FACULTAD DE ARTES

DEPARTAMENTO DE TEATRO

Cuenta de lectura

“Mi vida en el arte” Konstantin Stanilavski.

Profesor: Marco Espinoza Quezada

Ayudantes: Cristián Hormazábal Saballa y Marisol López Jilberto

Estudiante: Laura Pfennings Reis

Primer año actuación teatral

 FICHA TÉCNICA

Título original: “Moia Zhizn’ V Iskusstve”

Título en español: “Mi vida en el arte”

Autor: Konstantin Stanilavski

Idioma original: Ruso

Año primera edición: 1995

Editorial: Ediciones Alarcos

Dirección: Línea y B, El Vedado, La Habana 10400, Cuba

Año de Publicación: 2013

Número de páginas: 680

Edición y corrección: Royma Cañas

Diagramación: Royma Cañas

Diseño e ilustración de cubierta: Marietta Fernández

Colección: Biblioteca Clásicos (al cuidado de Omar Valiño)

Extra: Estudio preliminar por N. Volkov.

Nota: No logré encontrar quien realizó la traducción, pero leí sobre la editorial y el trabajo
es realizado por un grupo de periodistas e investigadores teatrales a cargo del académico
Omar Valiño, el proyecto pertenece al Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Cuba.
Infiero que sea una traducción colectiva.
DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

La obra aborda, en primera persona, el tránsito del autor a través del arte en diversas etapas
de su vida. Así también detalla experiencias vividas en 4 momentos fundamentales: la
infancia, adolescencia, juventud y madurez artística, y de qué forma cada etapa nutre y
completa su constitución como artista.

Narra como Stanilavski se ve vinculado con el mundo de la escena y nacen, muy

tempranamente, sus experiencias y reflexiones al respecto. Desde sus primeros
cuestionamientos, sus errores y aciertos en el proceso de aprendizaje, su constante
observación de las circunstancias, su crecimiento como actor y regisseur, trabajo que se
torna una búsqueda que provoca desapegarse de los cánones tradicionales del teatro y
trabajar en torno a un método propio, que implica una constante evaluación. El autor
también, hace un relato de la historia del Teatro Arte de Moscú, que funda junto a
Nemiróvich-Dánchenko -allí se ponen en práctica las ideas de ambos sobre la búsqueda
creativa del actor-, y los montajes realizados, así como quienes influyeron en él, A. Chejov,
entre otros, es una figura que marca su trabajo. Además hacia el final realiza una reflexión
de este tránsito artístico, ahonda en el análisis de trabajos de laboratorio y habla sobre la
importancia de la “la parte externa” de la puesta en escena (escenografía, vestuario,
maquillaje, etc.).

En conclusión en texto refleja la devoción y constancia de Stanilavski por el oficio teatral y

su determinación por elevar esta disciplina al plano profesional, así como incitar al actor a
una búsqueda del método propio y de alcanzar el estado creador.

CITAS DE TEXTO

“Le son necesarias las impresiones producidas por los buenos espectáculos y los buenos
artistas, por los conciertos, los museos, los viajes, los buenos cuadros de todas las
tendencias, desde las más izquierdistas hasta las más derechistas, ya que nadie sabe bien
qué es lo que conmueve su espíritu y despierta sus ocultos secretos creadores” (pág. 62)
Siempre he tenido cierta noción de la importancia que tiene en la vida, recibir la mayor
cantidad de conocimiento posible, acumular experiencias, interesarse por todo aquello que
no se conoce. Al entrar a estudiar teatro escuche en diversas ocasiones que entrar a la edad
que tengo no es lo ideal, que se requiere más edad, más experiencias, y si bien estoy de
acuerdo con que en mucho sentidos se me ha vuelto complicado, porque tengo menos
cantidad de tiempo vivido que muchos de mis compañeros, en cierta medida esta actitud
curiosa e interesada me ha ayudado a suplir la corta edad que tengo y a articular opiniones
y posturas frente a los contenidos tratados en la carrera. Muchas cosas que he leído
escuchado o visto comienzan a aflorar y cobrar sentido al aplicarlas al teatro y me
recuerdan lo importante que es estar siempre con los sentidos atentos a toda experiencia de
crecimiento, sin prejuiciar. Los referentes ayudan a articular un discurso coherente, y
consciente de ser una construcción de un pasado y un presente artístico, histórico, social,
político, etc.

