INSTITUTO SANTA TERESITA

HERMANITAS DE LA ANUNCIACIÓN
ÁREA DE LENGUA CASTELLANA
2013

ASIGNATURA: LENGUA CASTELLANA Período: I

ESTUDIANTE: ________________________________________________. CURSO: ONCE DOS.

EL TEATRO
El teatro es una visión y representación muy amplia del mundo, este
tiene una base literaria la cual es representada en un guion, escrito
por un dramaturgo, quien es el que expresa su opinión, o su crítica a
nuestra realidad, ese texto requiere no solo de su escritura si no
también su puesta en escena, para la cual es necesaria la interacción
de actores que desarrollen la trama, y además diferentes elementos
de parafernalia como la escenografía, el vestuario, la iluminación , el
maquillaje, etc. ; Aunque bien es cierto no todos los espectáculos
necesitan un texto (pero si una idea central), como en el caso de
la pantomima y la mímica, donde destaca la expresión gestual y por
otro último, un elemento indispensable para que sea llamado teatro
es la presencia de un público.

EL TEATRO CONTEMPORÁNEO

Abarca los siglos XIX y XX, este se alineó con los movimientos artísticos modernos (vanguardistas),
orientándose hacia el simbolismo y la abstracción.

Durante el siglo XIX el teatro romántico se destaca por el sentimentalismo, el dramatismo, la

selección de temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la naturaleza y del folklore popular,
gracias a esto surgió un nuevo subgénero, llamado melodrama, el cual fue bastante recurrido,
dentro de sus mayores exponentes podemos encontrar a Víctor Hugo, Antonio García Gutiérrez y
José Echegaray.

Durante este periodo el naturalismo jugó un papel importante, debido a que marcó distintas
pautas para visualizar e interpretar las obras teatrales tal y como también lo hizo el simbolismo; La
descripción detallada de la realidad, percibidos en la temática, el lenguaje, y los elementos de
parafernalia, son claros en las obras naturalistas, se actuaba como en la vida real, como si no se
estuviera en un teatro, como si no se representara nada, aquí por primera vez se iluminó sólo el
escenario, dejando el público a oscuras, se destacan autores de la talla de Eugène Scribe, Victorien
Sardou, August Strindberg y Anton Chejov.
El simbolismo se destacó por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico, buscando la esencia
humana a través de la intuición y la meditación, se ven una clara preferencia por los temas míticos
y las leyendas, que sean más específicamente esotéricos y teosóficos, los autores destacados son
Auguste Villie s de l’lsle-Adam, Paul Claudel, entre otros.
Durante el siglo XX se diversifican los estilos, que van en evolución junto a las corrientes artísticas
de vanguardia, se hace énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual
del teatro y no sólo el literario, existe una mayor profundización psicológica que modifica el gesto,
la acción y el movimiento, se dejan de lado las tres unidades clásicas e inicia el teatro
experimental, que apunta netamente hacia el espectáculo y las manifestaciones de culturas
antiguas, el director teatral recobra el protagonismo y algunas veces es artífice de distintos puntos
de viste en la puesta en escena.
Surgen movimientos como el realismo poético, el teatro de la crueldad, el teatro épico, el teatro
del absurdo el cual se encuentra ligado al existencialismo y los Angry young man (jóvenes
iracundos) de simbología inconformista y anti burgués, dentro de estos movimientos encontramos
a Luigi Pindarello, Tennessee Williams, Arthut Miller, John Boynton Priestley, Federico García
Lorca, Antonio Buero Vallejo, entre otros.
MOVIMIENTOS DENTRO DEL TEATRO CONTEMPORÁNEO

