Cultura y Estética Del Diseño PDF

ESTÉTICA Y DISEÑO
INDUSTRIAL
Temas del 10 al 19
Alberto Cantero Guillot

Estética y diseño industrial Página 1
Tema 10
A la hora de examinar una obra destacamos otros aspectos a tener en cuenta, el qué cuenta y el
cómo lo cuenta. Se considera que la obra de arte tiene una composición dual, en cuanto a forma
y contenido, el contenido o significados corresponden al qué cuentan (contenidos) y el cómo a
la forma.
Metodología Formalista. Se centra en el estudio del arte exclusivamente como forma, se le

llama puro visual y el primer teórico que lo plantea es Henry Wölflin, en 1918 publica un libro,
austriaco que trabaja en la escuela de Viena que se llama “renacimiento y barroco” corresponde
a los movimientos artísticos de la edad moderna desde el siglo XV al siglo XVIII. Hasta Wölflin
se había entendido que esa evolución, el tiempo y la calidad, tenía una representación de esta
manera, en el siglo XV (primer renacimiento) corresponde al nacimiento de ese estilo, en el
periodo central del S. XVI renacimiento pleno-madurez y calidad, en el S. XVII con el Barroco
tiene lugar el declive y en el S. XVIII el barrococo, período de menor calidad –degeneración-,
visión continuista; esto era la visión anterior a Wölflin, que cuando estudia el renacimiento y el
barroco dice que esto es falso, no es el declive, son cosas distintas e incomparables, el barroco
no es ni evolución ni declive del renacimiento y lo demuestra utilizando una comparación
puramente formal. Elige dos obras, una de Rafael (S. XVI) y una de Rubens (S. XVII). Rafael
corresponde al renacimiento y Rubens al barroco, los compara teniendo un tema en común,
elige el mito de las tres gracias, es lo que llamaremos constante iconográfica (temas repetidos a
lo largo de la historia), corresponde a la mitología griega, son tres diosas identificadas con la
virtud, es el ideal griego de la belleza y la verdad. Ese mito se representa de esa manera, Rubens
hace algo parecido. Se nota claramente la diferencia entre barroco y renacimiento.
Rafael (1504)
Hay incomunicación, las figuras están ensimismadas,

cada una mira su manzana y son independientes entre
si. Rubens representa unas figuritas que se comunican
entre ellas, más físicas, aparte de la comunicación
gestual hay contacto, en la obra de Rafael apenas hay
contacto, el punto de vista está bajo, punto de vista
del gusano, aparece una cierta convergencia, la
figuras están apoyadas unas con otras, si quitamos una
la composición se queda coja, inestable, la unidad es
mayor, las figuras están subordinadas una a la otra, en
cambio, en el caso de Rafael las tres figuras son
equivalentes, el punto de vista está más alto, figuras
más planas y equilibrio más simétrico, aparece una
yuxtaposición una junto a la otra. Hay claroscuro pero
prácticamente no hay sombras arrojadas aunque si hay sombras propias, hay una luz difusa,
indeterminada, que no crea sombra, perfiles con dibujo,
silueteados, sirve para separar las tres figuras del fondo.
En la de Rubens el planteamiento es diferente, claroscuro más

claramente diferenciado, importantes sombras arrojadas,
claramente se ve la dirección de la luz, se difumina la figura con
el fondo, que predomine el color sobre el dibujo. Unidad
indivisible, crean conjunto con el fondo. En cuanto a la
composición tienen una convergencia, especie de composición
triangular asentada en el suelo y en equilibrio, los brazos siguen
una diagonal de la figura central y en el acto de girar, intenta
captar el dinamismo del movimiento. En cambio la de Rafael es
mucho más estable, los brazos tienen una componente horizontal, manzanas prácticamente
alineadas, sobre esa componente vertical y horizontal marca una composición simétrica.
Categorías fundamentales para la historia del arte
Establece cinco categorías complementarias que representan esa doble característica sobre el
arte.
Clásico Barroco
(países del sur de Europa) (países del sur de Europa)
1. Lineal (Táctil, predominio del dibujo y 1. Pictórico (visual, predominio del color,
silueta) luz)
2. Evolución de lo plano 2. A lo profundo
3. Composición cerrada 3. Composición abierta
4. Autonomía (líneas independientes, 4. Subordinación o dependencia (el
equilibrio en la suma de las partes) equilibrio está en todo)
5. Claridad absoluta 5. Claridad relativa
Significados o contenidos de la obra de arte
El teórico fundamental es E. Panofsky que en 1923 publica el significado de las artes visuales.
En el ejemplo de las 3 gracias a Panofsky no hubiese hecho una interpretación pura visual, le
interesaría el mito y el porque de la importancia en la actualidad y el planteamiento variable de
los tipos para distintos autores, la variación de los modelos. En el renacimiento, recuperación
del mundo clásico, se representa el ideal de la belleza. Las tres gracias como manifestación de la
eterna juventud. En la otra obra, barroco, hay una correlación entre gracias y flores, figuras
mucho más naturalistas.
Hay que establecer gradaciones entre significados, los dos primeros son los más comunes:
1. Significado primario (fáctico y expresivo). Lo primero que se hace es identificar los

hechos y expresiones. Se percibe por medio de los sentidos, lo único que se hace es
contemplar. Es puramente descriptivo, es una descripción pre-iconográfica.
2. Significado secundario (convencional/social). No intervienen los sentidos sino lo que se

conoce. Es lo que llama análisis o conocimiento iconográfico, es como mirar el archivo
de todo lo que conozco.
3. Significado tercero (intrínseco). De lo que se deduce, del raciocinio. Es para

especialistas, es lo que llama síntesis iconológica, hablamos de la ciencia de las
imágenes, se descubren símbolos o tendencias culturales.
Estudio de los significados:
La pietà del Vaticano (1500)

Desde el punto de vista de Wölflin, Miguel Angel resulta claramente clásico. Primero
identificamos hechos, aparece una figura femenina (triste) y otra masculina (desnuda sin vida
aparente), corresponde a la descripción primaria, lo identificamos con la Virgen y Cristo.
La piedad sería el significado segundo, interviene lo que sabemos, la historia sagrada, es una
constante iconográfica. Esculpida a principios del S. XVI. Otra muestra es la Pietà de Florencia
en 1540, y más tarde esculpe la Pietà de Palestrina en 1555 y otra versión interrumpida es la
Pietà Rondamin al final de su vida.
En la tercera nos preguntaríamos cómo cambia el pensamiento de Miguel Ángel y su

preocupación por la piedad y nos preguntamos sobre la variación de su obra. Pensamiento de su
cultura y su espacio o tiempo, a través de la reflexión de Miguel Ángel podemos deducir
aspectos de la Italia del S. XVI.
Piedad Vaticano
Muestra a la Virgen con su mejor belleza e idealidad, con un

cuerpo desnudo muerto sobre las piernas, estaría rendida y
mostraría rasgos de esfuerzo, es una representación idealizada.
Lo hace como presentación ante la corte del Papa. Hay una
voluntad de acabado perfecto, una de las obras firmadas por
Miguel Ángel (firma y fecha).
Piedad Florencia
Ya no aparece sólo la Virgen y Cristo, sino que aparecen más

personajes, el cuerpo en este caso pesa, no es una frágil adolescente la
que sujeta el cuerpo, esta vez son tres personas (en el descenso de
Cristo participan varias personas). En cuanto a su caracterización hay
una mayor fidelidad a lo que cuentan, los personajes se adecuan más a
la descripción, hay un mayor naturalismo.
¿qué ocurre desde 1540 hasta 1555? Aparece el Concilio de Trento, la

contra reforma, el objetivo del arte es que sea didáctico, se utiliza para
enseñar al que no sabe. La imagen de la piedad se adecua a esa contra
reforma, es más fiel a la que cuentan los sacerdotes a los fieles.
Piedad Palestrina
Aparece la idea del non finito, hay zonas perfectamente acabadas junto con
zonas que están simplemente abocetadas, Miguel Ángel preludia lo que será
el barroco, está exigiendo al contemplar que finalice la composición. Miguel
Ángel vive 90 años y se interesa por el tema de la muerte, de la piedad.
Hay cosas en la historia del arte en la que las formas son las mismas y los
significados son los mismos, sin embargo hay grandes diferencias entre
ellos. Por ejemplo, en el Barroco, Rubens y Rembrandt. Desde el punto de
vista de Panofsky los dos tratan los mismos temas, significados, las pinturas
son muy diferentes entre si, es lo que se pregunta A. Hauser.
Rembrandt se pinta como un pintor con el pincel y la paleta mientras que Rubens se dibuja
como un caballero. Retratos.
Elevación de la Cruz:
Rubens: Predomina el claroscuro, manchas, sombras,

composición diagonal, claridad relativa, subordinación de las
partes. Abigarramiento de esfuerzos.
Rembrandt: Claroscuro, profundidad, inestable, dinámico, en

este caso la composición es más austera, menos representada,
sobrios.
El descendimiento:
Rembrandt: Mucho más austero,

tenebrismo de fondo, figura de la
virgen.
Rubens: Rojo en primer plano,

esclavos ayudando a bajar el cuerpo.
Retrato de familia:
Rembrandt: Utiliza una representación mucho más

familiar, menos austera, más modesta.
Rubens: Es la segunda mujer de

Rubens con sus hijos, el retrato es
mucho más cortesano, muy
preparado, con sus mejores
vestidos en representación de
celebración.
Arnold Hauser es el autor de una de la más conocida historia del arte, reconocido como obra
estética cuyo objetivo principal es el placer estético, pero además tiene un segundo aspecto, es
el de documento histórico cuyo análisis nos habla de un tiempo y un lugar en el que se produce.
Cuando Hauser habla de un enfoque social del arte habla fundamentalmente del contexto social
y en las circunstancias en las que se produce.
La obra de arte está condicionada por los agentes que intervienen en su producción como objeto,
esos agentes son: ‘el autor’ y ‘el taller’ como la creación y ‘el público directo’ (cliente) y
‘público indirecto’ (crítico) como observadores del arte.
El contexto social de Rubens y Rembrant son muy diferentes, por lo que su producción artística
también es diferente.
1. El arte es independiente de la causalidad social según Hauser.
2. Una sociedad mejor no tiene por que producir un arte mejor, lo que si que se asegura es
que los cambios de cliente si que supone un cambio de estilo del gusto por el arte.
3. La obra de arte como documento, la obra de arte es también un documento que nos
habla de tiempo y de lugar. Tenemos una doble relación. Cuando miramos la obra de
arte hay que intentar verla con los ojos de alguien de la época. ‘Cualquier obra que
contemplamos la hacemos contemporánea’, ‘El ser humano tiende a rechazar lo nuevo,
tiende a ir a lo fácil y tranquilizador’.
4. La idea de progreso en arte es distinta de la idea de progreso en ciencia. Existe

progreso, sobre Newton en ciencia el progreso es posible, en arte no, es diferente.
5. Juicios estéticos a diferencia de los científicos. Hablamos de la verdad, sino no es

ciencia, en el arte no son vinculantes puesto que hablan de la belleza. Después del S.
XVIII la belleza era algo subjetivo. Hauser lo que hace es hablar de ideología, extiende
el concepto de neurosis (Freud), es un concepto psicológico.
1. Formal Arte=Forma Visual H. Wolflin
2. Iconológico Arte=Imágenes Significados E. Panosky

Arte=Producto
3. Sociológico Ideología A. Hauser
histórico
4. Semiología/Semiótica Arte=Signo Icono Charles Morris
Semiótica. Es la ciencia de carácter superior que estudia el signo en general. Habrá una rama
que estudiará la estética semiótica (se ocupa del signo artístico).
Significante: Vehículo de signo

Signo
Significado: Denotado y connotado
Significado estricto Temas que sugiere

(lo que se dice) (qué es lo que
quiere decir)
Intérprete
Significante Significado
Ausente/presente Nº Significantes>>>Nº Significados
Siempre existe
Tipos de signos (Rubert de Ventós):
1. Señal Contigüidad Conduce a la conducta

2. Síntomas Salen Significados Medicina/Diagnósticos
Relaciones Humo
3. Símbolos Designado Idea, concepto, ente abstracta
Intérprete
Código Habla
uso del código
norma
Neoplasticismo
Piet Mondrian
Parte del código tradicional, en el ‘árbol

rojo’ vemos un árbol, imita una figura, la
refiere, no es exactamente el código
tradicional, se empieza a desquebrajar a
partir del post-impresionismo. El código
empieza a cuestionarse, hay otros códigos.
Mondrian empieza a utilizar el código
forzándolo para ver hasta donde puede
llegar, ‘el árbol gris’ aún siendo
monocromo seguimos reconociendo el
árbol.
Código nuevo, define unas normas y a partir de ellas trabaja. El

cuadro es un objeto plano en dos dimensiones, la tercera es mentira,
es un objeto plano. ¿Cómo se componen los objetos planos? Dibuja
según el esquema cartesiano eje X e Y (abcisas y ordenadas), los
reticuliza y colorea con un blanco no puro teñido con poco azul,
representa las gradaciones de la luz. Quedan dos variantes, la
dimensión del rectángulo y la variación cromática. Composición en
rojo, negro, azul, amarillo y gris.
La relación entre la física y las matemáticas es análoga a la de la abstracción y la figuración.

Tema 11
La época de las Vanguardias: experimentalismo y utopía
Definición: Lo que acaba en –ismo se entiende como vanguardismo. Son un fenómeno europeo,
se habla de vanguardia para referirse al arte europeo hasta 1905-1939 (inicio de la 2ª Guerra
Mundial).
Viene de la terminología militar, la primera línea del ejército. Pasa de la terminología militar a
la artística, el primero en utilizarla es Bandelaire (S. XIX), a partir de mediados del S. XIX
empieza a escribir comentarios de arte, utiliza el término de vanguardia aplicado al arte.
El código académico ha ido fracturándose, empieza a estar pasado, es el tema de una cultura
vieja y hay que derribarlo, hace esa especie de símil, habla de pintores de vanguardia que abren
paso a esa nueva ola, a los que están en la avanzadilla. El objetivo es romper el código
académico y normas caducas y abrir paso a la modernidad.
Todas las vanguardias tienen una doble faceta, necesariamente, el propósito es fracturar la
cultura tradicional, pues tendrían una primera faceta destructiva, y una segunda contractiva. No
necesariamente es al cincuenta por ciento, todos participan de esa doble tendencia, pero hay
algunas en las que predomina más de unos que de otros, las del principio, en general, son más
destructivos por tener mayor oposición. En los que predominan los aspectos destructivos se
encuentra Dadá, futurismo, y en los constructivos el neoplasticismo y constructivismos.
En el año 1905 se fundan las primeras vanguardias.
Fauvismo
Expresionismo
Die Beucre ‘El puente’
Características generales
1. experimentación
- En todos los niveles, propósito de disolver las fronteras de las artes. Hay obras
en las que las fronteras empiezan a no estar claras.
- Se produce la re-unión de artes mayores (el artista además de ser hábil con las
manos ha de hacer un proyecto) y artes menores (forja, ebanistería, vidrio, etc.
Puramente manuales). A partir del Renacimiento, S. XV, se produce esa
división que más tarde con las vanguardias se volverá a reunir (las vanguardias
del S. XX la hacen desaparecer). A partir de la revolución industrial y de la
producción en serie necesitan un proyecto para trabajar industrialmente, reunión
de artes mayores y menores, ya no hay fronteras.
- Empiezan a aparecer nuevas artes, nuevas técnicas, fotografía, fotomontaje,

cine, publicidad.
2. Utopia (no lugar)
Se plantea lo imposible como meta, es el compromiso social.

3. Compromiso social
El artista no puede ser indiferente, tiene que trabajar con la sociedad con la que vive, la función
de este es la mejora de las condiciones de vida, a través del arte. Eso implica tres temas
fundamentales, objeto de la mayoría de artistas, el tema del diseño industrial. Lo que hace es
mejorar los contenidos (cultura material, objetos de uso), vivienda (barata, social, proletaria) y
en tercer lugar la ciudad (mejora de las condiciones urbanas, espacios públicos, zonas verdes).
4. Diversidad/Polémica/Enfrentamiento
En torno a la expresión, abstracción y fantasía. No son compartimientos estancos, hay relaciones

entre ellos, el centro de la vanguardia será Paris, de modo que antes o después pasarán por Paris.
Las bases de la cultura occidental en el S. XV será el claroscuro y la perspectiva, el Fauvismo
romperá con el claroscuro en 1905 y el cubismo romperá con la perspectiva en 1907.
Moderno ≠ Vanguardia
Tema 12
1. Definición
Nos basamos en algo ya visto, que es la contraposición entre impresionismo y

expresionismo. El impresionismo pretende ser objetivo, ¿cómo vemos?, el objetivo es el
conocimiento a través de imágenes, diferente a la ciencia, también se basaba en la sensibilidad,
la visión, los sentidos. Por contraposición el expresionismo pretende ser subjetivo, el sujeto se
imprime en el objeto. Resalta la actitud de Van Gogh como precedente. ¿Cómo sufrimos en
realidad? El objetivo es la acción, actuar sobre la realidad a través de los sentimientos. En esa
dialéctica del S. XIX entre lo clásico y lo romántico hay una reformulación que los valores
clásicos trasfieren al impresionismo y los valores románticos al expresionismo.
2. Ámbitos Cronológicos y Geográficos
El expresionismo no es un estilo, es una actitud que a lo largo del S. XX irá surgiendo de

forma intermitente. Aparecerán diferentes generaciones, momentos en los que predomina esa
tendencia impresionista. Respecto al ámbito geográfico, no hay centro impresionista
diferenciado, hay varios focos. El principal centro impresionista será Alemania, otros serán
París, Viena, Nueva York después de la segunda guerra mundial.
3. Diversidad
Diversidad de fechas, espacios, artística (dualidad entre figuración y abstracción), también

habrá diversidad cromática. En general serán temas sociales pero no únicamente, por último
habrá una diversidad ideológica. En general tiene una ideología progresista, de compromiso
social, pero no todos
4. Variantes
Como precedentes la pintura de Van Gogh
- Finales S. XIX (proto-impresionismo) antecedentes del expresionismo, es contemporáneo con

el cambio de fin de siglo. Anterior a los grupos de vanguardias (grupos organizados).
Principales autores: Eduard Munch y Ensor.
En 1905 (anterior a la primera guerra mundial en 1914), aparecen las primeras vanguardias en
Paris (Fauvismo, ‘faure’ es fiera) y en Alemania (Die Brücke, el puente). Aspectos que terminan
en la primera guerra mundial. El grupo Alemán se bifurca en dos grupos diferentes, ‘nueva
objetividad’ (carácter figurativo) y ‘der blaue reiter’ el jinete azul (carácter abstracto).
5. Características generales
- Liberación del color. El color no será imitativo, reproducción del color natural, será
creativo, se aplica con criterios subjetivos, a veces incluso arbitrarios. Además se rompe
con uno de esos pilares fundamentales de la cultura occidental desde el S. XV, el
claroscuro, se prefieren colores planos.
- El ritmo, gesto, acción. En las obras expresionistas normalmente está presente el ritmo
de las pinceladas. El ritmo se hace para reflejar el gesto, la acción del pintor, en
oposición al trabajo industrial, se trasparenta la obra del autor.
- Aparece como una construcción a través del color, el color construye

