Características del Futurismo

junio 19, 2008 at 10:03 am (Movimientos y Vanguardias)

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Por Carolina Costas

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la

velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y
lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado
y el academicismo

Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes

composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción y
desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las
posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza,
intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la
figura (Simultaneismo).

Particularidades:
– Exaltación de la originalidad.
– Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
– Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y
dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
– Utilización de formas y colores para generar ritmos.
– Colores resplandecientes
– Transparencias
– Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio
o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

Los futuristas apelaron a muchos medios expresivos para crear un arte de acción (pintura,
arquitectura, urbanismo, diseño gráfico, publicidad, moda, cine, música, poesía).

Los artistas plásticos pintarán la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en
movimiento, etc. Por ejemplo las obras de Gino Severino: el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin
(1912) y el Tren suburbano (1915). En literatura, el Futurismo, no respetará reglas y buscará
denotar energía y libertad. También su contenido apuntará al valor, la audacia y la revolución.
El llamado teatro será llamado sintético y consistirá en obras cortas de no más de diez minutos
donde las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa y donde no hay presencias humanas
completas sino partes del cuerpo (por ejemplo sólo los pies de los actores, cuyas figuras se
adivinan por metonimia). En la fotografía el movimiento se captará con la permanencia del
diafragma abierto generando imágenes movidas como las de los hermanos Bragaglia.

Temas relacionados: Futurismo

 Bibliografía:
Enciclopedia de la Literatura Garzanti.
http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo
http://www.arteespana.com/futurismo.htm
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/estilos/53.htm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/f
uturismo.php
http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd99/ed99-0055-01/futurismo.html

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Expresionismo
El expresionismo fue un movimiento artístico y cultural surgido en la
Alemania del siglo XX y que se manifestó en una gran variedad de disciplinas:
las artes plásticas, la literatura, el cine, la música, el teatro, la danza y la
fotografía, entre otras.

Opuesto al impresionismo realista y al naturalismo con sus pretensiones

deterministas y racionalistas, el expresionismo defendió una postura más
intuitiva y subjetiva del arte, en la que tuviese un rol protagónico la interioridad
del artista. Por ello se entiende el expresionismo más como una actitud ante el
arte y la vida que una tendencia artística homogénea.

De hecho, numerosos creadores de diversos estilos, intereses y tendencias se

congregaron en el expresionismo, lo cual hizo de él un movimiento heterogéneo
y sin demasiadas características propias reconocibles.

Características del expresionismo

Índice
 1. Definición
 2. Contexto histórico
 3. Estilo
 4. Pintura
 5. Arquitectura
 6. Escultura
 7. Literatura
 8. Música
 9. Otras artes
 10. Representantes del expresionismo
 1. Definición
El expresionismo suele entenderse como la deformación de lo real para
reflejar el contenido subjetivo del ser humano, es decir: en vez de copiar lo real
fielmente, como proponía el realismo, o de copiar un vistazo del mismo (una
“impresión”) como el impresionismo, los expresionistas preferían moldear la
realidad hasta hacerla reflejar aquello que se encontraba dentro de ellos:
obtener una “expresión” de su subjetividad.

2. Contexto histórico
El expresionismo surge durante los primeros años del siglo XX, antes de
la Primera Guerra Mundial y en medio de las llamadas “Vanguardias históricas”.

En esta época se gestaba el rechazo a la filosofía positivista, una doctrina de

pensamiento racionalista que deposita su fe en el progreso y el avance
científicos como conductores de la sociedad, lo cual se tradujo en una
atmósfera de pesimismo, crítica y pérdida de valores humanos, que el
expresionismo supo bien reflejar.

Esta atmósfera sólo empeoraría luego de la Primera Guerra Mundial y el

expresionismo ampliaría sus horizontes al cine y el teatro, convirtiéndose en un
movimiento bastante central en el imaginario de la época. Esto duraría hasta
la Segunda Guerra Mundial, pues sería catalogado por los nazis como “arte
degenerado” y vinculado al comunismo; aunque resurgiría brevemente en los
Estados Unidos como expresionismo abstracto.

3. Estilo
Si bien en el expresionismo se dieron cita numerosos artistas de estéticas
distintas, siempre predominó en el movimiento la preocupación por el contenido
subjetivo de la obra por encima de la armonía y el parecido con la realidad de
sus formas. La importancia se concedía a la visión “interior” del artista y no a la
imitación de la vida cotidiana.

Esto en algunos casos podía producir arte más figurativo o más abstracto,
conforme a los intereses y estilos del artista, e incluso en formas artísticas
como la literatura o la arquitectura, implicaron una verdadera renovación
artística que tendió hacia lo abstracto y lo reflexivo.

4. Pintura
El ámbito de nacimiento y el más destacado del expresionismo fue la pintura.
Sus inicios se dieron entre dos grupos de artistas alemanes: Die Brücke (“El
puente”) y Der Blaue Reiter (“El jinete azul”). Ya entonces se perfilaban el
color, el dinamismo y las sensaciones como los grandes recursos de esta
tendencia pictórica.
Los pintores expresionistas fueron muy activos y diversos, hicieron abundantes
exposiciones y tuvieron notoria presencia en las principales ciudades alemanas.
Esta tendencia luego se expandiría a otros países como Francia (con la Escuela
de París), Bélgica (sobre todo en torno a la revista Selection), Checoeslovaquia,
Suiza, Finlandia, Hungría, Polonia, Suecia y, en el continente americano,
Estados Unidos, Argentina, Colombia, México, Ecuador y Brasil.

