GUÍA DE ESTUDIO: ARTE DEL RENACIMIENTO 2015-2016

TEMAS
1.- La articulación, formulación y crisis del nuevo modelo clásico. Su difusión fuera de
Italia. La crisis del modelo clásico: el Manierismo.
2.- El nuevo concepto de espacio religioso: de Brunelleschi a Vignola. El palacio urbano
y la villa renacentistas.
- Características generales
- Tipología: arquitectura religiosa y civil
3.- Arquitectura del Quattrocento a través de sus arquitectos.
Arquitectura del Cinquecento a través de sus arquitectos.
4.- La escultura y su evolución en Ghiberti, Donatello y Miguel Ángel.
- Características de generales
- Características de los escultores citados. Estudio especial del concurso para las
puertas del Baptisterio de Santa María de las Flores de Florencia
5.- La pintura.
- Características generales
- La pintura del Quattrocento: Masaccio y Boticelli
6.- La pintura del Cinquecento: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel
7.- El color en la pintura veneciana
8.- El Renacimiento español a través de ejemplos representativos: El Escorial,
Berruguete y El Greco
GLOSARIO
RECONOCIMIENTO DE OBRAS
Qué es, estilo, autor, cronología, particularidades.
COMENTARIO DE OBRAS
Obras seleccionadas por el coordinador de la Prueba de Selectividad.
 RENACIMIENTO
GLOSARIO

 Antropocentrismo: doctrina que considera al ser humano como centro de todas las cosas y el
fin absoluto de la creación.
 Perspectiva aérea: hace que los objetos más alejados tienen los contornos menos precisos que
los que están cerca y la distancia transforma el color del dibujo.
 Perspectiva lineal: Sistema matemático para representar objetos bidimensionales sobre una
superficie bidimensional mediante la proyección de sus puntos sobre el plano del cuadro con
líneas rectas que convergen en un punto elegido de forma arbitraria que constituye el ojo del
observador.
 Comitente: persona que confiere a otra el encargo de realizar una obra.
 Mecenas es la persona poderosa que brinda su apoyo material, o protege mediante su
influencia, a artistas, literatos y científicos para que estos puedan realizar su obra.
 Manierismo: estilo artístico del siglo XVI, es el momento en que se pierde lo más propio del
clasicismo y la belleza clásica es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos,
alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción.
 Serpentinata: es un concepto tradicional en el arte que designa a la línea o figura que se parece
a una forma serpentina en "S".
 Bóveda vaída: (denominada también bóveda de pañuelo) es un tipo de bóveda que resulta de
seccionar un hemisferio con cuatro planos verticales cuyas trazas en planta corresponden al
cuadrado inscrito en la circunferencia base de dicho hemisferio.
 Casetones: adorno poligonal, cóncavo y moldurado que se pone en los techos y en el interior de
las bóvedas.
 Guirnaldas: es una corona abierta por un extremo, fabricada con flores, ramas u hojas.
 Grutescos: fueron muy utilizados en el arte del Renacimiento. Consiste en la combinación de
elementos vegetales, figuras humanas, animales fantásticos y seres mitológicos, bucráneos,...
que rellenan de forma profusa el espacio (horror vacui) en composiciones simétricas.
 Orfebre: persona que labra objetos artísticos de oro, plata y otros metales preciosos o
aleaciones de ellos.
 Templete: construcción aislada o armazón pequeña constituida por columnas y un techo,
similar a un templo.
 Terribilitá: vocablo italiano del siglo XVI, utilizado para definir el estilo grandioso y de fuerza
potente que demostraba Miguel Ángel en sus esculturas, con un vigor y una mirada terrible
llena de ira como se aprecia en la figura del David o en el Moisés.
 Paramento almohadillado: decoración del muro de un edificio consistente en hacer sobresalir
los sillares o piedras que lo forman, dejando sus bordes más hundidos, a semejanza de una serie
de almohadas.
 Schiacciatto: es una técnica escultórica que permite realizar un bajorrelieve con una variación
mínima respecto al fondo. Para dar la ilusión de profundidad, el espesor disminuye
gradualmente a partir de primer plano hasta el fondo.
 Lienzo: es un tejido de lino, algodón o cáñamo, por lo general, que sirve como soporte a las
artes pictóricas.
 Medallón: adorno en relieve que se utiliza en arquitectura, con forma circular u ovalada y en
cuyo interior se pinta o esculpe algo.

 Las villas renacentistas: eran palacios campestres que tenían influencias de las villas de la época
de los romanos. Las llevan a cabo grandes arquitectos para mecenas y familias poderosas como
para la familia Medici
 RENACIMIENTO

-CRONOLOGIA RENACIMIENTO: (1450-1600)

Surge en el siglo xv en Italia. El humanismo va a ser el marco intelectual del renacimiento, el

hombre va a ser la medida de todas las cosas en pintura, escultura y arquitectura por lo tanto se
impone el antropocentrismo.

-ETAPAS RENACIMIENTO:

 Quattrocento: destaca Florencia S.xv

 Cinquecento: destaca Roma S.xvi
 Manierismo: se da en toda Italia en el S.xvi

-CARACTERICTICAS RENACIMIENTO:

 Vuelta a la antigüedad clásica de Grecia y roma que será el modelo y la inspiración sobre todo
porque en Italia quedaban muchas ruinas Romanas.
 También se recupera la filosofía de la antigüedad y surgen los neoplatónicos.
 Se vuelve a tomar al estudio del cuerpo humano y a la representación del espacio. Se ve al
hombre como un ser perfecto, destaca la figura humana y por tanto se vuelven hacer estudios
anatómicos del cuerpo humano.
 Se vuelve a tomar la naturaleza como inspiración y objeto artístico.
 Se tiende a representar la belleza pero nunca se alcanza plenamente y se entiende como una
mezcla de proporciones, todo se supedita a las proporciones matemáticas.
 Se busca la perfección por encima de todo, siendo un todo perfecto por lo tanto una vez que se
constituye no se añade ni se retoca nada.
 Se realiza un estudio de la perspectiva lineal que se aplica a la pintura, escultura, y arquitectura.
 Brunelleschi formula las reglas de la perspectiva y va a ser el primer arquitecto que ponga en
práctica estudios de perspectiva y Alberti les otorga notoriedad, las propaga y las difunde.
 La perspectiva aparece como un instrumento que permite realizar una obra artística, lo más
parecido a la realidad captando las tres perspectivas alto, ancho y profundidad.
 A partir del punto de fuga convergen unas líneas diagonales que permiten trazar unas líneas
matemáticas.
 Hay un cambio con el tratamiento de artistas que pasan de ser anónimos, firman sus obras, su
trabajo se va a revalorizar y la sociedad los va a respetar, de hecho piden que su trabajo se vea
como algo científico y no artesano. Además el artista se introduce en sus obras.
Son Artistas formados en la academia donde se les enseña la perspectiva a proyectar edificios,
filosofía…, de hecho en las academias van a surgir libros, que son tratados prácticos con el fin
de elevarlos al plano intelectual como De pictura de Alberti.
 En este periodo se trabaja mucho por encargo, aparecen la figura de los mecenas o comitentes
que son personas que subvencionan las obras de arte. Principalmente serán clérigos, burgueses
y nobles.

