Pintura fotográfica.

El volver del arte

Ochoa Campos Lucia Magdalena
Justificación El hecho de hacer una monografía
sobre los remakes fotográficos, es
por la razón de que vivimos en un
mundo visual, donde todo lo vemos,
pero muchas veces no se tiene co-
nocimiento sobre tal. ¿Qué ha pasa-
do con el arte actualmente?, ¿Por-
qué se dice que una fotografía es
arte, si es una copia de una pintura,
pero reinterpretada de una forma no
agradable?, justamente se resolve-
rán estas cuestionantes, así como el
hecho de explicar un poco la idea de
arte actual, más aún, basado en la
fotografía, que es un elemento que
con la actualidad ha tenido innume-
rables alcances, posicionándose al
alcance de casi todos.
La necesidad de explicar términos
actuales llega a un punto tal que la
gente ha dejado de tener ese contacto
directo o conocimiento con el arte,
rechazándole o haciéndole elitista; pero
en base a una ignorancia no tratada,
ya sea por mera falta de interés,
tiempo o mala difusión del mismo arte.
Es necesario conocer un poco del
arte actual y su íntima relación con
la fotografía, para comprender su
esencia, independientemente de que
nos agrade o no, pero que su estética
no se pierda, pudiéndonos causar
tranquilamente reacciones tanto
positivas como negativas. Y tratar de
diferenciar una fotografía apropiada
de porque es arte, porque en el fon-
do es algo bello, y es el arte último
de nuestros días, tanto que podemos
encontrarlo en una campaña social,
de algún producto o idea, y nos sigue
causando ese mismo impacto.
El diseño es uno de las principales
vías para la apropiación de ideas o
remakes, de ahí la importancia de
conocerlos, pues muchas veces solo
se retoma, y se suele pensar que se
está copiando, o comúnmente una
retroalimentación, pero teniendo
un conocimiento mejor del tema se
puede llegar a comprender y hacer
un mejor uso de a idea o cita que se
apropia; ya sea a manera de sátira,
o de fragmento. El diseño siempre
va adecuado a la necesidad que
se tiene, por ello un estudio de las
diversas apropiaciones en imágenes
principalmente es de gran utilidad.
Introducción
La creciente contradicción que los
inicios de la fotografía provocaron
sobre la pintura, es el mismo juego
que la pintura resentida estimula
a la fotografía a querer ser pintura
nuevamente.
Todo está diseñado, todo está hecho
actualmente, y en un intento de su-
pervivencia del arte, éste comienza
a aceptar el reciclaje, por así men-
cionarse, de las ideas establecidas, y
obras ya hechas.
La innovación que en su tiempo pro-
dujo la fotografía sobre el vicio de
la vanidad humana para retratarse,
es increíble, la pintura por miedo a
la extinción comenzó su proceso de
abstracción impresionista, puesto
que pintar con luz era la moda, la
pintura en su intento de sobrevivir,
trato de superar a la fotografía, com-
pitiendo fuertemente con ella, y lo
logró por mucho tiempo, en lo que la
foto se perfeccionaba.
Las ventajas fotográficas, hicieron de
las suyas, por cuestiones de eficien-
cia técnica, siendo el retrato uno de
sus fuertes, que hasta la actualidad
se lleva a cabo.
La pintura se torno abstracta, y hoy
en día no sigue una línea formal. El
realismo pasó de vanguardia.
Ambas técnicas perfeccionadas, inno-
vadas, sometidas a vanguardias y
estilos siguen compitiendo entre sí.
Con la excepción de que la fotografía
en ocasiones pretende ser pintoresca,
retomando temáticas o épocas que la
pintura en su momento obtuvo.
Un medio del arte actualmente es el
“apropiarse de las obras”, y la foto
no es la excepción, ya que se le pue-
de agregar cierto toque representati-
vo, y por consecuencia se obtiene un
“remake”.
La importancia de un medio cotidiano
al convertirse en arte, y retomar la
pintura trae como efecto un compor-
tamiento social, principalmente de
agrado o desacato.
Esta investigación pretende acercar
al lector a las vanguardias actuales,
ayudándole a comprender el arte
de hoy en día, para que pueda crear
sus propios juicios y puntos de vista,
concernientes al arte.
Un remake fotográfico necesita de un
conocimiento previo de la pintura, d
eso dependerá la reacción del espec-
tador. Los fotógrafos del remake son
tan especialistas en el retrato que
muchas veces no son considerados
artistas, sino sólo fotógrafos que
pretenden imitar una pintura. Los
retratistas de la foto son alejados del
arte, porque trabajan con modelos,
y sus fotografías son popularizadas,
y algunos remakes no quieren ser
tomados como tales, por el hecho
de llevar una manipulación digital.
Al aclarar los puntos anteriores y no
apostar por si es arte o está más
casado con el diseño, un remake
puede ser visto de una forma nata
y pura para que la respuesta sea
 dada por el lector, debido a que las
vanguardias digitales comienzan a
hacer de las suyas hoy en día.
Conociendo a algunos autores se
puede entender mucho mejor esta
vanguardia, además de que se re-
tomarán algunos de los puntos de
esta guerra intelectual a lo largo de la
historia en la que el choque de imitar
la realidad y parecer pintoresco algo,
han dado lugar a una fusión miméti-
ca, lo que se convierte en arte.
En la presente monografía se
explicará mejor la apropiación y/o
cita de las cosas, llámense ideas,
imágenes, textos… y los diversos
elementos que la conforman. La
apropiación duchamente retoma los
géneros literarios para atribuirlos
a la obra. La necesidad de conocer
este recurso nos hace sacar mayor
provecho.
 1. El retrato a lo largo de la pintura
Pintura
Características de la pintura
La iluminación, aspecto fundamental
Características del retrato
Historia
Inicios del retrato
Movimientos más representativos y sus retratos
Contenido La iluminación a lo largo de la historia del retrato
Los impresionistas, la guerra con la cámara
Las vanguardias actuales

2. La fotografía
Historia
Inicios
Ventajas sobre la pintura
Primeros retratos, características
La evolución del retrato fotográfico, y el color

3. La apropiación
Características del arte a partir de los 80s
Apropiación en América
Término Readymade
Uso del término por primera vez
Término remake y su relación
Primeros remakes

4. Remakes fotográficos
Primeros remakes
Características
La iluminación y el color como base
Remake actual
Evolución del remake hasta nuestros días
Pinturas o estilos mayormente retomados
Los remakes actuales y sus autores
 El retrato a lo largo
de la pintura
Pintura
Una de las bellas artes, conocidas desde la antigüedad
más remota, es sin duda la pintura, con uno de sus
temas: el muralismo, muestra de ello son las grutas
que los primeros hombres crearon, con las pinturas
rupestres. Claro está que no con el fin práctico de la
pintura como tal, sino con un aspecto más de a
propiación y estudio del alma de los animales en caza.
La pintura ha cambiado a lo largo de la historia, pasando
de lo técnico a lo conceptual; a éste proceso artístico
corresponde el fenómeno del tiempo y el pensamiento.
Una definición como tal de pintura, no vamos a encontrar,
si se recurre al diccionario habrá de pintar, pero no de
pintura como tal, cambiará con el movimiento o
vanguardia al que se enfrente.
En cuanto a la técnica de la pintura se puede definir según
los diccionarios como el arte de representar o plasmar
personas o cosas en una superficie con pigmentos, por
medio de líneas o colores, pero aún así parece un poco
obsoleta, incompleta, debido a los tiempos en que se
encuentra; pero funciona bastante bien para definirla por
ahora, ya que con las apropiaciones e intervenciones
esto cambia, y es algo que se definirá más adelante.
Características de la pintura
La pintura es la expresión del artista, y no necesariamente
con un pincel, pues puede contarse con un aerógrafo.
“La pintura puede ser representativa de formas reales o la
llamada pintura figurativa, y la pintura no figurativa o
abstracta. Los dos elementos esenciales de toda obra
pictórica son la línea y el color; mediante éstos elementos
aparecen las formas, los ritmos, las distancias, etc. La línea
y el color son elementos vitales que hacen que la fantasía
llegue a ser una obra objetiva”.
De entre las clases de pintura, podemos recurrir a las
técnicas más utilizadas: acuarela, pastel, temple, fresco,
encáustica, acrílicos, que con el tiempo van cambiando,
y dejando algunos más atrás, ya que actualmente se
puede pintar con lo que se desee y hasta donde la
imaginación alcance, sin esa rigurosa técnica.
La pintura cuenta con un asunto, los más recurridos son:
la historia, ya sea que se base en algún hecho real, en un
mito; el desnudo, el retrato, el paisaje, el folklor, entre otros.
También puede clasificarse por el tema al que esta
destinada. La pintura de acuerdo al tema puede ser
 Lozano Fuentes, José Manuel, Historia del Arte, ed. CECSA, México, 2004,
p.32

