla por el emperador Domiziano. En
San Juan en la Isla de Patmos este lugar paradisíaco San Juan escribió el sensacionalista libro del
Buril. 151 x 109mm Apocalipsis. Se considera uno de sus grabados más extraordinarios.

Maestro E.S. Poco antes de su muerte, probablemente en 1467, E.S. grabó un alfabeto
Letra f de 23 letras góticas, utilizando ingeniosamente figuras humanas y de
Buril. 142 x 112mm animales para componer cada letra. Estas y otras piezas revelan preminente
interés por el diseño.

El Maestro de Jesús en Betania Candor primitivo, al mismo tiempo que pulcritud en el
San Huberto dibujo y en el trazo lineal. La pieza pertenece a la Colección
Xilografía. ca 1470. 244 x 171mm Albertina de Viena.

Michael Wolgemut Extraordinaria labor de orfebrería. Wolgemut fue maestro
Páginas de la Crónica de Nuremberg de Durero, pero el concepto gráfico de éste fue distinto.
Incunable tipográfico. 1493. 370 x 235mm

Maestro de San Jorge En esta técnica —llamada schrotschnitt— como en la xilografía, lo que no debe
San Jorge imprimirse se ahueca, corta o raspa con punzón o buril. El auge de esta técnica
Metal en relieve. ca 1460. 157 x 116mm no duró mucho, de 1450 a 1480. La composición y el dibujo firme recuerdan
ejemplos de los iconos griegos y bizantinos.

Martin Schongauer Pieza de gran virtuosismo dibujístico, que proviene de su primer
San Antonio Acosado por los Demonios período gótico. Original fantasía, algo grotesca al tiempo que ingenua.
Buril sobre cobre. 1470-75. 298 x 222mm Obra rápidamente conocida y apreciada en Europa.

Martin Schongauer El más célebre grabado de este extraordinario artista, realizado
Jesús Carga la Cruz en su etapa de madurez. La estampa causó gran impresión
Buril. ca 1485. 287 x 431mm en Durero y en Rafael. Gran composición e impecable dibujo.

Martin Schongauer Estampa de la serie de la Pasión, muy celebrada, compuesta
La Crucifixión con Cuatro Angeles por doce pequeñas láminas. La escena está concebida con
Buril. ca 1475. 283 x 190mm riguroso equilibrio simétrico, herencia del gótico bizantino.

Martin Schongauer Aun cuando las figuras protagónicas destacan, el entorno
La Salida al Mercado paisajístico tiene gran valor, por el logro del dibujo y lo
Xilografía. 1471-73. 162 x 162mm espontáneo de la observación. Similitud de esta escena profana
con las clásicas imágenes de la sagrada familia en su huida a Egipto.

Maestro del Libro de Casa o Maestro de 1480 La imagen tiene un sentido humorístico que intenta demeritar al filósofo.
Aristóteles y Filis El grabado pertenece a la etapa de madurez del maestro, cuando trabajó
Buril y punta seca. 145 x 154mm diámetro en la corte de Felipe el Sincero. La pieza lleva el monograma de Martin
Schongauer.

Maestro del Libro de Casa El tema resulta novedoso, portador de un espíritu delicioso, no
Los Amantes exento de candor. Se atribuye la imagen a un trabajo hecho por
Buril y punta seca. 1480. 164 x 107mm Wensel von Olmitz.

Michael Wolgemut El taller de Wolgemut fue el más importante del siglo XV, no sólo
Dios creó el cielo y la tierra en Alemania sino en toda Europa. La Crónica fue el primer grandioso
Xilografía. 1443. 22.4 x 22cm. ibro ilustrado. La expresión del maestro se mantuvo siempre en los
límites del gótico.

Mair von Landshut Versión “arquitectónica” del tema, muy popular en ese tiempo, de los
La Hora de la Muerte jardines del amor. Von Landshut agrega el de la muerte, en la presencia
Buril. 1499 de un arquero furtivo. El dibujante y grabador imprimía en papeles de
color y ponía después texturas con pincel y blanco opaco.

Israhel van Meckenem El tema de la astucia y el poder de las mujeres, como en Sansón
Judith con la Cabeza de Holofernes y Dalila y la Historia de Salomé. La pieza es ejemplo de fina técnica
Buril sobre cobre. 1490-95. 213 x 317mm y madurez de su autor.

ALEMANIA SIGLO XVI

Israhel van Meckenem Quinta lámina de una serie de doce sobre la vida de la Virgen,
La Anunciación ejecutadas según modelos dibujados por Hans Holbein, el Viejo.
Buril. ca 1501. 272 x 189mm

Albrecht Durero En este tiempo finisecular la madera fue el procedimiento gráfico
El Baño de los Hombres más empleado por Durero. Pieza íntegra, que comprende un
Xilografía. ca 1498. 399 x 285mm ambicioso conjunto humano, arquitectónico y hasta paisajístico.

Albrecht Durero Obra de primera época, la serie del Apocalipsis puso al artista
Los Caballeros del Apocalipsis en el mapa del grabado europeo. Grandiosa empresa que dio
Xilografía. 1496-98. 392 x 282mm la primera gran medida de su talento.

Albrecht Durero Esta estampa forma parte de la serie sobre la vida de la Virgen.
Reposo en Egipto Durero tenía herencia gótica, pero en las obras de estos años
Xilografía. 1504. 296 x 211mm predominó la versión renacentista alemana.

Albrecht Durero La pareja bíblica representa en la gráfica del artista un clímax
Adán y Eva creativo. En ninguna otra estampa expresa con mayor belleza
Buril. 1504. 252 x 194mm y elocuencia el contraste de luces y sombras.

Albrecht Durero Al final de su vida realizó Durero este retrato del pensador
Erasmo de Roterdam humanista y original escritor. Una de sus estampas más sobrias.
Buril. 1526. 247 x 194mm

Albrecht Durero La actitud meditabunda del ángel y los heterogéneos elementos
Melancolía anecdóticos de la historia hacen de esta estampa la más enigmática
Buril. 1514. 240 x 185mm de Durero. Gran belleza formal.

Maestro LCZ Durero y Schongauer son las más cercanas influencias
La Tentación de Cristo de esta estampa. Es un trabajo de madurez del Maestro.
Buril. ca 1501. 227 x 171mm

Lucas Cranach Típica fantasía nórdica en la que se combina el tumultuoso conjunto de
Las Tentaciones de San Antonio criaturas imaginarias (que más que tentaciones parecen tormentos) y el
Xilografía. 1506. 408 x 279mm paisaje descriptivo realista.

Lucas Cranach el Viejo Retrato de gran definición estilística y vigorosa presencia.
El Elector de Sajonia, El Constante El estilo de Cranach, algo diferente a los de Durero y Holbein,
Xilografía. ca 1509. 275 x 217mm tendió más hacia lo gótico.

Lucas Cranach Tema de la antigüedad clásica, muy solicitado por los artistas del
El Juicio de París Renacimiento. La versión de las mujeres corpulentas, de anchas
Xilografía. 1508. 370 x 251mm caderas, no desmerecen por su unidad de estilo y expresividad frente
a los bello desnudos de artistas como Rafael.

Maestro MZ Ambiente íntimo de esta escena amorosa, en cuyo interior se
El Abrazo desarrolla un documento de la decoración de la época en familias
Buril. 1503 de cierta elegancia. Para Lehrs, esta estampa es punto culminante
en la producción gráfica no muy intensa del Maestro.

