Arts and Crafts

Renovación y tradición
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris,67 arquitecto, artesano,
impresor, diseñador, escritor, poeta, activista, doctor y político. Un hombre polifacético que
se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes
formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores
fueron Charles Robert Ashbee, Philip Webb, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane,
Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher
Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del
movimiento prerrafaelita.
El Arts and Crafts fue un movimiento de enorme ambición de la arquitectura moderna que
abarcaba la creación y el diseño en toda su amplitud, desde casas esmaltadas hasta
iglesias, en lugares tan diversos como Budapest y California. Nacido de pensadores y
profesionales en Gran Bretaña, tenía una clara intencionalidad "moral": suponía una
posibilidad de reacción a la industrialización y las formas de vida modernas que habían
sustituido al trabajo manual por el trabajo mecanizado. Tras ello había una utopía social
ejemplificada en el deseo manifiesto de volver atrás para "regenerar" al hombre mediante
la artesanía. Buscaba respetar y cuidar los materiales, y la forma en que se utilizaban. Se
trataba de mostrar cómo se construyeron las cosas, de modo que parecían diferentes de lo
que eran en realidad.
Igualmente, se trataba de respetar al creador. Sobre un fondo de la inmundicia,
degradación e industrialización, el movimiento quería que la gente trabajase en un entorno
feliz, sano, y que disfrutaran de lo que hacían. Uno de los corolarios fundamentales de
este enfoque en el medio ambiente era una nueva preocupación por lo doméstico y lo
cotidiano, surgiendo así la necesidad de producir muebles y artículos de hogar, partiendo
de diseños que eran a la vez prácticos y estéticamente agradables.
En el mundo de la arquitectura, para el diseñador Michel Ashbee, "las artes y el
movimiento mecánico comenzaron con el objetivo de hacer cosas útiles, de hacerlas bien y
de hacerlas bellas; la buena calidad y la belleza eran los líderes de los movimientos
homólogos".
Particularmente estridente fue la llamada a la jerarquía artística que había estado en
funcionamiento desde el Renacimiento, y que priorizaba la arquitectura, la pintura y la
escultura por encima de las llamadas artes "mayores". Si bien nunca se puede negar la
importancia de la mecánica y la escultura, los artistas de Arts and Crafts otorgaron un
nuevo valor a las artes mecánicas y aplicadas e insistieron en que éstas se convirtiesen en
una parte integral de cualquier diseño más grande. Ya no era suficiente confiar en la
casualidad o capricho personal para la elección de los sillones en una sala de estar o el
ahorcamiento de un tapiz en una iglesia. Con el objetivo de reflejar la noción de la "obra de
arte total" o Gesamtkunstwerk, que el compositor Richard Wagner había descrito como el
objetivo de sus producciones de ópera a mediados del siglo XIX, cada elemento tenía que
ser diseñado como parte de un todo orgánico.
Sus practicantes no eran artistas aislados unidos por similitudes estilísticas, sino que eran
maestros y alumnos, colegas y rivales, amantes y amigos que conversaban a menudo y
colaboraban en sus esfuerzos por elevar los estándares de diseño de todos los días. Hay,
sin embargo, poca coherencia visual en su trabajo. Mientras que algunos desarrollaron una
rica imaginería medievalizante como parte de su emulación de los valores sociales y
