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Curso 2010-2011
MÚSICA 2º ESO
I.E.S. EL POMAR
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I.E.S. El Pomar. Departamento de música. Manual de 2º ESO. Curso 2010-2011
– Coro de voces iguales: es el coro que contiene voces del mismo sexo, es
decir, únicamente femeninas (las más agudas) o masculinas (las más graves).
– Coro de voces mixtas: es el coro que contiene voces de diferente sexo, es
decir, masculinas y femeninas. Es el más completo y el más habitual.
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Orquesta sinfónica:
• Sección de viento-madera: la forman, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes y dos
fagotes. En las obras compuestas a partir del siglo XIX pueden aparecer un flautín, un
corno inglés, un clarinete bajo y un contrafagot.
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Orquesta de cámara: es una orquesta mucho más pequeña que la anterior, formada
por quince o veinte músicos . En ella predominan los instrumentos de cuerda.
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TEMA 2. LA MELODÍA
2.1. Introducción
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Cualquier otra escala que comience por una nota diferente necesitará del uso de
sostenidos o bemoles, como por ejemplo en las escalas de fa mayor y sol mayor:
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TEMA 3. LA TEXTURA
3.1. Los intervalos
3.2. La armonía
El tipo más básico de acordes lo forman los acordes-tríadas: son los formados
por tres notas que están a distancia de intervalo de 3ª entre sí:
ACORDE ARPEGIO
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3.3. La textura
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o Contrapunto: textura a varias voces o partes en las que cada voz tiene
cierta independencia rítmica. Hay dos tipos de contrapunto:
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4.1. Introducción
La música, como todas las artes, manipula y ordena un material con una
intención expresiva: en concreto, la música es el arte de combinar los sonidos y el
silencio en el transcurso del tiempo.
Todas las artes tienen una forma. La música también. Su forma se capta a
través de la audición y la memoria. Pero mientras que un cuadro o una estatua pueden
contemplarse todo el tiempo que queramos y desde la perspectiva que queramos, una
obra musical (una canción, por ejemplo) sólo se aprecia una vez que ha terminado su
ejecución: la música, por tanto, ni se ve ni se toca: sólo puede escucharse.
Para captar la forma de la música nos servimos también de la memoria. La
memoria es fundamental, pues permite reconocer las ideas musicales principales de
una obra musical una vez que ésta ha finalizado y la hemos captado en su totalidad.
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Para componer una obra musical se utilizan unos procedimientos básicos que
sirven además para ayudar a nuestra memoria a captar la forma de la música:
- Repetición (A-A): es volver a presentar dentro de una misma pieza una idea
musical que ha aparecido previamente. Sirve para que el oyente pueda retener
en su memoria más fácilmente cada parte de la obra musical. En las partituras
son muy frecuentes los signos de repetición.
- Variación (A-A’): se trata de una forma de repetición en la que se cambian
detalles de una idea musical que ha aparecido previamente. Sirve para evitar la
monotonía de la repetición.
- Contraste (A-B): consiste en introducir una idea musical diferente de otra idea
musical anterior. Esta nueva idea podrá ser repetida a su vez en el desarrollo de
la obra musical.
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Las nueve musas: (de izquierda a derecha) Clío, Talía, Erato, Euterpe, Polimnia, Calíope, Terpsícore,
Urania y Melpómene
.
En Grecia la música era una parte fundamental de las obras de teatro (tragedias
y comedias) y de las ceremonias religiosas. Además los poemas líricos y épicos (como
la Ilíada y la Odisea) eran cantados. De la gran importancia que la música alcanzó en
Grecia dan muestra los frecuentes festivales que se celebraban. Al igual que los
egipcios, incorporaron la música a la vida militar.
Los griegos emplearon sistemas de escritura musical. Usaban diferentes escalas
de las que derivan nuestros modos modernos (mayor y menor). La mayoría de los
instrumentos musicales griegos eran originarios de Oriente Medio. Los más empleados
eran el arpa, la lira, la cítara, el aulos (un oboe de doble caño), los crótalos
(castañuelas) y los címbalos (platillos).