5. Arquitectura
La arquitectura expresionista se cultivó particularmente en Alemania,
Dinamarca, Holanda, Bélgica, Austria y Checoeslovaquia, fuertemente
influenciada por el modernismo y por la crítica al funcionalismo, al cual acusó
Paul Scheerbart en su ensayo Arquitectura de cristal (1914) de carecer de
artisticidad.

Esta tendencia aprovechó la fabricación masiva de la época de distintos

materiales de construcción como ladrillos, aceros y vidrios, para ampliar sus
posibilidades y experimentar con perspectivas utópicas y formas más osadas, a
menudo incursionando en ciertos excesos estilísticos.

6. Escultura
En el expresionismo, la escultura consistió en una ruptura individual de las
formas tradicionales de esculpir, más que en una tendencia uniforme. Hacia
1920 ésta derivó más que nada en el abstraccionismo, en pos de una liberación
de las formas que brindara plenitud a la expresión artística.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/expresionismo/#ixzz4yH4PEKGu

10. Representantes del expresionismo

Un breve listado de los principales autores y artistas del expresionismo incluye
a:

 Pintura: Otto Mueller, Georges Rouault, Paul Klee, Vasili Kandinski,

Amedeo Modigliani, Marc Chagall, José Clemente Orozco, Diego Rivera,
David Alfaro Siqueiros, Piet Mondrian, Hans Arp, Max Ernst, Karl Hofer,
Franz Marc, Egon Schiele, Oswaldo Guayasamín, entre muchos otros.
 Arquitectura: Bruno Taut, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans
Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.
  Escultura: Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Käthe Kollwitz, Bernhard
Hoetger, Renée Sintenis, Jacob Epstein y Antoine Bourdelle.
 Literatura: Franz Kafka, Thomas Mann, Alfred Döblin, Gottfried Benn,
Ramón María del Valle-Inclán, Camilo José Cela, Georg Trakl, August
Stramm, Bertolt Brecht, Max Reinhardt, entre otros.
 Música: Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton von Webern, Kurt Weill.
 Cine: Robert Wiene, Paul Wagener, Fritz Lang, Ewald André Dupont,
Robert Siodmak, entre otros.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/expresionismo/#ixzz4yH4XA8Zc

SURREALIMSO

El Surrealismo es un movimiento artístico y literario que surgió en París en

1924, con la publicación del “Manifiesto Surrealista“, de André Breton.
Es un cambio radical en la concepción del papel del arte y del trabajo del
artista. Surgió a partir del dadaísmo. El Surrealismo termina en 1940.
Apollinaire dijo: “los autores han conseguido una alianza entre la pintura y la
danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más
amplio aún por venir. (…) Esta nueva alianza (…) ha dado lugar, en Parade a
una especie de surrealismo , que considero que es el punto de partida para
toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo
sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar
que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la
alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas
lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial”.
El surrealismo pretende ser una revolución integral. Para los surrealistas hay
que conquistar una verdadera vida para acceder a una realidad mayor, que se
haya en nuestra conciencia.
CARACTERÍSTICAS DEL SURREALISMO:
1. Animación de lo inanimado.
2. Evocación del caos.
3. La fuente de inspiración es al pensamiento oculto y prohibido.
4. El sexo es tratado de forma impúdica.
5. Los surrealistas prefiren los títulos largos.
6. Los temas reflejan realidades oníricas (como las de los sueños).
7. Liberación de los impulsos reprimidos en el subconsciente, liberación de la
esclavitud de las normas morales, etc
8. Uso de la escritura automática. La escritura automática quiere romper con
la censura que hay en el inconsciente.
España es posiblemente el país europeo en que la repercusión del Surrealismo
fue mayor. Su huella es infinitamente más fuerte y más fecunda que la de otras
vanguardias.
La difusión del Surrealismo en España debe mucho al poeta Juan Larrea.
Nacido en Bilbao en 1985, su obra se inicia en el Ultraísmo y el Creacionismo,
pero ya, en 1924, conoce a los surrealistas en París, donde vivirá hasta
1926. Escribe entonces en francés, aunque sus versos son traducidos al español
por Gerardo Diego, y sus poemas responden al Surrealismo más puro.
A Larrea, según Luis Cernuda, debe atribuirse la orientación surrealista de
varios de los poetas de ” la generación del 27“. Lo cierto es que casi todos los
componentes del grupo (en cierto momento de su evolución) quedaron
fuertemente marcados por el Surrealismo. A su influjo se deben libros
fundamentales :
Sobre los ángeles de Rafael Alberti, Poeta en Nueva York de F. García
Lorca, y buena parte de la obra de Vicente Aleixandre.
TEXTOS SURREALISTAS:
1. Primer manifiesto del surrealismo
2. El ángel superviviente. Rafael Alberti
3. La aurora. Federico García Lorca
4. Para unos vivir. Luis Cernuda
PINTURA SURREALISTA:
1. La obra nace del automatismo puro: forma de expresión en la que
la mente no ejerce ningún tipo de control.
2. Formas abstractas o figurativas.
3. Se interesaron por el arte de los pueblos primitivos, el de los niños
y el de los dementes.
4. Los cuadro reflejan el inconsciente del autor.
AUTORES MÁS IMPORTANTES:
1. ANDRÉ BRETON: fue un poeta y crítico francés, líder del movimiento
2. Surrealista. Nació en Tinchebray el 19 de Febrero de 1896 y murió en
París el 28 de Septiembre de 1966.
-Su ensayo más importante es el Manifiesto surrealista (1924, 1930 y 1946).
– Su poesía fue recopilada en Poemas (1948).
2. SALVADOR DALÍ: Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació el 1904 y
murió en 1989. Fue un pintor español considerado como uno de los mayores
representantes del surrealismo. Tenía una gran admiración por el arte
renacentista. Es un artista muy imaginativo, por eso tuvo la capacidad de
realizar obras impactantes y oníricas.
Una de sus obras más importantes es La persistencia de la memoria, realizada
en 1931.