“Pero la tradición es caprichosa, renace (…) se transforma en un oficio y sólo conserva

su partícula más valiosa, hasta que un nuevo renacimiento del teatro toma esa grandiosa
y eterna partícula heredada e integra a ella su contenido innovador” (pág. 77)

Me hace mucho sentido con el teatro y con el arte en general, en los ramos de historia, he
aprendido a entender, como el evoluciona en arte con respecto a los cambios sociales y
como pronto las vanguardias de tornan tradiciones para que así aparezca otra tendencia que
rompa con la tradición y así sucesivamente. Pero siempre existe esta “partícula” de la que
habla Stanilavski que constituye el avance, esa conciencia que se tiene de lo pasado, de lo
pre-existente para plantear nuevas formas -incluso para contradecirlas en su totalidad- pues
esa sola conciencia inevitablemente constituye un aporte para el desarrollo de la disciplina
y habla de la linealidad generada por las artes en relación su historia.

“De esta manera el arte me parecía algo que bien podía ser ligero, difícil, admirable,
intolerante, alegro doloroso” (pág. 89)
Esta multiplicidad de sensaciones que se generan en la relación que se establece con el
teatro, sobre todo cuando se es primerizo. A ratos me produce una fascinación idílica, me
llena y todo cobra sentido, luego ante los desafíos que se me presentan en las diversas
tareas a ejecutar se me nubla el panorama y muchas veces pienso que no tengo nada que
entregarle al teatro, me cuestiono cual es el real sentido se desarrollar este oficio. Leer esta
cita me genera una identificación muy gratificante ya que me ayuda a entender que todas y
cada una de estas sensaciones forman parte de la formación del artista y que son naturales,
lo que me ayuda a no evadirlas y buscar el aprendizaje en cada una de ellas.

“Me convencí de que en el caos no puede haber arte. El arte es orden y armonía” (pág.
142)

Lo que he aprendido en esta primera incursión en el teatro es que es trascendental el orden

y la armonía, en primera es necesario establecerlo en la vida, he entendido que debo
aprender a tener disciplina, generar rutinas diarias, ser puntual, a planificar mis tiempos,
mantener los espacios ordenados ya que todo esto influye directamente en la calidad de
trabajo que soy capaz de presentar, mejora mis niveles de atención al trabajo creativo, ya
que todo lo práctico está resuelto, funcionando.

Por otro lado cuando tuvimos clases con Cristian Keim, recuerdo que la primera lectura que
realizamos fue “De lo espiritual en el arte” de Kandinsky, la clase luego de entregar los
informes de lectura correspondía a una muestra, luego de que finalizaron tanto el profesor
como las ayudantes nos hablaron de la incoherencia de lenguaje que existía en nuestras
muestras y que era necesario que fuéramos capaces de aplicar lo leído. Efectivamente
Kandinsky habla de la armonía en las composiciones plásticas, en la que cualquier
elemento que pueda tanto estar como no estar, sobra. Es decir que en la escena todos
elementos que decido poner deben corresponder a un lenguaje determinado, nada debe estar
ahí al azar, todo debe ser parte de un orden, de una armonía, aunque en apariencia sea
caótico, esto debe ser una decisión y debe responder a una lógica determinada.

“No hacía lo que yo propiamente sentía sino que repetía lo que había sentido otro. Pero
es imposible vivir un sentimiento ajeno si esto no se convierte en algo propio.” (pág. 151)
En la preparación de personajes se vuelve fundamental encontrar lugares propios en los
cuales podemos padecer aquello que el trabajo requiere, no basta con imitar la forma sino
que debe encontrarse propiedad en aquella forma. Esto me genera mucho sentido con la
idea de estar presente en el escenario, cuando se está presente, y no se piensa en repetir
acciones y palabras sin sentido, sino que estas ya están a un nivel interno que no requieres
de hacer trabajo de memoria, eres capaz de que cada acción y palabra dicha genere algo en
el estado emotivo y sensorial en el que te encuentras y a la vez eso te impulse a la siguiente
acción. Personalmente siento que sólo he logrado esto en el examen del semestre recién
pasado, ya que aún siento que necesito tiempo para internalizar una secuencia de
movimientos y de palabras, para sentirme tranquila en el escenario y dejarme permear por
sensaciones y emociones propias del momento. Ya que para preparar un examen uno tiene
la posibilidad de generar un proceso sistemático de ensayos por la extensión de tiempo dada
para prepararlo.