figurativa (si representa los seres
reales o que aun siendo producto de
la fantasía podrían existir), abstracto
(cuando se renuncia a la realidad y
sólo entra la fantasía) y semiabstrac-
ta (cuando se desfigura, geometriza
o estiliza la realidad).
Actualmente una obra artística, y por
ende la pintura, debe contener una
carga técnica de un 50% y un 50%
de teoría o crítica, ya que si estamos
hablando de un porcentaje mayor de
técnica, se convierte en ilustración,
o contiene mayor teoría, el artista
termina convirtiéndose en un crítico.
La iluminación,
aspecto fundamental
La ausencia de iluminación plasmada,
colorido y técnica para el relleno de
las figuras participantes, nos da el
dibujo, lo que hace una diferencia
mucho menor con la pintura, no por
menospreciarla, si no por que el
dibujo es parte de la pintura, incluso
juega un papel fundamental en el
proceso de la misma, cuando existe
un boceto previo.
La luz es un factor plástico muy im-
portante en la pintura a lo largo de
la historia, lo mismo que es el color
y la forma. El principal empeño aquí
en que la iluminación juega un papel
muy importante, al menos en los re-
tratos, es porque es uno de los ele-
mentos más notorios en éste tipo de
pinturas. La iluminación nos revela
los rasgos del retratado, y dependien-
Honeymoon Nude, 1998, John Currin Oil on
do del momento en que se focalice a
canvas,1168 x 914mm
lo largo de la historia, nos va a reve- En toda obra existe iluminaciòn, puede verse alterada
lar significados tanto de pensamien- a manera artificial, pero siempre existe
to, como de influencia de la época.
Características
del retrato
Se puede entender como retrato,
primordialmente a toda imagen que
representa a alguna persona o cosa.
Las características del retrato varían
de una época a otra; pero personal-
mente puedo afirmar que por muy
abstracto que sea siempre resaltará
las cualidades o defectos reconoci-
bles de lo retratado, independien-
temente de que se parezca o no al
físico, que también para otros tantos
el que sea reconocible es otra gran
facultad característica.
Entre los aspectos formales de un
retrato nos encontramos con la téc-
nica, antiguamente la más conocida:
el óleo, seguida de los temples, los
gouaches, los pasteles, entre otras.
El estilo característico del pintor,
está dado por su dibujo, su pince-
lada y en general la obra a la que
pertenece y de cierta forma refleja
en cada obra.
Dentro de los retratos, y más apegados a la actualidad,
con lo que respecta a la fotografía y al cine, se cuenta
con diversidad de encuadres, con respecto al modelo;
de entre los cuales:
• Plano entero, donde se muestra la figura entera
del personaje
• Tres cuartos o americano, recorta la figura por
la rodilla
• Plano medio, recortando la figura debajo del ombligo
• Busto o medio corto, desde la cabeza hasta la
mitad del pecho
• Primer plano, donde se muestran los hombros
y el rostro
• Close up, capta el rostro desde la base del mentón
hasta la punta de su cabeza
• Extreme close up, solo capta un detalle, como un ojo
Entre las posiciones más recurrentes están el frente, el
perfil y ¾, los brazos también juegan papeles importan-
tes así como las piernas, y qué decir de los objetos y las
escenografías, además del colorido.
Historia
Inicios del retrato
El ser humano siempre tiende a in- En cuanto a Grecia los retratos eran
mortalizarse, en este caso con los bastante realistas, y se untaban a la
retratos y los avances que éste cera sobre maderas de ciprés, las
presente. Todas las culturas pasan representaciones eran idealizadas
por el retrato, y se tiene como en términos universales para ser
muestra a las pinturas prehistóricas representados ante la eternidad.
de Tassiri, Sáhara, que son retratos, En Roma, como capital del mundo
pero más que nada en esencia, pues antiguo, y con parte en su filosofía
no se llega a una representación contrataron a artistas griegos, para
realista; seguidos de la cultura me- alimentar su egolatría y su afán de
sopotámica, el primer retrato me- postergarse a la eternidad, aunque
sopotámico fue un busto de escul- fueron retratos más exactos, tanto
tura, aunque se encuentran relieves en frescos, como en el ejemplo
asirios y códigos, que nos muestran cotidiano de las monedas. El perfil
características de los habitantes sigue siendo prioridad.
de ese lugar; continuando con las Lucien Freud, Reflection (self portrait), 1985;
pinturas murales de los templos en Oil on canvas, 56.2 x 51.2 cm
las que yacen gobernantes de Egip-
to, aquí hay muestras de color; cero
perspectivas y ausencia de escala
humana con respecto a los objetos y
animales, en éstas dos últimas cultu-
ras, predominan los perfiles, aunque
el fin aquí era histórico y social, no
como retrato.
 posteriormente se añadieron
elementos. La perfección y el
cuidado del cuerpo humano y de los
elementos partícipes en la obra, los
Movimientos más hacen armónicos, a parte del gran
representativos y sus cuidado y empeño en los planos.
Algunas obras más representativas
retratos fueron La Gioconda y sus variadas
madonas por daVinci (1452-1519),
Un inicio más cercano a los retratos las Venus de Botticelli (1445-1510)
como actualmente se conocen,
son los que surgieron durante la
Edad Media, con el surgimiento
de la clase burguesa en la Baja
Edad Media. El más antiguo retrato
fisonómico de la Edad Media se
cree que fue el retablo de San Luis
de Tolosa que corona al hermano
Roberto de Anjou de Simone
Martini (1317). En la clase media, Madona y el niño, Jean Fouquet óleo sobre
frecuentemente se financió las obras madera, 1452-1455 94,5 x 85,5 cm
que habrían de ir en las iglesias y
con los profesores flamencos.
capillas, por lo que es muy común
Emerge el óleo, que al secarse en
encontrar a los financiadotes
un lapso de tiempo más prolongado
retratados como la Virgen, Jesús, o
permite alcanzar mayor detalle y
algún santo.
realismo en la obra, a diferencia
de los frescos. El retrato ya no es
En el siglo XIV, la popularidad se ganó
un pase a la inmortalidad, si no un
sobre los retratos en medallas y
recuerdo fiel. Comienzan a moverse
medallones, como los de Pisanello,
los modelos, siendo usado el clásico
dominantes en perfil.
perfil, y la posición de ¾, tanto en
planos completos como medios.
El primer paso hacía el retrato del Leda y el Cisne, Leonardo da Vinci, 1515-
Los primeros fondos eran obscuros,
siglo XV, se da en el Renacimiento, 1520, temple, 112x86 cms
y Tiziano (1476?-1576), la Capilla
Sixtina de Miguel Ángel (1475-
1564), El matriomonio Arnolfini y
los retablos de Jan Van Eyck (1390-
1441), los senos descubiertos en
las pinturas de Jean Fouquet (1420-
1481) y los retratos de Rafael Sancio
(1483-1520).
La piedad, Miguel Ángelo, 1499, escultura, mármol
El Barroco en el siglo XVII, trajo
consigo retratistas conocidos, y por
tanto el retrato tuvo una importancia
crucial, y por tanto una demanda
de la clase burguesa mucho mayor.
El retrato se usa para expresar y
relazar la categoría social, poder,
influencia y virtudes del retratado.
Por otro lado, surge el retrato
burgués, intimista y psicológico que
más tarde desemboca en la pasión
romántica.
Algunos artistas que cultivaron el
retrato fueron Velázquez (1599-1660)
con su Venus del espejo, que pasó
del claroscuro a un estilo basado
en el color que anuncia la pincelada Venus del espejo, Diego Velázquez, 1647,
impresionista, Caravaggio (1580- Óleo sobre lienzo, 122 cm × 177 cm
16620) con el mito de la cabeza de
Sn Juan y su Chico con la canasta personajes que puedan convertirse
de fruta, además de su autorretrato, en modelos de conducta, retrata lo
Rubens (1577-1640) y sus actos individual y el parecido de manera
de rapto y el Greco (1451-1614) muy intensa, algunos pintores de
con sus retratos. La iluminación esta época fueron Goya (1746-1828)
característica que Rembrandt con su maja desnuda, Ingres (1780-
(1606-1669) dio al mundo es muy 1867) con su bañista y La gran
conocida, por sus oscuros de fondo odalisca, además de Bouguerau
y el triángulo de luz formado en las (1825-1905) con sus innumerables
mejillas de sus modelos. retratos, todos ellos muy conocidos,
además por su gama cromática.
El Neoclasicismo, a mediados del
s. XVIII, tiene como cómplice, la El Romanticismo, surge a finales del
Revolución Francesa, marcando s. XVII, con temas más sociales,
el inicio de una nueva era social, retratos de tonos apastelados,
política y económica. Busca la encontramos a Delacroix (1798-
elevación moral del hombre, por 1863) con su Libertad guiando
medio de la representación de al pueblo, Elizabeth Le Brun
 (1755-1842) con sus innumerables retratos de Maria
Antonieta y autorretratos, entre muchos otros.

