Manual 2015-II 02 Historia Del Arte y Diseño Contemporáneo (DI) (1796)

HISTORIA DEL
DISEÑO
CONTEMPORÁNEO
HISTORIA DEL DISEÑO CONTEMPORÁNEO 2
CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

Índice
Presentación 6
Red de contenidos 7
Unidad de Aprendizaje 1
DISEÑO E INDUSTRIALIZACIÓN A INICIOS DEL S XX
10
1.1 Tema 01 : Nuevos medios y Soportes para la Imagen. 1890 – 12
1900
1.1.1 : Art and Krafts – Movimientos Artes y Oficios: Morris, 12
Voysey
1.2 Tema 02 : Nuevos medios y soportes para la imagen 1890-1900 18

1.2.1 : Nacimiento y Antecendentes del Cine 18
1.2.2 : Nacimiento de la historieta y sus inicios en el Perú 22
1.3 Tema 03 : La modernidad en los estilos del S. xx 1900-1910 27

1.3.1 : Modernismo – Alphonse Mucha 27
1.3.2 : Secesión Vienesa 34
1.3.3 : Escuela de Glasgow 37
1.3.4 : Modernismo Catalán 39
1.3.5 : Art Nouveau en Perú y Lima 43
1.4 Tema 04 : Influencia de las tendencias artísticas 45

1.4.1 : Dadaísmo: Una nueva mirada al objeto 45
1.4.2 : Cubismo: Influencia cubista – hormigón armado 50
LA GEOMETRÍA COMO LENGUAJE UNIVERSAL 57
2.1 Tema 05 : De Stijl 59
2.1.1 : De Stijl: Inicios del minimalismo 59
2.1.2 : Gerrit Rietveld 62
2.2 Tema 06 : Bauhaus 64

2.2.1 : Nacimiento del Geometrismo en el Diseño Gráfico e 64
Industrial
2.2.2 : Principales arquitectos 71
2.3 Tema 07 : Constructivismo Ruso 72

2.3.1 : Afichismo en la Revolución Rusa 72
2.3.2 : Arquitectura del Constructivismo Ruso 77
2.3.3 : Escenografía en el cine de Eisenstein 78
2.4 Tema 08 : Movimiento Moderno 80

ENTRE EL GLAMOUR Y LA MODERNIDAD 1920 – 1950 85
3.1 Tema 09 : Art Deco 87
3.1.1 : Arquitectura 88
3.1.2 : Art Deco en Lima 92
CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

3.2 Tema 10 : Neo Prehispanismo 93

3.2.1 : Arquitectura Pre Hispanista en Perú y Latino América 94
3.2.2 : Tapicería y Diseño Textil: Elena Izcue 97
3.3 Tema 11 : Influencias Vanguardistas 99

3.3.1 : Influencia Futurista en la escenografía Fantástica: 99
Metrópolis
3.3.2 : Influencia Surrealista en la arquitectura y Diseño de 102
Interiores
3.4 Tema 12 : Ordenamiento en el espacio 107

3.4.1 : Prototipo del mapa esquemático del metro de Londres. 107
3.4.2 : Movimiento Isotype 108
3.5 tema 13 : Neo Clasicismo en el Siglo XX 110

3.5.1 : Albert Speer y la arquitectura Nazi del Tercer Reich 110
3.5.2 : Arquitectura Neo Clasicista del Centro Histórico de Lima 112
3.5.3 : Otra alternativa: Casas tipo barco 115
3.6 Tema 14 : Madera y muebles en Europa 116

3.6.1 : Diseños Escandinavos e Ingleses 116
DISEÑO Y SOCIEDAD DE CONSUMO 1950 - 1970 121
4.1 Tema 15 : Arquitectura de la Pos Guerra 123
4.1.1 : Urbanismo americano de la pos guerra 126
4.1.2 : Arquitectos modernos a mediados del S. XX 128
4.2 Tema 16 : Movimiento Neo Liberty 132

4.2.1 : Arquitectura Italiana de la Pos Guerra 132
4.2.2 : Boom del diseño italiano de muebles en la década de los 134
60‘s
4.3 Tema 17 : Influencia del Pop Art 135

4.3.1 : Influencia Pop Art en la Arquitectura 135
4.3.2 : Formas plásticas en el diseño mobiliario 148
4.3.3 : Influencia de Op Art en la Arquitectura y Diseño de 149
Interiores
Unidad de Aprendizaje 5 155
DISEÑO CONTEMPORÁNEO 1970 - 2010
5.1 Tema 18 : Diseño a finales del Siglo XX 156
5.1.1 : Principales edificios Públicos 1970 – 2000 156
5.1.2 : Diseño de interiores y muebles 1970 – 2000 159
5.1.3 : Arquitectura y diseño de interiores ecológico 176
5.2 Tema 19 : Diseño en el S XXI 187

5.2.1 : Aporte digital para la arquitectura y diseño de interiores 187
5.2.2 : Principales muestras de arquitectura en el S XXI 190

5.2.3 : Proyectos Arquitectónicos, Diseño y Mobiliario para el S. 204

XXI

Presentación
El curso de Historia del Diseño Contemporáneo pertenece a la línea de Teoría del

Diseño y se dicta en la carrera de Diseño de Interiores. Brinda al alumno la información
básica para tener una visión panorámica de la historia del diseño durante el siglo XX y
XXI.
El manual para el curso ha sido diseñado bajo la modalidad de unidades de aprendizaje,

las que se desarrollan durante sesiones ya programadas. En cada unidad se indican los
logros que el estudiante debe alcanzar; el tema tratado, su desarrollo extendido y los
contenidos, que a tratarse, es decir, los subtemas. Por último, también se encuentran las
actividades que deberá desarrollar en cada sesión, que le permitirán reforzar los
conocimientos adquirido en clase.
El curso se desarrolla a través de sesiones expositivas con alta participación y análisis

de casos visuales. Está compuesto por unidades que permiten explorar la relación
entre las disciplinas del diseño más importantes de la última centuria (diseño gráfico,
diseño arquitectónico, diseño de mobiliario, diseño de modas, fotografía, cine e
historieta).
Las actividades sugeridas en estas unidades de aprendizaje son realizadas en clase a

modo de trabajos grupales dedicando cada sesión al análisis y a dinámicas del tema
tratado.

RED DE CONTENIDOS
DISEÑO E GEOMETRÍA COMO GLAMOUR Y
INDUSTRIALIZACIÓN A LENGUAJE UNIVERSAL MODERNIDAD
INICIOS DEL S. XX 1910 - 1930 1920 - 1950
1890 - 1920
Arts and
Krafts
1890 - 1900
Segunda
Art Nouveau Vanguardia Bauhaus Art Deco Guerra
Mundial
DISEÑO Y SOCIEDAD DE CONSUMO POSMODERNIDAD Y ECLECTICISMO

1950 - 1970 1970 - 2010
Neo Liberty Pop Art Op Art Diseño Contemporáneo

Introducción
Nuevamente convergemos en la entrada del túnel del tiempo esta vez para un tramo
aparentemente más corto, pues nuestro recorrido inicia en la Belle Epoque, toma viada
todo en siglo veinte y termina en nuestros días (con la esperanza que sigamos
construyendo la ruta), sin embargo el diseño durante los últimos cien años ha sufrido
una serie de cambios y transformaciones con el devenir de acontecimientos y avances
tecnológicos por los que íbamos atravesando.
La humanidad sufrió grandes cambios que afectaron hasta los aspectos más sencillos
de nuestras vidas, cambios que cotidianamente se infiltraban en nuestra vida
afectando Las comunicaciones, el transporte, el esparcimiento…. hasta la
alimentación. Imaginen cuánto camino habremos recorrido desde el envío de las
cartas por correo postal hasta los mensajes por celular, dejamos el fonógrafo por la
radio y a ésta la apagamos para ver la televisión, pero ahora no tenemos tanto tiempo
para ella porque preferimos navegar por internet si no estamos concentrados en una
conversación vía whatss app.
Una sucesión vertiginosa de grandes y pequeños eventos modificaron nuestro modo

de representar y de observar, y por ende los ambientes que habitamos fueron
vistiéndose de colores y texturas que se adaptaban a cada etapa en los últimos 120
años, contribuyendo a re significar nuestro imaginario visual, bastante estimulado ya
por el cambio continuo de escenario que, a nivel mundial, esta etapa trajo consigo.
Este curso se ha elaborado para explorar la relación entre las disciplinas de diseño
(diseño gráfico, diseño de mobiliario, arquitectura, moda, etc.), que estarán ahora más
vinculadas que nunca, también entablaremos un continuo diálogo entre la teoría de
diseño y el contexto en que se genera, comprendiendo que toda creación visual
responde al tiempo y el espacio en la cual es concebida.
Sin más prefacios, internémonos en la aventura de conocer la historia del diseño

durante el siglo veinte con los antecedentes que nos corresponden ver del diecinueve
y los incipientes avances del veintiuno que ahora está en sus manos.
Julia E. Ortiz
Profesora


UNIDAD
1
DISEÑO CONTEMPORÁNEO
LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE
Al término de la Unidad el estudiante comprende, reconoce e investiga las

nuevas tendencias y técnicas generadas en el diseño del Siglo XX como
consecuencia de la industrialización originada en éste periodo.
TEMARIO
1.1 Tema 1: Nuevos medios y Soportes para la Imagen. 1890 – 1900

1.1.1 Art and Krafts – Movimientos Artes y Oficios: Morris, Voysey.
1.2 Tema 2: Nacimiento del cine y la Historieta (Perú) Tratamiento escenográfico

en ambos.
1.2.1 Nacimiento y antecedentes del Cine
1.2.2 Nacimiento de la Historieta y sus inicios en el Perú
1.3 Tema 3: La Modernidad en los Estilos del S. XX. 1900 – 1910

1.3.1 Modernismo - Alphonse Mucha
1.3.2 Secesión Vienesa
1.3.3 Escuela de Glasgow
1.3.4 Modernismo Catalán
1.3.5 Art Nouveau en Lima
1.4 Tema 4: Influencia de las tendencias artísticas

1.4.1 Dadaísmo: una nueva mirada al objeto.
1.4.2 Hormigón armado e influencia Cubista 1910- 1920

ACTIVIDADES PROPUESTAS
 Los alumnos aplican en diseños de maquetas o diseño mobiliario los contenidos

de los temas vistos en clase.

1.1 NUEVOS MEDIOS

Y SOPORTES PARA LA IMAGEN. 1890 – 1900
1.1.1 ARTS AND KRAFTS (MOVIMIENTO ARTES Y OFICIOS)
El movimiento Arts and Krafts (literalmente, Artes y oficios) fue un movimiento

artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados
Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX, alcanzando su cenit
entre 1880 y 1910. Reacciona tanto contra el estilo Victoriano como contra el estilo
industrial, que eran los dominantes a finales del S XIX.
Estilos Victoriano en ilustración de la izquierda e Industrial en

la arquitectura urbana mostrada a la derecha.
Si bien, las construcciones en fierro y la industria pujante a mediados del S XIX eran
dignos de admiración, las personas extrañaban el acabado estético que la
manufactura posee, pero a la vez no se quería caer en la sobrecarga de elementos
edulcorados que entonces eran muy comunes.
Ante la necesidad de otorgar a los objetos de la vida cotidiana una dimensión estética
que acompañase sus funciones naturales surge el Arts and Krafts pretendiendo elevar
la dignidad social y estética al diseño y todas las Artes aplicadas. Se trató de un
movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes
decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de
jardines
Principios del Arts and Krafts

Los principios filosóficos, éticos, políticos y estéticos más destacados del Arts and
Krafts fueron:
 Rechazo de la separación entre arte y artesanía. El diseño de los objetos útiles
es considerado como una necesidad funcional y moral.
 Rechazo de los métodos Industriales de trabajo, que separan al trabajador de
la obra que realiza.
 Regreso al medievalismo en arquitectura (estilo neogótico) y en artes
aplicadas.
 La arquitectura es vista como el centro de todas las actividades de diseño. Esta
idea sería recogida por el racionalismo a inicios del S. XX.
 Se sigue al modelo medieval de trabajo colectivo, agrupando a los artesanos
en guildas o talleres.

 Nivel de excelencia tanto en factura como el acabado para que el trabajo sea
de plena satisfacción para artista y cliente.
Muebles y papel tapiz de estilo Arts and Krafs
Principales Representantes del Arts and Krafts

Aparte de William Morris, Voysey, sus principales impulsores fueron: Charles Robert
Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor
Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest
Gimson, Gustav Stickley.
William Morris
En 1861 William Morris, (Inglaterra, 24 de marzo de 1834 - 3 de octubre de 1896)
artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre
polifacético, funda la empresa Morris & Company empresa de arquitectura y diseño
industrial que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales,
renegando de las nacientes formas de producción en masa.
Talleres de la Morris & Company

DISEÑOS DE WILLIAMS MORRIS

Tapicerí

Kelmscott Press
Asimismo en 1891 Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la cual salieron
tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente facturados
de toda la historia. Allí produjo trabajos originales (The Story of Sigurd the Volsung,
The fall of the Nibelungs, etc), así como reimpresiones de los clásicos, siendo su obra
más conocida la edición de los Cuentos de Canterbury, de Chaucer, ilustrada por
Burne-Jones e impresa en Kelmscott Press en 1896.
Libros publicados, tipografía y colofón de la

Kelmscott Press,

Voysey
Charles Voysey, arquitecto y diseñador industrial (tapicería, mobiliario papel tapiz),
especialista en diseño de casas de campo Inglesas.
Tapicería
Diseño de puerta, el superior basado en los arcos

abocinados románicos.

Influencia contemporánea del Arts and Krafts
Diseños actuales con influencia Arts and Krafts: Vitral y

mueble
1.2 NUEVOS MEDIOS Y SOPORTES PARA LA IMAGEN 1890-

1900
1.2.1 Nacimiento y Antecedentes del Cine
El cine se desarrolló desde el punto de vista

científico antes de que sus posibilidades artísticas
o comerciales fueran conocidas y exploradas.
En 1877 el fotógrafo angloestadounidense Edward

Muybridge empleó una batería de 24 cámaras para
grabar el ciclo de movimientos del galope de un
caballo. Asimismo Jules Marey también realizó
experimentos posteriores de tomas fotográficas
consecutivas para originar movimiento.
El Zootropo, Taumatropo fueron algunos de los tantos juguetes desarrollados previos

al invento del cinematógrafo para mostrar imágenes en movimiento. Muybridge mismo
diseñó el zoopraxiscopio. Aparato en el cual se insertaban discos con una serie de
ilustraciones pintadas a mano, que al girar creaban la ilusión de movimiento

Zootropo y disco para Zoopraxiscopio diseñado por Muybridge
Kinetoscopio
Hasta 1890, los científicos estaban

interesados principalmente en el desarrollo de
la fotografía más que en el de la
cinematografía. Esto cambió cuando el
antiguo inventor, y entonces ya industrial,
Thomas Alva Edison diseña la primera
máquina de cine, el kinetoscopio, tenía unos
15 metros de película en un bucle
interminable que el espectador —individual—
tenía que ver a través de una pantalla de
aumento. El artefacto, que funcionaba
depositando una moneda, no puede
considerarse por tanto un espectáculo público,
y quedó como una curiosidad de salón que en
1894 se veía en diferentes locales y eventos
ambulantes en Nueva York, sin embargo,
poco antes de finalizar el año siguiente, en
Londres, Berlín y París. Eureka! ―le cinema‖,
de los hermanos Lumière.

Cinematógrafo
La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de

1895, cuando los hermanos Louis y Auguste
Lumière realizaron la primera proyección pública
de imágenes en movimiento en un café de París.
El cinematógrafo, tenía por antecedente el

kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos
consiguieron fabricar una cámara más portátil y
funcional a partir de aquel artefacto, que
registraba imágenes en movimiento, aunque no
era capaz de reproducirlas.
Los hermanos Lumière produjeron una serie de

cortometrajes con gran éxito, de género
documental, en los que se mostraban diversos
elementos en movimiento: Por un lado exhibían
escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las
fábricas, trenes, transeúntes, olas rompiendo en la orilla del mar y un jardinero
regando el césped… y, por otro, representaciones escenificadas grabadas en
interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas Salida de
la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895). El modelo del
cinematógrafo de los hermanos Lumière y las películas se comenzaron a comercializar
a escala internacional.

Escenas de ―El Regador Regado‖ y ―Llegada del Tren‖ Cortos de los hermanos Lumiere que fueron parte de la primera
proyección el 28 de Diciembre de 1895
Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron

excesiva confianza en las posibilidades técnicas y
artísticas del nuevo invento, poco a poco estas
proyecciones van atrayendo a un número de
espectadores cada vez mayor. Las primeras
películas combinaban indistintamente dos
tendencias cinematográficas que pronto se
escindirían: el cine documental y el cine de ficción.

1.2.2 Nacimiento de la Historieta
1896: Nace la historieta. En el marco de la competencia entre los diarios por captar
lectores, el 24 de diciembre de 1893 aparece el primer suplemento cómico a color de
la prensa, en el diario World de New York, propiedad de Joseph Pulitzer. Para el
suplemento dibujaba Richard Felton Outcault, desarrollando un cartoon llamado
Hogan's Alley, donde entre muchos personajes se destacaba un chico que vestía un
camisón amarillo, en el que el autor comenzó a insertar textos.
―Hogan's Alley‖ de Richard Felton Outcault. 22 de Noviembre, 1896

“A Turkey Raffle in Which the Yellow Kid Exhibitts Skill With the Dice”
New York Journal

En 1896 Outcault es contratado por la competencia, el Journal de William Randolph

Hearst, al que lleva su personaje. El 25 de octubre Outcault dibuja a su personaje
protagonizando una tira titulada The Yellow Kid and His New Phonograph, en la que el
protagonista y un loro hablaban utilizando globos. Se presentaban de esta manera los
elementos que caracterizan a la historieta: un personaje con continuidad,
secuencialidad en las imágenes y el habla mediante globos. De la popularidad de
Yellow Kid surge el nombre de prensa amarilla para denominar a la prensa
sensacionalista, como los diarios en los que aparecía este personaje.
La historieta tiene un origen espurio: su fin era aumentar las ventas de los diarios
sensacionalistas pertenecientes a los magnates norteamericanos Joseph Pulitzer y
William Randolph Herst, que competían ferozmente entre sí. Y el hecho de que Yellow
Kid llevase un camisón amarillo -donde al comienzo Outcault colocaba los diálogos,
motivó que a este periodismo se lo llamara prensa amarilla. Yellow Kid era una tira
humorística, de allí que también le dio nombre al género: comic.
―The Yellow Kid and His New Phonograph‖ de Richard Felton Outcault 25 de Octubre, 1896 New York Journal
Inicios de la Historieta en el Perú
La tradición del lenguaje narrativo visual en el Perú tiene una antigüedad bastante remota,
desde la cerámica Moche que en su superficie mostraba secuencias de personajes que
estructuraban una historia, o los dibujos de Huamán Poma de Ayala para ―Primer Nueva
crónica y buen gobierno‖ en 1615.
Sin embargo restringiéndonos a considerar la historieta como un producto cultural de la

modernidad industrial y política occidental que surgió en paralelo a la evolución de la
prensa encontramos los primeros antecedentes en ―El Perú Ilustrado‖ , publicado entre
Mayo de 1887 y Septiembre de 1892. Éste semanario dará a conocer autores como Julio
Gálvez (Aventuras de una suegra) y sobre todo Zenón Ramírez (autor éste último del guión
de un álbum humorístico en 1888.) También abunda en la prensa diaria la historieta política
y anticlerical, como ―El leguito Fray José‖ (1893 – 1895) y ―Fray K. Bezón‖ (1907-12) de
Rubén Polar.

