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Historia de la Cultura
Son todos los hechos humanos. La humanidad comienza cuando el ser humano
comienza a ser consciente que es consciente.
Hay una evolución desde el pre humano (primate-4 patas) visión reducida, hasta el
humano erguido en 2 patas, visión amplia, la mirada se vuelve inmensurable. El ser
humano comprendió a partir de la evolución que debe vivir en grupo para poder
lograr su existencia. El hombre al organizarse en grupo empieza a crear y buscar
herramientas para luego utilizarlas en pos de su civilización (fuego, piedra, arcilla,
caña, etc.).
El gran logro cultural que realiza el ser humano y que no será superado jamás, es el
“lenguaje articulado”, esto significa un paso de gigante en la evolución humana y
también significa la construcción del mundo a imagen y semejanza del hombre.
Desde el momento que el hombre comenzó a nombrar (comunicarse), comenzó
también a “crear” (arte – cultura). Ahora todo lo que lo rodea se va transformando
a la medida humana.
Lo invisible para el hombre es lo divino, lo mágico, es todo aquello que pertenece a
una esfera inalcanzable, es lo que no puede conocer ni explicar; lo divino tiene
característica sobre humana, por lo tanto son muchos más poderosas que la del
humano, lo divino es inmortal.
Las primeras divinidades (diosas) son femeninas, porque las mujeres se podían
reproducir, en ellas estaba la fertilidad.
Cultura
Son todas las manifestaciones que se dan en una sociedad. Desde esta materia
vamos a estudiar las grandes manifestaciones del intelecto humano.
El arte en todas sus manifestaciones a lo largo de toda la humanidad a dicho y a
expresado la verdad; las obras de arte no caducan, ellas revelan las fibras intimas
del espíritu humano. El arte nos requiere una predisposición espiritual muy
diferente a lo que requiere la ciencia.
Después de haber comprendido la necesidad de estar en grupo, de organizarse y de
trabajar, “la muerte” comienza a ser inexplicable para el ser humano. Surge la
pregunta esencial básica de la existencia humana: ¿Cuál es el sentido de la vida
durante la certeza de la muerte? Al no tener explicación la muerte, produce
angustia y en pos de esta el hombre empieza a buscar un universo de explicaciones,
de ahí surgen los inventos, relatos, ritos. De así el “primer rito” que elabora el ser
humano es el “rito a los muertos” (enterrar a los muertos). Como seres humanos
necesitamos enterrar a nuestros muertos, ese rito está destinado a “guardar” esos
muertos porque es posible que en ese nuevo mundo que está ahora, nos sirvan como
mediadores, interesados por nosotros en ese mundo divino. De rito funerario luego
paso a ser toda una “ceremonia” y luego se constituyo en una “religión”.
La “religión” es la primera “política” en la sociedad humana. Los sacerdotes eran los
gobernantes porque ellos comunicaban al pueblo lo de las “divinidades” y a la
divinidad, lo del pueblo. Estas características están desde los inicios de las
primeras sociedades humanas.
La vida en la civilización a los comienzos era nómade y sedentaria, pero con el
tiempo las civilizaciones nómades fueron desapareciendo y se estableció la
civilización sedentaria ya que esta contribuía con el desarrollo de la sociedad
humana.
Etiología
Cultura – metáfora agrícola – cultivación del alma o de la mente, cultivo de los
campos.
Diccionario: es el conjunto de conocimientos y saberes acumulado por la humanidad
a lo largo de los milenios.
Elementos de la cultura
Materiales: son todos los objetos en su estado natural o transformado por el
trabajo humano.
De organización: son formas de relación social sistematizada (características
demográficas).
De conocimiento: es lo que se transmite de generación en generación.
Simbólico: son los diferentes códigos que permiten la comunicación. El
fundamental es el lenguaje.
Emotivos o subjetivos: son las representaciones, donde la subjetividad es un
elemento cultural indispensable.
Dentro de toda cultura hay dos elementos que hay que tener en cuenta: los rasgos
culturales y los complejos culturales.
Cambios culturales
Los cambios culturales son los cambios a lo largo del tiempo de todos o algunos de
los elementos culturales de una sociedad.
Estos cambios son los siguientes:
Enculturación: es el proceso en el que el individuo se culturiza.
Aculturación: esta se da generalmente en momentos de invasión o conquistas,
y es de manera forzosa e impuesta.
Transculturación: es un fenómeno que ocurre cuando un grupo social recibe y
adopta las formas culturales que provienen de otro grupo.
Inculturación: esta se da cuando la persona se integra a otras culturas, las
acepta y dialoga con la gente de esa cultura.
Sumerios
Los sumerios se asentaron en el entorno de los ríos Tigris y Éufrates, cerca de su
desembocadura en el Golfo Pérsico. A esta región se la conoce como Sumeria o
Sumer. Se tiene conocimiento de su existencia en torno al año 3500 a.C. aunque no
está en absoluto claro su origen. No se conoce con certeza si los sumerios eran
población autóctona de Mesopotamia o bien se desplazaron desde alguna zona
cercana.
La humanidad les debe a los sumerios un enorme conjunto de avances que
significaron una gran transformación en todos los aspectos de la vida. Quizá los
más importantes fueron la invención de la rueda en torno al año 3500 a.C. y la
invención de la cuneiforme en torno al año 3300 a.C. pero no debemos olvidar que
fueron los precursores de las primeras ciudades (Umma, Uruk, Ur, Eridu, Nipur,
Kish y Lagash entre otras). Los sumerios nos dejaron las primeras leyes escritas,
fueron los inventores del sistema sexagesimal, de los inicios de la medicina, y de
las construcciones con ladrillos de adobe y los arcos arquitectónicos.
Civilización Egipcia
Se tiene conocimiento de su existencia en torno al año 3500 a.C., ene sta
civilización hay un gran refinamiento de: las costumbres, del pensamiento y del
arte. En esta civilización encontramos vestigios (arqueología de arte).
Fue una civilización que se agrupo en asentamientos situados a orillas del rio Nilo.
Tuvo tres épocas de esplendor que se denominaron: imperio antiguo, medio y nuevo.
Fue la primera civilización sedentaria, comenzó con la unificación de varias
ciudades del valle del Nilo.
Su característica geográfica: situado en África nororiental y confinada por Libia,
el Mar Rojo y el Mar Mediterráneo. El Nilo fue la clave del éxito de esta
civilización, ya que permitía el aprovechamiento de los recursos y ofrecía una
ventaja significativa sobre los otros pueblos.
Tenían una forma muy particular de agricultura, esto permitía a la población
dedicar más tiempo y recursos al desarrollo cultural y artístico.
A religión egipcia estaba plasmada en la mitología. Los templos eran un lugar
sagrado donde solo podían estar los sacerdotes y sacerdotisas. La existencia de
momias y pirámides a las afueras de Egipto indican que las creencias de estos y los
valores se transmitieron a otros lugares.
La naturaleza religiosa de esta civilización tuvo influencias en las artes, las grandes
obras de Egipto representaban diosas, dioses y faraones considerados divinos. El
arte esta caracterizado por la idea del orden y la simetría.
Civilización Minoica
La primera civilización del mundo griego, contaban con abundantes riquezas gracias
al comercio; producían aceitunas, cereales y vino en abundancia. Se caracterizaba
por su decoración a base de escenas pintadas en los muros o “frescos”.
Frescos: es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada y
suave capa de yeso, en la cual se va aplicando cal apagada y cuando la ultima capa
esta todavía húmeda, se trabaja (se pinta o se esgrafía) sobre ella, de ahí su
nombre.
Civilización Micénica
Grupo de palacios, entre los que se encontraban los micenas, el rey vivía en estos
grandes palacios y desempeñaba el papel del ejército y de administración. El pueblo
micénico se caracterizo por su activo comercio marítimo y por las exportaciones de
productos, alcanzo su máximo esplendor en al año 1600 aC.
Civilización Clásica
Arcaica (700 – 500 aC).
Clásica (siglo V – III aC).
Helenística (siglo III – I aC).
En este curso histórico, de la civilización clásica, surgieron varios hechos
importantes en la formación definitiva de lo que fue Grecia posteriormente, esos
hechos importantes son:
Formación de la polis (ciudades).
Guerras médicas.
La preeminencia de Macedonia con Alejandro Magno.
La dominación romana.
Edad Oscura
Corresponde al surgimiento de Grecia como civilización, acá se produjo un proceso
de urbanización en el cual se agruparon varias aldeas y formaron las ciudades como
Esparta y Atenas.
Estas ciudades o estados estaban gobernados por reyes que ejercían la autoridad
religiosa, militar y política; excepto en Esparta donde la autoridad de los reyes se
reemplazo por una autoridad aristocrática formada por terratenientes que podían
criar, mantener y criar sus caballos.
Otros dos factores que formaron un papel importante en la formación de la
civilización griega fueron los Juegos Olímpicos y las dos epopeyas de Homero
“Ilíada y Odisea”.
Entre los siglos VI y VIII las polis griegas (ciudades), pasaron de un sistema de
gobierno monárquico a uno aristocrático. Hasta después de varias crisis sociales
llegar finalmente a gobiernos democráticos.
Guerras médicas
Grecia enfrento a los persas, gano Grecia. Para enfrentar a los persas se organizo
la Liga de Delos.
A partir de entonces (siglo V aC) Atenas tuvo el mayor esplender que correspondió
al gobierno de Pericles, el cual modifico las leyes y le dio un sentido democrático.
El arte griego
Este suele dividirse en tres periodos:
Arcaico: acá se comienzan a establecer los órdenes arquitectónicos.
Clásico: etapa de mayor esplendor y originalidad del arte griego,
protagonizada por Atenas.
Helenístico: el arte griego se abre a las influencias orientales.
Pintura
Hace referencia a la cerámica, a platos y vasijas; cuya comercialización era un
negocio muy productivo. Los diseños al comienzo tenían formas geométricas,
después aparecieron los dibujos de plantas y animales, y en el periodo arcaico se
incluyo la figura humana.
Escultura
Las primeras esculturas griegas fueron pequeñas figuras humanas hechas de
materiales maniables como la arcilla, el marfil o la cera. Con la llegada del periodo
clásico, la estatuaria griega abandono los patrones orientales y gracias al estudio
de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana (esculturas
grandes), los rostros ganaron expresividad y realismo.
Se introdujo el concepto de “contrapposto” (posición por la cual la escultura de
apoyaba en una sola pierna).
Durante el periodo helenístico se enfatizo y sofisticaron las formas heredadas del
clasicismo.