Desde sus inicios el romanticismo fue un patrón

idealista, en cuanto a colorido se refiere pues es
bastante bueno, pero en contraposición al mismo
viene lo que se denomina realismo, que no es más que
el representar la sociedad tal cómo es; así hay escenas
cotidianes en la pintura, se evita el uso de tanto
Maja desnuda, Francisco de Goya, 1790
colorido, para hacerse de cirta manera más acromático,
Óleo sobre lienzo 97 cm × 190 cm
tendiendo bastante a los ocres y los cafés. Su padre
fue Gustave Coubert (1819-1877), con sus afamados
desnudos y su obra más representativa, El origen del
mundo, en la que se muestra un close up de la vajina
desde cierto plano; otro representante es Jean François
Millet (1841-1875) que pinta escenas campesinas.
La iluminación a lo
largo de la historia
del retrato
La iluminación cambia en cada momento de la historia, los retratos lucen
diferente, y gran parte es debido a la iluminación, que en un principio ni
existía, posteriormente se fue perfeccionando, exagerando, y después solo
como un elemento al que se debe respetar.
El manejo de la luz en la Edad Media fue simbólico, mínimo, pues sólo nos
daba la sensación de volumen; en el Renacimiento se comienza a hablar de
un claroscuro y un esfumato (consiste en distribuir sombras tenues en una
composición pictórica, para darle un aspecto de difuminado, sin las bruscas
transiciones de color); En el Barroco, la iluminación es teatral, muy orillada al
tenebrismo; en el Romanticismo es muy importante, porque la iluminación
está dada por los contrastes del color, así hay innumerables tonalidades en
la obra; en el impresionismo es fundamental, ya que además de espacio, el
tiempo; en el cubismo representa los planos, en el hiperrealismo la copia
idéntica de la figura; en el abstraccionismo es esencial para la composición.
Las vanguardias
El retrato moderno del s. XX, Es el siglo del psicoanálisis y el retrato se convierte
en una herramienta para desvelar las zonas más oscuras del alma humana.
Las obras se crean a partir de visiones internas del artista, teniendo más en
cuenta las relaciones entre formas, colores, líneas y planos, que la figura real.
Las amorfias y libertades utilizadas por el arista actual no deben tomarse
como caprichos del artista, sino como un medio para conseguir una
representación más contundente de la expresión del retratado.

Algunas de las corrientes artísticas fueron el Fauvismo, dónde se hacía un

tratamiento revolucionario del color sin hacer referencia a la realidad natural,
como ejemplo esta Matisse (1869-1954).
En el cubismo se analiza al objeto, para posteriormente descomponerlo y
convertirlo en planos más simples, sus representantes fueron Picasso (1881-
1973) y Mondrian (1872-1944).
En el expresionismo rechazó la naturaleza, se alejaban de lo real y de la
reproducción, los estilos de expresionismo dependían de cada personalidad,
y lo único que los unía era la idea. Sus precursores Kandinsky (1860-1949),
Klee (1879-1940), entre otros.
El suprematismo y constructivismo, defienden que el arte no debe ser una
imitación sino una creación, nos dan un gusto por la velocidad y lo dinámico.
El surrealismo, otra gran corriente, derivada del dadaísmo intenta liberar el
subconsciente irracional y se desarrolló en 2 direcciones: Fantasía pura y la
reconstrucción del mundo de los sueños como lo representó Dalí (1904-1989)
y Miró (1893-1983) con sus tonalidades características y sus retratos.
En el abstraccionismo, se trata de sustraer la esencia de las colas, y
 plasmarla, no importa que no sean reales, el colorido importa mucho surge
aproximadamente de 1910 a 1914, sus ponentes son Kandinsky, Malevic
h(1878-1935), Mondrian (1872-1944) y Klee.
El Pop Art, subraya el valor iconográfico de la sociedad, toma del pueblo los
intereses y la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes
y las imágenes son los elementos de los que se sirve. Tenemos Lichtenstein
(1923-1997) y Warhol (1928-1987) como ponentes.
La práctica posmoderna es la que nos rige actualmente, en la que ya no
existen las vanguardias, y cada quién rige su corriente y de quién retoma
para crear, la filosofía individual es la mera importante.

El arte que hoy se considera actual (la palabra vanguardia forma parte de
otra epistemología) tiende a parecerse a una reacción u apropiación de un
discurso preexistente. Es decir buscamos algo ya representado para hablar
de ello. Lo que tiene que ver con el hecho de que se asume que cualquier
reelaboración es contingente a su tiempo y sólo a este, por lo que el arte
se convierte, como cualquier otra imagen, en algo efímero, cuando no
está muerto antes de exponerse. Así de rápido vivimos; las imágenes de
hoy cancelan a las de ayer;, el papel del público viene a ser la de mero
constatador (un dígito de las estadísticas de raiting) de las imágenes, alguien
que va a recordar una fracción del total durante una fracción de tiempo.

Lo contemporáneo, que hoy más que nunca se define por lo efímero, porque
cada minuto es contemporáneo solo del que le precede y antecede, es la
falta de conexión entre eventos. La pérdida de un continuo histórico.

Se debe entender primeramente, la fotografía no sólo
cómo el acto de tener una cámara en las manos, dar un
clic y tomar un momento, sino como una serie de co-
nocimientos tanto técnicos como sensibles para poder
hablar de fotografía en sí.
Muchos teóricos así como fotógrafos se encuentran pe-
leados actualmente con la tecnología, puesto que como
ellos defienden, una foto no la toma cualquiera, pos-
tulando que para tomar una foto se debe ser fotógrafo
(amateur o especializado). Lo que la gente común enton-
ces está haciendo son tomas, imprimiendo momentos.
Pero ¿qué decir de los inicios de la fotografía?, cuando los
pintores decían lo mismo de las primeras heliografías, y
daguerrotipos, que posteriormente llegaron a tornarse
una de las bellas artes.
La fotografía
Historia
Los principios de la misma se remontan directamente a
la cámara oscura, y no a las heliografías como muchos
creen. La cámara oscura tiene sus primeros registros
desde el mundo antiguo, comenzando a popularizarse
en el Renacimiento, y fueron más que nada tomadas
como un artefacto que ayudaba al dibujo.
“Leonardo da Vinci describió su mecanismo y Durero la reco
mendaba como un método idóneo para los profanos del arte, para
los que no están seguros”
 Vega, Carmelo, Historia de la Fotografía, Islas Canarias, ed. Colección de
Textos Universitarios, s/a, p. 12
Inicios
Como bien se sabe la fotografía no surgió en papel de Hippolyte
espontáneamente, pero sólo se mencionarán a Bayard, mejorada por
lgunos de los referentes que más marcaron a la el inglés Henry Fox
fotografía. Talbot, que para 1841
patento el Calotipo.
En 1816 el francés Joseph Nicéphore Niépce, un Talbot denominaba a sus
terrateniente con afición a los experimentos de fotografías Sun pictures,
laboratorio logró fijar sobre un papel emulsionado puesto que sólo la mano
sus primeras imágenes negativas, a las que llamó de la luz era la que las
heliografías, y fueron realizadas con la ayuda de la creaba.
cámara oscura.
La fotografía no sólo es el
A la par Louis-Jacques Mandé Daaguerre en París, intentó hecho de tomar la cámara,
a la par trabajar fijando las imágenes de la cámara sino que a la fotografía se
oscura, pero tanto él como Niépce intentaban trabajar le atribuye la producción
fijando sus imágenes con la cámara oscura, pero de la misma, comenzando
ambos compraban sus aparatos en París en la ópticade así una época dónde el
Chevalier, y fue él quién los puso en contacto. Cerraron retrato fue la fascinación
un contacto de asociación y prosiguieron trabajando por y principal uso de la
su cuenta. Tras la muerte de Niépce, Daguerre fotografía, después de las
Modificó el contrato para que la paternidad del invento revueltas que tanto causó.
fuera sólo de él.