artísticos de la Edad Media, otros se esforzaron por formas simplificadas cuyo lenguaje
decorativo dependía de las propiedades naturales de los materiales.
De hecho, el movimiento de las artes y artesanías extrae su identidad de un conjunto de
principios compartidos, más que de un código visual uniforme. Como resultado de ello,
exige una gran agilidad intelectual a sus estudiantes, que tienen que aceptar tanto su
multiformación estilística como las variaciones que sus adherentes a menudo elaboran
sobre el marco teórico del movimiento. Es conocido que la revalorización de las
artesanías, a las que se atribuyó un poder regenerativo en la sociedad moderna, y el
rechazo de ayudantes para los procesos mecánicos de la industrialización, inspiró a
muchos de los adheridos al movimiento a centrarse en productos hermosos, hechos a
mano. Pero tal era el coste de producción de estos que tuvieron que ser vendidos a
precios por encima del alcance de la familia promedio a la que deseaban llegar los artistas
de Arts and Crafts. No se trata de un asunto menor, como tampoco otras contradicciones
del movimiento que serán importantes al tratar la transición de la teoría a la práctica.
El movimiento desarrolló diferentes características en los países en los que apareció. En
general, artistas y diseñadores de Europa continental y América no compartían el
sentimiento anti-industriual que había motivado a sus colegas Británicos. En Austria y
Alemania, arquitectos y diseñadores emergentes de la tradición de arts and crafts
abrazaron la modernidad hasta el punto de que el medio ambiente urbano y el diseño
industrial se convirtieron en importantes preocupaciones en su trabajo. Por el contrario, en
las naciones marginadas como Hungría, Polonia y Finlandia, las Arts and Crafts
evolucionaron fuera del escenario político más amplio de la resurrección nacional y la
resistencia a la opresión del imperio extranjero. En las artes, estas preocupaciones dieron
paso al crecimiento de un movimiento conocido como romanticismo nacional, en el que las
tradiciones vernáculas y populares, tanto reales como inventadas, son apropiadas y
reinterpretadas a fin de servir a la causa de la definición nacional. Con su enfoque en el
arte popular repositorio de las formas "puras" nacionales, su interés por la recuperación de
las culturas minoritarias y su preocupación por el resurgimiento de las habilidades
artesanales, el romanticismo nacionalista tiene una coincidencia significativa con Arts and
Crafts.
El movimiento revalorizó los oficios medievales, en plena época victoriana, con lo cual
reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar
la tecnología industrial al servicio del hombre, pero potenciando la creatividad y el arte
frente a la producción en serie. En lo expresivo se caracteriza por el uso de líneas
serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo.
El Arts and Crafts se trata de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia
sobre la arquitectura, las artes decorativas, las artesanías británicas y norteamericanas, e
incluso influyó en el diseño de jardines.
En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American
Craftsman, American Craftsman Style o Craftsman Style, para referirse al estilo
arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art
Nouveau (el modernismo) y el Art Decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925.
Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un
sentido elegante.

