CORRIENTES

ARTÍSTICAS
Angie nieto montes
BARROCO
El arte barroco se desarrolla entre los siglos XVII y XVIII.
Según Woelfflin las características son:
-visión pictórica y apariencia.
-composición con profundidad
-formas abiertas.
-subordinación al motivo
-claridad relativa
El arte será el vehículo de propaganda tanto de la Iglesia
de la Contrarreforma, como de los Estados absolutistas
o de la burguesía protestante. Es un movimiento que
plasma obras de grandiosidad y tensión dramática.
En el barroco la figura humana se alza como objeto
decisivo del arte, pero no en su forma idealizada, sino en
cualquier aspecto, ya sea este bello o feo, sublime o
cotidiano.
 contexto
Contexto barroco
Económico El campesinado del siglo XVII recogía muy poca cosecha y,
en ella, debía apartar tres porciones: una entregaba a la
Iglesia como pago de diezmos; otra entregaba al noble
que era el propietario de la tierra y la tercera parte debía
darla al rey como pago de impuestos; lo que le quedaba
era mínimo, y estaba destinado al consumo.
Eso significaba que el campesino no podía vender sino
sólo consumir lo que producía. De esta forma, apenas
tenía ingresos y su nivel de vida era muy bajo.

Político Contrarreforma
renovar la Iglesia y evitar el avance de doctrinas
protestantes.

Social Inquisición, y las guerras de religión

Europa se encontraba envuelta en guerras de religión.
 artistas principales
Velásquez Diego (1599-1660)
Es la figura más importante de la pintura barroca española. Algunas de sus obras
características de sus años juveniles son sus bodegones con figuras como: El aguador de
Sevilla y sus cuadros de asunto religioso , que demuestran un profundo estudio del
natural. 1631 señala un gran paso en su pintura: su colorido se enriquece con un color
más suntuoso, modelando más con colores que con las sombras genera obras como:
cuadros religiosos (Cristo después de la flagelación), retratos reales, Los retratos de estos
años demuestran la madurez que ha alcanzado su arte, en el que domina el problema de
la representación atmosférica y de la luz . De este período son sus composiciones, Las
Meninas 1656 y Las Hilanderas 1657-59, sin duda la obra de mayor complejidad en
elementos y sentido compositivo.

Francisco de Zurbarán (1598-1664)

Una de sus obras maestras fue Cristo crucificado (1627). Inició su período de plenitud con el
ciclo pintado para la iglesia del Colegio de San Buenaventura en Sevilla (1629). Es una
época de acentuado tenebrismo y de composiciones monumentales . En 1634 hizo su
primer viaje a Madrid para decorar parte del salón de Reinos ( Fuerzas de Hércules,
Socorro de Cádiz, y Expulsión de los holandeses de la isla de San Martín, hoy perdido).
Muchas de sus obras demuestran la riqueza de calidez de colores, siendo notables las
gamas de los blancos y rojos oscuros.
 imágenes
2