El apogeo del daguerrotipo fue de 1839 a 1860, cuando fue

desplazado por otros procedimientos, como la fotografía

Ventajas sobre
la pintura
La fotografía surgió como
un auxiliar científico, pues
la fidelidad y la rapidez de
su ejecución le daban un
plus en cuanto a ventajas,
que la posicionaron como
un auxiliar inmediato de
la arqueología. François
Arago, un portador de la
comisión de la Academia
de Ciencias francesa la
defendió demasiado, no
sólo en la arqueología,
sino también en el ámbito
de las Bellas Artes, fue
célebre por su famosa
sentencia “Desde hoy
–desde la invención de
la fotografía- la pintura
ha muerto” Arago no
discute si la foto es una
obra de arte o no, pero si
su funcionalidad servicial
para el arte mismo.
Como todo invento, no era muy aceptado, no
tanto en el hecho social, si no en el ámbito
artístico. El descontento por parte de los
artistas fue muy basto.
Uno de los grandes críticos del invento
fotográfico fue el escritor Charles Baudelarie,
quién no sólo estaba en contra de la
fotografía, sino de las máquinas en general,
pues eran muy mecánicas, y una fotografía
tenía limitaciones artísticas, pues no tenía
demasiado valor la imagen.
Se cuestionó tanto la articidad de la fotografía,
debido a que en 1859 por vez primera se
colocó una fotografía en una exposición de
Bellas Artes en París. Cabe aclarar que para
la época el arte era considerado algo manual,
una intimidad entre el artista y su obra,
refiriéndonos principalmente a la pintura, que
se encontraba en un momento Romántico, y
Realista.
La foto al ser mecánica, y una copia de lo
real, Baudelarie la tomó como una industria
nueva, y la industria no tiene lugar en el arte,
por tanto es un declive en cuánto a gustos
artísticos, era un proceso mal aplicado y con
pretensiones excesivas, pues era un arte para
los pintores incapacitados, o malos pinotes.
Así, bien menciona, que la fotografía tiene
un lugar para el arte, siendo sólo la sirva de
la pintura, y hace una relación comparativa
con la imprenta y la taquigrafía, que
bien sólo son subordinadas de la
literatura, pero jamás van a ser de
gran importancia como la literatura,
después de todo sólo están para
servirla.
Otro escritor, como Jules
Girardin(1832-1888), nos decía
que el pintor llega a lo verdadero,
mientras que el fotógrafo sólo a
lo real. La gran revuelta que la
fotografía dio en sus inicios, era la
de la reproducción parcial de una
escena, más no el impregnarle la
visión que el pintor consideraba
como verdadera, después de todo
no podía rescatarse los rasgos que
daban esencia a algo en una foto.
Delacroix, pintor romántico que
influenció al impresionismo, hace
diferencias de los fotógrafos contra
los pintores diciéndonos, que los
pintores imaginativos son idealistas,
y los otros son fríos copistas.
Aclaremos que la fotografía no
era totalmente rechazada del arte,
siempre y cuando sólo estuviera a
su servicio, pero no iba a ser una
obra como tal, si no una vaga
copia de lo real. De esta manera
Courbet(fundador de la pintura
realista) y Delacroix contrataron a
 profesionales en el ámbito fotográfico para realizar series de desnudos, que documentador exacto; ya no era
son tomados como modelos para las pinturas mismas. necesario salir a conocer el lugar,
puesto que una fotografía te estaba
William Bouguereau un pintor tradicional realista, con temas mitológcos; optó mostrando como era el mundo allá.
por tomar fotografías de sus obras, para dar a conocer su trabajo e incluso
asegurarse unos beneficios, mediante la venta de la reproducción de sus El objeto a fotografiar ya no sólo será
cuadros, mediante las tarjetas de visita. Una tarjeta de visita era una sección una toma que refleja la realidad, no
de varias tomas fotográficas pegadas en un cartón, son un vuelco importante se trata solamente de posicionarse
para la historia del retrato, creadas por Adolphe Disdéri, quién uno de los frente a él y apretar un botón,
responsables directos de la expansión comercial del retrato. como la primera publicidad de las
cámaras accesibles de Kodak, se
La expansión comercial de la fotografía como copia idéntica de la realidad, no trata de buscar un buen encuadre,
fue aceptada como un arte, puesto que tomaba un fragmento únicamente para dar una realidad interpretada,
de la realidad, pero no estaba impregnada de esa verdad, de cierto modo embelleciéndola.
subjetiva, que sólo el artista podía dar; la fotografía pasaba a un soporte
plástico, pero no cursaba ese proceso de idealización e impregnación de los Hasta llegar a la corriente más
sentimientos e ideales artísticos o pictóricos por así llamarlos. importante, en la cual la
fotografía comienza su auge,
Como principal atributo y característica perjudicial, la rapidez con que se aproximadamente en los años de
podían traer las cosas del medio, la hacía algo superreproductivo y carente 1880, pues ya es un comienzo de
de esencia artística, de aquí las peleas contra el arte. Pero esto era una gran la intervención del fotógrafo para
ventaja al menos en el ámbito científico. Por el lado comercial, comienza el imprimir su personalidad a su vez en
gran auge, del retrato, tanto en estudio como en fotografía ambulante. cada fotografía, haciéndola arte. De
esta corriente se hablará mejor más
Hacía el año de 1839 en Europa, estaban muy de moda los viajes en general, adelante.
esto fascino a pintores y fotógrafos, quiénes intrigados por las culturas
exóticas decidieron retomarlas para trabajar sobre ellas. En el caso de
las fotografías sucedió lo mismo, con el género paisajístico. Este género
comenzó a cobrar sus reconocimientos artísticos, por muy increíble que
parezca, puesto que había curadores de la época que decían podían poner
a 10 pintores y 10 fotógrafos, frente a un paisaje y los pintores obtendrían
diez interpretaciones distintas, mientras que los fotógrafos sólo obtendrían la
misma copia repetidas veces. Pero al momento de viajar, o hacer diferentes
tomas, cambiando un poco la idea que se tenía de que la fotografía era un

Primeros retratos
Si bien los primeros daguerrotipos,
no eran tan vistos como una
Los cadáveres también entraban
fotografía con un papel artístico, si
lo eran con un fin más científico y
por ende documental, comenzó a
correr la moda del retrato, entre las
clases más burguesas y sobre todo
con quién si podía pagarlo y acudir
al estudio.
La necesidad de verse fotografiados,
y a un menor costo que una pintura
y que el tiempo que la misma
indicaba, la portabilidad de este
nuevo método, llamó a mucha
gente. Con el afán de postergar
una imagen a la eternidad,
vendiéndonos una doctrina de
vanidades y curiosidad, por
mantener imágenes de la vida de
una persona; el estudió fotográfico
se popularizó.
Los primeros retratos trataron de
retomar elementos del estudio
Bayard, autorretrato
pictórico, tales como columnas,
cortinas, telas, alfombras y
sillones; en tales cicloramas, solían
fotografiarse niños, jóvenes con sus
novios (as), más tarde a la madre
con sus hijos, y posteriormente a los
ancianos. Teniendo así toda una vida
plasmada, sólo faltaba el caso de la
última impresión; la de la muerte.
a los estudios, para obtener la
última impresión de esos seres, y
que todos llegarán a conocer a sus
familiares por éste método. Los
cadáveres se fotografiaban ya sea
solos o con algunos integrantes de
la familia a la que pertenecieron.
Más adelante la perfección del
retrato dotó de mayores elementos
al ciclorama, y el retratista ya no
sólo se preocupaba por tomar a
sus modelos, convirtiéndolos en
personajes con una ambientación
que describiera a la fotografía por
sí sola. Así el actor se retrataba
disfrazado, personificándose,
y haciéndose visiblemente
reconocido.
En cuanto a factores técnicos os
retratos contenían una iluminación
muy suave, los elementos se
encontraban principalmente
centrados, personajes de cuerpo
entero, sentados o de pie y al
lado sus familiares, un buen
enfoque, porque la fotografía así lo
demandaba.
Mientras los retratistas se
multiplicaban, los inventos por
mejorar la fotografía seguían,
pero hubo un caso del fotógrafo
Hippolyte Bayard, quién con
anterioridad al daguerrotipo
logro imágenes de un positivo
(y por ende únicas), pero de una
 apariencia distinta, con mayor
contraste entre blanco y negros.
Recordemos que los daguerrotipos
capturaban una gama de grises. El
gobierno no le reconoció a Bayard
su descubrimiento por lo que él,
se reveló de una manera muy
particular. Como las fotografías
eran copias de la realidad, Bayard
se retrató como un ahogado,
distribuyendo la fotografía en 1841
con un texto al reverso, que por
supuesto el no escribiría:
“éste cadáver que ven ustedes es el del señor
Bayard, inventor del procedimiento que acaban
ustedes de presenciar, o cuyos maravillosos re-
sultados pronto presenciarán. Según mis conoci-
mientos, este ingenioso e infatigable investigador
ha trabajado durante unos tres años para perfec-
cionar su invención. […]Esto le ha supuesto un
gran honor, pero no le ha rendido ni un céntimo.
El gobierno, que dio demasiado al señor Dague-
rre, declaró que nada podía hacer por el señor
Bayard y el desdichado decidió ahogarse. […]
mejor será que pasen ustedes de largo por temor
a ofender su sentido del olfato, pues, como pue-
den observar, el rostro y las manos del caballero
comienzan a descomponerse” 
Lo que Bayard hace es cuestionar, la
veracidad de una fotografía, a mi
 Gónzalez Flores, Laura, Fotografía y pintura
¿dos medios diferentes? Gustavo Gili, Barcelona,
2005,
p. 163
criterio inaugurando la fotografía
artística y un poco adelantado a su El fotógrafo Alphonse Bertillon
época con éste performance, ya (1853-1914) trabajo más de manera
que el retrato contiene una carga experimental, con los rostros de
conceptual bastante grande, yendo los criminales, haciendo un tratado
muy a la moda con los retratos del teniendo en cuenta el positivismo
momento. científico. Tomó a presos para
registrar en la fotografía la
En cuanto a los viajes, trajeron nuevas información que permitía la lectura
formas en cuanto a las fotografías y de cualquier rostro, así la persona
a los retratos; la fotografía ya no era tratada podía ser reconocida e
sólo de estudió, comenzó a hacerse identificada, resaltando sus rasgos,
móvil, comenzaban los retratos en y manteniéndolos a lo largo de
exteriores. muchos años.
Dos personajes ingleses más que
revolucionaron los retratos,
fue la amateur Julia Margaret
Camerón(1815-1879), que se dedicó
a retratar a sus familiares y amigos,
pero no de la forma común, ella tenía
una visión más conceptual de la
obra, técnicamente no eran perfectas;
aplicaba desenfoques, rayaduras,
errores de revelado, más aún así no
dejaban de ser bellas, y con contrastes
más marcados. Lewis Carroll (1832-
1898) que también trabajó por su
cuenta eligiendo a sus propios
modelos, tomó la fotografía como
un medio de expresión artística y no
como una fuente de ingresos, pero
que por su clientela se ven obligados a Saguerroptio, anìnimo
Era comùn fotografiar seres muertos
realizar contornos claros y precisos.