Hans Baldung Grien La estampa está ejecutada con dos planchas. El tema sensual
Las Brujas y demoniaco, de gran fuerza e imaginación para su tiempo.
Cromolitografía, 1510. 379 x 260mm

Hans Baldung Grien Una de las maderas del mismo año que describen el mundo
Semental y Yegua entre Caballos Salvajes de los caballos salvajes, con evidente connotación erótica.
Xilografía. 1534. 225 x 332mm

Hans Burgkmair Esta pieza de características arcaicas en la obra del grabador
Los Doctores señala el gusto ecléctico. Su nexo estilístico es distante al de
Xilografía. 1519 los amantes.

Albrecht Altdorfer Corresponde a la serie Caída y Redención del Hombre, compuesta
Cristo en la Cruz por 40 xilografías. Excepcional trabajo, si se considera la pequeñez
Xilografía. ca 1515-19. 145 x 97mm del formato y los bien distribuídos tonos oscuros y blancos.

Hans Holbein La mayoría de los grabados de esta serie fueron ejecutados
La Muerte y el Médico. Serie La Danza de la Muerte por Lutzelburger, el excelente xilografista que asistió a Holbein.
Xilografía. ca. 1545, segunda edición

Hans Burgkmair Gran virtuosismo al servicio de lo decorativo. Según Konrad
San Jorge Peutinger, quien encargó la pieza, ésta es pendant (pareja)
Xilografía. 1508. 324 x 322mm de otra sobre el emperador Maximiliano.

Albrecht Altdorfer Altdorfer fue uno de los Pequeños Maestros, llamados así porque
El Abeto trabajaron en formatos pequeños. Hizo unos 9 aguafuertes con el
Aguafuerte. 1515-20. 234 x 177mm tema del paisaje, novedoso entonces en el grabado.

Hans Burgkmair Como alumno de Durero, parte de su obra denota la
La Muerte de los Amantes influencia del maestro. Después siguió estilos italianos.
Cromolitografía. 1510. 213 x 153mm

Hans Sebald Beham Perteneciente a los “pequeños maestros”. La calcografía o grabado
Dido en metal tuvo un desarrollo excepcional en Alemania desde principios
Buril. 1520. 120 x 90mm de siglo, y precisamente en Nuremberg. Wolgemut y Durero también
nacieron aquí.

Heinrich Aldegrever Aldegrever formó parte de los llamados “pequeños maestros”.
Hércules y Aquelou El tema le dio la ocasión de medir su habilidad en el desnudo,
De la serie Los trabajos de Hércules nada ajeno a la influencia de Durero, incluso en el monograma.
Buril. 1550. 100 x 65mm

Heinrich Aldegrever El personaje fue jefe de la secta protestante anabaptista de Munster, en
Retrato de Jean van Leyden Germania. Alumno de Durero, fue autor de unos 300 grabados, la mayoría
Buril. 1536. 319 x 232mm de carácter ornamental.

Heinrich Aldegrever Perteneciente a los Pequeños Maestros, Aldegrever trabajó
Los Danzantes del Pueblo en distintos géneros, por su habilidad fue más notable en los
Talla dulce. 1538. 112 x 78mm retratos de personajes de su tiempo.

ALEMANIA SIGLOS XVII Y XVIII

Wenzel Hollar No fue muy común entre los grabadores alemanes
La Catedral de Anvers de su tiempo el desarrollo del tema arquitectónico.
Buril. 1649. 465 x 330mm

Wenzel Hollar Eminente investigador médico que Hollar conoció en un
William Harvey viaje a Austria. De gran sobriedad el retrato, fue apenas
Aguafuerte. ca. 1628 reproducido en algunas pruebas.

ALEMANIA SIGLO XIX

Karl Friedrich Schinkel Ligado estrechamente al romanticismo, Schinkel buscó en el
Iglesia Gótica en el Bosque de Encinos grabado caminos para complementar su arquitectura en el
Pluma litográfica. 496 x 357mm gótico. La espesa y estupenda fronda, tras la cual se esconde
la iglesia, subraya la emoción del multifacético artista.

Max Klinger La figura monumental se destaca aún más por el fuerte contraste
Und Doch de la zona oscura. Pintor y escultor, Klinger reservó para su obra
Aguafuerte. 1889. 368 x 265mm gráfica, principalmente aguafuertes, su sentido poético y su fantasía.

Max Klinger La posición de los patinadores crea un curioso equilibrio con ejes
Acción distintos al personaje que se dispone a recoger el guante. Sobre
Aguafuerte. 1883. 630 x 350mm el tema El Guante, Klinger desarrolló una secuencia que narra una
historia intimista.

Alfred Rethel Una concepción “naturalista” de la muerte, en una escena de
La Muerte Amiga apacible y resignado destino. El grabador logra un estupendo
1851. 300 x 270mm trabajo en los valores del claroscuro.

Wilhelm von Kaulbach Von Kaulbach representó el interés conservador clasicista
El Manicomio entre los artistas alemanes de su época. La estampa tiene
Grabado en metal. ca. 1835 muy finas gradaciones tonales y el conjunto está bien
concebido.

Alfred Rethel La concepción de Rethel sobre la muerte fue muy distinta a la de
Muerte en la Barricada Holbein. Aquí es implacable con el hombre, correspondiendo con
De la serie Otra Danza Macabra ello a un armazón dibujístico de gran fuerza dramática.
Xilografía. 1848

Alfred Rethel El tema de la muerte estuvo siempre presente en el pensamiento
Muerte del Destructor de Rethel. De esta imagen obsesiva provendría su gran obra, bien
Xilografía. 1832 construida y de hondos significados.

Adolphe Menzel Menzel ejecutó varios grabados de la historia de Prusia y de
Federico el Grande Federico el Grande. Hoy se le considera como el más grande
1878. 220 x 168mm de los realistas del arte alemán en su siglo.

Adolphe Menzel Ultima estampa de una serie que Menzel tituló “Ensayos sobre
La Cueva de los Osos Piedra con Pincel Raspador”, técnica en la que logró gran riqueza
Litografía. ca 1851. 446 x 310mm tonal. En estas estampas el grabador buscó, con menor atención a
la línea, acercarse a las calidades de la pintura.

PAÍSES BAJOS SIGLO XV

Maestro Bávaro o de Salisburgo Uno de los más antiguos testimonios xilográficos incunables,
Crucifixión hallados en la región austro-bávara, entre Salisburgo y Mónaco.
Xilografía. ca 1420 Arte ingenuo, el más primitivo del período gótico.

Maestro Bávaro La inscripción en latin denota el arcaismo de la pieza, no obstante
Virgen María con un Santo la gran distancia estilística que la separa todavía de los temas marianos
Cromoxilografía. ca 1410 del arte románico, tanto por la síntesis lineal como por el color.

Anónimo El dibujo revela una firmeza de trazo en su ingenuidad. Significa ya un
Cristo en el Monte de los Olivos adelanto conceptual la aparición de la naturaleza, representada por
Xilografía. ca 1410. 255 x 191mm árboles. Estas piezas se anticipan a la actividad tipográfica de los libros.

Maestro de Zwolle El maestro estuvo activo a finales de siglo en la parte septentrional
La Crucifixión de los Países Bajos. Zwolle indica su lugar de nacimiento o donde
Buril. ca 1480 desarrolló su actividad, en el norte de Holanda. Se considera este
grabado como obra juvenil del artista.