Dalí proclamaba su «amor por todo lo que es dorado, pasión por el lujo y amor
por la moda oriental, por todo lo que resulta excesivo»
 Características del Surrealismo
 El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó
invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
 Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está
detrás del mundo real.
 Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos.
Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que
permanecía oculto.
 El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
 Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales
imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
 La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese
conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
 El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de
manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos
de la sociedad.
 Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon
abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.
 Artistas del surrealismo

Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de
artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como
surrealistas. Son:

Pintores surrealistas
El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también
pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte,
Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta,
Yves Tanguy y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los
que están.
El arte abstracto es más fácil de entender y apreciar cuando se sabe qué es más
allá de una escueta definición superficial, cuáles son sus características y su historia:
origen, desarrollo e importancia.

Qué es abstracto

La abstracción es el acto y el resultado de abstraer (del latín abstrahĕre: extraer, resumir

lo más sustancial). El adjetivo abstracto califica lo que no se puede percibir
directamente a través de los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se aleja del
aspecto exterior de una realidad.

Es decir, algunos de los sinónimos de abstracto son: indefinido, general o conceptual. Y

algunos de sus antónimos: definido, particular o figurativo.

Qué es arte abstracto

La abstracción en el arte es un lenguaje visual independiente de la representación del

natural cuya expresividad reside en el valor y organización de sus elementos. Por lo
tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo que se aplica a
varias disciplinas artísticas.

Características del arte abstracto

 Se aleja de la mímesis de la apariencia externa. La obra de arte abstracta existe

independientemente de la realidad.
 El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro no
existen rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial
conserva partes del referente a la vez modifica otras.
 Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su
organización.

 También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su

aspecto técnico.
 El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.

Origen del arte abstracto

La abstracción no es un invento del arte moderno occidental. Hay una infinidad de

muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde el origen del arte en la
prehistoria y otras culturas llevan siglos practicando y admirando artes visuales
abstractas como la caligrafía.

¿Entonces por qué se considera un punto de inflexión la aparición de la pintura abstracta

pura a principios del siglo XX?

Volviendo al arte occidental, desde el Renacimiento en adelante la preocupación por

recrear la ilusión de la realidad tangible domina artes visuales como la pintura o la
escultura. No será hasta la llegada del Impresionismo que los pintores inviertan las
prioridades en la representación y den una mayor importancia al procedimiento
pictórico que los aleja de las apariencias externas de la realidad.

La abstracción se va abriendo camino a medida que el arte figurativo entra en crisis con
las mejoras en el joven campo de la fotografía y la difusión de este nuevo procedimiento
para captar la realidad. Los movimientos de vanguardia del siglo XX, como el
expresionismo o el cubismo, reaccionan contra el realismo explorando distintas maneras
en que pueden manipular los elementos de una obra independientemente de la realidad.

Se considera que el arte abstracto puro nace en 1910 en Munich de la mano del artista
ruso Wasily Kandinsky quien expone las primeras ideas sobre el arte abstracto en “De
lo espiritual en el arte”.

Varias teorías contemporáneas y posteriores han intentado explicar por qué surge la
abstracción pura:

 El deseo de alejamiento de la realidad por motivos tan diversos como que ella
estaba dicho todo lo que había que decir sobre la representación de la realidad,
como consecuencia del deseo de evasión de la crisis y el desorden social del
momento o como manifestación de la perplejidad e impotencia del artista en
contexto histórico dado.
 El ansia de representación de lo absoluto. Una vuelta a la esencia del arte con
elementos más limitados y constantes que los que se pueden encontrar en la
realidad, la creencia de que el arte no se podrá identificar con otra realidad que
no sea el propio arte o el anhelo utópico de crear y comunicar a través de un
lenguaje visual universal.

El expresionismo abstracto surge en el año 1940 en Estado Unidos, se

caracteriza por ser un movimiento de pintura contemporánea abstracta, esta
no acepta la copia fiel de las formas, se remite simplemente a la imaginación del
artista.