La evolución del retrato
fotográfico y el color
La fotografía aprovechó que
podía retomar la reali-
dad, para hacer su propia
verdad, todo lo real es lo
que más se parece, pero
¿porqué no tener muchas
realidades a la vez en una
fotografía?, es decir ele-
mentos reales combina-
dos. Este fue uno de los
aspectos principales de la
fotografía. Pus lo real, está
vacío, ya no es suficiente.
El pictorialismo surge de
dos movimientos ante-
riores: el academicismo
y el naturalismo. El aca-
demicismo le aporta la
idea, como su represen-
tante inmediato menciona
“llegará el tiempo en que
la obra será juzgada por
sus méritos, no por sus
Julia, Margaret Cameron, s/a
métodos de producción”
El naturalismo salva está
idea, pero más cercana a
la realidad. Tomando las
pinturas como modelo,
incluso comenzando la
apropiación misma.
Así lo real se convierte en imagen, cargada de un idealis-
mo controlado por parte de su autor; algunos fotógrafos
más relevantes son Constant Puyo, quién se dedicó a
los desnudos principalmente, Gustave Rejlander, con su
cuadro The two ways of life, donde comienza retomando
muchos elementos pictóricos cargándolos de vaalores
emocionales, sentimentales, públicos, entre otros. Adolf
de Meyer, con sus juegos importantes de luces en los
retratos, Gerge Bernard Shaw con sus contrastes mar-
cados, Pierre Dubreuil que rechaza los encuadres totali-
zantes, también es precursor del modernismo; Charles
Adrien, quién comienza con el puntillismo en la foto-
grafía coloreando de esta manera las mismas. De entre
muchos otros autores, sólo por mencionar algunos.
El color en las fotografías surge desde un principio, al
intentar el coloreado con acurela de las mismas, esto le
daba un toque más a la fotografía misma, pero era ya
una intervención especializada de una técnica artística.
Pero el predominante sobre la fotografía muchas veces
es el blanco y negro.
La primera fotografía a color fue de Niepce, llamada punto
de vista desde la ventana de Gras, surgió en 1826, tras
muchas horas de exposición, pero los colores se perdie-
ron rápidamente, es el antecedente directo de la fotogra-
fía a color que se conoce.
Con el movimiento de la modernidad, los retratos toma-
ron otro rumbo, cargados más de una abstracción, y un
concepto, habiendo incluso deformaciones en los retra-
tos, o juntándolos para formar conjuntos. Con el paso de
la guerra y la rapidez de la misma como principal bene-
factora, se tomo como elemento documental, retratando
 a los personajes con un entorno,
algunas veces proponiendo con-
ceptos. El reportaje y la publicidad
tuvieron su auge, y el color hacía de
las suyas más que nada en la publi-
cidad; ya se comenzaba a vender la
imagen humana también.
Los contemporáneos retoman la
técnica como una d las prioridades,
pero también un poco de abstrac-
cionismo, con fondos no lisos, pero
si texturas más simple, resaltando
a los personajes, también con car-
gas emotivas, y con el avance de
los años, las vanguardias con sus
propuestas, van abstrayendo más
la imagen incluso llegando a la
conceptualidad, y el retrato va sien-
do más popular por el hecho de la
tecnología que pone al alcance de
mucho más la fotografía, no siendo
tan técnica como en los inicios.
Surgido en la segunda mitad del s.
XIX, el impresionismo fue la guerra
directa de los inicios fotográficos,
irónico, porque ambos surgen en
base a la luz. Aparecen nuevas inno-
vaciones sobre la técnica, el manejo
de la luz, siendo una ruptura con los
estilos académicos hasta el momen-
to, y es aquí cuando se pintan más
retratos que nuca.
Los impresionistas, la
guerra con la cámara
Surgido en París, con tendencias an-
tiacadémicas y antirománticas, tiene
sus raíces en DaVinci, los pintores
venecianos Velásquez y Goya. Su
Bautismo ocurrió en 1874 cuando
Monet (1840-1926), Manet (1823-
1883), Renoir (1841-1919), Pisarro
(1830-1903), Degas (1834-917) y
otros innovadores exponían en el
Salón des Refusés. Monet presentó
un cuadro que tituló Impresión, sol
naciente; y a él y sus compañeros
los llamaron burlonamente los im-
presionistas.
Los impresionistas al tener como un
enemigo a la cámara, tanto como
para tomar paisajes, como retratos,
tenían que diferenciarse, además
influenciados por el escritor Bau-
delaire y sus ensayos, comenzaron
temáticas nuevas, muchas de ellas
con acontecimientos cotidianos en
exteriores. Todo debía captarse en
un momento, en el que incidía la luz,
de una manera natural, influencia-
dos en parte por estampas japone-
sas.
“[…] Pero estas influencias no bastaron
por sí solas para crear la técnica im-
presionista del color. El estímulo básico
fue el estudio de la naturaleza realiza-
do por los propios artistas, ya que los
precedentes artísticos sólo sirvieron
para enseñarles como trasladar sus
experiencias de la naturaleza a colores
de una manera fresca y directa. En las
postimetrías de la década de 1870, a
medida que la década de la pincela-
da se iba haciendo más compleja, los
impresionistas empezaron a introducir
una gama mayor de pequeños toques de
color en la superficie pictórica, incluso
en escenas iluminadas de una manera
menos brillante[…] Esto fue en parte
un intento de perfeccionar la represen-
tación de los efectos de la naturaleza,
pero también sirvió para acentuar
las relaciones internas del color en la
 superficie del cuadro y en la obra de en tomas de posiciones de sus per-
Monet de comienzos de la década de sonajes.
1880 las secuencias de pequeñas opo-
siciones de color dan a todo el cuadro No se puede mencionar a algún pin-
una estructura de contrastes, de rosas tor más importante que otro en
y anaranjados en oposición a verdes y éste movimiento, pero también lo
azules”.  fue Van Gogh (1853-1590), Cezan-
El impresionismo intenta reflejar la ne (1839-1906), y Tolousse Lautrec
verdad del objeto artístico a través (1864-1901) además de Gauguin.
de la impresión que causa en el
artista en un momento dado, usan-
do sólo los colores fundamentales
del espectro y superponiéndolos a
brochazos sobre el lienzo, en vez de
mezclarlos antes en la paleta, logra-
ron los impresionistas admirable
luminosidad. La luz fue para ellos el
verdadero objeto de su arte, y cual-
quier cosa era digna de pintarse si
daba ocasión de destacar los efectos
de la luz sobre la naturaleza.