―Album Humorístico‖ de Zenón Ramirez, quien también trabajó para ―El Perú Ilustrado‖
Ya en el siglo XX, surgen nuevas revistas humorísticas e infantiles como

―Actualidades‖ (1903-7), ―Monos y monadas‖ (1905-6) o ―Variedades‖ (1908-32), con
obras de Pedro Challe ("Cinema‖ o ―La semana cómica‖, ambas de 1912) , Julio
Málaga Grenet, Juan Marcos Sarrín (Historia del Perú en guasa”, 1916), Víctor Morey
(Aventuras de Pepito u Chumbeque‖, 1919) o
Abraham Valdelomar.
Monos y Monadas
En 1905 apareció la revista considerada ―el más
importante proyecto de humor político de nuestra
historia‖. Fundada por Leonidas Yerovi, hizo posible
la aparición de talentosos escritores y dibujantes.
Enfrentó a los gobiernos de turno y tradujo con
sarcasmo e ironía los sentimientos de los peruanos.
Ninguna publicación como Monos y Monadas para
confirmar el aserto de que el humor es cosa seria.
Contra el espíritu irreverente de quienes lo forjaron
en el siglo pasado y quienes lo hicieron hasta hace
un par de años, la revista hoy es considerada ―el
proyecto de humor político más importante del
periodismo peruano‖.

El comienzo …
―Tu pintas los monos y yo escribo las monadas‖ le dijo un día de 1905 Leonidas Yerovi al
ilustrador Julio Málaga Grenet - Principal dibujante de la revista y autor de la carátula de 1907
que tenemos a la mano izquierda - y así ambos dieron nacimiento a la revista. Dicen los que
saben, que en sus años iniciales la revista cultivó un estilo que destrozó el puritanismo burgués
de su tiempo: la jerga, la ocurrencia esquinera, la calle, estaban en sus páginas. Su marca de
fábrica fue la malicia popular y en ella la revista fundó su poder.
Esa Monos y Monadas de la primera época duró poco, apenas dos años (1905-1907), pero una
revisión de su corta historia confirma –para admiración de los seguidores de este siglo– una
suerte de ―dream team‖ de las mejores plumas del siglo XIX y XX: allí estaban el maestro
Ricardo Palma, el escritor Abraham Valdelomar –el talentoso Conde de Lemos–, el incendiario
Manuel González Prada, el narrador Manuel Beingolea, el cronista Abelardo Gamarra, entre
muchos más. Pero no solo hubo peruanos. El poeta de ―Azul‖, Rubén Darío, y el de ―La Amada
Inmóvil‖, Amado Nervo, estuvieron en sus páginas.
―Mentempsicosis‖ curiosas tiras humorísticas de Abrahm Valdelomar para ―Monos y Monadas
Desde el primer número, con portada en trazos de Julio Málaga Grenet, el tono de la
revista apeló a la ironía y la malicia. Los dardos de Leonidas Yerovi y compañía
traducían la coyuntura con su toque de humor ácido, por tanto corrosivo. El ambiente
político, social y cultural limeño estaba en sus páginas, lo mismo que el contraste de la
bonanza económica con la pobreza de las clases populares. Provocaban la risa fácil y
la reflexión seria. Pero dos años después la aventura acabaría. En ese lapso, la revista
publicó 108 ediciones a color y fue la revista satírica más fecunda de su tiempo. El
final de dicha etapa llegaría en 1907, más la revista se publicaría por tres temporadas
más años más adelante: de 1978 a 1984, de 1985 a 1992 y del 2000 al 2003,
dejándonos ansiosos por disfrutar de su humor certero y corrosivo en una cuarta
temporada.

Málaga y Grenet. Monos y Monadas 1905

1.3 LA MODERNIDAD EN LOS ESTILOS DEL SIGLO XX 1900 –

1910
1.3.1 Modernismo:
ART NOUVEAU EN DIFERENTES PAÍSES DE EUROPA
Modernismo es el término con el que se designa a

una corriente de renovación artística desarrollada a
finales del siglo XIX y principios del XX en la cual se
lleva a cabo una ruptura con los estilos dominantes
en la época, tales como el historicismo o el
eclecticismo.
Recibe diferentes nombres en los distintos lugares

del mundo donde se impone como estilo, pero el
más difundido será el de ―Art Nouveau‖. El Art
Nouveau conjuga influencias de diversa índole:
manifestaciones ancestrales japonesas, el
movimiento ―Arts and Krafts‖ sobretodo con la
iluminación de manuscritos medievales, toma
también del rococó línea y la composición en una
innovadora síntesis natural haciendo hincapié en las
imágenes en una era de la industrialización.
Entrada al metro de París Héctor Guimard
Se trata de crear una estética nueva, en la que

predomina la inspiración en la naturaleza a la vez
que se incorporan novedades derivadas de la
revolución industrial. Y así en arquitectura, por
ejemplo, es frecuente el empleo del hierro y el
cristal (Sin embargo, se trata de una reacción a la
considerada ―pobre estética‖ de la arquitectura en
hierro, tan en boga por esos años). También el
uso de la línea curva fue frecuente en la
arquitectura, como vemos en el ejemplo de
arquitectura española a mano izquierda.
En gran medida sus aspiraciones se basan en las

ideas de William Morris, que podemos resumir en
democratizar la belleza en el sentido de que
hasta los objetos más cotidianos tengan valor
estético y sean asequibles a toda la población
(socialización del arte), aunque sin utilizar las
nuevas técnicas de producción masiva. El modernismo no sólo se da en las artes
mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida
cotidiana.

Características formales
Las características que en general permiten reconocer al modernismo decorativo
propiamente dicho son:
 La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural

pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo
orgánico entrelazándose con el motivo central.
 El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los

edificios como en la decoración.
 Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos

frecuente la representación estrictamente realista de éstos.
 Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en

actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas
en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.
 Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con

un guiño hacia lo erótico en algunos casos.
 La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o

con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas
japonesa, que se ve en el gusto por la curva.

 La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características

anteriormente mencionadas en contraposición con las características
habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el
mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos
de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se
une con el objeto que decora.
INFLUENCIA JAPONESA
Tal vez la influencia japonesa fue troncal para el Art Nouveaou, principalmente
el que corresponde al periodo Ukiyo – e (―Pinturas del mundo flotante‖), en el
cual la línea ondulante predomina al volumen aún en sus representaciones
naturalistas que guardan especial predilección por motivos de la naturaleza,
flores, animales y lo eternamente femenino. Aunque la corriente Ukiyo – e se
desarrolló en el S XVIII fue a finales del S XIX que Europa recoge sus
importantes aportes.
Aubrey Vincent Beardsley (1872-1898), fue el más innovador ilustrador de finales del siglo XIX.
Hay una gran influencia en la línea serpenteante y el alargamiento de la figura humana femenina tomade del
Ukiyo – e.

Estampas japonesas de estilo Ukiyo - e

Alphonse Mucha (1860 – 1939)
El Modernismo en las Artes Gráficas
Nacionalidad: República Checa. Trabajó como decorador escenográfico en

Viena, y estudió en Praga, Munich y París. Inspirándose en la actriz Sarah
Bernhardt, realizó gran cantidad de cárteles que le dieron gran fama
especialmente en París. Fue decorador de interiores, con una manifiesta
influencia japonesa y de ambientes exóticos, algo que también se dejó ver en
sus diseños de joyas. De sus obras pictóricas destaca la serie de 20 cuadros
que realizó para el industrial estadounidense Charles Richard Crane, titulada
La epopeya del pueblo eslavo (1912-1930). Tras varios viajes a Estados
Unidos, regresó a la República Checa en 1922, donde diseñó sellos, billetes y
estampas.
Sarah Bernhardt fe una de las figuras de teatro más notables en el teatro de finales del siglo XIX , fueron encargos para
afiches suyos a Mucha lo que lo llevaron a la fama, el de la izquierda fue hecho para la obra ―La Dama de las
Camelias‖ en 1896.

Local de Alphonse Fouquet joyero para el que Mucha trabajo con sus diseños.
Biombo de las cuatro estaciones

Afiches de Alphonse Mucha

1.3.2 Secesión Vienesa
Secesión Vienesa, movimiento artístico vienés, nacido en 1897, encabezado por Klimt
y que agrupaba artistas como Otto Wagner, Koloman Moser, Ferdinand Hodler y
Joseph Maria Olbrich. Todos estos artistas pertenecían a la Asociación de los Artistas
de las Artes Visuales de Austria y decidieron romper con el academicismo imperante
en el momento, es decir, con las pautas establecidas. Exhaltaban la libertad creativa y
la sexualidad como tema motivador y desafiante a la vez.
El 27 de junio de 1897 se reunió la Secesión por primera vez para delinear sus
acciones. Concordaron editar una publicación sobre arte y la construcción de una sala
propia de exposiciones. La revista publicada era Ver Sacrum (Primavera sagrada). El
edificio de la Secesión fue construido por Joseph Maria Olbrich.
Edificio diseñado por Joseph Maria Olbrich. A la derecha el detalle de la cúpula.
El color dorado y el ornamento con motivos vegetales fueron dos características

formales que siempre estuvieron presentes en la obra de los miembros de la secesión
Vienesa
Uno de los temas recurrentes es la mujer y el

erotismo, cosa que escandalizaba a la
sociedad clásica de la época. En los cuadros
de Klimt (primer presidente se la Secesión
Vienesa) puede verse un provocante y
expresivo tratamiento del cuerpo humano.
Portada de Koleman Moser para la revista Ver

Sacrum, 1899

―Danae‖ Gustav Klimt
Queremos declarar la guerra a la rutina estéril, al rígido bizantinismo, a todas las

formas de mal gusto... Nuestra Secesión no es un enfrentamiento de los artistas
modernos con los viejos, sino una lucha por la revalorización de los artistas frente a
los buhoneros que se las dan de artistas y que tienen interés comercial en evitar que
el arte pueda florecer.
―Mujer Sentada‖ Egon Shiele.

Mobiliario diseñado por Josef Hoffann
Cubiertos diseñados por Wiener Werkstätte
Interior creado por Gustave Klimt
Ejemplos actuales de la influencia de la Secesión veneciana

1.3.3 Escuela de Glasgow
La Escuela de Glasgow (Glasgow School) fue un círculo de

influyentes artistas modernos y diseñadores que comenzaron a
trabajar en Glasgow, Escocia en los años 1870, y florecieron desde
los años 1890 hasta alrededor de 1910. Glasgow experimentó un
boom económico a finales del siglo XIX, de lo que resultó en un
estallido de significativas contribuciones al movimiento Art Nouveau,
particularmente en los campos de la arquitectura, diseño de
interiores, y pintura. Siempre centrada en la funcionalidad, es curioso
que en ésta escuela se haya priorizado la línea recta y el movimiento
vertical, a diferencia de las propuestas modernistas desarrolladas en
otros lugares de Europa, sin perder coherencia de estilo, ni carácter
orgánico.
Su principal exponente fue Charles Rennie Mackintosh (7 de junio

de 1868 – 10 de diciembre de 1928) fue un arquitecto, diseñador y acuarelista
escocés, que tuvo una importancia fundamental en el movimiento Arts and Krafts y
que además fue el máximo exponente del Art Nouveau en Escocia. Saltó a la fama
después de exponer sus muebles en la Secesión de Viena en 1900.
Las obras de Charles Rennie Mackintosh, con su perfecta

integración de todos los elementos decorativos, hasta los
mínimos detalles, ejemplifican el espíritu de este grupo de
artistas. Una buena muestra es el mobiliario que diseñó para
la Escuela de Arte de Glasgow con líneas verticales
marcadas (como en los elevados respaldos de las sillas),
cornisas salientes y finas en los armarios, acabados de laca
blanca con incrustaciones de vidrio coloreado, metal y nácar
y estilizados motivos florales, como las rosas entrelazadas
en cestos de reminiscencias célticas.
Charles Rennie Mackintosh: Escuela de Bellas

Artes de Glasgow .
1897-99. Piedra, hierro forjado y acero.
Glasgow, Escocia.

Moviliario de Charles Rennie Mackintosh
Ediciones actuales de objetos ornamentales diseñados por Charles Mackintosh

1.3.4 Modernismo Catalán
El Modernismo español se identifica con el movimiento catalán, en cuyo vértice se

encuentra Antonio Gaudí, el increíble arquitecto y diseñador nacido en 1852 y muerto
en 1926.
Su extraordinaria arquitectura, apadrinada por el visionario mecenas Don Eusebio

Güell, puede considerarse única en el mundo por su fantasía y libertad. Además de
algunos edificios privados, este hombre hizo posible la construcción del parque público
bautizado con su nombre situado en el noroeste de la ciudad de Barcelona. Este
parque constituyó el punto culminante en la fase madura de Gaudí, cuya meta ya no
era la superposición de elementos diferentes, sino el conjunto.
Los muebles y la herrería que adornan los edificios de Gaudí dieron el puntapié inicial
a gran cantidad de artistas de enorme talento.
Esta obra monumental e intacta puede apreciarse hoy en día en la ciudad de

Barcelona, así como la de sus seguidores. Entre las principales construcciones
destacan: El Parque Güell y La Sagrada Familia (Catedral de la Ciudad),
Vistas de la Sagrada Familia
Bóveda hierboloide y columnas helicoidales. Vistas interiores de la Sagrada Familia .

Diferentes vistas del exterior de La Sagrada Familia.
PARQUE GÜELL

Aunque fue construido entre 1900 y 1914, el Parque

Güell fue inaugurado como parque público en 1922. En
1984 la Unesco incluyó al Parque Güell dentro del
Lugar Patrimonio de la Humanidad.

DISEÑO DE MUEBLES E INTERIORES.

ANTONIO GAUDÍ

1.3.5 Art Nouveau en Perú y Lima
Antigua postal de Trujillo
Conjunto escultírico con farol entre

La plaza San Martín y la Av. La Colmena
Palace Concert
Detalle Casa Courret
Actual local del Centro Cultural

de Bellas Artes


1.4 INFLUENCIA DE LAS TENDENCIAS ARTÍSTICAS

Con el nombre de vanguardias se conocen las diferentes rupturas con los modelos de
belleza dominantes que se produjeron en Europa durante el primer tercio del s. XX.
Las denominamos en plural porque no constituyen un estilo artístico único, sino que
son tendencias o movimientos. Los primeros movimientos artísticos del siglo XX,
aquellos que se extienden en el tiempo desde 1910 hasta el estallido de la II Guerra
Mundial se conocen con el nombre de VANGUARDIAS HISTÓRICAS o ISMOS.
Sus características principales son: la ruptura con lo anterior, el deseo de novedad y
experimentación.
Características de las Vanguardias Históricas

Una de las características visibles de las vanguardias es la actitud provocadora. Se
publican manifiestos en los que se ataca todo lo producido anteriormente, que se
desecha por desfasado, al mismo tiempo que se reivindica lo original, lo lúdico,
desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.
1.4.1 Dadaísmo: Una Nueva Mirada al Objeto.
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en

Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá;
posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. El
dadá se expande a Nueva York con Picabia y Duchamp y luego a Berlín y París.
Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón
instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las
convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y
de su arte. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de
antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.
dentro de sus motivaciones estuvo reaccionar de manera artística a la violencia
extrema y la pérdida de sentido que trajo la Primera Guerra Mundial. Se rebelaron a la
muerte, a los horrores de la guerra mundial, a la decadencia de la sociedad europea, a
la fe ciega en el proceso tecnológico y inadecuado de la religión y los códigos morales
convencionales en un continente convulso.
Por eso Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los
principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra
la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en
cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y
aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás
dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la
imperfección contra la perfección. La estética dadá niega la razón, el sentido, LA
CONSTRUCCIÓN DEL CONSCIENTE. Sus formas expresivas son el gesto, el
escándalo, la provocación.

Principales manifestaciones Dadaístas
Caligrama
El caligrama es un tipo de poesía para mirar y

contemplar además de leer (poesía visual). En
el caligrama, el poeta escribe y va dibujando
con las palabras algo alusivo al texto. El
ejemplo a mano izquierda es de Guillaume
Apollinaire.
En Perú un gran artista que incursionó en poesía visual

fue Jorge Eielson desde mediados del siglo XX hasta su
muerte en Marzo del 2006. Su caligrama más conocido
es ―Poesía en forma de pájaro‖
Ready Made
Ready-made, objeto cotidiano convertido en obra de arte por la magia de la

voluntad del artista. Marcel Duchamp es el primero en designar con este
nombre a un grupo de obras creadas por él entre 1913 y 1921. Para ello
eligió objetos contemporáneos fabricados en serie y los expuso con una
intención estética y provocadora. Entre sus ready-made célebres cabe citar
la Rueda de bicicleta (1913), colocada sobre un taburete, así como la
legendaria Fuente (1917): un urinario de cerámica esmaltada firmado como
R. Mutt, nombre de un fabricante de sanitarios neoyorquino con el cual ganó
un concurso de esculturas generando una gran controversia. El irreverente
retrato con bigotes de La Gioconda, el célebre cuadro de Leonardo da Vinci,
inscribió a Duchamp en el movimiento surrealista.

Collage
Collage, técnica pictórica que consiste en pegar diversos materiales como lienzo,
madera, papel o cartón sobre una superficie plana. La diferencia decisiva y
característica entre la técnica del collage (del francés coller, pegar) y la pintura es que
en lugar de crear una imagen con color y línea, se construye el dibujo con materiales
aparentemente tan incompatibles como los mencionados
Collages de Roaul Housmann
Collages de Hannah Hoch

Fotomontaje
Proceso fotográfico que consiste en fundir en una imagen final, mediante

técnicas de cámara o de laboratorio, varias fotografías o segmentos de
éstas. Es también una herramienta de creación para muchos artistas,
inspirada en la técnica del collage.
En realidad ésta técnica nace prácticamente con la fotografía pero es el
movimiento Dadá quien utiliza por primera vez este término para referirse
al hecho de recortar u yuxtaponer fragmentos fotográficos de diversa
procedencia (copias propias, recortes de prensa y de revistas) y no
respeta proporciones, unidades de textura, de estilo y de espacio. Quienes
destacarán en ésta técnica serán especialmente los miembros alemanes
del movimiento: John Heartfield, George Grosz, Raoul Hausmann y Hannah
Höch.
Fotomontaje John Heartfield

Obra de Meret Oppenheim
Diseño con influencia Dadaísta
Influencias Contemporáneas

1.4.2 Cubismo
El Cubismo tuvo como centro neurálgico la Ciudad de París, y como mayores

representantes figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los Franceses
Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro
"Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon).
El cubismo es considerado la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto

renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas
desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de
figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada
«perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La
representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las
cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso
aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, en
un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente.
PABLO PICASSO
―Las Señoritas de Avignon‖. 1907 (arriba) y ―Naturaleza Muerta sobre asiento de silla‖, 1912 (Abajo)
La inclusión de elementos de naturaleza

tipográfica adheridos al lienzo marca el
inicio de la técnica del collage y con ello le
otorga a la tipografía un valor pictórico
autónomo (cabeceras de periódico,
etiquetas de licores, partituras musicales,
paquetes de cigarrillos o columnas de
texto pegadas al lienzo), así el cubismo
permite incorporar letras y palabras para
lograr, por asociación, formas visuales y
significativas.
Estos recursos serán influyentes para
futuras corrientes vanguardistas, antes
que para el diseño gráfico en sí, sin
embargo hay una gran libertad de composición que también pueden trabajar con
texturas que es aplicable a las gráficas.