Arquitectura
El templo fue uno de los legados más importantes de la arquitectura griega, se
destacaban las columnas, los materiales utilizados eran el adobe para muros y
madera para las columnas en sus comienzos. Pero a partir del siglo VII aC en el
periodo arcaico estos materiales fueron reemplazados por la piedra.
A partir de ahí surgieron tres órdenes arquitectónicos:
Dórico.
Jónico
Corintio
Teatro
El origen teatral es una creación griega y el edificio, anfiteatro, también es una
construcción griega. Los grandes teatros se construyeron a cielo abierto, el teatro
griego nace con danzas y cantos corales (siglo V aC).
Las partes del teatro griego clásico son:
Orchestra: espacio circular de un semicírculo de tierra lisa y compacta
situado al aire libre, donde el coro cantaba y bailaba.
Skené: zona de forma rectangular alargada y estrecha con el lado mayor de la
cara al público, situada detrás de la orchestra, y elevada 3mts. por encima de
la misma.
Koilon: se refiere al lugar donde se contempla, es un espacio de forma
semicircular reservado para el público, generalmente se utilizaba la falda de
una colina que se acondicionada con asientos de madera o piedra.
Origen del teatro
Nace de danzas y cantos corales en el siglo V – VI aC, donde se celebraban fiestas
en honor del dios Dionisos.
Las “fiestas dionisiacas” se realizaban en espacios abiertos cercano al altar del
dios Dionisos, participaban flautistas y músicos y duraban varios días.
Otras fiestas que se realizaban eran los “ditirambos”, que consistían en
representaciones de textos literarios, para bailar y cantar, con acompañamiento de
flauta en las que intervenían 50 hombres. Estas fiestas crearon la necesidad del
dialogo dramático, donde surgió así la forma teatral que denominamos “tragedia”.
Civilización Griega (apuntes)
Surge la polis, acá nacen las pautas culturales. La cultura griega viene de una
corriente migratoria de Asia y África.
La cultura griega se caracteriza por no ser guerrera, es de índole creativa y
contemplativa. Esto da espacio para el arte y la filosofía. Siglo de oro (5 Ac).
Los griegos planteaban la filosofía como una ocupación; y a las artes en relación con
la religión. Surge el arte como una disciplina, el teatro se independiza de las otras
artes, este se hace al aire libre en espacios públicos, se inventa la figura del
dramaturgo (quien escribe la obra). El teatro tiene origen de Dionisos (fertilidad y
excesos) donde estas fiestas que realizaban fueron limitadas por Apolo
(representante de la razón). Así surge la tragedia para ser representada que está
compuesta por un protagonista y un coro.
Mitos y epopeyas
Los mitos son narraciones que se transmiten oralmente, e implican religión.
Epopeya (Ilíada – Odisea), obras teatrales donde en las obras se requería de:
actores, escenografía y teatro y de un libreto, a partir de eso surge una
convención, esta es un acuerdo tácito entre el espectador y los actores, encarna lo
invisible. En estas epopeyas aparecen en el escenario los dioses.
Sócrates: cuando la sociedad avanza en su desarrollo, el ciudadano miembro de la
polis, desarrollan y despliegan sus pensamientos, donde este, el pensamiento, pasa
a ocupar gran importancia. Ese pensamiento creativo desarrolla la filosofía griega,
“sino es creativo, no es pensamiento”.
Cuando Grecia entra en decadencia por causa de las guerras, el estado de ánimo de
los ciudadanos decae, entran en Atenas múltiples corrientes que van en contra de
las creencias Socráticas en relación a la felicidad.
Esquilo, padre de la tragedia (personajes solemnes que transmitían la palabra de
los dioses)
Eurípides, el bastardo de la tragedia (acá las personas se llevan por sus propios
pensamientos.
Alejandro Magno va a intentar llevar a la cultura helénica a una expansión, llevarla
a Italia. Esa expansión dura poco porque Alejandro magno muere. Para esa época
asomaba el ultimo “gran imperio, el Romano”.
Los Romanos
El idioma es latín.
Se caracterizaba por una forma de gobierno autocrática.
Corresponde al periodo histórico de la edad antigua.
La capital era Roma.
Se destaca por el espíritu práctico de todas sus construcciones, son obras
civiles como puentes, acueductos, calzadas.
Sus construcciones muestran grandiosidad monumental, como muestra de su
poder y superioridad sobre otros pueblos.
Crean revolucionarios métodos constructivos.
Utilizaban mármol para cubrir sus edificios o monumentos.
Desarrollaron el hormigón, lo cual permitió cubrir espacios mayores a los que
cubría la piedra
El arte romano
Se encuentra influido por los etruscos y los griegos.
Aparece el retrato real.
Establecen talleres que copian obras griegas.
Caracteres propios del arte romano:
La organización urbana, social y religiosa de Roma, exige nuevos
planteamientos arquitectónicos.
En la escultura la influencia griega es mucho mayor, pero aparecen las
novedades como el retrato realista.
Su pintura al fresco es original.
Los mosaicos son decorativos.
Se caracteriza el arte romano como un arte practico.
Arquitectura: el arco y la bóveda, se utiliza el hormigón que decoran con
pintura o lo revisten de piedra o mármol, los templos son rodeados de
columnas donde estas se utilizan con fines decorativos más que
estructurales.
El panteón
El panteón de Roma es un templo circular construido a comienzos del imperio
romano dedicado a todos los dioses; en la ciudad se lo conoce popularmente como la
rotonda. Es un diseño de Miguel Ángel.
El anfiteatro
Es un tipo de edificio público de la civilización romana utilizado para acoger
espectáculos y juegos. Es de forma circular u ovalada.
Arco de triunfo
Es un monumento construido para conmemorar una victoria militar, eran dedicados
a cada general victorioso. Consiste en dos pilastras macizas unidas por un arco.
Escultura romana
El retrato: los romanos son grandes maestros en esta técnica. Retratos funerarios
realizados tras la muerte del modelo.
Música
Adaptaron la teoría de los griegos a sus necesidades prácticas musicales. El aulos
griego se transformo en la tibia romana, la mayoría de los instrumentos romanos
habían sido tomados de otras culturas, se destacaron la fabricación y el uso de
trompetas rectas.
Danza
Utilizaban la danza en fiestas, celebraciones y también en rituales para sus dioses.
La danza se incorporo al teatro y comenzó a transformarse en un arte que solo
dominaban algunos.
Teatro
La producción teatral se asocia en principio con festivales religiosos. Pero luego se
convirtió en un entretenimiento.
Tragedia: imitaban a los griegos, en las tragedias abordaban temas históricos
o de actualidad, se oriento hacia un espectáculo próximo a nuestra opera, en
el que la danza, el canto y el decorado, jugaban un papel importante.
La comedia: estaba sometida a los modos autóctonos de representación. Se
distinguen dos tipos de comedia: las comedias palliatas y las comedias
togadas.
El mimo: este constituía uno de los componentes de la comedia atelana, fue
progresando hasta convertirse en el género cómico de mayor aceptación.
Vestimenta
La vestimenta habitual de los romanos era la toga, había diferencias de color y de
ornamento, según las edades, rangos y funciones.
La cosmética y la moda
Esta no era exclusiva de lo femenino, muchos se maquillaban, cuidaban su cuerpo
con baños y masajes, preocupados por la estética casi hasta la obsesión. Algunos se
comenzaban a afeitar la barba, los hombres llevaban el cabello corto y lo sujetaban
con una cinta y las mujeres lucían variedad de peinados. Blanqueaban sus dientes
con piedra pome en polvo. Las mascarillas de belleza antes del maquillaje consistían
en baños de leche de burra que funcionaba como exfoliante.
Existían las cirugías estéticas que intentaban ocultar las cicatrices, se operaban la
nariz, los ojos, labios y dentadura (la nariz se operaba cuando las mujeres eran
adulteras y en los ladrones).
Edad Media
Es un periodo histórico que está entre la edad antigua y la edad moderna, que va
desde el fin del imperio romano (siglo V) hasta el siglo XV. Es considerada como
una etapa oscura ya que sería una etapa de retroceso y adormecimiento cultural,
social y económico.
Los historiadores dividen a la edad media en:
Alta edad media: siglo IX y XI después de Cristo, acá surgió el feudalismo,
esta etapa se caracterizo por las relaciones feudales entre los señores y sus
vasallos. Se estableció una monarquía en la sociedad, donde el rey, los nobles
y el clero, eran los privilegiados porque poseían el poder, y los no privilegiados
estaban conformados por los vasallos y campesinos que eran la clase baja. Fue
una etapa con mucha influencia del cristianismo donde la iglesia decidía sobre
los aspectos de la educación y la política.
Baja edad media: desde el siglo 12 al 15 después de Cristo, es una etapa de
muchos cambios políticos, económicos y culturales. El feudalismo comenzó a
debilitarse, los campesinos se levantaron y revelaron provocando grandes
enfrentamientos. Los campesinos empezaron emigrar a las ciudades para
desarrollar distintas actividades, por lo que las ciudades se vieron con mas
mano de obra, estos cambios dieron lugar a una nueva clase social “la
burguesía” (formada por artesanos y mercaderes).
Filosofía
Entro en una etapa oscura dominada por el pensamiento filosófico basado en el
dogma.
Escolástica: es una nueva corriente filosófica que predomino en Europa durante la
Edad Media, se baso en la coordinación entre la fe (religiosidad) y la razón.
El método de los escolásticos se basa en el pensamiento de Aristóteles y Platón, en
una estructura racional que justifique el milagro de la revelación y la tradición
cristiana. La escolástica es la filosofía cristiana medieval, que responde a las
necesidades de la época.
La escolástica se divide en tres grandes etapas:
La Preescolastica: cuyas raíces se encuentran principalmente en San Agustín.
La Escolástica Temprana: cuya figura más destacada es Anselmo.
La Alta Escolástica: es considerado el momento más brillante de la
escolástica, su referente Santo Tomas de Aquino. El factor condicionante de
este periodo es la introducción del pensamiento de Aristóteles.
Arte
El arte solo sirve para inculcar la fe (en este sentido el arte es didáctico). La
iglesia edifica basílicas (arquitectura). Es esencialmente religioso.
La época medieval podemos dividirla en cuatro, fue un largo periodo en el que se
produjeron distintos estilos de arte:
Paleocristiano: cuya pintura se inicia en la catacumbas y realización de los
muy famosos mosaicos, de gran colorido y los temas eran litúrgicos (Cristo,
apóstoles).
Bizantino: el dibujo y la pintura adquieren características propias, los
artistas realizan mosaicos centrados en la representación de acontecimientos
bíblicos con las características de que las figuras representadas siempre
están colocadas de frente.