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 Referencia de imágenes
1. El aguador de Sevilla es una obra de juventud de Diego Velázquez, en la que ya
demuestra alguno de los fundamentos de su pintura. Este cuadro perteneció a los
reyes españoles. Actualmente se conserva en el palacio londinense de Apsley
House (Wellington Museum).
2. La Catedral de la Virgen María de la Concepción Inmaculada de La Habana, es un
templo católico, construido entre 1748 y 1832 un ejemplo del barroco americano
3. La ronda de noche o La compañía del Capitán Frans Banning Cocq, 1642, óleo
sobre lienzo, 363 × 437 cm., Rijksmuseum, Ámsterdam. La pintura es un ejemplo
clásico del arte barroco
4. Éxtasis de santa teresa: La obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini. Fue
realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada
donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della
Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra. Esta considerada una de las
obras maestras de la escultura del alto barroco romano.
5. La meninas: la obra más importante del pintor español Diego Velázquez. Es una
pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras
representadas a tamaño natural. Aunque no tiene firma ni fecha, por fuentes
indirectas se data en 1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid.
 CONCLUSIÓN
Es un arte que depende de la burguesía y donde
lo mas característico es el ornamento, que no
solo es importante para el cliente sino
también para el artista; posee mucha carga
ornamental y estética todo esto tomado
desde un pensamiento religioso
ROCOCÓ
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII
y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis
XVI.
Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin
embargo, es un estilo independiente que surge como
reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis
XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza
por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores
vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad
del barroco.
Lo importante es la decoración, que es completamente
libre y asimétrica. Muestra su predilección por las
formas onduladas e irregulares y predominan los
elementos naturales como las conchas, las piedras
marinas y las formas vegetales.
 contex
to
Contexto del rococo
Económico se inicia la Revolución industrial
Nueva afluencia de metales preciosos procedentes de
América
el campesino europeo, después de pagar a la Iglesia, al
noble y al rey, queda con sobrante de dinero, que eleva
su nivel de vida. Terminan las grandes hambres,
epidemias de peste características del siglo XVII.
Político Se caracterizan por el equilibrio europeo entre
las potencias continentales
(Austria, Prusia, Rusia, Francia y España) y el inicio, a
finales de siglo, de la hegemonía marítima de Inglaterra
Social Debido a luchas como Guerra de Sucesión española y
Revolución francesa Se colapsa la sociedad del Antiguo
Régimen, y en una escalada de rebeldías, se ejecuta
a Luis XVI.
 Artistas principales
• Jean-Antoine Watteau (1684-1721), pintor francés considerado uno
de los principales artistas del periodo rococó y precursor del
impresionismo del siglo XIX. Entre los temas favoritos de Watteau
destacan las reuniones galantes al aire libre, conocidas como ‘escenas
galantes’, en las que elegantes cortesanas y caballeros pasan el
tiempo en placenteras fiestas rodeados de árboles. Su obra maestra
de este tipo de escenas fue Embarque para la isla de Citerea (1717,
Louvre, París).

• Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), pintor francés del periodo

rococó, uno de los artistas favoritos de la corte de Luis XV y Luis XVI
por sus escenas amorosas de delicados colores, situadas a menudo en
jardines. Las tablas que le encargó Marie-Jeanne Barry, amante de Luis
XV, para decorar su palacio de Louveciennes constituyen su obra más
importante. En dicha serie, conocida como Los progresos del amor, se
encuentran La persecución y El amante coronado (ambos de 1771-
1773, Colección Frick, Nueva York).
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Imágenes

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 Referencia de imágen
1) Cupido de Edmé Bouchardon (1750)
2) Palacio Solitude (Stuttgart), un exponente de la
arquitectura Rococó en la Alemania meridional.
3 ) El columpio, obra maestra de Fragonard, donde se
recoge el espíritu refinado, exótico y sensual propio del
Rococó.
4) La basílica de Ottobeuren (Baviera): los espacios
arquitectónicos confluyen y se dispersan, como si
tomasen vida.
5) Interior de estilo Rococó del palacio de Gatchina, cerca
de San Petersburgo, en Rusia.
6) Salón central de Stupinigi.
7) Mesa de la factoría de Sèvres de Martin Carlin. 1772.
 CONCLUSIÓN
El rococó es un arte que va mas allá que el
barroco que demuestra un espíritu refinado,
exótico y sensual, el cual caracteriza obras
como el “columpio”, ya la belleza no solo la
tiene lo divino y se vuelve una belleza
“mundana”
ROMANTICISMO
El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y
el Clasicismo, y favorecía, ante todo:
• La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la
razón, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el
sentimiento.
• La ventaja del Genio creador de un Universo propio, el poeta como alma.
• Valoración de lo diferente frente a lo común lo que lleva una fuerte tendencia
nacionalista.
• El liberalismo frente al absolutismo ilustrado.
• La de la originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones.
Cada hombre debe mostrar lo que le hace único.
• La de la creatividad frente a la imitación neoclásica.
• La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y
cerrada.
Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e
individualismo absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional, frente a
la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII; en ese sentido los
héroes románticos son, con frecuencia, prototipos de rebeldía (Don Juan, el pirata,
Prometeo) y los autores románticos quebrantan cualquier normativa o tradición
cultural que ahogue su libertad.
 contex
Económico
to
Contexto del romanticismo
caracteriza por una especie de «edad feliz», debido
al crecimiento económico, con múltiples signos de
progreso y prosperidad para la burguesía europea. Pero,
también, es la época en la que se da la primera gran
crisis industrial.
Político La Reforma luterana que impregnó la literatura alemana
sea con sus mensajes religiosos y moralistas, sea con las
prédicas de la Contrarreforma
el nacionalismo también operó esencialmente en el
plano de los sentimientos antes que de la racionalidad