- Importancia de la línea. No es constructiva, pretende subrayar, enfatizar, destacar

aquellos rangos del pintor, los más interesantes.
- Hay una cierta deformación relacionado con las caricaturas, no pretende ser subjetiva,
sino objetiva. La realidad parece ser vista a través de un espejo cóncavo/convexo.
6. Antecedentes (protoexpresionismos)
Cronológicamente son los primeros, principios de siglo, pero escaparán del fin de siglo
y participan de estas características sin ser grupos diferenciados. Munch es noruego pero
trabaja en París durante el cambio de siglo. La obra fundamental de Munch es ‘el grito’
(1892/93), el caso de Munch es un precedente, es el primero en pintar. Es la obra más
destacada, hace varias versiones.
El grito (Munch)
Morfología ¿cómo es? Si seguimos el esquema

de características lo cumple todo. Liberación del
color, no utiliza colores naturalistas (cielo verde y
rojo), horizonte no diferenciado, línea sinuosa.
Perspectiva deformante muy fuerte, líneas de
composición deformantes. Aparece la diagonal del
horizonte y del puente. Aparecen líneas circulares en
forma de ondas, traduce con medios pictóricos la
onda del grito. En la figura principal se ve como está
ondulada, la cara es prácticamente una calavera, no
pretende ser naturalista, destacan los rasgos
expresivos.
Iconografía ¿por qué? Es un grito angustiado, el

cambio de siglo son cambios traumáticos, despliegue
de la producción industrial, la gente pierde la raíz, la
transformación de una sociedad rural y artesana se
está transformando en urbana y proletaria, implica desarraigo (pérdida de raíces), se
representa en el cuadro. Aparecen distintas versiones: Xilografía, grabado en madera.
Pubertad (Munch)
Iconografía. Habla de la pubertad, crisis, época de cambio,

vuelve a insistir en el tema de la crisis, en este caso la crisis es
personal, cada persona individualmente, pasa por la pubertad.
La figura que aparece está en proceso de transición, elige una
figura femenina, en ella se ve más claro el cambio, es más
evidente en la mujer. Vincula a la mujer a la tierra, a la
naturaleza es más traumática en la mujer que en el hombre.
Munch es noruego, es la primera cultura feminista, inserción
social de la mujer. Munch participa de esa cultura nórdica, tiene
esa especie de vínculo con lo femenino.
Morfología. No hay esquema constructivo, aparecen las tres

bandas, primer plano (parte horizontal de la cama, el segundo
plano horizontal el lecho) y en tercer plano la pared. Aparece la figura femenina en vertical
en el centro. Diagonal, esa sombra es naturalista. Habla de lo que espera, la indeterminación
del futuro, se libera de la protección paterna. Hay una representación fálica de la amenaza
del hombre. Está en posición de protección, se siente desprotegido y vulnerable. La

expresión, brazos en cruz, el rostro con la manifestación de ese miedo, cautela, sorpresa.
Entrada de Cristo en Bruselas (Ensor)
Se trata de una fiesta

de disfraces, carnaval,
representa la
apariencia, la
falsedad, lo que
parecemos y no
somos. Desfile.
Aparecen Cristo
montado en burro
como en Jerusalén,
fue a sufrir el
sacrificio, la
crucifixión, Cristo
entró en Jerusalén a
lomos de un burro, lo
están esperando en una tarima, donde están las fuerzas vivas, el alcalde. Aparecen las pancartas
‘viva lo social’ y ‘viva Jesús’, es una fiesta, es un engaño, es una apariencia, sabemos como
acabará la historia, tiene una doble moral, ‘viva Jesús’ y beneficio del capital, explotación del
proletariado, las apariencias.
Morfología. Perspectiva en forma de pirámide, con un río de gente que se nos viene encima, sin
embargo los colores destacan en el cuadro, relacionado con el carnaval, luces y color, rojos,
verdes y amarillos. Influencia de los colores complementarios, no hay una dirección de la luz,
no juega con eso, juega a que los colores construyen la luz, la caricatura fundamental, la
máscara, oculta la identidad. Los colores planos, la autoridad con la banda, lo asesora alguien
que parece un payaso.
Fauvismo (Paris, 1905)
Viene de Fauve, fiera, porque una fiera es una animal salvaje, las críticas dicen que los fauvistas
hacen un uso salvaje del color, que no se somete a la imitación de la realidad ni al claroscuro, no
es un color domesticado, es libre.
La raya verde (H. Matisse, 1905)
Es un retrato que hace de su mujer, tiene una raya verde que le

divide la cara en dos. Pinta cuadros utilizando los colores que
quiere, no se trata de imitar, ni de crear una obra nueva, pinta
una autonomía plástica, está construyendo el cuadro a partir
del color, diferencia la parte de luz y la parte de sombra.
Además la tradición de la pintura francesa, teoría del color,
inferior plano, aparece la luz como contraste de colores
complementarios, se aprende la teoría científica, se utiliza para
construir el cuadro independientemente de la realidad, ese
camino va conduciendo a la realidad, se prescinde de la
referencia de la naturaleza hasta llegar a una autonomía. Los
colores utilizados son planos, aparece la construcción plástica
del cuadro. Característica principal del Fauvismo, liberación
del color.
A partir de 1907 se interrumpe esa vanguardia porque Picasso de inicio al cubismo. Es cuando
la línea expresionista se rompe y de todos los autores sólo quedará Matisse como único
representante del Fauvismo con una ligera evolución.
Aspecto burgués de principios de siglo, pelo recogido.
Mujer en camisón (André Derain)
No pretende una descripción de la figura femenina, no hay que

preguntarse que cuenta, sino qué opina de la realidad. Mujer en
camisón, carga sensual, destaca el artificio, maquillada, expresiva,
es todo ojos, manos. Colores sucios, predominan los
complementarios en el fondo, rojo, verde, azul, violeta, amarillo,
para crear el contraste, la luz, no son especialmente limpios, el
amarillo se mancha con el verde. La línea nos está dando la
separación entre los dedos. La composición en ‘X’, el triángulo del
torso y de las piernas, incluso el del brazo que divide el triángulo
superior e inferior, composición mediante triángulos, contrasta con
las dominantes curvas de lo femenino.
Desnudo en el estudio (Matisse)
Asimila la tradición de la pintura francesa, el puntillismo, aprende el uso del color de Seurat o
Signac, el paisaje de raíz impresionista pero transformada, árboles naturalistas, cielo rojo, hojas
de árboles naranjas, lo importante es el cielo, no la visión.
La danza (Matisse, 1910)
Es un mural de gran formato, es la contestación a las

‘señoritas de Avignon de Picasso’, relación constante
entre Matisse y Picasso, son amigos, se respetan, son
los únicos adversarios en la pintura europea del S. XX.
Se regalan obras, hay una competición. Picasso es
multiforme, cambia continuamente, pasa por muchos
estilos, en cambio Matisse sigue una línea. Tienen una
obra de alta calidad, Matisse permanece fiel al
fauvismo, aunque tiene variaciones desde 1905-1950.
El expresionismo de Matisse participa de todas las características citadas, colores planos en la

carne naranja, no hay claroscuro, colores subjetivos, ritmo como componente fundamental de la
danza, el ritmo viene de la propia composición, línea que sirve para dibujar los músculos, partes
del cuerpo, rasgos de la cara. La diferencia con el resto del impresionismo, la primera es que la
pintura es optimista, lúdica, festiva, que trasmite alegría de vivir, no es el desarraigo, no son
temas narrativos de Munch, es alegre, optimista. Vinculación con los temas del desnudo.
Iconografía: Es una danza en donde aparece el vínculo, personajes entrelazados, tres colores:
verde, azul y naranja. Verde la naturaleza, azul el cielo, y naranja los cuerpos. Forma: no hay
horizonte, perfil curvo, perfil terrestre sobre fondo cósmico del universo. Cinco personajes que
representan los cinco continentes, las figuras se entrelazan. La danza es una de las bellas artes.
Artes del espacio y del tiempo. Es un arte visual y musical. Habla del lenguaje universal del
arte, habla de la fusión entre artes, como característica de las vanguardias, pretende ser una obra
de arte total que verifica las diferentes culturas, razas y géneros. Mensaje optimista y pasivo
característico de Matisse.
La música (Matisse, 1909)
Va conjunto con el anterior, relación común, aparecen los cinco

personajes con los tres colores, temas comunes.
El desierto rojo/Armonía en rojo (Matisse, 1908)
Se confunde la perspectiva, el plano horizontal de

la mesa con el plano vertical de la pared, rojo
contrastado con verde. La silla tiene una
perspectiva clara, sin la silla no tendríamos esa
composición piramidal, decoración mediante
golpe de látigo y arabescos.
Armonía colorística, es un tratado sobre la

virtuosidad de la pintura. Aparece una ventana o
un cuadro, cuadro sobre cuadro, tema de la
ambigüedad, está perfectamente construida a
partir de ese fluido de líneas y arabescos, mismo
motivo decorativo en la pared y en el mantel.
Matisse mantiene que la pintura sirve para decorar. El tema es intrascendente, no hay especial
crítica social, crítica o juicio.
Desnudo rosa echado (Matisse, 1935)
La constante iconográfica: el cuerpo humano como

tema, raíz greco-romana, lo que hace es traducir e
interpretar ese tema en clave Fauvista.
Desproporcionado interesadamente, tiene una de las

líneas más elegantes, potencia la sensualidad del
desnudo, líneas suaves, sinuosas, componente
horizontal, sobre ella aparecen las curvas de caderas,
senos, etc. Si algo se quiere contrastar se coloca en
el fondo complementario. Resalta sobre el fondo azul. Contraste de color y formas.
Ícaro (Matisse, 1944-47)
Técnica diferente, no es una pintura, no está hecho con pincel, está

hecho a partir de recortables, utiliza papel charol, trabajo de recortables
con tijeras, cortando y pegando. En este momento los medios son muy
limitados, no hay claroscuro, colores totalmente planos, no hay ningún
tipo de variación. La silueta es recortar, la precisión de unas tijeras es
diferente a la punta de un pincel. Aún así es totalmente expresiva.
Trata de un personaje de la mitología griega. En Greta está el mito del

minotauro, se le encierra en un laberinto, construye unas alas de cera
para escapar del laberinto, pero cuando se eleva y se acerca al sol éstas
se derriten, cae y muere, es el motivo. Lo interesante es como cuenta la
historia, cómo dibuja la caída, lo refleja con el azul y el cielo estrellado.
Punto rojo sobre el corazón, marca la vulnerabilidad, la muerte.
Capilla del Rosario (Vence)
Participa de la decoración interior. A Matisse le

encargan la decoración. Es una obra mixta. Obra
innovadora, separación entre color y dibujo, las
paredes a base de azulejos blancos, es casi un
espejo, se queda como un mosaico. El color
proviene de la luz de las vidrieras abstractas, no
hay dibujo, rojas amarillas, azules, tienen el
objetivo de teñir la luz, aparece el color sobre el
dibujo, tiñe también las paredes y los suelos.
Como el color depende de la luz y la luz es cambiante con el movimiento del Sol, nunca será
igual, siempre es distinto. Dibujo muy sencillo de líneas. Iconografía religiosa, de línea muy
simple, aparece la decoración de todos los elementos, ornamentos religiosos.
Die Brucke, El puente (Alemania 1905)
Diferencias:
- Es un grupo más uniforme, más duradero, permanece hasta el año 1914
- Es un grupo más negativo, en Alemania no existe la tradición greco-romana, es centro

europeo, cultura germánica, de orígenes medievales. No está presente en menor peso, la
tradición greco-romana es una mirada más agresiva, con más crítica. Es contemporánea
a la revolución industrial en Alemania, empieza a industrializarse en el año 1905 con el
tema Werkbund, estos pintores manifiestan de manera clara esa transformación social,
tiene un compromiso social, se identifica el arte como último producto de lo manual,
único, creativo, individual por oposición a la industria que es mecánica, colectiva,
seriada y repetitiva.
- Técnica utilizada: la Xilografía, grabado en madera. Ancestral, muy antigua, se aparte

de una plancha de madera y con un punzón se van marcando los dibujo, quitando la
superficie, lo que mancha es en donde hay madera, luego se tinta. Con un punzón
vamos rebajando la madera, además la técnica condiciona el resultado porque se trata de
obras monocromas, en donde además hay que simplificar, si se rebaja la madera no se
puede afinar igual que con un pincel, aparece una gramática angulosa, sucia. Será la
gramática que trasladen a la pintura. Crearán óleos con apariencia de Xilografías.
Temas en general que tienen mirada negativa, representa la estética de lo feo, grotesco,
lo deforme, lo enfermizo, con una componente de crítica social importante.
Protagonistas Kirchner, E. Nolde, Schmit Rotluff.
Marcella (Kirchner, 1910)
Retrato de una figura femenina, desnuda o semidesnuda,

voluntad no descriptiva, emitía un juicio, diferencia con ‘la
mujer en camisón’, las características son similares aunque
más radicales en el caso de Kirchner, mucho más pesimista,
hay como una mirada más amarga, colores planos, además
colores sucios, tono uniforme, sino fuera por la línea oscura
no diferenciaríamos los rasgos anatómicos. Mancha en donde
se aprecia la dirección de las pinceladas, el gesto.
Reconocimiento de la lección impresionista, rojo y verde, no
son colores limpios. Los rasgos son todo ojos, todo boca,
partes más expresivas, líneas angulosas.
Bailarinas (Kirchner, 1914)
Comparte con lo anterior, composición en zigzag, como manifestación del dinamismo, contraste
de la composición en zigzag con la vertical del cinturón, los abanicos de diagonales como
palmeras, la huella del pintor, el trazo sobre el suelo, colores planos rojo y amarillo.
Temas, se trata de dos figuras contemporáneas, pelo cortado estilo cleopatra, pantalones de los
años 20, el nuevo tipo femenino de los tipos contemporáneos, mujer sofisticada, que se
desinhibe. Opinión sobre el mundo contemporáneo.
En la primera guerra mundial aparecen dos grandes

bloques Francia y Alemania, se está solucionando
quien tiene la primacía industrial, quien va a ser el
país más poderoso, ese primer conflicto de gran
envergadura. El número de víctimas civiles superan al número de víctimas militares, se prueba
con las nuevas armas químicas. Se termina con la derrota de Alemania, queda sin delimitar las
fronteras ni los países dominantes. Alemania sale de la guerra con unas condiciones de derrota y
de hundimiento económico. Se produce unos movimientos de hundimiento industrial. Casi
Alemania tiene que partir de cero. En esas condiciones surgen nuevos grupos de características
opuestas, dos opciones contrapuestas:
1. Lo importante son los temas. Objetividad, figurativo, temas de la guerra (desastres,

corrupción, violencia), compromiso y crítica social. Lo harán desde un punto de vista
figurativo. Fauvismo en Francia con Matisse.
2. Lo importante son la técnica y aspectos morfológicos. No hay figura abstracta, se puede

hablar de arte con el arte, arte sin figura, sin referencia a la realidad. Die Brucke en
Alemania (Nueva objetividad, figurativo con Grosz, Beckman Dix, y der blaue reiter,
abstracto con Kandinsky y Klee).
Funcionario de estado para los mutilados de la guerra (G. Grosz)
Imitación de la naturaleza, el título nos da datos, funcionario de estado y referencia a la guerra,

consecuencias de la primera guerra mundial, desde el punto de vista de la morfología utiliza los
elementos del expresionismo, ese cierto dibujo caricaturesco para remarcar el mensaje, lo que
nos quiere contar.
Aparecen tres figuras masculinas con sus atributos, marcando quien es el personaje con la pala
al fondo, trabajadores, figura central con uniforme militar, mutilado. En primer plano esa figura
cortada con el traje el bastón como nota de distinción, de poder.
El entorno es urbano, es en donde aparecen las ruinas, destrozos de

la guerra y en el fondo las chimeneas, nos remiten de nuevo a la
industria, los mutilados de la guerra que no pueden incorporarse a la
vida civil. El funcionario del estado es la figura maltratada, ojos
torcidos, cara de pan, se le asocia, o contrapone, al mutilado y al
trabajador, es como una tercera clase, un tercer tipo.
Dibujo efectivo, quiere comunicar el mensaje, son colores bastante

planos, perspectiva casi axonométrica, la profundidad viene dada por
los distintos planos, personajes y fondo. Lo interesante es el mensaje
más que la formalización.
La noche (Max Beckmann)
Pintor figurativo, herido durante la guerra, tiene un

trauma psicológico. Aparecen la influencia del
cubismo. Más que la formalización lo importante es
el tema, la noche tiene que ver con la violencia,
parece un asalto a una familia a la que están
horcando, una figura femenina a la que le clava una
espada, una niña a la que están ejecutando.
El entorno es un interior, suponemos doméstico,

asalto a una vivienda de una familia civil. Los
asaltantes tienen atuendos de personas urbanas,
burgueses y el de la izquierda con las vestiduras de
Lenin.
En cuanto a las víctimas, no se trata sólo de un asesinato, hay alevosía, tortura, refleja el
máximo de agresividad y tortura hay un cierto gusto con el detalle.
La guerra (Otto Dix)
Lo singular de este cuadro es que aparece una representación dual, se divide en dos, la parte
superior representa las trincheras, bombardeos, desolación, nada vivo, figura fantasmal del
soldado, ramas secas, ruinas, y en la parte inferior aparecen una especie de sarcófago, en un
muerto, cadáver, establece
un paralelismo, el frente
(Francia y Alemania)
permanecía fijo durante
prácticamente 4 años, fuerte
de trincheras en las que
murieron soldados,
trincheras como cementerio
de una y otra banda, tanto
para Beckman como Otto
Dix lo importante es el
mensaje, no hay vencedores
ni vencidos.
Der Blaue Reiter. Se centra en el arte por el arte, lo importante no son los temas, sino la técnica,
morfología, como se ponen los signos sintácticos. Los autores más importantes son W.
Kandinsky y P. Klee, siguen una investigación paralela. El grupo empieza a principios de 1911.
Empieza desde la premisa del expresionismo hasta la abstracción, se pierde la figura. La
abstracción era como las matemáticas para la física, es la abstracción que aparece a partir de
1910, aparece simultáneamente desde la abstracción, surrealismo y la fantasía, a la abstracción
se llega desde todos los caminos, implica hacer pintura sin figura. Lo importante no es la
semántica, ante una pintura abstracta no se puede hablar de referencias a la realidad, no hay
imitación, lo importante será la morfología, con qué elementos trabaja el pintor, formas con las
que trabaja y cómo las combina, cómo las pone juntas y porqué. De lo que se dan cuenta estos
autores, es que el conjunto de significantes es mucho mayor que el conjunto de significados, por
lo que únicamente trabajarán con lo signos.
Primera acuarela abstracta (Kandinsky)
En la oscuridad de la noche encendió una

pequeña vela y reflejó una obra suya que no
supuso que lo fuera, y se preguntó cómo llegó
hasta allí, era el lienzo al revés del que estaba
trabajando. Percibía las tensiones, juegos y
formas sin ver la representación, lo cuenta como
origen de la abstracción, intenta retrocaerse,
empieza a reducir elementos, lenguaje infantil,
como se aprende a pintar, a expresarse, a
comunicar.
Hay una premisa importante, arte como

comunicación, mediante signos, son signos
convencionales, el mismo objetivo dice Kandinsky, mediante signos plásticos y artísticos y que
son convencionales y dependen de la técnica, para pintar hay que tener un soporte, un plano,
además hay dos tipos de elementos, una punta con la que hacer líneas y un pincel con el que
hacer manchas.
Un niño todavía no ha aprendido los conceptos, es una realidad externa a si mismo, todavía no
tiene los conceptos de lo que es cada cosa, sin embargo, él defiende que aún sin conocer los
conceptos e ideas de su entorno (una cama, una silla...) Lo único que puede comunicar un niño
serían manchas de color e impulsos motores, movimientos.
Hay dos tipos de líneas y dos tipos de manchas diferentes, las líneas en principio o bien son
filiformes, implican dirección, movimiento, líneas unidas a manchas densas de color.
En cuanto a las manchas las hay trasparentes, diluidas, o bien concentradas, normalmente
formadas por dos colores, uno frío y otro cálido, con esos cuatro elementos se está haciendo una
composición ilimitada, el borde del papel parece aleatorio, se escapa del papel.
Las manchas diluidas significan espacio, nos da una vaga idea de profundidad, de lo que hay
delante y detrás, medio fluido, en ese espacio encontramos formas que se mueven, elementos,
formas que se mueven en el espacio, el equivalente a las figuras. El cuadro se ha convertido en
un campo de fuerzas en el que están en equilibrio los elementos, los signos entendidos como
fuerzas.
Primeras acuarelas 1910

Impresiones 1914
Improvisaciones 1914-21
Composiciones 1921
Lírica (Kandinsky)
Líneas, manchas más o menos diluidas y concentradas.