Románico: se encargo de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias, se
pintaba sobre bóvedas figuras estilizadas, llenas de movimiento y colorido. La
pintura románica empleo las técnicas al fresco y al temple. Los temas eran
referidos a ángeles, santos, apóstoles, etc.
Gótico: o también se lo conoce como arte ojival (forma apuntada de sus arcos
y bóvedas). La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el
naturalismo. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos
las figuras se presentan estilizadas.
Arquitectura
En ella el arte gótico se manifestó, se construyeron palacios, castillos, puentes,
iglesias, pero la obra máxima de estos siglos fue la “catedral”. Los elementos
constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el
contrafuerte con su arbotante. Es una arquitectura de equilibrio dinámico y domina
en ella la línea vertical.
Escultura
Esta se puede apreciar en los santos, vírgenes y ángeles.
Pintura
El arte gótico alcanzo su mayor desarrollo, la pintura mural fue perdiendo
importancia, fue sustituida por las vidrieras; luego aparece la pintura sobre tabla,
donde tratan temas religiosos. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad
y reproducen en las obras gestos y ademanes.
Edad media: Apuntes de clase
Al caer el I Romano y advenirse la edad media, se produce un cambio de paradigma
muy significativo, surge el cristianismo con un pensamiento muy diferente al que se
venía teniendo; este cambio hace perder: la cultura, el arte, el pensamiento hasta
entonces obtenido. Los primeros perseguidos del cristianismo fueron los artistas,
especialmente los bailarines junto con toda su familia.
Empieza una época de prejuicios en relación al cuerpo, la higiene deja de ser
prioritaria, lo que trajo como consecuencia una serie de pestes. También se les da
casería a las “brujas” (mujeres que practicaban ritos que eran heredados de
antiguas religiones), estas mujeres eran quemadas en la hoguera.
La primera edad media se la llamo la parte “alta” de la edad media. Los ciudadanos
de esa época eran más “felices2 ya que eran adoctrinados por la iglesia, eran de
mente cerrada. En esta época aparecen
Los señores feudales: estos hombres se autodenominaba rey, a partir de ahí surge
la nobleza. Donde lo que decía el rey era sagrado porque venia de dios. Cambio el
régimen económico se paso de un sistema esclavista a uno feudal (donde el rey era
dueño de todas las tierras y además de lo que había en ellas, inclusive las
personas). En la edad media el pueblo cae en el analfabetismo. Los señores
feudales empobrecen al pueblo, comienzan con la manufactura, el pueblo trabajaba
para los feudales a cambio de que los dejaran vivir en sus tierras. Era un sistema
muy cerrado.
Con el advenimiento del cristianismo se olvidan todos los conocimientos de la
antigüedad. De ahora en adelante lo único importante es lo divino.
El arte es tomado como promotor de la fe, se pierde la proporción, la anatomía, la
naturaleza en el arte, ahora todo lo que se retrataba representaba lo religioso, al
divinidad. El teatro que tenemos en la actualidad nace ahí, ya que representaban
las misas pascuales, las obras de arte no eran consideradas tales. El sentido de las
obras no era de gozo estético ni de contemplación; la función del arte era didáctica
para inculcar la fe (lo religioso). Unas de las técnicas que se utilizaban en este
periodo fue “el fresco”. No se usaba la perspectiva en el arte, se usaba la jerarquía
que inspiraba misticismo. Acá surgen los grandes santuarios como obras artísticas.
En la segunda edad media, “Baja”, se desarrolla el estilo “gótico”, es también
religioso, pero en este estilo ya se comienzan a ver cuerpos humanos en las obras,
hay una preocupación por la proporción, por la anatomía, surgen las gárgolas
(monstruos), el vítreo, (vidrios de colores en la arquitectura de las iglesias),
arquitectura de aguja.
Luego el feudalismo entra en decadencia, la clase baja empieza a desarrollar
emprendimientos económicos, con el dinero se empiezan a comprar terrenos
propios, sus cosas, ya no trabajan para otros (feudales), se independizan.
Surge el humanismo, este se da antes de que comience a circular el mundo de lujo y
surge el “renacimiento”.
Renacimiento
Se denomina Renacimiento al fenómeno cultural iniciado en la edad moderna que
retoma los principios de la antigüedad clásica, pero actualizándola, sin renunciar a
la tradición cristiana, sustituyendo la presencia de lo religioso por el aumento y
afirmación de los valores del mundo y del ser humano.
Todo esto va acompañado de una nueva visión del mundo, de unos cambios sociales y
políticos y por determinados descubrimientos científicos y geográficos (Copérnico,
Galileo, Kepler). Es muy importante el descubrimiento de la imprenta (Gutenberg)
ya que con ella se difunde más fácil y rápido la información y los conocimientos.
El Renacimiento no supone un corte con lo anterior, es un arte que se aparta de la
fe y la religión frente a la razón.
Hay un gran interés por traducir los textos clásicos.
La palabra que define este movimiento es el humanismo. El humanismo se centra en
el estudio de la cultura clásica, en el estudio del hombre como individuo y en su
capacidad intelectual para el estudio de todos los campos del saber: ciencia,
filosofía, arte…El ideal es un hombre completo. La plena confianza que se tiene del
hombre da lugar al “antropocentrismo”.
Los representantes principales del humanismo son: Maquiavelo y Moro, sus temas
hacen referencia principalmente a lo cultural e histórico, dentro de estos hay seis
aspectos generales:
Antropocentrismo: es decir enfocado en el ser humano, en lugar de
Teocentrismo que es el enfoque en dios. Las principales ideas y obras del
Renacimiento buscan dar tributo al honor del hombre.
Retorno a los canones griegos: tanto la escultura como la pintura retoman los
ideales clásicos y griegos como modelo de sus obras.
Preponderancia de las artes sobre las ciencias y la filosofía.
Reforma protestante: el cristianismo comienza a verse dividido por gran
variedad de religiones protestantes.
Fin del feudalismo: por las necesidades del comercio con otras partes del
mundo.
Inventos y descubrimientos.
En lo artístico el Renacimiento supone un cambio de los elementos góticos por los
elementos de la cultura grecorromana, buscando las medidas que llevan a la
armonía, intentan utilizar elementos armónicos que rigen el universo para sus
representaciones. Además buscan relaciones de belleza y armonía a través de las
matemáticas. La escultura del ser humano se convierte en un elemento
fundamental.
Uno de los cambios más destacados en el arte es la aparición de la perspectiva
(representación de la tercera dimensión).
El Renacimiento siglo 15 y 16 es la vuelta a lo clásico, surge en Italia (se extiende
lentamente por Europa excepto Rusia): muestra como característica esencial su
admiración por la antigüedad grecorromana.
Renacimiento, renacer, un volver a dar vida a los ideales. Lo más característico de
esta época es la separación entre lo cívico y religioso.
El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marco
el paso de mundo Medieval al mundo Moderno.
La educación empieza a cobrar una importancia primordial, se toma como modelo a
lo clásico de la antigüedad.
Plantea una nueva forma de ver al mundo y al ser humano. Es un espíritu que
transforma las artes, letras, ciencia y forma de pensamiento.
Es una reacción al espíritu teológico de la edad media, donde la ruptura no se
produce de manera violenta; quizás hablar de una ruptura no es del todo correcto
sino lo seria hablar de evolución.
Barroco
1600 – 1750. Se entiende por Baroco la evolución que sufre el arte renacentista.
Las obras de arte dentro de este estilo se recargan con adornos superfluos y los
temas se centran en el desengaño y el pesimismo.
La palabra Barroco, significa perla irregular. El Barroco marco una época llena de
vanidad e irracionalidad, con una vida llena de ostentosidad y riqueza, pero al
mismo tiempo surgen movimientos religiosos que dan la espalda a este tipo de vida,
prefiriendo el retiro y la meditación.
El Barroco transcurre bajo el reinado de los reyes Felipe 3, Felipe 4 y Carlos 2.
Es una época de contrastes, ya que por un lado hay una decadencia política y social
y por otro un florecimiento de lo artístico.
Los temas principales de este periodo son: la crítica sobre la ambición el poder y el
dinero.
Otro tema que atormenta a los hombres del Barroco es la brevedad de la vida.
Lo feo es arte. Cambio de punto de fuga.
El escritor Barroco pretende impresionar los sentidos y la inteligencia.
Consignas del Barroco: Carpe Diem, goza de esta vida.
Diferentes temas
Literatura: los escritores pretenden impresionar los sentidos y la inteligencia
con estímulos violentos; recurren a un lenguaje retorcido que dificulta
muchas veces la comprensión. Las tendencias literarias de este estilo
persiguen un fin que es romper el equilibrio clásico.
Escultura: dentro de esta tenemos diferentes estilos como los frescos y
mosaicos, los frontones, las pilastras, el esgrafiado, entre otras. Se palpa el
deseo de movimiento, donde las figuras se desplazan hacia fuera, como
hinchados. Tiene un gran sentido decorativo, es naturalista, interpreta
expresiones exaltadas. La figura más importante dentro de este estilo es
Miguel Ángel Buonarroti
Arte: en la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia hacia lo decorativo,
hay un abandono de las reglas de la estética clásica, hay una búsqueda de
originalidad a toda costa, un predominio de la fantasía sobre la
representación de la realidad.
Arquitectura: las construcciones típicas eran exageradas al igual que
cualquiera de las cosas que eran decoradas con el barroco, construcción de
iglesias y palacios, ej. El palacio de Versalles.
Poetas del Barroco español: Góngora.
Teatro renacentista y barroco: fue el símbolo más importante, donde se
destacan dramaturgos como Shakespeare y Calderón de la Barca.
Filosofía: existían grandes contrastes entre maneras de pensar opuestas.
Algunos pensaban que la existencia era la naturaleza espiritual, Idealistas;
otros reducían todos los fenómenos de la naturaleza a cosas concretas,
Materialistas.
Descartes, filosofo francés, fue un gran personaje dentro de la filosofía, se
dice que fundó la filosofía de los tiempos modernos. Estaba interesado en
aclarar la cuestión sobre la “certeza de nuestros conocimientos” y también la
“relación entre el alma y el cuerpo”.
Spinoza, filosofo holandés, recibió la influencia de Descartes pero no estaba
de acuerdo con este en que existieran dos sustancias. Spinoza opinaba que
toda naturaleza y todas las circunstancias de la vida son solo una
circunstancia o Dios. Pensaba que las pasiones de los seres humanos son las
que nos impiden lograr la verdadera felicidad, que el control de las pasiones
se basa en un conocimiento profundo de ellas, ya que somos pasivos ante ellas
y nos comportamos de acuerdo con ellas.
