4.- EL NACIONALISMO MUSICAL.

Hasta 1848 el panorama musical europeo ha estado en manos de unas cuantas naciones (Italia, Alemania y
Francia) que de alguna manera imponen un estilo musical común en toda Europa. A partir de ese momento,
los países de la periferia de Europa (Rusia, Checoslovaquia, Hungría, los países escandinavos, etc.) inician un
movimiento de reafirmación de la identidad nacional basado en las músicas propias de su folklore (danzas y
canciones del folklore). Este hecho acarrea una profunda renovación del lenguaje musical dadas las peculiares
características del folklore de cada uno de estos países. Entre los músicos nacionalistas podemos citar:

 Rusia: es la nación en la que con más fuerza surge el nacionalismo. RimskiKorsakov (1844-1908),
(1839-1881), y A. Borodin. Otros músicos importantes que siguen la tradición academicista son:
Tchaikovsky (1840-1893) y S. Rachmaninoff.
 Checoslovaquia: B. Smetana (1824-1884) y A. Dvorak (1841-1904).
 Hungría: destacan ZoltanKodaly y BelaBartok (1881-1945).
 Países escandinavos: destacan el finlandés Jean Sibelius (1865-1957) y Edgard Grieg (1843- 1907).
 América: George Gershwin (1898-1937).
 Otros compositores que podemos calificar de postrománticos son: Gustav Mahler (1860-1949) y Richard
Strauss (1864-1949).

El nacionalismo musical es un movimiento surgido a mitades del siglo XIX que tiene como objetivo
consolidar los códigos y valores principales de cada nación a través de la música popular o de su folclore,
intentando destacar la esencia de una región determinada.

Hace referencia a la utilización de materiales de índole nacional o regional. Incluye el uso de temas,
melodías y ritmos característicos de un territorio.

Este movimiento musical surge como una medida reaccionaria al predominio del romanticismo de la música
germana y de la ópera proveniente de Italia, las cuales ejercían un condicionamiento en la música europea
de aquel entonces.

El nacionalismo musical suele vincularse con el romanticismo musical de los siglos XIX y XX. De hecho, el
término suele utilizarse frecuentemente para describir la música de este último.

Es el modo en que las distintas naciones han encontrado para dar un estilo propio a la música, siendo ésta
una expresión del sentimiento nacionalista.

A través de ella, se expresaban los valores, las creencias y la cultura propia de cada pueblo a partir del
nacimiento de nuevos modismos basados en la música popular de cada región.

¿Cuáles son los orígenes del nacionalismo musical?

El nacionalismo, en tanto movimiento que proclamaba la libertad respecto al dominio de culturas

extranjeras, tiene su origen en el Romanticismo.

La música nacionalista surge a raíz de este movimiento teniendo como finalidad, independizarse, mediante
la unión territorial, cultural, lingüística y geográfica.

Es en la segunda mitad del siglo XIX cuando surge un movimiento musical como nueva perspectiva en torno
a la música en diferentes ciudades europeas.

Este fenómeno consiste en la incorporación en la música de diferentes generaciones musicales. Éstas eran
correspondientes a países que hasta entonces se encontraban influenciados por la música proveniente de
Italia y Alemania.

Estos países, tales como España, Francia, Hungría y Rusia, entre muchos otros, tenían su música propia pero
se habían mantenido al margen de la evolución musical hasta entonces.

Compartían el sentimiento y la necesidad de generar algo nuevo, distinto, propio, algo que tenga las
características correspondientes a sus propias raíces.
Es a lo largo del siglo XIX que Europa se alzó en un movimiento nacionalista, donde diferentes ciudades
proclamaron su emancipación, defendiendo el derecho a su autonomía.

Con la independencia de Bélgica y de Grecia, este movimiento político nacionalista se acentuó,

repercutiendo en el mundo de la música, campo que focalizó hacia la tradición, la lengua, la historia y la
cultura territorial.

En estos lugares de la periferia de Europa es donde a mediados del siglo XIX comienzan a tener éxito las
ideas nacionalistas, empezando a desprenderse del dominio musical predominante, y manifestando la
voluntad popular.