Características del expresionismo abstracto

Este movimiento se caracteriza principalmente porque no aceptan las formas, lo
opuesto al arte abstracto es lo figurativo, a su vez estas pinturas eran plasmadas en
lienzos grandes y eran pintados al óleo. Los colores utilizados eran el negro o el
blanco combinados con los colores primarios como el amarillo, el azul y el rojo.
Estas pinturas tenían una profundidad en cuanto a que no tenían un límite dentro del
cuadro del lienzo, la pintura era un todo dentro del mismo, se dicen que los cuadros
de esta época reflejaban el período que estaba viviendo la sociedad. Los colores
opacos y los trazos fuertes querían significar la angustia y la crisis que sentían las
personas debido al momento que estaban atravesando, ya que este movimiento surge
después del crack de 1929 y se extiende después de la Segunda Guerra Mundial

Autores destacados
Según Wikipedia, en la época de los años 30, hubo dos agencias que fomentaron el
expresionismo abstracto, el FAP (Federal Arts Proyect) y la WPA (Works Progress
Administration), estos lugares dieron origen a pintores abstractos. Existieron
también museos y galerías de arte que promovieron la exposición de cuadros
expresionistas, como por ejemplo las obras de Jackson Pollock o Mark Rothko,
ambos expusieron en la galería de arte de la coleccionista Peggy Guggenheim, quien
en 1942 fundó su galería de arte llamada Arts of this Century, la misma duró hasta
el año 1946. Las figuras abstractas, tomaron gran influencia a comienzos del siglo
XX y se fue extendiendo gracias a la llegada de inmigrantes debido al estallido de la
Segunda Guerra Mundial, se desarrolló principalmente en Estados Unidos durante
veinte años y luego se divulgó por Europa, Japón y América del Sur.

Action Painting

"Action Painting" significa en español “Pintura de Acción” y es una

corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios
miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto, El
primero en usarlo fue Jakson Pollock y el término fué acuñado por el
crítico norteamericano Harold Rosenberg para designar la técnica pictórica
gestual de Pollock.

CARACTERÍSTICAS

- Ausencia de toda relación con lo objetivo.

- Rechazo de todo convencionalismo estético.
- Expresión libre y subjetiva del inconsciente.
- Ejecución totalmente expontánea.
- Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso
operativo.
- Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar
más que el contenido.
- Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y
dinamismo.
- Empleo de manchas y líneas con ritmo.
Los principales representantes de este arte son:

Hans Hofmann

Cataclysm

Robert Motherwell

Je t'aime

Franz Kline

Black Reflections

Willem de Kooning (que fue el único que esbozó figuras)

Untitled I

y el mayor representante de todos: Jackson Pollock

Informalismo europeo
Lucio Fontana
El informalismo europeo aparece a finales de la
década de los cuarenta como consecuencia de la
crisis espiritual que sufre Europa tras la II Guerra
Mundial. Los artistas europeos prima la inspiración
espontánea, absoluta e instantánea.El informalismo
es la corriente paralela al expresionismo abstracto.
Es un termino aplicado por el crítico Michel Tapié a
la exposición Significados de lo informal, que tuvo
lugar en parís en 1951.

Características
 No hay uniformidad de estilo, pero todos los
pintores abogan por la destrucción de la forma.
 Multiplicidad del quehacer artístico: casi todos
los autores son, además de pintores escultores.
 Se intentó y procuró que la forma trazada sobre
la tela fuera el producto de una acción del pintor lo
más rápida e intuitiva posible.
 El artista ya no pinta, al menos en el sentido
tradicional del termino, sino que rasga, araña, amasa
y pega.
 El término informalismo hace referencia al
rechazo de toda norma formativa.

El Informalismo es un término complejo y un tanto

ambiguo que sirve para designar obras de aspectos
muy diversos que cabría agrupar en distintas
tendencias o modalidades.

Espacialismo

La modalidad informalista que más importancia tuvo

en Italia fue el Espacialismo.En 1947, Lucio Fontana
redacta el manifiesto Espacial, en el que se propugna
la necesidad de un arte nuevo con distintas
posibilidades de expresión.

Informalismo matérico

 Caracteristicas
o Gran preocupación por el aspecto físico y
técnico.
o Creación de efectos matéricos y de forma
muy expresivos, mediante estratificación de colores
mezclados con materias diversas como arena, serrín,
yeso, vidrios rotos.
o Utilización de técnicas destructivas:
perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del
lienzo y de las arpilleras.
o La obra se organiza con oposiciones de
materia y no materia.
o Ausencia de perspectiva y de forma
CONTEXTO Y CARACTERÍSTICAS:
INFORMALISMO
Mejor conocido como el “Informalismo”, el Arte Informal es un movimiento artístico
nacido en Europa a finales de los años 40. El lenguaje base del arte Informalista viene
del lenguaje abstracto, por lo que debe entenderse como una expresión ampliada del arte
abstracto. Tras la guerra, Europa se ve en una crisis existencial, donde, a través del arte,
busca representar en otro nivel la expresión, presencia y personalidad de los artistas de
este movimiento. Los artistas lo logran con las nuevas técnicas y nuevos materiales
empleados, así como por medio de una exaltación del azar y la improvisación, el
rechazo de la construcción premeditada y una base ideológica fuertemente vinculada
con el existencialismo y nihilismo.

Descripción de la corriente:
El Arte Informal adopta un gusto por el uso del collage, el azar y lo fortuito de los
Dadaístas, con el propósito de encontrar los aires expresionistas y la importancia del
“automatismo psíquico” del surrealismo. Como muchas de las tendencias de la
posguerra, profundiza en lo irracional y buscaba desvincularse de todo el arte anterior,
de lo convencional y filosofía tradicionalista. El Informalismo buscaba posturas nuevas
y revolucionarias.