Neoclasicismo
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el Siglo 18, fue el siglo de la
Ilustración, donde ya se había agotado el Clasicismo al producirse el desgaste de
las culturas barrocas. Este movimiento aspiraba a restaurar el gusto y las normas
del Clasicismo. En le época Neoclásica el dibujo adquiere mucha importancia, este
arte trato de imitar los estilos utilizados en Grecia y Roma. Fue un movimiento
transformador que hizo de la razón el instrumento fundamental para el acceso al
conocimiento verdadero de las cosas. Se trato de una corriente de pensamiento
muy optimista que persiguió la felicidad y el bienestar de la humanidad, donde los
ilustrados creyeron necesario educar a los ciudadanos para que se trabajara a
favor de la libertad.
Se llama siglo de las luces porque el hombre rechaza todo aquello que sea impuesto
y solo admite lo que llega a través de la luz de su razón, la ilustración tiene un
espíritu científico el cual toma a la experimentación como método para adquirir el
conocimiento. Para llegar a la verdad los científicos comienzan a dudar de todo. La
duda es el método para descubrir la verdad.
Características generales
Arte en general: estaba inspirado en las obras de la época clásica, las cuales
se tienen como perfectas y definitivas. Aspiraban una belleza ideal.
Literatura: se considera a los griegos y latinos como modelos a imitar, es un
retorno a los clásicos grecolatinos. En la literatura del siglo 18 debía estar
regida por la razón, perseguía un fin didáctico y moral, el deseo de agradar y
conmover al público. El arte debía ser una síntesis total entre lo útil y lo
bello. La preocupación fundamental de los pensadores de este momento es la
de conseguir la felicidad de los ciudadanos.
Prefiere a la razón frente a los sentimientos. Rechaza lo imaginativo y lo
fantástico, ya no se escribía para entretener sino para educar. La literatura
tiene un marcado carácter crítico, didáctico y moralizador.
Poesía: el hecho que los ilustrados se preocuparan por conseguir la felicidad
de los ciudadanos hizo que la poesía se preocupara sobre todos los asuntos
universales y dejara de lado lo subjetivo, íntimo y emotivo. El ensayo es el
género más cultivado del momento.
Teatro: este vuelve a la normativa aristotélica al proclamar la necesidad de
respetar las famosas tres unidades: tiempo, acción y espacio.
Estilístico: se promueve la sencillez y la claridad, lo verosímil y se omitía lo
insólito y anormal.
Dibujo: era impecable con coloridos suaves y composición simétrica y
estática.
Arquitectura: se caracterizo por la simetría, elegancia y la sobriedad; además
se puso énfasis sobre los valores lumínicos, la iluminación del color, el gusto
por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.
Escultura: los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los
procedimientos técnicos de la estatuaria antigua.
Pintura: David influyo en diferentes artistas.
Romanticismo
El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y Reino
Unido a finales del siglo 18, como una reacción revolucionaria contra el
Racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dando prioridad a los sentimientos.
El auge del Romanticismo coincide con la Revolución Francesa.
Significo un cambio de gusto de la época y de las teorías estéticas. Lo moderno
frente a lo Neoclásico
Principales características
Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista.
La libertad autentica es su búsqueda constante.
Es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre.
Subjetivismo y el individualismo frente a la rigidez de las reglas académicas.
Se valoran especialmente la originalidad, la diversidad y la particularidad
frente a la unidad de la Ilustración.
Importancia de los sentimientos, las emociones y las pasiones. Se exaltan los
sentimientos religiosos, patrióticos y los inspirados en la naturaleza. Cobran
relieve las ideas de libertad e igualdad.
El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la
Ilustración y el Clasicismo.
El Romanticismo favorecía:
La conciencia del YO como identidad autónoma.
La valoración de lo diferente frente a lo común.
El liberalismo frente al ilustrado.
La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los
canones.
Creatividad frente a la imitación neoclásica.
La obra imperfecta, inacabada y abierta, frente a la obra perfecta,
concluida y cerrada.
Apreciaba lo personal, lo subjetivo y al carácter nacional y del nacionalismo,
fue una reacción a la cultura francesa de espíritu clásico universalista.
Auge de la literatura popular.
Renovó y enriqueció el limitado lenguaje.
Este movimiento represento el deseo de libertad del individuo, de las
pasiones y de los instintos que presenta el YO. Subjetivismo e imposición del
sentimiento sobre la razón.
El hombre romántico también se caracterizaba por su aislamiento y soledad.
El Romanticismo se opone a la separación entre la razón y sentimiento, entre
lo real y lo irreal.
Entiende que en el interior del hombre actúan distintas fuerzas, y que la
esencia de lo humano rebasa la esfera de lo racional.
El romántico transforma el instinto en arte y el inconsciente en saber.
Etapas
El Romanticismo constituyo un movimiento contradictorio ya que en su seno se
desarrollan dos sensibilidades diferentes a lo largo de dos etapas, estas etapas
son:
Hasta 1825: donde el Romanticismo actuó con una tendencia conservadora y
reaccionaria frente a la modernidad, lo caracterizaron ideales basados en la
jerarquía, la religión tradicional y la monarquía absoluta. una de las figuras
destacadas Schlegel.
Después de 1825: el movimiento se identifico con los valores del progreso y la
libertad, una de las figuras destacadas Víctor Hugo.
Manifestaciones culturales
La literatura: se destaco Sturm und Drang (tormenta e ímpetu), fue el
precedente importante del Romanticismo alemán. Esta vertiente literaria se
fragmenta en diversas corrientes. Los autores despreciaban al materialismo
burgués y priorizaban el amor libre y el liberalismo en la política. La
literatura significa libertad en la elección de la forma y en la elección del
contenido.
La música: El romántico cree que la música “pinta” los sentimientos de una
manera sobre humana, que revela al hombre un reino desconocido. Se
destacaron autores como Beethoven, Rossini, Bellini, entre otros.
Teatro: Lessing propone imitar a Shakespeare y crear un drama nacional.
Poesía: Schlegel sostiene que la poesía crea sus propias normas y es
engendrada por la naturaleza original e invisible de la humanidad, la defiende
contra los neoclasicistas que quieren ajustar la creación a unas reglas o leyes.
Danza: produjo un gran cambio en esta disciplina. A principios del siglo 19, el
ballet comenzó a poner en escena historias de príncipes, ninfas, magia y
amores no correspondidos. El ballet tenía un repertorio de obras que se
caracterizaba por la idealización de la figura femenina. Donde las
protagonistas de este ballet son seres sobrenaturales como hadas, ninfas que
estaban representadas siempre con vestidos de gasas y tules blancos
inmaculados, junto con las zapatillas de punta que resalta la ligereza y
fragilidad de las bailarinas. La acción de la obra siempre tiene lugar en
paisajes de bosques misteriosos y lleno de hechizos.
Características
Su característica principal es: “la libertad de expresión”, que se manifiesta
alternado la estructura de las obras, abandonando temas tabú y
desordenando los parámetros creativos.
Otra característica es la actitud provocadora.
Es algo novedoso que escapa de la tendencia dominante.
Supone una renovación de formas y contenidos.
Luchan contra las tradiciones, y apuestan por la innovación, el ejercicio de la
libertad individual y su carácter experimental.
Implica una evolución en la manera de pensar, representan movimientos que
cambiaron la visión de las personas y de la realidad.
Su objetivo es la libertad creativa, usando imágenes abstractas y dándole
mucha importancia a los colores.
Los movimientos vanguardistas son mas una actitud ante el arte que una
estética.
Se le exige al espectador una nueva actitud ante la obra de arte.
Profesor Perrone
Aproximación a la Estética (texto)
El termino estética
La etimología nos informa que “estético” es sensación, sensibilidad. La Estética,
cubre el vasto campo de la representación sensible de la experiencia humana. A
través de la representación sensible, el ser humano tiene una imagen de sí, toma
conciencia de sí: se ve.
Características
La Estética no estudia la obra de arte concreta. La Estética surge como
disciplina “en el periodo que va del Renacimiento a la Ilustración”.
La Estética como disciplina autónoma es la consecuencia teórica del avance de
un arte autónomo, desligado tanto de la utilidad como de la función educativa
o religiosa.
Estética, ciencia del conocimiento sensible.
Estética proviene de la filosofía.
Objeto de estudio, la crítica. “Critica” es el arte del enjuiciamiento. Mientras
la crítica se refiere a la obra acabada, la poética atiende al proceso
productivo, a la obra por hacer.
Poética: es la reflexión ampliada a todos los géneros artísticos y ramas del arte. La
Poética puede en algunos casos, revelar o fijar normas, guías, reglas o
procedimientos precisos.
Debe entenderse el término poética, como el programa operativo que una y otra
vez se propone el artista.
La poética posee límites estilísticos e históricos; está sujeta a gustos particulares
e ideas dominantes en épocas determinadas.
A modo de síntesis, presentamos el siguiente esquema con los principales cambios
históricos producidos:
Edad Media Renacimiento Ilustración
Fundamento de
Auctoritas Experimentación Autonomía
producción
Artista Artesano Genio Libre
Príncipe, prelado,
Omitente Iglesia Burgués
burgués
Fin Enseñanza Homenaje, recuerdo Felicidad
La Contemporaneidad
El arte acá se caracteriza por lo “fragmentario”, es una forma compleja de la
realidad. En esta época hay una reafirmación del arte, donde este fluye, pero
también vuelve al pasado (origen), el arte no pierde el antecedente de la historia
del arte, “el agua sigue pasando en ese rio”…Heráclito.
El concepto de Mimesis
El concepto de arte está íntimamente ligado al de mimesis. Las téchnai mimetikaí
(artes de imitación).
Mimesis, en síntesis, puede significar tanto “representación” (en un sentido más
profundo) como “imitación” (imitatio en la traducción latina).
Platón mimesis
Los mimetes (imitadores), productores de imágenes, estaban alejados de la verdad
y de lo real; ellos hacían meras ilusiones, fantasmas o simulacros de esas mismas
cosas.
El concepto platónico de mimesis, supone no solo la producción de algo irreal sino
también que eso irreal debe dar ilusión de realidad.
El pintor es una especie de prestigiador o mago que busca asombrar produciendo
una suerte de encantamiento que le permitirá ascender socialmente, obtener fama
y riqueza.
La belleza matemática
El numero es, para los pitagóricos, responsable de la armonía. Es principio divino
que gobierna la totalidad del universo. “Armonía” significaba primariamente el
acoplamiento o adecuación entre sí de cosas. Pitágoras elaboro una explicación
matemática del universo como kosmos, es decir como orden y armonía.