PAÍSES BAJOS SIGLO XVI

Lucas de Leyden La escena presenta dos tiempos, el principal que es el momento en que
Sansón y Dalila Dalila corta el cabello del héroe, y en el fondo, cuando es éste transportado
Xilografía. 1514. 243 x 172mm por sus enemigos, una vez apresado. La pieza está ejecutada con esmero.

Lucas de Leyden El dibujo, la expresividad y el uso maestro de los valores tonales hacen
Retrato del Emperador Maximiliano de este retrato uno de los monumentos de la retratística antigua.
Aguafuerte y buril. 1520. 261 x 197mm Maximiliano I fue la pieza clave en el florecimiento del arte alemán
a principios del XVI.

Lucas de Leyden Extraordinaria pieza por su realismo, su dibujo y su distribución
La Lechera compositiva. Lucas se anticipó en el tema de los animales a los
Buril. 1510. 115 x 115mm artistas holandeses del siglo siguiente.

Lucas de Leyden La anécdota muestra el excelente dibujo del artista y su esmero
David Toca el Arpa Ante Saúl por dar claridad a la composición. En su primera época, Lucas
Buril. 1509. 253 x 185mm estuvo influenciado por la obra de Durero, a quien llegó a
conocer personalmente.

Pieter Brueghel La naturaleza abierta y las escenas aldeanas fueron motivos
Caza del Conejo privilegiados por este singular pintor, que no fue propiamente grabador
Aguafuerte y buril. 1566. 218 x 290mm pero que realizó más de 200 diseños para ser transportados a la gráfica.

Pieter Brueghel Brueghel fue un cronista gráfico de su terruño.
Milites Requiescentes La escena excepcionalmente pertenece a una serie de
Aguafuerte. 1559. 310 x 420mm doce paisajes diseñados por el artista durante su viaje a Italia.

Pieter Brueghel Excelente escena de carácter épico que denota la ambición del
La Fortaleza artista en su propuesta para los grabadores. Buena parte de sus
Buril. ca 1560. 225 x 297mm obras fueron trasportadas por Hieronymus Cock, uno de los más
importantes editores gráficos en su tiempo.

Cornelis Cort Brueghel entregó dibujos para el traslado a la estampa.
Paisaje Sus escenas de pueblo y sus paisajes campiranos fueron
Según Brueghel. Aguafuerte. 1561. 101 x 155mm atractivas imágenes.

Cornelis Cort A su parte documental se agrega un virtuoso trabajo de composición.
Interior de la Academia Cort realizó aquí una estampa de calidad pictórica por su maestría
Según J. Stradan. Buril. 1578. 432 x 295mm en graduar luces y oscuros.

Frans Huys El grabador siguió con fidelidad el espíritu del pintor
Patinadores en los Fosos de Breda en esta escena pueblerina de gran animación.
de la Puerta de San Jorge
Según Brueghel / Buril. 1553. 230 x 292mm

Hieronymus Cock Famoso editor de grabados, Cock también realizó algunos.
Paisaje con la Tentación de Cristo La escena natural es grandiosa y sobrepasa con mucho la
Aguafuerte. ca 1554. 318 x 437mm alusión religiosa de los personajes. El diseño es de Brueghel,
con quien Cock trabajó ampliamente.

Hendrick Goltzius Figura monumental donde el grabador resalta hasta la exageración
Hércules Farnese la musculatura del personaje, acaso como una crítica a los anatomistas
Cobre. ca 1591. 403 x 294mm como Pollaiolo.

Hendrick Goltzius Muchos de los retratos del grabador se inscriben en la buena tradición
Jean Bol septentrional. La pieza se encuentra entre las figuras que revelan su
Buril. 1593 influencia de lo italiano.

Hendrick Goltzius Esta madera constituye una excepción en el gran burilista, siendo
Paisaje Arcádico una obra con trazo más libre y dibujo menos perfeccionista.
Xilografía. 1595 Muestra la pieza una buena aplicación del claroscuro.

Hendrick Goltzius Goltzius logró asimilarse con “rara felicidad” al estilo de
Hércules da Muerte a Caco los maestros italianos, de Rafael a los Carracci. Sus obras
Xilografía. ca 1588. 408 x 332mm más logradas, para algunos, son pequeños retratos.

FLANDES SIGLO XVII

Peter Paul Rubens El grabado se considera el único atribuido al gran maestro flamenco.
Santa Catalina entre las Nubes Su sitio en la historia del grabado se debe a la escuela fundada por él,
Aguafuerte. ca 1620. 296 x 198mm en donde se reprodujeron varios cientos de sus diseños en cobre.

Paul Pontius Discípulo de Rubens, Pontius supo expresar la firmeza de las carnes
San Roque abundantes de la obra del maestro. Fue el más hábil claroscurista
Según Rubens. Buril. 1626. 522 x 355mm de la escuela.

Schelte de Bolswert Estupendo trabajo del más hábil de los grabadores en la escuela
La Caza del León de Rubens. Intentó el artista grabador que sus piezas tuviesen la
Según Rubens. Buril. Principios de XVII.
riqueza del colorido de las pinturas de su maestro.
410 x 586mm

Lucas Vorsterman Sin tener su buril la viveza del De Bolswert, logró igualmente
Cristo Muerto Llorado por la Virgen un desarrollo diestro y acaso con mayor claridad compositiva.
Según van Dyck. Buril. ca 1630. 315 x 440mm

Anthonis van Dyck Se dice que en el retrato van Dyck no fue inferior al propio Rubens.
Retrato de Jan van der Wouwer En todo caso, la intención de su estilo buscó más la hermosura que
Aguafuerte y buril. 1627-36. 248 x 157mm la grandeza.

Anthonis van Dyck El más célebre alumno de Rubens. Excelente pintor y grabador
Retrato de Lucas Vorsterman en el género del retrato, con precisión y carácter.
Aguafuerte. 1627-36. 240 x 150mm

Christoffel Jegher El dibujo proviene de un bosquejo en grisalla de Rubens. El trabajo
La Coronación de la Virgen es excelente, dadas las dificultades para trasladar a la matriz en
Xilografía. ca. 1633. 335 x 435mm madera la obra tan rica del maestro flamenco. De hecho, Jegher
fue el único grabador en trabajar la madera para este autor.

Anthonis Van Dyck Como burilista y aguafuertista, van Dyck apenas tuvo paralelo.
J. Brueghel Al igual que Rubens, pintó y grabó a personajes importantes de
Buril. 1626-45. 240 x 150mm su tiempo, sobre todo en Inglaterra.

HOLANDA SIGLO XVII

Harmensz van Rijn Rembrandt El grabador alternó en esta pieza sombras y luces, acentuando el
Paisaje con Tres Chozas efecto de la perspectiva. Emotiva y sencilla pieza, deudora en cierto
Aguafuerte y punta seca. 1650. 162 x 203mm modo de los mejores ejemplos de Seghers.

Harmensz van Rijn Rembrandt Es de los retratos más característicos en el espíritu del claroscuro.
El Viejo Thomas Haringh La luz se hace presente intensamente en el rostro y en las manos
Aguafuerte y punta seca. 1655. 196 x 150mm del magistrad.

Harmensz van Rijn Rembrandt El genial grabador no quedó ajeno al tema religioso. Grabó varias
Jesús Cura a los Enfermos escenas de Jesús. Esta y una de las versiones de “Las Tres Cruces”
Aguafuerte y punta seca. 1649. 278 x 389mm están consideradas como obras maestras de la gráfica holandesa
del XVII.