Social el florecimiento económico, dio lugar al surgimiento de

algunos centros urbanos de gran empuje cultural, como
Frankfurt, Leipzig y Weimar
 Artistas principales
• Jean-Louis-André-Theodore GÉRICAULT (1791-1824): Pionero del
romanticismo pictórico francés. Amaba los caballos y por ello los
reflejó profusamente en su obra en actitudes dramáticas. Géricault fue
influido por la temática militar. Visitó Italia en 1816-17, lo cual
intensificó su aprecio por la obra de Miguel Angel. A su regreso a París
realizó su obra más famosa, La balsa de Medusa (Louvre).

• Jean-Baptiste-Camille COROT (1796-1875): Principal paisajista francés

de principios del XIX, en Roma llevó a cabo una obra llena de
luminosidad, precedente temprano de su pintura ‘plein air’ de años
posteriores. aporto lienzos basados en croquis tomados directamente
de la naturaleza, que se han convertido en la parte más apreciada de
su obra pictórica.

• Joseph Mallord William TURNER (1775-1851): El más apreciado artista

romántico inglés. Se le conoce como ‘el pintor de la luz’, por el
creciente interés que mostró por la utilización de colores brillantes
como el componente más importante de sus paisajes y marinas.
IMÁGENES
 Referencia imágenes
• El caminante sobre el mar de nubes: es un conocido cuadro del pintor
romántico alemán Caspar David Friedrich. Data del año 1818. Se trata de
un óleo sobre tela que mide 74,8 centímetros de ancho por 94,8 centímetros
de alto. Actualmente se conserva en el Kunsthalle de Hamburgo (Alemania).

• Saturno devorando a un hijo, una de lasPinturas negras de Goya, realizada

durante elTrienio Liberal (1820–1823), y que, so capa mitológica, alude a la
famosa frase de Vergniaud poco antes de ser guillotinado: «La Revolución
devora a sus propios hijos».

• El naufragio en un mar helado, pintado en 1798 por Caspar David Friedrich,

expuesto en Kunsthalle de Hamburgo.

• La libertad guiando al pueblo, de Delacroix, 1830, Museo del Louvre. Obra en

la que el pintor canta a la Revolución de 1830.

• Aquelarre o El gran cabrón (1820-1823), pintura mural al óleo trasladada a

lienzo, 140 x 438 cm, Museo del Prado, una de las Pinturas negras de Goya,
visión fantástica y espeluznante.
 Opinión personal
Comienza a cambiar el arte debido a que nace la
república, se diferencia de los otros estilos debido
su función la cual se vuelve arte para y por el
pueblo, “la libertad guiando al pueblo”, el artista
se vuelve una figura y continua con su posición; el
arte adquiere un poder de libertad con
características plásticas y un gusto por la buena
figura.
El romanticismo posee un fuerte carácter político
REALISMO
movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos
los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en
la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue
la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.

El realismo es un término confuso y de muy difícil definición en lo que respecta

a las artes plásticas; en general, sólo alude a una cierta actitud del artista
frente a la realidad, en la que la plasmación de ésta no tiene que ser
necesariamente copia o imitación, aunque sí ajustarse a una cierta visión
generalizada.

El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de

una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no
puede idealizar. El manifiesto se basaba en lo siguiente:
• La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.
• No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la
que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta
realidad sin embellecerla.
• Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el
artista.
 contex
Económico
to
Contexto del realismo
Revolución industrial
Surgimiento del capitalismo
La industrialización determinó la desaparición del artesanado
mayor producción agraria y nuevos cultivos (maíz, patata)
Político la desaparición del feudalismo
Revolución industrial

Social queda vinculado a las ideas socialistas más o menos

definidas la república
La burguesía se convirtió en la clase social predominante
problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los
horarios excesivos, las viviendas insalubres
 Artistas principales
• Gustave Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un
compromiso político personal más firme. Como Delacroix, cree que
la pintura es un instrumento muy eficaz en la lucha para defender
sus ideas.

• Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más

discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo
indudable que le ha hecho ganar el favor del público. Sin embargo,
críticos e historiadores le han acusado de traicionar el verdadero
espíritu realista poruq endulza en exceso la vida de los campesinos –
su gran tema- para hacerla aceptable al gusto burgués.

• Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista.