-TEMAS RENACIMIENTO:

 Destaca la arquitectura religiosa pero también hay arquitectura civil.

 En arquitectura y escultura van a introducirse temas de la mitología pagana y por otro lado
retratos de todo tipo y monumentos funerarios.
 Cuando Italia está en el Cuattrochento el resto de Europa está en el gótico, en el siglo xvi se
difunde por Europa gracias a la imprenta que difundió estampas. Existió gran variedad pero
tenían en común el humanismo.
 En Francia, Países Bajos y Inglaterra tiene carácter civil. Palacios, Lonjas,…
 En escultura se mezclan gustos góticos y renacentistas
 La pintura tiene una rápida extensión por Alemania (Lucas Cranach y Hans Holibein, Duero:
forma parte de los grandes del grabado,) y Países Bajos (Brueghel el Biejo)
EL MANIERISMO

Se inicia en la primera mitad del siglo XVI en Italia una crisis de todo el ideal renacentista esto
deriva en el periodo manierista. Se crean grandes conflictos políticos y bélicos, crisis de valores
y la sociedad pierde la fe en la razón humana.
El manierismo es una reacción anticlasista y se va desvinculando del modulo, la concepción
unitaria del espacio las reacciones espaciales, los interiores son tratados como exteriores.
Los puntos de fuga se desplazan creando perspectivas diferentes. Hay alternación de las
medidas clásica, es un arte intelectual, alegórico, metafórico hecho para una minoría, refleja
inquietud, desasosiego frente el equilibrio.
Destacan autores como Parmigianino, Bronzino y en España el Greco.
ARQUITECTURA RENACIMIENTO
CARACTERISTICAS GENERALES

 Elementos constructivos:

 El Muro recupera su función de soporte y en él se abren ventanas en principio

medievales que pasan a estar enmarcadas por columnas propias del renacimiento con
frontón. El muro presenta un aspecto almohadilladlo.
 Destaca el arco de medio punto que se prolonga generando bóvedas de cañón, arista y
bóveda vaída.
 Destacan las cubiertas planas con artesonado de madera que se divide en casetones.
 Como elementos de cubrición están las cúpulas sobre pechinas que se apoyan sobre el
tambor y además tienen una linterna donde entra la luz
 Como elementos decorativos estas las guirnaldas, medallones, grutescos y el general se
trata de plasmar armonía, perfección.
 Tipologia:
 Arquitectura religiosa:
Se abandona la planta de cruz latina y volvemos a las plantas basilicales. Brunelleschi
aplico dicha planta en la iglesia de San Lorenzo y Santo espíritu, además de una
techumbre plana que la ornamenta con casetones y ordena las naves dividiéndolas en n
bncolumnas pero bajo el orden compuesto: fuste liso, capitel corintio entablamentos y
arcos de medio punto. Por otro lado la planta central va a ser el modo preferido porque
representa más la idea de Dios y por lo tanto es una iglesia ideal pero es poco utilizada.
Consiste en una iglesia central sobre un pedestal con ventanas en la parte superior
porque en el interior solo podían ver el cielo, se prefiere una luz directa, natural que crea
un espacio grande y diáfano.
Las fachadas son sobrias y poco decoradas.
  Arquitectura civil:
Tiene gran desarrollo, destacan los palacios que eran la vivienda de la nobleza y
burguesía a dinerada. Tienen forma de cubo o rectangular con un patio central con las
dependencias alrededor, no tienen aspecto de fortaleza. La fachada de dos o tres
plantas con todos los elementos articulados, tienen cornisas y son palacios horizontales
con una con una puerta en la fachada. El pionero de la arquitectura palaciega es
Michelozo, alumno de Brunelleschi, el cual, va a edificar el palacio de los Medici en
Florencia

ARQUITECTURA DEL QUATTROENTTO

Quattocento es el periodo del arte italiano correspondiente al Siglo XV. Este periodo se caracteriza
por la recuperación de la Antigüedad clásica se supera el teocentrismo y se impone una cultura
basada en el humanismo Los artistas serán personas instruidas en temas como geometría, historia,
cultura clásica, ciencias y naturaleza; empiezan a firmar sus obras y serán elevados a la categoría de
genios.
Este arte humanista captará la atención de príncipes, nobles y ricos burgueses que descubrirán el
placer del arte y la cultura y que se convertirán en los mecenas de los nuevos artistas. La república
de Florencia será la principal impulsora de este nuevo arte gracias al mecenazgo de grandes familias
como los Medici.
Los principales arquitectos del Quattocento son Brunelleschi y Alberti

 Brunelleschi (1377-1446) Fue un artista muy prolífico que desarrolló su trabajo en Florencia.
Como otros genios del Renacimiento, Brunelleschi practicó otras artes, como, por ejemplo, la
escultura. Su actividad como arquitecto se consagrá al viajar a Roma y observar los
monumentos clásicos. Estudioso matemático. Sus obras más emblemáticas serán la Cúpula de
la Catedral de Florencia y Basílica de San Lorenzo de Florencia
 Alberti (1404-1472) Es el segundo gran innovador de la arquitectura. Hombre muy culto, se
dedicó a las más variadas disciplinas (arquitecto, matemático, poeta, filósofo, arqueólogo). Se
formó en Roma y fue un humanista enamorado del arte clásico antiguo. Interesado
constantemente por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar
el trabajo de los artistas. Es autor de “De re aedificatoria”, tratado donde plasma todas sus
teorías sobre su concepción de la Arquitectura. Proponía una estética basada en los modelos
clásicos y en las relaciones matemáticas que deben regir las partes de los edificios.

ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO

El siglo XVI supone el momento clásico por excelencia del Renacimiento. El primer tercio del
Cinquecento supone el triunfo de la armonía y el equilibrio que se había avanzado durante el
Quattrocento.
La capital artística de Italia se traslada desde Florencia a la Roma de los papas, que se convierten en
los nuevos mecenas y protectores de los artistas. Principalmente Julio II y León X que utilizarán el
arte como instrumento de prestigio personal y difusión del poderío de la Iglesia.
Los principales arquitectos del Cinquecento son Bramante y Miguel Ángel

 Bramante (1444-1514) Sus primeras obras en Milán, caracterizadas por la abundancia

ornamental entroncan con la tradición cuatrocentista pero a partir del año 1500 se traslada a
Roma donde la influencia de la arquitectura clásica marcarán su estilo definitivo caracterizado
por la severidad y el uso de plantas centralizadas cubiertas por cúpula.
En la ciudad eterna su primera obra es fruto del encargo de los Reyes Católicos, quiénes para
conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una iglesia en honor a San Pedro. En
el lugar en que se cree fue martirizado se construyó en 1502 el Templete de San Pietro in
Montorio.
 CUPULA DE BRUNERECHI

(1419-1434) La cúpula de Santa Mª de las flores da paso al renacimiento.