El título nos remite a la música o a la poesía. Fondo,
manchas que combinan color frío y cálido, tensión y
distensión. Formas que se mueven con la misma
dirección, no hay perspectiva ni claroscuro, ni naturalidad entre colores.
Improvisación nº 26 (Kandinsky)
Lírica muy inmediata, los elementos siguen siendo los mismos,

aparece una línea que marca un cierto horizonte. El formato
cuadrado lo divide en dos, sobre el horizonte aparece una serie
de líneas curvas más o menos antropomórficas, grupo de
diagonales que conducen al centro. Hay una especie de
estructura de armazón.
Composición nº 4 (Kandinsky)
Representa el grado máximo de complicidad, ya se

conocen las herramientas del lenguaje, podemos hablar
de la semántica de lo que significa el lenguaje plástico,
son líneas y manchas, formas elementales, significados
intrínsecos, significados independientes de la naturaleza
y de la realidad.
Escribe dos textos:
- En 1910, ‘Lo espiritual es el arte’. El arte es una tarea espiritual, es una actividad
estética)
- En 1925, ‘Punto y línea sobre plano’. Recoge la docencia que importa en la bauhaus y
en donde argumenta ese lenguaje plástico con sus características.
Variantes de la línea que incluye en la composición nº 4, líneas diagonales, horizontales,

enfáticas, quebradas... induce al movimiento, equilibrio, situaciones de estaticidad, dinamismo,
aparece un despliegue, abanico, de líneas alrededor.
Colores de distinta naturaleza, juega con los degradados, marca un paisaje, elementos como que
se mueven, interpretan una especia de colores y arco iris, es una representación subjetiva y
personal.
Simple (Kandinsky)
El color y la forma se refuerza, el círculo es azul, el tema no es el mismo, especie de aura,

imágenes de la luna o astro, cuadrado de fondo rojo y triángulo amarillo en posición inestable,
frente a la inestabilidad del cuadrado aparece ese desequilibrio.
Klee
Profesor junto a Kandinsky en la Bauhaus, estudia la teoría de la forma y de la figuración. El

planteamiento es parecido al de Kandinsky, está reduciendo elementos, hace una especie de
tejido de líneas horizontales y verticales. Marca tres posibles situaciones, a, b, y c. Y jugando
con los mismos elementos estamos identificando figuras diferentes, en los tres casos hay lo
mismo, la misma trama, línea horizontal a-superior, b-intermedia y c-inferior. Se construye la
trama hacia arriba-c, abajo-a, y en dos direcciones-b, dependiendo de la posición evoca una u
otra forma.
c-Silueta urbana
a-Remite a cosas que cuelgan del techo
b-Reflejos en el mar
Calle principal y calles laterales (Klee)
Calles que fugan hacia un horizonte, línea horizontal, dirección

convergente más ancha posteriormente, está construyendo una
pirámide visual, un esquema perspectivo. El horizonte está muy
alto, es una vista de pájaro, punto de vista muy elevado.
Trama de horizontales y diagonales que forman un mosaico,

parcelación. Colores principales naranjas y azules, fríos y cálidos.
Puerta de jardín M (Klee)
La ‘M’ representa una puerta de doble hoja, da a un jardín, serpientes, árboles, pájaros, etc.
Árboles representados mediante rascaduras, introduce la textura, se incluye una capa
aglomerante en la que después se raya, nos recuerda a una tapia, si hay una puerta es por que
hay una tapia que define el jardín. Evoca elementos de un jardín sin representar el jardín,
mediante signos, evocaciones, estrellas, animales, puertas...
Un cuentecito de un enanito (Kleer)
Abertura a la fantasía, doble formato, rectangular fijo y ojo de apertura a la fantasía.
Pablo Picasso (1881/1973)
Vive prácticamente todo el S. XX. En 1920 se encuentra en París haciendo obras maestras.
Muere en 1973, tiene 70 años de producción, a diferencia de Matisse es una especie de
camaleón, investigando y cambiando.
Etapa Azul 1903

Etapa Rosa 1905
Es prácticamente Dios, es la figura representativa del S. XX, en el arte moderno siempre está
Picasso de referencia desde 1907. Entre 1903-1907 tiene una época expresionista dividida en
dos partes, la etapa azul y la rosa, usa colores dominantes. Periodo expresionista por la técnica,
color azul, frío, triste, temas de miseria, desgracia, etc. Picasso intenta abrirse camino en Paris,
aunque no es su mejor etapa.
Pobres a la orilla del mar (Picasso)
La vida (Picasso)
Trata el suicidio de su amigo, trata el tema de las edades (niño,

adulto y anciana). A partir de 1905 empieza a cambiar la tonalidad.
Los saltimbanquis (Picasso)
Tonos dominantes más cálidos, aparecen los rosas

como tonos dominantes, también caben los temas
del circo, se inicia una etapa más optimista, ya
conoce el idioma, conoce a pintores, además tiene
pareja, tiene la decisión de quedarse. En ese
contexto los circenses aparecen como el modelo de
artista ideal, aparecen como el ejemplo a seguir,
lleva una vida libre sin ataduras, bohemio, todo gira
alrededor de su trabajo.
Tema 13
Cubismo
Tiene sus raíces en la pintura de Cezanne y en el neoimpresionismo. Dentro de esa abstracción

se tratan los dos movimientos de la primera guerra mundial (1907-1914). Cubismo y futurismo
son movimientos entorno a la abstracción.
Los fundamentos surgen de:
1. La pintura de P. Cezanne, iba reduciendo la perspectiva, se quedaba con la estructura y

los elementos mínimos. En 1907 se hace una exposición de Cezanne, la cual admirará
Picasso.
2. La pintura de Rosseau ‘el aduanero’, era el inventor de la pintura ‘naif’. No tiene
formación como pintor, no conoce las reglas de las perspectivas, demuestra que se
puede partir de cero.
3. Arte negro, la escultura, es un gran coleccionista de esculturas africanas.
Características del cubismo:
1. Dos dimensiones. Pasa de la tercera a la segunda dimensión mediante perspectivas, se

basa en el sistema diédrico.
2. Identidad entre figura y fondo, se trata igual, figuras descompuestas de forma plana,
descomposición del volumen en planos, la apariencia es de espejo roto.
3. Podemos hablar de cuarta dimensión, el tiempo. Se está representando el movimiento.
Hay simultaneidad de vistas, se está representando a la vez el alzado y la planta.
4. La luz se identifica con planos cromáticos.
5. Aparecen nuevas técnicas, para resaltar la textura, ‘el collage’. La textura se consigue
mezclando arena y serrín con color. No es una textura lisa, tiene caracteres táctiles,
textura como valor nuevo. El collage consiste en introducir elementos planos en el
cuadro. ‘Collage’, cualquier material plano puede formar parte del cuadro, enfatizar el
carácter plano.
El tema no es lo importante, son temas banales, naturalezas muertas, es una constante

iconográfica. Se aplica el nuevo código a los temas ya conocidos, es una traducción. Picasso se
inventa un nuevo idioma, los temas conocidos los traduce a un nuevo idioma.
Lo importante no es el tema, sino la técnica, cómo funciona, hablamos de construcción, se

equipara el cuadro a una máquina.
Las señoritas de Aviñón (Picasso, 1907)
No tiene perspectiva, la idea fundamental del cubismo:

liberación de la forma. No hay perspectiva cónica, cuadro
bidimensional (alto y ancho), si el cuadro no tiene tercera
dimensión (profundidad visual) de lo que se trata es de
hacer una construcción plástica bidimensional.
En el cuadro la excusa no son las señoritas de la calle de

Aviñón, el tema principal es el desnudo con constante
iconográfica, en la arte inferior vemos un bodegón, otra
constante iconográfica. Una señorita lleva una máscara que
nos recuerda al arte africano. Fondo llenando los espacios
entre figuras mediante la descomposición en planos, planos de un color homogéneo.
A partir de 1907 el cubismo se convierte en el lenguaje de arte moderno del mundo entero, en
mayor o menor medida y con varantes, va evolucionando, se distinguen cuatro variantes del
cubismo.
Cubismo analítico Desarrollado fundamentalmente por P. Picasso y G. Braque
Cubismo sintético Desarrollado por J. Gris

Crítica de Marcel Duchamp
Críticas del cubismo
Crítica de Robert Delaunay
Cubismo iconográfico Principal representante F. Leger
Cubismo analítico
Naturaleza muerta española (Picasso, 1912)
El tema es lo de menos, distintivo la representación de la bandera

española. Naturaleza muerta, objetos comunes fácilmente
identificables, el tema es puro pretexto. Representado sin
perspectiva, representa la capa en alzado y a la vez en planta,
cuarta dimensión (tiempo), lo importante no es como vemos.
Figura y fondo tratados del mismo modo, se descompone la
realidad para conocerla, afecta tanto a las figuras como al fondo.
Mujer en camisón (Picasso, 1913)
Figura humana, otro gran tema, el desnudo. Señorita con camisón

sentada en un sillón. Signos-abstracción, el pelo, el pecho, la
camisa, la axila, el sillón y flecos, el periódico. Picasso nos da los
datos, tenemos que hacer la operación inversa, ir buscando,
formamos una imagen mental de lo que representa.
Naturaleza muerta con eje de flores (G. Braque, 1911)
Se pasa del fauvismo al cubismo, mucho más revolucionario que

el fauvismo, a partir de 1908 se une a Picasso en la fase del
cubismo analítico.
Objetos encima de una mesa, uvas, naipes, chistera, flores,

letras. La mesa es redonda, ovalada, de madera lo apreciamos
porque aparece la textura. Está representada de frente y en
planta.
Argant: Braque pone mayor énfasis en la descomposición de los

aspectos cromáticos, en cambio Picasso tiene la prioridad de
descomposición del volumen.
Cubismo sintético
Naturaleza muerta con frutero y botella de agua (J. Gris)
Hablamos de recomposición, empezamos a ver las piezas más

unidas, elementos más reconocibles, con frutero y botella de agua.
Novedades, el collage, recorte de periódico que se pega, parece ser
un recorte del periódico ‘le monde’. Las naturalezas muertas
sintéticas suelen estar sobre el suelo, no sobre una mesa, lo
importante suele ser la síntesis normalmente con reglas
proporcionales. Hay relaciones proporcionales métricas.
Suelo de ladrillos blancos y negros, línea de horizonte que separa,

baldosas giradas, el objetivo es la construcción plática. El plato de
porcelana representa un trozo, la parte de detrás es de piedra, la
parte superior del frutero es circular, en proyección paralela no
como un óvalo.
Retrato de P. Picasso (J. Gris)
Predomina la síntesis, figura y fondo tratados de la misma manera,

descomposición en planos. Se le está dibujando con la paleta de
pintor, lo que le define. Además aparece ese movimiento, imagen
rota.
Cubismo crítico
Desnudo descendiendo de una escalera nº 2 (Marcel Duchamp, 1912-1916)
Cubismo muy estático sobre una sociedad muy moderna, muy

dinámica y en movimiento. Se ve una secuencia, el cine,
reconocemos la descomposición en planos, técnica
bidimensional, además hay una figura desnuda en la que se
reconoce las rodillas, caderas, hombros, cabeza, la secuencia
del movmiento.
La influencia del cine, empiezan a difundirse las primeras

películas. Se pone el énfasis en las rótulas, rodillas, hombros,
allí en donde hay movimiento de giro. Analogía maquinista,
puntos en donde se articulan movimientos.
Saint-Séverin (Delaunay, 1909)
Critica la inestabilidad del cubismo, pero el movimiento que le

interesa no es el dinamismo de la figura, le interesa el
dinamismo de la luz, es algo continuamente dinámico, que
cambia, será fructífero porque tiene consecuencias de dos tipos:
- Delaunay hace series, representa el cambio de luz.

- Llega a la abstracción a partir del cubismo y del expresionismo
Para ello realiza tres series:
1. Saint Séverin (Delaunay). Ya no utiliza la técnica impresionista,

utiliza la técnica cubista, es una arquitectura.
2. Torre Eiffel (Delaunay). Figura y fondo, identidad interior-exterior (pintura), vacío-

lleno (escultura).
Aparece como novedad el dinamismo de la luz.
La torre nos da los datos, no es una descripción de la torre, no nos
describe la catedral lo suficiente como para reconocerla. La torre se
asienta en la ciudad, el motivo es hacer creer que la torre está
rodeada de casas, se confunde el interior del exterior, está fundida
con las nubes.
3. Una ventana (Delaunay, 1912). Planos cromáticos, desaparece la

figura, queda única, juego de luz, la estructura del cuadro son
planos cromáticos. No hay figura y fondo sino que es todo igual.
4. Discos solares (Delaunay, 1912). Círculos solares, el soporte es circular, se utilizan

geometrías circulares. Descomposición del plano a partir
de la composición del color. Fuente de luz muy intensa
rodeada de aros que contrasta con el frío del fondo a partir
de una composición diagonal, juego compositivo.
Cubismo iconográfico
El representante más claro es F. Leger, es un emocionado de la máquina
Elementos mecánicos (Leger, 1918)
A partir de la revolución industrial lo importante es como

funciona, mecaniza a las máquinas, las toma como modelo, sus
imágenes son como de máquinas, como una especie de fiesta, de
celebración, muy moderno, de confianza en la máquina.
Aparecen engranajes, tornillos, bielas, ruedas, etc. Elementos
mecánicos. Lenguaje cubista mucho más geométrico y plano,
aparecen esas geometrías mecánicas.
Ensamblaje violín (Picasso)
Collage tridimensional, es una técnica totalmente innovadora, se trabaja por sustracción, por
adición se va sumando formando un volumen. Se construye a partir de elementos como tela,
madera, lata y carbón.
Mujer peinándose ante un espejo (González)
Marca la evolución a través de la figura, como se llega a la abstracción,

llega a reducir la figura a símbolos, a escribir en el espacio mediante
formas de hierro. La cara es un circulo, el cabello son líneas de peine, se
juega a la proporción para reconstruir uno mismo. Introduce el
movimiento.
La Montserrat (González)
Obra más importante, es hierro, se trabaja con

forja, chapa de hierro plegada formando el
volumen, no vaciado, escultura importante, se hace en 1937 para el
mismo sitio que el Guernica.
Representación de una campesina, es el tipo del campesino español
que se levanta contra, el atuendo, la oz, el escudo, atributos del
campesino transformados en arma militar.
Guernica (Picasso)
Mural que se pinta para la exposición universal de París, mide 8 por 3 metros.
Existe en España un gobierno democrático, hay una revelación en la que se impone la segunda
república, ese gobierno legítimo sufre en 1936 un golpe de estado militar, representa un
totalitarismo desde 1939 hasta 1975. El cuadro de Guernica se hace en 1937, iniciada la guerra
civil. La obra más importante es Guernica, se hace para la exposición universal del año 1937, el
gobierno de la república reúne a los principales artistas modernos.
El arte moderno se identifica con democracia, libertad. Reúne a Pablo Picasso, Julio González,
Joan Miró, J. Luis Sert, etc. Todos ellos participan en la exposición del 37, pretenden ser un
manifiesto a favor de la democracia.
Picasso toma como motivo, tema, el bombardeo de las fuerzas alemanas sobre la ciudad de
Guernica, Franco fue apoyado por el resto de dictadores (Hitler y Mussolini), en 1937 se
produce el bombardeo. Guernica es una ciudad civil, sin objetivos militares, la ciudad fue
arrasada, poquísimos supervivientes, inventa el compromiso del artista, el arte debe ser un
intelectual comprometido ante el abuso de los intelectuales tienen que expresar su opinión, ser
la voz de los débiles. En este caso el tema del cuadro es fundamental, bélico, el horror de
bombardeo, pone en crisis el cubismo, es una especie de advertencia de los gobiernos europeos,
Francia, Gran Bretaña, EE.UU. por miedo a Hitler y lo que pasará después. La guerra española
es el preludio de la Guerra Mundial.
Es una declaración, los totalitarismos conducen a ello. El lenguaje es cubista. Descomposición

en planos, frente y perfil, planos cromáticos de luz, también es un cuadro clásico, hay una cierta
construcción perspectiva, interior de una habitación, a la derecha sin embargo vemos la parte
exterior, una ventana ardiendo. Composición claramente piramidal. Aparece el claroscuro. Se
están combinando los códigos clásicos con los modernos, en cualquier idioma es un horror,
madre e hijo en brazos muero, cuerpos desmembrados, incendio, ojo, luz, candil.
Futurismo
Abstracción/Racionalidad, Antes de la 1ª Guerra Mundial 1909-1914, Italia
Italia es un País atrasado económicamente, la revolución industrial está pendiente, es más un

deseo que una realidad, Italia tiene el patrimonio artístico más importante del mundo. Pone los
fundamentos del arte occidental, perspectiva, claroscuro, etc. Implica que a ese doble carácter,
la vanguardia del futurismo tiene un mercado acento de ruptura, es necesario ser muy violento
para luchar en contra de la tradición.
El futurismo empieza en 1909 como una vanguardia literaria, Marinetti publica el manifiesto
futurista, lo transmite a otros campos, teatro, pintura, arquitectura, escultura, cocina, etc.
Indefinición entre fronteras.
Surgen 3 ideas clave:
1. La máquina, el futurismo tiene admiración con la máquina quien representa lo nuevo,

será una especie de Dios para los futuristas, habrá una imitación, el arte imitará la
máquina, será tema, motivo.
2. La velocidad, los futuristas identifican S. XX con la velocidad, la belleza de la
velocidad
3. La metrópoli, la gran ciudad como marco, la sociedad del S. XX, sociedad urbana, de
gran ciudad, de metrópoli.
En pintura destacan Giacomo Balla y Luigi Russolo

En escultura Humberto Boccioni
En arquitectura Antonio Sant Eliá
Automóvil de carreras (Balla, 1913)
El futurismo comparte conceptos con el cubismo, con

la diferencia de que el cubismo es estático y el
futurismo dinámico, es una especie de crítica italiana.
El automóvil es una máquina cuyo objetivo es la
velocidad. El automóvil ya ha pasado, lo que queda
son los signos de movimiento, las espirales como
signo de movimiento, esa especie de curvas abiertas,
acción/reacción, principio de la dinámica, oposición al
movimiento, ondas del viento desplazadas al pasar el
coche, hay resistencia al suelo, cuños triangulares. Hay
contrastes entre curvas abiertas, espirales frente al
fondo de horizontales y verticales. Desaparece el
color, consecuencia del movimiento, va tan rápido que no lo podemos apreciar, recuerda a
signos de movimiento, de los cómics, surge con los futuristas.
Dinamismo de un automóvil (Russolo)
Vemos el coche, es como una imagen congelada, se están

utilizando la cuña, el triángulo tiene dirección, ese movimiento
se está reforzando con el color, color frío el coche, color cálido
para el fondo. En este caso interesa lo que aprenderán los
americanos, las formas aerodinámicas, el diseño norteamericano
se llama “estudio aerodinámico”.
Formas únicas en la continuidad del espacio (Boccioni)
Representación del movimiento de la figura humana, el espacio y la figura se representan juntos,

el aire es desplazado por la figura al moverse, el movimiento influye en la forma como el
movimiento afecta a figura y espacio.
Arquitectura – Antonio Sant Eliá
‘La cita Nouva’ Milán, 1914
En 1914 aparece un arquitecto, Antonio Sant Eliá, monta una exposición llamada la cita Nouva
(la ciudad nueva), esta construcción adquiere el nombre de ‘Messagio’, lo reelaboran (tanto él
como Marinetti) y lo convierten en el manifiesto de la arquitectura futurista.
En el manifiesto aparecen dos partes, lo que se rechaza y lo que se propone:
Rechazan: Aspectos del arte de fin de siglo, la arquitectura histórica, la rehabilitación de

edificios históricos, están en contra de las composiciones verticales y horizontales, en contra de
los materiales naturales (piedra, madera, etc.) y también en contra de la decoración.
Proponen: Dinamismo, basado en la diagonal y la curva, sin ornamentación, colores brillantes y

puros, arquitectura con nuevos materiales, hormigón, vidrio; pretende ser expresiva, que imite a
la máquina y no a la naturaleza, sobre todo una arquitectura que se renueve constantemente y
que cada generación tenga su propia arquitectura.
Muere en 1916 durante la primera guerra mundial en el frente. No tiene obra construida
relevante. Desde 1914-1916, obra muy corta y escasa, no son proyectos ni obra construida, son
imágenes. Cuando hablamos de un proyecto hablamos de la definición completa en la que hay
aspectos constructivos, funcionales y formales, también económicos e ideológicos. Sin embargo
en imágenes hablamos de forma. En proyectos hablamos de dibujos tridimensionales de
perspectivas, cuando uno dibuja en perspectiva lo que le interesa es cómo se ve, la visión, no le
interesa ni los aspectos contractivos ni funcionales.
Lo que Sant Eliá pretende es mostrar, enseñar, como se imagina la ciudad del futuro. En el
futurismo hablamos de tres ideas básicas:
- La máquina
Sant Eliá imagina como es a gran ciudad, trabajará
- La velocidad
con la metrópoli.
- La metrópoli
La iconografía de la ciudad moderna se debe a las imágenes de Sant Eliá
Edificio Monumental (Sant Eliá)
No habla de aspectos funcionales ni de aspectos constructivos,

sólo le interesa el aspecto formal. Rechazo de los criterios
académicos, la vanguardia que implica ruptura, esta imagen no
se parece a ninguna arquitectura anterior (ni románica, ni
gótica, etc.), se trata de una ruptura. Los edificios de Sant Eliá
parecen máquinas, no imitan a nada anterior ni natural, se
rechazan los criterios académicos y se prefieren las
composiciones dinámicas, la arquitectura está sometida a la
novedad.
Edificio escalonado con ascensores (Sant Eliá)
La fachada tiene una diagonal escalonada, elemento vertical que

suponen elementos de comunicación, ascensores, implican
movimientos, son máquinas y se encuentran en la metrópoli. Tres
características reforzadas en el futurismo.
Edificio escalonado (Sant Eliá)
Escalonamiento, fachadas diagonales,

curvas abiertas, tensión, no hay
ornamentación, paredes desnudas y lisas,
únicamente con color, todos los elementos
resaltados son vías de comunicación,
puentes.
Dos importantes temas cuidados son la central eléctrica y la

estación.
Central eléctrica (Sant Eliá)
Es una especie de máquina a tamaño edificio, el

consumo de energía que cada vez era mayor,
característica de la civilización moderna, ara el
movimiento. Es un edificio dinámico, diagonal, es una
presa, la presión es mayor en la base por lo que su
sección es mayor. Composición diagonal, con
movimiento, aparecen máquinas, antenas, cables... Por
ello hace varias versiones.
Estación (Sant Eliá)
Combina trenes con arquitectura. Central de estaciones,

combina las tres ideas fundamentales, la máquina
(aviones, coches), la velocidad (el transporte) y la
metrópoli. Dibuja el tema de los ascensores, las rampas.
Tema 14
Protoracionalismo
Nombre que se le da a la arquitectura en el período anterior a la primera guerra mundial (1900-