Platón desarrollará también un concepto –pitagórico- de belleza ligada a la armonía,
medida y proporción. Sostiene que “lo bello no carece de proporción”, “la medida y
la proporción son la belleza y la virtud”. Cultivarla era propio del hombre virtuoso,
el hombre controlado, equilibrado, “medido”, aquel capaz de vencer el exceso, la
falta de límite. “De nada, demasiado”.
Durante mucho tiempo la historia de la filosofía ignoro de manera injusta, una
etapa de gran interés para el pensamiento, que fue, sin embargo, considerada
“oscura”.
En el campo de la Estética, la Edad Media conservo los conceptos más importantes
de la Antigüedad clásica y los reelaboro en torno del sentimiento de profunda
religiosidad que la caracteriza.
El concepto de lo feo
Fueron los románticos quienes pusieron en el centro de sus poéticas a la categoría
de lo feo. Víctor Hugo, advertirá que, “la musa moderna vera las cosas con una
mirada más alta y más extensa. Ella sentirá que no todo en la creación es
humanamente “bello”, que allí existe lo feo al lado de lo bello, lo deforme junto a lo
gracioso, lo grotesco al revés de lo sublime, el mal con le bien, la sombra con la luz”.
En la naturaleza, como apuntaba Víctor Hugo, no todo es bello.
Es fácil observar que lo feo resulta un concepto derivado de lo bello. Es un lugar
común decir que lo que no tiene proporción o armonía es feo. Lo feo es entonces
extensión negativa de lo bello.
La integridad o perfección supone que todo lo inacabado, aquello a lo que le falta
uno de sus miembros, lo mutilado, lo deforme es feo. Lo feo no solo se define en
relación a la categoría de lo bello. Se la ha asociado también a la categoría de lo
visionario, y también se lo ha relacionado con lo cómico y lo siniestro.
La fealdad en el arte
Pasando a la estética del siglo 20, las particulares apreciaciones de Adorno sobre
lo feo, se interesara por lo feo en el arte y lo enmarcara en su teoría de la
negatividad y de la resistencia.
La imagen tiempo
Es inexacto considerar que la imagen cinematográfica esta en presente por
naturaleza. Y la primera vez que apareció en el cine una imagen-tiempo directa, no
fue bajo los aspectos del presente (aun implicado) sino, al contrario, bajo la forma
de capas de pasado, con Ciudadano Kane de Welles. Aquí el tiempo perdía los
estribos, invertía su relación de dependencia, con el movimiento, la temporalidad se
mostraba por sí misma y por primera vez, pero en forma de una coexistencia de
grandes regiones a explorar.
Lo que demuestra que la unidad no está en la imagen-recuerdo es que esta estalla
en dos direcciones. Reconstruyen series motrices de antiguos presentes,
“actualidades” o incluso hábitos. Son campos y contracampos cuya sucesión da fe
de los hábitos conyugales.
La imagen procede a una verdadera exploración de una capa de pasado. Las
imágenes en profundidad expresan regiones del pasado como tal, cada una con sus
acentos propios o sus potenciales, y marcan tiempos críticos de la voluntad de
potencia. El héroe actúa, camina y se mueve; pero donde se sumerge y por donde se
mueve es en el pasado: el tiempo ya no se subordina al movimiento, sino que el
movimiento se subordina al tiempo.
La imagen recuerdo, se rebasa en regiones de pasado coexistente que la hacen
posible. Esta es la función de la profundidad de campo: explorar cada vez una
región de pasado, un continuo.
Profundidad de campo: seria una función de memoracion, de temporalizacion: no
exactamente un recuero, sino “una invitación a recordar”. Sin dejar de reconocer la
pluralidad de las funciones de la profundidad de campo, mantenía una primacía de la
función de realidad.
La profundidad de campo nos muestra unas veces la evocación en acto y otras las
capas virtuales de pasado que exploramos para hallar en ellas el recuerdo buscado.
Las capas de pasado existen, son estratos, y de ellos tomamos muestras imágenes-
recuerdo; son dos estados diferentes del tiempo.
El espectador emancipado
Debate acerca del teatro, la actuación y el espectador.
Las numerosas críticas a las que ha dado materia el teatro a lo largo de toda su
historia pueden ser remitidas, a la paradoja del espectador.
Esta paradoja es de formulación muy simple: no hay teatro sin espectador. Dicen
los acusadores, ser espectador es un mal, por dos razones:
En primer lugar, mirar es lo contrario de conocer. El espectador permanece
ante una apariencia, ignorando el proceso de producción de esa apariencia o la
realidad que ella recubre.
En segundo lugar, es lo contrario de actuar. La espectadora permanece
inmóvil en su sitio pasivo.
Ser espectador es estar separado al mismo tiempo de la capacidad de conocer y
del poder de actuar.
Críticos de la mimesis teatral: quien dice teatro dice espectador, y en ello hay un
mal, han dicho. Ese es el círculo del teatro tal como lo conocemos, tal como nuestra
sociedad lo ha modelado a su propia imagen.
El teatro es el lugar en el que una acción es llevada a su realización por unos
cuerpos en movimiento frente a los cuerpos vivientes que deben ser movilizados.
Hace falta un teatro sin espectadores, en el que los concurrentes aprendan en
lugar de ser seducidos por imágenes, en el cual se conviertan en participantes
activos en lugar de ser voyeurs pasivos.
Esta inversión conoció dos grandes formulas, antagónicas:
Según la primera, es preciso arrancar al espectador del embrutecimiento del
espectador fascinado por la apariencia y ganado por la empatía que lo hace
identificarse con los personajes de la escena. Se le mostrara, pues, un
espectáculo extraño, inusual, un enigma del cual él ha de buscar el sentido. Se
lo forzara de ese modo a intercambiar la posición del espectador pasivo por
la del investigador o experimentador. Así se les hará agudizar su propio
sentido de evaluación de las razones, de su discusión y de la elección que lo
zanja.
Según la segunda, esa misma distancia razonadora la que debe ser abolida. El
espectador debe ser sustraído de la posición de observador que examina con
toda calma el espectáculo que se le propone. Arrastrado al círculo mágico de
la acción teatral en el que intercambiara el privilegio de observador racional
por el de estar en posesión de sus energías vitales integrales.
Para uno, el espectador debe tomar distancia; para el otro, debe perder toda
distancia. Para uno debe afinar su mirada, para el otro, debe abdicar incluso de la
posición del que mira. La reforma del teatro ha oscilado constantemente entre
estos dos polos de la integración distante y de la participación vital.
A partir del romanticismo alemán, el pensamiento del teatro ha estado asociado a
esta idea de la comunidad viviente. El teatro apareció como una forma de la
constitución estética –de la constitución sensible- de la colectividad. El teatro ha
estado, asociado a la idea romántica de una revolución estética, cambiando las
formas sensibles de la experiencia humana. La reforma del teatro significaba
entonces la restauración de su naturaleza de asamblea o de ceremonia de la
comunidad. El teatro es una asamblea en la que la gente del pueblo toma conciencia
de su situación y discute sus intereses, dice Brécht. En el ritual purificador,
afirma Artaud, en el que se pone a una comunidad en posesión de sus propias
energías.
El teatro se acusa a sí mismo de volver pasivos a los espectadores y de traicionar
así su esencia de acción comunitaria. Consecuentemente se otorga la misión de
invertir sus efectos y de expirar sus faltas devolviendo a los espectadores la
posesión de su conciencia y de actividad. Se proponen a enseñar a sus espectadores
los medios para cesar de ser espectadores y convertirse en agentes de una
práctica colectiva. Según el paradigma brechtiano, la mediación teatral los vuelve
conscientes de la situación social que le da lugar y deseosos de actuar, para
transformarla. Según la lógica de Artaud, los hace salir de su posición de
espectadores: en lugar de estar frente a un espectáculo, se ven rodeados por la
performance, llevando al interior del círculo de la acción que les devuelve su
energía colectiva. En uno y otro caso, el teatro se da como una mediación tendida
hacia su propia supresión.
La distancia no es un mal a abolir, es la condición normal de toda comunicación. La
distancia que el ignorante tiene que franquear, es simplemente el camino desde
aquello que ya sabe hasta aquello que todavía ignora. Lo que ignora es la
desigualdad de las inteligencias.
La emancipación, comienza cuando se vuelve a cuestionar entre mirar y actuar,
cuando se comprende que las evidencias que estructuran de esa manera las
relaciones del decir, del ver y del hacer pertenecen, ellas mismas, a la estructura
de dominación y de la sujeción. Comienza cuando se comprende que mirar es
también una acción que confirma o que transforma esta distribución de las
posiciones. El espectador también actúa, como el alumno o como el docto. Observa,
selección, compara, interpreta. Compone su propio poema con los elementos del
poema que tiene delante. Participa en la performance rehaciéndola a su manera.
Así, son a la vez espectadores distantes e intérpretes activos del espectáculo que
se les propone.
Este es un punto esencial: los espectadores ven, sienten y comprenden algo en la
medida en que componen su propio poema, tal como lo hacen a su manera actores o
dramaturgos, directores teatrales. Es la lógica del pedagogo embrutecedor, la
lógica de la transmisión directa de lo idéntico: hay algo, un saber, una capacidad,
una energía que esta de un lado –en un cuerpo o un espíritu- y que debe pasar al
otro. Lo que el alumno debe aprender es lo que el maestro le enseña. Lo que el
espectador debe ver es lo que el director teatral le hace ver. Lo que debe sentir
es la energía que él le comunica. AA esa identidad de la causa y del efecto que se
encuentra en el corazón de la lógica embrutecedora, la emancipación le opone su
disociación. Ese es el sentido de la paradoja del maestro ignorante: el alumno
aprende del maestro algo que el maestro mismo no sabe. Lo aprende como efecto
de la maestra que lo obliga a buscar y verificar esta búsqueda. Pero no aprende el
saber del maestro.
El poder común a los espectadores no reside en su calidad de miembros de un
cuerpo colectivo o en laguna toma especifica de interactividad. Es el poder que
tiene cada uno o cada una de traducir a su manera aquello que él o ella percibe.
Esta capacidad se ejerce a través de distancias irreductibles, se ejerce por un
juego imprevisible de asociaciones y disociaciones.
En ese poder de asociar y de disociar reside la emancipación del espectador, es
decir, de nosotros como espectador. Aprendemos y enseñamos, actuamos y
conocemos. No hay forma privilegiada, así como no hay punto de partida
privilegiado. Por todas partes hay puntos de partida, cruzamientos y nudos que nos
permiten aprender algo nuevo si recusamos en primer lugar la distancia radical, en
segundo lugar, la distribución de los roles, y en tercero, las fronteras entre los
territorios. No tenemos que transformar a los espectadores en actores ni a los
ignorantes en doctos. Lo que tenemos que hacer es reconocer el saber que obra en
el ignorante y la actividad propia del espectador. Todo espectador es de por si
actor de su historia, todo actor, todo hombre de acción, espectador de la misma
historia.