Esta catedral es del periodo gótico iniciado por Arnaldo DiCambio pero
estaba inacabada. En 1370 se acaba quedando por cubrir el espacio central
que tiene forma octogonal porque es un espacio muy alto y de gran
diámetro, es tan enorme que se vio imposibilitado para cubrir.
El gobierno de Florencia lo llevan a concurso la cubrición y lo gana
Brunerechi. Que resuelve sabiamente el problema creando dos cúpulas una
interior semiesférica y gruesa con función estructural y la exterior que es
ligeramente apuntada de estructura más delgada quedando un espacio vacío que lo cubre con un
entramado de maderas que une las dos cúpulas.
En el exterior apoyo la cúpula sobre un tambor octogonal y lo reforzó con exedras. Esto lo copia de
Santa Sofía de Constantinopla.
La cúpula está cubierta con teja roja para que no desentone y refuerza su exterior con nervios
blancos que dividen la cúpula en ocho partes.
Además cada uno de los paños tiene unos orificios concéntricos que marcan las costillas interiores y
la cúpula se remata con una linterna.
 SAN LORENZO DE FLORENCIA DE BRUNERECHI

(1429-1470) Brunerechi recibe el encargo por parte de ocho

familias florentinas con la idea de que la iglesia contuviera una
capilla para cada una de ellas.
Esta obra fue costeada por la familia Medici.
Es la primera iglesia plenamente renacentista y Brunerechi
experimenta con el cuadrado y el círculo.
La planta es de cruz latina con tres naves una central más ancha y
dos laterales y en ellas se abren capillas. Tiene un punto
centralizado que es el crucero, donde se pone una cúpula y se focalizara allí la luz. El transepto
tiene capillas rectas que ramifican. Se eleva una cúpula sobre pechinas. Las propiedades se hacen
con arreglo a las proporciones matemáticas y el modulo.
El interior se normalizan elementos clásicos pero se aplican de manera diferente.
Las naves centrales y laterales se separan por una serie de columnas. Pone columnas de basa ática
el fuste liso y el capitel corintio, sobre el capitel para elevar la altura se pone una parte de
entablamento por lo tanto mezcla la herencia clásica pero sigue siendo innovador.
La techumbre sigue el modelo clásico, es plana con casetones, la nave lateral tiene bóvedas
variadas y las capillas están cubiertas con bóvedas de cañón.
Se usa la perspectiva porque visualmente todas las líneas confluyen visualmente en el altar.
 SAN ANDRES DE MANTUA DE ALBERTI

La basílica de San Andrés en Mantua fue encargada por el II

Marqués de Mantua y realizada por el arquitecto Alberti
(1404- 1472).
Su planta es basilical con un transepto corto y rectangular.
Tiene una sola nave, ya que las laterales no existen, en lugar de
ellas hay 6 capillas laterales situadas entre contrafuertes.
Toda la techumbre de la nave central la cubre una bóveda de
cañón con casetones y en el transepto se encuentra una cúpula
sobre pechinas.
La fachada es tripartita, situada sobre una escalinata haciendo
de podio rescatado de la tradición romana, concebida como un arco del triunfo de un sólo vano
central. En la portada se refleja el orden gigante de las pilastras laterales de la portada sobre las
que descansan un entablamento. La fachada está rematada por un frontón triangular de herencia
clásica y sobre este un arco de medio punto. Toda la fachada fue ideada teniendo en cuenta líneas
verticales y horizontales conjugadas con líneas semicirculares. Las figuras geométricas que destacan
son el triángulo el rectángulo y los círculos.
 SAN PIETRO IN MONTORIO DE BRAMANTE

Es una obra arquitectónica realizada por Bramante en el 2502-1503.

Todos los estudios de planta central quedan reflejados en esta iglesia
encargada por los reyes católicos como monumento conmemorativo del
martirio de San Pedro, por lo que este templo ensalza la figura de San
Pedro, gran papa de la cristiandad.
El proyecto era un templete que estuviera rodeado por un patio circular
con columnas pero Bramante al final decidió proyectar un templo que
estuviera entre un templo griego circular y un templo circular romano.
Es un templo de planta circular, períptero de estilo dórico. Bramante defiende que sea un templo
circular porque se asocia con la perfección, con la divinidad y con la eternidad, todo unido a la idea
de que a San Pedro se le considere héroe cristiano.
Bramante une los conceptos clásicos con los cristianos.
Es un templo pequeño de 5 diámetros interior 10 diámetro exterior y 12´5 metros de altura.
Está hecho de piedra y se eleva sobre una escalinata circular que recuerda a la de los templos
griegos y romanos. Encima de las escalinatas se apoyan unas columnas del dórico romano con fuste
liso y capitel dórico, encima de estas hay un entablamento dividido en triglifos y metopas cargadas
de símbolos referidos a Santos en cada uno de los espacios.
Está rematado con una cornisa sobre la que se encuentra el segundo piso con un balcón que lo
rodea, el primer cuerpo está dividido en hornacinas; unas semicirculares y otras adinteladas.
Finalmente todo el conjunto se remata con una cúpula que tiene una linterna por la que entra luz
muy tamizada. .
 SAN PEDRO DEL VATICANO

La Basílica de San Pedro, es la más imponente iglesia de la

cristiandad, comenzada en 1505 y concluida a mediados del siglo
XVII; en su creación participaron los más importantes arquitectos
del Renacimiento y del Barroco italianos: Bramante, Rafael, Miguel
Ángel y Bernini. Está cargada de significado: se encuentra edificada
encima de la tumba de San Pedro, que es un gran centro de peregrinación cristiana, además el papa
Julio II tiene su mausoleo allí y es la cátedra donde se imparte el dogma cristiano de San Pedro.
Evolución: a finales del siglo XV ya había una basílica paleocristiana que el papa julio II decide
Sustituir por una nueva que le encargó a Bramante. Bramante va diseñar una basílica con una
planta de cruz griega, los cuatro brazos de la iglesia son iguales y simboliza la unificación de toda la
cristiandad, esta planta la va a introducir dentro de un cuadrado grande que se subdivide en cuatro
cuadrados ubicados en las esquinas de la planta, estos a su vez los remata con unas cúpulas que
recogen plantas pequeñas de la planta general para que haga misas.
Bramante muere y pasa a dos escultores y ya a Miguel ángel en 1546 que le va a dar su cuño
personal; tomó el plano de Bramante y lo simplificó cerrando todas las puertas laterales y sólo deja
una central dándole protagonismo a la nave longitudinal, además realiza una enorme cúpula que la
va a levantar sobre cuatro estribos, está cúpula está Inspirada completamente en la de
Brunelleschi, la edifica entre 1547-1564, mide 131 m de altura y 42 m de diámetro. Se encuentra
apoyada sobre un tambor exterior circular que se estructura a partir de unas columnas pareadas
que dejan un espacio en medio donde se abren una serie de ventanas rematadas con fondo
curvilíneo y circular alternados. Encima de estas aparece un tambor pequeño separado por pilastras
que dejan un espacio entre medio que se rellenan con una cartela y se ornamenta con una
guirnalda. La cúpula es doble una es hemisférica y la otra tiene un perfil apuntado, esta es también
nervada y cuticular. El último remate lo acabo Giacomo della Porta que realizó la linterna que sigue
la misma estructura y coincide con los nervios. Fue una cúpula que marcó el urbanismo, va a ser
paradina de las edificaciones y se convirtió en el simbolismo de la cristiandad.
 II GESU DE ROMA DE VIGNOLA