1914) en Europa. Es el primer racionalismo, en el período posterior (entre guerras)
encontraremos el racionalismo, llamado también el movimiento moderno.
En ese periodo todavía está vigente el arte de fin de siglo, el protoracionalismo es

contemporáneo y opuesto al arte de fin de siglo. El arte de fin de siglo era un arte burgués, con
características ornamentales, coherencia, se ornamenta y diseña todo. El protoracionalismo
tendrá otras características, se caracteriza por un compromiso social, los temas serán la vivienda
social, mobiliario e iluminación baratas, de aquí nacerá el diseño industrial. Además hay un
compromiso por la desornamentación y por la ciudad industrial, hay un compromiso por la
construcción moderna, aparece y se desarrolla el hormigón armado. La idea fundamental del
protoracionalismo es la economía en sentido amplio, se elimina lo que sobra (ornamentación), el
sistema constructivo más barato, economía de superficies.
Diferencias entre protoracionalismo y el racionalismo
1. Antes de la primera guerra mundial no se ha producido la asimilación de las

vanguardias, el protoracionailismo no es la vanguardia, por lo que no implica ruptura,
cambiará en la primera guerra mundial, en el movimiento moderno sí implica ruptura,
eso es porque se asimilan las vanguardias.
2. Contexto histórico. Las condiciones políticas, económicas, sociales, etc. cambian
radicalmente antes y después de la guerra. Antes de la guerra es protoracionalismo
(predomina la burguesía y el arte de fin de siglo), después de la guerra se pasa a un
predominio del proletariado y a unas necesidades sociales mayores. Antes era llamado
‘belle epoque’, después se dará la reconstrucción de Europa debido a la desolación de la
guerra, cambian las circunstancias y el arte.
Principales focos:
1. Caso Francés. Dos arquitectos con aportaciones importantes serán Auguste Pret
(defensor del hormigón armado para la industrialización) y Tony Garnier (introduce
otra gran preocupación, ‘une cité industrille’, introduce las ideas del urbanismo
moderno).
2. Caso Austriaco. El arquitecto fundamental: Adolf Loos, se caracteriza por su obra

fundamental ‘ornamento y delito’ en 1908.
3. Caso Alemán. Lo importante no es un arquitecto, sino una sociación, -werkbund- en

cuyo seno nacerá el diseño industrial propiamente dicho, promovido por meter Behrens.
Auguste Perret
Razón fundamental, la sociedad se mueve por recursos económicos, el hormigón armado

permite economía, es un material barato, procede de arcillas, se produce en gran cantidad
industrialmente y a buen precio. Además, en su momento tomó importancia, ahora ya no tiene
tanta, hoy en día es más importante el precio de la mano de obra. La ventaja del hormigón es
que no necesita mano de obra especializada. Otra ventaja es que es un material incombustible,
no se ve afectado por el fuego (el hierro a partir de los 300º se vuelve blando). Es un material
aislante térmico y acústico con gran resistencia mecánica; por estas características se convertirá
en el material más importante del S. XX.
Perret es un pionero en el uso del hormigón armado, las primeras construcciones serán las
viviendas de la calle Franklin en París.
Viviendas de la calle Franklin (Perret, 1903)
Perret inaugura el sistema constructivo en hormigón armado,

cualquier edificio actual con la estructura de hormigón se está
construyendo con la misma técnica de Perret. Se construye el
esqueleto de hormigón (vigas horizontales y verticales) se va
añadiendo las fachadas y particiones interiores, ese sistema por
capas en el que primero se hace el esqueleto y después se
incorpora lo demás no sólo se hace de esa manera sino que se
enseña y deja claro como está hecho.
Solar bastante estrecho, con una sola fachada, son típicas casi
parisinas, que nada tiene que ver con el diseño de Perret. Para
conseguir más fachada lo que hace es plegarla, mete un patio
delantero. En la planta todos los espacios tienen iluminación
directa, todas las habitaciones tienen luz y ventilación directa.
No es una vivienda de la alta burguesía, se empieza a buscar una conquista de la higiene en

todas las casas sociales. Es burguesa pero no de alta burguesía.
Garage Ponthieu (Perret, 1905)
Utiliza el bastidor en hormigón, soportes verticales y vigas horizontales, lo que queda en medio
se rellena con vidrio. Para garajes cuantos menos pilares mejor, la estructura permite soportes
no muros. Estamos a inicios de la luz eléctrica pero es sistema sigue siendo muy primitivo, la
luz natural todavía es tema fundamental, la estructura puramente dormida, fundamentalmente es
una estructura industrial.
Perret dice que el hormigón no sólo sirve para industrias o casas, en el año
1923 le encargan una iglesia, la iglesia de Notre Dame Rainoy (1923), es un
encargo y le dicen que tienen poco dinero y tiene que ser una construcción
rápida. La organización de la iglesia es convencional, en ‘planta de salón’, lo
que hace es traducirla en hormigón, lo reinterpreta, no tiene revestimiento,
cubierta hecha a base de bóvedas, tiene naves, fondo en forma de ápside y
vidrieras.
La estructura es de hormigón visto, los cerramientos de la vidrieras están

hechos en hormigón, son piezas prefabricadas de hormigón translúcido y
permite la construcción de paredes luminosas y vidrieras.
Tony Garnier
Arquitecto francés que pasa a la historia de la arquitectura moderna por un solo proyecto, es
becario en la academia francesa en Roma, realiza un estudio sobre la ciudad, el urbanismo,
incluye todos los aspectos, plantas (función),secciones (construcción), alzados (forma) y
perspectivas (imágenes).
Se trata de un proyecto de una

ciudad utópica. Sociedad entre
30 y 40 mil habitantes, que está
en el centro de Francia con río,
colinas y llano, en donde
tenemos una organización
política de democracia,
asamblearía con una economía
de cooperativas municipales,
de manera que sanidad,
educación y cultura están a
disposición de todos los
habitantes, los servicios
básicos, agua, electricidad, son
de todos y para todos.
La condición fundamental es la higiene, una ciudad del S. XX tiene que ser zonificada, separada
de usos, no se mezclan las fábricas con las escuelas. Se separan la residencia de la industria y
de sanidad. Como novedad se construye en hormigón.
Zona sanitaria
El hospital es pabellonario, se dividen a los enfermos dependiendo de la patología, en defensa

de la higiene. Incluye la terapia del agua ‘hidroterapia’m grandes estructuras de hormigón para
una piscina en donde lo importante es la higiene. También incluye la ‘helioterapia’, terapia
mediante el Sol, es antiséptica (mata gérmenes), fachada orientada a Sur (donde hay Sol).
Zona residencial
Monta una estructura en cuadrícula, horizontales y verticales, lo orienta según Norte, Sur, Este y
Oeste. Todas las viviendas tienen por lo menos una fachada orientada a Sur, por lo menos el
50% de la parcela se dedica a zona verde. Exige la construcción en hormigón armado, prohibe
los patios y segundas luces, en cambio impone luz eléctrica, calefacción eléctrica, agua, cocinas
y baños.
Zona central
En el centro se encuentra la administración política de la ciudad, ayuntamiento y oficinas.

Centro cultural y zona de deporte.
Adolf Loos (Austria)
Arquitecto y teórico, gran labor como escritor en temas de arquitectura y diseño, la

característica fundamental es la de criterios de composición moderna. Veremos como desde los
inicios de 1900 empieza a emplear criterios de composición moderna, la característica
fundamental del protoracionalismo era la economía, cuando se habla de economía se hace en
sentido amplio, de construcción, economía formal, será la aportación fundamental de Adolf
Loos, en 1908 publica “ornamento y delito”, en ese texto hace una equiparación entre
ornamentación y el delito, el objetivo es eliminar lo superfluo, lo que no aporta nada, un edificio
es el mismo independientemente de la ornamentación, que es una especie de maquillaje, al ser
superfluo se puede eliminar sin alterar lo esencial del edificio.
Hace una equiparación, cualquiera de las civilizaciones antiguas tendían a dibujar su físico,
conforme vamos avanzando se desprende de esa decoración, cuando la arquitectura alcanza su
madurez (en la revolución industrial), la arquitectura debe ser civilizada y prescindir de ese
ornamento. Si se elimina la decoración entonces ¿qué queda?. Utiliza la geometría de manera
tridimensional, distingue tres ámbitos dentro de la arquitectura:
Ámbito de lo público, considera que es el exterior de los edificios y debe componerse de manera
muda, seria, neutra, cerrada, sin grandes exhibiciones, trabajará con volúmenes geométricos de
suma o resta de elementos cúbicos. Su geometría es tridimensional, y en paralelo a esa
composición interior prevalece el dominio privado, por lo que el usuario debe hacer propio ese
especio, debe adecuarlo, sus interiores serían espacios ricos y fluidos, complejos en los que
utiliza una técnica particular de composición, la técnica ‘Raumplan’, técnica de composición
tridimensional, lo que hace es elegir la altura de cada uno de sus espacios dependiendo de su uso
y dimensión en planta.
Un ejemplo es el salón, espacio de uso diario, suele ser el espacio de mayor uso, su altura es
mayor por su uso y por su dimensión en planta. En un dormitorio la dimensión es menor, dos
personas, su uso es privado lo que supone una altura menor. La sección de los edificios de Loos
es más importante que la planta, suelen ser secciones complejas.
Le interesa el tema de la sinceridad material, el ornamento es algo superfluo, el arquitecto debe

saber utilizar los materiales para sacar todas las cualidades oportunas, esa sinceridad material.
Pecado es que un material cualifique o represente a otro. Se juega con la veta de los árboles, con
las piedras, calidades y texturas, porque esa es la única ornamentación que es adecuada.
Loos Haus (Loos, 1910)
Es una obra que está en el centro de Viena

en la plaza de San Miguel junto a una
iglesia barroca y al lado del palacio del
emperador Francisco José. Contexto social
en el que vive Loos. En los años de cambio
de siglo él ha estado en EE.UU. y conoce la
escuela de Chicago, hace que Loos se de
cuenta de que la arquitectura Europea está
pasada de moda, cuando vuelve a Viena le
encargan este edificio, frente a los edificios
comunes con gran ornamentación hace un
edificio absolutamente desnudo, el
emperador dijo que era una cosa horrorosa
hasta tal punto que le presenta una versión
maquillada, con ornamentos para mostrar que es algo superfluo y que el edificio no aporta nada
nuevo, tiene una serie de jardineras con macetas y plantas para dar vida, es una especie de
demostración de aportación de elementos, muestra que el edificio es

el mismo con y sin decoración.
Loos todavía no es vanguardia, después de la guerra la sociedad

asimila las vanguardias y se produce la ruptura.
Es un edificio en chaflán, ángulo obtuso, está cargado de sutilizas a

la hora de componer, composición tripartita, el zócalo está revestido
mediante esa piedra de mármol verde con escala importante y
acceso simétrico, que además tiene carácter público, tiene un
espacio comercial, grandes ventanales, escaparates. El resto, cuatro
plantas que están dedicadas a viviendas, todas iguales, desde el
exterior no se sabe si lo que hay detrás es un salón, un baño o
dormitorio, el exterior es neutro, anónimo, la fachada es el espacio
entre el público y la vivienda. El único matiz son las jardineras que impone el ayuntamiento
para disimular el acabado. El remate, cubierta, se resuelve con el método típico de Viena,
cubierta inclinada.
Tipo de cubierta con Guardilla, espacio utilizable, se llama ‘Mansarda’ conecta con la tradición,
con la composición tripartita y con el eje compositivo, aún así el chaflán no es simétrico, lo que
hace es una composición simétrica en un chaflán asimétrico. Hace un cambio de plano.
Contraposición entre lo público y lo privado, entre lo que es

fachada de la calle y la del patio, la fachada tiene una
función de decoro, en el patio se capta toda la luz posible, es
de fachada funcional. El exterior blanco, mudo, sin
decoración, se decora únicamente el interior, aparecen
recursos de gran habilidad, revestimiento de paredes y
puertas, son materiales con su cualidad, además buscando
efectos expresivos, el suelo tiene esa especie de cenefa,
utiliza los espejos para multiplicar el espacio hacia ambos
lados, además la puerta tiene una ventana en la parte
superior, permite ver la continuidad del techo, somos conscientes de la prolongación de ese
espacio, igualmente con el vestíbulo y las escaleras, la utilización de mármol blanco, cuida
todos los aspectos, se poda, elimina y limpia lo austero.
Villa Muller (Loos, 1929)
Residencia del Doctor Müller en Praga. Es

una obra característica, es un caso más
común de vivienda unifamiliar burguesa.
Hay una diferencia fundamental, Loos no
está en el centro de la ciudad, está en las
afueras, construye una casa en una parcela
que es una vivienda aislada con un jardín,
zona en la que no existen condicionantes
históricos. No hay espacio público, la
fachada no tiene que someterse a ninguna
norma de integración en el entorno, es una
casa mucho más típica, servirá para instaurar
el ‘Raumplan’.
Hay una diferencia entre exterior/interior: En el exterior trabaja con la suma y la resta de
volúmenes cúbicos como sistema constructivo, no aparece ningún tipo de decoración.
La altura de las plantas no es constante,

viendo la sección podemos adivinar cual es
el espacio más público, aparece un gran
número de escaleras de vistas cruzadas.
En el interior, el salón es la parte más noble

de la casa, aparecen materiales buscando un
confort interior, creando un espacio
complejo, está comunicado con esa especie
de alveolo de comunicación, aparece una
ventana interior que comunican dos
espacios interiores, espacios interiores
diferenciados por tamaño, material e iluminación, responden a referencias de uso, está
utilizando piezas de mobiliario industrializado, seriado. Formas de vida muy burguesas,
burguesía media, diferenciación de usos femeninos y masculinos dentro de la propia vivienda.
Werkbund (Alemania)
Durante la primera mitad del S. XX será Alemania quien lleve las iniciativas de la arquitectura,
las principales iniciativas anteriores procedían de Inglaterra. La revolución industrial alemana se
realza a partir de 1870 (cuando se finaliza la guerra Franco-Prusiana), cuando se incorpora más
tarde posee desventajas para adaptarse, tiene ventajas como aprender de los demás y será la
coyuntura que aprovechará Alemania.
Entre 1902 y 1905 estará Herman Muthesius, que es agregado cultural de la embajada en
Londres, la función de Herman es conocer de primera mano la situación, es el puente, actúa de
transición entre Gran Bretaña y Alemania, activador de la producción en Inglaterra, conoce las
viviendas de Glasgow, a Mackintosh, Morris, etc.
En 1907, cuando vuelve a Alemania hace dos cosas:
- Publica un texto en dos volúmenes sobre la casa Inglesa, en ese texto defiende las
aportaciones de la casa inglesa, hay que extender los niveles de confort al resto de
Europa, a la vivienda alemana y a todas las clases sociales.
- Promueve la asociación de Werkbund en 1907. El Werkbund no es un estilo, tampoco
una vanguardia, no tiene esas características de ruptura. El Werkbund es una asociación,
es como un colegio profesional, la diferencia es que el Werkbund no es únicamente
profesional, reúnen tres categorías profesionales: técnicas profesionales (arquitectos e
ingenieros), profesionales sin título (artesanos, matriceros y mecánicos) y el capital
alemán (los que poseen el dinero).
Lo que intenta unir es a todos aquellos implicados en la producción industrial, el razonamiento

de Muthesius es que tienen que alcanzar la ventaja profesional de los ingleses, que llevan 100
años de adelanto, objetivo claro. La única manera de competir es aumentar la calidad, pero
calidad entendida con un triple sentido para los miembros del Werkbund:
1. Calidad de producto, se tiene que identificar el producto Alemán con el producto de

calidad.
2. Calidad de trabajo, cuando se habla de esto el objetivo es que los obreros trabajen en
mejores condiciones. Pais pionero en temas como la seguridad social, mejora y estudio
de cadenas de montaje para un mejor confort industrial, regular la jornada laboral.
3. Calidad de vida, es consecuencia de las anteriores, más producto de mayor calidad en
condiciones de producción mejores, por lo que la calidad de vida mejora, es un inicio
para la social democracia y consumo.
La estrategia será la unión entre Arte e Industria, que los artistas participen en el proceso
industrial. Peter Behrens empieza a trabajar para la A.E.G. que lo que hace es comprar patentes
americanas, lo contratan como asesor artístico, trabajará como arquitecto diseñando fábricas,
pabellones expositivos, trabajará como diseñador industrial diseñando electrodomésticos y
como diseñador gráfico para la imagen corporativa, todo tipo de tareas de orden artístico, lo que
añade Peter Behrens es una idea de proyecto, proyectar significa dar forma sobre el proceso
productivo industrial, mejoras que se pueden añadir, etc.
Peter Behrens trabaja junto a W. Gropius (Bauhaus), en 1909 construye la ‘máquina de turbinas’
AEG en Berlín (Turbinenfabrik)
La fábrica de turbinas (Peter Behrens, 1909)
Las fábricas son una nueva tipología, a

partir del Werkbund será tema de
importancia, los empresarios de se
interesarán en la construcción de
fábricas. Serían el gran tema de la
arquitectura porque los miembros del
Werkbund dicen que la sociedad del S.
XX es una sociedad industrial, la fábrica
es el templo del S. XX, empieza a
trabajar y a preocuparse en todos los
sentidos. Peter Behrens hace una de las
primera fábricas, es el edificio más
grande construido en Berín. Justificación
de la escala de la fábrica: las turbinas son
grandes motores, se conciben con dos zonas, la grande es el espacio principal, la de la izquierda
es el espacio secundario, porque en la fábrica hay dos ámbitos. La cadena de montaje, aparece
un puente grúa en la parte superior, desplazamiento horizontal, ese es el ley motivo de la
fábrica, se apoya en la estructura. Lo que no es puramente cadena de montaje, pero sí resulta
necesario se encuentra en la parte pequeña.
Estructura pequeña en celosía. Behrens adapta el modelo de la galería de las máquinas en París
al modelo de la fábrica. Una vez clara la organización de la fábrica, la estructura, finalidad, etc.
busca referentes a los que referirse, por ejemplo un modelo de arquitectura como templo. En el
frontón vemos el anagrama de A.E.G.
Debido a la grúa hay cambios de movimientos, la estructura es dinámica, por ello utiliza las
rótulas, para impedir movimientos.
En el interior lo importante es la luz, la higiene, la calidad de trabajo, trabaja con el ingeniero

para conseguir un buen nivel de iluminación y una buena calidad y confort.
Teteras eléctricas (Peter Behrens)
Tres modelos con tres acabados y tres texturas diferentes, lo que busca Peter Behrens es la
diversidad dentro de la unidad. Hay que conjugar tres variables, cuanto mayor normalización
más fácil es de construir,
necesidad del catálogo para
elegir: forma, textura y color.
Modelos: poligonal, esférica

y cilíndrica
Acabados: niquelado, dorado
(bronce) y cobre
Cartel publicitario A.E.G. (Peter Behrens)
Utiliza variables fundamentales de la forma, por puntos, nos da el significado de luminosidad,

panel en dos colores, negro y amarillo, cono de luz blanco y negro.
Lámparas (Peter Behrens)
Formas geométricas abstractas.