 Teatro épico: Este tipo de teatro busca llegar un distanciamiento en lugar de una
identificación emocional, este distanciamiento permite la racionalización y la reflexión,
quien desarrolla este teatro es el pote dramaturgo y director alemán Bertolt Brecht, y la
mayoría de temas a tratar son de corte social, Brecht incorpora diferentes recursos como
la música, el verso en los parlamentos, el desdoblamiento del actor (un mismo actor
representando diferentes personajes), personajes genérico (los personajes no tienen
nombre propio, por esto se le llama como él, ella, uno o dos) y la incorporación del
público, todo esto con el fin de lograr el distanciamiento de una manera adecuada.
 Teatro de la crueldad: Se incorporan elementos surrealista y la danza oriental para crear
de forma violenta y ritualista el teatro, quien desarrolla y fundamenta este movimiento es
Antonin Artaud, un escritor, actor y director francés, quien se opone a las formas realistas
y sostiene que el teatro y sus obras deben impactar al público sin importar si es necesaria
la violencia verbal o física.
 Teatro del absurdo: Los temas están relacionados son lo absurdo de existir, la enajenación
e impotencia humana, el miedo a la muerte y la incapacidad del leguaje como un medio
efectivo de la comunicación, el padre de este teatro es Eugène Ionesco, que rechaza el
teatro de rasgos realistas y psicológicos, se puede manifestar como absurdo de situación y
absurdo de leguaje, en el primero no se ajusta a las reacciones esperada y en el segundo
las respuestas no corresponden a las preguntas.
 Realismo poético: Es el tipo de teatro que es realista en el planteamiento de conflictos
pero utiliza un lenguaje poético, su principal característica es el simbolismo en el nombre
de personajes o uso de colores, y además añade elementos irreales, dos ejemplos claros
de este movimiento son Tennessee Williams y Federico García Lorca.
JEAN PAUL SARTRE

Fue un filósofo, escritor, novelista, dramaturgo, activista político,

biógrafo y crítico literario francés, exponente del existencialismo y
del marxismo humanista.

En 1945 funda la revista Les Temps Modernes y se convierte en

uno de los importantes teóricos de la izquierda, para la segunda
época atribuyó al marxismo, en donde su pensamiento dio a
conocer la crítica de la razón dialéctica, Sartre expresa que
definitivamente para él los humanos estamos "condenados a ser
libres", imagina la presencia humana como presencia consciente. Es
decir el hombre como ser consiente distingue un ser de una cosa.
La humanidad se vendría convirtiendo en alfo extraño, un
fenómeno subjetivo debido a el sentido de conciencia del mundo y En una primera etapa
de sí mismo por ellos lo subjetivo. desarrolló una filosofía
existencialista, a la que
El humano para a ser el único que no sólo es tal como él se imagina, corresponden obras como
sino por el contrario tal como él se quiere, y como se idealiza El ser y la nada (1943) y El
después de la existencia , como se quiere después de este impulso existencialismo es un
hacia la vida; entonces este no sería más que su obra misma, lo que humanismo (1946).
él quiso hacer de sí mismo, tomando esto como base o principio de
lo que trata el existencialismo. En ella, Sartre idealiza a las
personas como seres
Para Sartre el humano antepone de la esencia que por ejemplo: si capaces de crear sus
un artesano quiere realizar una obra, primero «la» piensa, la propias leyes al rebelarse
construye en su cabeza: esa prefiguración será la esencia de lo que contra todo tipo de
se construirá, que luego tendrá existencia. estatutos, aceptando la
responsabilidad, la ética y
Los hombres, no son la consecuencia de un boceto, y tampoco
toda moral personal sin el
llevamos con nosotros algo que nos indique hacia dónde mirar, si
apoyo de la sociedad, la
tenderemos al bien o tenderemos sencillamente al mal, siendo así
ética o cualquier norma
afirmaremos que la esencia es lo que aremos nosotros que nos
tradicional
indicara lo que somos y quiénes somos, lo que nos distinguirá, ser
es ser libres en situación, ser es ser-para, ser como "proyecto"

EL EXISTENCIALISMO SARTRIANO

Sobresalen algunas ideas tales como:

 Conciencia pre-reflexiva y conciencia reflexiva: la

conciencia pre-reflexiva esta empieza cuando el hombre
nota algo específico y tener conciencia de ello, y la
 conciencia reflexiva la notamos cuando el hombre se da cuenta que se está percatando de
algo
 El ser-en-sí: principalmente Sartre rechaza en absoluto el dualismo entre apariencia y
realidad y sustenta que la cosa es la totalidad de sus apariencias, si quitamos lo que en la
cosa es debido a la conciencia, que le confiere la esencia que la constituye en tal cosa y no
en tal otra, en la cosa sólo queda el ser-en-sí.
 El ser-para-sí: Si toda conciencia es conciencia del ser tal como aparecer, la conciencia es
distinta del ser (no ser o nada) y surge de una negación del ser-en-sí, por tanto, el para sí,
separado del ser, es radicalmente libre, el hombre es el no-ya-hecho, el que se hace a sí
mismo.
 El ser-para-otro: Sartre defiende que mi yo revela la indubitable presencia del otro en la
relación en que el otro se me da no como objeto sino como un sujeto (ser-para-otro).
 Ateísmo y valores: Para el filósofo, la existencia de Dios es imposible, ya que el propio
concepto de Dios es contradictorio, pues sería el en-sí-para-sí logrado. Por tanto, si Dios
no existe, no ha creado al hombre según una idea que fije su esencia, por lo que el
hombre se encuentra con su radical libertad, este ateísmo tiene una consecuencia ética:
Sartre afirma que los valores dependen enteramente del hombre y son creación suya.