Fue construido en el siglo XVI por los autores Vignola, discípulo de Miguel
Ángel que proyectará la planta y Giacomo de lla Porta, que acabará la
iglesia y diseñará la fachada.
Las obras se inician en 1568 y La fachada se realiza entre 1571-1575. La
iglesia fue un encargo de Francisco de Borja cuyo objetivo era albergar el
sepulcro de San Ignacio de Loyola y hunde sus raíces en la arquitectura
católica de la contrarreforma surgida tras el Concilio de Trento.
La planta es longitudinal y sigue la nueva necesidad de que las misas tienen que ser vistas desde
cualquier punto de vista por lo que se va idear una planta que rompe con la planta del Vaticano.
La iglesia se inspira en la de San Andrés de Mantua de Alberti. Tiene planta de cruz latina, con un
transepto que no sobresale con una amplia nave central y cubierta por es una bóveda de cañón
que se contrarresta con contrafuertes exteriores. Hay que una nave central y a los laterales se
plantearán espacios divididos por contrafuertes pero no estarán cerrados sino que en cada parte
pone puertas para que las capillas puedan comunicarse de tal manera que se pueda celebrar el
culto en la nave central y parte de la gente que va a la iglesia pueda moverse sin molestar el culto.
La nave central está cubierta por una bóveda de cañón y en el crucero la gran cúpula sobre
pechinas va a crear un fuerte contraste entre la nave, más oscura, y la luz que entra.
El ábside semicircular sigue las directrices de todas las iglesias.
La fachada está inspirada en la obra de Alberti y fue realizada por Giacomo de lla Porta. Son dos
cuerpos unidos por volutas coronados por un frontón superior. Tiene un cuerpo bajo de forma
rectangular con pilastras dobles de orden corintio que acentúan el claroscuro y el cuerpo superior
más pequeño, se corona con un gran frontón triangular.
 PALACIO MEDICI
Los palacios se realizan por el gran crecimiento urbano unido al auge de la burguesía comerciante.
Esto va a suponer que también aumenten las arquitecturas civiles.
Todos los palacios tienen una planta en forma de cubo con un patio interior con las dependencias
alrededor. Es como una fortaleza pero sin torreones ni elementos defensivos.
La fachada tiene hasta tres pisos con una serie de ventanas repartidas siguiendo ejes de simetría y
con tendencia a las líneas horizontales, Brunelleschi fue el primero en establecer este modelo con
el palacio Pitti pero realmente fue su discípulo Michelotto quien continúa lo aprendido en el palacio
Medici Ricardi.

El palacio medici se levantó para la familia Medici y

más tarde ocuparán el palacio la familia Ricardi.
La fachada está dividida en tres pisos por unas
Cornisas que marcan cada uno de los pisos.

El piso inferior aparece con un paramento almohadillado. En él se encuentran tres grandes puertas
formadas por arcos de medio punto que en un principio debían estar abiertas y en el siglo XVI se
cerraron y se sustituyeron por ventanas.
En el Segundo piso los sillares son lisos y en él aparece una serie de ventanas informadas por un
arco dobles, separadas por un parteluz e inscritas en un arco de medio punto y en el espacio que
queda libre aparece un medallón y enmarcado por dovelas.
El tercer y último piso o no aparecen sillares en el exterior pero sigue el mismo modelo que en el
piso inferior excluyendo las dovelas que enmarcan las ventanas.
El edificio está enmarcado por una enorme cornisa que da la sensación de horizontalidad. Siguen un
esquema simétrico con ventanas alineadas. El espacio es cuadrado rodeado con arcos de medio
punto y destaca la presencia de un friso con medallones que separa un piso o del otro.
 VILLA CAPRA

Es un palacio campestre diseñado por Andrea Palladio

en 1567-1569 a las afueras de la ciudad de Vicenza en Italia.
Pertenece al quattrocento y tiene la función de casa de campo,
descanso, ocio… Tiene influencia de las villas romanas.
Está construida sobre una columna al lado del río bachillone.
Su planta es central de cruz griega que se eleva sobre un
basamento.

Tiene cuatro fachadas iguales orientadas hacia los cuatro puntos cardinales la escalinata por donde
se accede da lugar a un pórtico con seis columnas de orden jónico que imitan la fachada de un
templo romano.
En el interior encontramos una sala circular cubierta con una gran cúpula inspirada en el panteón
de Agripa en torno a esta se disponen a las habitaciones de la casa en perfecta simetría, las
estancias son rectangulares formando el cuadrado en el que se inscribe el patio interior.
La iluminación del centro es gracias a un óvulo.
 ESCULTURA RENACIMIENTO
CARACTERISTICAS GENERALES

 La escultura renacimiento va a estar influida por el mundo antiguo.

 el tema central en la escultura es la figura humana, destaca el desnudo que va a ser reflejo
de una mentalidad humana antropocentista.
 Se busca la fidelidad en la realidad por lo que van a realidad estudios anatómicos. Se trata
de alcanzar la perfección absoluta y representar la belleza ideal retomando el módulo, el
canon, añadiendo la representación de pasiones, sentimientos pero contenidos.
 Es muy importante el estudio de la antigüedad. Se descubre el Laoconte que va a marcar las
formas de esculpir y dejara traspuesto e influido a Miguel Ángel.
 Los escultores renacentistas pretenden cristianizar temas mitológicos (representan la
naturaleza, temas religiosos y mitológicos).
 El material usado es el mármol y el bronce de gran perfección y en menor medida la madera
y terracota.
 La escultura se libera de la arquitectura y la escultura exenta gana importancia dentro de la
cual destacan los bustos, relieves, medallones y retratos ecuestres y variados.
 La ruptura con el gótico no fue muy marcada porque existió un cambio anterior
consiguiendo un mayor realismo.
ESCULTURA CUATROCHENTTO

Destacan los escultores Ghilberti y Donatello.

 Lorenzo Ghilberti: nace en Florencia y comienza siendo orfebre y en 1042 gana un concurso
para realizar una de las puertas en bronce del baptisterio de San Juan de la catedral de
Florencia y como consecuencia se le encarga también la 3ª puerta del baptisterio.
La realización de ambas puertas le ocupan toda su vida escultórica fue el primer escultor en
basarse en el humanismo y la antigüedad clásica.