El parecido del retratado no importa,

sino la calidad plástica: composi-
ción, forma, color, invención. La
única intención es captar la esencia “Mujer con sombrilla en un jardín” (Pierre-
del momento, dejarse llevar por Auguste Renoir, 1873), “El espejo de vestir”
sensaciones visuales. En su intento (Berthe Morisot, 1876) y “Bailarina bascu-
por diferenciarse de la fotografía, lando” (Edgar Degas, 1877-9).
haciendo única cada pintura, algu-
nos pintores de la época se aliaron
a ella, para realizar pinturas basadas
 Gowing, Laurence, Enciclopedia de las Bellas
Artes, Editorial Cumbre S.A., México, 1984, p. 1507
 La apropiación
Características del
arte a partir de los 80s
Como bien se sabe el arte fue cambiando, para bien según Se entiende por proceso material son los conceptos
algunos, para mal según otros. Y es que los inevitables de desmaterialización como, por ejemplo, el ma-
vuelcos que dan las ideologías a los ya aburridos y del arte, el proceso de terial en la música son los
artistas, y el deseo de éstos a siempre innovar, han abandonar la materia sonidos. Al estar los con-
posicionado el arte en donde los conceptos, las ideas y del arte, para cambiarse ceptos íntimamente ligados
el desentendimiento de la sociedad inculta los mantiene por la esencia. Dejando al lenguaje, el arte concep-
en un grupo limitado y elitista, dónde los teóricos y la naturaleza objetual de to es un tipo de arte cuyo
críticos los pueden catalogar; el arte ya no es utópico en la obra de arte, dejando material es el lenguaje”
cuanto a técnica se refiere, puesto que si se justifica una por mucho aun lado el
mala técnica es viable para ser arte. aspecto visual. Abriendo Todo puede entrar en el
así un gran campo al arte conceptual, desde el
Bien se puede decir que el arte cambió, de la forma a arte conceptual. Las cuerpo (perfomances y
la idea, se fue desmaterializando, desmontando la aportaciones de Marcel happenings), la naturaleza
característica técnica, para irse sumergiendo en un Duchamp(1887-1968), (Land art y Earth art), un
idealismo. fueron cruciales en esto, dibujo que bien justificado
La abnegación y el rechazo a las vanguardias, surge del por sus innumerables pueda llamarse pintura,
aburrimiento de la vanguardia actual primeramente, ready mades, trayendo las artes dígitales, en sí,
secundado del deseo por sobresalir en una sociedad en la obra la esencia de todo lo que pueda desma-
donde el arte lo comienza a hacer cualquiera. El comienzo la cotidianeidad, esto si terializarse.
de la desmaterialización de la obra de arte, surge con el hablamos de un iniciador,
minimalismo, (arte de las estructuras primarias) que fue de entre muchos otros. Todo tiende a repetirse,
una expresión última del formalismo. A las estrategias en una espiral, donde
formales del minimalismo (repetición, serialidad, El concepto art (térnino
geometría, orden) se les antepone la expresión directa del acuñado por Henry Flint  Guasch, Ana María, El arte
conceptual y sus tendencias, Alianza
sujeto que se imprime en el corazón de la materia. en 1963), es “un arte cuyo editorial, 2000, España, p. 167
 el arte baja y sube, sin culpar
a nadie, hacía 1975 se tiene un
retorno y una reafirmación de la
pintura. Regresando a la pintura,
se trata de mimetizar con ella, ya
sea lanzándola a chorros, pero es la
esencia del artista en su trabajo, en
su pintura. En cuanto a la fotografía,
trata de seguir a la pintura como
ideal, el ideal vuelve a ser la pintura,
practicado por pintores, se basa
en las cualidades de la pintura,
para explotarlas como fotografía,
tratando de ser lo más realista
posible, sin necesidad de perder
detalle.
En cuanto al curso de las
corrientes chocamos contra el
neoexpresionismo, con una pintura
que habla por sí sola. Donde
las expresiones con un poco de
técnica y el choque de color con el
espectador, dan la muestra de éste
resultado.
Apropiación en América
Tenemos que tener muy en cuenta, que la era que vive el arte actual es la
posmodernidad, y dentro de ella existen muchas vertientes. Se puede
hablar de posmodernidad, cuando se habla de una dimensión social muy
extensa, en dónde las heterogeneidades, las sincronías, los préstamos, las
transferencias, las migraciones son la base de la creación artística como tal.
Como el arte ya había sido desmaterializado, el trabajo del artista era volver a
rematerializarlo, para algunos por falta de identidad, para otros, porque es el
inicio de volver a los lineamientos del arte, pues el arte ya era tan común que
necesitaba volver a las líneas de los grandes artitas, pero eso sí sin perder su
aspecto conceptual.
Estamos hablando de los años 80, en dónde se buscaba la antimodernidad,
era lógico que se diera una vuelta a lo enterior, comenzando por pequeñas
apropiaciones de obras, temas, cosas, desfragmentándolas, para plasmar
la visión del artista, hacer su arte con ellas, y proyectarlas, suprimiendo
la importancia del evento, dejándo la obra algunas veces irreconocible, y
presentándola como cualquier hecho que antes de ser famoso o popular
sigue siendo común y actual.
Hay que tener en cuenta, que no se trata sólo de tomar algo y ver qué se hace
con él, que puedo ponerle, arreglarle, se trata de aportar, claro está, todo
basado en las ideas que forman al autor. Como antecedente directo de la
apropiación yo pondría, en mi particular punto de vista a Andy Warhol, en
el aspecto de retomar las fotografías, alterarlas e iluminarlas, además baja
 a sus modelos de la categoría de
iconos, para posicionarlos en el plan
de arte, es decir mezcla su esencia
con algún hecho.
De cierta se puede entender el
apropicionismo de una forma
de tomar algo, muchas veces
histórico, o artístico, mezclarlo con
los intereses, ideas y formación
del artista para presentarlo a la
sociedad de otra forma. Se retoman
las cosas, se contaminan de un
carácter político y social. Pero,
¿Eso no es carencia de identidad?,
pues nos da un carácter crítico, y
si se tiene en cuenta que el arte
último de nuestros días se basa en
la justificación ideológica que de el
artista, no es carente de identidad.
Si se observa en contraposición con
un Renacimiento por ejemplo, y se
apropia una obra de ésa época, pues
claro ésta que las personas, y más
si son seguidoras de este clasicismo
lo verán como algo denigrante
hacía las obras de las épocas, pero
jamás se debe dejar a un lado el
carácter conceptual de la obra, si
se entiende la ideología del artista,
se entiende la obra, claro que el
contexto en el que se encuentra,
el museo en el que se exhibe nos
darán mucha ayuda e información.
Se tiene cierta repulsión hacía
este tipo de obras, porque no se
entiende el carácter ideológico del
artista, independientemente si ésta
posibilidad artística sea de nuestro
agrado o no.
Apropiaciòn de Warhol de un retrato
Término Readymade
Uso del término
readymade por
primera vez
Readymade es el término que empleo el
artista francés Marcel Duchamp, para
describir obras de arte que él producía
con objetos ya fabricados. Duchamp
recogió este término en inglés del
contexto de la moda dónde el mismo se
había aplicado a la noción de predas
ready-to-wear (listas para llevarse
puestas; sin necesidad de costura a la
medida). Los primeros readymades de
Duchamp incluyen Roue de byciclette
de 1913, que consisten en una rueda
montada en un taburete e In Advance
of the Broken Arm de 1915, que es una
pala de nieve con ese título inscrito.
En 1917 Duchamp hizo en Nueva Cork
su readymade más notorio, Fountain,
un mingitorio firmado por el artista
bajo un pseudónimo: R. Mutt, y que
fue colocado en piso sobre su parte de
atrás. Readymades más tardíos podían
ser más elaborados, y Duchamp los
llamaba readymades asistidos.

“ […] La teoría que respaldaba el readymade se explicó en
un artículo anónimo que indudablemente fue escrito por el
mismo Duchamp para la revista The Blind Man en mayo de
1917 (un tomo producido por Duchamp y dos amigos). El
artículo declaró: “El hecho de que el señor Mutt haya hecho
o no la fuente con sus propias manos no tiene importancia.
La ESCOGIÓ él. Retomo un artículo de la vida cotidiana y lo
colocó para que su significado utilitario desapareciese bajó un
título y perspectiva nuevos, creando así un nuevo pensamiento
acerca del mismo objeto”. Se establecen tres temas de
importancia en el texto. Primero, que la selección de un objeto
es en sí un gesto creativo; segundo, que al cancelar la función
“utilitaria” de un objeto, el mismo se transforma en arte; y
tercero, que al presentar y atribuirle un título al objeto, se le
da un “nuevo pensamiento”, o sea, un nuevo significado. Los
readymades de Duchamp también afirmaron el principio de que
lo que sea el arte lo define el artista.” 
 Morgan, Jessica, An unruly history of the readymade, Fundación Jumex, A.C.,
México, 2008
Primeros remakes
Antes que nada se debe saber que la apropiación surgió y
tuvo su auge en Nueva York, por lo que sus exponentes
comienzan allá.
La apropiación superditada a la teoría de la imagen y al
universo de los medios de comunicación, el teórico-
crítico Douglas Crimp, sentó el marco teórico para las
primeras exposiciones que surgieron de la apropiación.
Para la apropiación se llevaron a cabo diversos medios,
Troy Brauntuch (1954) destacó por un conjunto de tra-
bajos sobre imágenes en especial de Hitler y la Segunda
Guerra Mundial, con significado histórico que el artista
convertía en irreconocibles al fragmentarlas; Jack Golds-
tein (Montreal, 1945) presentó fragmentos de un filme en
rotoscopía llamado The Jumped; Richard Prince (Pana-
má, 149) se vale de fotografías de fotografías, al igual
que Cindy Sherman quién está en una pintura con Foto-
grafías se tocarán en el capítulo siguiente. Sherrie Levine
(Pensylvania, 1947), se basó en l retofotografía en sus
principios, posteriormente pintó sólo cosas que otros
artistas ya hayan hecho. En esa línea hizó sus reinterpre-
taciones de obras según los artistas, como su urinario
en 1991: Fuente, según Marcel Duchamp, en la que se ve
una fuente, igualmente posicionada pero de cobre. Para
finalizar Louise Lawer, a partir de referentes distintos
 como museos, se dedicó a fotografiar los espacios que
contenían las obras de los demás artistas.