SARTRE Y EL TEATRO

 El teatro requiere distancia: Cuando él piensa en el teatro, lo concibe como un mundo

cerrado sobre sí mismo el cual es inaccesible, el espectador se encuentra absolutamente
afuera y su rol se reduce exclusivamente a contemplar, es decir que el espectador no
existe sino como visión pura y el placer que este experimenta se deriva del hecho de que
su deseo de distancia se ve plenamente satisfecho.
 Un teatro de situaciones: Para Sartre, el sustento central de la pieza, es la situación,
propone reemplazar el teatro de caracteres por un teatro de situaciones, cuyo objetivo
sea explorar aquellas situaciones que son más comunes a la experiencia humana, pero
cuando Sartre habla de situaciones, no se refiere a cualquier tipo de circunstancia
cotidiana, sino aquellas en las cuales la libertad se revela en su más alto grado, y la labor
del autor de teatro consiste en escoger precisamente aquellas situaciones límite que
mejor expresan sus propias preocupaciones y presentarlas al público.
 La acción dramática es inexorable: De acuerdo con Sartre, la acción dramática es lo que se
expone o dramatiza a un grupo de personas que está queriendo algo o trata de
conseguirlo, para construirla es muy importante definir exactamente en qué posición
puede estar cada personaje, en función de las causas y contradicciones anteriores que las
han producido y cómo se vinculan con la acción principal, hay que dirigirse hacia un
objetivo final y la acción no puede existir sin radicalizarse: si se detiene, desaparece, como
conclusión jamás debe desviarse.
LUIGI PIRANDELLO

Nació el 28 de junio de 1867 en Agrigento, Sicilia era hijo de

Caterina Ricci-Gramitto y de Stefano Pirandello,
comerciante de clase media, Tanto los Pirandello como los Ricci-
Gramitto participaban activamente en un movimiento destinado a
la unificación democrática de Italia.
A causa de la decepción que atravesó Pirandello a lo largo de su
niñez se puede ver como extraería buena parte de la atmósfera
emocional que caracterizaría sus escritos, especialmente la
novela Los viejos y los jóvenes. Es también posible que la sensación
de traición y resentimiento inculcara en el joven Luigi la
desproporción entre ideales y realidad que subraya en su ensayo
L'Umorismo ("El humorismo").
Como muchos niños acomodados de la época, Pirandello recibió su
educación básica en su propio hogar. Quedó fascinado por Luigi Pirandello es considerado
las fábulas y leyendas de tono mágico que su tutora María Stella el primer autor del llamado
solía narrarle. A la prematura edad de doce años escribió su antiteatro. Tratándose de un
primera tragedia. A pesar del no acuerdo de su padre se inscribió teatro en principio psicológico, o
en una escuela técnica, educación que complementó con el estudio psico-filosófico, la psicología
de humanidades en el gimnasio, por las que sentía mucha mayor plasmada en sus obras es
afinidad. inquietante, al poner en duda la
Su infancia transcurrió entre Girgenti y Porto Empedocle a orillas identidad del sujeto y hasta la
del mar. Luego de ser víctimas de maniobras fraudulentas, la misma idea de teatro. No se
familia se trasladó a Palermo en 1880. Fue en Palermo donde puede más que soñar con un
terminó el liceo, se enfrascó en la lectura de poesía italiana arte que sería un
del siglo XIX, especialmente de escritores como Giosuè enmarañamiento profundo de
Carducci y Graf, empezó a escribir sus primeros poemas y se los símbolos activos capaces de
enamoró de su prima Lina. Durante este período comienzan los hablar al público un lenguaje
primeros signos del serio contraste que lo separaría de su padre, El donde nada se diría, pero todo
joven Pirandello empezó a acercarse emocionalmente a su madre, se presentirá. Nada se puede
relación que se transformaría en una verdadera veneración, esperar de un oficio que se
finalmente falleciendo Caterina, en las hondas páginas de la ejerce con tan poca gravedad y
novela Colloqui con i personaggi de 1915. ecogi ie to .