EL SACRFICIO DE ISAAC

Tanto Ghiberti como Brunelleschi se presentan a un concurso para

adjudicar la realización de las segundas puertas del Baptisterio
efectuando para el concurso un relieve con forma polilobulada sobre el
tema de El Sacrificio.
Ghiberti plantea una escena más gótica y conservadora mientras que
la de Brunelleschi es más revolucionaria, poniendo las figuras en
perspectiva sin amontonar y le da más dramatismo.
Ganó Ghiberti porque se acerca más al modelo de la puerta anterior pero al final se vuelve
novedoso y plantea profundidad espacial y arquitectura al fondo.
En la Puerta del Paraiso al no tener condiciones aplica técnicas novedosas, superpone planos de tal
manera que los del fondo aparecen simplemente perfilados y poco a poco se crea un medio relieve.
También destacan los elementos arquitectónicos paisajísticos y se representan personas.
 Donatello: es uno de los artistas más influyentes del cuattrochentto. Nació y murió en Florencia
y su obra se concentra allí aunque viaja a Roma y residió en Padua.
En su obra destaca la figura humana, se centra en belleza pero no destaca poner defectos
físicos.
Realiza retratos psicológicos y es muy perfeccionista.

DAVID DE DONATELLO

(1440) En Florencia, hecha en bronce a tamaño original (1’59).

El tema es el relato bíblico de David y Goliat. Goliat era un gigante filisteo
que desafío a los irrealitas a una pelea cuerpo a cuerpo por las continuas
guerras. El joven David era un buen hondero que se presento y acabo
matando a Goliat con la honda y le corto la cabeza. En el mito de David
refleja el poder de la inteligencia frente al poder de la fuerza. Además
esta lucha se traspasa a la lucha económica de Florencia (inteligencia) Y
Milán (fuerza). .
Donatello plantea a un David adolescente que tiene rostro de sorpresa
ante la hazaña que acaba de realizar con la pierna derecha flexionado
apoyada en la cabeza de Goliat, con la mano izquierda sujeta la espada
con la que le ha cortado la cabeza y en la otra mano tiene la piedra con la que le ha matado.
La línea compositiva recuerda a la curva praxiteliana y al contraposto griego, además el
rostro esta girado hacia la izquierda. Este esquema compositivo le da cierta sensualidad
acentuada en un cuerpo desnudo de formas adolescentes. La luz resbala sobre el cuerpo.
El rostro esta pensativo y asombrado y además es un rostro dulce de joven.
 CONDOTTIERO GATTAMELATA

(1443- 1453) Es una escultura ecuestre de bronce del

alcalde jefe de los ejércitos mercenarios de la republica de
Venecia, Erasmo de Narni, más conocido como
“Gattamelata”.
Influencias: es una escultura funeraria copiada del modelo
ecuestre romano concretamente tiene influencias de la
escultura ecuestre de Marco Aurelio.
Gattamelata viste una coraza romana, en el frente hay esculpida una Góngora (mujer con el
pelo lleno de serpientes.)
El retrato de Gattamelata plasma el momento que va a pasar revista a sus mercenarios,
representación pausada que simboliza el poder, va a caballo y está ligeramente hacia atrás.
Una de las líneas compositivas viene marcada por la cola del caballo y la pata y la última
línea compositiva es diagonal marcada por el bastón de mando y la espada.
ESCULTURA CINQUECENTO

Dentro de este periodo podemos encontrar escultores como Benito Celini, que se formo como
orfebre y trabajó para Francisco I. Destaca su obra Perseo
Pero el cincoechentto Esta marcado por la extraordinaria personalidad de Miguel Ángel
(1475-1564) hacía obras de gran envergadura y su genio creador es básicamente escultórico.

Características de la obra de Miguel Ángel:

 Se deja influir por el neoplatonismo.

 Cree en la belleza humana y sostiene que eso es lo que el artista debe plasmar. Concibe la
belleza exterior como el reflejo de la belleza exterior y las obras escultóricas deben llevarte
a lo divino.
 Concibe la obra escultórica como una lucha entre dos poderosos el mármol (materia) y la
obra de arte (forma), por tanto para él la obra escultórica es sacar el alma del mármol;
dentro del mármol había un alma que lucha por liberarse de la prisión del mármol y a la que
el tenia que liberar.
 Empezaba a tallar la obra de frente e iba modelando hasta obtener una visión del conjunto y
finalmente la obra emergía
 En su etapa de madurez deja las esculturas inacabadas porque considera que la belleza ideal
es inalcanzable
 las esculturas de Miguel Ángel tiene un acabado exquisito porque les da con ovillos de paja
piedra pómez y con cepillos de tal manera que son acabados perfectos en los que resbala la
luz.
 Miguel Ángel capta a la perfección la tensión interna (terrebilitat.) Sus obras son por lo tanto
muy expresivas.
 LA PASION DE MIGUEL ANGEL

Obra de juventud 1499 en mármol sus dimensiones son 1’5 por

2 m. fue encargada por el cardenal Jean Bilhères cuando tenía 23
años y muestra una gran maestría técnica.
Representa el momento en el que la Virgen recoge en su regazo
el cuerpo de su hijo, Jesucristo, muerto, tras el descendimiento
de la Cruz y la rendición de nuestros pecados. Refleja un más allá
y trata de captar la emoción y el dolor del momento. Dicho dolor
es contenido.
La línea compositiva fundamental es un triangulo desde la cabeza de la virgen hasta la base ancha.
Cristo describe una línea quebrada en zig-zag que rompe el equilibrio del triangulo. También está la
línea que traza el brazo caído de Cristo que se opone al de la virgen.
Las cabezas se oponen y son perpendiculares, la de Cristo mira hacia arriba y la de la virgen mira
hacia abajo.
Es una imagen natural pero el cuerpo el cuerpo de Jesucristo es enorme y la imagen de la virgen
resulta demasiado joven y además la imagen refleja cierta inestabilidad y cierto desequilibrio en
cuanto al peso.
El tratamiento anatómico de Cristo está perfectamente tratado y por otro lado los ropajes de la
virgen son rígidos y tienen pliegues profundos aumentando el claro oscuro y la parte superior se
basa en la técnica de los paños mojados.
Trata de reflejar una virgen joven de belleza espiritual.
La técnica es mármol elegido y pulido personalmente por Miguel Ángel y finalmente le da un
acabado brillante.
 DAVID DE MIGUEL ANGEL

El David es una escultura de mármol blanco La realiza Miguel Angel a los

25 años y el bloque que eligió era demasiado estrecho para hacer una
escultura de envergadura siendo el margen de error mínimo. Lo realiza
en secreto y sin modelo.
Representa la lucha de David (joven Israelita que representa la
inteligencia) contra Goliat (gigante filisteo que representa la fuerza
bruta). Es una glorificación de la inteligencia frente a la fuerza y refleja
al hombre como media para todas las cosas.
Esta escultura es un canto a la belleza masculina y un estudio anatómico
perfecto pero fue criticado por ciertas desproporciones
La cabeza es excesivamente grande y el brazo es largo y grande pero a
pesar de todo es una obra cumbre de Miguel Ángel.
Esculpe el momento en el que David va a matar a Goliat por lo tanto es una calma aparente de
hecho sostiene en la mano izquierda la piedra y con la mano derecha la onza. Su expresión trasmite
una concentración interior física y psicológica antes del momento culminante. Se refleja la llamada
terrebilitat de Miguel Ángel tiene una gran fuerza en el rostro con el ceño fruncido y una mirada
llena de vigor, amenazante, los ojos aparecen tallados con profundidad y forma acorazonada.
El cabello es muy rizado con rizos muy abiertos que acentúan el claro oscuro. Todo este rostro esta
lleno de fuerza y muestra seguridad ante la hazaña que va a realizar, todo esto se acompaña de los
músculos del cuerpo en tensión visible en el glúteo y en el torso. Además a pesar de ser exenta
está hecha para ser vista desde un punto de vista frontal. Es destacable el giro de la cabeza mirando
hacia el enemigo.
La postura es un contraposto: la pierna derecha se apoya en el suelo recogiendo la tensión y la
izquierda esta relajada esto se contrapone con los brazos.
 MOISES DE MIGUEL ANGEL