Bungalow con el estilo Craftsman en San Diego, California.

Entonces, según este enfoque, el artesano se vuelve operario o artista o un poco de

ambos.

Crafts and Folk Arts en Estados Unidos

Artesanías y artes populares (Crafts and Folk Arts) se han practicado en muchos países en
diferentes momentos de la historia. Máscaras africanas , tótems de Alaska, la cerámica
Inglesa y muebles franceses son todos ejemplos de arte popular o artesanal que son parte
de la tradición y de la historia nacional y expresan el carácter único de la hora y el lugar del
que proceden . Crafts and folk arts en los Estados Unidos hacen lo mismo. Artesanías y
artes populares (crafts and folk arts) europeos llegaron a existir distantes entre sí, a
menudo comunidades aisladas, en terrenos donde la sociedad se construyó sobre una
estructura de clases. Muchas de las tradiciones artesanales europeas se perpetuaron en
Estados Unidos, donde las grandes distancias permitieron a la gente de la misma creencia
religiosa y origen nacional convivir juntos teniendo poco contacto con otros grupos. Hoy,
cuando el mundo ha desaparecido, las artesanías están siendo perseguidas por
estadounidenses en todos los ámbitos de la vida , en las ciudades y las zonas rurales los
hombres y mujeres que han traído un renovado interés en la habilidad personal para una
era de productos hechos a máquina . Los términos " crafts " y " folk arts" como vamos a
usar aquí son términos sueltos ; tanto a menudo se puede aplicar a un solo objeto .
Pensilvania, cerámica alemana, es a la vez artesanía y arte popular , pero una silla de
caoba tallada podía ser obra solamente de un artesano. americana temprana un artesano
.Una botella de agua de colonia temprana representa la más alta expresión del oficio de
soplador de vidrio , mientras que un frasco de esmalte de colores producida en el misma
fábrica está estrictamente en la tradición popular . Una pintura hecha por un hombre con
un poco o ninguna formación formal en arte es considerado el trabajo de un “amateur”, un
artista “primitivo” o “popular” y no el de un profesional o el de artista "académico".
El artista académico normalmente habría tenido preparación formal ; el estilo en el que
trabajó se basó en tradiciones que había evolucionado durante los siglos , las tradiciones
que esperaba para avanzar por su propio talento e individualidad . Por otra parte, el artista
académico se esforzó por expresar en su pintura o la escultura algo de su propia
imaginación y la personalidad; el artesano fue restringido por los requisitos de utilidad y por
el carácter de los materiales disponibles para él. El arte académico cambia a medida que
el tiempo pasa, y señala sus características de muchas culturas . El arte popular, por lo
general se limita a una región en particular, se mueve en un rango estrecho y
generalmente perpetúa diseños heredados; originalidad o imaginación es excepcional.
El término "artesano " o " artesanal " se aplica al ebanista ( fabricante de muebles ), el
orfebre , el alfarero , el soplador de vidrio, el tallador de madera , el hojalatero y el
trabajador de metal o textil. Considerando que los pintores populares trabajaron solos, por
lo general los artesanos recibieron su entrenamiento en las tiendas más antiguas , los
trabajadores más cualificados en su comercio , aunque muchos talentosos, las personas
autodidacta lograron alcanzar el estatus de un artesano .
Temprano américa tenido artesanos cuyo trabajo era tan fino como la de los artesanos
europeos , pero tuvo un menor número de pintores y escultores. La pintura y la escultura
eran esencialmente lujos , y los primeros americanos que estaban luchando contra las
dificultades del asentamiento de un nuevo continente, no tenía ni el tiempo ni la inclinación
a disfrutar de los lujos . Sin embargo, había belleza en la simplicidad de muchos
implementos americanos , los utensilios y las necesidades del hogar .
Aunque el término " arte popular " se puede aplicar al trabajo producido tan tarde como a
finales del siglo XIX , pierde su sabor especial cuando se asocian con los productos del
siglo XX. Aunque los tiempos modernos han visto innumerables aficionados , artistas de
tiempo libre y artesanos, las demandas del comercio y el uso generalizado de maquinaria
han puesto casi todos los artesanos profesionales fuera del negocio .
Al hablar de las tradiciones del arte popular de los Estados Unidos , debemos recordar que
el único arte nativo americano es el de los indios que habitaban el continente durante miles
de años antes de que llegaran los primeros hombres blancos . Hoy, sin embargo , la
expresión "arte americano " ha llegado a significar el arte que se desarrolló por los colonos
europeos y sus descendientes.
El arte indígena de América del Norte se conoce en los Estados Unidos como "el arte de la
India" y el arte nativo de América Central, antes de la conquista española, como
"precolombina", que significa "antes de los descubrimientos de Colón".

The crafts en el periodo colonial

Los artesanos en las trece colonias británicas en el este de Seabord incluidos herreros,
alfareros, zapateros, modistas, peluqueros, impresoras y encuadernadores. La mayoría de
ellos habían recibido su formación en Europa como aprendices de maestros artesanos.
Las cosas que producían eran en gran parte artículos de uso doméstico o de prendas de
vestir, la mayoría de los cuales fueron utilizados inmediatamente por los compradores. Los
objetos que fueron valorados se han conservado en los hogares como reliquias. Estos
fueron obra de ebanistas plateros y los sopladores de vidrio. Muebles Americanos, la plata
y el vidrio se encuentran hoy en día en muchos de los museos y colecciones privadas de
Estados Unidos.
Muebles
Los diseños de los muebles de la época colonial eran tan hermosos y prácticos que las
piezas americanas del siglo XVIII aún se reproducen en tiendas y fábricas y se venden
bien en competición con los estilos más recientes. Los mejores muebles americanos
fueron el trabajo de maestros artesanos. Reflejaba estilos europeos y mantiene los
estándares europeos de excelencia en el diseño y la artesanía, y al mismo tiempo con un
sabor americano.
Plata

Teapot by Peter Van Dyck(1684-1750)