Era pintor, escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se
mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a
criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.
imágene
s
 referencia
La espigadoras de Jean François Millet fue hijo de campesinos pobres.
sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos,
pesimistas y redimidos por el trabajo como lo vemos en esta obra

•La clínica Gross (1875), considerada como la obra maestra del pintor
estadounidense Thomas Eakins, es un gran lienzo de 2,4 x 1,9 m en el
que se representa con extremado realismo una operación quirúrgica.
•Testamento de Isabel la Católica El Testamento de Isabel la Católica
(1864, óleo s/ lienzo, 287 × 398 cm, Museo del Prado, Madrid) es obra
del pintor español Eduardo Rosales. En la escena aparecen
representados varios personajes de la corte de los Reyes Católicos
• El primer tractor es el nombre de un tema habitual en las pinturas y
otras obras de arte del Realismo socialista, y retrata el nacimiento de
la colectivización de la URSS.
•Mural en la antigua República Democrática Alemana.
 CONCLUSIÓN
El realismo posee un interés por la situación de
las clases más desfavorecidas de la sociedad
surgida de la Revolución industrial
Algunos artistas adoptan una actitud
absolutamente comprometida con los
intereses del proletariado, participa en
acontecimientos políticos del momento y hace
un arte combativo
IMPRESIONISMO
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la
segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en
Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de
plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar
en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus
antecesores pintaban formas con identidad, los
impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de
las formas que subyacen bajo éste
Características:
-el gusto por el paisaje. Éste procede directamente de
los paisajistas franceses Corot y la Escuela de Barbizon
- La segunda característica reseñable del Impresionismo es
el realismo, la captación de trozos de vida, el intento de
aprehender el mundo visible tal como se ve, es decir en su
fugacidad (lo cual lo entronca con la fotografía).
- La tercera es la técnica empleada. Así en cuanto al color
conocen las teorías de la descomposición de la luz al pasar
por un espacio prismático
 contex
Económico
to
Contexto del realismo
impresionismo
Revolución industrial
Surgimiento del capitalismo
La industrialización determinó la desaparición del artesanado
mayor producción agraria y nuevos cultivos (maíz, patata)
Político la desaparición
Revolución industrial
del feudalismo
la revolución
Revolución industrial
francesa