Harmensz van Rijn Rembrandt Algunos consideran que este autorretrato proviene del retrato que
Autorretrato en el Alfeizar Rafael hiciera de Baldasarre Castiglione, vendido en Amsterdam
Aguafuerte. 1639. 205 x 152mm justamente en 1639. Rembrandt pudo haber hecho un boceto de
esta obra para su grabado.

Harmensz van Rijn Rembrandt Considerado como el penúltimo grabado del maestro, resulta uno
La Mujer con la Saeta de los más extraños en su temática gráfica, que fue variada: paisaje,
Aguafuerte y punta seca. 1661. 204 x 124mm costumbres, retratos de amigos.

Harmensz van Rijn Rembrandt Prestigiado orfebre de Amsterdam, que coincidentemente murió el
Retrato de Jan Lutma mismo año en que murió Rembrandt (1669). Intenso grafismo para
Aguafuerte, punta seca y buril. la graduación de los oscuros.
1656. 198 x 148mm

Hércules Seghers No fue Seghers un grabador muy prolífico; su producción apenas
Paisaje con Río y Cuatro Arboles llegaría a los sesenta grabados, la mayoría de ellos en el paisaje,
Aguafuerte. 1625. 231 x 316mm y con un solo ejemplar.

Hércules Seghers Uno de los más cálidos y espléndidos grabados,
La Pequeña Ruina de la Abadía de Rijnsburg con gran tratamiento técnico y espíritu poético.
Aguafuerte. ca 1620. 100 x 175mm

Jacob Ruisdael Muchas de las obras de este pintor y grabador describen
Paisaje con Río y Arboles paisajesde los alrededores de Haarlem, su ciudad natal,
Aguafuerte. 1646. 206 x 281mm a veces con tendencia romántica.

Jacob Ruisdael Se revela aquí la soltura y la destreza del dibujante. Se dice que
La Choza sobre la Colina nadie como Ruisdael tuvo mayor aprecio y conciencia del paisaje
Aguafuerte. 1650. 185 x 269mm holandés.

Adriaen van Ostade El carácter estilístico de van Ostade recuerda la factura de Brueghel,
La Familia Campesina macizo en las formas y en una síntesis de aire primitivo.
Aguafuerte. 1647. 176 x 157mm La escena es típica de su temática.

Adriaen van Ostade Estampa de carácter popular, costumbrista. Van Ostade deambuló
El Baile en la Hostería por las tabernas y antros de su tiempo, ambiente que captó con
Aguafuerte. 1652. 254 x 320mm humorismo.

Adriaen van Ostade Estampa descriptiva, de gran virtuosismo técnico.
La Granja La gradación gráfica produce una sensación de color.

Paulus Potter Potter fue capaz de mostrar cariño por los animales al describirlos
El Toro con sencillez y exactitud, ya que los observó con extrema paciencia.

Paulus Potter Poco sociable. Potter se refugió en la soledad del campo
El Rocín y ahí encontró, entre las bestias, su original vena artística.

Cornelius Dusart La estampa pertenece a la estirpe de las escenas populares
Cirujano Rural desarrolladas primeramente por Brueghel y que ofrecería
Aguafuerte. 1695 una versión muy característica del grabado holandés.

Jan Sadeler Sadeler trabajó repetidamente con los modelos de Martin de Vos,
Noé construyendo el Arca. Serie Historia cuyos años de vida transcurrieron paralelamente. El primero nació
de la familia de Set en Bruselas y el segundo en Amberes.
Buril. 1586. 200x 230mm

Jan Sadeler En la estampa flamenca del siglo XVI, Sadeler quedó un poco
Esclavos golpeados con el yugo de sus amos. al margen de los grandes nombres, si bien su oficio fue de una
Serie Historia de la familia de Set perfección extraordinaria.
Buril. 1586. 20 x 27 cm

INGLATERRA SIGLO XVII

William Faithorne En su destierro en Francia, el grabador inglés se formó bajo
Samuel Collins la admiración de Nanteuil, de quien sufrió naturalmente su
Buril. 1685. 330 x 217mm influencia. En este retrato predomina el estilo francés.

William Faithorne A Faithorne corresponde el mérito de haber colocado a Inglaterra
Retrato de R. Bayfeild en el mapa del grabado en buril, si bien fue un maestro tributario
Buril. Ca 1680 del arte flamenco y francés.

Robert White White vivió de 1645 a 1703. El grabado fue realizado en Londres
Sir Thomas Browne y apareció en el frontispicio de las Collected Works of Sir Thomas
Grabado. 1686 Browne, filósofo, escritor y médico.

INGLATERRA SIGLO XVIII

William Hogarth Hogarth estudió con avidez la naturaleza humana, buscando captar
Matrimonio a la Moda la parte pintoresca de este personaje. Su visión frecuentemente fue
Aguafuerte humorística.

William Hogarth El escenario es el famoso manicomio londinense. Por esos años,
Hospital Bedlam de Londres Bedlam era uno de los sitios de la ciudad donde acudían las gentes
Aguafuerte. 1735 para divertirse con los desatinos de los huéspedes. Hogarth no
dejó escapar la oportunidad de recrear este ambiente.

William Hogarth Hogarth no sólo trabajo con maestria las escenas de carácter
Gin Lane 320 x 387 mm intimo de interiores, sino que grabo estupendas escenas del
Aguafuerte y Buril. 1740 medio urbano londinense en plena animación citadina.

William Hogarth La vida miserable que tuvo el grabador durante su infancia dejó
Escena de Muerte en su espíritu observador un recuerdo de amargura. Aquí retuvo
Aguafuerte. 1734. La pieza es de la serie A
el artista el ambiente de pobreza.
Harlet’s Progress

William Hogarth El grabador desarrolló un estilo propio. El mismo grabó sus láminas,
El Arresto utilizando con destreza la punta seca y el buril. Su obra contribuyó
Aguafuerte y buril. 1732. 298 x 372mm a que los artístas ingleses se despegaran más de las influencias extranjeras.

John Jones A partir de este siglo, los ingleses llegaron a desarrollar una gráfica
Richard Warren retratista con rasgos propios. Gainsborough fue uno de los retratistas
Según obra de Gainsborough. Barníz. 1792. más solicitados por los grabadores en la técnica del grabado en negro.
465 x 362mm

Valentine Green Las pinturas de Reynolds, de colorido dulce y agradable,
Lady Betty Delmé.1779 Según Reynolds se prestaron para ser trasladadas al grabado en negro,
que sustituyó con ventaja en este tipo de obras al buril
y al aguafuerte.

Robert Dighton La anécdota describe una botica de finales de siglo
Qué Contentos Estamos de que Haya Médicos y el estilo es típico de los caricaturistas que trabajaron
Mezzotinta. 1793 en Londres.

INGLATERRA SIGLO XIX

William Blake Blake tuvo que esperar casi un siglo para ser reconocido como uno
Blake Arrodillado Contempla el Sol de Fuego de los artistas importantes de su tiempo. El poeta y grabador nutrió
Aguafuerte. 1804-08. 160 x 110mm su arte con profunda temática y original imaginación.

William Blake Sin duda una de las piezas gráficas más ambiciosas que realizó.
El Peregrinaje a Canterbury Ligado en la forma a los maestros del Renacimiento, guardó en
Buril. 1810. 304 x 965mm su obra cierta distancia con el arte académico.

William Blake La obra literaria, pictórica y gráfica de Blake descansó en el poder
Mirth y sus Compañeros de la imaginación, aun cuando su forma frecuentemente guardó
ca. 1817. 165 x 123mm fidelidad a cánones de tipo académico.