Tema 15
Neoplasticismo o Grupo ‘De Styll’. Abstracción, periodo entre Guerras Mundiales en Holanda.
Se han roto los fundamentos académicos desde el S. XV, el color y perspectiva. Una vez rotos,
el neoplasticismo genera un nuevo código a partir del cual componer obras.
De styll es la revista que se distribuye en Holanda, la publican ellos mismos con sus obras más
importantes.
Hasta ahora habían vanguardias anteriores a la Guerra, la primera Guerra Mundial supone una
interrupción en el discurso de las vanguardias. Europa fue campo de batalla, después estará
desolada y entre ruinas. El grupo Holandés del neoplasticismo se desarrolla a partir de 1917
(Holanda es un país neutral).
Este grupo Holandés entiende que la guerra es un acto de irracionalidad, como respuesta a la
guerra entienden que hay que hacer un acto de racionalidad extrema en todos los ámbitos del
arte y de la cultura.
El origen de las vanguardias holandesas es el cubismo analítico, anterior a la guerra, como

aplicación de esa racionalidad hacen una crítica al público por su escasa racionalidad y eso
conduce al neoplasticismo.
1. Arte espiritual
2. Arte global, arte como un todo
3. Esencialidad
4. Buscan un método universal, para todas las artes
5. El código serán las variables más esenciales de la forma (punto, línea, plano; color
básico: rojo, azul y amarillo; y el no color: blanco, negro y gris)
6. Método. Se parte de un fenómeno, luego hace dos pasos:
- descomposición: analizar para identificar esas variables esenciales del código.
- recomposición: síntesis de esas variables esenciales que conservan su autonomía.
2 y 4 aplicados en dos dimensiones en pintura y en tres dimensiones en escultura, arquitectura y

diseño industrial.
7. Muerte del arte, arte entendido como tradicional, como plus de belleza. Es un nuevo
concepto de arte que alcanza a todo el entorno humano, tanto al espacio (contenedor)
como a los objetos (contenido) de manera que en estas circunstancias el arte como
belleza desaparece
Protagonistas:
Piet Mondrian (Pintor)
Theo Van Doesburg (Artista plástico)
Jan P.P. Oud (Arquitecto)
Gerrit Thomas Rietveld (Arquitecto y diseñador industrial)
El que mayor peso tiene es Theo Van Doesburg, su muerte implica la disolución del grupo, es el
teórico más importante.
Pintura: composiciones de Mondrian, Diseño gráfico (2D) y Escultura (3D)

Escultura: 3D
Espacio:
-Oud: Fachada Café ‘de Unie’
-Van Doesburg: Cafetería L´aubette
-Rietveld: Casa Schröeder (Utrecht)
Diseño industrial: Rietveld y Metz & Co.
Mondrian
Cuadros totalmente abstractos, no hay nada reconocible, y donde el

título genérico suele ser composición y un número, son puros
ejercicios compositivos y plásticos, no se busca el qué significan.
Código, variables esenciales de la forma.
Ya ha pasado el cubismo, el cuadro es en 2D, es un objeto plano,

no hay perspectiva porque no es parte del código. El cuadro no
solo es plano sino que sólo se trabaja en dos direcciones,
horizontales y verticales, no hay más direcciones, no hay
diagonales, líneas negras que dividen el cuadro en rectángulos.
Mondrian evita poner do colores aún siendo complementarios, no hay contrastes simultáneos de
color, por ello separa los colores con la línea negra.
Retícula cartesiana, líneas y sectores de plano (rectángulos), colores básicos, rojo, amarillo y
azul. Los blancos de Mondrian son puros, siempre están teñidos, blancos con amarillos
(cálidos), con azul (fríos) o con negros (grises) para fijar las gradaciones de la luz.
Un composición de Mondrian se hace a partir de dos variables, el tamaño

del rectángulo y el color, su valor cromático, el objetivo es componer con
reglas no clásicas, evitando simetrías, ejes, jerarquías, que son reglas de
composición clásica para lograr armonía y equilibrio. Hay relaciones
proporcionales de medida.
A partir de finales de 1920, principios de 1930, empieza a hacer

variaciones, evolución, girando el formato. Introduce el concepto de
pauta.
A finales de los 30 y durante la segunda

Guerra mundial se exilia en los EE.UU. y en
este caso las líneas en forma de pauta son
líneas con color sobre fondo blanco, en este
caso al ser líneas de distinto color se recupera
la tercera dimensión con pocos elementos. Se entrelazan unos con
otros, por encima y por debajo , induce a la profundidad, sigue un
ritmo, pauta, no hay simetría, no hay ejes ni jerarquías, sin
embargo la composición es perfectamente equilibrada.
La base es la misma que la anterior pero destacan las intersecciones mediante puntos de color,
forma brillos.
Fachada Café ‘De Unie’ (Oud)
Sólo compone la fachada, la cafetería ya está hecha. Es el caso más

simple, trabaja con la fachada, objeto en 2D, lo único que combina
es la escala. En Mondrian eran los rectángulos de color activo los
pasivos de blancos y negros, aquí los elementos pasivos son los
huecos y vacios como ventanas, y los activos son lo llenos, la pared.
De manera que la composición de la fachada es un cuadro de
Mondrian. Aparece como elemento compositivo las rotulaciones,
tiene un valor de elemento a incluir en la fachada. Se eliminan, se
evitan, las reglas clásicas, aparece una asimetría, el acceso se hace
por una de las esquinas, los tres rótulos se colocan de manera
asimétrica (dos verticales y uno horizontal).
Cafetería L´aubette (Van Doesburg)
Es una obra de decoración interior, es un complejo que comprende café, cine, cabaret, sala de
fiestas, etc. en dos plantas, Doesburg hace la decoración de los espacios interiores.
En los primeros bocetos plasma la proyección sobre las paredes, la proyección de rectángulos,
cuadros de tipo Mondrian, esto sin embargo no le convence, en estas composiciones se
mantienen las aristas, las líneas continuas, de manera que permanece la idea de volumen,
finalmente opta por producir el giro, sigue teniendo esa proyección sobre paredes pero girada
45º ¿en qué varia?:
1. Al estar jugando con los giros está escapando, negando la tiranía de la gravedad,
vertical y horizontal son necesarios en arquitectura.
2. No existe continuidad entre el despiece de una pared y otra contigua, conservan su

autonomía, de esta manera consigue que las paredes se perciban como planos
separados. Se está consiguiendo la descomposición de volúmenes en planos, os
distintos elementos que intervienen (corredores, puertas, radiadores, etc.) se integran
también como elementos simples.
En arquitectura los elementos verticales son los sustentantes y los horizontales los sustentados,
la arquitectura neoplástica es arquitectónica (algo tectónico es estructural, que pesa), niega el
peso, trata los objetos como planos, carecen de peso.
Casa Schroeder (Rietveld, 1924)
Vivienda unifamiliar en esquina original

de Ritveld en 1924, el tipo de casa de al
lado es característica de la época, de
ladrillo visto, con cubiertas inclinada,
que nada tiene que ver con la de
Rietveld.
Como volumen, se está negando, se está

descomponiendo de una manera más
radical, el volumen se descompone en
planos. Parece un castillo de naipes,
compuesta a partir de trazos de plano,
como rectángulos de diferente color y
tamaño, además hay otra variable, la posición espacial, en el espacio hay 3D, hay planos
horizontales, verticales y de perfil, además con cambios de plano delante y detrás. Si vemos las
fachadas, en cada uno de los planos que componen la casa se tratan con independencia,
conservan su autonomía.
- Paredes salientes que niegan la esquina
- Cambio de plano, toda la fachada es la misma y

rompe la alineación, está descompuesto a su vez por
distintos planos.
- Casa atectónica, no está compuesta de muros y

forjados, sino de muros de muros verticales y
horizontales y de líneas. Viendo la descomposición
en muros es imposible saber cuales son tabiques y
cuales son soportes funcionales. Son planos abstractos, no se concreta el material. Por
definición, el neoplasticismo no concreta el material, sólo son planos. Texturas
satinadas buscando la sensación de inmaterialidad.
Elimina la barandilla, propone una barra vertical y un banco horizontal. Coordenadas

cartesianas, puertas abiertas (90º) o cerradas, no admite diagonalidad.
Rietveld diseña el contenido, las primeras cocinas modernas. Organiza la cocina en tres zonas:
limpieza, almacén y preparación.
Sala de estar en esa descomposición del

volumen, se niega la esquina, no hay arista,
todos los muebles los diseña Rietveld.
Todos los elementos están resueltos en 3D,
alto, largo y ancho.
Silla Rietveld
Utiliza los 3 elementos esenciales: el punto, la línea y

el plano, además conservan su autonomía, los está
identificando con la esencia y función de una silla.
Elementos fundamentales: el soporte de la silla, el

asiento y el respaldo. Asiento y respaldo son planos, la
estructura son líneas. Además el corte de la línea es un
punto en movimiento, los puntos son amarillos, las
líneas negras y los planos rojo y azul. Se diferencian
los elementos cambiando el color. En la casa negamos
la intersección entre paredes. El asiento se detiene
antes de llegar al respaldo y el respaldo se prolonga. Estructura formada por líneas horizontales
y verticales, no hay ensambles, se cruzan en el espacio, nunca se intersectan. Las intersecciones
son puntos comunes, la línea pertenece a dos planos, cabría la ambigüedad, se niega la
intersección entre piezas. La silla, no importa el material, está hecha de planos y líneas,
abstracto y material.
Constructivismo o Vanguardias soviéticas
Se inscriben en un proceso de revolución social, en 1917 se produce la revolución de octubre,

cuyo resultado es que Rusia se convierte en a Unión Soviética. Las vanguardias soviéticas se
sitúan en ese contexto de revolución política
Antecedentes:
Se sitúan antes de 1905 cuando se produce un primer intento revolucionario en Rusia, e ese
intento ya se implican los artistas modernos, se produce la identificación entre arte moderno y
revolución social, participan en la revolución.
En 1912 se produce en Rusia la exposición del cubo-futurismo, consistirá en marcar el punto de

partida de los artistas rusos modernos, el cubismo y el futurismo serán los puntos de partida de
esas vanguardias soviéticas.
En 1917 se produce la revolución de octubre, Lenin será el jefe del nuevo gobierno, la guerra
civil durará hasta el año 1921. Los artistas quieren trasladar la revolución al arte, se llamará
revolución artística.
Periodos:
1. Utopía revolucionaria. Coincide con la revolución y la guerra civil, desde 1917 hasta
1921, revolución de debate teórico, planteamiento de obra gráfica y propaganda.
2. Postguerra. Entre 1921 y 1925, se presentan lo pilares de las instituciones Inkhuk
(Vjutemas). Organizaciones, O.S.A, A.S.N.O.V.A. Publicaciones de arte y diseño.
3. Proyección internacional, a partir de 1925-1931, se pasa a la práctica, periodo de
realizaciones maduras, recuperación económica.
4. El final de las vanguardias entre 1931-1933 por parte de presiones políticas,
“Stalinismo”, a causa de totalitalismos de izquierdas, implica la uniformidad, ‘Realismo
Socialista’.
Características:
1. Abstracción
K. Malevitch pinta “Cuadrado negro sobre fondo blanco, 1913”, es el

manifiesto de lo que serán el origen de las vanguardias, ese
planteamiento parte de la apuesta por la abstracción. Representa la
muerte de la Mimesis (fundamento de la estética tradicional por
Aristóteles), significa imitación. El arte ya no será imitación, la
referencia ya no será la naturaleza, sino la geometría. La abstracción
tiene que ver con la racionalidad, geometría y matemática.
Malevitch va a lo esencial, es lo mínimo imprescindible, también acude a las formas más

simples, el cuadrado.
El “cuadrado blanco sobre fondo blanco, 1918”, hay tonos de blanco,

gradaciones de luz. Mallevitch está en la historia principalmente por el
suprematismo, el suprematismo se
convierte en título genérico,
“suprematismo-56, 1916”. Lo
suprematismos son abstractos, son
construcciones planas a partir de formas
geométricas elementales.
2. Construcción en vez de composición
Las composiciones de Mondrian eran prácticamente estéticas, Mallevitch utiliza un fondo

blanco neutro, es un campo compositivo de fuerzas el espacio compositivo respecto del fondo
blanco. Sobre ese fondo compone derivados de formas geométricas ordenadas según los
principios no clásicos. Los elementos son también limitados. Colores también limitados y
planos (sin gradaciones), lo tres colores principales son el rojo, blanco y negro. Se trata de
ordenar un espacio. Una diagonal descendente se materializa con una línea que articula una
serie de formas geométricas perpendiculares a esa línea. No hay imitación, no hay jerarquía, no
hay axialidad, lo que sí que hay son una especie de ecos, producida por cambios de escala y de
tonos, las figuras de los lados sirven para equilibrar el cuadrado.
-formalistas: se ocuparán de los significados intrínsecos de la forma.

-productivistas: se ocuparán de aspectos de producción y construcción de la obra de arte.
3. Máquina
Admiración por la máquina, revolución industrial, por lo tanto se entiende el arte relacionado
con la ingeniería, el artista a su vez construye formas, paralelismo entre el artista y el ingeniero.
4. Diversidad de tendencia sobre el punto de vista teórico. Los resultados respecto a la

práctica son bastante asimilares.
5. Experimentación tanto en el campo de las artes tradicionales (pintura, escultura,

arquitectura), como en el caso de las nuevas artes, diseño industrial, gráfico, fotografía,
cine. El artista es un artista total, puro plástico. El caso más polifacético será el de
Lissitzky.
Protagonistas:
El Lissitzky es un personaje fundamental, es un artista polifacético, además es un personaje

puente en sentido que (1) tiene formación de arquitecto, es un artista que piensa en 3D, la
aportación principal es que pasa de las 2D de Malevitch a 3D y (2) que es un arquitecto ruso
formado en Alemania, era el personaje puente entre oriente y occidente, contactos entre París,
Moscú y Berlín.
La cuña roja (Lissitzky)
Lissitzky era formalista y se centra en los aspectos

formales, significados intrínsecos, por si mismos. Habrá
que precisar más en las variables elementales de la forma.
Hay colores elementales como el blanco, negro, rojo,
construcciones elementales. Lissitzky habla de las formas
por si mismas. Deja claro lo que es figura y lo que es
fondo, figuras primarias un círculo y un triángulo sobre
un fondo (blanco y negro) separados por una diagonal.
Hablamos de positivo y negativo, está asociando en la

parte positiva la cuña (triángulo) y en la negativa el círculo en una dirección clara que tiende a
volcar, dinamismo. Triángulo con forma agresiva, pincha, el círculo además es de color rojo,
lema de vida, es un color agresivo. En la parte negativa tenemos el círculo, representa la
estabilidad.
Aparecen elementos geométricos, es el eso, como una historia paralela que viene a colaborar e
insistir, repetición a menor escala. Textos cívicos del Ruso, hace la analogía lingüística.
Relación con el contexto:
La sociedad negativa, rígida y estática está siendo abarcada por la revolución, mensaje
trasmitido a partir de conceptos genéricos.
Proun (Lissitzky)
PROUN son las siglas en Ruso de ‘por un arte nuevo’,

parecido al suprematismo, pero hay una diferencia respecto a
los ‘proun’, no tienen posición fija. Están pensados para que
puedan contemplarse desde cualquiera de las posiciones, está
pidiendo al espectador que participe. El espectador puede
elegir como le parece más equilibrado.
El tercer piso es la construcción ‘proun room’, es un Proun

tridimensional, un espacio, una habitación revestidos de esas
construcciones proun, se
rompen las fronteras
entre las artes, arte total,
mixto, participa de la escultura, pintura y arquitectura.
También hace proyectos como arquitecto. Hace el

proyecto para un club náutico. El proun se convierte en la
especie de matemáticas, formas geométricas con cualquier
tipo de significado.
Tribuna de Lenin (El Lessitzky)
Aparece una construcción arquitectónica, está compuesta de la

misma forma que los ‘proun’, punto, línea y plano, el mástil lo
podemos asimilar a una línea, plano para proyectar imágenes y
textos. El punto, el cuadrado inferior. Composición dinámica,
movimiento basado en la diagonal. Composición asimétrica.
Recuerda a una máquina, es una especie de grúa con

maquinaria para subir hasta arriba, se compone de arquitectura
e ingeniería.
Plan de Moscú (El Lessitzky)
Participa en la ordenación urbana de

Moscú, aparecen en forma de anillos
concéntricos (bulevares), es un esquema
radiocéntrico en las intersecciones de ese
esquema (nudos) pretende construir “estriba
nubes” o “estriba cielos”.
Se trata de una especie de rascacielos en

horizontal destinados a albergar
equipamiento o servicios al ciudadano, esa
forma tan singular para que el ciudadano
tenga fácil acceso, la columna es
fundamentalmente de servicio con
ascensores. Esto es lo que se llama
experimentación, nunca se había hecho, es
inédito. Es un fotomontaje, no se ha
contruido, llega a hacer el proyecto completo.
Monumento a la 3ª Internacional
En principio parece que se trate de una obra escultórica, construcción

abstracta, parece una torre de gran escala, sin embargo propone una
obra de mucha mayor escala. Dibuja esa construcción en un fondo
urbano. Maqueta de un edificio de 400 metros de altura, recuerda a la
torre Eiffel, debía colocarse a modo de puente sobre el río Nerva, tiene
la morfología de la torre Eiffel pero con una diferencia fundamental, la
directriz es diagonal, significado de movimiento, está inclinado 15º, es
la inclinación del eje de la Tierra respecto al plano de la eclíptica. Es
una doble espiral cónica, la espiral también es una forma dinámica.
Aparecen hasta 4 cuerpos geométricos A (cubo) con funciones
legislativas, dotado de movimiento de rotación dando 1 vuelta
completa al año, el segundo cuerpo, B, es una figura de base triangular
con funciones ejecutivas (gobierno), movimiento de rotación de periodo mensual (1 vuelta al

mes), el tercer nivel sería un cilindro con funciones de comunicación, propaganda, prensa, radio,
rotación de periodo semanal (1 vuelta por semana), por último la semiesfera con funciones de
antena y de remate.
Plantea una obra mixta, inclasificable, arquitectura, escultura y máquina, es una utopía
tecnológica, manifiesto a favor de la industria y de lo nuevo, tiene las características de
movimiento revolucionario, la transformación, es definitivo, el planteamiento de partida es
diferente, los resultados son parecidos, es más teórico que práctico. Ese debate se rebaja en 1945
cuando es posible pasar de la teoría a la práctica. Las dos tendencias confluyen.
Konstantin Melnikov
La obra emblemática es el ‘Pabellón U.R.S.S. Expo