Su amor por su prima, inicialmente visto con desagrado, fue de

pronto tomado con gran seriedad por la familia de Lina, que
demandó que Luigi abandonara sus estudios para dedicarse de
lleno a la administración de las inversiones familiares en el negocio
del azufre, a fin de que los jóvenes pudieran casarse prontamente.
En 1886, durante unas vacaciones, Luigi visitó las minas de azufre
de Porto Empedocle y comenzó a trabajar con su padre: esta
TEATRO PRANDELLO (Silicia)
experiencia resultó esencial para su obra, y sus impresiones se reflejarían en algunos de sus
relatos.
Escritor y premio Nobel italiano, considerado como el más importante autor teatral de la Italia del
periodo de entreguerras, estudió en las universidades de Roma y Bonn. Fue profesor de literatura
italiana en la Escuela Normal Femenina de Roma, entre los años 1897 y 1921, cuando su creciente
reputación como escritor le permitió dedicarse por completo a su carrera literaria. Se hizo
mundialmente conocido en 1921, a raíz de la publicación de Seis personajes en busca de autor
(1921). Las obras más sorprendentes de Pirandello, son las teatrales, cuyos protagonistas,
profesores, propietarios de pensiones y curas, entre otros, suelen pertenecer a la clase media-
baja. En estas obras se reflejan las ideas filosóficas del autor, como la existencia de un arraigado
conflicto entre los instintos y la razón, que empuja a las personas a una vida llena de grotescas
incoherencias; igualmente considera que las acciones concretas no son ni buenas ni malas en sí
mismas, sino que lo son según el modo en que se les mire; y, por último, cree que un individuo no
posee una personalidad definida, sino muchas, dependiendo de cómo es juzgado por los que
entran en contacto con él.
Sin fe en ninguno de los sistemas morales, políticos o religiosos establecidos, los personajes de
este autor encuentran la realidad sólo por sí mismos y, al hacerlo, descubren que ellos mismos son
fenómenos inestables e inexplicables. Pirandello expresó su profundo pesimismo y su pesar por la
condición confusa y sufriente de la humanidad a través del humor. Sin embargo, éste es
singularmente macabro y desconcertante. La sonrisa que despierta procede más bien de lo
embarazoso, y a veces amargo, que resulta reconocer los aspectos absurdos de la existencia.
Fue un importante innovador de la técnica escénica, prefirió usar libremente la fantasía con el fin
de crear el efecto que deseaba. Ejerció una gran influencia al liberar al teatro contemporáneo de
las desgastadas convenciones que lo regían, y preparar el camino al pesimismo existencialista de
Anouilh y Sartre.
Entre las restantes obras de Pirandello destacan El placer de ser honrado (1917), Así es si así os
parece (1917), Enrique IV (1922), y Esta noche se improvisa (1930). Paralelamente escribió
narraciones breves que fueron reunidas bajo el título general Cuentos para un año (1933) y la
novela La excluida (1901). Obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1934 y falleció dos años más
tarde, el 10 de diciembre de 1936, en Roma.
BERTOLT BRECHT

Nacido en Augusburgo el 10 de febrero de 1898 y fallecido

en Berlín del este el 14 de agosto de 1956, fue
un dramaturgo y poeta alemán, creador del teatro épico,
también llamado teatro dialéctico.

A sus 30 años publicó obra que alcanzó el mayor éxito

teatral titula do La ópera de los 3 centavos, una obra en la
que critica el orden burgués representándolo como una
sociedad de delincuentes, prostitutas, vividores y
mendigos. Tal fue su trascendencia que fue llevada al cine
por Georg Wilhem Pabst en 1931.

Todas sus obras están ligadas a razones políticas e

históricas y tienen un sobresaliente desarrollo estético,
desde sus comienzos se caracterizó por una oposición
radical a la forma de vida y la visión del mundo de la burguesía y al teatro burgués, puesto que
sólo estaba destinado a entretener al espectador sin ejercer sobre él la menor influencia, él
desarrolló una nueva forma de teatro con la que buscó representar la realidad de los tiempos
modernos y se encargó de llevar a escena todas las fuerzas que condicionan la vida humana.

