Italia

Siglo XIV
Quattrocento
Técnica
1)A pesar de contar con escasos ejemplos conservados de conjuntos pictóricos
grecorromanos, las ideas estéticas de la cultura clásica sirvieron como inspiración a
la pintura renacentista: la imitación de la naturaleza, basada en el estudio anatómico
del ser humano y del entorno que lo rodea; idealización, que persigue la
consecución de una idea de belleza basada en la proporción, la armonía y el
equilibrio.
2) Expresividad serena y contenida propia de las obras escultóricas clásicas.
3) Creación de composiciones simétricas y equilibradas, que solían responder a
formas geométricas como el triángulo equilátero.
4) Perspectiva científica. En el Renacimiento surge un nuevo sistema de
representación visual: la perspectiva, que permitía reflejar con fidelidad las tres
dimensiones de la naturaleza sobre un soporte bidimensional. La perspectiva lineal
consistía en la representación geométrica y matemática de la profundidad de un
espacio a través de líneas que convergen en un punto de fuga situado en el plano.
5) Desarrollo del paisaje. La observación de la naturaleza y la imitación de la misma
conllevó la representación de paisajes naturales que servían de fondo a las figuras.
6) Predominio de la línea sobre el color.
7) Técnicas. La pintura renacentista se desarrolló en soportes tanto de caballete
como murales.
8) Temas. La pintura religiosa es la más abundante en el Renacimiento, decorando
prolijamente capillas e iglesias.
a) El retrato es un género que adquiere una gran relevancia en esta época,
relacionado con la dignidad conferida al ser humano y al individualismo durante la
época renacentista. Reyes, príncipes, papas, cardenales, obispos, aristócratas y
acaudalados burgueses demandaron numerosos retratos que decorasen sus
residencias palaciegas.
b) Los temas mitológicos. En el Renacimiento, los temas de la mitología clásica
vuelven a tener un destacado protagonismo.La temática mitológica ornamentaba
con frecuencia los palacios renacentistas.
c) La temática histórica o narración de episodios históricos que resaltan por su
heroísmo o por su elevado contenido moral

Pinturas
 La anunciación-Fra Angélico

El pago del tributo-Masaccio

La batalla de San Romano-Paolo Uccello

Siglo XV
Alto renacimiento (Grandes maestros)
 Escuela Florentina
Las pinturas sobre tabla de los bizantinos tenían un carácter oscuro y tur-bio, debido
a un exceso de barniz al óleo de preparación deficiente. El fondo contenía jabón y
aceite a discreción» y, naturalmente, daba lugar a que el cua-dro de por sí fuera
oscureciendo.
Los barnices al óleo de aquel tiempo eran obscuros, quemados, casi negros y muy
espesos. No podían ser aplicados con pincel, sino que había que frotarlos con el
pulpejo de la mano. El cuadro era colocado al sol para su secado. Se dis-tinguía
también muy poco entre los aceites secantes buenos y malos.
La pintura era al temple: un color brillante de cola, lejía y cera y, además, temple de
huevo. La pintura se componía en las carnaciones a base de determi-nados medios
tonos en contraste con sombras de verde y rojo, un principio que fue tomado de la
pintura antigua. Las figuras eran duras en el color y contrastan entre sí. Se trataba
de dar armonía mediante barnices de color oscuro, probablemente barnices
transparentes, de asfalto, según el modelo de Apeles.
La técnica predominante era la pintura mural y la pintura sobre tabla de-notaba
análoga composición superficial. El oro y la imitación de oro casi anularon a la
pintura por su empleo en masa.
Quedó establecido así el canon y no se permitía apartarse de este rígido sis-tema
pictórico por razones de índole religiosa.
La pintura sobre tabla fue establecida cuidadosamente en sus fundamentos según
Cennini y se cuidaba, además, que las tablas de madera estuvieran com-pletamente
exentas de aceite. El tablero era encolado varias veces y revestido con lienzo. Se
aplicaba en muchas capas tenues sucesivas un fondo de cola y yeso, y el material
de partida se preparaba escrupulosamente. La tabla blanca des-lumbrante era
raspada en liso.
El fondo sobre lienzo era menos impecable que el modo de preparar el fondo sobre
tablero; éste se considera todavía, hoy en día, como el mejor procedimiento. El
lienzo se impregnaba con cola caliente y encima se aplicaba con la espátula cola,
engrudo, azúcar y yeso, en capas delgadas que Únicamente cubrían los poros y por
ultimo se ponía un fondo delgado de aceite. Por esta razón, no se han conservado
apenas cuadros sobre lienzo de aquella época. Cennini describe minuciosamente el
dorado.