Con la actualidad del arte contemporáneo, hoy tenemos teatro sin palabras y danza
hablada; instalaciones y performances a modo de obras plásticas; proyecciones de
video transformadas en ciclos de frescos murales; fotografías tratadas como
cuadros vivientes o pintura histórica; escultura metamorfoseada en show
multimedia, y otras combinaciones.
Por lo demás, hay tres maneras de comprender y de practicar esta mezcla de
géneros:
Esta la que reactualiza de la obra de arte total. Hoy tiende a ser más bien
forma de hiperactivismo.
Luego está la idea de una hibridación de los medios del arte, apropiada a la
realidad posmoderna del intercambio incesante de los roles y las identidades,
de lo real y lo virtual, de lo orgánico y las prótesis mecánicas e informáticas.
Esta segunda idea, a menudo conduce a otra forma de embrutecimiento, que
utiliza el borramiento de las fronteras y la confusión de los roles para
acrecentar el efecto de la performance sin cuestionar sus principios.
Una tercera manera, apunta al cuestionamiento de las relaciones causa-
efecto en sí y del juego de los presupuestos que sostienen la lógica del
embrutecimiento. Ella propone, revocar el privilegio de vitalidad y de potencia
comunitaria concedido a la escena teatral para ponerla en pie de igualdad con
la narración de una historia. Propone concebirla como una nueva escena de la
igualdad en la que se traducen, unas a otras, performances heterogéneas.
Pues en todas esas performances se trata de ligar lo que se sabe con lo que
se ignora, de ser al mismo tiempo perfomistas que despliegan sus
competencias y espectadores que observan aquello que sus competencias
pueden en un contexto nuevo, ante otros espectadores.
Los artistas, al igual que los investigadores, construyen la escena en la que la
manifestación y el efecto de sus competencias son expuestos, los que se vuelven
inciertos en los términos del idioma nuevo que traduce una nueva aventura
intelectual. El efecto dl idioma no se puede anticipar. Requiere de espectadores
que desempeñen el rol de intérpretes activos, que elaboren su propia traducción
para apropiarse la “historia” y hacer de ella su propia historia. Una comunidad
emancipada es una comunidad de narradores y de traductores.
Diferentes obras
La epopeya de Gilgamesh
Hace cinco mil años, un rey llamado Gilgamesh gobernó la ciudad mesopotámica de
Uruk. Pronto se convirtió en héroe y dios, y sus gestas lo hicieron protagonista de
la primera epopeya de la historia, centrada en su desesperada búsqueda de la
inmortalidad. En ella aparece, por primera vez, el tema del diluvio universal.
Hace casi cinco mil años, un hombre gobernó Uruk: Gilgamesh. Pronto entró en la
leyenda, convertido en protagonista de la primera epopeya de la historia, un
dramático relato sobre la búsqueda de la inmortalidad. «Aquel que todo lo ha visto,
que ha experimentado todas las emociones, del júbilo a la desesperación, ha
recibido la merced de ver dentro del gran misterio, de los lugares secretos, de los
días primeros antes del Diluvio. Ha viajado a los confines del mundo y ha
regresado, exhausto pero entero. Ha grabado sus hazañas en estelas de piedra, ha
vuelto a erigir el sagrado templo de Eanna y las gruesas murallas de Uruk, ciudad
con la que ninguna otra puede compararse».
El escriba Sin-leqi-unnini («Dios Sin, acepta mi plegaria») acaba de trazar estas
palabras en lengua acadia sobre una tablilla de barro fresco. Ahora cierra los ojos,
como para ver mejor la espléndida Uruk y a ese poderoso héroe que ha viajado
hasta los lugares más remotos y cuyas aventuras se dispone a narrar. Sin-leqi-
unnini evoca las portentosas murallas de la ciudad y, dirigiéndose al lector, se
aplica otra vez a escribir: «Mira cómo sus baluartes brillan como cobre al sol.
Busca su piedra angular y, debajo de ella, el cofre de cobre que indica su nombre.
Ábrelo. Levanta su tapa. Saca de él la tablilla de lapislázuli. Lee
cómo Gilgamesh todo lo sufrió y todo lo superó».
Así empieza la primera epopeya de la historia: el Poema de Gilgamesh. Sin-leqi-
unnini quizás escribe hacia 1400 a.C. Pero no es el creador de la obra, aunque su
mano le da forma definitiva. El relato que pone por escrito se hunde en la noche de
los tiempos, más de mil años atrás. Hace aproximadamente unos seis milenios, en lo
que hoy es Irak, se extendía la fértil llanura mesopotámica, atravesada por los ríos
Éufrates y Tigris. En el sur de esa llanura, en el país de Sumer, se levantaba la
imponente Uruk (la actual Warka), cuna de su todopoderoso rey Gilgamesh. Por sus
hechos y su fama, este personaje pasó muy pronto a la categoría de mito,
convertido en protagonista de un ciclo de poemas sumerios que cristalizaron en la
magna composición que lleva su nombre. Sabemos que hacia 2700 a.C. existió un
personaje, llamado Bilgames -luego escrito Gilgamesh-, que los más antiguos textos
en escritura cuneiforme sitúan en Kullab, un barrio de Uruk, en calidad de
sacerdote-rey. Gilgamesh también aparece en un famoso documento, la Lista real
sumeria (redactada hacia 1950 a.C.), que atribuye la fundación de esta ciudad,
emplazada en la orilla izquierda del Éufrates, al rey Enmerkar.
De acuerdo con la Lista, Gilgamesh perteneció a la dinastía I de Uruk: fue su quinto
soberano, reinó 126 años y le sucedió su hijo Ur-lugal. A Gilgamesh se le atribuía la
construcción de las poderosas murallas de la ciudad, según menciona una inscripción
del rey Anam de Uruk, datada hacia 1825 a.C., y según recuerda también el Poema.
Dichas murallas eran de estructura doble: una exterior, de la que tan sólo restan
trazas en el suelo, y otra interior, de unos 9,5 kilómetros de longitud y cinco
metros de espesor, reforzada con más de 900 torres semicirculares. Sin-leqi-
unnini organizó el Poema en once cantos o tablillas. Este genial sacerdote,
exorcista y escriba enriqueció el poema con otra narración sumeria que se ha hecho
famosa: el relato del Diluvio. Por fin, los escribas asirios del tiempo del rey
Assurbanipal, en el siglo VII a.C., dieron al texto su forma canónica, añadiéndole la
tablilla que hoy es la última. Esta versión fue archivada en la biblioteca del palacio
del rey, en Nínive, descubierta en 1853 y cuyos materiales fueron enviados a
Londres. Allí, en 1872, el joven investigador George Smith logró traducir las
tablillas y fragmentos del Poema de Gilgamesh.
A lo largo de las doce tablillas del Poema se perfila a Gilgamesh como un héroe
mítico, de 5,60 metros de altura -el doble que el bíblico gigante Goliat-, compuesto
en sus dos terceras partes de esencia divina, puesto que era hijo de Lugalbanda y
de la diosa Ninsun, y que habla y se mueve entre los dioses como uno más de ellos.
Dos serán las premisas de su actuación: la búsqueda de la gloria, que intentará
alcanzar junto a su amigo Enkidu (episodios narrados en las seis primeras tablillas),
y, sobre todo, la búsqueda de la inmortalidad, que tiene lugar en un contexto
narrativo sombrío, caracterizado por la soledad y el temor a la muerte (de la
tabilla séptima a la decimoprimera). A todo ello se añadió la doceava y última
tablilla referida al Más Allá, sin conexión con el relato anterior, pero que permite a
Gilgamesh ver el mundo que le espera tras su muerte.
Antígona (Sófocles)
Es el título de una tragedia de Sófocles, basada en el mito de Antígona y
representada por primera vez en442 a. C.
En Antígona se enfrentan dos nociones del deber: la familiar, caracterizada por el
respeto a las normas religiosas y que representa Antígona, y la civil, caracterizada
por el cumplimiento de las leyes del Estado y representada por Creonte. Además se
establece una oposición entre el modo en que las dos hermanas, Antígona e Ismene,
se enfrentan a un mismo problema
Personajes:
Antígona: hija del rey Edipo.
Ismene: hija de Edipo.
Hemón: hijo de Creonte y Eurídice
Creonte: rey de Tebas, tío de Antígona, Ismene y Polinices.
Coro de los ancianos de Tebas (también representa la voz del pueblo).
Guardián.
Tiresias: adivino anciano, ciego.
Eurídice: reina, esposa de Creonte, madre de Hemón.
Mensajero.
Corifeo.
Espacios físicos:
El Palacio de Tebas: Palacio donde el rey Creonte vive y gobierna, de
majestuoso tamaño y riqueza. En este lugar también vive Hemón, hijo de
Creonte, y ahí se reúnen los consejeros del rey.
Afueras de la ciudad de Tebas: sitio donde tiene lugar la batalla y donde el
cuerpo de Polinices yace sin sepultura ni honores hasta que Antígona
desobedece la ley y entierra su cuerpo.
Plaza pública: Este es el lugar donde Antígona planea sepultar el cuerpo de su
hermano y es donde el mensajero le dice a la gente lo que le pasa a su rey
Creonte.
La cueva de Tebas: Aquí es donde Antígona es condenada a permanecer por
haber desobedecido la ley. Ella se mata y, al enterarse Hemón, muere junto a
ella.
Contexto:
El difunto rey de Tebas, Edipo, tuvo dos hijos varones: Polinices (hijo de Edipo y
Yocasta, reyes de Tebas) y Eteocles. Ambos acordaron turnarse anualmente en el
trono tebano, pero, tras el primer año, Eteocles no quiso ceder el turno a su
hermano, por lo que el primero llevó un ejército foráneo contra Tebas. Los
hermanos se dieron muerte mutuamente, pero fueron los defensores de Tebas los
que vencieron en el combate.
Prohibición de sepultar a Polinices
Antígona, hija de Edipo, cuenta a su hermana Ismene que Creonte, actual rey de
Tebas, impone la prohibición de hacer ritos fúnebres al cuerpo de Polinices, como
castigo ejemplar por traición a su patria. Antígona pide a Ismene que le ayude a
honrar el cadáver de su hermano, pese a la prohibición de Creonte. Esta se niega
por temor a las consecuencias de quebrantar la ley. Antígona reprocha a su
hermana su actitud y decide seguir con su plan.