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Un vasallo arrodillado ofrece las manos a su señor durante el homenaje. Un escriba toma nota.
6.1. Introducción
Las formas musicales más importantes del canto gregoriano son las siguientes:
– Salmos: son composiciones que contienen alabanzas a Dios.
– Himnos: obras musicales de contenido religioso pero no litúrgico.
– Oficio de las horas: es el rezo diario al que una congregación religiosa está
obligada a realizar. Este rezo era cantado. Está dividido en horas repartidas a lo
largo del día y de la noche.
– Misa: es el nombre dado a la celebración de la cena, la cual se cantaba. Tiene
dos partes: el Propio (parte variable según la época del año, el acontecimiento o
la festividad) y el Ordinario (parte invariable).
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Zanfoña Rabel
Los juglares: eran artistas errantes que no componían ni escribían poesía (muchos
eran incluso analfabetos) y que se dedicaban a entretener a la gente: cantaban,
tocaban instrumentos, recitaban poemas, bailaban, hacían números de magia, hacían
acrobacias, etc. Pertenecían a las clases sociales más bajas. Fueron los primeros
difusores de la música popular.
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7.1. Introducción
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Orlando di Lasso
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Orlos
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- Cuerda frotada: violas da gamba (se tocaban entre las rodillas) y violas da
bracchio (se apoyaban en el hombro).
- Cuerda pulsada: laúd, vihuela y guitarra. Estos dos últimos instrumentos fueron
especialmente importantes en España.
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“Mujer sentada tocando la espineta”, del pintor holandés Johannes Vermeer (siglo XVII)
8.1. Introducción
Aparece en Italia un nuevo género, la ópera, que luego se extenderá por toda
Europa. Es la forma musical vocal profana más importante. Se trata de una obra
escénica en la que se unen coro, orquesta y cantantes solistas. Hay dos tipos de ópera:
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8.5.1. Instrumentos
Suite: es una obra formada a partir de la sucesión de varias danzas de distinto carácter
(rápidas y lentas). Ejemplos de estas danzas son la alemanda, la courante, la
zarabanda, la giga, la pavana o el minueto.
Sonata: obra en varios movimientos, lentos y rápidos alternativamente. Puede ser para
dos o tres instrumentos, uno de los cuales suele ser el clave.
Concerto: obra para orquesta en tres movimientos (1º: rápido – 2º: lento – 3º: rápido) y
basada en el contraste. Hay dos tipos: concerto grosso (cuando hay un grupo de
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solistas, llamado concertino, que actúa frente al resto de la orquesta) y concerto solo
(cuando hay un único instrumento solista frente a la orquesta).
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9.1. Introducción
En el siglo XVIII los reyes y sus ministros ejercen un poder absoluto, pero
introducen importantes mejoras en la cultura y las artes gracias a la influencia de la
Ilustración, que fue un gran movimiento cultural que promovió la igualdad y bienestar
para todos a través de la educación y el conocimiento. Esto facilitó el desarrollo de la
investigación y la ciencia.
En cuanto al Clasicismo, se trata de un estilo musical paralelo al arte neoclásico.
El arte neoclásico, inspirado por los ideales de la cultura de Grecia y Roma, se basa en
la racionalidad: se busca la belleza a través del orden, la proporción, la mesura y el
equilibrio.
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Es muy frecuente que además aparezcan otras secciones como las siguientes:
Introducción: aparecería antes de la exposición y generalmente es de
movimiento lento. No se repite y no se reexpone.
Desarrollo secundario: es un segundo desarrollo que puede aparecer
después de la reexposición y antes de la coda.
- Sonata: la sonata como género es una obra para uno o dos instrumentos.
Normalmente consta de tres o cuatro movimientos.
- Sinfonía: obra para orquesta en la que no hay solista. Normalmente consta de
tres o cuatro movimientos.