Pinturas
 La escuela de Atenas-Rafael Sanzio

La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana-Leonardo Da Vinci

 La expulsion del paraiso-Miguel Angel

Influencia Veneciana
Los rasgos de esta etapa:
- La preeminencia del color, con tonos cálidos.
- La importancia de los temas secundarios: la anécdota, el detalle.
- La exaltación de la riqueza: palacios, procesiones, fiestas, ropajes.
- La contemplación poética del paisaje.
En primer lugar, encontramos una innovación respecto al soporte pictórico. En el
siglo XV los artistas van abandonando el uso de la tabla para explorar las
posibilidades del óleo aplicado sobre lienzo, ya prácticamente generalizado desde
mediados de siglo. En segundo lugar, la perspectiva lineal que caracterizó buena
parte de la pintura veneciana de aquella centuria acabará sustituida por la
perspectiva aérea, que triunfó con las grandes realizaciones del siglo XVI. Por
último, la característica más destacada de los pintores renacentistas venecianos es,
sin duda alguna, la importancia concedida al color, que suele aplicarse con
pincelada gruesa y pastosa y preferentemente con tonos luminosos, muy cálidos,
acordes con la peculiar luz que caracteriza la ciudad y muy adecuados para plasmar
en el lienzo la atmósfera veneciana.

Venus de Urbino-Tiziano
2da parte
 Manieristas
Seguidores de Miguel Angel
La tensión, el dramatismo frente al equilibrio clásico. Se buscan
composiciones confusas, descentradas, huyendo de la simetría, el
equilibrio
El agobio espacial (o las perspectivas sumamente aceleradas o en
vertical) frente a la amplitud tranquila en donde figuras y fondo se
complementan
Perspectiva en vertical
La luz expresiva frente a la representativa
La expresividad o lo extravagante frente a la belleza idealizada y las
formas correctas.
Las posturas inestables frente a las estables
Aparición frecuente de un erotismo explícito

Tondo Doni- Miguel Ángel

El Correggio- Antonio Allegri

Influencia Veneciana
 El Tintoretto es mágico a la hora de expresar el drama en sus imágenes. Sus
trabajos definen con claridad lo que es el manierismo clásico italiano. La técnica que
emplea, en la coloración y la luminosidad, es original para su época y ciertamente
es uno de los pilares de la aparición, posterior a él, de la pintura de estilo Barroco.

Cristo en el lago Tiberíades- Tintoretto

Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos
(Félix Paravicino, El caballero de la mano en el pecho) y algunos cuadros de
temática diversa. La obra más admirada de El Greco es El entierro del conde de
Orgaz, por el hecho de que el artista se valió de este acontecimiento para dejar
constancia del momento en que le tocó vivir; para ello, dividió el cuadro en dos
planos, uno celestial en la parte superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo
que la obra es al mismo tiempo un cuadro religioso y un retrato de grupo.
El plano superior, el celestial, no se aparta de sus restantes obras religiosas y
presenta idéntico hondo misticismo y parecida intensidad dramática; la novedad se
encuentra en el plano terrenal, donde los principales personajes del Toledo de la
época, incluidos el propio pintor y su hijo, aparecen reproducidos con absoluta
fidelidad

El entierro del Conde Orgaz-El Greco