Antígona desobedece la ley
Creonte anuncia ante el coro de ancianos su disposición sobre Polinices, y el coro se
compromete a respetar la ley. Posteriormente, un guardián anuncia que Polinices ha
sido enterrado, sin que ningún guardián supiera quién ha realizado esa acción. El
coro de ancianos cree que los dioses han intervenido para resolver el conflicto de
leyes, pero Creonte amenaza con pagar menos a los guardianes porque cree que
alguien los ha sobornado. El cuerpo de Polinices es desenterrado. Pronto se
descubre que Antígona era quien había enterrado al cuerpo, pues intenta una vez
más enterrar al cuerpo y realizar los ritos funerarios, pero es capturada por los
centinelas. Antígona es llevada ante Creonte y explica que ha desobedecido porque
las leyes humanas no pueden prevalecer sobre las divinas. Además se muestra
orgullosa de ello y no teme las consecuencias. Creonte la increpa por su acción,
sospecha que su hermana Ismene también está implicada y, a pesar del parentesco
que lo une a ellas, se dispone a condenarlas a muerte.
Ismene, llamada a presencia de Creonte, a pesar de que no ha desobedecido la ley,
desea compartir el destino con su hermana y se confiesa también culpable. Sin
embargo, Antígona, resentida contra ella porque ha preferido respetar la ley
promulgada por el rey, se niega a que Ismene muera con ella. Finalmente, es sólo
Antígona la condenada a muerte. Será encerrada viva en una tumba excavada en
roca.
Antígona frente a la muerte
El hijo de Creonte, Hemón, se ve perjudicado por la decisión de su padre, ya que
Antígona es su prometida. Señala a su padre que el pueblo tebano no cree que
Antígona merezca la condena a muerte y pide que la perdone. Creonte se niega a
ello y manda traer a Antígona para que muera en presencia de su hijo. Hemón se
niega a verla y sale precipitadamente.
Antígona va camino a su muerte y, si bien no se arrepiente de su acción, ha perdido
la altivez y resolución que mostraba antes, al dar muestras de temor ante su
muerte. La humanización de Antígona resalta el dramatismo del momento.
Intervención de Tiresias
El adivino Tiresias interviene en ese momento para señalar a Creonte que las aves y
los perros arrancan trozos del cadáver de Polinices y los dejan en los altares y los
hogares, señal de que los dioses muestran señales de cólera. Acusa a Creonte de
imprudente y vaticina que alguien de la sangre de Creonte pagará sus errores con
su muerte. El coro de ancianos también aconseja al rey que cambie de actitud.
Creonte, ante las profecías de Tiresias, cede y se dispone a rectificar sus faltas.
Resumen de la Tragedia:
La tragedia comienza en el amanecer del día siguiente del final de la guerra, el día
en el que los dos hijos de Edipo, Polinices que ha conducido el ejército de los
argivos contra Tebas, y Eteocles que la ha defendido, se han dado muerte
mutuamente. Son las dos hijas de Edipo las que están en escena. Antígona pide a su
hermana Ismene que la ayude a enterrar a Polinices, contraviniendo el mandato de
Creonte, que ha ordenado que, como castigo al traidor, su cadáver quede insepulto.
Pero ésta, alegando que de siempre había sido una persona temerosa e indecisa, no
le prestó su ayuda y cuando le prometió no decirle nada a nadie, Antígona insistió
en que no se lo callara.
La llegada del Coro, formado por ancianos y nobles tebanos, trae el saludo al nuevo
día, el día de la victoria y, sobre todo, de la paz tras los horrores de la guerra. Han
sido llamados por el nuevo gobernante aunque aún no saben la razón.
Hace su aparición Creonte y, antes de anunciar su primera disposición, expresa su
confianza en que esos nobles y ancianos tebanos le sirvan a él con la misma
fidelidad que ya mostraron a Layo y Edipo, sus antecesores. Es entonces cuando
anuncia su prohibición de que se cumpla con el sagrado deber de enterrar a
Polinices, el “hermano traidor” y que, en cambio, a Eteocles le rindan homenaje
como defensor de la ciudad. El coro es consciente de la gravedad de esa ley, de lo
que supone de atentado contra las leyes religiosas, pero, a fin de cuentas, están
sujetos también a esa orden y están convencidos de que nadie sacrificaría su
propia vida por contravenirla.
Sin embargo, están equivocados, como muestra la llegada de uno de los soldados
encargados de vigilar el cadáver de Polinices para anunciar que alguien ha
contravenido la ley y ha realizado ritos funerarios en su honor.
Más tarde los guardias traen detenida a Antígona, porque ha sido ella la que ha
violado esas leyes para mantenerse fiel al deber sagrado debido a los muertos.
Creonte le preguntó si era ella quien había cubierto el cuerpo de Polinices y afirmó
q sí, que había sido ella y nadie más; pero Creonte no la creyó y pensó que Ismere
tenía algo que ver, pues la había visto muy inquieta y mandó traerla a su presencia.
Ismere había cambiado de idea, y sin haber participado en los hechos le dijo a su
tío Creonte que ella había ayudado a Antígona.
Tras mandar a ambas a una celda, aparece Hemón, hijo de Creonte y prometido de
Antígona. La intransigencia de Creonte se convierte ya en ceguera, porque es
incapaz de percibir que su condena a Antígona alcanzaría también a Hemón, lo que
el Coro señala como algo que podría afectar al futuro del reino a través de su
heredero, ya que son dos ahora las muertes que esa inflexible orden de Creonte
puede causar. Pero nada hace cambiar la opinión del gobernante que decide dejar
en libertad a Ismere mientras que a Antígona la iba a dejar abandonada en una
cueva con un poco de comida, la iba a enterrar en vida, para que así “su muerte no
salpicara a la ciudad”.
La entrada de Antígona, camino de su mortal destino, nos la muestra cambiada. Ha
perdido su altivez y la seguridad inicial. Increpada por Creonte y abandonada por
todos, incluso por el Coro, su monólogo de despedida no es un canto de triunfo, sino
de tristeza, nostalgia y desolación. De abandono frente a un deber con el que ha
cargado en soledad y que no emprende ya con la altivez del triunfo.
La llegada del anciano Tiresias anunciando negros presagios llena a Creonte de
inquietud. En un principio se niega a aceptar su error, pero su seguridad se
desmorona y, atemorizado, intenta evitar que se cumpla la condena de Antígona.
Pero cuando llegó adonde se encontraba ésta, vio como estaba ahorcada y como
agarrado a su cintura estaba su hijo Hemón, que había cargado su espada contra él,
se la había clavado en el pecho, y en consecuencia había muerto. Volviendo a su
palacio, con su hijo en brazos, encuentra que su esposa, Eurídice, no había podido
soportar la muerte de Hemón y también ella decidió quitarse la vida.
Éste es el papel que le queda a Creonte. Por haber castigado a su sobrina, pues
ésta había dado sepultura a Polinices, después de que éste muriera en combate
contra su ciudad natal, Tebas, y de la que es Creonte el máximo representante, su
hijo y heredero, Hemón, y su esposa, Eurídice, habían muerto. Tuvieron que morir
muchas personas para que al final de la obra y sin remedio, Creonte se diera cuenta
de su gran error, de que una persona, por mucho poder político que tenga, siempre
está por debajo de los dioses y de las leyes “escritas” por ellos.
Personajes:
Antígona: Es la protagonista indiscutible de la obra. Desde el principio tiene muy
claro lo que tiene que hacer y lo que debe hacer, pasando si hace falta por encima
de los edictos del Rey de Tebas, su tío Creonte. Es consciente del peligro que
corre, al querer dar sepultura a su hermano Polinices, pero ella antepone la
necesidad de no fallar a sus antepasados a su propia vida. Ella dice llevarse por las
leyes marcadas por los dioses, y no cree que ningún mortal pueda tener tanto poder
como para anteponerse a los dioses: “No era Zeus quien imponía tales órdenes, ni
es la Justicia, que tiene su trono con los dioses de allá abajo, la que ha dictado
tales leyes a los hombres, ni creí que tus bandos habían de tener tanta fuerza que
habías tú, mortal, de prevalecer por encima de las leyes no escritas e
inquebrantables de los dioses. Que no son de hoy ni de ayer, sino que viven en
todos los tiempos y nadie sabe cuándo aparecieron. No iba yo a incurrir en la ira de
los dioses violando esas leyes por temor a los caprichos de hombre alguno[...]Así
que a mí, al menos, sucumbir en este lance no me duele mucho ni poco: el que el hijo
de mi misma madre una vez muerto quedase insepulto, eso es lo que me dolería. Lo
demás a mí no me duele. Y si te parece que es locura lo que hago, quizás parezco
loca a quien es un loco” Antes de que sea abandonada en la cueva, cuando la llevan
de vuelta al palacio, Antígona parece haber cambiado y comienza a sentirse sola
ante su muerte: “Sin llantos, sin amigos, sin himeneos, me llevan ya, triste de mí, a
este viaje inevitable. Jamás me será dado ya, desventurada, ver el sagrado ojo del
día; y mi muerte, muerte sin llantos, ningún ser amigo la llora” Al final, como
Creonte, es castigada, pero con menos crueldad que a éste, ya que Sófocles castiga
su dogmaticidad, pero no sus ideas, que probablemente comparte con el autor. Su
muerte acarrea la muerte de Hemón, y la de éste conlleva la de su madre, Eurídice.
Medea (Eurípides)
Es una tragedia de Eurípides. Se representó en el primer año de la Olimpiada (431
a. C.), y formaba parte de una tetralogía con las tragedias y el drama satírico .
Índice
1Marco mítico
2Personajes
3Argumento
4Análisis de la obra
5Véase también
6Notas y referencias
7Enlaces externos
Marco mítico
La tragedia Medea trata de la conocida historia de Jasón tras las aventuras que lo
llevaron a conquistar el vellocino de oro, trabajo impuesto por su tío Pelias. Jasón,
tras el trabajo, se casó con Medea y tuvo un hijo en Yolcos.
Para hacerse con el poder en Yolcos, Pelias había matado a Esón, padre de Jasón. A
la muerte de Pelias, Jasón ha de abandonar Yolcos y huir con Medea y su
hijo Mérmero. En la muerte de Pelias estaba implicada Medea, que había engañado
a las hijas de él para que lo mataran. Por este motivo, Jasón y Medea han de huir
de Yolcos. Arriban a Corinto, donde reina Creonte y transcurre la historia contada
en la tragedia.