Es a raíz de los movimientos revolucionarios de origen europeo que se empezó a desarrollar el nacionalismo
de forma plena, a partir del cual cada país buscaba mostrar su propia identidad, resaltando su tradición
cultural y folclórica.

Las leyendas populares, el folclore y la melodía popular habían sido foco de atención del Romanticismo,
incluso en los países responsables del liderazgo musical de aquel entonces, por lo que esta nueva ideología
del nacionalismo musical encontró la oportunidad de practicarse más fuertemente.

Algunos países con ambición nacionalista empezaron a utilizar la música para manifestar sus ideales. De este
modo, la música empezó a utilizarse no sólo para expresar una cultura regional, sino también para
manifestaciones propias más pragmáticas que las artísticas.

El período del Romanticismo se vio enriquecido con la música nacionalista con el surgimiento del
nacionalismo musical como un movimiento esencialmente romántico, pero con destacables diferencias
respecto a otros movimientos.

El nacionalismo musical vendría a ser un caso particular del Romanticismo aplicado en determinados países.
Así, los movimientos musicales de índole nacionalista, tienen sus bases en lo artístico, pertenecientes a la
ideología romántica de entonces.

Es de este modo, como los países constituyentes del continente europeo, concientizaron sobre sus propios
valores nacionales. Se manifestaron en el afán de liberarse del predominio e influencia cultural proveniente
del extranjero y trataron de imprimir en las expresiones musicales sus propios códigos e ideales regionales.

Los músicos nacionalistas comenzaron entonces a realizar una música apoyada en los ritmos de sus danzas
populares, a utilizar instrumentos musicales nacionales típicos y a dejar su impronta nacionalista en cada
una de las canciones.

Reivindicaban con su arte la música popular inherente a sus patrias, impulsados por el interés de hacerla
conocer al resto del mundo, como algo propio, de raíces nacionales. De este modo, comenzó a utilizarse la
música para expresar los valores de una sociedad de carácter nacionalista, para impulsar las expresiones de
índole artística y musical.

Los artistas comenzaron a buscar nuevos modos de expresión que se correspondieran más con sus propios
sentimientos y a su vez, respondan a su propia cultura.

Esto despertó el sentimiento de unidad y el deseo de diferenciarse de los otros, por los cuales habían estado
reducidos. El nacionalismo musical opera como puente entre los siglos XIX y XX conviviendo con otro
movimiento musicales presentes.

¿Cuál es la función de la música en el nacionalismo?

El principal atributo de la música durante el nacionalismo, es el de poder expresar el deseo de unificación

territorial e independencia. El estilo musical intentará rendir culto al folclorismo característico de la nación.

Los músicos consideraban la necesidad de realizar adaptaciones de melodías folclóricas para que una
tendencia musical pueda ser considerada como nacionalista, siendo fundamental que se pueda transmitir el
mensaje con dicho carácter en la obra musical.
Es en aquellos países, que se habían encontrado por fuera de las grandes corrientes artísticas y culturales,
donde el nacionalismo musical va a manifestarse exponencialmente, permitiéndoles a estas naciones
manifestar sus tradiciones folclóricas al resto del mundo.

¿Cuáles son las características de la música nacionalista?

La música nacionalista tiene sus orígenes a raíz del movimiento que dio inicio al nacionalismo musical, el
cual tenía como finalidad lograr la independencia respecto al predominio de la música extranjera,
principalmente la proveniente de Alemana e Italiana.

Entre las características principales de la música nacionalista pueden destacarse la búsqueda permanente
de identidad realizada mediante la adaptación de diversas formas musicales.

La música nacionalista se convierte en una óptima forma de expresión asumida y aceptada por el resto de las
naciones. A través de ella, se recurre a las formas propias y tradicionales de cada pueblo, utilizándose
ritmos, técnicas e instrumentos autóctonos.

La voz era considerada el instrumento natural por excelencia, a la cual se la acompañaba con sonidos
generado por el propio cuerpo, como chasquidos o palmas.