Influencia Cubista – Hormigón Armado
El hormigón armado es la técnica de construcción que consiste en colocar el

hormigón o concreto (aglomerado de cemento con partículas de grava o arena) sobre
armazones hechos con barras tanto de acero como otros materiales dependiendo de
la utilidad. Hay quienes lo consideran el material de construcción ―más revolucionario
del siglo XX‖ por estar ligado al proceso de industrialización, por eso al igual que en el
cubismo las primeras construcciones de hormigón armado presentaron estructuras
basadas en líneas rectas y formas geometrizadas.
Garage de Perret
Pabellón de acero de Bruno Taut

El gran Jahrhunderthalle de Marx Berg

Resumen
 Los primeros años del siglo XX se verán marcados por un proceso de
industrialización insólito hasta entonces. Ante ello el movimiento Art and Krafts
revaloriza la manufactura y métodos mecánicos en el diseño gráfico e
industrial.
 En éste contexto nuevos medios se utilizan para construir, reproducir o difundir

una imagen, así la fotografía se difunde y las incipientes industrias del cine la
historieta comienzan un vertiginoso desarrollo.
 Bajo la influencia de éste movimiento, así como del prerrafaelismo y el grabado

japonés se forja el modernismo, también conocido como Art Nouveau en el que
se conjugan las formas orgánicas de la naturaleza y los medios de producción
que ofrecían las tecnologías de entonces. Bajo esa corriente es que el lenguaje
gráfico comienza a sentar sus bases.
 La primera guerra mundial remece los cimientos de las convenciones humanas

más profundas, ello se manifiesta en el arte y será una de las motivaciones
para la generación de las vanguardias, o la expansión en el caso del cubismo
que venía desarrollándose desde 1907.
 Las vanguardias son movimientos artísticos provocadores, que buscan romper

lo establecido y desafiar la tradición. Con la primera guerra mundial surgirá el
dadaísmo que recogerá muchos aportes legados de la literatura y el arte de lo
absurdo que surgido hacia finales del siglo XIX
Bibliografía de la unidad:
 Historia del Diseño Philip Megg, Alston W. Purvis. Editorial RM 2009

 The Look of the Century. Michael Tambini. Dorling Kindersley.
 El Modernismo Gabriele Fahr-Becker. Köneman Editorial. 1996.
 Historietas de Ayer y de Hoy. Luis Rachitoff Infantas. Edición Independiente.
1981

 La Historieta Peruana, Los primeros años 1887 – 1967. Instituto Cultural

Peruano Norteamericano. 2003
 Historia del Cine. Román Gubern. Editorial Baber S.A. 1995.
 Enciclopedia Temática del Perú / Arte y Arquitectura. Luis Eduardo Wuffarden,
José García Bryce, Natalia Majluf, Jorge Villacorta, Carlo Trivelli. Diario El
Comercio 2004.
 La Arquitectura y el Diseño Moderno. Bill Risebero. Editorial Hermann
Blume.1986
Glosario
Secesión Retiro de una organización, unión o entidad política.

Típicamente, hay un fuerte factor diferencial que motiva la
retirada.
Hormigón Material compuesto empleado en construcción formado

esencialmente por un aglomerante (generalmente cemento
Portland) al que se añade: partículas o fragmentos de un
agregado, (grava, gravilla y arena) agua y aditivos específicos.
Victoriano Relativo a la época victoriana. Esta época en la historia del

Reino Unido se ubica en la cúspide de su revolución industrial y
del imperio británico. Aunque esta expresión se usa
comúnmente para referirse al extenso reinado de Victoria (20 de
junio de 1837 — 22 de enero de 1901).
Colofón Anotación que generalmente se coloca en la última página de un
texto, donde se detallan los datos de la publicación tales como
nombre de la imprenta, nombre y domicilio del impresor, lugar,
fecha (que consta del día, mes, año, santo del día,
conmemoración o efemérides señalada) y tiraje.
Abocinado Un abocinamiento es el elemento arquitectónico que consiste en
el ensanchamiento de una puerta o ventana hacia el lado interior
de la pared en forma de trompeta o bocina.
Zootropo Máquina que fue creada en 1834 por William George Horner,
compuesta por un tambor circular con unos cortes, a través de
los cuales mira el espectador para que los dibujos dispuestos en
tiras sobre el tambor, al girar, den la ilusión de movimiento.
Zoopraxinoscopio Creado por Eadweard Muybridge en 1879, proyectaba imágenes
situadas en discos de cristal giratorios en una rápida sucesión
para dar la impresión de movimiento. En el primer proyector las
imágenes eran pintadas en el cristal como siluetas.
Escindir Separar, dividir, seccionar, cortar
Cartoon En español, caricatura. Ilustración humorística.

Sarcasmo El Sarcasmo es una burla mordaz con la que se pretende dar a

entender lo contrario o manifestar desagrado.
Ironía Figura literaria mediante la cual se da a entender lo contrario de

lo que se dice. También se aplica el término cuando una
expresión o situación parece incongruente o tiene una intención
que va más allá del significado más simple o evidente de las
palabras o acciones.
Dream team Traducción inglesa de ―Equipo de ensueño‖.
Coyuntura Se denomina coyuntura al conjunto de circunstancias

contingentes y cambiantes que determinan una situación.
Ancestral Relativo o propio de los antepasados o tiempos muy remotos.
Indole Carácter, naturaleza o condición.
Asequible Que puede conseguirse o alcanzarse.
Exótico Extranjero, extraño, chocante, extravagante.
Buhonero Vendedor ambulante.
Reminiscencia Recuerdo de algo casi olvidado. Aplíquese también a lo que es

muy parecido compuesto por otro autor o propio de otro estilo.
Céltico Relativo a lo celta, pueblo o conjunto de pueblos de la Edad de

Hierro que hablaban lenguas celtas, una de las ramas de las
lenguas indoeuropeas. En este sentido, el término no es por lo
tanto étnico ni arqueológico, pues muchos de los pueblos las
hablaron.
Helicoidal Que tiene forma de hélice.
Patrimonio El patrimonio es el conjunto de bienes y derechos pertenecientes

a persona, física o jurídica.
Vanguardia Conjunto de personas o ideas que están más avanzadas en

relación con las tendencias de su tiempo, desde el punto de vista
artístico, científico, ideológico, etc.
Canon Regla, precepto o norma. / Modelo que reúne las características

perfectas en su especie.
Positivismo Corriente o escuela filosófica que afirma que el único

conocimiento auténtico es el conocimiento científico, y que tal
conocimiento solamente puede surgir de la afirmación de las
teorías a través del método científico.
Aleatorio Que depende de la suerte o el azar.

Crónica Una crónica es una obra literaria consistente en la recopilación

de hechos históricos narrados en orden cronológico.
Consciente Lo consciente designa al conjunto de vivencias de las que el

sujeto puede dar cuenta mediante un acto de percepción interna.

UNIDAD
2
LA GEOMETRÍA COMO
LENGUAJE UNIVERSAL
Al término de la Unidad el estudiante comprende, reconoce e investiga la

importancia de la geometría en las tendencias de diseño en las décadas de
1910 y 1930 en el nacimiento de un nuevo lenguaje visual.
TEMARIO
2.1 Tema 5: De Stijl

2.1.1 De Stijl: Inicios del minimalismo.
2.1.2 Diseño de Gerrit Rietveld
2.2 Tema 6: Bauhaus

2.2.1 Nacimiento del Geometrismo en el Diseño Gráfico e Industrial.
2.2.2. Principales arquitectos
2.3 Tema 7: Constructivismo Ruso

2.3.1 Afichismo en la Revolución Rusa
2.3.2 Arquitectura de la URSS
2.3.3 Escenografía en el cine de Eisenstein
2.4 Tema 8: Movimiento Moderno

2.1.1 Arquitectura y diseño de muebles: Le Cobusier, Frank Lloyd Wright,
Alvar Aalto, Kaare Klint.

 Exploramos y analizamos la historia del Diseño a través de las diferentes

referentes (imágenes, videos, etc.) que nos ayuden visualmente a compenetrarnos
con los temas a tratar.
 El estudiante diseña piezas coherentes a las diferentes etapas que están siendo
abordadas en esta unidad de aprendizaje.

2.1: DE STIJL
2.1.1 De Stijl: Inicio del Minimalismo.
A medida que el siglo avanzaba los diseñadores dejaban de lado propuestas como la del
―Arts and Krafts‖ priorizando una estética más industrializada, la máquina cobraba su propia
belleza.
En 1917 un grupo de jóvenes pintores, arquitectos, diseñadores y filósofos holandeses

formaron un colectivo artístico llamado ―De Stijl‖ (―El Estilo‖), que contaba con una revista
homónima que difundía sus principios, ambos fueron fundados por los pintores Theo van
Doesburg y Piet Mondrian.
Pintura de Theo Van Doesburg
El grupo buscaba un lenguaje visual que expresara la nueva estética de la máquina en su

economía de recursos visuales como el uso de una limitadísima paleta de color (Sólo
colores primarios, blanco, negro, grises) y sus formas rectas. Vale decir, trataban de llegar
a una imagen sumamente sintética contando con un mínimo de elementos. Su influencia
se extendió por todo el mundo en especial hacia Alemania con la Bauhaus como hacia
Rusia con el Constructivismo.
De Stijl se centró en la abstracción como resultado de la búsqueda de una solución más

universal para los espectadores basada en la armonía y el orden. Las pinturas del grupo
De Stijl consistían en composiciones abstractas divididas en áreas de colores puros (azul,
rojo y amarillo negro, verde y blanco).
También desarrollaron una plataforma gráfica experimental que constituyó la propia

revista, encabezada por el precioso logotipo diseñado por Doesburg y desde la cual se
publicaron las primeras versiones compositivas en la Nueva Tipografía, doctrina

formal renovadora que impuso definitivamente, entre otras cosas, la tipografía de palo
seco.
Carátula con logotipo de Theo Van Doesburg y Tipografía de la revista De Stijl
Características:
1. Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico

de valor universal.
2. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos
y cubos.
3. Planteamiento totalmente racionalista.
4. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de
diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
5. Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.
6. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco,
negro y grises).
7. Empleo de fondos claros.
Piet Mondrian y su influencia en el diseño

Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872. Sus primeras obras, hasta 1907,
eran paisajes serenos, en colores delicados. En 1908, bajo la influencia del pintor
neerlandés Jan Toorop y comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto
de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en 1911. En
1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en ese
periodo Mondrian redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es
decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación
de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. Murió el 1
de febrero de 1944 en Nueva York.

La Influencia de Piet
Mondrian en el Diseño fue
inmediata como lo
demuestra la publicidad
diseñada por Herbert Bayer
en 1924 que se nos muestra
en el recuadro inferior o el
clásico diseño de Yves Saint
Laurent de 1965 que luce la
modelo a mano izquierda.
MONDRIAN MONDRIAN MONDRIAN
En nuestros días Mondrian no deja

de tener repercusión. Firmas
transnacionales como la Nike o
peruanas como Sodimac lo toman
de referencia para el diseño de sus
productos o su imagen coorporativa.

2.1.2 Gerrit Rietveld
Nace en Utrecht en 1888, en Países Bajos muere en 1964,fue ebanista, profesión que
heredó de su padre, luego se gradúa de arquitecto y también se dedica al diseño de
muebles.
Perteneció al grupo De Stijl, agrupación neoplasticista, en esa época realiza sus trabajos
más representativos, como su famosa silla roja.
Mobiliario de Gerrit Rietveld (diseñado en 1918) miembro de De Stijl

Actual instituto de diseño que lleva su nombre en Ansterdam

2.2 BAUHAUS
2.1.1. Nacimiento del Geometrismo en el Diseño Gráfico e Industrial.
BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fue una escuela de arte

y diseño fundada en 1919, en Weimar(Alemania), por Walter Gropius, trasladada en
1925 a Dessau y es disuelta en 1933 en Berlín.
La Bauhaus fomentaba, desde su fundación, ideas que alentaban y pretendían la

unidad perdida entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos
como a las implicancias sociales de esta vinculación. El camino utópico a transitar era
el de volver a lograr la unidad de las bellas artes convocando esfuerzos en busca de la
construcción de la Obra de Arte Total la cual se culmina en el diseño arquitectónico.
Fuertemente influenciada por el movimiento De Stijl, también la Bauhaus buscará la

creación de imágenes y diseños a partir de formas geométricas sintéticas,
especialmente durante su última etapa en la cual su último director Mies Van Der Rohe
declara explícitamente el principio angular del minimalismo: “MENOS ES MÁS”.
La Bauhaus tuvo que

trasladarse las dos veces
por tensiones con las
autoridades locales.
Mies Van Der Goes trató de

Primer edificio Bauhaus en Weimar, Segundo edificio Bauhaus en dirigir la Bauhaus desde una
diseñado por Henry van de Welde. Dessau diseñado por el mismo fábrica de teléfonos vacía en
1919 - 1924 Walter Gropius 1925 - 1932 Berlín – Stegliz, pero el acoso
de los nazis lo impidió.

Diseño Industrial:
Durante la segunda etapa de la Bauhaus en Dessau (1925 – 1932) se funda la

Bauhaus Corporation, una sociedad mercantil para gestionar la venta de los talleres a
la industria. De la Bauhaus salieron en abundancia muebles y otros productos que
influyeron en la vida del siglo XX, llegando a lanzar la propuesta de viviendas
modulares. La Bauhaus innovó el diseño de los objetos que cotidianamente nos
acompañan el hogar, el Centro de labores o estudio, la calle, en fin, muchos ambientes
de nuestro diario vivir.
"La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como" diseño industrial y
gráfico"; puede decirse que antes de la existencia de la bauhaus estas dos profesiones no existían como
tal y fueron concebidos dentro de esta escuela.
Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran media
una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva
estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta
hasta la página que está leyendo"
VonEckardt.
Mies van der Rhoes

BAUHAUS CORPORATION
Vajilla Marianne Brandt, 1924 Set de bancos apilables,

Josef Albers 1927
Silla Cantilervir. Mies van der Rohe, 1926
Sillón Wassily. Marcel Breuer, 1925.

Profesores Notables
Muchos miembros de la corriente dadaísta

o los pintores de la entonces incipiente
abstracción también fueron profesores en
la Bauhaus como Vasily Kandinsky – A
quien se le considera el padre de la
abstracción, o Paul Klee. El Kandinsky de
esta época escribe un conocido libro: "De
lo espiritual en el Arte" en la que expone su
teoría de lo que llama el Arte Total.
Formas, colores, sonidos, olores, todas las
manifestaciones componen la danza de lo
único. Muchos consideraron esto como un delirio místico, pero Kandinsky se preocupó
de demostrar, con más profundidad que otros, la relación entre Arte y Ciencia. La
Geometría constituyó uno de sus mejores medios de expresión para este fin.
Otro pintor importante será el cubista Lyonel Feininger, que presentará al movimiento
De Stijl a la Bauhaus en 1919 y el mismo año ilustró la portada del manifiesto de la
Bauhaus con una xilografía suya titulada ―Catedral‖ por considerar la Catedral como el
símbolo de la unidad arquitectónica que reúne todas las artes y a la Bauhaus un
templo del saber.
La campaña gráfica más conocida de Pelikan fue la que diseñó el

artista ruso El Lissitzky, que también fue profesor en la Bauhaus, la
publicidad que figura en esta página es de su autoría.
Principales Tipógrafos: Moholy Nagy y Herbert Bayer.
-Lászlo Moholy Nagy
Hungría 1895 – Estados Unidos 1946. Pintor, escultor, diseñador y

fotógrafo. Entre 1923 y 1928 enseñó en la Bauhaus convirtiéndose en
uno de los miembros más destacados del arte abstracto.
Moholy-Nagy se trasladó a Estados Unidos en 1937 y fundó en

Chicago la Nueva Bauhaus —que se convertiría posteriormente en una
escuela de diseño integrada en el Instituto de Tecnología de Illinois—
que dirigió hasta su muerte.

-Herbert Bayer
Es el más conocido diseñador gráfico de la Bauhaus, desarrollando

su trabajo de fuerte carácter tipográfico principalmente entre 1925 y
1928, imponiendo el estilo ―Sans Serif‖ (Palo Seco) en la escuela
de la Bauhaus. Bayer solía hacer sus diseños únicamente en
mayúsculas o minúsculas por considerar que los dos alfabetos (el
mayúsculo y el minúsculo) tienen diseños incompatibles, por tener
dos signos totalmente diferentes para expresar el mismo sonido
oral.
A la Izquierda el alfabeto universal de Bayer diseñado en 1925 y

en la siguiente página cartel para exposición del mismo año.
Afiche para exposición de Kandinsky por Herbert Bayer

Muchos otros nombres pasaron por la Bauhaus, escuela multidisciplinaria que reunió
profesionales de diferentes disciplinas artísticas, entre los principales tipógrafos no podemos
dejar de mencionar a Jan Tschichold, defensor de la Sans Serif hasta 1933 en que revaloriza
otras opciones tipográficas, o a Eric Gills y a Paul Renner.
La Bauhaus experimenta con sistemas de relación geométrica, estos se establecen a partir

de relaciones entre los componentes de la diagramación. Estas relaciones pueden ser a partir
de módulos proporcionales o bien, a partir de líneas estructurales las cuales establecen
vínculos visuales entre sí.
Diseño de Joost Schmidt, 1923

INFLUENCIA ACTUAL DE LA BAUHAUS EN GRÁFICA
Agencia M.A.D.

2.1.2 Principales Arquitectos
WALTER GROPIUS
Oficina de Walter Gropius
Fábrica Fagus
Laszlo Moholy Nagy

2.3 CONSTRUCTIVISMO RUSO

El Constructivismo se desarrolló en el marco de la
Revolución Rusa de 1917. Fue fundado por el
escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin. El nombre hace
referencia a la construcción de esculturas abstractas
partiendo de una gran variedad de materiales
industriales, como metal, alambre y trozos de
plástico. Las primeras obras representativas de este
movimiento son las construcciones en relieve de
Tatlin fechadas entre 1913 y 1917. Para él, la gran
revolución constructivista se materializaba en la
derrota del claroscuro escultórico.
Vladimir Tatlin
Monumento a la tercera internacional. (1917)
2.3.1 Afichismo en la Revolución Rusa
En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexander Rodchenko, El Lissitzky,

Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron en
Moscú el Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo
estilo.
Aunque el movimiento se dividió en diferentes corrientes en la década de 1920, en general

el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción. El
utilitarismo, actitud frente al arte que dominaba en la recién constituida Unión Soviética
(URSS), sostenía que el arte debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social. Hace
hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica.

ALEXANDER RODCHENKO
Afiche para el
film
―El Akorazado
Potenkim‖ 1926
Famoso Afiche para la clase obrera femenina en el nuevo gobierno soviético. Año 1925.
A la izquierda, la adaptación del grupo Franz Ferdinand en el siglo XXI. Franz Ferdinand recoge referencias Constructivistas,
futuristas y Dadaístas en su video ―Take me out‖.

El Lissitzky
Golpead a los blancos con la cuña roja‖ 1919. El símbolo del ejército bolchevique era la cuña roja que corta diagonalmente la
esfera blanca que representa las fuerzas de A.F. Kerensky.
Cartel para la Exposición Rusa en Zúrich, 1929 y carátula para el libro para niños ―Seis cuentos y un final feliz‖ El Lissitzki
también escribió cuentos para niños haciendo uso de recursos gráficos como la tipografía y las figuras geométricas de modo
bastante audaz para la época.

Naum Gabo y Antón Pevsner
La propuesta de Gabo y Pevsner dentro del Constructivismo es netamente escultórica, su

método más recurrente de composición escultórica es curvar superficies planas y
alambres generando de éste modo volúmenes y espacios.
Obra de Gabo a la izquierda y Pevsner a la derecha, ambas desarrolladas en la década de los 20.
La Revolución rusa pudo difundir

sus ideas con mucha efectividad
gracias a nosotros, sus carteles,
que guardábamos una estética
constructivista, nos hicieron
desde 1917 hasta finales de los
años 20‘s.
Tuvieron gran influencia en el

afichismo de otros países como
China o Cuba, si no, mira en la
sgte. página.
―
Campesino ruso anónimo

Herencia del Constructivismo Ruso
Influencia del Constructivismo ruso en la Revolución Cultural

China de 1960. Son carteles más pictóricos, pero la actitud de los
personajes es bastante similar.
Primer Cartel de la Revolución Cubana, hecho en la Madrugada del 1°

de Enero de 1959
Autor: Eladio Rivadulla Martínez
―El Acorazado Potemkim‖ de Sergéi

Eisenstein (1925) fue considerada
por muchos críticos la mejor película
del siglo XX. Este fue el afiche oficial
del film cuando se estrenó en 1926.