Los primeros remakes, nacidos como justificación a la

carencia de creatividad y en contraposición al creacionis-
mo ya sea por medio de la burla, o retomando la ilumi-
nación o algún criterio del arte en alguna época, sea la
intención q sea o sólo como mero pretexto.

La transvanguardia italiana es un claro ejemplo de ello, es

un movimiento Postmoderno de los años 80. Su prin-
cipal concepto era el regreso a la alegría, consideran-
do que el movimiento anterior era el arte povera (arte
pobre), y más a los colores, ellos se influenciaron de
las pinturas manieristas, renacentistas y barrocas, para
trabajar su color.
Los transvanguardistas se caracterizan por un eclecticismo
subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje
pictórico clásico. Recurren a temas mitológicos clásicos
como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con
gran expresividad cromática, el artista es libre para tran-
La fuente, Marcel Duchamp 1917
sitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando
libremente cualquier referencia de otros autores. Es un
movimiento inspiracional que consecuencia al remake
en sus obras.
 Remakes fotográficos
Comprendiendo bien lo que es la apropiación, de imágenes, ideas, aspectos históricos, las apropiaciones que utilizan la foto-
grafía como medio son lo que usualmente conocemos como remakes, y algunas apropiaciones que forman parodias.
Cuando se retoma la iluminación, la temática, las poses, se habla meramente de un remake, pues tiene la ideas, está
inspirado en, basado, etc.

Primeros remakes
Principiando la práctica apropiacio-
nista, encontramos a Richard Prince,
quién se vale de retrofotografías
(fotografías de fotografías, según él
para borrar las diferencias entre arte
y realidad e infiltrarse en los inters-
ticios que existen entre la realidad y
la ficción. Prince asegura que re-
trofotografiando una fotografía se
hace una pintura sin esfuerzo, y que
además no se puede construir una
historia de la nada. Parte de anun-
cios publicitarios exponentes de
lujo y placer mundanos, con los que
busca una dosis de realidad, tratan-
do de aflorar la realidad del de pequeño formato cambiaron a un
norteamericano. formato mayor, y un color; domina-
do como en las pinturas. La influen-
Como exponente de las primeras cia del colorido de las pinturas es
apropiaciones fotográficas, está fundamental.
Cindy Sherman, quién trata de apro-
piar los estereotipos de las mujeres
antiguamente en las pinturas, para
representarse en todas como ella.
Quizá un poco egocéntrico, pero
visto desde el punto de vista del
estereotipo, está mejor sustentada
su tesis sobre la parodia femenina
estereotipada. No sólo se trata de re-
tomar, se trata de aportar. Sus obras
primeramente en blanco y negro y

Sherrie Levine Fountain 1991


Características
“Como estrategia del lenguaje el apro-
piacionismo crítico se sitúa en uno de
los parámetros fundamentales de lo
postmoderno, ya que supone una radi-
calización de los recursos de la cita, la
alusión o el plagio que caracterizan la
práctica artística postmoderna; como
estrategia critica implica una actitud
de revisión, de relectura de lo dado,
de toma de conciencia de la influencia
de los sistemas de comercialización y
exposición sobre la obra de arte, su
dependencia del contexto institucional
y del discurso histórico por él deter-
minado. …La práctica apropicionista
postmoderna no puede ser entendida
simplemente como una frívola y acrí-
tica estética referencial e historicista,
comprometida exclusivamente con la
búsqueda del lenguaje del placer de
un lenguaje diferido, desplazado en el
tiempo. No es el concepto de transmi-
sión de las imágenes, estilos y pautas
estéticas, a través del tiempo el que
opera aquí sino, sobre todo, el de su
reubicación contextual. Y ésta orienta
inevitablemente la reflexión sobre el
arte hacia las esferas de lo social y de
lo político. Se hace obligado afirmar la
distinción entre una práctica apropicio-
nista crítica de una positiva o afirmati-
va, e incluso proponer a esta distinción
como el eje central de la oposición
entre un postmodernismo conservador y
uno crítico.” 
Un remake puede tener muchas for-
mas, muchas características, todas
ellas distintas, y por supuesto van a
depender de la intención que se ten-
ga, ya bien se ha mencionado que
el tomar una imagen porque sí no
es una práctica artística. Si bien lo
técnico es imprescindible, por mera
tradición, la influencia que contenga
lo es más.
Se puede hablar de un remake desde
el momento en que se retoma un
fragmento, hasta toda un imagen,
una ideología, entre otros. Caracte-
rísticas esenciales sólo tiene las de
lo que intente apropiar.
La apropriación por ejemplo del co-
lorido romántico, que está dado en
las sombras por los colores contras-
 Prada, Juan Martin, La apropiación posmo-
derna. Arte, práctica apropiacionista y teoría de la
posmodernidad, ed. Fundamentos, Madrid, 2001 p.7
tantes, tonalidades pasteles, y esa
exhuberancia en formas, en una fo-
tografía dónde un emo aparezca en
cualquier pose típica retratista, nos
habla de un remake, es decir una
apropiación satírica con crítica, y por
tanto contenido. No se trata siempre
de retomar un cuadro y rehacerlo en
forma de fotografía; está bien que la
posmodernidad permita infinidad de
opciones y posibilidades, pero tam-
bién hay cosas que son una ofensa,
pero siempre y cuando este bien
sustentado en cuanto a ideales del
autor esta permitido, y por supuesto
sigue siendo remake.
Un remake puede ir desde lo más
textual al abstraccionismo, ya sea
en un medio ideológico, o sutil. Y
con la ivasión visual actual, es más
común de lo que uno se imagina,
puede estar implícito desde un spot
de cine, como la película Venus de
Roger Michel, 2007.
Un remake esta concebido para verse
una vez, el impacto radical de la pri-
mer apreciación no va ser igual que
el segundo, más si se trata de una
parodia. Estan concebidos para ver-
se una primer vez, la segunda aún
nos puede resultar atractiva, pero ya
una tercera, aburre, no se diga una