Muchos de los instrumentos musicales que se utilizaban podían ser elaborados con materiales caseros con
elementos proveniente de vegetales, animales o cualquier pieza que resulte de utilidad para poder
construirlo.

También se utilizaban instrumentos de origen culto, como el violín o el acordeón, correspondientes a las
modas propias de cada época. El piano se convierte en uno de los instrumentos de predominio, pero
también se crean instrumentos como el saxofón, la celesta y el arpa de pedales.

En el romanticismo la música instrumental pasa a ser considerada la más importante entre todas las artes,
teniendo supremacía sobre la música vocal. Es la orquesta la que pasa a ser considerada el instrumento,
para el músico que la dirige.

Otra de las características de la música nacionalista radica en la constante referencia a la música folclórica
perteneciente a cada país, generando constantemente un enriquecimiento en las melodías y produciéndose
una gran variedad y riqueza melódicas.

De este modo nace la etnomusicología, con la aparición de nuevos estilos musicales y con el agregado de
elementos melódicos, rítmicos y estructurales de cada tradición local, al lenguaje musical romántico.

La música pasa a ser entonces un símbolo de identificación utilizado por los ciudadanos pertenecientes a una
nación. Las formas musicales preferidas por los músicos nacionalistas fueron el poema sinfónico, el ballet y
la ópera.
Modest Mussorgsky
Nació el 21 de marzo de 1839 en Karevo, cerca de Pskov.

Cursó estudios con profesores privados y en la Academia Militar de San Petersburgo.

A los dieciocho años se encontró con el compositor rusoAlexandr Dargomizhski, quien le introdujo en el
círculo de compositores nacionalistas rusos formado por Mili Balakirev, Alexandr Borodín, César
Cui y Nikolái Rimski-Kórsakov (grupo de los Cinco).

En 1858 dejó la carrera militar para dedicarse por completo a la música, a pesar de que a partir de 1863 se
vio obligado a trabajar como empleado administrativo para mantenerse.

Poseía una armonía, atrevida y poco ortodoxa basada en las escalas de la música folclórica rusa, que causó
influencia en otros compositores extranjeros. Sus canciones y la óperaBorís Godunovmuestran el deseo de
reproducir los ritmos y la sonoridad de la lengua rusa. Borís Godunov, gran obra completada en 1868 y
estrenada en 1874 presenta un tratamiento de los coros muy original desde el punto de vista musical y
dramático. En 1896 esta obra fue reorquestada y rearmonizada por Rimski-Kórsakov que eliminó muchos de
los aspectos armónicos y orquestales considerados hoy como los más interesantes y característicos de esta
obra.

Otras de sus obras fueron: Cuadros de una exposición (1874, orquestada en 1922 por el compositor
francés Maurice Ravel, y de la que también hay otras orquestaciones), el poema sinfónico Una noche en el
monte Pelado (1867), los ciclos de Canciones Infantiles (1872) y Cantos y danzas de la muerte (1877) además
de las óperas inacabadas La Khovanchina (completada por Rimski-Kórsakov) y La feria de
Sorochinski (completada por César Cui).

Modest Mússorgski falleció en San Petesburgo, el 28 de marzo de 1881.

Antonín Dvorák

Nació el 8 de septiembre de 1841 en Nelahozeves.

Entre 1857 y 1859 cursó estudios en la academia de órgano de Praga. Posteriormente se unió a la banda de
concierto de Komzák y formó parte de la orquesta del Teatro Nacional de Praga. Ingresó en otras orquestas y
destacó como compositor al realizar un himno de su patria (se declaró nacionalista).

En 1873 le llegó su primer éxito con el estreno de la cantata Hymnus (Los herederos de la Montaña Blanca).
En 1873 logró fama internacional gracias a la publicación de la primera colección de danzas eslavas.

Entre 1892 y 1895, fue director del National Conservatory of Music de Nueva York. En 1895 regresó
a Bohemia y en 1901 fue nombrado director del conservatorio de Praga.