Art Deco’ en París 1925, es una proyección
internacional.
Cartel L’Art Decoratif (Melnikov)
Tres colores típicos en las vanguardias soviéticas, composición asimétrica basada en la

geometría, composición doblemente diagonal, la descendente (U.R.S.S.) y la ascendente
formada por los tres cuadrados solapados (rojo, negro, rojo).
El edificio es totalmente innovador y vanguardista. Composición base horizontal cortada por la

estructura vertical, la rotulación, textos, publicidad y torre que funciona como faro.
Descompone el rectángulo de la sección en planta y lo divide la diagonal. La torre se desplaza,

la estructura gira y frente al perímetro cartesiano ésta se estructura formando un giro a través de
línea diagonales, por lo tanto se fragmenta el volumen en planos. Se está jugando al contraste
ortogonal y diagonal, y además a los volúmenes significativos. Las cubiertas son diagonales, la
escalera sube y baja, planos que van cruzando.
Dentro se exponen los logotipos de las vanguardias soviéticas. Los artistas rusos del momento
están trabajando en los Vjutemas, mobiliario, libros, carteles, lámparas, etc. con dos temas
fundamentales, la vivienda obrera, comunal y el club obrero, son un nuevo tipo de edificios que
construyen en la unión soviética, se trata de centros culturales asociados a las fábricas, centros
de producción, pero en un sentido diferente a lo que puede ser un teatro, en un club obrero el
objetivo es crear cultura.
Muebles con figuras geométricas elementales, simplicidad, esquematismo, geometría, los

colores fundamentales del edificio eran el blanco, el negro y el rojo. Es una mesa transformable.
El dinamismo es fundamental, se puede adaptar a las distintas funciones, es una ventaja cuando
hay escasez de espacio y de medios, mobiliario flexible.
“Ajedrez”
Club Rusakov, Moscú (Melinkov, 1927)
Se trata de un grupo obrero, por lo tanto tiene la función de producción de cultura para
trabajadores de una fábrica, la imagen exterior basada en la diagonal, tecnología posible,
multifuncionalidad, el espacio principal de Rusakon, las tres salas que componen el “engranaje”
pueden separarse para actos diferentes y pueden juntarse para actos multitudinarios.
Se incluyen la rotulación como característica de las vanguardias soviéticas, son rótulas

cambiantes.
Vivienda Propia (Melinkov, 1927)
Con la voluntad que se convierta en un prototipo para

que se pueda repetir, es una vivienda singular que se
entiende desde esa contradicción entre el deseo y la
realidad. Por un lado es una realidad de atraso (1925),
de escasez económica, pero el deseo es mucho más
avanzado, de industrialización y tecnología.
Se utilizarán tecnologías posibles pero racionalizadas

e industrializadas, desde ese punto de vista se
entiende porque la casa es así.
La planta está basada en dos cilindros maclados de 10

metros de diámetro cada uno, porque con el mínimo
perímetro el
cilindro encierra
mayor
superficie. La
estructura es el
muro
perimetral, la distribución interior no importa, lo único fijo
es la caja, lo demás depende. Estructura del suelo en doble
ladrillo con hueco interno para aislar, separados por
madera. Las ventanas tienen una forma “marciana”
hexagonal, para evitar el dintel, no pretende ser bonito,
pretende ser barato.
En el sótano se instala la calefacción, en el espacio medio

tenemos los privados, hay dos espacios principales a doble
altura, uno abierto y extrovertido (con pared de vidrio),
espacio de estancia, el de arriba es introvertido, sólo
ilumina por los hexágonos, es el lugar de trabajo.
Vivienda Colectiva “Nakomfin” (Ginzburg y Jan Milinis, 1929)
A diferencia de Europa occidental, se

organiza en comunas, colectivos sociales,
tienen tres características importantes:
modelos alternativos a la sociedad
familiar, los servicios de las viviendas se
agrupan y se separan en un edificio a
parte, autogestionado y colectivo.
En 1931-1933 acaban las vanguardias

soviéticas, lariqueza propuesta supone un
peligro para el estado, a partir de
principios de los 30 Stalin acaba con la
diversidad y hay que volver a recuperar la
uniformidad, la abstracción es muy
peligrosa porque representa muchas cosas.
Tema 16
Bauhaus (1919-1933)
Es una escuela que surge por la iniciativa de uno de los

miembros del Werkbund, Walter Gropius, conoce perfectamente
las premisas de la Werkbund.
En la primera Guerra Mundial (1914-1918) Alemania supone

derrotada, la idea básica es la reconstrucción, desde el punto de
vista material, social y político.
El Werkbund patrocina una reforma de las enseñanzas de Arts

& Crafts. Henry Van de Velde es director de la escuela de Artes
y Oficios de Alemania, Weimar. Propone a Walter Gropius pero
pone condiciones. Es sólo de práctica, a lo que Gropius responde que no se hace cargo sólo,
pretende otro tipo de institución en la que no se de sólo práctica.
Surge la Bauhaus con la fusión de estas dos propuestas:
-Academia de Bellas Artes, arquitectura, pintura y escultura (artes mayores) con teoría.
-Escuela de Artes y Oficios, aspectos artísticos (artes menores) con la práctica y ejecución.
Casa de construcción, se inspira en los gremios medievales, sin embargo aparece como escuela
superior de diseño, por primera ves aparece el nombre de diseño, Walter Gopius hablará en
todas las escalas, encontrará un método universal que valga para todas las escalas, para eso
aplica la racionalidad como instrumento, se aplicará a todos los aspectos.
Racionalidad funcional, contractiva y formal.
Funcionalismo: Se intenta objetivar las formas, existe una forma óptima para cada uno de los
objetos. No habría que modificar la forma del objetivo sino cambiarán el resto de variables, es la
psicología de la percepción.
Organización del plan de estudio
Aparece un primer nivel “Curso preliminar” que dura entre una y dos semestres y tiene carácter
eliminatorio-selectivo, en ese curso se enseña teoría de la forma, ciencias básicas, luego una
serie de conferencias sobre diversos temas.
En un segundo nivel están los “talleres”, además de selectivo pretende orientar y distribuir, la
distribución no es estable, sufre modificaciones pero está regido por técnicas-materiales (metal,
madera, textil, gráfico, escultura, pintura, cerámica, teatro). Este dura 3 cursos.
En un tercer nivel, llamado “construcción”, es el equivalente al proyecto final de carrera, tiene

una faceta de ejercicio de práctica por lo que tiene una duración variable.
Profesores
Se rodea de alguno de los principales artistas de vanguardia, en un momento aparece una

dirección doble de los cursos, lo llamarán Maestro de la forma (bellas artes) y un Maestro de la
práctica y el oficio (artes y oficios). Esto permanece así hasta 1925, cuando surgen los primeros
titulados, quienes se incorporen como nuevos profesores.
Teoría de la forma: W. Kandinsky y P. Klee

Curso preliminar: Johanne Itten, L. Molí y Josef Albers
Diseñadores industriales: Marcel Breuer, Marianne Brandt y Oscar Schlemmer (los nuevos
titulados).
1919-1923 Con la base de la fundación Weimar, son los años más duros de posguerra y miseria
económica. Hay un predominio de las tesis expresionistas cuyo principal representante es
Johanne Itten, director del Vorkurs, se incluyen aspectos relacionados con la forma y la
artesanía.
1923-1925 Hay una recuperación económica, Walter Gropius produce un giro individualista a la
Braun, hay una influencia del neo plasticismo y de los constructivismos más tarde Gropius
reformula el lema ‘arte y técnica una nueva unidad’, esto equivale al arte unido en la industria
para el Werkbund. A Walter Gropius se le despide, aparecen Josef Albers y L. Mataly (aspectos
relacionados con el constructivismo húngaro) para encargarse de ella.
1925-1928 En Weimar empiezan a subir los nazis al poder, le cortan las subvenciones a la
escuela y le proponen traspasarla. Periodo de madurez. En el nuevo edificio colaboran Walter
Gropius y los alumnos.
1928-1931 Nuevo director Hannes Meyer. Se produce un 2º giro en el que aparecen contactos
internacionales, sobre todo con las vanguardias soviéticas. Talleres de arquitectura. Giro
sociológico y político.
1931-1933 Meyer es obligado a dimitir, se produce el triunfo nazi, hay presiones políticas sobre
la Bauhaus, Meyer como comunista es obligado a dimitir y como nuevo director L. Mes Van
Der Rohe. Primero hará una limpieza de estudiantes extranjeros y comunistas, luego hace
énfasis en los talleres, la convierte en una escuela únicamente de arquitectura, produce e
traslado de la escuela y la privatiza sin ayudas políticas. En 1933 con el triunfo del grupo nazi se
ven avocados al cierre.
Sede Bauhaus (Desseau)
Se convertirá en una obra emblemática, modelo, ejemplo, es una obra absolutamente

nueva, primero está marcada de ideas fundamentales, es una composición asimétrica aunque
compensada y equilibrada, en segundo lugar por la zonificación, separación de usos, para
adecuar la forma al uso.
El edificio se coloca en forma de puente, hace de entrada en una calle transversal a la

principal, de esta forma marca una doble escala de puerta. La configuración del edificio es a
base de ‘L’, la planta está definida con dos ‘L’, pero esa configuración es tridimensional,
recuerda a una composición mecánica, hélice.
Las fachadas se van adecuando al uso, las aulas

teóricas tienen ventanas reducidas, mientras que las aulas
prácticas tienen ventanas acristaladas, no hay esquinas,
expresión de transparencia (material y simbólico).
Coherencia formal entre elementos, desde el

pavimento marcando los ejes con las puertas, las
lámparas, carpinterías.
Itten
Tenían una orientación expresionista, era bastante místico, no solo enseñaba teoría sino
el gesto, la forma de convivencia.
Ascensión y punto de repaso (Itten, 1919)
Puro juego compositivo. Círculo cromático y esculturas, ejercicios puramente

compositivos en 3 dimensiones.
El taller textil está dirigido por Gunta Stolz y Annie Albers, es el taller que mejor
sobrevive, es la industria más industrializada. Patentan un tipo de tela que evita que se desgarre,
será utilizado para muebles. Lo que hacen es un proyecto de tela, resultados en los que
predominan la geometría, racionalización.
Colaboración con otros talleres
Con el taller de cerámica ocurre lo contrario, tiene componentes artesanales,

corresponde a los primeros años, en cerámica participaron todos.
El taller de metal es uno de los más fructíferos, atrás como protagonista habrá una mujer
‘Marianne Brandt’.
Tetera (Marianne Brandt, 1928-30)
Toda la tetera es metálica excepto el asa, que es de algún

material aislante, el asa puede girarse para poder llenarla,
inclinación del pitorro para el buen drenaje. Zonas de té y agua
separadas, formas geométricas porque son más fáciles de
industrializar, hecho en latón, utiliza componentes formales como
componentes constructivos, apariencia superficial cambada.
Cenicero (Marianne Brandt)
Semiesfera perforadazo un triángulo,

vuelve a tener las formas geométricas,
cromado, plateado y dorado.
Taller metal: Mobiliario:

Marianne Brandt Marcel Breuer
Wilhelm Wagenfeld Mart Stam
Alfred Arndt
Lámpara de mesa (Wagenfeld)
Hay dos versiones, pie y base de vidrio y otra totalmente metálica, características
similares a las de Marianne Brandt, formas geométricas elementales, materiales con sinceridad
material, elementos funcionales (se evita el deslumbramiento), uno de los diseños introducidos
en cadenas de producción.
Colgadores de té (Wolfgang Tümpel)
Utiliza cucharas varillas agujereadas, el conjunto es de 4, también hay de 2, diseño

original en plata, tiene un cierto componente selecto.
Lámpara de estudio (alumno de Arndt)
Altura fija, formas elementales.
Lámpara de mesa (Kart Müller)
Difusor opaco, pantalla de forma cónica.
Marcel Breuer
Es el inventor de las sillas de tubo metálico, fue alumno en la Bauhaus, los primeros
ejercicios que hace son tipos con mucha relación con los muebles de Rietveld (neoplásticos),
descompone líneas en planos de los diferentes elementos de la silla, utiliza la descomposición
de elementos, sirve de apoyo para los brazos. Telas antidesgarro, evita que la tela se rompa entre
costuras.
En el año 1925 la Bauhaus se traslada a Dessaurt, Breuert acaba los estudios y se

incorpora como profesor, se interesa por la fabricación de aviones en donde lo fundamental es el
diseño ligero, lo que hará es adaptar una tecnología de la industria aeronáutica a la industria del
mueble, se empieza a diseñar primero el mobiliario de tubo metálico.
Se discute sobre la autoría de quien fue el primero en utilizar el tubo metálico.
Silla B5(1926)
Mobiliario con características del

mobiliario de tubo elástico aunque no aprovecha
las características de resistencia.
Ventajas del mobiliario de tubo

metálico:
Renovación del mobiliario antiguo

Vivienda barata, pequeños y muchos;
Los muebles antiguos son caros grandes y no
funcionan en estas viviendas
Aparece este tipo de mobiliario como
alternativa
Sillón Breuer
Forma: Formas geométricas simples, uso de las líneas y el plano, líneas continuas,
monocromo, forma un dibujo espacial, el tubo funciona como una línea tridimensional, las
direcciones principales son cartesianas, los empalmes son cuartos de círculo o semicírculos,
telas oscuras, el tubo metálico se hace cromado, tiene ese carácter metálico, connotaciones:
elegancia, se le dan connotaciones de mueble industrial, maquinista, moderno, además es un
metal con brillo, cierto carácter de lujo y de limpieza.
Construcción: Tubo de acero curvado, hueco, se traspasa la tecnología de madera

curvada (Thonet) de acero, ventaja con menos sección se consigue mayor resistencia. La silla se
hace en voladizo para aprovechar la elasticidad, más ligero, más barato al ser industrial, más
duradera en el tiempo.
Pocas piezas, facilidad de montaje, hay versiones en madera (asiento y respaldo), cuero,
tejidos vegetales como mimbre, separación entre estructura y brazos y respaldo.
Función: Silla barata gracias a la industrialización para casas sociales pequeñas con
muebles pequeños y ligeros. Otras características que también se buscarán es que sean plegables
o abatibles para aprovechar mejor los espacios. Viviendas pequeñas pero con estándares de
calidad (baño, cocina, ...)
Sillón Wassili (Breuer)
En honor a Wassili, es un sillón de sala de

estar, para descansar, la posición de respaldo más
inclinado de descanso, material de mayor calidad
(son tiras de cuero), tiene una articulación, se
aprovecha la elasticidad del material, son nudos
articulados, existe una versión plegable.
Silla voladizo pletina (Breuer)
Se adapta más tarde a todo tipo de muebles, mesas de estudio,

lechos de cama. Cuando se hace el catálogo de la Bauhaus muestra
las posibilidades de la silla desmontada, por piezas, como plegarla.
Hay preferencias por el diseño infantil.
Juego de construcción (Alma Buscher)
Juego de construcción que a partir de piezas geométricas elementales se busca la

imaginación de un niño, se aprovecha la abstracción de las formas geométricas.
Juego de Ajedrez (Josef Hartmig)
Se busca la simplificación de las piezas, el caballo relacionado con su movimiento ‘L’,

formas redondeadas con connotaciones femeninas (reina) y formas más cuadradas con
connotaciones masculinas (rey).
L. Moholy-Nagy
Director del grupo ‘Workus’ además de ser profesor de la Bauhaus se encargó del
diseño editorial, la Bauhaus funciona también como editorial, primero edita 8 y más tarde 6
dedicadas a temas de arte y de arquitectura moderna. Procura la difusión de la arquitectura y
arte moderno, diseño de la topografía, carátulas y gráficos. Se hace un diseño como motivo
general la axonometría de una vivienda, simplicidad de tinta (rojo, blanco y negro).
Bauhaus WEIMAR (Moholy-Nagy)
A pesar de utilizarse la composición en ángulo recto

sucesivo, nos da una composición diagonal, se define un
triángulo, además con dirección ascendente, rojo, blanco y negro,
cambios de escala, funciona como reclamo, que destacada, se
convierte en anagrama, la primera que se ve está en rojo. Fecha
de apertura 1919, fecha de exposición 1923.
Tipo estorcido (Josef Albers)
Tipografías, se prefieren los tipos que no tienen Serif, letras de sección variable, ayuda a la
buena lectura de las letras, se empieza a utilizar en Bauhaus letras grotescas de pelo seco, sin
Serif, con formas elementales.
Tipo universal (Bayer)
Tipología usada en el catálogo de la Bauhaus.
Cartel (Bayer)
Composición octagonal donde se cambia la orientación del texto, colores fundamentales rojo,
azul y amarillo.
Para carteles más elaborados apareció el fotomontaje. El teatro será laboratorio de

experimentación, todos los alumnos pasan por el taller de teatro dirigido por Oscar Schlemer.
Vjutemas (1920/1930)
Talleres superiores de arte del estado.
El tema fundamental es el paralelismo entre Bauhaus y Vjutemas. Los Vjutemas se sitúan en

Moscú. Es un acrónimo de talleres superiores de arte del estado, el anagrama participa de esa
geometrización con una diferencia fundamental y es que la referencia al ser humano no existía,
hay referencia a los elementos geométricos, escuadra, cartabón y compás, aparte de las letras en
ruso.
Def.: Se forma por la unión de la escuela de artes y oficios de Moscú y la academia de bellas
artes de Moscú, también tiene la doble componente de práctica y teoría como en la Bauhaus.
Carácter de revolución en la pedagogía de las enseñanzas artísticas.
Características fundamentales: Se diferencia de la Bauhaus en que es una escuela estatal, la

Bauhaus tenía aportaciones, mantenía un estatus autónomo, el precio de los Vjutemas es mayor,
es una escuela más diversa. En la Bauhaus hay sólo una línea de renovación, mientras que en los
Vjutemas conviven enseñanzas tradicionales con enseñanzas innovadoras. Arte de vanguardias
y artes tradicionales.
Importancia del contexto, hablamos del contexto revolucionario, guerra civil y construcción del
nuevo estado soviético, mucho más cambiante y conflictivo que el alemán, por eso los esquemas
de funcionamiento son más cambiantes, hay menos estabilidad, los Vjutemas tienen entre tres o
cuatro planes de estudio. El contexto también influye en los medios. El poderío industrial de
Alemania es mucho mayor, en los años 20 todavía Rusia sigue estando atrasada, la mayoría de
los diseños no pasan de prototipos, mientras que en la Bauhaus se comercializan.
El diseño gráfico si que pasará a producirse, por precio, es mucho más barato y fácil con menos
medios, en segundo lugar porque tiene un aprovechamiento por parte del estado, propaganda.
Evolución:
1. Fundación (1920-1923) es el momento de revolución de Guerra civil. En este momento

se sientan las bases y directrices. Dirigido por Raudel.
2. Consolidación (1923-1926) culmina con la muerte de Lenin, sucesión de Lenin por

Stalin.
3. Desintegración. Coincide con el Stalinismo que a partir del 1931-33 impone el

‘realismo socialista’ dirigido por P. Novitsky. Presiones políticas que acaban con el arte
y la arquitectura moderna.
Plan de estudio:
Existen tres niveles;
1. El curso básico, punto de iniciación común para todos, dura entre 1 y 2 años.
2. Facultades, en la Bauhaus lo llamaban talleres, ejercicio práctico.
-Arquitectura/teatro
-Textil, madera, metal, cerámica
-Gráfico
Agrupación en un momento central como talleres o facultades:

Plano: gráfico, textil...
Volumen: mobiliario, escultura...

Espacio: arquitectura, danza...
3. Proyecto de Diploma, cuando se supera se obtiene la titulación de ingeniero

(materiales) y arte (formas, obras).
Balance:
Nos ha quedado a través de las aportaciones de las vanguardias soviéticas y de sus

relaciones con la Bauhaus. La herencia hay que encontrarla a través de las vanguardias
soviéticas y el estudio de la Bauhaus porque se han encontrado dos problemas para su estudio,
1. el idioma, el ruso más complejo que el alemán o el inglés y 2. por el acceso cerrado a
investigaciones fuera del estado soviético.
Mobiliario:
Principios paralelos a los muebles Bauhaus, para viviendas baratas (sociales) y clubs
obreros, son fundamentalmente prototipos que no pasaron a cadena de producción.
Cama plegable (Galaktionev)
Mueble transformable, desde el punto de vista funcional, flexible, multifuncionales,

permite un uso del espacio, todos los mecanismos de articulación son temas que se estudian, son
muebles pensados para la industrialización y producción en serie, que en muchos casos es un
deseo y no una realidad.
En donde si hay un mayor desarrollo es en el mobiliario para exposiciones, a partir de

1925 hasta el 32 los soviéticos participan en muchas exposiciones internacionales, se llevaron a
cabo por grandes diseñadores soviéticos. La participación en esas exposiciones demuestran su
producción, para eso si hay dinero.
Arquitectura efímera, para montar y desmontar, espacios de interior, en general es una

arquitectura barata. Es una arquitectura ligera y transportable. Es un conjunto de expositores
tipo estanterías, vitrinas donde uno de los temas fundamentales es el recorrido, una secuencia.
Además hay una cierta flexibilidad, variedad en productos a exponer. Elementos con los que se
juegan, son simples, espacios menores para agrupar temas. La modulación es otro tema común
que permite el montar y desmontar con facilidad, también aquí se utilizan los perfiles metálicos
huecos, tensores para problemas de estabilidad.
Mesa funcional (Morozov)
Cama plegable (Sobolev)
Silla plegable (Zemlyanitsyn)

Silla vienesa (Tatlin-Rogozhin)
Es de madera, fundamentalmente por el tema de

la que se puede hacer, lo que si se puede hacer y hay,
madera, desde el punto el vista constructivo es igual que
la tecnología Thonet. No tiene línea recta, es una
configuración más orgánica.
Participa en el diseño textil y cerámico.