Personajes
Nodriza
Pedagogo
Medea
Creonte
Hijos de Medea
Jasón
Coro de mujeres
Egeo
Mensajero
Argumento
Jasón, esposo de Medea, se promete en matrimonio a Glauce , hija del rey Creonte
de Corinto, ante el espanto de Medea, que ve su lecho deshonrado.
Creonte, que había planeado el matrimonio, ante el temor de que Medea, sabia y
hábil se vengue, ordena su destierro inmediato.
Pero Medea, fingiéndose sumisa, pide un solo día de plazo para salir al destierro.
Ese plazo lo aprovecha para realizar unos presentes a Glauce: una corona de oro y
un peplo que causan la muerte por el simple contacto. Glauce muere de forma
horrible:
No se distinguía la expresión de sus ojos ni su bello rostro, la sangre caía desde lo
alto de su cabeza confundida con el fuego, y las carnes se desprendían de sus
huesos, como lágrimas de pino, bajo los invisibles dientes del veneno.
Tras perpetrar ese horrible asesinato, Medea mata a sus propios hijos.
Termina la obra con Medea subida en el carro de Helios, con quien ya tenía pactada
su huida a Atenas, para evitar las iras de la familia de Creonte y de su propio
marido Jasón.
Desde el carro de Helios, Medea increpa a Jasón:
¡Oh niños, cómo habéis perecido por la locura de vuestro padre!
Jasón replica:
Pero no los destruyó mi mano derecha.
Medea responde:
No, sino tú ultraje y tú reciente boda.
Análisis de la obra
Según los críticos, es una de las mejores obras de Eurípides.
Eurípides alza la figura femenina de forma extraordinaria. Medea es formidable,
sabía, fuerte, hábil, luchadora y por ello es amada por unos, pero respetada y
temida por todos.
Eurípides exalta los valores femeninos y defiende la condición femenina. Medea
describe en la obra esta condición:
De todo lo que tiene la vida y pensamiento, nosotras las mujeres, somos el ser más
desgraciado. Empezamos por tener que comprar un esposo con dispendio de
riquezas y tomar un amo de nuestro cuerpo, y éste es el peor de los males. Y la
prueba decisiva reside en tomar a uno malo o a uno bueno. A las mujeres no les da
buena fama la separación del marido y tampoco les es posible repudiarlo.
(En el siglo V sí podía divorciarse con el patrocinio del arconte, aunque las
desprestigiaba).
Y si nuestro esfuerzo se ve coronado por el éxito, y nuestro esposo convive con
nosotras sin aplicarnos el yugo por la fuerza, nuestra vida es envidiable, pero si no,
mejor es morir.
Dicen que vivimos en la casa una vida exenta de peligros, mientras ellos luchan con
la lanza. Necios. Preferiría tres veces estar a pie firme con el escudo que
enfrentarme al parto una sola vez.
Una mujer suele estar llena de temor y es cobarde, para contemplar la lucha y el
hierro, pero cuando ve lesionados los derechos de su lecho, no hay otra mente más
asesina.
El coro exclama ante el trato que de la sociedad griega recibía la mujer:
Pero lo que se dice de la condición de la mujer cambiará hasta conseguir buena
fama, y el prestigio está a punto de alcanzar al límite femenino; una fama injuriosa
no pesará ya sobre las mujeres.
Eurípides, conocedor de todas las corrientes filosóficas de su tiempo, avisa ya de
un problema que es actualidad en nuestros días: la separación entre la sabiduría y
el poder social. Y hace exclamar a Medea: Si eres considerado superior, por poseer
conocimientos variados, parecerás a la ciudad persona molesta.
En esta obra existe una acerba crítica a los sofistas, por poseer conocimientos y
utilizarlos en beneficios distintos de la justicia.
Macbeth (Shakespeare)
Estructura externa de la obra:
Primer acto acto: 7 escenas
Segundo 5 escenas
Tercer acto: 6 escenas
Cuarto acto: 3 escenas
Quinto acto: 9 escenas
Resumen:
La tragedia, puede ser dividida en cinco partes:
• La tentación: Macbeth, un general del ejército escocés, y el también general
Banquo, tras venir victoriosos de una sublevación, encontraron a tres brujas. Estas,
le vaticinaron hechos que ocurrirían en su futuro más reciente: Macbeth recibiría
los títulos de Barón de Glamis y Barón de Cawdor, hecho que se sucede, tras
enterarse Duncan de su victoria en la batalla. También le predicen que llegará a ser
rey. Por su parte, Banquo, tras insistir en que le revelaran algo, escuchó que sus
descendientes accederían al trono también.
• La conspiración: Macbeth al llegar a su castillo, le cuenta lo sucedido a su esposa,
y ambos, deciden asesinar a Duncan para así, ver como la predicción de las brujas
de ser rey llega a fin. El rey, tras haberse auto invitado para honrar al glorioso
Macbeth, llega a su casa y es entonces, cuando éste duda de realizar tan macabro
asesinato. Lady Macbeth duda de su poco honor y hombría por lo que Macbeth se
retracta y decide por acabar lo que ya habían planeado.
• La ejecución: Tras dar vino en exceso a los criados, Macbeth llevó a cabo la
matanza. Eclipsado por tan horrible suceso e inundado de arrepentimiento, se
siente incapaz de reaccionar siendo Lady Macbeth quien le arrebata de sus manos
los puñales y los coloca en manos de los criados que se encuentran dormidos y a los
que también unta de sangre del rey.
• El arrepentimiento: Al ser pública la noticia, los hijos del rey, Malcolm y
Donalbain deciden huir a Inglaterra e Irlanda respectivamente, por lo que se
convierten así en los principales sospechosos. De este modo, se cumple la tercera
revelación de las brujas. Ahora la principal preocupación de Macbeth es que los
hijos de Banquo pasasen a ocupar el trono, según las profecías de las brujas. Por
ello, decide contratar a unos asesinos a sueldo para que acabaran con Banquo y su
hijo Fleance. Sólo consiguen matar al primero mientras que Fleance prometía
venganza a la vez que escapaba. Al enterarse Macbeth, cuando daba una cena a los
nobles por su reciente coronación, vivió momentos de locura, los que Lady Macbeth
disculpó, alegando que eran crisis que le ocurrían con relativa frecuencia. Pronto,
se reunió nuevamente con las brujas que esta vez le dijeron que no sería vencido
hasta que el bosque de Birnam no subiera hasta Dunsinane, que tuviera cuidado con
Mascduff y que nadie nacido de mujer le haría daño. Macbeth quiere saber mas,
por lo que las brujas le muestran una imagen de ocho reyes descendientes de
Banquo, algo que lo llena de cólera.
• La venganza: El protagonista, manda matar a la familia de Macduff, hecho que
sucedió mientras el propio Macduff, huía a Inglaterra. Allí se encuentra con
Malcolm, y ambos deciden vengar las muertes de sus familiares, con la ayuda del
rey de Inglaterra. Por otra parte, Lady Macbeth estaba cada vez más enferma;
sufría fuertes pesadillas en las que declaraba que tenía las manos manchadas de
sangre. Tras fuertes gritos, a Macbeth se le comunicó la muerte de esta. Se
especulaba que se suicidó. Finalmente, al ejército ingles se le unió él ejercito de
Macbeth, cuyos hombres no le fueron fieles y lucharon contra Macbeth. Ya sin el
respaldo de sus hombres, Macbeth es vencido por Macduff (quien era hijo no
nacido de mujer, es decir, el fue sacado del cuerpo de su madre muerta).
Quedando así nombrado rey, en Scone, Malcom.
Personajes:
Macbeth: es un general del ejército de Escocia que es fiel a su rey y buena
persona. Gana la guerra contra el rey de Noruega y es condecorado. Se puede
apreciar claramente un cambio profundo en su carácter: pasa de ser un hombre
bueno y fiel a ser un tirano cruel y despiadado al que todos odian y traicionan. Pero
el cambio no es brusco, sino gradual. Todo empieza cuando su mujer le incita a
matar al rey para ser nombrado él. Al principio duda, pero luego hace caso a su
mujer y lo mata. Esto le causa fuertes remordimientos, pero está ya decidido a
llegar hasta el final. Mata también a uno de sus mejores amigos, Banquo, compañero
de guerra y general también, porque las mismas brujas que predijeron el ascenso
de Macbeth predijeron también que la descendencia de Banquo reinaría en Escocia.
Después de matarle vuelven los remordimientos (empieza a ver fantasmas), pero
cada vez que comete un acto terrible como éste se endurece después más y más
volviendo a matar a la familia de Macduff y perdiendo toda sensibilidad al final de
la obra. Junto con dicha sensibilidad pierde también el sentido de su vida y ya no le
importa morir o vivir, sólo acabar con lo empezado. Es duro con sus subordinados,
por lo que estos le odian y le traicionan en el momento de la batalla.
Lady Macbeth: es la mujer de Macbeth. Es fría, calculadora y perversa. Es la que
incita a Macbeth a cometer el regicidio y es la que inspira toda la historia, pero
también sufre una transformación gradual a lo largo de la obra hasta llegar al
suicidio. Empieza siendo la que critica a Macbeth por sus remordimientos, pero
poco a poco se va ablandando con el peso de su culpa hasta intentar frenar a su
esposo y suicidarse.
Banquo: es el contrapunto de Macbeth en la historia. Es también un general pero
que sigue fiel a su verdadero rey y presenta por su fidelidad una grave amenaza
para Macbeth, por eso lo mata. Las brujas le profetizan que será padre de una
estirpe de reyes. Tiene un hijo q se llama Fleance.
Macduff: después de la muerte de Banquo es el que lleva las riendas. Tiene un gran
carácter y lidera el ejército inglés junto con Seyward y Malcom. Es la mayor
amenaza de Macbeth, así lo profetizan las brujas, y se cumple, pues es él el
<<hombre no nacido de mujer>> del que hablan y por eso es el único capaz de
matarle.
Malcom: es hijo de Duncan. Huye a Inglaterra temiendo por su vida y se le toma
como culpable del regicidio. Pero al ver que Macbeth tiraniza a su pueblo, forma un
ejército en Inglaterra que, junto con los nobles escoceses, vence a Macbeth. Es un
rey justo, bueno, fiel, sincero.
Duncan: es el rey al que Macbeth mata. Confiaba plenamente en él y eso es lo que
carcome a Macbeth durante toda la obra. Era también, como lo sería después su
hijo, un buen rey. Además de Malcolm tenía otro hijo llamado Donalbain, q huyó a
Irlanda en el momento de la muerte de su padre.
Tres brujas: son las que mueven toda la historia. Macbeth mata al rey porque ellas
le han dicho que será rey. Luego siguen prediciendo los acontecimientos del reinado
de Macbeth hasta su final.