2.3.2 Arquitectura del Constructivismo Ruso
Club de trabajadores Zuev
Casa Melnikov
Cerámica constructivista - Kazimir Malevich

2.3.3 Escenografía en el cine de Eisenstein
En el cine de Sergei Eisenstein encontramos formas geométricas y los elementos

industriales propios del constructivismo Ruso, Eisenstein fue considerado el cineasta más
representativo de la revolución rusa.
Afiche y fotogramas de ―El Acorazado Potenkim‖

Afiches de las películas ―Octubre‖, ―El Acorazado Potenkim‖ y ―La

Huelga‖ y fotograma de ―La Huelga‖

2.4 MOVIMIENTO MODERNO
2.4.1 Arquitectura y diseño de muebles:
Le Cobusier.
Charles Edouard Jeanneret, luego a los 29 años cambio su nombre por el seudónimo
de Le Corbusier, fue un gran pintor, además de un gran arquitecto que con sus teorías
en esa disciplina, cambio el urbanismo del siglo 20.Nació en 1887 en la localidad de
La Chaux de Fonds en Suiza.
Funda en 1920, una revista de divulgación artística, Le Espirit Nouveau, a fin de
compartir sus ideas sobre arte y arquitectura.
Principios Conceptuales
• La arquitectura planteada como una creación racional -propia del hombre- a
diferencia del mundo de lo natural. (Ejemplo: Ville Savoie).
• La separación cartesiana de las funciones: habitar, trabajar, recrearse.
• La tendencia a la concepción de la vivienda como un producto estándard -l'object-
type, la machine a habiter- (Ejemplo: La Maison Citrohan).
Villa Savoye, 1929
Silla Wasily
Casa Laroche – Jeanneret, 1923.

Silla Lounge Chaise
Notre Dame du Haut ―Pequeño ejemplo de una temprana posmodernidad‖
Weissenhofsiedlung, 1926
Iglesia de St – Piag. Inconclusa a la muerte de Le Cobusier, se retomó el

proyecto en el 2003 y ahora es un museo de arte contemporáneo.
Interior del ateliere Ozenfamt, 1922

Frank Lloyd Wright.
Precursor de la arquitectura orgánica, que rescata y respeta en el habitad del

hombre, la integración del exterior, la naturaleza, para el confort de el no solo físico
sino también psicológico de éste.
Fallingwater House, 1936 Silla años 30
Silla Paimio, 1930. Alvar Aalto Silla Safari, 1937. Kaare Klint.

Resumen
 En la segunda y tercera década del siglo XX la creciente industrialización que
la primera guerra mundial generó a nivel mundial conmocionó el lenguaje del
Arte y las Gráficas, llevando a revalorizar la estética que una época industrial,
de máquinas y fábricas ofrecía.
 Se busca en la geometría un lenguaje nuevo y universal, accesible y práctico

para todos. Este lenguaje sería capaz de reflejar los grandes cambios sociales,
industriales y políticos que la humanidad atravesaba.
 El diseño se vuelve cada vez más utilitario y recoge este lenguaje como suyo,
sería la corriente De Stijl la que impulsará ésta forma de concebir el diseño.
 La escuela Bauhaus será de suma importancia en la historia del diseño ya que

recogiendo éstos principios intenta borrar la línea divisoria entre el Arte y la
Artesanía, dando lugar así a la profesionalización del Diseño Industrial.
 La corriente el constructivismo ruso canaliza el lenguaje geométrico de ésta

época para difundir las ideas de la Revolución acontecida en 1917, esta gráfica
servirá de referencia en situaciones similares posteriores que ocurran en otros
lugares del mundo.
 La arquitectura se centra en presentar un carácter estructural y poco a poco se

despoja de decoración accesoria.

 This is Modern Art. Matthew Collings. Weidenfeld & Nicolson. 1998.

Blume.1986
 Historia Dibujada del Mueble Occidental. Phyllis Bennet Oates. Editorial

Hermann Blume.1984
Páginas Web de Interés
http://historiarte.info/constructivismo-1917-rusia/
http://www.sitographics.com/conceptos/temas/estilos/bauhaus.html
Glosario
Neerlandés Relativo a los países bajos. Dícese también del idioma holandés.
Corporativo Colegiado, comunitario, colectivo, gremial.
Neoplasticista Movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet

Mondrian. También ha sido denominado constructivismo
holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético.
Delirio Estado de exacerbación que no obedece a la razón ni a la propia
voluntad.
Místico Experiencia muy difícil de alcanzar en que se llega al grado
máximo de unión del alma humana a lo Sagrado durante la
existencia terrenal.
Cuña Pieza de madera o metal terminada en ángulo diedro muy agudo

que sirve para ajustar, romper o sujetar cosas.

UNIDAD
3
ENTRE EL GLAMOUR Y LA
MODERNIDAD 1920 – 1950

influencia del geometrismo y la importancia de la segunda guerra mundial para
el diseño de las décadas de 1920, 1930 y 1940.
TEMARIO
3.1 Tema 09: Art Deco.

3.1.1 Art Deco (Geometrismo y Glamour): Arquitectura y Diseño de Interiores.
3.1.2 Art Deco en Lima.
3.2 Tema 10: Neo Prehispanismo.

3.2.1 Arquitectura Neo Pre Hispánica en Perú y Latino América.
3.2.2 Tapicería y Diseño Textil: Elena Izcue.
3.3 Tema 11: Influencias Vanguardistas.

3.3.1 Influencia Futurista en la escenografía Fantástica: Metrópolis.
3.3.2 Influencia Surrealista en la arquitectura y Diseño de Interiores.
3.4 Tema 12: Ordenamiento en el espacio.

3.4.1 Prototipo del mapa esquemático del metro de Londres.
3.4.2 Movimiento Isotype.
3.5 Tema 13: Neo Clasicismo en el Siglo XX.

3.5.1 Albert Speer y la arquitectura Nazi del Tercer Reich.
3.5.2 Arquitectura Neo Clasicista del Centro Histórico de Lima.
3.5.3 Otra alternativa: Casas tipo buque.
3.6 Tema 14: Madera y muebles en Europa.

3.6.1 Diseños Escandinavos e Ingleses.

 El estudiante diseña piezas coherentes a las diferentes etapas que están siendo
abordadas en esta unidad de aprendizaje.

LOS LOCOS AÑOS 20: 1920 – 1930
Época de Jazz, Charleston y Flappers, los conocidos como

―Los locos años 20‖ ésta época irrumpe con música
frenética, decoración de metales y esmaltes, plumas,
grandes collares y zapatos de tacón ancho que determinan
una inusual elegancia basada en la geometría, era ahora
remontada a la herencia de la recién temente hallada
tumba de faraón Tut Anj Amón. Vayamos al delirante ritmo
que nos marcan chicas con look ―a lo garzón‖ y faldas por
encima de la rodilla, como la recordada actriz de cine
Louise Brooks.
3.1 ART DECO: GEOMETRISMO Y GLAMOUR.
Innovador estilo de diseño que fue muy popular en las décadas de 1920 y 1930. Se
utilizó principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de
interiores (decoración). Sus formas estilizadas transmitían elegancia y sofisticación.
Aunque el estilo cobró forma en la década de 1920, el término Art Déco no se aplicó
hasta 1925 cuando se celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e
Industriales Modernas, importante
muestra de diseño que se realizó en
París.
El Art Déco surgió como reacción a la

sinuosidad y exceso de elaboración
del Art Nouveau, característico del
cambio de siglo, y a la vez como una
estética nueva para celebrar el auge
de la maquinización que iba ganando
terreno. Su principal característica es
la utilización de líneas definidas,
contornos nítidos y formas elegantes y
simétricas. También se asocian a este
estilo los colores primarios brillantes,
la utilización de cromados, esmaltes y
piedras muy pulidas, y los diseños de
inspiración egipcia y griega.
Candelabros de plata de Jean Puiforcat

Dos de los primeros exponentes del Art Déco fueron el modisto Paul Poiret y René
Lalique, joyero y vidriero que realizó diseños delicados de líneas sueltas y ondulantes
y quien ya había sido una destacada figura del Art Nouveau. También ejercieron una
gran influencia la tumba del faraón Tut Anj Amón (que se abrió en 1922), que puso de
moda los motivos egipcios, y el cubismo, con su elegante estética geométrica. Entre
los principales diseñadores de las décadas de 1920 y 1930 se cuentan Émile Jacques
Ruhlmann en mobiliario, Jean Dunand en laqueado y Jean Puiforcat en los trabajos en
plata.
Diseño de Paul Poiret
3.1.1 Arquitectura
El diseño Art Déco se fue haciendo más geométrico y lineal al aumentar la producción
en serie de objetos y trasladarse el centro de este movimiento desde Francia a
Estados Unidos, donde se plasmó en objetos tan diversos como locomotoras,
rascacielos, restaurantes de carretera, aparatos de radio, máquinas de discos y
grandes anuncios.
Los ejemplos más notables en el campo de la
arquitectura en Francia, fueron las salas de
exposiciones Le Pavillon d‘un Collectioneur,
diseñadas por Ruhlmann para la Exposición
Universal de París de 1925, y el gran salón
(c. 1930) del transatlántico francés Normandie,
con decoración e iluminación de Lalique. En
Gran Bretaña, tenemos la conocida fábrica
Hoover de Perivale (en el oeste de Londres),
diseñada por Wallis Gilbert y Asociados en
1932.
En Estados Unidos, entre las principales obras
se encuentran el Radio City Music Hall (1931)
de Nueva York, diseñado por Donald Deskey, y
el Edificio Chrysler de William van Allen (1930,
Nueva York), con elegantes fachadas de
bandas de aluminio y coronado por una aguja

con arcos. Que encontramos a mano izquierda.
Escaleras en rotonda en estilo art decó del Burkbank City Hall y

New India Assurance Building, 1936, Bombay (India).
Características Generales del Art Déco

Las características generales del Art Déco que fueron utilizadas principalmente en
decoración, como en arquitectura son:
• El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y

la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.
• Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos

luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes.
• Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la

velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.

• Representación de elementos fitomorfos: se

utilizan las flores, los cactus, las palmeras,
representados por medio de delineaciones
geométricas
• Utiliza imágenes de fuentes congelas de

formas ascendentes.
• Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas

nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.
Mueble en el que se combinan distintas maderas con

plata y mármol (En el tablero)
• En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates

terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que
sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el
granito y el aluminio consuman el aparato decorativo.
• Se utilizan motivos de las culturas pre hispanas de las culturas aztecas, mayas o
incas y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de
Egipto, mesopotámica, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
Cajas de cigarros para mujeres con motivos egipcios

• Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes,

luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la
producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la
"garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.
Imágenes de cristal de René Lalique
La Gráfica del Art Decó

recurrió a formas
geométricas, colores
brillantes y la representación
caricaturesca de los
personajes, sobre todo
después de 1925.

3.1.2 Art Deco en Lima
Casa Jr. Varela
Detalle edificio
Casa Av. República de Portugal Casa distrito Jesús María
Edicios art Deco ubicados en Barranca

3.2 NEO PRE HISPANISMO

A partir de la segunda década del S XX hay un
re-surgir de nacionalismo romántico a nivel
mundial que define la orientación de las artes
tanto en Europa como América latina, de éste
modo se otorga a las artes plásticas un papel
determinante para la formación de las
identidades nacionales. Así aproximadamente a
partir de 1922 la idea de lo indio se insertaba en
una concepción dualista del país, que oponía
sistemáticamente la costa a la sierra, por ende lo
criollo a lo indígena, originando que la idea de
mestizaje cultural sea tomada con desconfianza
por parte de varios sectores intelectuales.
El impulso inicial de revalorización de las

tradiciones autóctonas surgió en Cusco en las
primeras décadas del siglo XX. Una mirada
pionera la encontramos en el ojo, mejor dicho en
el lente del fotógrafo peruano Martín Chambi,
nacido en Puno, formado en Arequipa y
afincado finalmente en Cusco, quien encuentra
en el mundo y el poblador andino los motivos
centrales para sus composiciones fotográficas
de inigualable belleza.
Gigante de Paruro. Martín Chambi 1929
Panorámica de Machu Picchu. Martín Chambi 1928.

3.2.1 Arquitectura Pre Hispanista en Perú y Latino América.
Lucena, 17 de Mayo de 1885 - Lima, 26 de Julio de 1937, arquitecto, escultor y

urbanista peruano.
A pesar de haber nacido en España, es considerado peruano puesto que sus más
grandes trabajos se desarrollaron por y para el Perú. Fue una de las figuras más
importantes en el llamado movimiento neo peruano cuya tesis era el crear un estilo
autónomo propiamente peruano teniendo como base el arte precolombino y el
modernismo.
Su obra es extensa y destacan principalmente la fachada de la Escuela de Bellas

Artes de Lima, el Pabellón Perú en la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1929,
(con la ayuda de su discípulo Ismael Pozo Velit) la tumba de Francisco Pizarro en la
catedral de Lima, la estatua de Hipólito Unanue en el Parque Universitario, El Salón
Inca en el Palacio de Gobierno del Perú, el trazo de la Plaza San Martín y el proyecto
urbanístico del cuatricentenario El Olivar de San Isidro en la capital peruana.
Fachada de la Escuela Nacional de Bellas Artes, diseño de Manuel Piqueras Cotolí, construida en 1919 (La foto fue tomada
alrededor de 1920). Piqueras Cotolí integra en éste diseño arquitectura pre- colombina y colonial.

Pabellón de Perú en la Exposición Universal de Sevilla, 1929.
Detalles de interior
Detalle de decoración arquitectónica de la entrada de la Escuela Nacional de Bellas Artes y modelo para el proyecto no
realizado para la Basílica de Santa Rosa de Lima.
Detalle de patio en la ciudad de Arequipa y Museo de la Cultura Peruana

inaugurado en 1946 diseñado por Ricardo Jaxa Malachowski. Lima (Avenida
Alfonso Ugarte).

Pre Hispanismo en América Latina
Arquitectura Neo Maya: A la Izquierda, el cine Mayán en Los Ángeles C.

(Estados Unidos), en la imagen superior tenemos el Pabellón de Méjico en la
Exposición Universal de París, 1889, y en la imagen inferior encontramos el
Arco Maya de 1906, Mérida, Yucatán
Mausoleo Aldao, Cementerios de La Recoleta, Buenos Aires.

3.2.2 Tapicería Diseño Textil: Elena Izcue
Elena Izcue (1889 – 1970): A diferencia de sus contemporáneos, adscritos a los

lenguajes figurativos de la pintura o la escultura, prefirió la versatilidad de la gráfica y
las artes decorativas, sumado esto a su actividad como maestra, le es más fácil
descubrir del diseño precolombino como medio pedagógico y como alternativa estética
nacionalista de múltiples aplicaciones en la vida moderna.
Así, al margen de sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes, entre 1919 y
1926, logró desarrollar tempranamente una propuesta propia en las artes aplicadas
que culmina en 1926 con la publicación de El arte peruano en la escuela, un libro
pionero cuya aparición en París anunciaba ya la intención de dirigirse a públicos más
amplios.
El Arte peruano en la escuela Vol. 1 y 2 Elena Izcue

Manual para la enseñanza de Dibujo en las escuelas
peruanas.
A partir de 1927, desarrolla una propuesta de diseño influenciada por el Art Nouveau
parisino, lugar donde residiría a partir de ese año y emprendería una exitosa carrera
como diseñadora textil y junto a su hermana Victoria, con quien impulsaría la difusión
del arte peruano en el exterior.
Desde una perspectiva actual, el aporte de Elena Izcue al proceso artístico peruano
no puede medirse únicamente por el éxito de los diversos proyectos que emprendió.
En el proceso de búsqueda y definición de un arte nacional que caracterizó la
primera mitad del siglo, Izcue fue una artista pionera, que logró construir una
propuesta artística singular y propia, una de las pocas figuras que pudo conciliar las
fuentes precolombinas con un arte plenamente contemporáneo.

Vajilla diseñada por Elena Izcue
Diseño de tapicería Elena Izcue
Diseño para servilleta de Elena Izcue

3.3 INFLUENCIA VANGUARDISTA
3.1.1 Influencia Futurista en la escenografía fantástica.

Metrópolis:
Futurismo
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio

del S. XX. Gira en torno a la figura de Filipo Marinetti, quien publica en el periódico
parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo
frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anti clasicista orientado al futuro
Diseño urbanístico futurista

de Antonio Sant'Elia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas

como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. Quieren crear un arte
nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas
necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la
fuerza, la rapidez, la velo maquinación, la energía y la deshumanización han
alcanzado las máximas metas.

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos
movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista
difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la
guerra, de la violencia y del peligro. Los pintores extraen sus temas de la cultura
urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando
progresivamente todo populismo o simbolismo.
―Dinamismo de un perro atado‖. Giacomo Balla y ―El Cabalero Rojo‖ Carlo Carrá
Este movimiento, como es de esperarse excedió los soportes convencionales de la

pintura o la escultura, para dar paso a la acción misma a través de la performance (Un
acto con finalidades artísticas). Asimismo sus publicaciones (pequeños periódicos
donde exponían sus ideas, poesía, literatura, etc.) reflejarían en su tipografía y
diagramación el espíritu de este movimiento.
A través de la tipografía y su
distribución, los futuristas (En el
caso de las imágenes, Filippo
Marineti) buscaban reflejar la
idea de movimiento e
industrialización, dando paso así
a un nuevo concepto de poesía
– o manifestación poética –
donde el componente visual se
hace parte del mensaje de la
obra. Este tipo de
manifestaciones será más
ampliamente desarrollada dentro
del movimiento Dada.

METRÓPOLIS
La icónica película de Fritz Lang estrenada en 1927,

recoge el aporte futurista en la escenografía que
presenta y acaso anticipa el modelo urbano basado en
grandes rascacielos que entonces comenzaba a
vislumbrarse.

3.1.2 Influencia Surrealista en la arquitectura y Diseño de Interiores.
Surrealismo
Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton
quien publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto
seguido, en el líder del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés
Jean Arp así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre
sus miembros, en 1925 encontramos también la adhesión del pintor Joan Miró que,
por el breve lapso que duró su permanencia al grupo, experimentó con el
automatismo, es decir, su pintura se elaboraba de manera automática, sin reflexión
previa.
El Elefante de Max Ernst, 1921 y un collage hecho en conjunto por Max Ernst y Hans Arp en 1920:
Physiomythological
Fotografía de Man Ray: El Violín de Ingres de 1924 y trabajo de

solarización de 1931.

Más tarde, se incorporó el pintor belga René Magritte. El pintor catalán Salvador Dalí
se asoció en 1930, pero después sería relegado por la mayoría de los artistas
surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que
en las ideas del movimiento.
―Esto no es una Pipa‖ René Magritte 1928 – 1929
Aplicación Surrealista al Diseño, Giorgio Da Chirico Vestuario del ballet ―Le Bal‖,

Salvador Dalí: Obra y Diseño
Salvador Dalí Domenech, nace en Figueras, Cataluña.Máximo representante del

Surrealismo, fue pintor, escultor, escenógrafo y escritor, gran dibujante. Además que
exhibió un gran talento para comercializar su propio arte.
―El retrato de Mar West‖ 1935 y ambientación inspirada en

el cuadro.
Diseño de sofá hecho por Edward James

basada en la obra de Salvador Dalí

―Proyecto de interpretación para establo – biblioteca‖, 1942. Mesita oveja hecha con animal disecado inspirada por la
obra.
Arriba ―La Persistencia de la Memória‖, 1931 y a la derecha la escultura

―Venus de Milo con cajones‖, 1936.

Cine: Un perro andaluz
Cortometraje mudo de 17 minutos, escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis

Buñuel en 1929 con la colaboración en el guión de Salvador Dalí.
El rodaje duró 15 días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro
andaluz nació de la confluencia de dos sueños. La idea partió de sueños que tuvieron
Dalí y Buñuel: Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y
Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien.
Un perro andaluz está considerada la primera más significativa película del cine
surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende
provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen.
Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como
en el uso de un tiempo no cronológico de las secuencias.