Siguiendo con la línea orgánica construye biberones
cerámicos, estudia la pieza individual y el colectivo.
El diseño textil también lo lleva mujeres como

L. Popota o B. Estepanova. Se verán diseños de paso a la industria. Diseños de motivos
repetidos mucho más dinámicos. Hay un estudio de figurines de teatro para ropa adaptable de
trabajo, es un doble campo, ropa deportiva y de trabajo.
DISEÑO EXPOSITIVO
Arte Constructivist; LESSITZKY
En 1926 montará un espacio expositivo en Dresde, es un artista puente. El tipo de

cuadro se trata de obras de corte académico, salvo el espacio que queda después es
constructivista.
Lissitzky plantea un espacio cúbico, uno solo, parte de una idea de proyecto, el espacio
cúbico en el que se hace el diseño de todas las superficies, cada una de esas paredes se trabaja
manipulando los elementos fijos y arquitectónicos que ya existen. Se introduce el tema de
valoración de las texturas. En el interior hay una separación con cortinas, se separan dos
mundos diferentes. En principio los elementos son simples, elementos modernos, las peanas de
las esculturas son coherentes con la propia escultura, dinamismo, cuadros no alineados. Viendo
la secuencia se ven paredes con listones de madera, tiene espesor y con laterales de distinto
color (blanco y negro), la percepción es distinta.
Gabinete Abstracto (Lissitzky)
En el año 1930 tiene otra exposición, en Hannover, representa en axonometría. Con el

mismo espacio compositivo representa las cuatro caras. Aplica el concepto del itinerario,
representa un recorrido. El revestimiento de las paredes es el mismo que en la anterior
exposición. Introduce obras propias, utiliza mobiliario de tubo.
Introduce otra innovación, aparecen cuadros de obra propia con bastidor móvil,
corredera que pueden cambiarse, hay obras ocultas que se pueden mostrar, se puede cambiar la
disposición, nuevo papel del observador quien tiene un papel activo. El espectador de arte
moderno puede elegir la mejor observación, componente dinámico.
Colonia (expo prensa)
Como tema visto entre diseño gráfico y exposición, transición del diseño gráfico al
diseño industrial, es un diseño comunicativo. Hay dos variables o temas fundamentales, todo lo
que tiene que ver con carteles y periódicos, anagramas y banderas.
Los soportes son lo relativos de prensa, eso permite que el diseño móvil sea cambiante,
pueden girar y cambiar lo expuesto. También participa como arquitecto de mobiliario móvil,
tabique que gira respecto a una guía en el suelo, divide el espacio en dos, en su espesor contiene
a los distintos elementos de mobiliario.
Diseña también la silla, hecha de madera y en la que aprovecha la configuración del

material, únicamente tiene 3 piezas, el asiento con una cierta ergonomía, se manipula la
superficie.
Diseño industrial y gráfico
El expo Rusa Zurich, cartel (1929, Lissitzky)
Se mezcla el fotomontaje del pabellón, dos personas, se usa el rojo, el blanco y el negro.
Los ismos del arte (1925, Lissitzky)
Juega con las letras utilizando la parte común de los títulos (Kanst es arte),
composiciones geométricas, rojo, blanco y negro.
Las cuatro funciones matemáticas (Lissitzky)
Tienen la calidad de jugar con las letra, el dibujo. Las letras son también dibujos y se
usan con el valor plástico del dibujo.
Alexander Rodchenko, Rusia (1.891 – 1.956)
Monta la exposición del pabellón de exposición de Paris del año 1925. Tiene un
actividad en temas publicitarios. Para empresas soviéticas, los recursos son similares a
Lessitzky. Contraste de elementos sacados de escala, composiciones de base geométrica.
Ed. Estatal Leningrado (1925)
Fotomontaje para una editorial de libros,

composiciones geométricas dinámicas,
asimétricas, colores planos.
El hombre de la cámara (1929)
Cartel publicitario de la película el ‘Hombre de la cámara’,

es un documental
Diseño corporativo para la empresa Dobrolet (1923)

Diferentes anagramas para la empresa de aviación.
Klucis, Rusia (1.895 – 1.944)
Es uno de los grandes diseñadores gráficos soviéticos.
Espartaquiada (Klucis, 1928)
Es una competición de juegos deportivos, diagonales

ascendentes y descendentes, expresión de dinamismo, como los
deportes, colores básicos elementales, rojo, amarillo y azul. Cambio de
escala. Fotomontaje, contraste de distintas
técnicas, una de ellas es la
descontextualización, figuras sacadas de su
contexto, utilizando diferentes técnicas.
Desarrollo de transportes, plan quinquenal (Klucis, 1929)
Utiliza la técnica del fotomontaje, contraste entre la máquina y el transporte animal, el

salto adelante que implica la industrialización. Aparece una estadística, propaganda del
desarrollo y evolución del transporte, esquemas diagonales.
TEMA 17
Maestros del Movimiento Moderno
Se llaman maestros del arte moderno porque resumen la renovación disciplinar del
protoracionalismo y por otro lado la renovación del lenguaje de las vanguardias.
Anterior 1ª Guerra Mundial Post Guerra

Protoracionalismo
Vivienda necesaria.
Vida social Se produce la asimilación de
Ciudad Industrial las vanguardias de carácter
Diseño Industrial constructivo
1. Le Corbusier
Villa Saboya (Le Corbusier, 1928)
Planta cuadrada, elevada

desde el plano del suelo, está contando
con la novedad, una entrada de doble
vía, aparece un coche, vía de entrada
al garaje, y entrada por la otra vía.
Son dos plantas, a planta baja

tiene un volumen acristalado que
corresponde al garaje, la 1ª planta
tiene un volumen prismático, aparece
como un volumen elevado por
‘pilotis’ pilares que lo levantan, planta
baja diáfana (libre). El aspecto de la casa; cuatro fachadas libres, tres bandas (dos macizas y una
ventana) horizontales, diferentes entre si, pero proporcionales. Por último aparece un remate con
formas curvas, cilíndricas, cuya función es servir de contraste, de contrapunto visual.
Utiliza 5 elementos en la casa:
1. Pilotis, implica levantar, dejar la planta baja diáfana, implica el contraste entre naturaleza y
arquitectura, separa.
2. Planta libre, implica diferenciar la estructura de las distribuciones.
3. Fachada libre, implica que el sistema de estructura es diferente al cerramiento.
4. Ventana horizontal, por razones funcionales de luz y ventilación.
5. Terraza jardín. Introduce la naturaleza en el interior del edificio.
En arquitectura se habla de interior-exterior y se habla del recorrido. Le Corbusier lo

llamará el paseo arquitectónico. En la villa Saboya se representa en un elemento llamado
‘rampa’.
Planta central, estructura independiente del cerramiento, dos sistemas diferentes. La

rampa va uniendo las distintas plantas que además recorre el espacio interior y exterior de la
casa, de ahí la influencia del cubismo que se abre.
Planta dispuesta en ‘L’.
En la planta superior hay una terraza vinculada al exterior, Solarium.
Notre Damme de Ronchemp (Le Corbusier, 1950)
Ermita de peregrinación al Sur de

Francia, construida después de la segunda
Guerra Mundial. El aspecto no tiene nada que
ver con la Villa Saboya, con un lenguaje
estricto, aquí vemos unos elementos que nada
tienen que ver, no hay pilotis, hay muros
gruesos e inclinados, cubierta de hormigón
enorme, geometría orgánica, formas curvas,
aparecen valores de textura, ventanas
abocinadas, más estrechas en el interior que en
el exterior.
¿Qué pasa desde la villa Saboya hasta

esta capilla?, Hace un esfuerzo de fe en la
tecnología, sí se solucionan las necesidades de
vivienda, ciudad industrial, la sociedad
volverá a la racionalidad y no se vuelve a la
Guerra. Resulta erróneo, ya que más tarde se
producen los enfrentamientos en Europa.
Sufre el descontento. No existe la fe en la
tecnología, racionalidad no es la máquina, y se
buscan otros caminos, otras vías, esta capilla
está dirigida a la emoción, busca emocionar,
mediante el exterior, con esas formas
plásticas, como una escultura en forma de edificio, formas que captan la luz, cambia la
percepción.
En el interior existen texturas que cambian de luz, vibraciones de luz.
En la capilla semicircular para la oración personal no hay ornamento religioso, estamos viendo
la luz que resbala por las paredes pero no vemos la fuente de la que procede. Además al ser
curva se hace palpable y sensible.
Mobiliario Le Corbusier (1925), mobiliario modular, casilleros estándar, es el origen del
mobiliario modular posterior. Contenedor neutro modulado que puede admitir variantes con o
sin puertas, cajones, estanterías, variantes de color, material.
El objetivo es funcional, se trata de tener una estructura fija, con las mismas piezas y los paneles
para ir montando y solucionar necesidades.
Elementos de la serie: Se pueden utilizar en cocinas, dormitorios, armarios de salón, admiten

combinaciones que permiten diferentes funciones.
Se trata de aplicar al mueble todos los criterios industriales, se llama mobiliario estándar y sobre
esa base el máximo número de variantes para conseguir la flexibilidad adaptación a cualquier
probabilidad de uso.
Hace un estudio dimensional basándose en la medida humana, y en el número de elementos que

va a contener, distribución.
Se estudian los muebles de reposo, sillas, tumbonas, está pensando en lo que se llama posición
activa y pasiva, descanso, estudio, lectura...diferentes posiciones del cuerpo humano para la
función.
Sillón Grande (1928, Le corbusier)
Se caracteriza por las mismas características, existen variantes,

es negro y acero cromado, tamaño grande y pequeño. Es un
cubo, se separa la caja estructural del tubo de acero de lo que es
el confort del asiento, distribución fundamentalmente
horizontal, se rompen las esquinas, tanto en el trasero como en
el delantero. Se busca romper el volumen, el cubo está
descompuesto en la estructura lineal, se está rompiendo con las
aristas, siempre que se eviten las aristas es porque se está
descomponiendo. Variantes con acero cromado o lacado, el
diseño es el mismo, se busca diversificar, hay dos tamaños.
Sillón acero barnizado (1929 Le Corbusier)
Es una posición en ángulo, más de actividad, también por el propio

material, en este caso hay una cierta elasticidad, para evitar el contacto
con el acero que es frío, pone en los posabrazos cintas de cuero. El
respaldo está cogido mediante articulaciones transversales, tiene un cierto
movimiento, funciones como muelle. Aparecen variantes con el tipo de
acero y de revestimiento.
Tumbona (1928, Le Corbusier)
Permite el movimiento, esa curva por la parte

posterior es un arco de círculo y permite que la
superficie en donde descansa el cuerpo se pueda
desplazar para adoptar diferentes posiciones, de
manera que tenemos 3 partes diferentes, las patas en
forma de ‘H’ la superficie de descanso, de tubos de
acero hueco, la estructura y por último el acolchado.
2. Mies Van Der Rohe (Alemania)
Es un arquitecto fundamental, es el padre del minimalismo, se buscan los mínimos elementos,

su lema es ‘less is more’.
Pabellón Alemania para la exposición de Barcelona (1929, Mies Van Der Rohe)
Una de las obras emblemáticas y

característica de la manera de
trabajar de Mies. El pabellón se
desmontó y quedó una colección
de fotografías, esta obra se
consideró fructífera con herencias
posteriores, a propósito e las
olimpiadas del 92 se reconstruyó.
Tenía una especie de voluntad de
resumen de infinidad de cosas.
La función: Cuando el gobierno

alemán le encarga el pabellón Mies
se pregunta que es lo que se
expondrá. Los representantes le dicen que no se va a exponer nada, es el emblema del estado
alemán, tiene que expresar como es el arte Alemán, es un monumento que se expone a si
mismo. Aparece una continuidad entre exterior e interior y a veces aparece una ambigüedad y
confusión de estar dentro o fuera.
Lo primero que hace es definir un recinto, define un

pedestal, levantado del suelo, todo ello es el pabellón,
sobre esa superficie aparecen de entrada tres elementos, las
dos construcciones y el estanque. Uno de los espacios
representativos, de exposición y servicio, almacenes... El
estanque tiene función compositiva, el reflejo y de dirigir
las circulaciones.
Se compone a la manera Neoplástica, aparece el punto, la línea

y el plano. La cuadrícula, modulación, y las líneas que
distribuyen entre si circulaciones, espacios. Aparece otra serie
de puntos que corresponden a la estructura. Son los ocho
pilares de la estructura.
Como rectángulos el estanque principal y otro secundario. En

medio aparece el salón con dos sillas Barcelona y una mesa
con taburetes. La composición es de moda neoplástica, asimétrica.
En la entrada, siguiendo recto, llegamos al estanque, cambiando

de dirección entramos en una línea de puntos (proyección de la
cubierta), traspasado el cerramiento de vidrio se llega a cubierto
en un espacio interior.
El espacio más cerrado es el circundado por cuatro paredes, es el

espacio mas interior, es un patio, sin techo, no se puede pasar, es
otro estanque, es inhóspito (no se puede estar).
El cerramiento es de vidrio, separado de la estructura, al fondo

hay una escultura un medio del estanque.
Mies utiliza con verdadera maestría los materiales de altísima

calidad y muy buena puesta en obra. La pared separadora es de
ólice, muy singular, perfectamente cortada, juega con la veta del
material.
Silla Barcelona (Mies Van der Rohe, 1929)
La estructura de la silla está formada por dos líneas que se cruzan,

en tijera, esa estructura resulta absolutamente tradicional, hay una
idea fundamental, fusión entre lo clásico y lo moderno, estructura de
‘tubo’ metálico, cromado, moderno, pero al mismo tiempo se
combina con una tipología en ‘X’ de la antigua Grecia y el
‘capitoné’, tapizado clásico con botones.
Separación entre el acolchado y el revestimiento.
Silla grande, no es de gran confort, es para actividad, por voladizo,

está aprovechando la elasticidad del acero, la disposición en ‘X’ es la de un muelle, la propia
forma nos habla de actividad.
Casa Tugendhat (1928-30)
Extensión tema vivienda de las casas típicas de Barcelona, el uso es de vivienda. Es una casa
grande, en pendiente, mira hacia un paisaje (colina), es una casa volcada al paisaje, funciona al
revés de lo convencional, se accede por la parte superior, hay una serie de volúmenes que
corresponden a espacios nocturnos, dormitorios, desde allí se accede a la planta inferior, es una
planta volcad al paisaje, para esa planta se diseña el mobiliario Tugendhat.
Se disponen tres volúmenes de servicio y dos de dormitorios, en el piso superior. La

composición en planta es neoplástica, los puntos son soportes, en cruz metálicos, finos y de
poca sección, las líneas corresponden a divisiones que sirven para dividir un espacio pequeño en
diferentes zonas. Se instala un invernadero en la parte inferior a la derecha, actúa de filtro
vegetal para la casa. Aparece el concepto de planta y fachada libre, independiente del
cerramiento, la distribución de los paneles para dividir los espacios son independientes de la
estructura.
Aparece, a diferencia del neoplasticismo, la sinceridad material, son materiales concretos. La

entrada mediante porche, espacio para dejar el coche.
En la planta superior destaca el dormitorio infantil, el mobiliario vinculado a la propia

arquitectura y el resto del mobiliario se proyecta la propia veta de la madera, aparecen muebles
del mobiliario Bauhaus (tubo metálico en voladizo).
Mobiliario integrado en la habitación de servicio, en el dormitorio principal se usan sillas y

mesas en cruz, incluye un lugar de trabajo.
En la planta inferior el cerramiento es de vidrio, continuidad visual hacia el exterior, se hace

cierto puesto que se oculta el sótano mecánicamente.
Aparece la silla Barcelona dependiendo de la fecha de la fotografía, posibilidad de ocultar las

vistas con cortinas desplegables.
Mobiliario BRNO o Tugendhat.
Silla Fleje piel (Brno, 1929)
Función:
Significado primario una silla, secundario para
comedor, es una silla de actividad, de trabajo, para mantener
una cierta posición de actividad.
Es una silla ligera, moderna por el material, es una pletina

metálica, es acero. Piel de cabrita, clásica y tradicional. La
evolución hasta el año 1929 está utilizando pletina, es chapa.
Tiene el mismo comportamiento de resistencia en cualquier
dirección, isotrópica. El tema de la chapa está vinculado a la
ballesta, los carruajes clásicos se apoyan en las ruedas
mediante ballestas para absorber la irregularidades del
terreno, esto lo adopta el mobiliario. Está resuelto en
voladizo.
Variantes, existe la variante en tubo, incluye el reposabrazos, contacto con el metal

desagradable y suaviza ese contacto. Constructivamente es similar, tapizado en tela, es parecido
al Bauhaus, el plano es rígido que se acolcha, está unido por una intersección. Base sin
separador, no tiene rigidez.
Canapé, madera acero goma y cuero (Brno 1931-32)
Estructura muy elemental, soportes no situados en la

esquina, sistema constructivo a la vista, flexible, el
acolchado con ‘caitoné’, de cuero, apoyabrazos
cilíndrico que rompe con la simetría.
Estantería, aparador boceto (1929-31)
Separa la estructura del cerramiento, soportes interiores perforando la caja, reviste el sistema
estructural.
Tumbona, acolchado cuero (1931- 32)
Hecha en tubo, aparece la doble estructura, la del soporte y la del plano de

descanso, vuelve a utilizar el cuero.
Paralelamente a Le Corbusier y Mies (racionalismo estricto) se crea el organicismo en EE.UU. y

Finlandia, es la variante a ese racionalismo estricto. El organicismo también es racionalista se
preocupa por aspectos funcionales y constructivos. Proviene de lo orgánico, de lo natural.
Características:
1. Pertenece a culturas o ámbitos geográficos marginales, al margen de la cultura

dominante (EE.UU. Y Escandinavia)
2. Hay una influencia importante del entorno natural, es superior a la influencia del
patrimonio artístico. El lugar tiene una importancia grande, el lugar se manifestará a
través de los materiales concretos.
3. Geometría tridimensional que se hace orgánica, es más flexible, aparece la curva, la
diagonal.
4. Importancia del espacio fluido, continuidad interior-exterior, no hay separaciones
rígidas.
Casa Kaufmann o casacada (Frank Lloyd Wright 1936-39)
Hay unidad entre arquitectura y

naturaleza. La diferencia con la
anterior, villa saboya, y casa tugendhat
es el entorno. Por un lado es camuflaje,
por otro quiere diferenciarse, es el
equilibrio entre la integración, es una
geometría rota, se hace orgánica y
flexible se abre para dar entrada a la
naturaleza.
La casa está encima de una cascada, es

la evidencia constante de la gravedad,
frente a esa evidencia aparecen las
superficies horizontales de las terrazas,
hormigón blanco, lo industrial y
tecnológico está volando frente a la
caída del agua, desafía la fuerza de la gravedad.
Composición de planos verticales que mantiene la materialidad del lugar son de piedra del
lugar, revestida, frente a esa materialidad los planos horizontales de hormigón blanco.
Nos obliga a recorrer la casa por todos los puntos de vista antes de entrar. Aparece una
geometría que se descompone, el volumen está descompuesto, siguiendo el perímetro vemos
que es parte de un cuadrado, a partir de esa geometría se abren las tres direcciones del espacio
de una manera muy poco rígida,
cuadrado compuesto en diagonal, las
cuatro esquinas comunican con la
tierra, el aire, el fuego y el agua.
Distribuye cuatro ámbitos dentro de

un espacio muy grande, diferentes
materiales, diferentes entradas de luz
y diferentes alturas. Está jugando a la
continua contradicción, incluso
acristalado, existe esa ambigüedad
entre dentro y fuera.
Los planos verticales revestidos con piedra natural sin desbastar se contraponen a los voladizos
horizontales de hormigón, transparencia, vidrio, vemos el interior de la casa.
En el trayecto de entrada a la casa vemos por fuera toda la estructura, pasamos el puente y
accedemos a ella, cambia el paisaje, la luz, es
cambiante.
El espacio central tiene mayor altura, mismos

materiales, piedra revestida y hormigón blanco,
apertura a la terraza, no hay esquina, son únicamente
cristales a hueso, se rompe la caja, no se sabe donde
está la esquina.
Chimenea con sistema de calefacción.
Wright tiene una participación en el tema del diseño, diseño integral, en la casa de la cascada
diseña el contenedor y el contenido, vive prácticamente 100 años. En la formación se enraízan
aspectos del S. XIX, va por delante de los europeos, en cuanto a temas tecnológicos va por
detrás. Referencias con Arts & Crafts en cuanto a la sinceridad, cierto arte de fin de siglo en su
vertiente más geométrica también hablamos de un estilo oriental (Japón). Fundametalmente son
temas domésticos, mobiliario, lámparas, vajilla...
Lámpara colgante, Dana (Wright 1902)
Está compuesta a partir de líneas y planos, carácter artesanal, está

suspendida de cuatro líneas, cristal emplomado coloreado, aspectos
de arte de fin de siglo.
Lámpara sin vidro (Wright 1932)
Recuerda al neoplasticismo por sus formas geométricas. Recuerda al

organicismo, es una analogía orgánica, planta, tronco con ramas en
voladizo. Está hecha en madera. Se evita el deslumbramiento, la reflexión
de la luz se hace en diagonal, el plano horizontal sirve para reflexionar la
luz, luz indirecta.
Lámpara taliesin (Wright 1925)
Lámpara piramidal, pantalla simulando el papel de arroz, influencia japonesa, la hace simulando
un tatami, combina los materiales naturales y la geometría, el organicismo.
La función principal es la de ordenar, luz intermedia, para conseguir

un nivel de luz medio ambiental. La pantalla difunde los brillos.
Mobiliario comedor Husser (1989)
No están lacados, no se tapa la cualidad de la madera como lo hacía