Principales exponentes:
 Jean Fautrier
 Georges Mathieu
 Jean-Paul Riopelle
 Iaroslav Serpan
 Marcel Michaux
 Jean Dubuffet
Expresionismo Abstracto y el
informalismo Europeo

A causa de la guerra, los grandes centros artísticos europeos se trasladan a

Estados Unidos, donde los grandes magnates de la industria se van a convertir
en mecenas del arte y a formar una sociedad moderna sin tradiciones que la
obstaculicen. Van a dirigir la cultura como los grandes negocios, fundan
Universidades, museos, fundaciones,… La influencia europea se va a dejar
sentir gracias a la emigración debida a la guerra.
En Nueva York va a surgir, merced la influencia de dos inmigrantes: Arshile
Gorki y William de Kooning, la corriente denominada expresionismo
abstracto, conocido también como Escuela de Nueva York, que dominó
durante la década de los 50.
Los artistas del expresionismo abstracto se sirvieron de la pintura para liberar
emociones y estados de ánimo, normalmente extremos: rabia, angustia,
crispación,…, a menudo en grandes formatos. Dentro del movimiento, pueden
distinguirse dos corrientes:
*Action Painting. Pintura de acción, más gestual y expresiva.
*Color Field Painting. Pintura de superficies de color que, algunos, consideran
un estilo independiente.
En torno a 1945, un conjunto de pintores surgidos en Europa y EE.UU.
protagonizaron, con su diversidad expresiva, una etapa crucial de la
modernidad plástica que engloba un amplio espectro de experiencias
abstractas que se dio en llamar Informalismo o arte informal.
En Europa, al amparo de la filosofía existencialista y aún bajo los traumáticos
efectos de la Segunda Guerra Mundial, los artistas vuelven a la pintura, en la
que el mestizaje expresivo y la síntesis prevalecen sobre las claves de utopía y
experimentación que marcaron las vanguardias anteriores. La pintura
informalista rompe con los últimos reductos del humanismo clásico y sus
principios pictóricos más significativos: la forma, la armonía tonal, el
equilibrio, las proporciones, la composición unitaria y la estructuración
centralizada. Mientras tanto, en EE.UU. el arte progresa hacia un estilo de
pintura basado en el gesto y en la expresión, que se ha descrito generalmente
como Expresionismo Abstracto. Dentro de este movimiento se inscribe la
pintura de acción, llamada así porque combina las cualidades expresivas
heredadas del heroísmo subjetivo de los expresionistas con la técnica
surrealista de la escritura automática, siendo Willem de Kooning uno de sus
máximos representantes.
Otros miembros del Expresionismo Abstracto empleaban amplios planos de
color para evocar determinados estados espirituales. Para estos pintores de
campos de color, o pintores del “silencio”, como Mark Rothko, el mensaje es
consecuencia de una actividad meditativa, de un intenso lirismo y
espiritualidad.

JACKSON POLLOCK
De la primera de las corrientes, la figura más representativa es Jason Pollock
(1922 – 1956). Formado en la Escuela de Artes de Los Ángeles, se trasladó a
Nueva York donde estudió con Benton. Muy influenciado por los
europeos: Cezanne, Picasso, Kandinsky, es conocedor de la obra de los
muralistas americanos como Rivera. En su primera etapa realiza algunas obras
de gran formato para el New Deal de Roosevelt. Desde 1940 compone
grandes lienzos en forma continua, con gran rapidez. El tema siempre es
abstracto, el interés fundamental es la pintura en sí misma. Su técnica llega a
salpicar sobre un lienzo blanco en el suelo “chorros” de pintura cuyo resultado
final supone la ruptura con todo tipo de proyecto inicial y los esquemas
tradicionales. Cada color desarrolla su propio ritmo y lleva a la máxima
intensidad su tono singular. El cuadro es como un conjunto de cuadros
pintados en el mismo lienzo cuyos temas se entrelazan de forma vigorosa.

POP ART, MOVIMIENTO

ARTÍSTICO DEL SIGLO XX
El Pop Art, un término que todos, en alguna ocasión, hemos mencionado
pero, ¿qué sabemos realmente de él? Os mostramos algunas de las
características más importantes de este movimiento artístico, iniciado en la
década de los 50, que ha cosechado seguidores y éxitos, incluso en la
actualidad.

El Pop Art o Arte Pop, es un movimiento artístico nacido en el siglo XX. Su

aparición surge como una respuesta contra la corriente artística del momento,
el Expresionismo Artístico, identificado con la parte elitista de la sociedad.

Son las ciudades de Londres y de Nueva York las primeras en tener

constancia de esta nueva forma de arte popular. En la primera de ellas,
aparece hacia mediados de los años 50 y es a finales de esta época cuando
comienza a aflorar en Estados Unidos, lugar desde el que se exporta, años más
tarde, a Canadá y Europa.

Esta corriente artística de la etapa modernista realza el valor de la

cotidianeidad. De este modo, a través de imágenes y representaciones
de objetos popularesintenta retratar la realidad del momento. Un presente
que caminaba ya hacia un cambio cultural que se desarrollaría en los años
posteriores, principalmente en la década de los 60, años en los que el Pop Art
alcanza su máximo auge.

Se centra, sobre todo, en imágenes fáciles de identificar y de reconocer,

elevándolas hasta la valoración de arte, haciendo de éste algo accesible a toda
la sociedad, pues ya no se trata de un universo al que sólo podía accederse
acudiendo a los museos.
 Aunque cada país alberga unas características propias que diferencia su
corriente de Arte Pop de la de otros, lo cierto es que, de una forma o de otra,
todas están ligadas a la cultura estadounidense, ya se vista desde dentro o
desde fuera.