cuarta. Por eso el remake y la apro-
piación son tan trascendentales, arte
del minuto, porque caducan.
Al igual que un remake retomado mu-
chas veces ya no es nada novedoso,
tiende a la aburrición y repeticionis-
mo, tanto que els espectador se ve
cansado y fastidiado por la misma
guerra de imágenes.
Aunque sea una apropiación debe
ser ingeniosa, creativa, y sobre todo
estar sustentada bajo un buen dis-
curso. Todo discurso apropicional es
básico en el mudno del arte posmo-
derno, que es el que vivimos actual-
mente.
La iluminación y el color como base
La iluminación hablando técnicamente es el recurso base de las fotografías, a
parte del enfoque, de ello obedecerá a lo que se intente tomar como apropia-
ción, ya sea una época, un movimiento, una pintura.
El color de igual manera juega un papel trascendental debido al impacto visual
que causa, ya se planeada o no la iluminación, el color también dará ese to-
que final, que dramatizará acercando o contraponiéndose a la imagen, pero
miemtizándola en ese apropiacionismo que lo precede. Con la invención de
la fotografía a color los emblemas cromáticos se hicieron más interesantes,
pero nos e deja a un lado la fotografía en blanco en negro que después se
ilumina; o las intervenciones sobre la misma impresión.
Todas las características que se deseen retomar dependerán de la intención
del artista o fotógrafo que las trabaje. Cabe aclarar que los remakes no siem-
pre son planeados, por lo que no siguen una norma específica en cuanto a
técnica se trata.
Cada periodo reconoce su código cromático dándole un estilo característico,
así como una iluminación propia, alguna pose mayormente utilizada, pero
son referencias inmediatas del trabajo para hacerlo remake. Pues tienen esa
inspiración, esa contaminación o son la solución a algo planeado así.
Remake actual
Evolución del remake
hasta nuestros días
Muchas diferencias entre los primero
remakes y los actuales no se en-
cuentran, si bien se debe hablar de
algunas, yo me referiría a los estilos,
y esos los da cada autor.
Y en cuánto a tecnología pues l digital
simplifica la vida, los aparatos nos
permiten una manipulación de la
imagen tal, que muchas veces sea
real o no son magníficas.
Pinturas o estilos
mayormente retomados
En la actualidad se dice que la era de los grandes
maestros de pintura y los genios termino, porque
el arte cambió, porque el artista ya no sabe dibujar,
en fin; la necesidad del individuo de sobresalir, y el
vacío que llega a causar el arte actual, han llevado
a los autores a justificar el que todo ya esta hecho,
y por tanto a reinventar lo ya existente. La pintura
se reinventa, se retoma, y con los re; en fotografía
lo que ya no se toma es las fotografías en sus
inicios con su experimentación, al menos no en
mayoría. Se habla de una tendencia más trabajada,
de los movimientos lumínicos más impactantes, y
claro que también depende en gran parte del autor
y sus gustos.
El barroco y el renacimiento, son gustos universales,
retomados una y otra vez por sus teatrales
representaciones, la perfección de sus pinturas, el
realismo, la iluminación que en ellas se presenta.
Las poses, el contraste, el colorido son factores de
gran influencia.
Y últimamente los ambientes tenebrosos, los
cuentos, el reinterpretar los cuentos y sus
personajes, las atmósferas, o la moda de los años
20s y 70s.
Los remakes actuales y sus autores
Hay algunos pintores que logran es-
pecializarse en el ámbito fotográfico,
la mayoría para conjugar la pintura
con la fotografía, retomando de la
fotografía la rapidez para reproducir
las imágenes, y el realismo que con
ella se logra, pero en cuanto a cues-
tión de composición se refiere, no se
puede dejar la influencia de la pintu-
ra, el colorido y la composición que
ésta enmarca.
De entre éstos pintores nos encontra-
mos a Cindy Sherman (USA 1954),
quién inició su carrera como artista
basada en la pintura. Posteriormen-
te, se empeño en el recurso de la
fotografía, su trabajo se caracteriza
por sus autorretratos cargados de
una feminidad explicita, más aun
en la serie de Untitled #, de finales
de los años 80s a los 90s. La apro-
piación de pinturas barrocas es
extensamente visible, un ejemplo de
ello es la fotografía Untitled # 224,
(1990}) en donde la apropiación del
autorretrato de Caravaggio como
Baco enfermo (1593-1594).Untitled
#220 (1990), en la que se apropia un
autorretrato de el Greco, y finalmen-
te la Untitled #207 en la que retoma
una madona de Bouquet. Posterior-
mente su trabajo se centra en críti-
cas fotográficas como muñecas con
una gran carga sexual, de pornstar.
Su influencia principalmente es ba-
rroca, el colorido de sus trabajos es
bastante atractivo, aún en sus pro-
yectos posteriores.
Joel Peter Witkin (USA 1939), fotó-
grafo especializado en el blanco y
negro, fotógrafo de guerra primera-
mente, luego se dedicó al estudio de
las artes. Su trabajo se basa poses
pintorescas, pero con cadáveres,
está obra, surge a partir de los años
80s. La muerte le resulta sublime,
Cindy Sherman 207, 1990 tiene bastantes influencias flamen-
cas y manieristas; por lo que algu-
 nas de sus obras son Goods of earth
and heaven (1988), dónde se retoma
el Nacimiento de Venus de Botticelli,
en la cual se aprecia un juego con el
sexo de los personajes. Leda (1986),
es una buena apropiación de Leda
de Da Vinci, Las fotografías están
sumamente trabajadas, los fondos
parecen más pintorescos. El uso de
cadáveres no hacen la imagen com-
pletamente repulsiva, sino sutil y de
gran carga emotiva. Rafael Sanzio
con su Venus y las gracias, inspira a
Witkin en su obra The garces (1988).
Y su Woman once a bird (1990), nos
refiere al violin de Man Ray.
Cindy Sherman 224, 1990
Leda, Witkin1986 Woman once a bird, Witkin, 1990
De la reofotografía nos encontramos
a Sherrie Levine (USA, 1947), en
un medio un poco más complejo,
sus fotografías son de obras de arte
directamente, pasadas por el medio
del blanco y negro, entre ellas en-
contramos la clase de balet de De-
gas, un retrato de Van Gogh, etc.
En la línea de la fotografía, pero un
tanto más rayando en la tendencia
de modas, está Eugenio Recuenco.
El primero, nacido en 1968 en Es-
paña, nos muestra una fotografía
independizada, en la cual su apro-
790, Recuenco
 piación constituye una contamina-
ción a la imagen. No se tiene un
estilo definido, y eso radica en gran
parte en el aspecto de modas en el
que se encuentra. Así bien sus imá-
genes pueden contener temáticas
desde un cuento, con un gran traba-
jo, hasta la representación de una
En su obra númep 790, parte de una
obra como tal. Lo característico es
su iluminación. El trata de sustentar
la moda como arte. El retoma las
poses renacentistas y flamencas y
las transporta a sus imágenes, un
ejemplo de ello son una pequeña
serie sin título que tiene en la que el
perfil románico es lo importante, y
nos hacen alusión. Gran parte de su
obra está retomada del manierismo,
renacimiento, barroco y hasta ro-
manticismo.
serie de los prmeros daguerrotipos,
con la idea de fotografiar gente
muerta, juega, incluso se apropia de
las primeras fotografías del pictoria-
lismo, claro a su manera.

Mariano Vargas (España) exalta la

040, Eugenio Recuenco
Da protagonismo al formato horizon-
belleza antes de alcanzar el uso de
razón. Ajeno a las modas, ha ido
elaborando un inmenso y particular
mundo que combina con éxito tradi-
ción y contemporaneidad. Su obra
se encuentra embuida por el misterio
surreal que imprimen las combina-
ciones imprevistas pero posibles, los
espacios oníricos pero reconocibles,
el erotismo turbador pero elegante.
Todo apoyado con una técnica im-
pecable y un sentido compositivo
derivado de la tradición.
Retrato de mujer con perro, Mariano Vargas
tal para que el escenario de la foto-
grafía no sea un mero accesorio. Le
apetece construir escenas inquietas
que den pie a una narración y, sobre
todo, iluminar mis fotografías.En
esta pieza podemos ver la apropia-
ción a manera de cita, retoma el esti-
lo renacentista de Bellini en el retra-
to de Dux Leonardo, pero dándole
un sentido mas critico del erotismo.
Se advierte un sentido crítico en
 cuanto al papel de la mujer, pero se tran la influencia de la escuela de
puede ver claramente la apropiación pintura que ha tenido.
del estilo y el manejo de la composi-
ción que retoma de uno de Tiziano.
Fanático del blanco y negro que
Loretta Lux (1969 Alemania), influen- posteriormente colorea, Jan Saudek
ciada directamente de los iniciado- (1935 Praga), apropiacionista de
res del retrato retomando la pintura las tonalidades románticas, y de
los fondos que se manejaban
en la época, tiene remakes más
marcados, como Walkman en 1984,
donde recicla la Venus del espejo de
Velásquez. También con influencia
barroca deRrembrandt, muestra el
uso de las sombras, con un dominio
espectacular. E n el mismo fondo,
The bride, Loretta Lux, 2003 siempre aparece la pared descarada,
brindando textura.

La maja, Mariano Vargas

Carrol y Margaret Cameron, trabaja

con la esencia infantil, su remake es
más sutil, rayando en lo surrealista
por las tonalidades que maneja. Sus
series infantiles, un ejemplo es The Walkman, Sudek, 1984
Bride (2003), remake de Cameron y Psauline, Loretta Lux, 2002
Pauline (2002) apropiada de Carroll. Inspirada en Carrol, la imagen anterior
Sus tonalidades pasteles nos mues- en Maragarte Cameron
 emotiva y psicológica. The house
David LaChapelle (1969 EUA), fotógra- art the end of the World (2006), es
fo, que trae consigo bastantes re- otra cita renacentista, de igual con-
makes, en cuanto cuestión de color, tenido burlón y crítico, on colores
temática, ya que en su trabajao se meramete retomados, donde la
aprecia la contaminación directa de parodia no se hace esperar con las
la temática surrealista, renacentista, madonas.
en cuánto a ideas, el pop art en colo- La última cena ha sido tan apropiada
por todos, que ya hasta mencio-
narla se hace aburrido, la Chapelle
también tiene su versión.

Heaven to hell, 2006 LaChapelle

Reflection, Sudek,

rido, siempre cargado en contenido

erótico, tiene obras cómo Heaven to
Hell, (2006) en la que el apropicia-
nismo de la obra de Miguel ángel
la piedad se ve parodiada a tal ma-
nera, que cae en un absurdo visual
desconcertante, pero con gran carga
The last supper, 2006 LaChapelle
Bibliografía

Guasch, Ana María, El arte conceptual y sus tendencias, Alianza editorial, 2000,
España

Gowing, Laurence, Enciclopedia de las Bellas Artes, Editorial Cumbre S.A.,

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Lozano Fuentes, José Manuel, Historia del Arte, ed. CECSA, México, 2004
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Prada, Juan Martin, La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista

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Vega, Carmelo, Historia de la Fotografía, Islas Canarias, ed. Colección de Textos

Universitarios, s/a