Mackintosh, sinceridad material de Arts & Crafts, voluntad de dejar el
material visto, barnizado, mantiene las líneas compositivas de
Mackintosh, mueble sólido, los respaldos altos producen un espacio de
privacidad.
Mobiliario comedor imperial (1915-23)
La vajilla tiene el anagrama del hotel, es un círculo con una cruz, formas circulares de colores
asimétricas.
Alvar Aalto (1898-1976)
Maestro de la vertiente del organicismo, Finlandia (el país de Alvar Aalto), está en una posición
marginal (margen de frontera), paisaje duro, ártico, influencia del entorno natural, no tiene
influencia del patrimonio, por ello la ruptura de las vanguardias no tiene tanto sentido, cultura
más flexible, se introduce la curva. Será la referencia fundamental del diseño escandinavo.
Sanatorio Paimio (Alvar Aalto, 1929-32)
Sanatorio anti-tuberculosis. Se prepara por zonas,

zoonificación, no es un edificio compacto, son
diferentes cuerpos por usos dentro de un sanatorio.
Bloque mayor destinado a habitaciones, dentro de
ese bloque hay un extremo que rompe la
linealidad, se rompe y se quiebra, eso ya no son
habitaciones, está en continuidad, son terrazas para
poder disfrutar del sol como terapia, helioterapia.
La parte que vincula a las habitaciones es de uso

privado para médicos, quirófanos, etc. El tercer
pabellón es de servicios comunes, comedor,
cocina, sala de estar, para visitantes. Separados
todos los servicios de instalaciones.
En cuanto a la composición hay una geometría

flexible, se adapta al lugar adaptándose a la
tipología, es una colina, se adapta al lugar y a las
orientaciones.
Las habitaciones están proyectadas desde el punto de vista del residente, se hace más
confortable la estancia del enfermo. Las habitaciones son dobles, el sistema de colores es
inverso al actual, habitualmente lo convencional es que las paredes tengan un color más oscuro
que el techo, en este caso es inverso, están pensados para el punto de vista horizontal, para los
acostados, el techo si es claro actúa como reflector de la luz, se ilumina más, se busca que el
techo no refleje tanta luz, se evite el cansancio visual.
El mobiliario está diseñado con el objetivo de que el enfermo disfrute del exterior, la apertura se
hace por arriba para evitar corrientes de aire directamente.
Sillón hospital Paimio (Alvar Aalto, 1929-32)
Es pionero, nuevo, madera laminada, madera industrializada, la madera

es anisótropa, no resiste lo mismo en todas direcciones, las láminas de
madera se hacen juntando los sentidos de las vetas para ganar
resistencia. La madera laminada está transformada industrialmente y
busca tener las mismas características resistentes en todas las
direcciones.
Alvar Aalto descubre dos cosas. No es un sillón de actividad, desde el punto de vista formal es
similar a la silla tugendhat, tiene la calidez de la madera, descubre que el coeficiente de
elasticidad es superior al del acero. En Finlandia es un material abundante y hay tradición de
trabajar la madera. Diferencia la estructura, barnizada, del plano de descanso que está lacado en
negro.
Villa de Mairea (Alvar Aalto, 1938-39)
Vivienda en ‘L’ que busca la zoonificación, uno de los

brazos más privados se apropia un espacio exterior, jardín
con piscina y sauna.
Es esa disposición, se busca la integración en la

naturaleza a través de los materiales vegetales, zócalos de
piedra, madera en revestimientos, las propias ventanas
‘caja’, doble, en las que la carpintería exterior se orientan
al sol para definir
un invernadero.
La cubierta es de arcilla y permite plantar vegetación. En

el interior, sala de estar, apertura al mundo exterior, las
ventanas son bajas, la vegetación se mete dentro de la
casa, vemos el paisaje exterior. Escalera de madera,
suelos de madera.
Carrito de té 98 (Alvar Aalto, 1935-36)
Confort y comodidad fundamentales para el diseño escandinavo, diseño del detalle, es un diseño
que busca las minorías. Desde el punto de vista industrial es una tecnología blanda, no son
diseños que necesiten una alta tecnología, generalmente asequible, se trata de una industria de
bajo consumo eléctrico y bajo consumo material. Hay una cultura ecológica, los nórdicos tienen
asumido el vinculo de convivencia con lo natural.
Taburete nº 60 (Alvar Aalto)
pata en ‘L’(1933)
pata en ‘Y’ (1946-47)
pata en ‘X’ (1954)
Los tres tienen

variantes de altura de
patas (3 o 4) de
material, de forma,
con o sin respaldo,
redondos o
cuadrados, lacados o
en su color. Son
apilables.
Se gana organicidad, sofisticación e integración. En ‘L’ está muy diferenciado el soporte del
soportado, el montaje es elemental, tipificación, lo más elemental la barra de madera doblado y
con tornillo se sujeta la ‘L’ a la base. En la estructura en ‘Y’ sólo hay estructura, no hay base, en
este caso es más rígido, las patas forman una unidad inseparable. En la ‘X’ se produce la
intersección entre soporte y soportado, forma una especie de abanico, es muy sofisticado.
TEMA 18
Art deco Viene de la exposición de Paris de 1925, art decoratif
‘Creando estilo’ es el grupo característico del Art Deco.

El art deco no es una vanguardia, es fundamentalmente un estilo, un lenguaje de moda, art deco
es el gusto social dominante.
Periodo entre guerras en Europa con centro en las grandes ciudades (Paris, Londres, Viena...) a
partir de los años 30 influencia también en Nueva York. Es una prolongación del arte de fin de
siglo después de la 1ª Guerra Mundial, diferenciación de clases sociales, clase media (alta
burguesía), progresiva introducción de técnicas y procesos industriales, es más mayoritario.
Características morfológicas
- Influencia arte de fin de siglo, abstracción, sezession: Wiener Werkstate (Moser y

Hoffmann)
- Culturas exóticas, Japón, India, China...
- Danza, música, etc
- Hay una cierta domesticación de la vanguardia (cubismo, futurismo, bauhaus a partir de
los años 30)
Aspectos funcionales (temas)
- Todos los temas hablan del transporte (años 20-30 incremento del automóvil y trazado
del ferrocarril, primeras líneas aéreas y transatlánticas). Empieza la cultura del viaje,
indumentarias, equipaje, hoteles...
- Mujer-moda. Nuevo modelo de mujer, liberación de conductas, de la imagen, corsé,

cocochanel, charlestón. Joyas y complementos, vestidos y perfumes vinculados a la
moda.
- Domestico-vivienda. El tema principal es la burguesía de clase media, se interesa por

todos los aspectos de la decoración, introduce los aspectos de confort, intimidad,
relación entre lo privado y lo público. Todos los temas de servicios húmedos (cocinas,
baños, instalaciones). Escaso servicio, aparece el cóctel, mueble bar, equipamiento.
- Diseño gráfico y de producto. Publicidad y consumo implican el desarrollo del diseño

gráfico de producto, envases, embalajes, frascos, etc.
Tecnología. Aparecen nuevos materiales plásticos, la baquelita, implica la aparición de nuevos

procesos industriales que influyen sobre la forma de los productos, permite procesos de
estampación, formas continuas (sin puntos).
Diseñadores:
René Lalique (vidrio)

J.E. Rühlmann (muebles)
Pierre Chareau y Eileen Gray (arquitectos mobiliario)
Cassandre (diseño gráfico)
Fuente de vidrio opalescente grabado (Lalique, 1925)
Teñidos, incrustaciones y talla procesos para desarrollar el vidrio, predominan los aspectos
decorativos sobre los funcionales. Utiliza formas exóticas, peces compuestos siguiendo las
ondas.
Cómoda (Ruhlamnn, 1925)
Exclusivo en cuanto a la forma, materiales y técnica. El mueble está pensado o diseñado casi
como una escultura, por ello le pone pedestal, mantiene técnicas de ebanistería ancestral de gran
calidad, pinturas, tallas. Tiene una preocupación funcional, los temas de medidas se estudian,
respecto a la técnica son materiales caros y raros, se utilizan maderas exóticas de alta calidad
(palo santo, caoba), se combinan con incrustaciones de plata, cerrajes, se combinan con sedas,
materiales de muy alta calidad, el resultado un mueble muy depurado, exclusivo y raro.
Buró abatible (Ruhlmann, 1923)
Mueble femenino, para escribir correspondencia, cordón de seda, cerrajes y tiradores de metal
de calidad (es probable que sea plata). Influencia oriental, el tema de los lacados, es un secreto
oriental y es en este momento cuando empieza a dominarse en Europa, se usa para cubrir los
muebles, es un signo de exclusividad. Es un compromiso entre tradición y modernidad.
Progresiva actualización de la vanguardia.
Armario ropero (Ruhlmann, 1921)
Dentado superior en marfil, tiradores de seda, línea inferior en plata, es una forma muy
geométrica y sobria, no se trata de inundar todo de elementos, pocos elementos y de muy buena
calidad.
Cabnet (Ruhlman, 1925)
Totalmente lacado en rojo por Dunand.
Diván (Ruhlmann, 1920)
Referencia de mobiliario neoclásico, compromiso entre formas sencillas y geométricas en

compromiso con el pasado y la tradición.
Sillón (Eileen Gray)
Cierto aire mecánico, puede cambiarse de posición.
Silla transat (Eileen Gray, 1927)
Aparecen accesorios de latón.
Escritorio (Chareau, 1925)
En la exposición de Paris lo presenta, moderno y exótico, madera de macasar, tiene mecanismos

de apertura de puertas, patas con cajones, frente con puertas correderas. Superficies de trabajo
plano, inclinado en los bordes. Posteriormente crea muebles con la posibilidad de industrializar,
maderas más comunes, formas más simplificadas.
Étoile du Nord (Cassandre, 1927)
Temas decó, compañías de transporte de ‘ferrocarriles del norte’. Efectivo, hay una
concentración de contenidos, está publicitando una línea que une Paris, Bruselas y Ámsterdam.
Utiliza un horizonte muy alto, punto de vista de gusano, muy rasante, aparece la fuga de los
raíles y en el horizonte, en donde figuran las líneas, encontramos el anagrama de la compañía, te
lleva al destino a la meta, a las estrellas. Mezcla de colores, fríos y cálidos.
L’atlantique (Cassandre, 1931)
Está utilizando un horizonte muy bajo, el trasatlántico aparece enorme, resalta la pequeña barca,
sirve de contraste. Es un rectángulo azul, simplificación muy rotunda y efectiva.
L’intransigeant (Cassandre, 1925)
Es una publicación. El esquema compositivo (siempre hay un proyecto en el que se estudia el

punto central, líneas paralelas, esquema abstracto como soporte del arte figurativo,
esquematización geométrica, se compone con colores planos muy elementales. Cassandre tiene
una influencia de las vanguardias soviéticas.
Lawn Tennis (Cassandre, 1932)
La pelota es el elemento principal que está descentrado, mínimos elementos la red y la línea de
la pista de tenis.
TEMA 19
Diseño aerodinámico
La forma prima sobre la función. El lema ‘lo feo no se vende – Raymond Loewy’
Nacimiento deel diseño industrial en EE.UU. por el crack de Nueva York del 29, prolongación
años 50 y 90.
La diferencia del diseño industrial en Europa y EE.UU.:
Europa:
-Pioneros, 1908 Peter Behrens AEG
-Teoría 1919-20 Bauhaus y Vjutemas
-Arquitectos y artistas como padres
-Compromiso social
-Margen de la moda y del mercado
EE.UU.:
-Crack 1929 como origen

-Decoradores, diseñadores gráficos, escenógrafos
-El objetivo es vender, mercado, marketing, publicidad.
-Diseño vinculado a la moda, consumo
-Rediseños para mejorar el aspecto exterior
Capitalismo:
La crisis del 29 implica un giro del capitalismo, implica la aparición del Fordismo (años 1910-
20) que implican pocos modelos y larga duración, cambia a partir de 1929, que se produce por
la saturación de los mercados, saturación de Stocks y no pueden seguir produciendo porque no
venden, se cambia la filosofía de capitalismo, se pasa a muchos modelos de poca duración para
que el sistema no se pare y pasar a la filosofía del consumismo.
Mediante el rediseño, se implica el aumento de las ventas.
Morfología:
-Líneas fundamentales horizontales

-Superficies lisas, pulidas, redondeadas, fáciles de limpiar, connotación de velocidad y
modernidad.
-Cromados, incrustaciones metálicas
Temas y función (aspectos funcionales):
-Transporte, predomina el ferrocarril y el automóvil, gran territorio, comunicaciones.

-Doméstico, desarrollan aspectos vinculados a los electrodomésticos, lo que facilita la vida.
-Diseño de producto, publicidad, consumo, envases, embalajes.
Diseñadores:
Raymond Loewy (polifacético)

Henry Dreyfuss (teléfonos)
Buckminster Fuller (diseño experimental)

Harley Earl (automóviles)
Raymond Loewy
Empieza a trabajar en EE.UU. como diseñador industrial. Trabaja con las grandes empresas,
Kodak, Westing house, american electric, Gestetner, Hoover.
El primer éxito profesional es el rediseño de la multicopista Gestetner, el rediseño es de una

carcasa, funda que oculta las partes más feas de la máquina, son las partes que manchan, hay
una incorporación del pedestal, en donde se incluyen accesorios para guardar el papel, la tinta,
es complemento de la propia máquina. No hay arista, son formas redondeadas y que recuerdan
más a lo orgánico.
Otro de los éxitos es la nevera, apertura con el pedal, codo, introduce las bandejas de rejilla para
que circule el frío por la nevera, son más fáciles de limpiar.
La empresa Hoover llegó a ser sinónimo de aspirador, son diferentes a las europeas.
La cámara fotográfica hecha en baquelita, por fundición, permite tener textura.
Dreyfuss (antropometría)
Tiene un concepto del diseño como una prolongación del ser humano,tiee libros publiados sobre
medidas humanas.
Trabaja para la Hoover diseñando aspiradoras. Es conocido por su trabajo en la empresa de

teléfonos, trabaja con ingenieros de producción, se le debe el tipo de modelo.
Teléfono M300 (Dreyfuss)
Unión entre auriculares y micrófono en la misma pieza, marcación por disco, material en
baquelita, formas de una sola pieza, donde prácticamente no hay arista, se hace por
estampación, generalmente blancos o negros y de formas discretas, para que puedan combinarse
con cualquier tipo de decoración, tiene que ser común, neutro, asequible. Surgen variantes pero
siguiendo el tipo.
Buckminster Fuller (diseño experimental)
Trabaja en el modelo ‘DIMAXION’ lo que serán cúpulas geodésicas, vehículo con tecnología
aeronáutica para reducir la penetración con el aire y así reducir el consumo, llega a hacer
prototipos.
Construye casas industriales
Harley Earl (automóviles)
Trabaja para la General Motors y para la Ford
Cadillac 1958
Sedan 1956

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ESTÉTICA Y DISEÑO

Alberto Cantero Guillot

Metodología Formalista. Se centra en el estudio del arte exclusivamente como forma, se le

Hay incomunicación, las figuras están ensimismadas,

En la de Rubens el planteamiento es diferente, claroscuro más

Categorías fundamentales para la historia del arte

Significados o contenidos de la obra de arte

1. Significado primario (fáctico y expresivo). Lo primero que se hace es identificar los

2. Significado secundario (convencional/social). No intervienen los sentidos sino lo que se

3. Significado tercero (intrínseco). De lo que se deduce, del raciocinio. Es para

Estudio de los significados:

La pietà del Vaticano (1500)

En la tercera nos preguntaríamos cómo cambia el pensamiento de Miguel Ángel y su

Muestra a la Virgen con su mejor belleza e idealidad, con un

Ya no aparece sólo la Virgen y Cristo, sino que aparecen más

¿qué ocurre desde 1540 hasta 1555? Aparece el Concilio de Trento, la

Rubens: Predomina el claroscuro, manchas, sombras,

Rembrandt: Claroscuro, profundidad, inestable, dinámico, en

Rembrandt: Mucho más austero,

Rubens: Rojo en primer plano,

Rembrandt: Utiliza una representación mucho más

Rubens: Es la segunda mujer de

1. El arte es independiente de la causalidad social según Hauser.

4. La idea de progreso en arte es distinta de la idea de progreso en ciencia. Existe

5. Juicios estéticos a diferencia de los científicos. Hablamos de la verdad, sino no es

1. Formal Arte=Forma Visual H. Wolflin

2. Iconológico Arte=Imágenes Significados E. Panosky

Significante: Vehículo de signo

Significado: Denotado y connotado

Significado estricto Temas que sugiere

Tipos de signos (Rubert de Ventós):

1. Señal Contigüidad Conduce a la conducta

2. Síntomas Salen Significados Medicina/Diagnósticos

3. Símbolos Designado Idea, concepto, ente abstracta

Parte del código tradicional, en el ‘árbol

Código nuevo, define unas normas y a partir de ellas trabaja. El

La relación entre la física y las matemáticas es análoga a la de la abstracción y la figuración.

En el año 1905 se fundan las primeras vanguardias.

- Empiezan a aparecer nuevas artes, nuevas técnicas, fotografía, fotomontaje,

2. Utopia (no lugar)

Se plantea lo imposible como meta, es el compromiso social.

En torno a la expresión, abstracción y fantasía. No son compartimientos estancos, hay relaciones

Nos basamos en algo ya visto, que es la contraposición entre impresionismo y

2. Ámbitos Cronológicos y Geográficos

El expresionismo no es un estilo, es una actitud que a lo largo del S. XX irá surgiendo de

Diversidad de fechas, espacios, artística (dualidad entre figuración y abstracción), también

Como precedentes la pintura de Van Gogh

- Finales S. XIX (proto-impresionismo) antecedentes del expresionismo, es contemporáneo con

- Aparece como una construcción a través del color, el color construye

- Importancia de la línea. No es constructiva, pretende subrayar, enfatizar, destacar

Morfología ¿cómo es? Si seguimos el esquema

Iconografía ¿por qué? Es un grito angustiado, el

Iconografía. Habla de la pubertad, crisis, época de cambio,

Morfología. No hay esquema constructivo, aparecen las tres

del hombre. Está en posición de protección, se siente desprotegido y vulnerable. La

Entrada de Cristo en Bruselas (Ensor)

Se trata de una fiesta

Fauvismo (Paris, 1905)

La raya verde (H. Matisse, 1905)

Es un retrato que hace de su mujer, tiene una raya verde que le

Mujer en camisón (André Derain)

No pretende una descripción de la figura femenina, no hay que

Desnudo en el estudio (Matisse)