3.4 ORDENAMIENTO EN EL ESPACIO
3.4.1 Prototipo del Mapa Esquemático del metro de Londres
En 1933 Henry Beck incorpora un nuevo mapa esquemático, para la red de rutas
subterráneas del metro de Londres que no describe los recorridos, si no que los
muestra a manera de diagrama geométrico compuesto únicamente de líneas
horizontales, verticales y diagonales en 45° para indicar el camino de cada ruta.
Por voluntad propia éste diseñador presentó su propuesta que se desliga de la

descripción geográfica fidedigna, tanto así que los tramos sinuosos también están
sintetizados en trazos rectos, usando diferentes colores para diferenciar cada ruta y
otorga un área más grande al recorrido central donde convergen enlaces y cruces de
vehículos.
El tiempo que éste mapa estuvo de prueba tuvo mucha acogida en la colectividad por
ser de más fácil lectura, y fue adoptado como nuevo estilo de mapa para rutas de
transporte público. Una vez aprobado el sistema Beck trazó más de 2400 caracteres
de tipografía Railway de Johnston en la versión final del mapa que elaboró como
versión definitiva, para que fueran fotografiados y reproducidos. Durante más de 25
años Beck fue el encargado de mejorar y perfeccionar éstos mapas.

3.4.2 Movimiento Isotype
La propuesta de éste movimiento era lograr ―Un lenguaje mundial sin palabras‖. Tiene su
inicio en la década de 1920 y más adelante proseguirá su curso en la década de 1940.
Su fundador es el sociólogo vienés Otto Neurath (1882 – 1945) consideraba que los
cambios sociales y económicos después de la primera guerra mundial se requería de una
comunicación más clara y rápida, acorde al avance tecnológico de los tiempos. Es así
como decide recurrir a pictogramas elementales para reproducir mensajes complejos, con
signos exentos de toda decoración.
El nombre que se eligió para designar este movimiento fue ―Isotype‖: International System
of Typographic Picture Education (Sistema Internacional de Educación Pictórico –
Tipográfica), en Holanda el año 1934. Los pictogramas se diseñaban para expresar en
gráficos y diagramas conceptos sutiles como un inmigrante, una persona en un paradero e
inclusive un borracho.
Diagramas desarrollados por el Neurath y su grupo ―Isotype‖, a la

izquierda un diagrama de la estratificación social en Viena hecho en
1930 y en la parte superior la contabilidad de nacimientos y
defunciones en Viena hecho en 1928.
Nótese en el segundo diagrama la alta tasa de mortalidad que se

presentó en Viena los años de la primera guerra mundial.
Para Neurath ―Isotype‖ era un ―lenguaje pictográfico‖ que permitía al lector establecer
conexiones. Por eso el principal aporte de este movimiento es el conjunto de convenciones
que desarrollan para formalizar el uso de este lenguaje, que comprende dos cosas:

1. Sintaxis pictográfica: Sistema de imágenes conectadas que crea una estructura

ordenada y un significado.
2. Diseño de pictogramas simplificados.
Entre los allegados al grupo de Neurath destaca Rudolf Modley que fundó la Pictorial
Satistics, más tarde la Pictographic Corporation, que fue la rama norteamericana del
movimiento.
Modley opinaba que los símbolos debían seguir las características del buen diseño:
- Eficacia a cualquier escala de reproducción.
- Tener características únicas que lo diferencien de los demás símbolos.
- Servir tanto en perfil como en silueta.
- Funcionar como unidad estadística que permita llevar las cuentas.
Impacto y herencia del Movimiento
Después de la segunda guerra mundial se investigará en sistemas universales de lenguaje

visual y se hará un uso extendido de pictogramas en sistemas de señalización e
información.

3.5 NEOCLASICISMO EN EL SIGLO XX
3.5.1 Albert Speer y la Arquitectura Nazi del Tercer Reich.
Albert Speer 1905 – 1981, fue el arquitecto favorito de Adolfo Hitler, ya que
entendió y plasmó las ideas megalómanas e impositivas del nacional socialismo,
fue durante el gobierno del tercer Reich Ministro de Armamento y Producción de
Guerra.
Características de la Arquitectura Nazi.
 Rescata la corriente neoclasicista del S XIX, adaptándola al S XX.
 Monumentalidad
 Ostentación de poderío con las referencias estéticas de un pasado

glorioso(Imperio Romano)
Seeper mostrando a Hitler, maquetas de sus diseños.
Maqueta del Salón con Cúpula, que no llegó a realizarse en Berlín, con la
idea de remodelarla.

Templo de Honorde Muniich,
Pabellón Alemán, para la Exposición Internacional de

1936,obra de Speer
Entrada del Foro de Ceremonias Zeppellin,

obra de Speer
Tribuna Hitleriana.

3.5.2 Arquitectura Neo Clasicista del Centro Histórico de Lima.
RICARDO DE JAXA MALACHOWSKY
Arquitecto de nacionalidad polaca que realizó gran parte de su actividad profesional en

el Perú. Nació el 14 de mayo de 1887 en la localidad de Prochorowa, Odessa, al sur
de Rusia (actual Ucrania), a orillas del Mar Negro. Fue hijo de August Jaxa-
Malachowski (polaco) y de Malwina Kulisicz (eslovaca). Muere el 06 de Septiembre de
1972.
Llega a Lima en 1911 en el gobierno de Augusto B. Leguía, casi inmediatamente

empezó a trabajar en proyectos arquitectónicos, y al año siguiente empieza a
desempeñarse como docente en la Escuela de Ingeniería (Hoy la Universidad
Nacional de Ingeniería) labor que dura 33 años.
Palacio de Gobierno, hecho en conjunto con Jean Claude Antonie Sahut.

Concluido en 1936.

Club Nacional, elaborado en conjunto con F. Bianchi. 1929
Banco Italiano, 1929. Actual Banco de Crédito

PALACIO DE JUSTICIA
Lima - Perú Inaugurado el 05 de Diciembre de 1939 por el entonces presidente Óscar

R. Benavides. Su diseño original pertenece al arquitecto polaco Bruno Paprowscky.
En su pórtico existen dos leones de mármol que, según lo que señala la tradición
popular, pertenecieron a una serie de felinos pétreos (más de doce) que adornaban el
balneario de Chorrillos y que, después de la Guerra del Pacífico, sólo quedaron unos
pocos que fueron reubicados en el Paseo Colón del centro de Lima.
Con el paso de los años, dichas esculturas

fueron deteriorándose hasta sólo quedar dos,
que fueron ubicadas en la escalinata de acceso,
a ambos lados de la puerta principal. Es por ello
que existe un marcado contraste entre el blanco
del mármol de las esculturas y el gris del granito
del resto del inmueble.

3.5.3 Otra Alternativa: Casas Tipo Buque.
A partir de la década de1930 la arquitectura fue incorporando lentamente elementos

del racionalismo y el llamado estilo Internacional, Pero estos primeros atisbos de una
sensibilidad moderna se dieron principalmente en edificaciones que correspondían a
tipologías nuevas producidas por la modernidad industrial: Casas para obreros,
fábricas y edificios residenciales, la mayoría ubicadas en los distritos de reciente
creación: La Victoria, Santa Beatriz, Lince, San Isidro y Miraflores.
La introducción de nuevos materiales constructivos – específicamente del concreto

armado – facilitó el desarrollo de volúmenes curvos y por ende se originó el estilo de
las llamadas ―Casas tipo Buque‖ – cuyo nombre deriva de los elementos náuticos
como el ojo de buey, que servía de referencia a formas y estructura en dichas
construcciones.
Edificio y Ex cine Opera ubicados en el distrito de Jesús María
Viviendas pertenecientes al distrito de Santa Beatriz

3.6 MADERA Y MUEBLES EN EUROPA
3.6.1 Diseños Escandinavos e Ingleses
El diseño escandinavo es un pilar importante para el diseño industrial, sucede

después de la Segunda Guerra Mundial, ubicándose en el posmodernismo. Su
desempeño logró una mezcla armónica de combinaciones artesanales y procesos
industriales, aunque fue influenciado por el diseño orgánico de los estados unidos, el
diseño italiano, y la innovación tecnológica de nuevos materiales.
Hans J. Wegner Silla China, diseño de 1944

Borge Mogensen y Grete Meyer, 1957
Borge Mogensen Consolas, 1956

Resumen
 Después de la primera guerra mundial vino un período de glamour y
frenetismo, la principal corriente desarrollada en diseño fue el Art Deco que
incorporaba la geometría a la elegancia heredada del Art Nouveau, recogiendo
así el espíritu de una época ansiosa por nuevas experiencias.
 El Neo Pre hispanismo cobra su punto más álgido en la arquitectura

latinoamericana en la década de 1920. En dicho movimiento se fusionan el
glamour del art decó con formas tomadas de las culturas pre – hispánicas
principalmente la inca y la azteca.
 El movimiento Neo Pre hispánico recoge el patrimonio visual ancestral de

América como medida reivindicatoria de las poblaciones aborígenes y su
cultura.
 Con la primera guerra mundial surgirán el futurismo que exaltará toda

característica que sus miembros adjudicaban a la modernidad o la proyectaban
en el futuro, los aportes visuales de este movimiento serán asimilados en la
arquitectura de las décadas de los 20 y los 30, haciéndose evidente este
entusiasmo en la película Metrópolis de Fritz Lang.
 El surrealismo recoge junto a los estilos mencionados la sensibilidad de los

años 20, llegando a un alto grado de experimentación. Le interesaban la
creación desde el inconsciente, la ruptura del orden lógico de las cosas, las
relaciones insólitas que podían entablar entre dos o más elementos.
 El Surrealismo incursionó en varias manifestaciones artísticas (pintura, collage,

poesía, cine, etc.) y sus aportes en la forma ―ilógica‖ de presentar un tema son
aún tomados en cuenta por los publicistas.
 La industria del cine entre los años 1930 y 1960 permitirá el desarrollo de una
gráfica bastante pictórica, vale decir, con un tratamiento del afiche muy cercano
al lenguaje de la ilustración y la pintura, que refleja el alto grado de emotividad
que entonces contenían las películas.
 Medidas como el diseño del mapa esquemático de Londres y los pictogramas

del movimiento Isotype contribuyen al ordenamiento urbano.
 El estilo Neoclasicista va a resurgir en la tercera y cuarta década del S XX

(Años 30 y años 40) y se va a manifestar principalmente – debido a sus
reminiscencias imperiales – en la arquitectura del Tercer Reich así como en los
edificios públicos de Lima.

 Enciclopedia Temática del Perú / Arte y Arquitectura. Luis Eduardo Wuffarden,

José García Bryce, Natalia Majluf, Jorge Villacorta, Carlo Trivelli. Diario El
Comercio 2004.
 Historia del Cine. Román Gubern. Editorial Baber S.A. 1995.
 El Arte del Tercer Reich Peter Adam. TusQues Editores. 1992

Blume.1986

Hermann Blume.1984
http://www.taringa.net/posts/arte/5798244/Art-Deco-_Trabajo-Propio_.html
http://www.puiforcat.com/uk
http://www.slideshare.net/ninonbq/grandes-pintores-indigenistas
http://www.todohistorietas.com.ar/historia_eeuu.htm
Glosario
Reich Palabra alemana que significa Imperio.

Fito morfo Elemento de diseño o decoración que adopte la forma de un
vegetal o planta.
Baquelita Fúe la primera sustancia plástica totalmente sintética, creada en

1907.
Zapa Piel labrada que imita la textura de la lija.
Carey Materia córnea obtenida del caparazón de una especie de
tortuga homónima, dura y translúcida, con manchas amarillas,
negras y rojas, usada para fabricar peines, cajas y otros objetos
decorativos.
Ochavado Referido a una figura, que tiene ocho ángulos iguales y cuyos
lados son todos iguales, o iguales dos a dos.

Identidad Relación que toda entidad mantiene consigo misma. Conjunto de

valores, símbolos, creencias y costumbres de una cultura.
Urbanismo Conjunto de disciplinas que se encarga del estudio de los
asentamientos humanos para su diagnóstico, comprensión e
intervención.
Textil Término genérico aplicado originalmente a las telas tejidas, pero
que hoy se utiliza también para fibras, filamentos, hilazas e hilos,
así como para los materiales hilados, a fieltrados o no tejidos y
tejidos, acolchados, trenzados, adheridos, anudados o bordados,
que se fabrican a partir de entrelazamiento de urdimbre y trama
o tejido, ya sea plano o elástico.
Metrópoli Ciudad principal, cabeza de la provincia o del estado, de gran
extensión y con muchos habitantes.
Performance Espectáculo representado en directo ante un público, en el que

se combinan diferentes formas de expresión, como la danza, el
teatro, la música, el cine y las artes plásticas; se realiza con
espontaneidad e improvisación, y pretende provocar.
Prototipo Primer ejemplar que se fabrica de una figura, un invento u otra

cosa, y que sirve de modelo para fabricar otros iguales, o molde
original con el que se fabrica.
Sinuoso Que forma ondas, curvas o recodos.
Pictograma Signo que representa esquemáticamente un símbolo, objeto real

o figura.
Sintaxis Parte de la gramática que estudia la forma en que se combinan y

relacionan las palabras para formar secuencias mayores,
cláusulas y oraciones y la función que desempeñan dentro de
estas.
Pictografía Tipo de escritura por medio de signos gráficos que no

representan sonidos, sin objetos.
Megalomanía La megalomanía es un estado psicopatológico caracterizado por

delirios de grandeza, poder, riqueza u omnipotencia.
Pétreo Material proveniente de la roca, piedra o peñasco.
Atisbo Muestra o indicio de una cosa.
Ojo de buey Los ojos de buey son orificios circulares practicados en los
mamparos exteriores de los barcos para proveer de ventilación e
iluminación a los alojamientos interiores. Se realizan de forma
circular para disminuir tensiones y contribuir a la resistencia, ya

que estando próximos a la cubierta principal son propensos a

recibir golpes de mar de mucha violencia.

UNIDAD
4
DISEÑO Y SOCIEDAD DE
CONSUMO 1950 - 1970
Al término de la Unidad el estudiante comprende, reconoce e investiga el modo

en que la arquitectura y diseño de interiores interacciona con la sociedad de
consumo entre las décadas de 1950 y 1970.
TEMARIO
4.1 Tema 15: Arquitectura de la Pos Guerra.

4.1.1 Urbanismo americano de la pos guerra
4.1.2 Agrupación espacio.
4.1.3 Arquitectos modernos a mediados del S. XX
4.2 Tema 16: Movimiento Neo Liberty.

4.2.1 Arquitectura Italiana de la Pos Guerra
4.2.2 Boom del diseño italiano de muebles en la década de los 60‘s.
4.3 Tema 17: Influencia del Pop Art.

4.3.1 Influencia Pop Art en la Arquitectura
4.3.2 Formas plásticas en el diseño mobiliario
4.3.3 Apéndice Diseño arquitectónico y de interiores con influencia del Op Art.

 Exploramos y analizamos la historia del Diseño a través de las diferentes

referentes (imágenes, videos, etc.) que nos ayuden visualmente a compenetrarnos
con los temas a tratar.
 El estudiante diseña maquetas o mobiliario coherentes a las diferentes etapas que

están siendo abordadas en esta unidad de aprendizaje.

4.1 ARQUITECTURA DE LA POS GUERRA

Las grandes ciudades destruidas durante la segunda guerra mundial eran la
representación de la culpabilidad colectiva de la sociedad sobre el pasado así como
sus esperanzas en el futuro. Era importante reconstruir Rotterdam, Varsovia, Dresde,
Conventry, Stalingrado e Hiroshima sin olvidar a los millones de muertos como
garantía de un futuro más pacífico.
Fotografía de Berlín después de ser bombardeado al término de la segunda guerra mundial
En muchos lugares de mundo se conservaron restos de la devastación y el horror que

significó la Segunda guerra mundial como recordatorio y homenaje a tal calamidad.
CATEDRAL DE COVENTRY
La catedral medieval de Coventry ha permanecido en ruinas desde que fue bombardeada en 1945 para poder ser
apreciadas tal y como quedó después del incidente.

La nueva catedral de Coventry diseñada por Giles Gilbert Scott (1951 – 1961)
Según el criterio de muchos se trata de una inadecuada adaptación de las formas de lo Gótico a las técnicas y
materiales modernos.

Otros ejemplos de Arquitectura Conmemorativa
El campo de concentración de Dachau actualmente opera como una capilla espiratoria en honor a sus víctimas, y el
mismo campo en toda su fealdad y miseria, recuerda mejor lo que fue el nazismo que la opulenta arquitectura de
Speer.
Esqueleto de acero de la
cúpula del Museo de la
Ciencia y de la Industria que
inexplicablemente no sufrió
daños de la explosión de la
bomba atómica.

4.1.1 Urbanismo Americano de la posguerra.
La reconstrucción de las ciudades daba la oportunidad de recrearlas con mayor

belleza y orden que antes de la segunda guerra mundial, estas debían ser modernas,
confortables, eficientes e incluso algo opulentas con viviendas diseñadas para familias
de jóvenes trabajadores.
El arquetipo de la prosperidad suburbial conocido universalmente a través de
películas, libros y otros medios de comunicación fue Los Ángeles. En los años 40, se
había convertido en el paradigma de todo lo que podía ofrecer la vida suburbial, pero
que en raros casos se había producido en otro sitio: un clima suave, una vida al aire
libre entre playas y montañas, lujosas casas,un estilo de vida elegante y sobre toda la
velocidad y movilidad de una ciudad totalmente adaptada a las exigencias del
automóvil.
Entre éstos podemos citar la Casa Tremaine, de Richard Neutra en Santa Bárbara
(1947-1948) y como antecedente su propia casa en Silver Lake Boulevard (1932)
como la casa en Santa Mónica (1949) diseñada por su arquitecto y propietario Charles
Eames(1907-1978),a base de componentes industriales. El arquitecto Jhon Lautner,
afronta, en su casa Chemosphere (1960) el problema de construir en laderas muy
inclinadas, a base de una de una estructura en forma de hongo, en voladizo, a partir
de una columna central, esto mismo se haría en las casas de Craig Ellwood,
especialmente su casa Hale, en Beberly Hills (1951) y la casa Smith, Los Ángeles
Oeste (1955).
Casa Tremaine, de Richard Neutra, 1947.
Casa en Silver Lake Boulevard de Richard Neutra, 1932.
Casa Chemosphere,
Jhon Lautner, 1960.

Casa Hale, Craig Ellwood, 1951.
Casa Smith, Craig Ellwood, 1955.
Agrupación Espacio:
En 1947 se publicó en Lima La Expresión de Principios de la Agrupación ESPACIO,

dando inicio con ello al movimiento moderno en el Perú. Su consigna fue darle al
hombre moderno un habitad funcional, libre de estilos y adornos innecesarias.
Conjunto habitacional Agrupamiento Risso,(1953),por el arquitecto Santiago Agurto.

4.1.2 Arquitectos Modernos a Mediados del S.XX
Algunos arquitectos vistos anteriormente como otras notables figuras continuarán

trabajando bajo los postulados modernos de la arquitectura, sobre todo en lo que
concierne a la construcción de edificios o conjuntos habitacionales, que
coloquialmente se les llamaría ―cajas de acero y vidrio‖ pues eran los materiales
predominantes en ellos en aras de exhibir un carácter más moderno.
De las canteras de la Bauhaus tenemos a Mies van der Rohe que presenta una
evolución de su propia estética justamente en acero y vidrio.
En Japón destacará Kunio Maekawa y también Kenzo Tange. Ambos muestran
edificios de hormigón monumentales con algo de Le Corbusier además de edificios en
madera que siguen el estilo de la tradición japonesa.
Kunio Maekawa, Festival Hall de Tokio

(1961-1963).
Edificio de apartamentos
Mies van der Rohe, Chicago (1948-1951).
A raíz de estas creaciones se origina una generación de edificios en torre con paredes
cerradas laminadas en cristal, común estilo absolutamente impersonal de varios pisos
donde se distribuían de manera repetitiva departamentos y oficinas.
El revestimiento de vidrio tiene grandes pérdidas de calor en verano como retención

del calor solar en el verano, es por eso que éstos consumían grandes cantidades de
energía en calefacción y ventilación.