“Nuestro organismo es caprichoso, hay que saber conducirlo si se pretende su

obediencia” (pág. 168)

He aprendido mucho en este tiempo sobre mis limitaciones físicas, sin embargo antes estas
limitaciones sólo me generaban bloqueos que me llevaban a nunca explorar en el cuerpo, y
mantenerme en acciones cómodas que no me exigían físicamente y no me ponían en mayor
conflicto. Poco a poco estoy aprendiendo a entender mis limitaciones, ahondar y trabajar a
pesar de ellas, pero siempre buscando superarlas. Es muy importante entender el cuerpo del
actor como una herramienta, que se debe conocer a fondo, cuidarse y exigirse. El trabajo en
escena exige un cuerpo, sano, seguro y cargado de energía.

“El retrase, la pereza, los caprichos, la histeria, el mal genio, el ignorar el papel, la
necesidad de hacerse repetir dos veces la misma cosa, son igualmente dañinos para la
obra y deben ser extirpados” (pág. 224)

La cita se refiere a la disciplina, en mi opinión todo lo mencionado tiene directa relación

con el trabajo colectivo, todas son cosas que entorpecen las relaciones en un grupo de
trabajo. En la escuela uno está constantemente trabajando en colectivo, y para desarrollar
este trabajo a todos los estudiantes nos es necesario entender normas básica de conducta,
entre las cuales están la puntualidad, saber escuchar al otro, dejar la vida personal lo más de
lado posible si entorpece el trabajo y mantener una actitud propositiva y dispuesta. Sucede
que al principio uno busca trabajar con todos, para conocer sus formas, y con el tiempo
empiezas a seleccionar con quienes sí y con quienes no, y pasa que todos estos factores son
los primeros que uno analiza al momento de elegir. Esto me lleva a evaluar en mí misma
constantemente la forma que tengo de trabajar, pues si utilizo estos criterios para juzgar a
mis compañeros debo preocuparme de aplicarlos también en mí.

“La creación, proceso creador, comienza en el momento en que en el alma y en la

imaginación del artista aparece el mágico ‘si’ creador” (pág. 409)

Como actriz en formación, me gusta ver este estado, como el lugar ideal al cual se debe
llegar en un ensayo, cuando dejas a un lado el juicio de lo que se está y logras vivir al
personaje, pues desde ahí todo cobra sentido, cuando se dejan a un lado el miedo de hacerlo
mal y la aspiración de realizar una interpretación brillante –cosas que le pertenecen a
psiquis del actor- y la mente se pone completa y desinteresadamente al servicio del trabajo.
Personalmente esto en lo que busco constantemente y lucho siempre con mi ambición de
“hacerlo bien” en vez de tan sólo “hacerlo”, lo identifico como mi desafío permanente.

“El actor necesitaba un fondo escénico más sencillo, pero de tal índole, que se pudiera
extraer de él una infinidad de estado anímicos (…)” (pág. 509)

Siempre me ha interesado como todo lo que rodea a la interpretación propiamente actoral

contribuye al desarrollo escénico. Me parece igual de importante la narratividad de una
actuación bien ejecutada a una adecuada elección de elementos escenográficos y vestuario,
ambos universos deben fusionarse, debe dialogar, responder a un leguaje en común, pues se
complementan y aportan mutuamente.

“La acción en el escenario igual que la palabra pronunciada y cantada, ha de ser

musical” (pág. 534)

El teatro, a mi parecer puede ser visto como música en muchos aspectos, pues todos los
elementos que se ponen en escena responden a una armonía. Por eso es muy importante, y
para mi experiencia personal más difícil, encontrar esta musicalidad en las acciones, en el
cuerpo en lo que se ejecuta.

Para la preparación del examen del semestre pasado me enfoque en trabajar desde el cuerpo
y puse especial énfasis en darle sentido al personaje desde las acciones que ejecuta, para
esto –ahora estoy descubriéndolo, pues lo hice sin saberlo- trabaje con una suerte de
partitura física, que para mí llego a ser muy parecido a interpretar una pieza musical, cada
movimiento tenía una cualidad diferente que estaba definido por la intención (el motor
emotivo) que lo impulsaba, diferente a como me esperaba esto me hizo descubrir en mi un
lugar de trabajo que me resulta muy efectivo, pues descubrí que a través de la ejecución de
estos movimientos, que fueron creados con objetivos determinado, lograba entrar en
diferentes estados sin tener que inducirme voluntariosamente en ellos. Al momento de
introducirle el texto, resultó que lo más lógico era una canción cantada en vez de un texto
dicho, lo que también resultó ser un lugar ajeno que me generó una gran comodidad.
Gracias a este trabajo entendí la importancia de armonizar el cuerpo con la escena, pues es
el primer lugar a resolver para mí hasta el momento.