Se pueden observar en sus primeras obras una gran influencia de Franz Schubert y de Beethoven y durante
toda su carrera se basó en los trabajos del compositor Richard Wagner, sobre todo en sus óperas, además
sentía especial admiración por Brahms. Sus composiciones incluyen 9 sinfonías(1865-1893), obras
para piano (entre ellas la conocida Humoresca de 1894), dos colecciones de danzas eslavas (1878 y 1886),
para dos pianos (orquestadas más tarde por el propio compositor), las
óperas Vanda (1875), Dimitri (1882), El jacobino (1887-1888), El diablo y Catalina (1888-
1889), Rusalka (1901) y Armida (1902-1903) entre otros, varios poemas sinfónicos, música de
cámara, oratorios, cantatas, misas, un concierto para piano y otro para violín. Queda, igualmente, en el
recuerdo la Octava sinfonía, que, con la última, del Nuevo Mundo suponen la cima
del sinfonismodvoraquiano.

En 1891 recibió el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge y fue
nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Praga, entre otros honores y premios.

Antonín Dvorák falleció el 1 de mayo de 1904 en Praga víctima de una congestión cerebral.Su espectacular
tumba se halla en el Cementerio de Vysherad, Praga, República Checa.
Zoltán Kodály

Nació el 16 de diciembre de 1882 en Kecskemét.

Hijo de Frederick Kodály (1853-1926), un violinista que fue jefe de estación en Szob, Galanta, y de Paulina
Jalovetzky (1857-1935), una polaca. Su padre y su madre le enseñaron a tocar el piano y a cantar.

De 1888 a 1892, permaneció en la escuela en Galántai, y en el instituto arzobispal de Nagyszombaten de

1892 a 1900, donde fue un estudiante brillante y empezó a tocar el violín y el violonchelo.

Cursó después estudios en Budapest con Hans Koessler. En 1905 inicia su colaboración con Béla Bartók en la
recopilación de música folclórica húngara.

Su trabajo contribuyó a crear la etnomusicología.

En sus composiciones imitó formas, armonías, ritmos y melodías de estas canciones populares.

Entre sus mejores obras destacan Psalmus hungaricus (1923) para tenor, coro y orquesta, la ópera Háry
János (1926), las Danzas de Galanta (1933) para orquesta, el Te deum Budavari, las Variaciones del pavo
real y la Missa brevis (1945).

Desde 1945 desarrolló un sistema de educación musical destinado a las escuelas públicas húngaras. Su
método, que consiste en la entonación de canciones del folclore húngaro o basadas en ellas, ha sido utilizado
por escuelas de diferentes países.

Zoltán Kodály falleció el 6 de marzo de 1967 en Budapest.

Jean Sibelius

Nació el 8 de diciembre de 1865 en Hämeenlinna (Finlandia).

Cursó estudios de música en el conservatorio de Helsinki.

Entre 1892 y 1897 ejerció como profesor de teoría musical en el conservatorio de Helsinki.

Sibelius se desposó con Aino Järnefelt el 10 de junio de 1892 y tuvieron seis hijos: Eva, Ruth, Kirsti, Katarine,
Margaret y Heidi.

Su música se inspira en la naturaleza y en las leyendas finesas, como el Kalevala.

Una de sus obras más famosas, el poema sinfónico Finlandia (1899, revisada en 1900) fue prohibida en su
momento por las autoridades rusas porque suscitaba un gran fervor patriótico entre la población.

Entre sus principales obras destacan sus 7 sinfonías (1899-1924) y los poemas sinfónicos En Saga(1892,
revisado en 1901), El cisne de Tuonela (1893), Cabalgata nocturna y amanecer (1909), Las Oceánicas (1914)
y Tapiola (1925).

También es autor de un Concierto para violín en re menor, opus 47 (1903), música de cámara y vocal, obras
para piano y numerosas canciones.

En 1911 fue intervenido quirúrgicamente por un cáncer de garganta.

Salvo algún viaje esporádico, vivió hasta su muerte en Järvenpää, en las afueras de Helsinki. En 1929 dejó de
componer.

Jean Sibelius falleció el 20 de septiembre de 1957 en Järvenpää.

George Gershwin

Nació el 26 de septiembre de 1898 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos).