No solo logra conmover los sentimientos, si no que hace pensar al público; en sus
representaciones teatrales nada se daba por entendido, tiene a dar las cosas confusas para que así
, el espectador se sienta obligado a sacar sus propias conclusiones; Siempre afirmo que el teatro
podía contribuir a cambiar el mundo, y para ello fue creando una nueva idea del arte como
comprensión total que llamo el efecto de distanciamiento, la no contemplación lírica de las cosas y
tampoco replegamiento sutil sobre la subjetividad, sino elecciones humanas y morales,
verificación de los valores tradicionales y elaboración de una nueva presencia de la poesía en la
sociedad, es un arma contra el sentimentalismo, la crítica social, la compasión con los seres
humanos y el consiguiente cambio de la sociedad debían desempeñar el papel esencial.

Su teatro épico, narrativo, apunta a provocar la conciencia crítica de espectadores y actores, hay
que desmenuzar el texto, no sentirlo, examinarlo desde lejos, tomar distancia del propio yo, nada
de sentimentalismos que provo ue lág i as e el esce a io , Brecht hizo gala de
antisentimentalismo, así como de su condolencia para los pobres y su sufrimiento, al tiempo que
atacaba la falsa respetabilidad de los burgueses.

Sus actores son sus alumnos, los deja actuar en el escenario y de ese modo edifican la pieza,
mientras que el director la destruye, la genialidad y la ingenuidad generan un equilibrio y esta
perfecta combinación entre la construcción-destrucción, genialidad-ingenuidad son el gran secreto
de su éxito.
SU TEATRO ÉPICO

Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los Hay hombres que luchan un día y
hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por son buenos. Hay otros que luchan un
los musicales y los intérpretes de feria, por lo que año y son mejores. Hay quienes
incorporaba música y canciones en sus obras. luchan muchos años, y son muy
buenos. Pero hay los que luchan
La actuación necesita que los actores interpreten sus
toda la vida, esos son los
personajes de manera convincente , por el contrario, no
imprescindibles . B.B
convencer ni a la audiencia y ni a ellos mismos de que son en
realidad los personajes que interpretan, los actores usualmente le explican al público de forma
directa sin estar interpretando su personaje e interpretan múltiples papeles. Él decía que era
importante que las los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en
el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra,

Un término añadido por Brecht es el gestus , un gesto que representa la condición del personaje
sin importar la parte textual de la obra, se basó en el teatro chino, descubrió que el interpreto una
escena en la cual el personaje debería estar asustado, así que puso un mechón de su cabello en su
boca, y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado, pues claramente un
gestus defi e la actitud del personaje, el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita
cualquier emocionalidad excesiva, y así logra de manera perfecto lo que se busca el efecto de
distanciamiento.
 SAMUEL BARCLAY BECKETT

(TEATRO ABSURDO)

En el siglo XX fue el máximo representante del teatro

absurdo, este se caracteriza por tramas que parecen carecer
de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia
dramática que a menudo crean una atmósfera onírica
(sueño). Sus obras principalmente fueron escritas en inglés y
francés.

Su obra más conocida es esperando a Godot (En attendant

Godot), es una tragicomedia en dos actos escrita a finales de
los años 40 por y publicada en 1952. Beckett escribió la obra
originalmente en francés. La traducción al inglés fue realizada
por el mismo Beckett y publicada en 1955.

El teatro del absurdo busca romper con los antiguos

Fue un novelista, crítico,
esquemas, por lo que uno de los cambios más importantes se
dramaturgo y poeta presenta en la acción a través de cuatro elementos: la
irlandés. Fue uno de los transformación repentina del personaje, la intensificación
principales representantes progresiva de la situación inicial, la inversión del principio de
del teatro contemporáneo causalidad (las causas producen efectos contrarios) y el
y el existencialismo, este énfasis rítmico o emocional para crear una impresión de
último es un movimiento desenlace.
que se contrapone al Otra aportación innovadora del teatro del absurdo es la
clasicismo, obras como las repetición como forma de progresión: su función cambia cada
suyas se oponían vez que una frase o un sonido se repite
completamente a En cuanto a los personajes, estos pierden su individualidad y
tendencias anteriores se presentan como un conjunto. El teatro del absurdo es anti-
como las romanticistas. psicologísta, por lo que no se mantiene la complejidad y
riqueza psicológica del teatro anterior. Los personajes de este
tipo de teatro no parecen tener una función aparente,
aunque, al final, el lector puede observar una evolución del
personaje.