William Ward La pieza está basada en una composición pictórica de su
La Comida Campestre de los Pescadores cuñado, George Morland. El tipo de grabado, a la manera
Mezzotinta coloreada. ca. 1789. 457 x 554mm inglesa, se adaptó muy bien a la imagen pictórica.

Robert Dunkarton Interesante imagen del famoso botánico y naturalista
Carolus Linnaeus sueco, más conocido por su nombre latinizado.
Mezzotinta. 1805

Thomas Rowlandson Rowlandson fue uno de los grandes dibujantes satíricos de
La Hidropesía Cortejando a la Tisis su época en Inglaterra, cuya habilidad admite paralelismo
Grabado coloreado. 1810 con Daumier. La idea de presentar los extremos (gordo-flaco)
fue típico en él.

Thomas Rowlandson Muestra la estampa el interior de una botica y clínica
Excursión a Rumford veterinaria. El humorismo sería grosero si no fuese por
Aguafuerte coloreado. 1802 la gran habilidad estilística del artista.

John Sell Cotman Los volúmenes de las formas proporcionan un sentido
Chateau Gaillard de solidez a esta magnífica estampa de Cotman.
1822. 225 x 330mm

Thomas Rowlandson y Auguste Pugin Bajo el título de la serie Macrocosm of London, ambos artistas
Colegio de Médicos establecieron una exitosa colaboración sobre temas de médicos
Aguatinta coloreada. 1808 y hospitales. Rowlandson dibujaba las figuras humanas y Pugin
los diseños arquitectónicos.

Francis Seymour Haden El paisaje fue uno de los géneros que Haden practicó y que le
Fulham dieron renombre. Estuvo en Francia y en Italia, lugares donde
1859. 138 x 212mm realizó apuntes y trabajos.

Samuel William Reynolds Reynolds trabajó indistintamente sobre sus propios modelos
Mrs Whitbread y los de otros artistas. La técnica del grabado se adaptó muy
Según John Hoppner. Aguafuerte y mezzotinta bien a la elegancia de la imagen.
612 x 380mm

William Nutter Los grabadores ingleses encontraron soluciones técnicas
El Moralista para reproducir las bellas imágenes que provenían de un
Según J.R. Smith. Cobre punteado y coloreado.
arte suntuoso de ambientación aristocrática.
Ca. 1787. 405 x 329mm

Francis Seymour Haden Haden fue un distinguido cirujano londinense de la época victoriana.
Autorretrato Su fama mundial la alcanzó, empero, como paisajista y grabador.
Aguafuerte. 1862 Whistler, su cuñado, le ayudó a lograr el oficio como grabador.

James Tissot La ambientación y el trazo de esta estampa nos remiten
Ramsgate. 1876 a ciertas obras de Whistler. Tissot resolvió aquí todo en
base a una estructura lineal.

ESPAÑA SIGLOS XVIII Y XIX

Francisco de Goya La fantasía monstruista fue adoptada por el grabador para deslizar
Se Repulen mensajes cifrados a una sociedad presuntuosa y acomodaticia. Los
Serie de Los Caprichos Caprichos, primera de las grandes series gráficas que lanzó Goya al
Aguafuerte y aguatinta. 1797-98. 310 x 210mm. público, constituía un arte nuevo y audaz en la España de la época.

Francisco de Goya El tema alude a dos miembros de la familia Chinchilla. Las figuras,
Las Chinchillas caricaturas de aristócratas, se transforman en autómatas sin voluntad
Serie de Los Caprichos ni vida. “Personajes que encierran su entendimiento con candados,
Aguafuerte y aguatinta, buril.1797-98. 310 x 212mm mientras la estupidez los ceba”. Según comentario de ese tiempo.

Uno de los aguafuertes más conocidos, más utilizados como símbolo por la
cultura. Es uno de los más bellos creativamente. A partir del ángulo supe-
Francisco de Goya rior derecho, Goya planeó su composición diagonal que se ensancha hacia la
El Sueño de la Razón Produce Monstruos figura humana, modificando en sus elementos los valores tonales. Gran
Aguafuerte y Aguatinta. 1797-98 equilibrio en su profundo contenido.

Francisco de Goya Los médicos no escaparon a la mordacidad goyesca. El empleo maestro
¿De qué Mal Morirá? de la técnica aguafuertista, con apoyo del aguatinta, obtuvo efectos de
Serie Los Caprichos oscuros sutiles y aterciopelados. Aquí el golpe de los blancos es
Aguafuerte y aguatinta, 1797 contundente.

Francisco de Goya No sólo el autor recreó las peripecias de la guerra en su violencia y
¿Por qué? crueldad; describió también las secuelas silenciosas del hambre, la
Serie Los Desastres de la Guerra
desolación y hasta el egoismo de los poderosos.
Aguafuerte. Hacia 1810. 190 x 136mm

Francisco de Goya La imagen muestra el doble lo sutil de lo tenebroso y lo
A la caza de los dientes humorístico, arte en el cual Goya dejo inmejorables ejemplos.

Francisco de Goya De Goya creó cuatro imágenes de la corrida, motivo ya trabajado por el
Los Toros artista. Fueron impresas las estampas en el taller de Gaulon, en Burdeos,
Litografía. 1825. 303 x 414mm durante su exilio en esa ciudad. Goya dibujó directamente sobre la piedra
y usó el instrumento empleado en la mezzotinta para obtener áreas claras.

Francisco de Goya Entre cómico y enigmático, la anécdota enfrenta diversos elementos
Bobalicón. De la serie de Los Disparates simbólicos: el propio Bobalicón, el personaje que sostiene la figura
Aguafuerte, aguatinta, buril y punta seca. Entre vestida y los rostros exclamantes del fondo. Goya se mostró pesimista
1816 y 1824. 315 x 450mm. en éste su último ciclo gráfico.

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Autores
a
b Baldung Grien Hans b
c
d
e
Semental y Yegua entre
Las Brujas Caballos Salvajes f
g
Battista Tiépolo Giovanni h
i
j
k
Dos Reyes y un Muchacho
l
Adoración de los Magos Observan una Serpiente
m
Bellange Jacques n
o
p
q
r
El Martirio de Santa Lucía Las Tres Marías en el Sepulcro
s
Bellini Gentile t
u
v
w
Visita a un Apestado

Autores
a
Belloto Bernardo b
c
d
e
f
Vista Interior de Zwinger en Dresde
g
Blake William h
i
j
k
Blake Arrodillado Contempla l
el Sol de Fuego El Peregrinaje a Canterbury
m
n
o
p
q
r
Mirth y sus Compañeros
s
Bosse Abraham t
u
v
w
El impresor de Talla Dulce El Parto

Autores
a
Boucher Francois b
c
d
e
f
El Inválido Imaginario Hora de Reposo
g
Brueghel Pieter h
i
j
k
l
Milites Requiescentes La Fortaleza
m
n
o
p
q
Caza del Conejo r
s
Burgkmair Hans t
u
v
w
Los Doctores San Jorge La Muerte de los Amantes

Autores
c Callot Jacques
a
b
c
d
e
f
El Sitio de Breda La Tentación de San Antonio
g
h
i
j
La Feria de Grondeville k
l
Campagnola Giulio m
n
o
p
q
El Joven Pastor Cristo y la Mujer de Samaria
r
Carracci Agostino s
t
u
v
Retrato de Ticiano Anunciación w