- Concierto: obra para orquesta en la que sí hay solista. Siempre tiene tres
movimientos.
- Cuarteto: obra para dos violines, una viola y un violonchelo. Consta de tres o
cuatro movimientos.
- Otras obras instrumentales: trío, quinteto con piano, sexteto, octeto, etc.
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Las obras en cuatro movimientos intercalan en tercer lugar un minueto, que era
una antigua danza barroca de tempo moderado. Beethoven utiliza en muchas de sus
obras un tipo de minueto más rápido y ágil al que llama scherzo.
El género vocal más importante sigue siendo la ópera, que comienza a tener una
gran aceptación en el público. Las óperas del Clasicismo son de dos tipos: óperas
serias y óperas cómicas o bufas. En Alemania y Austria se desarrolla un tipo de ópera
particular, el Singspiel, de carácter popular y que incluye partes habladas (igual que la
zarzuela). Un ejemplo de Singspiel es La flauta mágica de Mozart. Los autores más
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representativos fueron los austriacos Glück (con la ópera Orfeo) y Mozart (con Las
bodas de Fígaro, Don Giovanni, La flauta mágica).
La música religiosa está muy influida por el estilo de canto de la ópera. Las
formas más empleadas son la misa y el oratorio. Los autores más representativos en la
música vocal religiosa fueron Mozart (Requiem, Misa de la Coronación) y Haydn
(oratorio La creación).
Hay dos instrumentos que tienen un desarrollo especial: el violín y, sobre todo,
el piano. El piano es un instrumento de teclado y de cuerda percutida. Se convierte en
el instrumento de referencia para los compositores. El clave deja de utilizarse.
Hay instrumentos que empiezan a tener cierto desarrollo, como es el caso de la
trompeta, a la que se le empiezan a aplicar sistemas de válvulas.
Aparecen ya incorporados a grupos de cámara y a la orquesta la trompa y el
clarinete.
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10.1. Introducción
Las obras más importantes son las sonatas y las obras en un solo movimiento
de distintas denominaciones (fantasías, preludios, danzas, baladas, nocturnos, etc.).
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Las obras más importantes son las sonatas para un instrumento melódico y
piano, tríos con piano (violín, violonchelo y piano), cuartetos de cuerdas, quintetos con
piano (cuatro cuerdas y piano) y otras (sexteto, octeto, etc.). Los compositores más
importantes son Mendelssohn y Schubert.
Félix Mendelssohn
1) Música pura: es la línea tradicional, formada por los compositores que siguen la
herencia del Clasicismo y la forma de sonata. Las formas más importantes son las
sinfonías, los conciertos y la obertura para orquesta, nueva forma de un solo
movimiento. Los autores más importantes son Schubert y Mendelssohn.
Franz Schubert
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movimiento. Los autores más representativos son Liszt y, sobre todo, el francés Héctor
Berlioz (su obra más destacada es la Sinfonía Fantástica).
El Lied: la palabra Lied significa en alemán “canción”. Se trata de canciones para voz
solista con acompañamiento de piano. Los principales temas de estas canciones son el
amor, la naturaleza (como relejo de los sentimientos) y la muerte. Los autores
principales son Schubert y Schumann.
La ópera en Italia: unas óperas siguen la línea seria, otras la línea cómica y otras un
planteamiento intermedio. El rasgo principal de la ópera italiana es el llamado bel
canto, estilo vocal que busca la belleza, la agilidad y el virtuosismo de las melodías
para el lucimiento de los cantantes solistas. Los principales compositores de los
primeros años del XIX son Bellini, Donizetti y, sobre todo, Rossini. Las principales
obras de Rossini son Guillermo Tell y El barbero de Sevilla. A mediados de siglo
destaca Verdi, quien combina en sus óperas personajes de la vida cotidiana con
argumentos trágicos. Sus óperas más importantes son Rigoletto y La Traviata.