(1513-1516) Realizado en mármol blanco tiene una altura de 2’35 m y se

encuentra en san Pietro de Vincoli.
El Moises forma parte del proceso escultórico de la tumba de julio II, el
proyecto escultórico más ambiciosos de Miguel Ángel.
En 1505 Julio II le encarga la ejecución de su mausoleo, que le ocupó y
preocupó buena parte de su vida el proyecto inicial tenía que tener 4 paredes y
estar dentro del Vaticano. Miguel Ángel diseño un modelo de 40 figuras a
tamaño real pero julio II abandona el proyecto por lo tanto quedo una visión
más modesta q acabo en San Pedro de Vincoli.
El Moisés es una escultura de bulto redondo, es un Moisés sentado con ropajes de estilo romano
que sujeta las tablas de la ley. Está hecho de mármol blanco y presenta a un hombre mayor con una
larga barba y unos cuernecillos que en realidad reflejan unos rayos de luz.
Destaca la expresividad del rostro de Moisés, ya no es sereno y tiene un gran movimiento que
refleja una serenidad en tensión, a pesar de estar sentado las piernas muestran gran inestabilidad
y con los brazos realizan casi el mismo esquema, parece que las tablas se van a caer.
Es destacable el giro de la cabeza mirando al infinito donde se refleja la terribiltat, tiene fruncido el
ceño, los labios en tensión y los ojos acentuados, hundidos marcando el claro oscuro.
Moisés fue un israelita que fue adoptado por la faraona de Egipto y fue elegido para liberar a su
pueblo del jugo de los egipcios y los guio hacia la tierra prometida.
Interpretaciones:
1. Moisés bajo el monte Sinaí se encuentra a los israelitas adorando a un carnero.
2. Moisés está contemplando la luz divina.
3. Yabé le cuenta a Moisés que no vera la tierra prometida.
Realmente se dan por buenas las dos primeras.
La luz no incide suavemente sino que toda la escultura tiene hendiduras que aumentan el claro
oscuro y le otorga dinamismo.
La técnica muestra un gran virtuosismo a la hora de esculpir.
Lo presenta como un hombre maduro pero con gran musculatura. Además eligió el mármol para
darle una textura suave.
El Laoconte influye en el Moisés.
 PINTURA RENACIMIENTO
CARACTERISTICAS GENERALES

 En el renacimiento aumenta la importancia de la pintura gracias a la técnica del oleo y el

oleo sobre lienzo.
 Se vuelve a la antigüedad en la búsqueda de la naturaleza por lo tanto se inventan sistemas
de la representación de la naturaleza y se inventan la perspectiva lineal y aérea.
 Brunelleschi, formula las normas y Alberti las da a conocer en su obra De pictura.
 La pintura avanza científicamente en la representación del volumen, en la reproducción del
teatro, en la representación del paisaje y buscan la representación del espacio.
 La primera conquiesta es la perspectiva en concreto la lineal; instrumento que permite crear
en la superficie pictórica la ilusión de profundidad.
 La siguiente conquista gracias a Da Vichi, es la perspectiva aérea que hace que los objetos
más alejados tienen los contornos menos precisos que los que están cerca y la distancia
transforma el color del dibujo.
 A finales del quattrocento se elaboran escorzos, trampantojos, soportes y técnicas.
 En Italia va a haber pinturas sobre mural al fresco para pero también pintura sobre caballete
que primero será en tabla y luego en lienzo y la técnica es el oleo.
 En el quattrocento la línea predomina en el dibujo sobre la masa de color pero en el
cinquecento tiene importancia la luz natural y la gran paleta de colores que es muy rica
 Las composiciones comienzan siendo sencillas metidas dentro de formas geométricas
simples, como el cuadrado, rectángulo y círculo, buscando serenidad y equilibrio.
 Destaca la figura humana, la belleza idealizada, encontramos desnudos en los que se plasma
el estudio anatómico
 Los temas son religiosos relacionados con el cristianismo o la mitología de Ovidio y Dante y
además hay retratos unidos a los mecenas, reafirman el individualismo renacentista y el
carácter humano.
PINTURA DEL CUATTROCENTO: (Masaccio y Boticelli)

 Masaccio (<<el Tosco>>) (1401-1428?)

Comienza una nueva tendencia pictórica revolucionaria al aplicar la ciencia en la pintura.
A los 25 años ya había madurado su propio estilo y a pesar de su corta vida se le considera uno de
los fundadores de la pintura moderna.
En su estilo destaca el realismo, la sobriedad y los efectos de la luz.
De entre sus obras cabe destacar la Trinidad para la Iglesia de santa Maria Novella en Florencia.

 Boticelli (1445-1510)
Es el último artista del cuattrocento, domina la segunda mitas del siglo XV y trabaja para los Medici
en Florencia.
Es un pintor lirico que trata de reflejar la belleza spiritual Se deja llevar por dos corrientes filosóficas
el neoplatonismo y la filosofía savonarola.
Boticelli utiliza la línea por encima del color sin interesarse por el espacio, la perspectiva ni las
matemáticas
 LA TRINIDAD DE MASACCIO

Es una pintura mural al fresco en la pared de santa María Novella en

Florencia.
El tema es la santa trinidad tras la muerte de Cristo y en este cuadro
se representa al padre que acoge entre sus brazos a su hijo y entre la
cabeza del padre y la cabeza del hijo tenemos al espíritu santo, en
forma de paloma. En el lado izquierdo aparece la virgen aparece la
virgen señalando a su hijo y en el otro lado esta San Juan que mira
con devoción a Cristo. Fuera de la escena sagrada aparecen los
comitentes que se equiparan a los personajes sagrados. En la parte
interior aparece una mesa y debajo un sarcófago.
Toda esta escena se desarrolla en un marco arquitectonico ficticio
que tiene un arco de medio punto apoyado en unas columnas jónicas
que da paso a una bóveda de medio punto con casetones y todo este conjunto aparece sostenido
por dos pilastras pintadas de orden corintio sobre el se apoya un arquitrabe .
Es la primera obra que utiliza la perspectiva lineal de manera científica. El punto de fuga esta
debajo de la cruz encima de la mesa y a partir de allí se trazan las líneas de fugas sobre los que
realizara tanto los personajes como la línea de casetones.
Hay varios planos: El primer plano es el de los comitentes, luego en un segundo plano están la
virgen, San Juan y Jesucristo y por ultimo detrás de la cruz se encuentra el espíritu santo y Dios.
La línea compositiva que predomina va a ser un triangulo cuyo vértice coincide con la cabeza de
dios padre atravesando la cabeza de San Juan, la virgen y los comitentes y la base es la mesa.
También es una composición simétrica, donde se alternan colores fríos y cálidos, los comitentes: el
de rojo y ella de azul. Alterna los colores de manera científica ya que la virgen viste de azul y San
Juan de rojo mientras que la capa de dios padre tiene ambos colores.
 EL NACIMIENTO DE VENUS DE BOTICELLI