Autores
a
Carracci Anibal b
c
d
e
f
María Magdalena
g
Castiglione G. Benedetto h
i
j
k
l
El Genio de G. B. Castiglione
m
Cavalieri G. B. n
o
p
q
r
El Toro Farnesio
s
Chevalier Guillermo t
u
v
w
Cólico en la Noche de Bodas El Señor a la Cocina, la Señora al Piano

Autores
a
Cock Hieronymus b
c
d
e
Paisaje con la Tentación de Cristo f
g
Corot Camille h
i
j
k
l
m
n
El Domo Florentino El Bosque del Eremita o
p
q
r
s
Cort Cornelis
t
u
v
w
Paisaje Interior de la Academia

Autores
a
Cranach Lucas b
c
d
e
f
El Juicio de París Las Tentaciones de San Antonio
g
h
i
j
k
l
m
n
o
p
El Elector de Sajonia, El Constante
q
r
s
t
u
v
w

Autores
d Da Carpi Ugo
a
b
c
d
e
f
Diógenes La Muerte de Ananias
g
Da Treto Antonio h
i
j
k
l
Hombre Visto de Espaldas
m
Daumier Honoré n
o
p
q
r
Guizot Tres de la Mañana
s
t
u
v
w
Calle Transnonain el 15 de Abril 1834 El Parlamento

Autores
a
De Barbari Jacopo b
c
d
e
La Virgen con el Niño,
f
Santa Ana y San Pablo Marte y Venus
g
De Bolswert Schelte h
i
j
k
l
La Caza del León
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
a
De Goya Francisco b
c
d
e
f
El Sueño de la Razón Produce Monstruos Bobalicón
g
h
i
j
k
l
¿De qué Mal Morirá? Se Repulen Los Toros
m
n
o
p
q
r
¿Por qué? Las Chinchillas
s
t
u
v
A la Caza de los Dientes w

Autores
a
De Leyden Lucas b
c
d
e
f
David Toca el Arpa Ante Saúl Sansón y Dalila
g
h
i
j
k
l
La Lechera Retrato del Emperador Maximiliano
m
Debucourt Philibert-Louis n
o
p
q
r
El Paseo Público La Rosa Mal Defendida
s
Degas Edgar
t
u
v
w
Mary Cassat en el Louvre Manet Sentado

Autores
a
Délacroix Eugene b
c
d
e
f
Interior del Hospital Militar Fausto Tratando de Seducir a Margarita
g
h
i
j
k
l
Combate de Giaour y Pacha
m
Della Bella Stefano n
o
p
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r
Otra Fuga a Egipto
s
Doré Paul Gustave t
u
v
w
Ilustración para Don Quijote Viñeta para los Cuentos Extravagantes

Autores
a
Drevet Pierre b
c
d
e
f
Robert de Cotte
g
Drevet Pierre-Imbert h
i
j
k
l
Samuel Bernard
m
Dunkarton Robert n
o
p
q
r
Carolus Linnaeus
s
t
u
v
w

Autores
a
Durero Albrecht b
c
d
e
f
Adán y Eva Erasmo de Roterdam
g
h
i
j
k
l
Melancolía El Baño de los Hombres
m
n
o
p
q
r
Los Caballeros del Apocalipsis Reposo en Egipto
s
t
u
v
w

Autores
a
Dusart Cornelius b
c
d
e
f
Cirujano Rural
g
Duvet Jean h
i
j
k
El Rey Recibe un Regalo
l
Jean Duvet Estudia el Apocalipsis de un Cazador
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
e Edelink Gérard
a
b
c
d
e
f
Felipe de Champaigne
g
El Canaleto h
i
j
k
l
El Pórtico con la Linterna La Torre de Malghera
m
n
o
p
q
Vista de Venecia r
s
t
u
v
w

Autores
a
El Maestro de Jesús en Betania b
c
d
e
f
San Huberto
g
El Parmesano h
i
j
k
l
La Sepultura de Jesús Judit m
n
o
p
q
La Resurrección de Cristo r
s
Escuela de Da Vinci t
u
v
w
Retrato de Señora

Autores
a
Escuela de Mantegna b
c
d
e
f
El Descenso al Limbo El Triunfo de César
g
Escuela Francesa h
i
j
k
l
Interior del Hospital
m
Escuela italiana n
o
p
q
r
Siglo XVI La Consulta
s
t
u
v
w

Autores
f Faithorne William
a
b
c
d
e
f
Samuel Collins Retrato de R. Bayfeild
g
Fattori Giovanni h
i
j
k
l
Campiña Toscana Escena Militar
m
Finiguerra Maso n
o
p
q
r
La Coronación de la Virgen
s
Fontanesi Antonio t
u
v
w
Bosque con Pastora y Vacas

Autores
a
Fragonard Honoré b
c
d
e
El Armario Ninfa y Dos Sátiros f
g
h
i
j
k
l
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
g Gellée Claude
a
b
c
d
e
f
Puerto a la Salida del Sol El Vaquero
g
Géricault Theodore h
i
j
k
l
Regreso de Rusia El Mariscal Flamenco
m
Ghisi Giorgio n
o
p
q
r
Sueño de Rafael (o la Melancolía de Miguel Angel)
s
t
u
v
w
El Juicio de París

Autores
a
Goltzius Hendrick b
c
d
e
f
Hércules Farnese Paisaje Arcádico Jean Bol
g
h
i
j
k
l
Hércules da Muerte a Caco
m
Green Valentine n
o
p
q
r
Lady Betty Delmé
s
t
u
v
w

Autores
a
h Hogarth William b
c
d
e
f
Matrimonio a la Moda Hospital Bedlam de Londres
g
h
i
j
k
l
Escena de Muerte El Arresto
m
Holbein Hans n
o
p
q
r
La Muerte y el Médico
s
Hollar Wenzel t
u
v
w
La Catedral de Anvers William Harvey

Autores
a
Huys Frans b
c
d
e
f
Patinadores en los Fosos de la Puerta de San Jorge
g
h
i
j
k
l
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
J Jean Francois Millet
a
b
c
d
e
f
La Costurera La Gran Pastora
g
Jegher Christoffel h
i
j
k
l
La Coronación de la Virgen
m
Jones John n
o
p
q
Richard Warren r
s
t
u
v
w

Autores
k Klinger Max
a
b
c
d
e
f
Und Doch Acción g
h
i
j
k
l
m
n
o
p
q
r
s
t
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v
w

Autores
l Lépicié Bernard
a
b
c
d
e
f
Le Benedicité
g
h
i
j
k
l
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
m Maestro Anónimo
a
b
c
d
e
f
La Última Cena (Rávena)
g
Maestro Anónimo de Colonia h
i
j
k
l
San Roque
m
Maestro Anónimo del Véneto n
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p
q
r
San Antonio de Padua
s
Maestro Anónimo Francés t
u
v
w
La Virgen de Lyon

Autores
a
Maestro Anónimo Veneciano b
c
d
e
f
Santa Catalina de Siena
g
Maestro Bávaro o de Salisburgo h
i
j
k
l
Crucifixión
m
Maestro Bávaro n
o
p
q
Virgen María con un Santo r
s
Maestro de los Naipes t
u
v
w
Rey de los Salvajes

Autores
a
Maestro de San Jorge b
c
d
e
f
San Jorge
g
Maestro de Zwolle h
i
j
k
l
La Crucifixión
m
Maestro del Libro de Casa n
o
p
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r
Los Amantes
s
Maestro del Libro de Casa o Maestro de 1480 t
u
v
w
Aristóteles y Filis