Cursó estudios junto a compositores como Rubin Goldmark, Henry Cowell, Wallingford Riegger y teórico
ruso Joseph Schillinger. George Gershwin, con mínimos estudios formales, quiso profundizar en la
composición, ya que sus conocimientos eran más bien intuitivos.

Fue rechazado como alumno por Igor Stravinsky y Nadia Boulanger. Cuando intentó ser discípulo del
compositor francés Maurice Ravel, le preguntó: "¿Cuánto dinero ganó usted el año pasado?". "US$ 200.000",
respondió el joven Gershwin. "Entonces yo debería tomar clases con usted", respondió el maestro galo,
rechazando su solicitud.

Con dieciséis años, fue pianista y promotor para una empresa de publicaciones musicales, pero el éxito de
su canción "Swanee" (1918) le llevó a formar parte de la Tin Pan Alley (área de Nueva York donde se
encontraban los editores de música más importantes).

Casi todas las letras de sus canciones fueron escritas por su hermano Ira Gershwin, que colaboró con él en
varias revistas y musicales como George's White's Scandals (1920-1924), Lady Be Good(1924), Funny
Face (1927), y la sátira política Of Thee I Sing (Acerca de ti canto, 1931), que fue la primera comedia musical
que obtuvo un Premio Pulitzer.

Sus canciones poseen invenciones armónicas no convencionales, y fue uno de los primeros que empleó
ritmos y melodías del jazz en sus composiciones. Entre ellas destacan 'The Man I Love', 'I Got Rhythm' y
'Someone to Watch Over Me'. Cuando contaba 25 años, compuso para Paul Whiteman su Rhapsody in
Blue (1924), para piano y banda de jazz, que orquestó más tarde el compositor Ferde Grofé. Esta obra sirvió
de influencia en compositores europeos y estadounidenses que comenzaron a utilizar en sus obras melodías
y patrones rítmicos del jazz.

Otras partituras de concierto de Gershwin son el Concierto en fa para piano y orquesta (1925), el poema
tonal An American in Paris (Un americano en París, 1928), Second Rhapsody (Segunda rapsodia, 1931), para
piano y orquesta, y la ópera Porgy and Bess (1935), basada en una novela de Du Bose Heyward.

George Gershwin falleció el 11 de julio de 1937 en Beverly Hills, California (Estados Unidos).
Richard Strauss

Nació el 11 de junio de 1864 en Munich, Alemania.

Fue criado en el seno de una acaudalada familia dedicada a la industria cervecera. Hijo de Franz Strauss,
intérprete solista de trompa en la Ópera de la Corte de Múnich. Muchos miembros de su familia eran
músicos, por lo que recibió una educación musical completa ya en su juventud.

Comenzó a estudiar piano a los cuatro años con su madre, y violín a los siete con su tío.

Escribió su primera composición con seis años. A los veintiuno debutó como director de orquesta.

En 1894 se casó con la soprano Pauline de Ahna y fueron padres de Franz, su único hijo, en 1897.

Amigo del compositor austriaco Gustav Mahler hasta la muerte de éste en 1911.

Las composiciones del primer periodo (1880-1887), muestran una gran influencia de los maestros clásicos y
románticos. Entre 1887 y 1904 creó una serie de obras que figuran en el repertorio habitual. Perfeccionó el
poema sinfónico y utilizó el sistema del leitmotiv que había sido desarrollado principalmente por Richard
Wagner.

También introdujo innovaciones de tipo armónico y de instrumentación, ampliando así las posibilidades
expresivas de la orquesta sinfónica moderna. Entre las obras de este periodo se encuentran Don
Juan (1888), Macbeth (1890), Muerte y transfiguración (1890), Así habló Zaratustra (1896), Don Quijote (1897)
y Vida de héroe (1898). Entre (1904-1949) escribe sus óperas, consideradas entre las más importantes del
siglo XX : Salomé (1905), Elektra (1909), El caballero de la rosa (1911), Ariadna de Naxos (1912), La mujer sin
sombra (1919), Elena egipcia (1928) y Arabella(1933).

Richard Strauss falleció el 8 de agosto de 1949 en Garmisch. N