A R T E B A R R O C O

Utiliza formas y líneas grotescas y extravagantes. Excede en

la decoración. Es una reacción contra los cánones de equilibrio
clásico y renacentista. Predomina la libertad de los trazos.
Estilo ornamental con profusión de superficies curvas, se impone
mediante el efecto de masa, color y movimiento.

Barroco significa degeneración, retroceso, decadencia, carente de

calidad estética. Hoy el barroco es un arte distinto a su
predecesor. Los jesuitas difunden el barroco.

En América se hizo surgir un barroco más recargado, con mayor

brillo decorativo. Es más vehemente que el español. Siglos XVII-
XVIII.

Para Argan, el Barroco fue una revolución cultural en nombre de la

ideología católica. La Iglesia de Roma para ser un medio de
propaganda al servicio de la causa católica, y en el Concilio de
Trento se habla de que el artista debe instruir y confirmar al
pueblo, recordándole los artículos de la fe, excitándole a adorar
y aun a amar a Dios. Para cumplir esta misión, el arte debía
poseer fuerza de atracción sobre os sentidos y poder de
penetración en el espíritu, es decir, debía ser seductor y
didáctico para mostrar el camino de salvación.

Resumiendo un poco, voy a resaltar las ideas más importantes.

Pienso que el arte es una habilidad técnica para desarrollar algún
trabajo, pero sin embargo, creo que el arte no es sólo eso, sino
que también el talento de una persona con respecto a un oficio
visual.

Pienso que el término “cultura” se refiere a los conocimientos de

una persona, es decir, alguien culto es quien tiene estudios. Se
podría decir que el arte está dentro de la cultura si designamos a
la cultura como un “todo”, pero pienso que no seria lo correcto.
El arte es una habilidad y no un conocimiento, por lo que pienso
que son conceptos diferentes, aunque relacionados.

El barroco no es un mero concepto artístico, sino también un

movimiento cultural del siglo XVII. Me explico, si definimos arte
y cultura como términos diferentes, también podremos decir que el
barroco no es sólo un movimiento artístico, sino también cultural,
porque esos 2 conceptos son muy relevantes en la época. Es
necesario decir, que todo lo que esté relacionado con el barroco,
va en torno a la Iglesia, es decir, que los temas, ya sean de
dibujos, novelas, canciones, etc., son religiosos.

El Barroco fue una consecuencia de la lucha religiosa que hubo en

Europa que tuvo lugar en Europa a causa de la Reforma protestante
y la Contrarreforma católica. El enfrentamiento religioso provocó
un cambio de mentalidad que afectó a todos los aspectos de la
cultura, del arte y de la sociedad.

Significó el triunfo de los sentimientos exaltados. La serenidad y

la fe que habían caracterizado en el Renacimiento en el ser humano
fueron sustituidas por una visión de la vida más mística, muy
influida por la religión, y menos optimista.

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

La evolución del arte barroco, en todas sus formas, debe

estudiarse dentro de su contexto histórico. Desde el siglo XVI el
conocimiento humano del mundo se amplió constantemente, y muchos
descubrimientos científicos influyeron en el arte; las
investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas justifican
la precisión astronómica que presentan muchas pinturas de la
época. Hacia 1530, el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría
sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol, y no de la
Tierra como hasta entonces se creía; su obra, publicada en 1543,
no fue completamente aceptada hasta después de 1600. La
demostración de que la Tierra no era el centro del Universo
coincide, en el arte, con el triunfo de la pintura de género
paisajístico, desprovista de figuras humanas. El activo comercio y
colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los
países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y
culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento.

La religión determinó muchas de las características del arte

barroco. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas
más influyentes, y la Contrarreforma, lanzada a combatir la
difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte
emocional, exaltado, dramático y naturalista, con un claro sentido
de propagación de la fe. La austeridad propugnada por el
protestantismo en lugares como Holanda y el norte de Alemania
explica la sencillez arquitectónica que caracteriza a esas
regiones.

Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el

mundo del arte. Las monarquías absolutas de Francia y España
promocionaron la creación de obras que, con su grandiosidad y
esplendor, reflejaran la majestad de Luís XIV y de la casa de
Austria, en especial de Felipe III y Felipe IV.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE BARROCO

Entre las características generales del arte barroco están su

sentido del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes
contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos
de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa
espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis,
martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes
espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en
el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron
siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la
perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del
arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como
simples estereotipos sino de manera individualizada, con su
personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de
los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos,
magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La
intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte
barroco —manifestado en las representaciones realistas de la piel
y las ropas— hicieron de él uno de los estilos más arraigados del
arte occidental.

Primer Barroco

Las raíces del barroco se localizan en el arte italiano,

especialmente en la Roma de finales del siglo XVI. El deseo
universalista inspiró a varios artistas en su reacción contra el
anticlasicismo manierista y su interés subjetivo por la
distorsión, la asimetría, las extrañas yuxtaposiciones y el
intenso colorido. Los dos artistas más destacados que encabezaron
este primer barroco fueron Annibale Carracci y Caravaggio. El arte
de Caravaggio recibió influencias del naturalismo humanista de
Miguel Ángel y el pleno renacimiento. En sus cuadros aparecen a
menudo personajes reales, sacados de la vida diaria, ocupados en
actividades cotidianas, así como también apasionadas escenas de
tema mitológico y religioso. La escuela de Carracci, por el
contrario, intentó liberar al arte de su amaneramiento retornando
a los principios de claridad, monumentalidad y equilibrio propios
del pleno renacimiento. Este barroco clasicista tuvo una
importante presencia a lo largo de todo el siglo XVII. Un tercer
barroco, denominado alto barroco o pleno barroco, apareció en Roma
en torno a 1630, y se considera el estilo más característico del
siglo XVII por su enérgico y exuberante dramatismo.
ESCULTURA

La escultura barroca tiene tendencia

a fundirse con la arquitectura y la
pintura para producir conjuntos
significativos de un contexto más
amplio que la mera escultura allí
situada.

Esta fusión se presta a la

teatralidad y a la espectacularidad
características del barroco que
presenta, con frecuencia, la obra
como un espectáculo.

En El éxtasis de Sta. Teresa, obra del polifacético Bernini, la

capilla acoge una función en la que aparece en el centro la
propia Santa en actitud de desmayo ante la presencia de un ángel,
al fondo aparece unos rayos luminosos que indican la presencia de
Dios y que proceden del mundo celestial que está pintado en la
parte superior y, finalmente, en los laterales hay un palco a cada
lado en los que se encuentran algunos personajes asistiendo a la
"función"

Los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el

desnudo adquiere particular importancia. Además, la escultura se
vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes,
integradas con la arquitectura.

CARACTERÍSTICAS:

La escultura barroca se caracteriza en general por su fuerza y su

monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo,
proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su
expresividad y su tratamiento de la ropa.

 MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción

violenta y en actitudes de esfuerzo y tensión. Las ropas
participan también de esta agitación y se arrugan en pliegues
que revolotean como sacudidos por el viento.
 PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos
tales como: éxtasis, miedo ansiedad, etc., que los rostros
traducen con el más vivo verismo.

 CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de

manera que los cuerpos se perciben como envueltos en una
atmósfera luminosa.
  TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a las
actitudes elocuentes que hacen que hacen de ella una
representación dramática.

 Deseo de movimiento al igual que en arquitectura. A diferencia

de los manieristas cuyo movimiento se contenía en planos, para
los escultores barrocos los miembros y los ropajes de las
figuras se desplazan hacia fuera vaporosos, hinchados
Aparatosidad.

 Expresan más la apariencia que la realidad en aras de esa

aparatosidad.

 Es una escultura con gran sentido decorativo. No es una

escultura para ser contemplada aislada sino para formar parte de
un retablo.

 Es además naturalista. Interpreta expresiones exaltadas.