El Pop Art se desarrolla dentro de la cultura de masas y del marco del

capitalismo y la reproducción industrial. Lo que significa que las obras
surgidas dentro del mismo, estarían influenciadas, en cierto modo, por ambas
corrientes. Así, podría decirse que estamos frente a un arte “reproducible”,
haciendo que todo el mundo pueda acceder a él y conocerlo.

Las obras nacidas al abrigo de esta corriente, se basan, principalmente, en la

carga visual y el lenguaje figurativo. Sus artistas introducen en sus trabajos,
como hemos dicho, temas cotidianos y populares, como botellas de refresco.
Por otro lado, las imágenes del tebeo, del cine, de las revistas, de los
periódicos y, sobre todo, de la publicidad, son una gran aportación para el
desarrollo del Pop Art. Además, no hay que olvidar el tono humorístico e
irónico del que se cargan estas obras. En su elaboración encontramos todo tipo
de materiales, desde diferentes clases de pinturas como las ceras o el óleo,
hasta otros elementos como las fotografías, por ejemplo. Es muy común la
utilización de técnicas como la yuxtaposición, el collage o el foto-montaje,
seguramente influencia directa del dadaísmo. Si bien, hay que tener en cuenta
que cada autor se crea una estilo personal y seña de identidad.

Uno de los artistas pop más conocidos internacionalmente es Andy Warhol.

Sus obras llegan hasta nuestros días como iconos de una época, de una
sociedad, de una cultura y, en definitiva, de la corriente del Pop Art. Son
famosas sus latas de sopa Campbell y los retratos de Marilyn Monroe y Elvis
Presley. Warhol basaba sus creaciones en variaciones fotográficas de un
mismo tema, el centro de su obra, y entre sus técnicas destaca la impresión de
estas fotografías directamente sobre su soporte de trabajo.

Características principales y técnicas

Características:

 Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner

el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.
 Lenguaje figurativo y realista referido a las
costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.
 Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos
sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos
 sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión,
música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de
consumo.
 Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos
como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.
 Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es
figurativo y representa objetos reales, no se concentra
exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina
con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de
imágenes familiares y fácilmente reconocibles.
 Representación del carácter inexpresivo, preferentemente
frontal o repetitiva.
 Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la
composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo
planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos
(Neodadaísmo).
 Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia
y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann,
Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de
consumo (Ruscha, Hamilton).
 Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos
de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).
 Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen
esquemático.

Técnicas:

Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los

empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo
famosas en todo el mundo las latas de sopas Campbell). Robert
Rauschenberg y Roy Lichtenstein mezclaron diferentes elementos y
objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados,
convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.
Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la
realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo,
algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva
todas ellas
además de utilizar collages y fotografías,
cargadas de ironía e irreverencia frente a
una sociedad cada vez más
industrializada.
Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de
sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como
el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un
lugar destacado.

Nuevo Realismo
El Nuevo Realismo: es un movimiento artístico fundado en 1960 por el crítico de
arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein durante la primera exposición colectiva en
la galería Apollinaire de Milán. El Nuevo Realismo fue, junto con Fluxus y otros
grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia de los años
sesenta del siglo XX.
Aplicado a las corrientes de reacción contra el expresionismo abstracto, se
caracteriza por recurrir a la apropiación de imágenes triviales realistas,
representando objetos de deshecho de la sociedad, así como imágenes obtenidas
de los medios de comunicación, de la realidad urbana cotidiana, y de tecnología y la
industria.

Personajes Importantes del Nuevo Realismo:

Yves Klein (1928-1962)Pintor francés. Su prematura muerte contribuyó a

consolidar la aureola mítica que la intensidad y el carácter insólito de sus propias
actividades (acciones, pinturas, exposiciones o composiciones musicales) le habían
ya proporcionado en vida. El arte inmaterial es conocido en la obra de Yves Klein,
se encargó de ofrecer e intercambiar espacios vacíos en la ciudad de Paris a cambio
de oro. No se trataba de una venta, sino de un intercambio simbólico entre el
máximo valor material y el mínimo. Grandes obras, inspirado en el Azul:
Daniel Spoerri (1930): Escultor suizo. Instalado en Suiza en 1942, su formación
de bailarín le lleva a trabajar en la Compañía Estatal de Ópera en Berna (1954
1957), actividad que compagina con la de escritor de poesía concreta.Personaje de
grandes logros artísticos, su actividad contribuye al desarrollo del collage
tridimensional y del assemblage. Tres de sus grandes obras:
Henry Van de Velde Casa Bloemenwerf, Uccle,
Bélgica, 1895.
Henry Van de Velde

Casa Bloemenwerf, Uccle, Bélgica, 1895.

EL ARTISTA TOTAL EN BÚSQUEDA DE UN “NUEVO ESTILO”

Por: Andrés Felipe Sierra

En 1895 una agitación amenazaba con el comienzo de una movimiento artístico

que hoy conocemos como el modernismo, años antes nuevos impulsos hacia lo
genuino, primitivo y fundamental fueron síntomas que entraron en conflicto con los
modos de creación tradicionales de la época, claros indicios de nuevas tendencias
evolutivas.