Social queda vinculado a las ideas socialistas más o menos

definidas la república
La burguesía se convirtió en la clase social predominante
problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los
horarios excesivos, las viviendas insalubres
 Artistas principales
• Corot y la escuela de Barbizon
Los impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y en la Escuela de
Barbizon. Corot tuvo un importante papel en la formulación del Impresionismo,
porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo
concentrar su atención en espacios más planos, más sencillos y en superficies más
luminosas. Y, aunque a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la
luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para
conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada
clave tonal así como, en términos generales, un frescor y una espontaneidad nuevos
en el Salón oficial.
• Édouard Manet
Si hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista, éste
es Édouard Manet. Dos trabajos son esenciales en la comprensión de su influencia
sobre el grupo.
En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las
figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una
naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes
con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; l. Este
trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.
Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los
fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de
la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y
menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas
de Renoir.
IMÁGENES
 Referencia imágenes
Caballitos amarillos Caballitos amarillos es parte de una serie de obras
que Franz Marc realizó a principios de la década de 1900 en la que
buscaba reflejar más la esencia que el aspecto exterior de los
animales.
•Impresión: soleil levant, Claude Monet, 1872–1873 (París, Museo
Marmottan Monet). Cuadro al que debe su nombre el movimiento.
• La Parade. Los neo impresionistas llevaron al extremo esta pincelada
gestáltica, en este caso en forma de puntos, dando lugar a un color y
forma unitarios
• La primera bailarina, Edgar Degas
• El valle de los naranjos, Santiago Rusiñolsus cuadros son casi siempre
paisajes al exterior, pintados al aire libre y con una gran dosis de luz y
colores pastelosos.
 Opinión personal
los artistas dejaron a un lado los temas
sobrenaturales y mágicos y se centraron en
temas más corrientes. Los principales sujetos
pictóricos fueron los de la vida cotidiana.
arte abandone los temas políticos y se concentre
en temas sociales. La industrialización
determinó la desaparición del artesanado y la
formación de una numerosa población obrera
acumulada en los centros urbanos.
POSTIMPRESIONISM
O
es un término histórico-artístico que se aplica a los
estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios
del siglo XX posteriores al impresionismo. Este
término engloba en realidad diversos estilos
personales planteándolos como una extensión del
impresionismo y a la vez como un rechazo a las
limitaciones de éste. Los pos impresionistas
continuaron utilizando colores vivos, una aplicación
compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y
temas de la vida real, pero intentaron llevar más
emoción y expresión a su pintura.
Aunque los pos impresionistas basaron su obra en el
uso del color experimentado por los impresionistas,
reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más subjetiva
del mundo.
 Algunas características generales, con
inclusión del pintor que mejor las
representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la
expresividad de los objetos y figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto
puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente
geométricos (Cézanne).
- Empleo de colores contrastantes para definir los planos y
formas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van
Gogh)
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas
que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior
(V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos
(Toulouse-Lautrec).
 ARTISTAS
• Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la
pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones
entre superficies. Su interés por las formas geométricas y la luz
prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los
experimentos del cubismo.
• Paul Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora
del arte popular, se centró en la representación a base de superficies
planas y decorativas, como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889,
Palacio de Bellas Artes, Bruselas).
• Vincent Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con
vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas
del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche
estrellada (1889, MoMAde Nueva York), preludió el expresionismo.
• Georges Seurat, denominado neo impresionista por sus criterios más
próximos al impresionismo, inventó una técnica
denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un
domingo de verano en la Grande Jatte 1884-1886
IMÁGENES
 Referencia
imágenes
• Carretera en Auvers tras la lluvia, Vincent Van
Gogh, 1890.
• En el Moulin Rouge, Tolouse-Lautrec, 1892-
1895.
• Un domingo de verano de Georges Seurat.
• La noche estrellada. Van Gogh.
• Las grandes bañistas de paúl cezanne
• Girasoles de Vincent van Gogh
 Conclusión
El postimpresionismo supone entre otras cosas
una recuperación de la importancia del dibujo
y de la preocupación por captar no sólo la luz
sino también la expresividad de las cosas y de
las personas iluminadas
EXPRESIONISMO
 El expresionismo fue un
movimiento cultural surgido
en Alemania a principios del siglo XX. Su
primera manifestación fue en el terreno
de la pintura.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el
expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e
intelectuales producidas por las guerras de la época. Esa amargura
provocó un deseo de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la
imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo
defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva,
el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso,
demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión
subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter
expresivo de los medios plásticos. Entendido como una genuina expresión
del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la
visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una
concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación
por la vida y la muerte. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que
se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la
angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna,
industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la
realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo
e interior.
 Artistas principales
• Vasili Kandinski: Desde 1908 su obra fue perdiendo el aspecto
temático y figurativo para ganar en expresividad y colorido, iniciando
progresivamente el camino hacia la abstracción, y desde 1910 creó
cuadros en donde la importancia de la obra residía en la forma y el
color, creando planos pictóricos por confrontación de colores.

• Ernst Ludwig Kirchner: gran dibujante, realizo grabados en madera,

material en el que también realizó tallas de influencia africana,
destacando los componentes sexuales. Utilizaba colores primarios,
líneas quebradas, violentas. Progresivamente su pincelada se volvió
más nerviosa, agresiva, con líneas superpuestas, composición más
geométrica, con formas angulosas inspiradas en la descomposición
cubista. Desde 1914 empezó a padecer trastornos mentales y, durante
la guerra, sufrió una enfermedad respiratoria, factores que influyeron
en su obra. En 1937 sus trabajos fueron confiscados por los nazis,
suicidándose al año siguiente.
imágenes
 referencia
•
imágenes
Fränzi ante una silla tallada (1910), de Ernst Ludwig
Kirchner, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
• Ecce homo (1925), de Lovis Corinth, Pinacoteca de Basilea.
• Tirol (1914), de Franz Marc, Staatsgalerie Moderner
Kunst, Múnich.
• El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner,
Pinakothek der Moderne, Múnich.
• Caliban, personaje de “La Tempestad” de
Shakespeare (1914), de Franz Marc,Kunstmuseum, Basilea.
• El molino encantado (1913), de Franz Marc,Art Institute of
Chicago, Chicago.
 Conclusión
los artistas vanguardistas buscaban integrar el
arte con la vida, con la sociedad, hacer de su
obra una expresión del inconsciente colectivo
de la sociedad que representa.