 Escultura que casa muy bien con el momento que vive la

cristiandad; época de místicos, de santos. Éxtasis: ojos
entornados, boca abierta.

 Escultura efectista. Intenta sorprender a quien la contempla

sobre todo el genero funerario: reloj, muerto se levanta,
esqueleto tras cortina, reflejo de una sociedad en que los
santos tienen una gran importancia.

 Se impuso el realismo en las representaciones, a las que se dotó

de rasgos físicos y movimientos naturales. Todos los detalles
del cuerpo humano se representaron minuciosamente.

 Las representaciones mostraban un gran patetismo. Se exaltaron

los sentimientos y se dio mucha teatralidad a los gestos. Hubo
un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.

 Las figuras adquirieron gran movilidad, energía y vitalidad. Se

hizo muy habitual que éstas se engarzasen unas con otras
formando composiciones muy complejas. Se impuso el gusto por lo
teatral y las composiciones se pensaban como auténticas
escenografías, es decir, como decorado para una representación
teatral.

 Se potenciaron los efectos luminosos. Los pliegues de la ropa y

los gestos de las figuras provocaban combinaciones de luces y
sombras.
 La temática de las esculturas barrocas fue muy variada. En los
países católicos eran frecuentes las representaciones
religiosas. En todos los casos se desarrollaban los retratos y
las escenas mitológicas.

Autores:

Maderna: de este autor podemos citar "Santa Celia".

Bernini: movimiento. Temas mitológicos como "Apolo y Dafne" (foto

primera de la derecha), o el "David"; temas funerarios como el
"Sepulcro del Papa Urbano VII; de carácter urbano como la "Fuerte
de los Cuatro Ríos", en la plaza Navona; temas del amor divino
como el "Extasis de Santa Teresa" (foto segunda de la derecha).
Retratos naturalista: "Constantino a caballo"; "Muerte de la Beata
Albertona", que trata el tema del amor divino; "Busto de Luis XIV
de Francia".

Para diferenciar la escultura barroca de la escultura

renacentista, vamos a analizar algunas obras de la época, y a
resaltar las características que los diferencien.

Éstas 2 obras se denominan “La Piedad”, pero una es de Miguel

Ángel y otra es de Gregorio Fernández, una es del renacimiento y
otra del barroco. Bueno, ahora las analizaré más a fondo.

La de la derecha es de Gregorio Fernández. En esta escultura yo

veo una gran viveza y expresividad, queriendo exaltar los
sentimientos. Esto último se puede observar en el rostro, en el
que con la Virgen nos quiere transmitir el sufrimiento. Es
asimétrica. El dinamismo de la escultura nos hace apreciar aún más
la vida de la escultura, la cual en el barroco huye de
idealizaciones. Pienso que las manos abiertas contribuyen aún más
en lo último nombrado, es decir, en la viveza.
La escultura renacentista de la izquierda es de Miguel Ángel.
Ésta, tiene las ropas con grandes hundimientos, lo que nos expresa
movilidad en la obra, sin embargo, lo que más se diferencia al
barroco es que ésta obra no tiene vida ni expresividad, de hecho
la Vírgen no tiene cara de sufrimiento, sino un rostro agradable.
Dicha escultura es más simétrica que la anterior y sin energía
ninguna.

Un detalle que puede hacerte ver si es una escultura barroca o

renacentista son, el rostro el cual ya hemos mencionado, y las
manos, que ahora las analizaré. Bueno, me he fijado que, en la
mayoría de las obras renacentistas los personajes tienen las manos
entreabiertas o cerradas, sin embargo en el barroco las tienen muy
abiertas. Mi opinión es que las manos abiertas contribuyen a los
que se busca en el barroco: la expresividad; sin embargo las manos
entreabiertas o cerradas dan una sensación de serenidad y armonía
en la obra, por lo que pienso que las manos es un objeto
importante para determinar si una escultura es barroca o
renacentista.