Uno de los principales autores que se encargaron de liderar este proceso evolutivo
fue Henry Van de Velde (Nació el 3 Abril de 1863 en Amberes, Bélgica y murió el
15 Octubre de 1957 en suiza) cuya conciencia le impulso una misión, la de crear
un “nuevo estilo“.

Es muy notable que para Van de Velde conjunto y detalle se debían armonizar
orgánicamente, y específicamente en las artes aplicadas, por eso su misión
fuedarle génesis a la integración de las artes y artesanías como un mismo oficio,
para crear un medio digno de la naturaleza del hombre, mediante la plasmación
artística de su entorno.

Él poseía una sinceridad artística que se basaba en la intuición, pero ya que el

pensamiento guía y la intuición conduce hacia lo verdaderamente artístico y bello
tuvo que buscar la armonía entre belleza y razón y convirtió al artista en artesano y
el artesano en artista.

Van de Velde se dedicó a la pintura en su adolescencia, ingresó a la academia de

Amberes desde 1881 hasta 1883, llego a trabajar con Van Gogh y fue discípulo de
él, y en 1884 se mudó a París, viaje que fue decisivo para poner su espíritu
artístico en constante movimiento, allí trabajo con Carolus Duran, allí conoció y
compartió a grandes artistas de distintos campos como Debussy, Wilde, Monet,
Signac y Lautrec, al volver a Bruselas se unió a “Les Vingt” agrupación que con
exposiciones, conciertos y veladas artísticas difundía aquellas corrientes modernas
que Van de Velde conoció en París, en sus trabajos Para Max Elskamps anticipó la
fundamentación abstracta que apaceria más tarde con artistas como Kandisnky.

La ideología innovadora de Van de Velde se vería reflejada cuando se impulsó a

abandonar la pintura y dedicarse a las artes aplicadas o industriales, impulso que
fue incrementado por la influencia que el movimiento ingles ‘Art & Crafts’ ejerció
sobre Van de Velde, ‘Arts & Crafts’ fue un movimiento fundado por Willliam Morris
en 1880 quien luego se convertiría en el principal ídolo de Van de Velde.
“Su contacto con la ideología de John ruskin y William Morris, que encabezaban la
lucha contra todo lo que afea el hombre hace que ponga en un segundo plano la
pintura” (Entrevista a Thomas Fohr, 2013)

Ahora el principal interés de este maestro que se convertiría para la crítica de

muchos en un artista total tenia como prioridad plasmar su espíritu artístico en el
entorno físico que habitúa el hombre, como en utensilios, vestimenta, moblaje,
decoración, habitación, edificación y quizá ciudad, Para la exposición de 1893 Van
de Velde ya no envió a la exposición de ‘Les Vingt’ alguna pintura sino papel tapiz,
y predicó y dinfundió dentro de este grupo a favor de las artes decorativas,
después de esto Van de Velde nunca más se volvió a dedicar a la pintura.
En 1894 se unió en matrimonio con Maria Séthe y un año después sin ser
arquitecto especializado construyo su primera casa, la casa Bloemenwerf (Casa
Van de Velde)en Uccle (ubicada en la región capital de Bruselas), Bélgica, la cual
tuvo una notable influencia por el movimiento ‘Arts & Crafts’.

“Van de Velde en un folleto llamado “Aperçus en vue d’une Synthèse d’artes”

(Apuntes para una síntesis de las artes) consignó impetuosamente su crítica a la
pintura del presente, esbozó su visión del futuro de una nueva belleza basada en
la armonía de las artes” (Curjel Hans, 1959, Vida y obra de Van de Velde, p.13)

En la casa Bloemenwerf Van de Velde podiá poner en práctica por primera vez sus
principios. “Una concepción unitaria lo abarcaba todo: casa, mobiliario, utensilios y
hasta el vestuario de la dueña de la casa. Una elegancia depurada de toda
imitación se lograba por rfelexión lógica y desde un punto de vista funcional. la
sencillez fue el resultado y se le dio la misma intensidad al conjunto como al
detalle” (Curjel Hans, 1959, Vida y obra de Van de Velde, p.12)

“Tiene un vestíbulo de doble altura que centra todo el interior y que puede ser visto
desde corredores y salas del piso superior. Todas las habitaciones de la casa dan
a un pasillo central, con escalera y una galería en el primer piso. Van de velde
dseñó para su casa un modesto y sólido mobiliario y un papel de colgadura
sencillo y naturalista. Su intención con su primer diseños para papel de pared
parece que consiguió la integración del conjunto, tal como escribió <<los tres
colores, rojo amaranto, azul y verde se repiten en el enlucido de la pared en el gris
y verde intenso de caballete del tejado y en las tejas rojizas.>>” (Anne Massey,
1995, El diseño de interiores del siglo XX, p.39)

En los textos de ambos autores se evidencia como la casa Bloemenwerf expresa

con transparencia la ideología de Van de Velde, dejando evidente la unión entre
detalle y conjunto, armonizando belleza y razón, e integrando las artes de una
nueva manera, este hecho quizá fue la fundación simbólica del movimiento ‘Art
nouveau’ nombre que proviene de las mismas palabras de Van de Velde en sus
monografías “El estilo nuevo”

Esta casa la cual era el resultado de su intuición y convicción genuina fue el nucleo
a partir del cual Van de Velde empredió su camino, A esta casa vinieron Julius
Meier-Graefe y J. Bing en búsqueda de nuevas tendencias, abos quedaron
fascinados por la frescura y audaz claridad de los objetos que allí se produjeron.