“Cuanto más grande es el artista más se interesa por la técnica de su arte” (pág. 552)

Sucede que el lugar del acierto, cuando se es una estudiante en formación, resulta más
incómodo y dificultoso que el del error, porque siempre hay lugares hacia dónde crecer. En
esta etapa uno busca la constante aprobación y cuando la recibes es muy fácil quedarse
descansando en el acierto, regocijarse en él y estancarse, en cambio el error incomoda y
genera automáticamente una crisis que te obliga a avanzar. Por eso busco, siempre que
recibo una buena crítica, dónde está el acierto, qué fue lo que hice bien y de qué forma
puedo aplicarlo a futuros trabajos. La idea, en el desarrollo como artista, es nunca dejar de
buscar espacios de crecimiento.

GLOSARIO

1. Apuntador: Hombre que está detrás de una concha, escondido en el

escenario, y que dicta los textos a los actores en caso de olvido.
2. Contención escénica: Liberar el cuerpo del poder de los músculos y
someterlo al sentimiento, eliminando tensiones o la anarquía corporal.

3. Crescendo: Aumento gradual de intensidad de sonido en una pieza musical;

Stanilavski utiliza esta palabra para explicar la transición gradual que debe tener el
sentimiento en una pieza dramática.

4. Decorado: Antigua forma de decir escenografía.

5. Dislocación: Estado producido en el actor cuando es obligado a evidenciar

exteriormente lo que no siente en su interior

6. Emploi: Características que el actor identifica de sí mismo, que le permiten

o no interpretar determinados papeles.

7. Fioritura: Palabra técnica musical. Significa adorno innecesario en otras

disciplinas.

8. Foyer: Lugar donde se reunía la gente en los entreactos. Los actores

también tenían un foyer tras bambalinas, que era un lugar de descanso y reunión.

9. Leitmotiv: Tema central de la obra.

10. Proceso creador: Absoluta concentración de toda la naturaleza espiritual,

mental y física de uno.

11. Régisseur: Director de escena, encargado de la presentación estética,

interpretación y arreglo de la escena.

12. Revolución de Octubre: Revolución bolchevique, segunda parte de la

revolución rusa de 1917.

13. Técnica: Conjunto de recursos y procedimientos para llevar a cabo alguna

de las ramas artísticas.

14. Tempo: Ritmo con que se lleva a cabo la acción y el movimiento.

15. Transformarse: Transmutar en otro.

16. Vodevil: género de teatro de variedades que aborda temas ligeros y cómicos.
CONCLUSIÓN

Es un gran aprendizaje la lectura de este libro, muestra a través de un ejemplo de

vida, de una persona real y puntual, a un artista completo como Stanilavski y
permite entender de manera pragmática la formación de una artista desde sus
inicios, y desde su contexto.

Lo que más llama la atención, y que para mí significa el mayor aprendizaje, son dos
factores: En primera la increíble atención con la que vive su vida, toda vivencia
constituye un plano de construcción consciente en su oficio, sorprende la capacidad
descriptiva que tiene de todos los momentos, incluso de su primera infancia lo que
me insta a convertirme en una persona más atenta a los detalles, a darme cuenta que
soy un ser que forma parte de un contexto histórico. Me siento con el deber de
hacerme cargo de ello a través del registro en mi memoria, y poner mi memoria al
servicio de un discurso artístico.

En segundo lugar la lucidez con que analiza su vida, sin resquemores de contar sus
grandes errores, sus caídas, sus pensamientos inocentes; así como cuenta sus
grandes aciertos, sus éxitos y sus revelaciones con una clara intención de contribuir
y de aportar aquello que persigue, el perfeccionamiento de un método actoral que
tiene la capacidad de evaluar y re-evaluar constantemente. Esto permite que al
leerlo uno logre sentirse identificado y encuentre en esos espacios incómodos de
confusión y desmotivación el lugar de las lecciones más valiosas.

Por otro lado valoro la visión que posee para cuestionarse el pensamiento
tradicional, tan fuertemente establecido en esa época, por encontrar algo que le haga
sentido que pueda establecerse como un método que busca profesionalizar cada vez
más el oficio del actor, lo que también incita al lector a encontrar su propio método.

La lectura de este libro, a pesar de ser bastante dura, despierta motivación en

recorrer un camino propio en mi formación artística, me despierta intereses
creativos y sobretodo me hace estar más atenta a mi contexto social.
 BIBLIOGRAFÍA

- Diccionario de la Real Academia Española (vigésima cuarta edición)

- Diccionario Francés-Español Word Reference (http://www.wordreference.com/)