Centro Cultural de Nichinan, de Kenzo Tange (1961-1963).
Edificio Seagram, Park Avenue – Nueva York. Mies Van Der Rohe y
Philip Johnson, 1958.
Edificios lujosos de departamentos, números 860 y 880 Lake Shore Drive

en Chicago. Mies Van Der Rohe (1948 – 1951).

IGLESIAS Y TEMPLOS:
Aplicar los postulados modernos y la monumentalidad que se puso de moda a

mediados del S XX, cuando los fines de la construcción es pública y está al servicio
de satisfacer necesidades psicológicas (en este caso espirituales) resulta
contradictorio.
Algunos arquitectos diseñaron propuestas que trataban de cubrir estas demandas.
Iglesia de las tres cruces (Vuoksenniska) Imatra, Findlandia

(1956 – 1958). Alvar Aalto.

Capilla de Notre Dame du Haut - Ronchamp, Francia. Le Cobusier (1950 – 1955).

4.2 MOVIMIENTO NEO LIBERTY
4.2.1 Arquitectura Italiana de la Pos Guerra.
El término Neo Liberty se refiere a la arquitectura italiana surgida en la década de los

50 enfocada en adoptar de manera arriesgada los principios de la modernidad
entonces vigentes.
En Milán , el arquitecto Gio Ponti(1891-1979) diseñó un elegante bloque laminar de
oficinas para la Compañía Pirelli (1955-1959) produciendo un intento de evitar la
infinita repetición de los muros acristalados, La Torre Velasca obra del estudio BBPR
(1956-1957) marca un alejamiento del diseño de rascacielos tradicionales.
Torre Pirelli, de Gio Ponti

(1955 – 1959)
La Torre Velasca del estudio BBPR

(1956 – 1957)

PIER LUIGI NERVI
Arquitecto que trabaja básicamente en base a estructuras, creados y concebidos en

una abstracción geométrica, escapa parcialmente a las formas sólidas y rectangulares
del Neo Liberty.
Palazzetodel Sport, Roma – Italia. (1960)
Palazzo del Lavoro, Turín- Italia (1961)

4.2.2 Boom Italiano de Muebles en la Década de los 60’s
La prosperidad de posguerra en la burguesía romana, turinesa y milanesa hizo surgir

una especie de renacimiento artístico, entre otras disciplinas, en el diseño, como el de
muebles, trabajos imaginativos de Zannota en Milán, con su sillón inflable y
transparente, o su silla flexible, los muebles de Vico Magistretti.
Sofá Joe, de Paola Lomazzi
Armarios de Ettore Sottsass
Silla Sacco, de Martino Zannota
Silla Selene, de Vico Magistretti

4.3 INFLUENCIA DEL POP ART
4.3.1 Influencia del Pop Art en la Arquitectura.
Sociedad de Consumo
Fue partir de la Segunda Guerra Mundial, en la década de los 50, cuando la

producción cobró una gran importancia, contribuyendo a aumentar las necesidades;
entre otras causas, porque las exigencias del propio desarrollo capitalista condujeron a
una situación en la que la demanda del consumidor debía ser a la vez estimulada y
orientada, en un mercado en constante expansión y transformación cualitativas
internas.
Los 60‘s se presenta como una etapa prometedora, ya no se respira el ambiente de

pos guerra y el hombre caminará por primera vez en la luna; la televisión derrochará
publicidad hacia las mentes más jóvenes, un terreno fértil para incrustar el deseo de
consumo por todo lo que ésta nueva era tiene por ofrecer: Nuevas formas, colores,
tecnologías en los long plays de ―Los Beatles, los carro de formato chico, las
minifaldas de Twigy, o el menaje hogareño (electrodomésticos y muebles) de plástico
transparente …
En la sociedad postindustrial, el crecimiento económico se vincula, sobre todo, a la

necesidad de conquistar nuevos mercados (lo que otorga especialísima importancia a
la publicidad). Es una sociedad que necesita más consumidores que trabajadores, de
donde deriva también la ascendente importancia de las industrias del ocio, que
explotan el creciente tiempo libre de los ciudadanos. Los consumos ilícitos también
proliferarán, será ésta la generación que experimente con alucinógenos y
estupefacientes y la que clame por conservar esa paz efímera que tal vez nunca
existió.
En esta sociedad, el amontonamiento, la profusión, es el

rasgo descriptivo más importante... y tal vez más fascinante
también.

PSICODELIA EN LA GRÁFICA INFLUENCIA

DEL ART NOUVEAU
Se conoce por Psicodelia al movimiento socio cultural planteado por la generación de

los 60‘s. Epistemológicamente viene del griego y significa ―Manifestar alma‖, y es que
éste modo de vivir se expresaba en la música, los códigos en el vestir, las
manifestaciones visuales, literarias, escénicas,… el arte psicodélico, sobre todo
pictórico y musical, se desarrolló a partir de los años cincuenta del siglo pasado. Este
tipo de arte se caracteriza por evocar las vivencias propias de la experiencia
psicodélica: sinestesia, alteración de la percepción del tiempo y del sentido de la
identidad, empatía, etc. De todas formas en el lenguaje común la expresión Arte
psicodélico se refiere sobre todo al movimiento artístico de la contracultura de los
sesenta.
Características usuales del arte psicodélico
 Patrones parecidos a un Caleidoscopio, fractales o inspirados en los diseños

persas e hindúes.
 Colores brillantes y / o altamente contrastantes.
 Extrema profundidad de detalle o estilización del detalle.
 Mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage.
 Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entópicos.
Cartelería del Push Pin Studio
Carteles hechos por la Push Pin Studio los dos primeros de Seymour Chwatz 1967 y 1962, la tercera de Tanadori
Yokoo (Japón 1936)

El cartel de Glaser anticiparía una moda psicodélica breve pero

espectacular del cartel en los Estados Unidos, que recordaron los
excesos florales del Art Nouveau, las imágenes diferidas que
pulsaban el Op-Art, y las yuxtaposiciones extrañas de Surrealismo
Influencia Art Nouveau. La generación de la psicodelia

identifica a una generación joven, como la que popularizó el
Art Nouveau, enfrentada a la sociedad en la que se ve
inmersa. Recuperar este estilo que pasara a los carteles e
iconografía de la música del momento fue algo
relativamente natural, así es como podemos encontrar
muchísimos ejemplos de carteles que toman las letras
sinuosas, casi laberínticas del movimiento. Los motivos
florales, la expresión de la naturaleza como algo puro e
incluso místico, y la representación de la mujer de un modo
idealizado y hermoso son elementos que encontramos tanto
en las obras del Art Nouveau de 70 años.
Con los avances en la técnica, las nuevas posibilidades de poner colores, degradados
y motivos más complejos a un precio más asequible permitieron que el Art Nouveau
renaciera a la publicidad, a las publicaciones ilustradas, a las revistas.

Victor Moscoso, 1967 Carteles de los Chambers Brothers y del concierto de Miller Blues Band
Discografía
Más allá del afiche…
La gráfica psicodélica también incursionó en

la industria…
Portadas de los discos ―Cream‖ de la banda DisraeliGears (Diseño de Martin Sharp) y ―Sgt. Pepper´s Lonely Hearts
Club Band‖ de la banda ―The Beatles‖ (Diseño de Peter Blake). Ambos de 1967

La Industria casera también aprovechó la gráfica psicodélica en sus diseños, tal como lo
demuestran estos envases de cereales, una marca de jabón y cocoa de los años 70.
Nótese la influencia Art Nouveau los dos últimos
RESCATE DEL ESTILO RETRO Y DEL

IMAGINARIO VERNACULAR
Dos características que se gestan en las décadas de los 60‘s y 70‘s son el retomar rasgos
de estilos gráficos anteriores (estilo retro) y el apropiamiento del estilo propio de cada
región del mundo, (referentes vernaculares) especialmente de oriente medio e indo –
europa en aquél entonces.
Esta característica ha persistido hasta la gráfica

contemporánea, más ya no con la mirada exotizante de
entonces‖. El proceso de globalización ha permitido ver
con mayor naturalidad las propuestas visuales de
diferentes lugares del mundo sin el asombro que en
otras épocas causaba .Lo vernacular también se hace
extensivo al rescate del estilo de la propia localidad.
Vernáculo
La mirada exotizante hacia lo foráneo llevaba al público a consumir productos

de naturaleza extranjera y a la gráfica emular dichas características.

En la actualidad Japón demuestra su propia propuesta gráfica sin

tomar literalmente características ancestrales, si no que a partir de su
propia identidad visual innova nuevas formas. Tanadori Yokoo en
1966 cuando trabajaba para la Push Pin Studio y tazas de té de
Shigeo Fukuda de 1975.
El diseño de Takashi Murakami - destinado a fines artísticos - recoge el imaginario

contemporáneo del Japón.

Retro
La Psicodelia tomó elementos del Art Noveau y el Art Decó y llegó a apropiar de imágenes
de estilos anteriores. Su tipografía, diagramación y formas emula la propuesta que el
modernismo tuviera 70 años antes.
También desde entonces se ha echado mano a estilos pasados cuando se trata algún
tema correspondiente a épocas anteriores, es como si la propuesta o pieza gráfica fuese el
marco contextualizador al tema que está abordando.
Sin embargo será a partir de 1980 que los diseñadores aprecian la historia del diseño y la
citan visualmente como propuesta personal, valiéndose de sus recursos gráficos, sus
estrategias, su fotografía o incluso sus imágenes. Por seguir ese estilo algunos
diseñadores serán llamados de manera despectiva en Nueva York como ―Retro‖ ya que
este prefijo sugiere la palabra ―retrógrado‖
Nótese la semejanza del afiche que promociona n concierto de ―Capitán Beefhart‖ de 1966 con la pintura ―Judith y Holofermes‖
de Gustav Klimt de 1901

Cuando se cita a la época a la que se hace referencia :
1. “Art Decó” Sobrecubierta del libro homónimo de Bevis Hillier. Diseño de Barry
Zaid, 1970. Se reinventa una geometría decorativa propia de los años 20‘s
medio siglo después.
2. “The General” Cartel de proyección de película homónima de Bustes Keaton

de ―1923. Diseño de David Lance Goines, 1973. Explora también en el color y la
sensibilidad del dibujo de la época a la que alude.
3. “Mackintosh and the Glasgow Style” Cartel para exposición. Diseño Shinoske
Sugisaki, 2000. Las simetrías superpuestas sugieren la elegancia del estilo
mencionado.
1. “Metamorphosis” Doble página de publicación Grandes Comienzos. Diseño Paula Scher, 1984. La distribución
tipográfca alude al constructivismo, el futurismo y el dadaísmo, movimients que pertenecen a la misma época en que
se escribe la novela y que serían cercanos al autor de ésta.

2. “The Lover” Portada de ―El amante‖. Diseño Louise Fili, 1985. Se trata de la foto de Margarite Durás de la época en
la cual ambienta esta novela autobiográfica, principio de los años 30‘s. La tipografía y diagramación también
responden a contexto.
INFLUENCIA DEL POP ART EN LA ARQUITECTURA Y DISEÑO DE INTERIORES
Óleo sobre tela.

Andy Warhol
POP ART
El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el
Reino Unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la
tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los
medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que
el Pop remueve el material de su contexto y aísla al objeto o lo combina con otros
elementos para su contemplación. Tiene por principales representantes a Andy
Warhol, Roy Litchenstein, Claes Oldeburg, Jaspers Jones, etc.
SURGIMIENTO DEL POP
• En 1956, en una exposición para la Whitechapel Art Gallery, Hamilton presentó

en nombre del Independent Group su collage ―Just What Is It That Makes
Today's Homes So Different, So Appealing?‖ en el cual aparecen multitud de
elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un
culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una

aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un

enorme chupete con la inscripción ‗pop‘ en él, sostenido por el físico culturista
como si fuese una raqueta de tenis, manifiesto del arte pop británico.
Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?‖ Richard Hamilton, 1956
PRINCIPALES EXPONENTES
Andy Warhol (1928 – 1987)
Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del

llamado Pop Art. En 1960 realiza su primera pintura basada en
personajes de Comic (como Popeye o Superman), así
comenzaría una larga producción en la recurre a la apropiación
como principal estrategia de creación.
Desarrolló también fotografías de gran formato, utilizándolas

después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fue esta
técnica la que le permitió producir una serie de imágenes
repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962
con el famoso bote de sopas Campbell.
Sopas Campbell‘s 1965

Marilyn, 1964
Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los
consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más
pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente
bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber
Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que
encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina.
Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el
Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes.
Andy Warhol

Roy Litchenstein (1923 – 1997)
A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes

comerciales de producción masiva.
Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli,
Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados,
reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios
y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy
populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos
clásicos.
También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también,
obras en cerámica

ARQUITECTURA Y DISEÑO DE INTERIORES
La arquitectura y el diseño de interiores no ha presentado

una influencia directa del pop art de forma masiva o
sistematizada – no son pocas las excepciones, pero no llegó
nunca a consolidarse como estilo –. Observamos la
influencia de esta corriente en locales comerciales, tal es el
caso de la franquicia peruana de comida rápida ―Bembos‖
que adopta este estilo en su decoración, principalmente en
los murales de su interior originalmente pintados por Marcel
Velaochaga y luego ha tomado numerosas veces
referencias de Litchenstein.

4.3.2 Formas plásticas en el Diseño Mobiliario
El pop art, como corriente artística ya supuso su propia introducción en el ámbito

privado en el mismo momento que se desarrollaba, por citar un par de ejemplos la
famosa Ball Chair del diseñador finlandés Eero Aarnio, o la Panton Chair fabricada por
el diseñador danés Verner Panton. En 1967, el Pop Art pretendía elevar lo cotidiano a
la categoría de arte, de una forma además lúdica.
Sofa Marshmallow e Vitra 1956
Ball Chair de Eero Aarnio, 1963

Mesa de centro actual inspirada en el arte de Roy

Litchenstein
Panton Chair, Verner Panton. 1967
4.3.3 Influencia del Op Art en la Arquitectura y Diseño de Interiores
Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en la

revista Times. Nace en Estados Unidos en 1958 y se desarrolla también en Europa en
la década de los 60‘s.
Representantes del Op-Art: Víctor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Bridget Riley,
Kenneth Noland, Lawrence Poons
CARACTERÍSTICAS DEL OP ART:

• Es una evolución matemática del arte abstracto.
• La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo
cual lo diferencia del Arte cinético.
• Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración,
parpadeo o difuminación.
• Usa los recursos ópticos como formas simples y líneas paralelas, tanto rectas
como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos,
efectos de luz y sombra, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de
figuras, entre otros.
• Utiliza figuras geométricas básicas para sus tramados, combinaciones o
formaciones complejas.
• Crea sensación de profundidad pero a la vez se confunde el orden de los planos
(qué está adelante y qué está atrás).
• En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o
desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente teniendo la
sensación de estar frente a un espacio tridimensional.
• Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

• El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no

existe ningún aspecto emocional en la obra.
Obra de Vassarely
ARQUITECTURA Y DISEÑO DE INTERIORES
Edificio Italia, Viña del Mar, Chile
Balcones de edificio en Medellin , Colombia.

Mesita de influencia Op Art de de Bach y Tamadoun.
Propuesta para puerta de baño en balneario
Mueble actual inspirado en el Op Art de Anne Herbst.

Resumen
 La devastación de la segunda guerra mundial daba la oportunidad de
reconstruir las ciudades destruidas con mayor modernidad y confort, eso lleva
a los arquitectos y diseñadores de interiores a mediados del siglo XX –
especialmente en Estados Unidos e Italia- a experimentar con formas y
materiales consideradas modernas.
 Como contraposición a el intento por estandarizar lenguajes visuales, en las
décadas de los 60‘s y los 70‘s se revaloriza el aporte original de las
localidades particulares, asimismo se vuelve a recurrir a la tipografía ondulante
y las formas orgánicas del Art Nouveau y recursos visuales de corrientes
previas al estilo internacional.
 La sociedad de consumo se pone en manifiesto en la corriente artística

emblemática de aquéllos tiempos, el Pop Art, cuyos exponentes la exhiben ya
no sólo como objeto de deseo, si no de admiración.

 This is Modern Art. Matthew Collings. Weidenfeld & Nicolson. 1998.
 Enciclopedia Temática del Perú / Arte y Arquitectura. Luis Eduardo
Wuffarden, José García Bryce, Natalia Majluf, Jorge Villacorta, Carlo
Trivelli. Diario El Comercio 2004.
 Warhol. Tr. Héctor Daniel Suárez. Panamericana Editorial. 2008
Blume.1986
Hermann Blume.1984
http://www.sitographics.com/conceptos/temas/historia/cartel.html
http://www.currentlymisplaced.com/2010/08/push-pin-graphic.html
http://escuela-de-marte.blogspot.com/2007_04_01_archive.html

Glosario
Boom Éxito, popularidad o prosperidad inesperados y repentinos.

Voladizo Construcción o a la estructura que sobresale horizontal o
inclinadamente de la vertical de un edificio o pared.
Consigna Orden o instrucción dada a un subordinado de un partido
político, sindicato o cualquier otro tipo de asociación.
Postulado Proposición que se toma como base para un razonamiento o

demostración, cuya verdad se admite sin pruebas.
Contradictorio Incoherente, paradójico, ilógico, absurdo, disparatado,

discordante.
Turinesa Gentilicios relativo a Turín, Italia.
Milanesa Gentilicios relativo a Milán, Italia.
Consumo Acción y efecto de consumir o gastar, bien sean productos, y
otros géneros de vida efímera, o bienes y servicios, como la
energía, entendiendo por consumir como el hecho de utilizar
estos productos y servicios para satisfacer necesidades
primarias y secundarias.
Capitalismo Sistema económico y social basado en la propiedad privada de

los medios de producción, en la importancia del capital como
generador de riqueza y en la asignación de los recursos a través
del mecanismo del mercado.
Incrustar Introducir pequeñas partes o elementos de una materia en otra

hasta quedar unidas perfectamente formando un solo cuerpo.
Long plays Disco musical de larga duración para fonógrafo o tocadisco..
Industria Signo que representa esquemáticamente un símbolo, objeto real

o figura.
Proliferar Multiplicación abundante en número o cantidad.
Alucinógeno Sustancia que produce alucinación.
Estupefaciente Sustancia que tranquiliza o deteriora la sensibilidad, o produce

alucinaciones, y cuyo consumo, no controlado médicamente,
generalmente crea hábito, como la morfina o la cocaína.
Efímero Pasajero, que dura poco.
Profusión Gran abundancia o cantidad de algo.

Empatía Sentimiento de participación afectiva de una persona en

la realidad que afecta a otra. (Ser capaz de ponerse en la
situación de los demás).
Contracultura Movimiento social y cultural que se caracteriza por el

rechazo de los valores sociales y modos de vida
establecidos.
Caleidoscopio Tubo que contiene varios espejos en ángulo y pedacitos

de cristal irregulares; al mirar por uno de sus extremos se
ven combinaciones simétricas que varían cuando se gira
el tubo.
Mutación Acción y resultado de mudar o mudarse.
Patrón 1. Defensor o protector / 2. Amo o señor de una finca,

heredad o similar / 3. Modelo que sirve de muestra para
sacar otra cosa igual.
Entópico Sensaciones percibidas por motivos mecánicos dentro

del ojo, como partículas flotantes o destellos causados
por cambios en la retina.
Pulsar Tocar una cosa con la yema de los dedos presionando de

forma suave.
Inmerso Que está sumergido en un líquido. Se aplica a la persona

que tiene la atención puesta intensamente en un
pensamiento o en una acción, con descuido de cualquier
otra cosa.
Vernáculo Se aplica a la lengua o costumbre que es propia de un

país o de una región.
Retrógrafo Partidario de ideas, actitudes, etc., propias

exclusivamente de tiempos pasados, y enemigo de
cambios e innovaciones.
Cinético Adj. Del movimiento.