(1445-1510) Pintura al temple sobre lienzo pintado

por Botticelli, que representa el nacimiento de Venus,
diosa del amor y la belleza.
El cuadro refleja el momento que Venus llega, sobre
una concha, a la playa, empujada por el Ciro, viento
del oeste, que lleva en sus brazos a su mujer Cloris y
están rodeados por una lluvia de flores.
Venus llega a la isla Citerea ensimismada, púdica, cubriéndose sus partes íntimas; mientras que con
su brazo trata de taparse el pecho, el pubis lo tapa con los cabellos. A su izquierda está la Hora
Primavera, que va a tapar a la Diosa con una túnica roja bordada con flores.
En las líneas compositivas los personajes están enmarcados en un triangulo pero con líneas curvas
que le dan un movimiento contenido al cuadro; Ciro y Cloris describen una línea curva al igual que
primavera y finalmente Venus también dibuja una línea curva (curva praxiteliana).
La línea se impone al color, el color es muy discreto y las gamas de colores son suaves, van del
verde al azul y las caras son marmóreas
No hace un estudio de la perspectiva, no hay punto ni líneas de fuga y existen imperfecciones como
el diseño de las olas y las piernas de Cloris y Cefiro.
La luz es cenital y finalmente Botticelli trata de reflejar el triunfo del amor en la naturaleza. El
nacimiento de Venus se asocia al bautismo, la concha simboliza la fertilidad y las rosas es un
símbolo del amor y el dolor.
PINTURA DEL CINCUECHENTO: (Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel)
 Leonardo da Vinci (1452-1519).

Fue un humanista completo e innovador con una inquietud y curiosidad inagotables.

Su personalidad excepcional obliga a considerar en su biografía aspectos múltiples de su talento,
aparte de los pictóricos. Es ingeniero, militar, estudio anatomía, fue óptico, botánico, matemático,
astrónomo… Además va a ser experto e inventor de la perspectiva aérea, ya que la lineal falsea la
realidad porque no refleja el carácter cambiante de la realidad y va a incluir la atmosfera, donde
mete los cuerpos, de hecho plantea que la lejanía desdibuja los contornos y los vuelve de color azul
por lo tanto trata de reflejar el carácter fugaz y cambiante de la naturaleza, Donde se puede ver
plasmado el atardecer. La indefinición de los contornos le lleva a la técnica del esfúmato, que es
pasar de las zonas iluminadas a las colores con una suave gradación del color.
 Miguel Ángel
Como pintor está influido por la filosofía neoplatónica, además su carácter artístico escultórico se
refleja muy bien en la pintura con las formas potentes, las proporciones colosales que reflejan gran
variedad de posturas, su gran conocimiento de la anatomía humana masculina y la tensión en sus
cuadros.
Es manierista porque no usa la perspectiva, sus imágenes vagan en el espacio, la paleta de colores
es muy viva y contrastada.
 Rafael Sanzio (1483-1520)
Hijo de un pintor, Rafael se inicia rápidamente en el mismo oficio. Algunas de sus principales obras
son: Los desposorios de la Virgen, La disputa del Sacramento, La escuela de Atenas y El incendio del
Borgo. También fue un retratista personal e innovador, de gran penetración psicológica,
destacando: El retrato del cardenal, el Retrato de Julio II y el Retrato de Baltasar Castiglione.
Rafael muere con 37 años pero aun así fue una expresión máxima del ideal humanista, es el mejor
ejemplo del equilibrio clásico del Cinquecento, de la medida, de la belleza ideal, de la simetría axial,
de la claridad compositiva, el encanto colorista y la luminosidad diáfana.
 LA VIRGEN DE LAS ROCAS DE LEONARDO DA VINCI

Oleo sobre tablas pintado por Leonardo da Vinci cuyo tema es la virgen
acompañada y protegiendo a San Juan a su derecha y al niño Jesús a su
izquierda junto con un ángel que mira al espectador y señala a San Juan
que esta adorando al niño Jesús mientras este le bendice.
Todo el conjunto está dentro de una extraña gruta en la penumbra, al
fondo fluye un rio y el paisaje es irreal, algo tenebroso y sobrecogedor.
La línea compositiva es un triangulo que le da estabilidad a la
composición, en el vértice superior esta la cabeza de la virgen uno de los
lados atravesaría el brazo de la virgen y la espalda de San Juan y por el
otro lado atraviesa la mano de la virgen y la espalda del ángel. Pero además las cabezas de los
personaje describen un circulo que da movimiento a la obra y se acentúa con el dialogo de ellos
atreves de las manos.
Hay contraste de color cálido, dentro de la capa del ángel, y el color frio de la túnica de la virgen y
el fondo, que actúa la profundidad.
La luz es cenital y alumbra la parte izquierda de la imagen. Además muestra con gran maestría el
esfumato que da volumen a las formas y gradación.
Usa la perspectiva aérea con gran maestría creando una atmosfera en el cuadro. Y Destaca la
capacidad que tiene Leonardo da Vinci por captar un momento fugaz.
 LA CAPILLA SIXTINA DE MIGUEL ANGEL

(1058-1512) Capilla del Vaticano que fue mandada construir por

Sixto IV en 1475. En origen era un cielo azul con estrellas pero en el
gótico florentino cuando Julio II es nombrado papa le encarga a
Miguel Ángel hacer la capilla. Es una bóveda de cañón con lunetos
con toda una estructura pintada de arcos fajones que dividen toda
la bóveda en nueve tramos de diferentes tamaños de tal manera
que cada tramo es un episodio bíblico del Génesis y va a narrar
desde la Creación hasta la Caída del hombre, el Diluvio y el nuevo
renacer de la humanidad con la familia de Noé.
En el grupo principal se encuentra La creación de Adán en él que el mira con anhelo a Dios y Dios
le hace a su imagen y semejanza reflejando la terrebilitat no llegan a tocarse pero el punto principal
es el espacio que queda entre la mano de Adán y Dios.
Pintando en la pared del altar esta el Juicio Universal, en este fresco, Miguel Ángel representa el
retorno glorioso de Cristo resucitando los muertos, separando a un lado los buenos y a otro los
malos. Es una composición circular y gira en torno a Cristo y a su madre. Las otras líneas
compositivas son tres bandas horizontales:
En la 1ª banda aparecen las almas que Cristo esta resucitando y aparece la barca de Caronte,
Caronte lleva un palo para llevarlos al infierno
En la 2ª banda se mezclan los que ascienden hacia el cielo con los que caen al infierno y en medio
hay un grupo de ángeles con un instrumento musical que anuncian la bienvenida a Jesucristo.
Es la 3ª aparece toda la corte celestial, Jesucristo, la virgen, hay una jerarquía según el grado
bondad de los personajes aparecen más o menos grandes.
La parte superior en los lunetos aparecen unos ángeles que llevan lo signos de la pasión de Cristo,
la cruz la corona de espinas.
El espacio del fondo es un espacio sin definir. Por otro lado los 400 personajes representados están
pintados como esculturas, son imágenes que aparecen al aire libre, cuyo su movimiento es
destacable y sirve a Miguel Ángel hacer un estudio del movimiento.