Bing encargó para su tienda “Salon de l’art Nouveau a Van de Velde cuatro juegos
de habitaciones y en 1898 Meier-Graefe encargó a Van de Velde muebles para su
sala de exposición en “Maison Moderne” en París, en ambos casos el trabajo de
Van de Velde causó una gran controversia y tuvo el efecto de una bomba,

El trabajo de Van de Velde seguía la tradición vernácula belga, la cual ya había

sido expuesta por artistas como Victor Horta, Paula Hankar y Ernest
Blerot aunque Victor Horta influencia a artistas extranjeros como Hector
Guimard (Frances) fue Van de Velde el que hizo propagar realmente el nuevo
estilo (estilo nativo de su país) en Francia y Alemania.

El nuevo diseño de interiores belga comenzó a influenciar en Francia a medida que

los diseñadores franceses visitaban el país flamenco y los muebles que diseño
Van de Velde Para la exposición de la “Maison Moderne” se llevaron a la
exposición de arte industrial de Dresde (Alemania) a la que Van de Velde sumo un
nuevo ambiente. Se presentó la obra de Van de Velde en la revista de Julius “PAN”
que se publicaba en Alemania.

A fin de cuentas toda la controversia que causó el trabajo de Van de Velde para
ambas exposiciones “tuvo resultados positivos, luego de esto Van de Velde se
convirtió en una celebridad y se reconoció en el una personalidad aetística y
original que había logrado traducir y evolucionar la tendencia de la época, tal y
como al mismo tiempo se iba convirtiendo en una realidad, tanto en Viena como en
Munich” (Curjel Hans, 1959, Vida y obra de Van de Velde, p.13)

Luego de esto Van de Velde se mudó a Alemania donde recibió un gran número
de trabajos, juanto a la labor práctica en 1901 se preocupó por la teoría artística y
publicó:

-El renacimiento en las artes industriales modernas

-Prédica para profanos sobre las artes industriales

En 1901 se designo a Van de Velde consejero de Weimar para la reforma de las

artes industriales y en este cargo tuvo la intención de crear un taller experimental
de arte industrial “seminario de artes industrial” pero en realidad se formaron
talleres investigativos y el seminario materializó un método pedagógico surgido del
estudio elemental del trabajo.

En los siguientes años Van de Velde fue el encargador de emprender un camino

que terminaría en la fundación de la escuela Bauhaus, Velde se interesó por
Gropius y lo propuso director de la Kunstgewerbeschule de Weimar en donde Van
de velde Apoyó ante todo en talleres el plan de estudios, esta escuela de arte
industrial finalmente se transformaría en una nueva escuela: Bauhaus ( Fundada
en 1919 Por Gropius).

Antes, en 1907 “Henry Van de Velde con ayuda de Hermann Muthesius

propusieron mejorar el diseño alemán mediante la colaboración de artistas y
fabricantes” (Anne Massey, 1995, El diseño de interiores del siglo XX, p.64) y lo
intentaron mediante la fundación de la Deutscher Werkbund “organización que
jugo un papel decisivo en la época de la mecanización, en 1910 tenía mas de
seteciento miembros, aproximandamente la mitad artista y la otra mitad
industriales. En lugar de ignorar la producción en masa la Werkbund buscó la
elevación de los estándares del diseño publicando calendarios y propaganda
pública lo productos aprobados. Los diseñaodres comprometidos con la Werkbund
intentaron aplicar a los interiores la nueva estética del funcionalismo.” Anne
Massey, 1995, El diseño de interiores del siglo XX, p.65)

Van de Velde se opuso a la reforma propuesta por Muthesius de estandarizar el

diseño a un número limitado de prototipos, con el argumento de que esto acababa
con la inspiración ,creatividad individual e integridad artística, si bien Velde
apoyaba la estética modernista el promulgaba la fierza de los valores de las bellas
artes entre los miembros de la Werkbund. Van de velde fue apoyado por la
mayoría entre ellos Walter Gropius.

Luego de esto Van de Velde Se mudo a Holanda aproximadamente en 1921, “ con

gran vivacidad y con la mayor naturalidad asimilo a su creación las experiencias y
principios desarrolados por los holandeses en la posguerra, además de el trabajo
de le Corbusier y Gropius a cuya inauguración él mismo había contribuido en
forma decisiva, el arquitecto belga Victor Burgeois ne estos años señalaba la
singularidad de la figura de Van de Velde, la unidad que en él mantenían intuición
y entendimiento.

“Van de Velde aparecce como un símbolo viviente de aquello de que son capaces
la naturaleza y espiritú, cuando descansan en lo elemental y comprenden a la vez
qué es lo mudable y qué es lo permanente”
(Curjel Hans, 1959, Vida y obra de Van de Velde, p.20)

Van de Velde demostró que para el la belleza era inseparable del espíritu y de lo
humano y por tanto de la ética, van de Velde también ignoró los límites entre el
arte y la artesanía, Van de Velde convirtió en esencial su nueva manera de
integrar las artes en la arquitectura, y pensamiento y creación se fundieron en él
como una unidad, gracias a este núcleo pedagógico, van de Velde figura como
modelo entre los grandes maestros de todos los tiempos