UNIDAD
5
DISEÑO CONTEMPORÁNEO 1970 -
2010

variedad de estilos de diseño generados a partir de 1970 que cuestionan los
postulados de la modernidad.
TEMARIO
5.1 Tema 18: Diseño a finales del Siglo XX

5.1.1 Principales edificios Públicos 1970 – 2000
5.1.2 Diseño de interiores y muebles 1970 - 2000
5.1.3 Arquitectura y diseño de interiores ecológico
5.2 Tema 19: Diseño en el S XXI

5.2.1 Aporte digital para la arquitectura y diseño de interiores
5.2.2 Principales muestras de arquitectura en el S XXI
5.2.3 Diseño de interiores y muebles en el S XXI
 Los alumnos aplican en diseños de maquetas los contenidos de los temas vistos
en clase.

5.1 DISEÑO A FINALES DEL SIGLO XX

5.1.1 Principales Edificios Públicos 1970 - 2000
Pareciera que al igual que en la edad media, una torre de gran altura – en la segunda
mitad del S. XX servía para demostrar el orgullo y prestigio de su propietario
distinguiéndose de sus vecinos. Aún se aplican en estas megas construcciones los
principios modernos, caracterizada por la aplicación de principios serios y puritanos en
su uso de la forma y el espacio, optando por sobriedad antes que la expresión, el
exceso decorativo o la extravagancia.
Como ejemplo de ello tenemos el World Trade Center de Nueva York (1962 – 1977)
cuyas emblemáticas torres gemelas desaparecieron el 11 de Septiembre del 2001 de
Minotu Yamasaki, y posteriormente la gigantesca torre Sears de Chicago (1968 –
1970) de Skidmore Owings y Merrill.
World Trade Center de Nueva York, Minotu Yamasaki

Torre Sears de Chicago, 1973. Skidmore

Owings
En México tenemos el caso del Estadio Azteca construido para el mundial de 1968

ARQUITECTURA PERUANA Y LATINOAMERICANA

A FINALES DEL S.XX
BRUTALISMO
La idea del brutalismo, como bien dice el nombre, es expresar los materiales en bruto.
Los edificios brutalistas están formados normalmente por geometrías angulares
repetitivas, y a menudo permanecen las texturas de los moldes de madera que se
emplearon para dar forma al material, que normalmente es hormigón. No todos los
edificios brutalistas están hechos de hormigón, el edificio puede también ser brutalista
si tiene una apariencia áspera y se aprecian sus materiales estructurales desde el
exterior.
Complejo Cultural Teresa Carreño de Caracas (Venezuela), 1983
Museo de la Nación, Lima (Perú), 1988
Centro Cívico de Lima (Perú), 1978

5.1.2 Diseño de Interiores y muebles 1970 - 2000
CASA DE LA ÓPERA DE SÍDNEY
La Ópera de Sídney o Casa de la Ópera de Sídney, situada en la ciudad de Sídney,

estado de Nueva Gales del Sur, Australia, es uno de los edificios más famosos y
distintivos del siglo XX. Declarado en 2007 Patrimonio de la Humanidad, fue diseñado
por el arquitecto danés Jør Utzon en 1957 e inaugurado el 20 de octubre de 1973.
En el edificio se realizan obras de teatro, ballet, ópera o producciones musicales. Es
sede de la compañía Ópera Australia, la Compañía de Teatro de Sídney y la Orquesta
Sinfónica de Sídney.
Cuenta con un diseño radicalmente

innovador, conformado por una serie
de grandes conchas prefabricadas,
cada una tomada de la misma
semiesfera, que forman los tejados de
la estructura. El Teatro de la Ópera
cubre 1,8 hectáreas (4,5 acres de
tierra). Tiene 183 metros (605 pies) de
largo y alrededor de 120 metros (388
pies) de anchura máxima. Se apoya en
580 pilares hundidos hasta una
profundidad de 25 metros bajo el nivel
del mar.

LAS TORRES PETRONAS
Las Torres Petronas, situadas en Kuala Lumpur, capital de Malasia, fueron los
edificios más altos del mundo entre 1998 y 2003, superados el 17 de octubre de
2003 por el edificio Taipéi 101 en Taiwán.
Estas torres cuentan con una altura de 452 metros. Las torres con 88 pisos de
hormigón armado, acero y vidrio.
Información de las torres
 32 mil ventanas
 78 ascensores
 Superficie total de 350.000 m²
 88 pisos
 258 columnas
 32 kioscos
 183 Baños

CENTRAL PLAZA, HONG KONG –

CHINA.
Mide 374 metros de altura, contando con 78 planta. Entre

1992 y 1996 fue el edificio más grande del Asia.

Lobby Principal
Sky Lobby
Sky City Churh Lounge

AEROPUERTO INTERNACIONAL DE KANSAI

Osaka, Japón. Renzo Piano. Diseñado por Renzo Piano.
El Aeropuerto internacional de Kansai diseñado por Renzo Piano fue inaugurado el 4

de septiembre de 1994. Está situado en una isla artificial en la bahía de Osaka, Japón
y gestiona una de las rutas con más tráfico aéreo de la región.
El proyecto surgió ante la necesidad de crear un aeropuerto en una zona densamente

poblada, rodeada de montañas y sin un espacio libre para utilizar. En 1987 se convocó
un concurso internacional para la construcción del aeropuerto y de la isla artificial.
Se empezó a construir en 1987 y a finales de 1989 se terminó la muralla protectora.

Fueron utilizados 21 millones de metros cúbicos de bloques de hormigón, unos 10.000
trabajadores y más de 10 millones de horas de trabajo a lo largo de 3 años. Se
necesitaron cerca de 80 barcos para completar la capa de 30 metros de grosor
ubicada en la plataforma submarina.
El aeropuerto fue construido siguiendo unas estrictas normas en cuanto a prevención

de terremotos y maremotos. La isla artificial mide 4 kilómetros de largo por 1 de
ancho. Renzo Piano fue el encargado de diseñar la terminal del aeropuerto, un edificio
de cuatro pisos y 1,7 kilómetros de longitud, una de las más largas del mundo. La
terminal está compuesta de cuatro pisos y cuenta con un sofisticado sistema de
transporte de viajeros que se encarga de trasladarlos de un extremo al otro de la
terminal.

Vista de interior y de la fachada del aeropuerto

de Kansai

MUEBLES DÉCADA 1970
Silla Pastilli, constituída por dos partes. Fibra de vidrio

modelada.
EeroAarnio. Findlandia, 1960
Shiro Kuramata, 1970

Jean Pierre Vitrac

Plack Pic Nic Set, 1979 .
Luigi Colani , 1971
Cama de soltero en forma de L. - Kho Liang Ie, 1970

Iglesia de la Riola, Italia - 1978. Alvar Aalto
Diseño de sofa, Mario Bellini

Estantería Carlton, 1981. Ettore Sottsass Silla Seconda, 1982. Mario Motta
Kristall End Table y Sofa Lido, 1981 y 1982. Michele de Lucchi

“Tempered Chair”, 1986 y “Big Easy

Red”, 1989. Ron Arad
Tramonto a New York, 1980. Gaetano Pesce
Thinking’s man chair, 1987. Jasper Morrison Miss Blanche, 1989. Shiro Kuramata

PHILIPPE STARK
Nació el 18 de enero de 1949 en París (Francia). Es un diseñador industrial francés

reconocido mundialmente por la funcionalidad de sus diseños y la estética de los
mismos.
"Subversivo(*), ético, ecológico, humorístico, político: ésta es la idea de que estoy

cumpliendo con mi deber como creador." Philippe Starck
Rediseño de interiores del departamento del presidente de Francia Francois Mitterand. Paris, 1983
Diseño de interiores del café Costes de Paris. 1984

Inmueble Nani Nani e interiores del Caffé Manin, Tokio. Finales de la década de los 80’s

Silla Vik-ter 1991. Dakota Jackson Cubiertos Dessert, 1997. Borek Sipek
Jacuzzi Amea Twin, 1995. Roy Jacuzzi

ALDO ROSSI
(3 de mayo de 1931 - 4 de septiembre de 1997), arquitecto italiano, nacido en Milán.
El Bonnefantenmuseum o Museo Bonnefanten (en español: "Museo de los

buenos niños. Se fundó en 1884 como museo de arqueología y de las
antigüedades y tomó su nombre del Couvent des Bons-Enfants, un antiguo
monasterio que acogió sus instalaciones entre los años 1951 y 1978. El edificio
actual fue construido en 1995 por el –arquitecto italiano Aldo Rossi.
Cafetera “La Cupola”, 1985

Vajilla “Il Faro Finestra”, 1994. En éste diseño incorpora con algo de efecto
humorístico formas arquitectónicas en cada pieza que compone la vajilla.
Conjunto Habitacional de Berlin, 1998

(Inaugurado de manera póstuma después
de la muerte de Aldo Rossi)

PHILIPPE STARCK
Hervidor de agua y exprimidor de naranjas, 1990.
COLECCIÓN AXOR STARCK, 1994:
Axor Starck es lo esencial: las formas elementales. Diseño minimalista al máximo. Una
función clara y un efecto simple. No falta ni sobra nada. Una colección que sobrevivirá
a las modas. Para uso tradicional del elemento agua: por ejemplo el caño inclinado
como en una bomba de balancín o la bañera como una tina.

5.1.3 Arquitectura y Diseño de Interiores

Ecológico
La construcción industrializada y urbanística
atraía a la inversión, por razones políticas y
económicas, y los profesionales que se
involucrados creían en su propia capacidad de
predecir, cuantificar, analizar y proponer la
solución óptima a cualquier problema,
independientemente de las consideraciones
políticas.
Pero había cada vez más dudas sobre el
ambiente urbano que creaba; La visión de Le
Cobusier fue una cosa y otra las mastodónticas
madrigueras de hormigón sin balcones, sin
espacios abiertos, sin salones comunitarios o
tiendas. Se hicieron informes sobre lo insano de
la vida en las torres, - mega conjuntos
habitacionales -: Usuarios aislados cuando no
funcionaban los ascensores, lugares de juego
para los niños demasiado alejados de sus casas
como para poderles vigilar, gente mayor que
moría sin que nadie lo advirtiese, sin mencionar
el vandalismo, lo que demostraba que en este
modelo de construcciones de vivienda se
beneficiaba el productor antes que la
comunidad.
Vivienda colectiva, 1955. Argentina.
Urbanistas, sociólogos y arquitectos comenzaron a tomar más en serio las

necesidades reales de quienes habitaban las propuestas de viviendas modernas. La
gente tenía cada vez mayor interés en ambientes más informales. Así, diferentes
comunidades desarrollaron propuestas ambientales como demostración de su
descontento al sistema y los ambientes represivos que creaban sus agentes.
CÚPULAS GEODÉSICAS DE
DROP CITY
Drop City era una comunidad que se asentó en Colorado entre los años 1965-1973,

allí se construían sin metodología, herramientas o materiales precisos; en vez de eso,

se empleaban materiales reciclados y desperdicios.
Durante su apogeo, Drop City fue una comunidad de 14-20 personas que utilizaban el
arte para dar forma a los edificios donde vivían. Inspirados por la cúpula geodésica de
Buckminster Fuller, la comunidad construyó las cúpulas donde habitaban.
EL CHABOLISMO
La desesperación de las masas marginales ante el rechazo de las autoridades por
reconocer sus reivindicaciones, las lleva a que tomen medidas extremas lo que lleva al
surgimiento de un importante movimiento de autoconstrucción, recurriendo a
materiales de desecho de obras, plásticos, tablas de madera o uralita, entre otros.
Aunque se ha desarrollado a nivel mundial, éste fenómeno se ha generado con mayor
énfasis en los países del tercer mundo, especialmente en América del Sur.
Vivienda precaria en San Juan de Miraflores,

Lima - 2012.

Pueblo joven con viviendas autoconstruidas, Lima.
Población, Santiago de Chile - 1986
Aldea campesina de Congo, Africa. La mayor parte de poblaciones campesinas en el mundo están trabajadas de
manera auto construida.

Michael Buck, un ex profesor de 59 años de edad, ha construido una casa ecológica

por tan solo 150 libras esterlinas (unos 240 dólares) para demostrar que es posible
poseer una vivienda sin acudir a las hipotecas bancarias y sin endeudarse de por vida.
Buck
indicó que construyó la pequeña casa con sus propias manos en ocho meses, sin la
ayuda de herramienta eléctrica alguna. Explicó también que levantó las paredes
usando una mezcla de arena, arcilla, paja y estiércol de vaca. Mientras que para el
techo armó una estructura de madera y lo cubrió con paja.
Michael tampoco tuvo problemas con la cubierta del piso, que cubrió con tablas
sacadas de una vieja casa abandonada. Además, usó los parabrisas de un viejo
camión para cerrar las inusuales ventanas de su casa.
La inusual cabaña cuenta con una cocina,

comedor y una cama que se encuentra en
un espacio elevado a media altura. El
inmueble no cuenta con electricidad, pero
una estufa de leña proporciona calor,
mientras que el agua es llevada por una
tubería desde un manantial natural
cercano.
Asimismo, un pequeño pozo junto a la puerta de

entrada sirve como nevera. Tampoco dejó pasar
por alto el baño, para lo cual detrás de la casa
construyó una letrina cubierta con paja, desde
donde "se abren espectaculares vistas
panorámicas de la campiña".

CASAS ECOLÓGICAS
Casa Ecológica, Toronto – Canadá, 1980
Antigua casa familiar remodelada por la Pollution

Probe Foundation. Energy Probe es pionero de
Canadá en el campo de la energía alternativa. En
1980 completó Ecología Casa en el centro de
Toronto, manifestación primera de trabajo de
Canadá de la practicidad de un edificio que
emplea la energía solar y el agua y la
conservación de energía.
Esquema de vivienda Ecológica
 Materiales como las

celdas solares (A) que captan la energía solar y abastecen de energía
eléctrica.
 El uso de materiales térmicos como los cristales de las ventanas (C)
contribuyen a mantener el interior confortable sin hacer uso de la energía. Las
terrazas con persianas corredizas (D) reproducen el efecto invernadero
manteniendo el calor en invierno y conformando zonas de esparcimiento en
verano.
 Colocación de capas de celulosa situadas bajo una capa de corcho sobre el
que se colocan las tejas que recubren el techo (B).
 Colocación de pisos sobre materiales aislantes (E).
 Colocación de rodapié o zoclo para recubrir el sistema de calefacción (H) en
sitios de invierno extremo.

 Aislamiento de muros con corcho o alguna otra capa de celulosa que ayude a
aislar el espacio (I y J).
 Uso de ladrillos o tabiques aislantes térmicos y de ruido fabricados con corcho,
celulosa, papel o madera reciclados, entre otros (F).
 Empleo de aparatos electrodomésticos con bajo consumo de energía y
sistemas de ahorro de agua (K).
 Utilización de ladrillos huecos que favorecen el aislamiento de la humedad y
del ruido (L).
 Establecimiento de capas vegetales en diversos sitios (G) que mejoren el
paisaje, absorban la lluvia y partículas contaminantes
Los paneles solares y los cristales térmicos, así como el uso de áreas
Conjunto habitacional y casa construida con material reciclado (botellas de

plástico)

MUEBLES ELABORADOS CON MATERIAL ECOLÓGICO O RECICLADO
Little Beaver armchair, 1987. Frank Ghery
Vasija de Madera, 1988. Ronal Kent

MICHAEL CAFFEY

WENDELL CASTLE
Sofá, 1968
Puerta, 1976
Equipo estéreo con formas orgánicas

Una alternativa interesante: Muebles caseros hechos con cartón!

Armarios basados en grafitis de Keith Harig

5.2 DISEÑO EN EL SIGLO XXI

5.2.1 Aporte digital para la Arquitectura y Diseño de Interiores.
Durante el siglo actual la computadora es una gran herramienta y se puede utilizar

desde las primeras fases del diseño arquitectónico, hasta la presentación final.
Los software que contribuyen al diseño arquitectónico lo apoyan en sus diferentes
etapas, desde la básica elaboración de bocetos hasta el que puede hacer
recorridos virtuales tan vívidos que se confunden con la realidad. No todos los
programas tienen la misma exigencia ni arrojan resultados de la misma calidad.
Seketchbook Designer:
Ayuda en el dibujo inicial o, incluso a redibujar una idea de manera automática si
es necesario.
Ver: http://blog.microcad.info/sketchbook-pro-uso-en-la-arquitectura-2/
Zbrush 4:
Es un programa para esculpir en 3D,
una buena forma para experimentar
en modelado. Una de las
herramientas que ofrece este
programa es el shadow box. Con ella
se puede dibujar un diseño de planta
y elevaciones y una masa 3d es
automáticamente creada. Algo muy
bueno de las últimas actualizaciones
es que han mejorado las herramientas
para hacer formas menos orgánicas,
más geométricas.

Ver:
http://pixologic.com/zbrush/features/zbrush4/overview/
http://www.youtube.com/watch?v=CJTu2qcOssg
MODELADO
Existen diferentes técnicas para modelar y acá les voy a hablar de 3.
Nurbs: Son curvas calculadas matemáticamente en 3 dimensiones. Las ventajas de

esta técnica es que es muy fácil y flexible. El programa NURBS más popular es
Rhinoceros .
MoI: (Moment of Inspiration). Posee una interfaz muy limpia e intuitiva que permite
trabajar muy rápido.
Grasshopper. Para los amantes de la arquitectura y el diseño paramétrico es la mejor

interfaz para programar. No se requieren conocimientos avanzados de programación,
si se experimenta la suficiente, se pueden encontrar formas sumamente interesantes.

Render
Se llama así a la creación de imágenes o animaciones que muestran los atributos de
un diseño arquitectónico propuesto bidimensionales. Asimismo la creación, el
sombreado y textura de una imagen. Entre los más usados tenemos: Maxwell Render,
otro ejemplo son los renders basados en GPU como Fryrender, estos necesitan una
tarjeta gráfica muy buena, diferente a los demás renders que están basados en CPU.
El más comercial y el favorito de los que hacen visualización arquitectónica es V-Ray,
Otra opción es Mental-Ray de 3ds max.
AutoCAD:
Autodesk AutoCAD es, como lo indica su

nombre, un software CAD utilizado para
dibujo 2D y modelado 3D. El software
AutoCAD Architecture es la versión del
software AutoCAD específica para los
arquitectos.