La ópera en Alemania: los compositores más importantes fueron Carl Maria von
Weber y, sobre todo, Richard Wagner. Casi todas las óperas de Wagner están basadas
en la mitología germánica. A diferencia del bel canto italiano, en las óperas de Wagner
las voces solistas se funden con la orquesta como un instrumento más, por lo que los
cantantes no han de desarrollar la agilidad sino la potencia. Wagner utiliza dos
procedimientos importantes:
– El leitmotiv, que consiste en asociar melodías a personajes, lugares y
conceptos de la obra, repitiéndolas a lo largo de la misma. Este recurso se
emplea actualmente en la música de muchas películas.
– La melodía infinita, llamada así porque consiste en prolongar indefinidamente
las frases musicales.
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Sus obras más importantes son la tetralogía de óperas titulada El anillo del Nibelungo y
Tristán e Isolda.
Richard Wagner
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11.1. Introducción
11.2. Características
Alemania y Austria: los autores germánicos se interesaron sobre todo por las obras
para orquesta (sinfonías y poemas sinfónicos). Los más importantes fueron Johannes
Brahms (alemán), Anton Bruckner (austriaco) y Gustav Mahler (austriaco).
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Gabriel Fauré
Alemania y Austria: aparte del propio Richard Wagner, que vivió hasta 1883,
destacaron el alemán Richard Strauss por sus óperas y el austriaco Hugo Wolf por sus
lieder para orquesta. Es muy importante además en Austria la opereta vienesa, ópera
ligera en la que es típico el uso de canciones sencillas (y a menudo actuales), danzas
de moda y marchas. En la opereta vienesa destacó el austriaco Johann Strauss.
Francia: hay un género importante, el drama lírico, que incluye partes habladas y que
desde el punto de vista del argumento es muy similar a la ópera verista italiana. Los
autores principales son Gounod, Massenet y Bizet, autor éste de Carmen, la ópera
postromántica más importante. Como en Austria, la opereta fue un género muy popular
que gozó de mucho éxito. El autor más representativo fue Offenbach.
Georges Bizet
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12.1. Introducción
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Sin embargo, el compositor ruso más importante del XIX fue Tchaikovsky. Lo
más célebre de su música son los ballets El lago de los cisnes, El cascanueces y La
bella durmiente y la obertura para orquesta 1812.
Los principales compositores nacionalistas españoles son Isaac Albéniz (su obra
más importante es la Suite Española para piano), Enrique Granados (su obra más
importante, las Doce danzas españolas) y Manuel de Falla (destacan sus ballets El
amor brujo y El sombrero de tres picos).
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Los autores más significativos de zarzuelas son Francisco Barbieri, Federico Chueca,
Tomás Bretón, Ruperto Chapí, Pablo Sorozábal y Federico Moreno Torroba.
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13.1. Introducción
13.2. Características
Es difícil explicar cómo es la música del siglo XX, pues se dan estilos que en
muchos casos son opuestos, pero podemos establecer unas características comunes:
- El ritmo se vuelve irregular.
- Las melodías son no cantables o inexistentes: se hace uso de sonidos no
entonados, ruidos, sirenas, voz hablada, etc.
- En ocasiones se buscan intencionadamente sensaciones desagradables: la
armonía se hace más libre y suena mucho más disonante.
- Se producen mezclas e influencias entre estilos dispares.
- Se dan usos no convencionales de los instrumentos clásicos.
- Hay un mayor empleo de los instrumentos de percusión y electrófonos.
- A partir de 1950 hay un creciente interés en incorporar características rítmicas y
melódicas de la música oriental (India, China, Japón o Indonesia)
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Música electroacústica: mezcla de los dos estilos anteriores. Los compositores mas
destacados son los italianos Luciano Berio y Bruno Maderna.
Música aleatoria: música que no está totalmente organizada, sino que es improvisada.
El compositor mas destacado es el estadounidense John Cage.
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PENTAGRAMAS
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