ESCUELA DE ATENAS DE RAFAEL SANZIO

(1509-1511) pintura al fresco que refleja el tema de la

búsqueda de la verdad racional en el templo de la
filosofía.
En el centro de la composición aparecen Platón y
Aristóteles. Platón con la mano izquierda sostiene el
libro de Timeo mientras que con la derecha indica hacia
arriba con un dedo apuntando al mundo de las ideas. Al
lado de Platón está Aristóteles, que con la izquierda sostiene su libro de ética y su mano derecha es
un escorzo que señala hacia abajo, demostrando el valor del conocimiento empírico.
Ambos avanzan hacia el espectador y reflejan las dos vías del conocimiento en el renacimiento.
A la izquierda del conjunto esta Sócrates rodeado de un grupo de jóvenes que le escuchan.
Abajo esta Epicuro, también Pitágoras, rodeado de gente que le mira, detrás de Pitágoras esta
Hipatia. Heráclito también aparece con el codo apoyado en un cubo, Diógenes está tirado en las
escaleras leyendo y en el lado izquierdo aparece Eudides con un grupo de alumnos a su alrededor y
también están Homero.
La cara de platón corresponde al rostro de Leonardo Da Vinci y el arquitecto Bramante, encarna a
Euclides.
El escenario se desarrollen una construcción arquitectónica que le sirve para de desarrollar la
perspectiva lineal, el punto de fuga está al fondo entre los personajes principales.
Los colores son suaves, tenues, apagados, predominan los azules, marmóreos y naranjas.
Las líneas que componen el cuadro son horizontales o verticales que le dan al cuadro serenidad.
El protagonismo lo tienen todos los personajes dentro de la obra ya que todos están en acción:
platón y Aristóteles están dialogando, Heráclito estaba pensando y escribiendo sus razonamientos.
Rafael reivindica con esta obra todo lo que tienen que ver con las artes culturales.
Todos los personajes están ligeramente idealizados el plan del Rafael conjugó dos culturas la
cristiana con la tradición grecolatina.

ESCUELA VENECIANA

CARACTERISTICAS
- El color de la pintura veneciana se desarrolla en el siglo XVI.
- Esta pintura perfecciona la pintura al oleo sobre tela porque la tela es más dúctil y blanda.
- Toman la perspectiva lineal y el esfumato.
- El color es fundamental, se impone a la línea y hay una paleta muy variada.
- El paisaje, con grandes efectos de luz, adquiere un aspecto misterioso y cobra protagonismo
por encima de los personajes.
- Esta pintura influye el barroco Español: Tiziano, Tintoretto, Giorgione.

 Giorgione: (1447-1510) utilizaba una luz cristalina y un color radiante. Destaca por ser un
experto en el color, pintaba sin ningún boceto previo y aplicaba el color directamente sin
estudios previos, esto acarrea ciertas imperfecciones.
 LA TEMPESTAD DE GIORGIONE

(1500-1505) es una de las obras más enigmáticas de la Historia

del Arte. Es un óleo sobre tela del que no se sabe con exactitud
su tema y hay varias versiones:
Versión 1: quiso tratar el tema mitológico de Paris amamantado
por su nodriza.
Versión 2: el resultado de la expulsión de Adán y Eva del paraíso.
Versión 3: parece ser que quiso reflejar una tarde de tormenta
antes de que llueva, pintaba el instante antes de que este cielo
rompa en una tempestad.
Lo que sí está claro es que es el primer cuadro en el que la naturaleza es la protagonista.
El color es difuso porque aparecen manchas difuminadas y usa la técnica del esfumato. Utilizaba
una gran gama de marrones y de azules verdosos y con el color además forma volúmenes y
profundidad sin líneas.
Es una composición novedosa donde destacan las líneas compositivas: aparecen líneas horizontales
en el protagonista, los árboles y en la arquitectura del fondo, estas líneas horizontales le dan
estabilidad al cuadro y la verticalidad se ve acentuada con las patas del puente que contrasta con la
pasarela horizontal del mismo.
Además en esta composición el personaje de la mujer sentada a la derecha se podría enmarcar en
un triángulo.
El verdadero tema es una naturaleza y de hecho quiso captar el instante en el que cae un rayo. Es
una de las obras que mejor captan la humedad en un ambiente.
  Tintoretto: es veneciano, se deja influir por el manierismo y le gustan las composiciones
teatrales.
Sus obras reflejan los contrastes de luz y sombras. También plasma fondos eternos en los
que deja elementos arquitectónicos a los laterales y las figuras las desplaza los lados,
desplazando también el punto de fuga.
Impone luces que crean espacios irreales que generan extrañeza e influye en los
surrealistas.

EL LABORAORIO DE PIES DE TINTORETTO

Óleo sobre lienzo que se encuentra en el museo del Prado. Refleja el episodio del nuevo
testamento en el que Jesús limpia los pies a los apóstoles en un acto de humildad. El tema aparece
desplazado a la derecha pero queda compensado por qué a la izquierda aparece un apóstol
atándose las sandalias y en el centro hay una profunda perspectiva con el punto de fuga desplazado
a la izquierda, esto le da un aspecto teatral al cuadro. A esta perspectiva lineal se le suma la aérea
por la iluminación de los cielos.
El color es muy veneciano con muchas gamas de colores muy brillantes, destacan los azules y los
colores piedra.
Crea zonas iluminadas como la mesa mientras zonas a su alrededor que están en penumbra.
  Tiziano: va a destinar su pintura a las clases altas, destaca por ser pintor de la corte de
Carlos V y su hijo Felipe II. Se caracteriza por realizar composiciones monumentales con
colores muy brillantes que reflejan el lujo es un pintor manierista pero abrirá nuevos cauces.
Sus temas principales son: retrataos, temas mitológicos iconografía cristiana y pinturas
alegóricas. Además es un pintor que influye sobre el barroco español.

CARLOS V A CABALLO EN MÜHLBERG DE TIZIANO

Es un retrato ecuestre de Carlos V pintado al óleo sobre lienzo y

hecho por el pintor Tiziano en 1548
Este retrato ecuestre recuerda a los retratos de la antigüedad.
Representa a Carlos V a caballo, detenido frente al río Elba y detrás
de él se observa un bosque.
El rostro del emperador está serio e impasible mientras que el
caballo tiene aptitud de movimiento.
Hay un desequilibrio entre la parte izquierda, donde hay mucha
más información y predominan las líneas verticales y la figura de Carlos V que va montado a
caballo, mientras que la parte derecha desequilibra la parte izquierda porque predominaban líneas
horizontales y aparece más despejada.
El color es muy importante está por encima de la línea y consigue grandes contrastes. Destacan
colores cálidos: rojos y ocres.