5.2.2 Principales muestras de Arquitectura en el Siglo XXI
El concepto de arquitectura moderna, como hemos visto a lo largo del curso, es

entendido estilístico y no cronológico, se caracterizó por la simplificación de las
formas, la ausencia de ornamento y la renuncia consciente a la composición
académica clásica, que fue sustituida por una estética con referencias a la distintas
tendencias del denominado arte moderno (cubismo, expresionismo, neoplasticismo,
futurismo, etc.).
Pero fue, sobre todo, el uso de los nuevos materiales como el acero y el concreto
armado, así como la aplicación de las tecnologías asociadas, el hecho determinante
que cambió para siempre la manera de proyectar y construir los edificios o los
espacios para la vida y la actividad humana.
PRINCIPALES ARQUITECTOS
Frank Owen Gehry
(Toronto, Canadá, 28 de febrero de 1929), Arquitecto asentado en Estados Unidos.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la Arquitectura es
un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de
arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha
ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros
aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la
integración de éste en el entorno.
Museo Guggenheim Bilbao: Es un

museo de arte contemporáneo
diseñado por el arquitecto canadiense
Frank O. Gehry, y localizado en Bilbao
(País Vasco), España. Es uno de los
pertenecientes a la Fundación
Solomon R. Guggenheim. Fue
inaugurado el 18 de octubre de 1997
Casa Danzante: Nombre con el que se conoce

popularmente el edificio deconstructivista de
Nationale-Nederlanden situado en Praga,
República Checa. Fue diseñado por el arquitecto
checo-croata Vlado Milunić en colaboración con
el renombrado arquitecto canadiense-
estadounidense Frank Gehry en una parcela
frente al río Moldava. El edificio fue diseñado en
1992 y terminado en 1996.1

Museo de la Biodiversidad o BioMuseo es un museo de historia natural que se

construye en la ciudad de Panamá. Esta es la primera obra diseñada por Gehry para
América Latina. La construcción de este complejo edificio comenzó en 2006, Se
espera que el museo abra sus puertas al público en mayo 2014.
Jean Nouvel
(12 de agosto de 1945) es un arquitecto y diseñador francés. Nació en Fumel, Francia,
y estudió arquitectura y diseño en la escuela de Bellas Artes de París
Torre Agbar (Barcelona), 2005 Edificio Dentsu, Tokio, 2002

Wang Shu
(Urumchi, 4 de noviembre de 1963), es un arquitecto chino perteneciente al nuevo

movimiento de los organismos modernos en China. Este movimiento, en comparación
con el tradicionalismo arquitectónico chino, supone una nueva práctica creativa y
crítica de la profesión de la arquitectura. Desarrolla toda su carrera en China, y más
concretamente en Hangzhou. Ganador del premio Pritzker de Arquitectura en 2012, el
jurado de este prestigioso premio, considerado el Nobel de la Arquitectura, ha visto en
él a un arquitecto apasionado y único, protector de la naturaleza, defensor de las
técnicas y materiales artesanales.
Amateur Architecture Studio" apareció en el panorama europeo de arquitectura en la

10ª Bienal de Arquitectura de Venecia. Al lado del Pabellón de China, los dos socios
Wang Shu y Lu Wenyu presentaron su instalación de "Jardín de Baldosas": un
marco de bambú cubierto con 66.000 azulejos chinos reciclados. "Amateur
Architecture Studio" explora la relación entre la evolución de la arquitectura y el estilo
de vida en China. Los arquitectos transfieren con mucho tacto la poética y tradicional
China, al lenguaje arquitectónico contemporáneo.
Wang Shu instala en una estructura de bambú unos 66.000 azulejos rescatados de
edificios destruidos en la zona de Hangzhou. Visible desde el puente por encima de
ella, este jardín es un manifiesto que llamaba para el reciclaje de minerales y la
reinterpretación de tipologías tradicionales.

Cinco casas Dispersas,2005. Ningbo (China)
Museo de Historia Ningbo, 2003-2008, (China)
Campus de Bellas Artes de Hangzhou. 2004 – 2005 (China)

DISTRITO FINANCIERO LUJIAZUI
Los modelos de planificación para el distrito financiero Lujiazui se remonta a 1993

muestran los planes de tres super rascacielos de todos uno junto al otro. Dos ya se
han construido, el edificio Jin Mao se completó en 1998, y el Centro Financiero
Internacional de Shanghai en 2008.
Torre central de Shanghái
Arquitectos:
 Gensler
 Architecture Design & Research Institute of Tongji University (Group)
 ECADI
 2DEFINE
Rascacielos en construcción en el distrito de Pudong en Shanghái. Una vez terminado,

el edificio se elevará aproximadamente 632 metros (2.073 pies), con 121 pisos, y una
superficie de 420.000 m² (4.520.842 ft²). Será el 2º edificio más alto de China, la 4ª
estructura más alta del mundo y el 3er rascacielos más alto del mundo en 2014, pero
en 2016 se convertirá en el 4º rascacielos más alto del mundo y el 3º de China, con la
construcción del Ping An Finance Center.

La torre será organizada en forma de nueve edificios cilíndricos apilados unos sobre
otros, cerrado por la capa interna de la fachada de vidrio. Entre eso y la capa exterior,
que gira a medida que sube, nueve jardines interiores en los diferentes niveles serán
el espacio público para los residentes de Shanghái. Ambas capas de la fachada serán
transparentes. También tendrá espacios para celebrar eventos en la base de la torre.
Contará con la plataforma de observación no cerrada más alta del mundo. Se presume
que será finalizada para mediados del 2014.
Sostenibilidad
El diseño de la fachada de cristal se describe capaz de reducir las cargas del viento en
el edificio en un 24%, es decir, que menos materiales de construcción serán
necesarios, y la característica de espiral recogerá el agua de lluvia que se utilizará
para el aire acondicionado de la torre y los sistemas de calefacción. Las turbinas de
viento generarán energía para el edificio. Según E-Architect.co.uk, será el primer
mega-rascacielos (600 metros o más alto), con doble "piel" en el mundo, actuando
como un "termo", dice Strabala, que es para aislarlo y ahorrar energía. Los
propietarios de la torre de Shanghai esperan que en el futuro se adjudiquen las
certificaciones de la Comisión de Construcción Verde de China y de EE.UU. para el
diseño sostenible del edificio. Interior de la torre central de Shanghái

WORLD TRADE CENTER SHANGHÁI
Arquitectos:
Kohn Pedersen Fox Associates, Irie

Miyake Architects and Engineers
Arquitectos Asociados:
Shanghai Modern Architectural,

Design Company, ECADI
El edificio es el quinto más alto del mundo, el primero de la República Popular China, y
ha recibido numerosos premios internacionales por su diseño.
Seguirá siendo hasta 2014, cuando se termine el Shanghái Center y el Sky City, que
será el rascacielos y la estructura más alta del mundo.
La excavación de la base del edificio inició en 1997, pero debido a una crisis
económica en 1997 y 1998, su construcción fue paralizada hasta finales del 2003
cuando se reinició su construcción. Ocupa 377.300 m². Tiene 101 pisos, 33 escaleras
y 31 ascensores.
El 14 de septiembre de 2007, la torre llegó a su tope estructural, los 492 m de altura,

esto fue anunciado en una gran ceremonia. La fachada de vidrio fue finalizada en junio
del 2008.
El 28 de agosto de 2008, fue oficialmente abierto. El 30 de agosto de 2008 el piso de
observación quedó abierto también, con tres niveles.
TORRE JIM MAO -

SHANGAI
Tiene 421 metros de altura,

contando con 88 metros de
altura. Estas cualidades la
convierten en el observador
más grande y alto de China,
este edificio se completó en
1998.

Vista general del world trade center de Shangai, donde se observan otras muestras
arquitectónicas de dicha ciudad.

TORRE SWISS RE
(EL PEPINILLO)
El edificio situado en el 30 St Mary Axe de la city, el

corazón financiero de Londres, es un rascacielos de 40
plantas. Anteriormente era conocido como Edificio Swiss
Re, en referencia a su anterior propietario, la compañía
reaseguradora suiza Schweizer Rück; también es conocido
popularmente como "el pepinillo". Tiene 180 metros de
altura, lo que le sitúa como el segundo edificio más alto de
la city de Londres, después de la Torre 42, y el sexto más
alto del área metropolitana de Londres.
El edificio fue diseñado por Norman Foster, su antiguo

socio Ken Shuttleworth y por ingenieros de Arup. Fue
construido por la empresa sueca Skanska entre 2001 y
2003. Se inauguró oficialmente el 25 de mayo de 2004.
AUDITORIO DE TENERIFE "ADÁN MARTÍN"
Es obra del arquitecto Santiago Calatrava Valls. Se ubica en la Avenida de La

Constitución de la capital canaria, Santa Cruz de Tenerife (Islas Canarias, España), y
al lado del Océano Atlántico en la parte sur del Puerto de Santa Cruz de Tenerife. Su
construcción comenzó en 1997 y finalizó en 2003.

ESTADIO NACIONAL DE PEKÍN
Llamado "Nido de pájaro". China, 2008. Obra de los los arquitectos suizos Jacques
Herzog y Pierre de Meuron.
Es comúnmente conocido
como nido de pájaro, debido a
la red de acero de su exterior.
Está cubierto por una
membrana transparente. El
estadio tiene 330 metros de
largo, 220 m de ancho y 69 m
de altura. Está equipado con
un sistema de energía solar y
de recogida de agua de lluvia
para su riego y limpieza.
Acogió las ceremonias de

inauguración y clausura, las
pruebas de atletismo y la final
de fútbol en los JJ. OO. de
Pekín.

IGLESIA “MARTIN LUTERO”
Hainburg , Austria 2011. Arquitectos: Coop Himmelb(l)au
DUBAI
BURJ AL ARAB
Es un hotel de lujo con una altura de 321 metros, siendo el cuarto hotel más alto de
todo el mundo. Está situado en el mar, sobre una isla artificial localizada a 270 metros
de la playa en el Golfo Pérsico, la cual está conectada a tierra firme mediante una
carretera.
La construcción del edificio se inició en 1994 y se inauguró oficialmente el 1 de
diciembre de 1999. Su forma está inspirada en una embarcación a vela y está
localizado en un área específica con el objetivo de que su sombra no cubra la playa

La decoración interior del edificio estuvo a cargo de la diseñadora china Khuan Chew.
Las instrucciones que el Jeque de Dubái le dio a Chew para el diseño de las suites y el
atrio eran impactar e innovar. Khuan y su equipo utilizaron grandes cantidades de
mármol, terciopelo y hojillas de oro para adornarlo.
Interiores del Burj Al Arab: Hall, restaurant y dormitorio

ATLANTIS THE PALM
Atlantis, The Palm es un complejo situado en Dubái recuperada isla artificial 's The
Palm . Fue la primera estación que se construirá en la isla y se basa en el mito de la
Atlántida incluye elementos árabes distintos. El complejo abrió sus puertas el 24 de
septiembre de 2008
Se considerael hotel más lujoso del mundo, está formado por dos torres de color rosáceo unidas por un puente que
acoge una suite, que por noche cuesta 35.000 dólares. En total tiene 1.539 habitaciones y ha costado 1.188 millones
de euros.

Las Islas Palm o Palm Island, son un grupo de tres islas artificiales actualmente en
construcción, las cuales están entre las más grandes del mundo en su tipo. Sobre
estas islas, se construirá infraestructura de tipo comercial y residencial, pues se
espera que se conviertan en un destino turístico. Se encuentran en la costa de la
ciudad de Dubái, en los Emiratos Árabes Unidos. El proyecto aumentará en unos 520
km la superficie de playas de Dubái y la lleva a cabo la empresa Nakheel Properties, la
cual a su vez, encomendó su construcción y desarrollo a la compañía belga Jan de Nul
y holandesa Van Oord.

5.2.3 Proyectos Arquitectónicos, Diseño y Mobiliario para el Siglo XXI
PROYECTO NO MAN’S LAND
El estudio de arquitectura Phu Hoang Office En medio de esa crisis ecológica ha

pensado en un centro compuesto por un conjunto de islas artificiales que ofrecería
comodidades para el turismo y podría generar energías renovables además de
conseguir agua limpia de la atmósfera a partir de una tecnología que podría
extraer moléculas de agua de la humedad del aire por encima del nivel del mar.
BLOOMFRAME
Consiste en una plataforma que se

desplaza al abrir vuestro ventanal y os
otorga un pequeño balcón en cuestión
de minutos.
Se trata de un producto diseñado por el
estudio de arquitectura holandés
Hofman Dujardin y ha sido el ganador
del certamen Red Dot Design 2008,
organizado por el prestigioso Design
Zentrum Nordrhein Westfalen en
Essen, Alemania.

BEDOUIN BEDROOM
Este producto suma tecnología para el bienestar y el relax del usuario que logrará
operar distintas funciones de su habitación a través de diversos controles: Así, la
iluminación a través de LEDs, la configuración de flujo de aire y el sistema de música
contribuyen al confort del usuario.
SONIC BED
SONIC BED es un
producto vibrante en
sonido y que solo
requiere 220 voltios de
suministro eléctrico. Su
debut fue en Londres,
donde fue presentada
como una pieza de arte
en una feria de
exposición en el año
2005 (Her Noise 2005) y
desde entonces ha
recorrido el mundo, sin
embargo muy pronto
promete estar en las
tiendas.

PHILIPE STARK
Rediseño hotel Palazzina Grassi (Venezia, Italia. Año 2010). Empleo de muebles
transparentes utilizando materiales como el vidrio, cromo y espejos.
Otros Diseños:
Arriba Escritorio Baobad, 2005 y a la izquierda Silla Gosth participando

en diseño de interiores, 2002

MARIO BELLINI
Mueble para televisor, 2006.
Cama Grand piano, 2007.

Resumen
 La tendencia general en la arquitectura a finales del siglo XX es continuar
preservando los principios estéticos modernos, caracterizada por la austeridad en
las formas y el uso del espacio, además de poner cada vez mayor énfasis en la
altura de las construcciones.
 En América Latina la corriente de ―El brutalismo‖ va a ser bastante aceptada. en

las últimas décadas del S XX Esta corriente se caracteriza porque que en la
superficie de las paredes permanecen las texturas originales del material de
construcción
 El diseño de interiores y de muebles seguirá también en la línea de los postulados

de la modernidad a finales del siglo XX.
 Frente a las propuestas de carácter masivo que se presentaban a finales del siglo
XX y las inadecuadas condiciones que estas presentan, surgieron propuestas de
autoconstrucción que van desde espontáneos asentamientos de las clases más
humildes en las grandes urbes (fenómeno conocido como chabolismo hasta
propuestas de corte ecológico tanto arquitectónicas como de mobiliario.
 La tecnología digital está presente en los procesos de diseño, constituyendo un

valioso aporte para la arquitectura y el diseño industrial, para las distintas etapas
de este proceso tenemos diferentes programas.
 A pesar de tener en cuenta el estilo y los materiales de la arquitectura moderna, la

arquitectura del siglo XXI se abre a nuevas posibilidades de forma y composición,
así como un riesgo mayor en lo que concierne con materiales, iluminación,
temperatura y aprovechamiento de recursos naturales.
 Buena parte de la arquitectura del siglo XXI recoge modos de producción, formas y
procedimientos ancestrales tanto en su diseño como en la forma que interactúa
con el ambiente.
 Muchos productos mobiliarios de hoy en día presentan acoplamientos digitales que

contribuyen a la comodidad del usuario.

Bibliografía
MICHAEL TAMBINI.
1999 The Look of the Century. Dorling Kindersley.
BILL RISEBERO
1986 La Arquitectura y el Diseño Moderno. Hermann Blume
PHYLLIS BENNET OATES
1984 Historia Dibujada del Mueble Occidental. Hermann Blume
Glosario
World trade center Centro Mundial de Comercio. Complejo urbanístico de las

grandes urbes en el que se reúnen locales comerciales y
financieros de diferentes procedencias.
Torre Torre es un edificio de mucha más altura que superficie. Sus
funciones pueden ser diferentes, pero históricamente han sido
militares y religiosas, además de estéticas
Brutalismo El brutalismo es un estilo arquitectónico que surgió del
Movimiento Moderno y que tuvo su auge entre las décadas de
1950 y 1970. El término tiene su origen en el término francés
béton brut u "hormigón crudo‖.
Chabolismo En España se denomina Chabolas (en euskera) a un tipo de
asentamiento humano marginal, poco salubre y frecuentemente
formado por personas excluidas socialmente. El chabolismo es
el movimiento concerniente al levantamiento de asentamientos
humanos de dichas características
Térmico 1. Relativo al calor o a la temperatura: energía calorífica o
térmica. / 2. Que conserva una temperatura determinada.
Celulosa La celulosa es la biomolecular orgánica más abundante ya que
forma la mayor parte de la biomasa terrestre, se encuentra en
las paredes de las células de las plantas.
Rodapié Un rodapié, también llamado zoclo, es una pieza que se coloca
en la base de los tabiques o muros de las habitaciones como
elemento estético y para protegerlos de golpes o roces.
Reciclaje El reciclaje es un proceso cuyo objetivo es convertir materiales
(desechos) en nuevos productos para prevenir el desuso de
materiales potencialmente útiles, reducir el consumo de nueva
materia prima, reducir el uso de energía, reducir la
contaminación del aire (a través de la incineración) y
contaminación del agua (a través de los vertederos) por medio
de la reducción de la necesidad de los sistemas de desechos
convencionales, así como también disminuir las emisiones de
gases de efecto invernadero en comparación con la producción
de plásticos.
CAD El diseño asistido por computadora, más conocido por sus siglas
inglesas CAD (computer-aided design), es el uso de un amplio rango de

herramientas computacionales que asisten a ingenieros, arquitectos y

diseñadores.
Baldosa Una baldosa es una losa o loseta manufacturada, fabricada en
diferentes tipos y técnicas de cerámica, así como en piedra, caucho,
corcho, vidrio, metal, plástico, etc.

Manual 2015-II 02 Historia Del Arte y Diseño Contemporáneo (DI) (1796)

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HISTORIA DEL

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

1.2 Tema 02 : Nuevos medios y soportes para la imagen 1890-1900 18

1.3 Tema 03 : La modernidad en los estilos del S. xx 1900-1910 27

1.4 Tema 04 : Influencia de las tendencias artísticas 45

2.2 Tema 06 : Bauhaus 64

2.3 Tema 07 : Constructivismo Ruso 72

2.4 Tema 08 : Movimiento Moderno 80

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

3.2 Tema 10 : Neo Prehispanismo 93

3.3 Tema 11 : Influencias Vanguardistas 99

3.4 Tema 12 : Ordenamiento en el espacio 107

3.5 tema 13 : Neo Clasicismo en el Siglo XX 110

3.6 Tema 14 : Madera y muebles en Europa 116

4.2 Tema 16 : Movimiento Neo Liberty 132

4.3 Tema 17 : Influencia del Pop Art 135

5.2 Tema 19 : Diseño en el S XXI 187

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

5.2.3 : Proyectos Arquitectónicos, Diseño y Mobiliario para el S. 204

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

El curso de Historia del Diseño Contemporáneo pertenece a la línea de Teoría del

El manual para el curso ha sido diseñado bajo la modalidad de unidades de aprendizaje,

El curso se desarrolla a través de sesiones expositivas con alta participación y análisis

Las actividades sugeridas en estas unidades de aprendizaje son realizadas en clase a

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

DISEÑO Y SOCIEDAD DE CONSUMO POSMODERNIDAD Y ECLECTICISMO

Neo Liberty Pop Art Op Art Diseño Contemporáneo

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

Una sucesión vertiginosa de grandes y pequeños eventos modificaron nuestro modo

Sin más prefacios, internémonos en la aventura de conocer la historia del diseño

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la Unidad el estudiante comprende, reconoce e investiga las

1.1 Tema 1: Nuevos medios y Soportes para la Imagen. 1890 – 1900

1.2 Tema 2: Nacimiento del cine y la Historieta (Perú) Tratamiento escenográfico

1.3 Tema 3: La Modernidad en los Estilos del S. XX. 1900 – 1910

1.4 Tema 4: Influencia de las tendencias artísticas

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

 Los alumnos aplican en diseños de maquetas o diseño mobiliario los contenidos

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

1.1 NUEVOS MEDIOS

1.1.1 ARTS AND KRAFTS (MOVIMIENTO ARTES Y OFICIOS)

El movimiento Arts and Krafts (literalmente, Artes y oficios) fue un movimiento

Estilos Victoriano en ilustración de la izquierda e Industrial en

Principios del Arts and Krafts

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

Muebles y papel tapiz de estilo Arts and Krafs

Principales Representantes del Arts and Krafts

Talleres de la Morris & Company

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

DISEÑOS DE WILLIAMS MORRIS

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

Libros publicados, tipografía y colofón de la

CARRERAS DE DISEÑO CIBERTEC

Diseño de puerta, el superior basado en los arcos

CIBERTEC CARRERAS DE DISEÑO

Influencia contemporánea del Arts and Krafts

Diseños actuales con influencia Arts and Krafts: Vitral y

1.2 NUEVOS MEDIOS Y SOPORTES PARA LA IMAGEN 1890-

El cine se desarrolló desde el punto de vista

En 1877 el fotógrafo angloestadounidense Edward

El Zootropo, Taumatropo fueron algunos de los tantos juguetes desarrollados previos