Escultura Barroca en Italia

La reacción antimanierista en la escultura italiana tiene su

primer ejemplo relevante en la Santa Cecilia de Stefano Maderno
(1600, iglesia de Santa Cecilia in Trastevere, Roma). El gusto por
lo curvilíneo, el dramatismo y la pronunciada torsión de los
cuerpos son características que se repiten en sus primeros
trabajos. Fue Gian Lorenzo Bernini, sin embargo, quien dominó la
escultura barroca en Roma. Entre sus primeros grupos escultóricos
de grandes dimensiones, el Rapto de Proserpina (1621-1622) y Apolo
y Dafne (1622-1624, ambas en la Galería Borghese, Roma) muestran
su dominio de la escultura en mármol, creando efectos realistas de
gran tensión dramática, fuertes contrastes de luz y sombra y la
ilusión óptica del jaspeado. El Éxtasis de santa Teresa (1645-
1652, capilla Cornaro, iglesia de Santa Maria de la Victoria,
Roma) resume a la perfección la elevada teatralidad que
caracteriza al barroco. Bernini fue el artista predilecto de los
papas, para quienes realizó los proyectos más ambiciosos en el
Vaticano. Tanto el inmenso baldaquino (1624-1633), un enorme
ciborio o dosel sobre columnas salomónicas que cubre el altar
mayor de la basílica de San Pedro, como la Cátedra de San Pedro
(1657-1666), en el ábside de la basílica vaticana, atestiguan con
su colosal tamaño y ricos materiales (mármol y bronce dorado) el
suntuoso esplendor de la Iglesia católica. Bernini fue también un
excelente retratista, como puede verse en los bustos de Constanza
Buonarelli (c. 1635, Museo del Barguello, Florencia) y del Papa
Inocencio X (c. 1647, Galería Doria Pamphili, Roma). Su único
rival en este género fue el escultor Alessandro Algardi.

Las fuentes se convirtieron en uno de los monumentos públicos más

representativos del barroco, un aspecto en el que también destacó
el polifacético Bernini. Su fuente de los Cuatro ríos (1648-1651)
en la romana plaza Navona, impresiona al espectador por sus
gigantescas estatuas, el enorme obelisco egipcio que remata su
centro y los efectistas juegos de agua. Bernini fue también un
notable e influyente arquitecto; además de la gran columnata
(comenzada en 1656) que rodea la plaza de San Pedro del Vaticano,
proyectó iglesias como la de Sant’Andrea al Quirinale (1658-1670)
en Roma.

Escultura Barroca en Francia

El barroco francés se reconoce por su carácter cortesano,

mitológico y decorativo. Predominan los bustos, las estatuas
ecuestres, las alegóricas y la escultura funeraria.

Versalles será el centro del arte. François Girardon: Apolo y

las Ninfas, y el sepulcro del cardenal Richelieu. Pierre Puget es
el más barroco por su dramatismo, tensión y la violencia formal.
Andrómeda liberada por Perseo.

Escultura barroca en España

El arte italiano apenas tuvo influencia sobre la escultura barroca

española, inclinada, esencialmente, a la tradicional talla en
madera policromada. El realismo y la intensa preocupación por el
detalle, puestos al servicio del fervor religioso
contrarreformista, son sus características fundamentales; las
figuras generalmente se pintan (policromía) e incluso a veces
llegan a emplearse ojos de cristal, vestimentas auténticas y pelo
natural. Entre los trabajos más destacados de escultura barroca
española se encuentran los retablos para los altares de las
iglesias, algunos de ellos de considerable tamaño y riqueza,
realizados por equipos de escultores y arquitectos. Los
principales escultores fueron Gregorio Fernández, máximo exponente
de la escuela castellana, con impresionantes tallas de
Inmaculadas, Piedades y Cristos yacentes; y los representantes de
la escuela andaluza, en especial Juan Martínez Montañés, Pedro de
Mena, Juan de Mesa y Alonso Cano. Estos últimos repartieron entre
Sevilla y Granada buena parte de sus Cristos crucificados,
Inmaculadas, santos y otros temas típicos de los pasos
procesionales, para los que iban destinadas muchas de estas
imágenes cargadas de realismo, expresividad y fervor religioso.
¿En qué período se desarrolla el arte Barroco y qué
características presenta?