Autores
a
Maestro ES b
c
d
e
f
El Gran Jardín del Amor San Juan en la Isla de Patmos Letra F
g
Maestro Florentino h
i
j
k
l
El Juicio
m
Maestro LCZ n
o
p
q
r
La Tentación de Cristo
s
Maestro MZ t
u
v
w
El Abrazo

Autores
a
Marcantonio Raimondi b
c
d
e
El Sueño, Según Rafael f
g
h
i
j
Mellan Claude k
l
m
n
o
San Juan Bautista en el Desierto Habert de Montmor p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
Mantegna Andrea a
b
c
d
e
Cristo Resucitado entre San Andrés y San Longino
f
g
h
i
j
k
La Virgen y el Niño Batalla de los Dioses Marinos l
m
n
o
p
q
r
s
Los Elefantes Bacanal con Sileno t
u
v
w

Autores
a
Menzel Adolphe b
c
d
e
f
Federico el Grande La Cueva de los Osos
g
Meryon Charles h
i
j
k
l
Le Petit Pont La Morgue
m
Millan Pierre n
o
p
q
r
Ronda de Driadas
s
Millan Pierre y Boyvin René t
u
v
w
La Ninfa de Fontainebleau

Autores
n Nanteuil Robert
a
b
c
d
e
f
Jean Loret Luis XIV
g
Nutter William h
i
j
k
l
El Moralista
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
p Piranesi Giambattista
a
b
c
d
e
f
Composición Introductoria a sus Vistas de Roma
g
h
i
j
k
l
Las Prisiones Reconstrucción Ideal de Le Antichita Romane
m
n
o
p
q
r
Visita de los Restos de Pronaos
s
Pollaiolo Antonio t
u
v
w
La Batalla de los Hombres Desnudos

Autores
a
Pontius Paul b
c
d
e
f
San Roque
g
Potter Paulus h
i
j
k
l
El Toro El Rocín
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
r Raimondi Marcantonio
a
b
c
d
e
f
Sueño de Rafael Lucrecia Dándose la Muerte, según Rafael
g
h
i
j
k
l
Masacre de los Inocentes, según Rafael Retrato de Pietro Aretino
m
Reni Guido n
o
p
q
r
San Jerónimo
s
Rethel Alfred t
u
v
w
La Muerte Amiga Muerte del Destructor Muerte en la Barricada

Autores
a
Ribera Giuseppe, El Españoleto b
c
d
e
f
El Sileno Ebrio El Poeta
g
h
i
j
Robert Dighton
k
l
m
n
Qué Contentos Estamos de que Haya Médicos o
p
Robetta Cristofano
q
r
s
t
Alegoría Sobre el Poder del Amor La Vieja y las dos Parejas u
v
w

Autores
a
Rosa Salvatore b
c
d
e
f
San Guillermo de Maleval
g
Rowlandson Thomas h
i
j
k
l
La Hidropesía Cortejando a la Tisis Excursión a Rumford
m
Rowlandson Thomas y Pugin Auguste n
o
p
q
Colegio de Médicos r
s
Rubens Peter Paul t
u
v
w
Santa Catalina entre las Nubes

Autores
a
Ruisdael Jacob b
c
d
e
f
Paisaje con Río y Árboles La Choza sobre la Colina
g
h
i
j
k
l
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Autores
s Sadeler Jan
a
b
c
d
e
f
Noé Construyendo el Arca Esclavos golpeados con el Yugo de sus Amos
g
h
Santi Bartoli Pietro
i
j
k
Columna Trajana l
m
n
o
p
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r
s
t
u
v
w

Autores
a
Schinkel Karl Friedrich b
c
d
e
f
Iglesia Gótica en el Bosque de Encinos
g
Schongauer Martin h
i
j
k
San Antonio Acosado
l
por los Demonios La Salida al Mercado
m
n
o
p
q
r
Jesús en la Cruz
s
Sebald Beham Hans t
u
v
w
Dido

Autores
a
Seghers Hércules b
c
d
e
Paisaje con Río y La Pequeña Ruina de
f
cuatro Árboles la Abadía de Rijnsburg
g
Sell Cotman John h
i
j
k
l
Chateau Gaillard
m
Seymour Haden Francis n
o
p
q
r
Fulham Autorretrato
s
t
u
v
w

Autores
t Tissot James
a
b
c
d
e
f
Ramsgate
g
Tory Godofredo h
i
j
k
l
Enrique II a Caballo
m
Toulouse-Lautrec Henri n
o
p
q
r
El Jockey El Inglés en el Moulin Rouge
s
t
u
v
w
El Diván Japonés

Autores
v Van Dyck Anthonis
a
b
c
d
e
f
Jan van der Wouwer Lucas Vorsterman J. Brueghel
g
Van Meckenem Israhel h
i
j
k
Judith con la Cabeza
l
La Anunciación de Holofernes
m
Van Ostade Adriaen n
o
p
q
r
La Familia Campesina La Granja
s
t
u
v
w
El Baile en la Hostería

Autores
a
Van Rijn Rembrandt Harmensz b
c
d
e
f
Paisaje con 3 Chozas El Viejo Thomas Haring
g
h
i
j
k
l
Jesús Cura Enfermos Retrato de Jan Lutma
m
n
o
p
q
r
Autorretrato en el Alfeizar La Mujer con la Saeta
s
t
u
v
w

Autores
Vasi Giuseppe a
b
c
d
e
f
Campo Vaccino El Coliseo
g
Von Kaulbach Wilhelm h
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j
k
l
El Manicomio
m
Von Landshut Mair n
o
p
q
r
La Hora de la Muerte
s
Vorsterman Lucas t
u
v
w
Cristo Llorado por la Virgen

Autores
w Ward William
a
b
c
d
e
f
La Comida Campestre de los Pescadores
g
Watteau Antoine h
i
j
k
l
Dr. Misaubin Traje
m
White Robert n
o
p
q
r
Sir. Thomas Browne
s
William Reynolds Samuel t
u
v
w
Mrs. Whitbread

Autores
a
Wolgemut Michael b
c
d
e
f
Dios Creó el Cielo y la Tierra Páginas de la Crónica de Nuremberg
g
h
i
j
k
l
m
n
o
p
q
r
s
t
u
v
w

Galería
ITALIA FRANCIA ALEMANIA PAÍSES BAJOS INGLATERRA ESPAÑA
FLANDES
HOLANDA
Galería
ITALIA
Galería
FRANCIA
Galería
ALEMANIA
SIGLO XV SIGLO XVI SIGLOS XVII Y XVIII SIGLO XIX
Galería
PAÍSES BAJOS
FLANDES
HOLANDA
PAÍSES BAJOS PAÍSES BAJOS FLANDES HOLANDA

SIGLO XV SIGLO XVI SIGLO XVII SIGLO XVIII
Galería
INGLATERRA
SIGLO XVII SIGLO XVIII SIGLO XIX
Galería
ESPAÑA
SIGLOS XVIII Y XIX
Presentación
Cuando fui invitado a impartir la cátedra de Historia del Di-

bujo y el Grabado en la escuela de arte del Instituto Nacional
de Bellas, “La Esmeralda”, presentí que la preparación de la
clase iba a ser una tarea intensa y laboriosa, a causa de la
poca información a la mano y el escaso tiempo que tenía
para encontrarla.
La invitación se sustentaba en el hecho de que yo había
publicado un libro sobre el grabado mexicano en el siglo XX,
un primer estudio que posteriormente fue considerablemen-
te ampliado. Las razones del presente estudio sobre el graba-
do europeo han sido similares a las que me llevaron a escribir
sobre el grabado mexicano: la necesidad de un documento
que agrupara esta disciplina completamentaria del arte, que
carecía hasta entonces de una visión agrupadora y más o
menos sistemática. 1 2

Presentación
La tarea de una recopilación para formular un panorama de

la estampa europea entre los siglos XV y XIX era, en verdad,
un trabajo titánico. Teníamos conocimiento de varias histo-
rias del arte y muchísimos libros sobre épocas, tendencias y
grupos del arte mundial, pero relativamente poco sobre la
estampa. Emprendí entonces una intensa búsqueda para lo-
calizar libros especializados por épocas o movimientos, en-
tresacando de las enciclopedias todo lo relativo al tema.
Al cabo de cuatro años de trabajo, presento aquí un primer
resultado del cual no tengo duda de su utilidad para estu-
diantes, profesionales del arte y lectores interesados en la
cultura artística.
HC.
2 2

Bibliografía
Bibliografía
ENCICLOPEDIA Salvat de Arte (1992). México, Salvat Editores de México, tomo 2.