Desde el siglo XVII hasta principios del XIX, el arte de la orfebrería floreció. Él era el
aristócrata entre los artesanos coloniales, con un lugar en la confianza del público y la
estima similar a la del banquero de hoy. Una de sus principales funciones era la de
convertir la plata en una vajilla de plata, y para grabar piezas con nombres y escudos
familiares-una forma útil de mantener metales preciosos en una forma distinta de
monedas. Plateros estadounidenses modificaron sus diseños, en tanto los estilos
cambiaron en Inglaterra. Esto se ilustra por la apariencia cambiante de las teteras, uno de
los artículos de uso más frecuente en los primeros hogares de Estados Unidos.
Vidrio soplado
Glass Bowl With Lilypads-Coutesy National Gallery of Art

Vidrieros coloniales continuaron diseñando formas que habían sido populares en Europa,
pero sus piezas son inclinadas a ser resistentes y no delicadas. En el siglo XVIII, todo el
vidrio modificado por medio del “soplado libre” y no se presiona. El soplado es el método
más antiguo y simple de la producción de vidrio, el que probablemente era utilizado por los
egipcios, fenicios y romanos. Los nombres de dos famosos fabricantes de vidrio-Wistar y
Stiegel-se asocian principalmente con los principios de vidrio soplado americano. En el sur
de Jersey en el museo de arte metropolitano hay un elegante candelabro, la parte inferior
de la órbita está ornamentada por remolinos pesados. Una capa adicional de vidrio
aplicado en la parte superior del formulario de soplado y formado con una herramienta en
los canales diagonales.

Pintores primitivos

Aphia Salisbury Rich and Baby Edward,1833, Artista desconocido

Aunque los colonos europeos originales del continente de América del Norte fueron, en su
mayor parte, indiferente a los refinamientos artísticos, el retrato apareció pronto. Como la
pintura era provincial y estaba muy por detrás de eso se produce en la madre patria. Los
artistas fueron llamados "limners" o "pintores de la cara"; una rigidez y un énfasis en la
cabeza caracterizan sus trabajos.
La mayoría de los primeros retratistas estadounidenses fueron autodidactas. Crecieron en
una sociedad que tenía poca cultura. Reflejaron estas condiciones en su trabajo. Un
ejemplo de este robusto, tipo inculto era Chester Harding, un joven granjero de
Massachusetts.
Con menos oportunidades de formación, incluso pintores que eventualmente se
convirtieron en reconocidos se mantuvieron en el nivel primitivo que habría sido el caso en
Europa. Muchos eran también pintores que trabajaron de forma artesanal. También hubo
caballeros aficionados y mujeres jóvenes de las "academias femeninas". Lo mejor de estas
pinturas han entrado en las colecciones, donde pueden ser vistos por el público. Uno,
formado por Mrs.John D Rockefeller se encuentra ahora en Colonial Williamsburg. Otro
estaba formada por Edgar Guillermo y Bernice Chrysler Garbisch, las selecciones de las
que pueden ser vistos en la Galería Nacional de Arte en Washington DC.

Arte popular en el siglo XIX America

Considerando que las artesanías coloniales de la Seabord oriental presentan una imagen
unificada, la artesanía del siglo XIX está más diversificada. Muebles y elementos en plata
continuaron, pero estas artesanías ya no ocupaban el mismo lugar único que tenían en el
siglo XVIII. Durante el siglo XIX, colchas y edredones, tallad de madera, cerámica, gres,
vidrio prensado y veletas se encuentran entre los tipos más importantes de trabajo. El
tallado de madera, cerámica y gres fueron producidos en su mayoría por artesanos
profesionales. Ni el término "arte" ni "arte popular" se aplica a todas estas formas, pero
todos pueden ser llamados arte popular.
Colchas

Patchwork Quilt- Coutesy National Gallery of Art

Algunas colchas tejidas para las camas estaban hechas por los profesionales. La mayoría
de ellos, sin embargo, fueron producidos por la mujer de la casa, principalmente para su
uso, pero también para la decoración. La mujer hacía todo el trabajo requerido, desde el
hilado de lino y la lana en hilo para el tejido de la tela. Un tipo temprano de bordado,
conocido como "trabajo Turco", dirigido a lograr el efecto de alfombras orientales; se ha
conservado sólo en unas pocas muestras. Las piezas individuales de damasco y terciopelo
eran traídas personalmente o importada por los ricos; los colonos fueron disuadidos de
producir tales telas de lujo.