Tradicionalmente se denomina "Barroco" al período de transcurre

desde el siglo XVII al XVIII. La especial actitud estilista que
caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de madures en
Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes.
A partir de ese momento se difundió por todas las naciones de
Europa.
El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos
religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a
construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin
decoración, la iglesia católica usó para sus fines litúrgicos la
grandiosidad y la complejidad barrocas. El papado reaccionó contra
la división que provocó la reforma iniciada por Lutero generando
el movimiento que se conoció como la Contrarreforma. La
arquitectura, la escultura y la pintura fueron utilizadas para el
prestigio de la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe.
En este sentido se puede afirmar que el barroco es la expresión
estética de la Contrarreforma.

La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder

hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la
sociedad.

La burguesía de la época, que había logrado obtener un papel muy

notable, utilizó el Barroco para expresar sus ideas y trascender
más allá de su época.

En la escultura cobra papel decorativo en la composición general,

y en las grandes pinturas murales viene a corroborar el gusto por
la teatralidad, que asimismo reflejan los fondos de los retratos y
los grandes altares de las iglesias, con su complicada estructura
y dramática vivacidad. Se destacan el movimiento y el dinamismo;
las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y exaltadas. La
valorización de aquellos motivos heroicos de la cultura
renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del Greco
y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y
morales y contribuyeron a una radical renovación de la expresión
figurativa. El fortalecimiento de la Iglesia católica trajo
consigo una vigorosa reanudación de motivos estrictamente
renacentistas.

¿Quién fue el escultor más destacado de ese siglo y cuales fueron

sus obras más representativas?
Gian Lorenzo Bernini nació el 7 de Diciembre de 1958 en Nápoles.
Hacia el 1605 marchó hacia Roma junto con su familia, donde,
gracias a la protección del cardenal Scipione Borghese y una
incesable actividad artística, consiguió ocupar, en pocos años, el
primer lugar entre los artistas que allí trabajaban. Se reveló en
las primeras esculturas realizadas para dicho cardenal: Eneas y
Aníquises; el rapto de Proserpina.

Prescindió de los límites del bloque escultórico, realizando

figuras muy movidas, con sus extremidades lanzadas al espacio y
representadas en momentos fugaces.

Estas características se apreciaban ya en <<Apolo y Dafne>>

(Galería Borghese, Roma) y en el <<David>> captado en el momento
de lanzar la honda. Maestro indiscutible de del barroco romano,
mantuvo un proverbial y perspicaz antagonismo con F. Borromini.

De naturaleza devota y sensual a la vez, Bernini aspiraba a

difundir la fe católica y penetrar en el mundo espiritual por
medio de unos elementos humanos y perceptibles.

Su obra más importante el << Éxtasis de Santa Teresa>>, está en

éxtasis, llena de voluptuosidad. Su escultura se caracteriza por
un extraordinario sentido del movimiento, virtuosismo técnico,
expresividad y penetración psicológica; grupo escultórico
escenográfico dominado por la visión de la unión mística con
Cristo respondía a estos deseos del artista. Otra de sus obras fue
<<San Longino>>.

Su producción arquitectónica, generalmente monumental, en

consonancia con las ideas de una Roma triunfal, y con un empleo de
diversos materiales, contribuyó a darle a la ciudad parte de su
fisonomía actual. Protegido por el papa Urbano VIII, dos de sus
principales ceraciones se hallan en el Vaticano; se trata del
<<Baldaquino de San Pedro>>, enorme altar en bronce con cuatro
columnas salomónicas, y <<La Escalera Regia>>, donde creó la
ilusión de profundidad gracias a unas perspectivas convergentes.
Esta escalera otorga una mayúscula solemnidad a la entrada del
Palacio Vaticano, que anteriormente era solos un mezquino pasadizo
construido por Sangallo. Su obra más ambiciosa fue, no obstante,
la columnata de la plaza elíptica de San Pedro, verdadero símbolo
del barroco romano. Como arquitecto de Iglesia realizó también
Sant´Andrea al Qurinale, de planta oval.