OBRAS Maestras de la Pintura (1983). México, Editorial Planeta, tomo 1.
HOLBEIN, Hans (1981). La danza de la muerte, México, Editorial Nave de los
Locos, Premia.
PIJOAN, José (1987). Summa Artis. Historia General del Arte, Madrid, Editorial
Espasa Calpe.
BENEZIT, E. (1976). Dictionaire des Peintres, Sculpteurs, Dessinateurs et Graveurs,
París, Grund, tomo 9.
OLMEDA Latorre, Concepción (1986). Enciclopedia Gráfica del Estudiante, Méxi-
co, Editorial Promexa, 4ª. edición.
MANTEGNA, Andrea. Maestros de la Pintura. Anesa, Noger, Rizzoli. Texto de Ettore
Camesasca, Argentina.
1 5

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neta de Agostini, vol. III.
BLAKE´S Graphics Works and the Emblematic Tradition.
LARAN, Jean (1959). L’Estampe, París, Presses Universitaires de France.
MALLÉ, Luigi (1968). L/Incisione Europea, del XV al XX Seccolo, Turín.
PINACOTECA de los Genios. Argentina, Editorial Codex.
DORÉ, Gustavo. Estampas bíblicas, México, Fernandez Editores.
GOYA (1989). Madrid, Fundación Juan March.
VIDAL de Alba, Beatriz (1995). Giambattista Piranesi, México, Catálogo de la Exposi-
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do, Exposición en el Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA.
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el Museo de Historia de la Medicina Mexicana, UNAM.
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Bibliografía
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Holandés. (1969-1973). New York, Montreal, México, Grolier Inc, vol. 3.
HISTORIA General de la Pintura (1970). Col. dirigida por Claude Schaeffner, Madrid,
Ediciones Aguilar.
CALLOT, Jacques (1969). Miroir de son Temps. Georges Sadoul. París, Gallimard.
DACIER, Emile (1944). La Gravure Francaise, París, Larousse.
BARTHEL, Gustav (1967). Historia del Arte Alemán, México, Breviarios del Fondo de
Cultura Económica, núm. 87.
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3 5

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de la Biblioteca Nacional, México, Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM.
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Ermitaño. Salvat Editores.
HIND, Arthur M. A History of Engraving and Etching from the 15th Century to the
Year of 1914, New York, Dover Publications, Inc.
HISTORIA Universal del Arte (1996). España, Espasa Calpe.
TURNER, Jane (1991). The Dictionary of Art. New York, Edit, Grove.
Fotografías de Enrique Salazar Híjar y Haro, tomadas de:

L´ESTAMPE, Presses Universitaires de France.
L´INCISIONE, Europea dal XV al XX Seccolo, Torino.
GOYA, Fundación Juan March, Madrid.
CATÁLOGO de Giambattista Piranesi. Museo Nacional de la Estampa. México.
4 5

Bibliografía
OBRAS Maestras de la Gráfica Europea. Col. Albertina. Catálogo de la Exposición en el

Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA.
ARS Medica. Col. del Museo de Filadelfia, Catálogo del Museo de Historia de la Medi-
cina, UNAM.
BLAKE Graphics Work on the Emblematic Tradition.
HOLBEIN, Hans. La Danza de la Muerte, México, Editorial Nave de los Locos. Premia.
ENCICLOPEDIA de Arte. Salvat Editores de México.
CALLOTE, Jacques. Miroir de son Temps, París, Gallimard,
HISTORIA del Arte Alemán. México, Fondo de Cultura Económica.
A HISTORY of Engraving and Etching from the 15th Century to the Year of 1914, New
York, Dover Publications.
BENEZIT, E. Dictionaire de Peintres. Sculpteurs, Dessinateurs et Graveurs, Paris, Grund.
LATE Gothic Engravings of Germany and the Neederlands, Dover Publications.
GRABADORES del Renacimiento. Catálogo del Museo del Ermitaño. Salvat Editores.
5 5

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1 2

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2 2

El Grabado Europeo
SIGLOS XV AL XIX
Coordinación y cuidado de la publicación

Hugo Covantes
Concepto editorial
Luis Banda
Diseño, formación editorial y programación

Kinétika
Andrés Ramírez
Lorena Banda
Wendy Chávez
Miguel Castillo
México DF, octubre de 2002
Hugo Covantes s
El Grabado Europeo
SIGLOS XV AL XIX
Presentación Capítulos Galería Bibliografía
Hugo Covantes ? s

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El Grabado Europeo

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En el siglo XV algunas importantes ciudades italianas del norte

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Después de Santo Tomás la escolástica, esto es, la filosofía

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decisivo en el arte. El universo material inspiraba amor por

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de dominarla. Llegó a considerar la observación del mundo real

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El hombre El hombre renacentista pretendió ser el hombre universal, no

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pechinas, arcadas de medio punto. El pilar fue remplazado por

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Felipe Brunelleschi fue el primer arquitecto florentino. Giulano

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primeros. Después vinieron Andrea del Verrocchio, Antonio

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ciencia, y el individualismo, producto del triunfo del hombre.

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de las formas y del espacio, estaba presente el movimiento

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De Siena destacó el pintor Sassetta; de Umbría surgieron

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En Italia, la xilografía más antigua data de 1460, atribuida al

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partes, el grabado en madera apareció casi al mismo tiempo

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promotor del espíritu renacentista. Al cerrar el Quattrocento,

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artesanos, más interesados —como apunta Duplessis— en

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la decoración de manuscritos, una costumbre que había

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movibles, comenzaron a aparecer grabados sueltos firma-

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conjunto excepcional por su unidad y su rareza, ejecutadas

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Las Predische de Savonarola, publicadas en Florencia,

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autor de ese nielo grabado en 1452, cuyo tema es “La

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hasta principios del siglo XVI. Algunos maestros experimentados

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hay en Bolonia, su patria, son obras de buen oficio. Estas

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produjeron las más admirables piezas de los pintores

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florentino es la “Venus Acostada”, conservada en Francia en el

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con ser excelente platero sino que pidió a su hermano Piero le

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Realizó también el gran panel del “Martirio de San

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trabajos de Hércules. Estas composiciones fueron destinadas

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mantuana, tuvieron un desarrollo independiente. Mantegna

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El joven aprendió rápido y a los 16 años, rompiendo con el

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Donatello estaba entonces en la cima de su gran reputación

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otros pintores, aunque finalmente el trabajo quedó en manos

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