Arte abstracto

El arte abstracto es una forma de expresión artística que prescinde de toda figuración y
propone una nueva realidad distinta a la natural.1 Usa un lenguaje visual de forma, color y
línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias
visuales del mundo real.2 Abarca movimientos como el Expresionismo abstracto,
el suprematismo,3 el action painting, De Stijl o el constructivismo.4

iglo XIX[editar]
Véanse también: Romanticismo, Impresionismo, Postimpresionismo y Expresionismo.

Nocturno en negro y oro: el cohete que cae (1874), Detroit Institute of Arts.

Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas

como James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling
Rocket, («Nocturno en negro y oro: el cohete que cae», 1872), puso más énfasis en la
sensación visual que en la representación de los objetos. Asimismo, un interés objetivo en
lo que se ve aparece en cuadros de John Constable, J. M. W. Turner, Camille Corot y la
mayoría de los pintores de plen air de la escuela de Barbizon.

Siglo XX[editar]

Hilma af Klint, El Cisne, 1915.

Véanse también: Pintura occidental, Fovismo y Cubismo.

Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero su reconstrucción lógica de la

realidad desde diferentes puntos espaciales,5 usando el color para crear módulos y planos,
se convirtió en la base de un nuevo arte visual que más tarde desarrolló
el cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso.
Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica, dibujando
distorsiones, exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas
cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia
contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de
la pintura de finales del XIX. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se vieron
influidos principalmente por la obra de los postimpresionistas fueron decisivos para el
advenimiento de la abstracción en el siglo XX con obras como El grito y La entrada de
Cristo a Bruselas.
El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van
Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al
advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh,
Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A comienzos
del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los precubistas Georges
Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo
artístico de París con pinturas de paisajes y figuras «salvajes», de mucho colorido y
expresivos, que los críticos llamaron fovismo. El crudo lenguaje de color tal como lo
desarrollaron los fauvesdirectamente influyeron a otro pionero de la abstracción Vasili
Kandinski.
Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fovismo el
movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX. Pablo
Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda
representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la
pintura Las señoritas de Aviñón, de 1907, Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y
radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas, mujeres
violentamente pintadas, que recordaban máscaras tribales africanas y sus nuevas
creaciones cubistas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo
Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la
primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado
por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e
innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se caracteriza por la
introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y gran
variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de collage com Kurt Schwitters y Man
Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el desarrollo del movimiento
llamado dadaismo.
Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales
ciudades europeas y norteamericanas se habían vuelto extremadamente activos conforme
se esforzaron por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones
del modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse mutuamente a través de libros de
artistas, exposiciones y manifiestos de manera que muchas fuentes estaban abiertas a la
experimentación y formaron la base de la diversidad de modos de abstracción. El siguiente
extracto, de The World Backwards, proporciona alguna impresión de las interconexiones
de la cultura de la época:
El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debió ser
extremadamente actualizados, pues la segunda exposición del movimiento Sota de
Diamantes, celebrada en enero de 1912 (en Moscú) incluyó no sólo pinturas enviadas
desde Múnich, sino algunos miembros del grupo alemán Die Brücke, mientras que de
París vinieron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como de
Picasso. Durante la primavera David Burliuk impartió dos conferencias sobre el cubismo y
planeó una publicación polémica, que Sota de Diamantes iba a financiar. Fue al extranjero
en mayo y regresó determinado a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter que había
emergido de los impresores mientras el estaba en Alemania.