Se muestran dibujos del propio Bernini, la Cátedra de San Pedro

(1656-1667) situada en el ábside de la Basílica, pretende y
consigue armonizarse con el grandioso baldaquino previamente
levantado sobre el altar.

En las postrimerías de su vida, aceptó el arduo cometido de

esculpir en mármol la tumba de Alejandro VII, pero dado a que el
maestro se hallaba completamente exhausto solo llegó a diseñarla y
fueron sus seguidores quienes la completaron.

La muerte de Bernini ocurrida en Roma el 28 de Noviembre de 1680,

señalaba el fin de la supremacía artística italiana en Europa.

CRONOLOGÍA DEL ARTE BARROCO

1590 Baco adolescente, de Carabagio (Galeria de los Uffizi,

Florencia).

1609 Autoretrato con Isabel Brandt, de Rubens (Alte Pinakothek,

Munich).

1629 Bernini comienza a trabajar en el palacio Barberini de

Roma. Velásquez pinta Los borrachos (Museo del Prado,
Madrid). Francisco de Zurbarán trabaja en 22 lienzos sobre
la vida de san Pedro Nolasco para el convento de la Merced
Calzada de Sevilla.

1630 Martirio de san Bartolomé, de José de Ribera (Museo del

Prado, Madrid).

1632 Retrato del cardenal Borghese, de Bernini (Galleria

Borghese, Roma). La lección de anatomía del profesor Tulp,
de Rembrandt (Mauritshuis, La Haya).

1635 Velázquez pinta La rendicion de Breda o Las lanzas (Museo

del Prado, Madrid). Bernini esculpe el monumento de la
condesa Matilde para la basílica de San Pedro, en Roma.

1650 La Sagrada Familia del pajarito, de Bartolomé Esteban

Murillo (Museo del Prado, Madrid).

1651 La Venus del espejo, de Velásquez (Nacional Gallery,

Londres).

1654 Caballero del casco de oro, de Rembrandt (Museo

Metropolitano, Nueva York).

1656 Bernini decora el interior del Vaticano y la Catedral de

San Pedro, en el ábside de la cabacera de esta basílica.
1657 Las meninas, de Velásquez (Museo del Prado, Madrid).

1661 Sube al trono Luís XIV de Francia. Se inicia la

construcción del palacio de Versalles.

1666 Tras el gran incendio de Londres, Christopher Wren es

encargado de trazar los planos para la reconstrucción de la
ciudad.

1673-1710 Chistopher Wren construye la catedral de San Pablo

en Londres, a imitación de la de San Pedro.

1721 Iglesia de Nuevo Baztán (Madrid), de Pedro de Ribera. Un

año más tarde, el mismo arquitecto construiría el Hospicio
de Madrid.

1734 Triunfo de las Artes, de Giambatista Tiépolo (palacio

Archinto, Venecia). Se incendia el Alcázar de Madrid, de
estilo herreriano.

1783 Fernando Casas Novoa construye la fachada del Obradoiro en

la catedral de santiago de Compostela.

BIBLIOGRAFÍA:

 "Historia del Arte". José Mª de Azcarate Ristori, Alfonso

Emilio Pérez Sánchez, Juan Antonio Ramírez Domínguez.
Editorial Anaya, 1991.
 "Historia del Arte". COU. M.E.C. Seminario de Geografía e
Historia del INBAD. Edita: Centro de Publicaciones.
Secretaria General Técnica. 1989.
 "Historia General del Arte". Varios Autores. Summa Artis.
Editorial Espasa-Calpe, S.A. 1982.
 Arteca, para comprender el arte

 Enciclopedia Británica

 Enciclopedia Salvat,

 Grandes museos del Vaticano.