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Pop art

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por el empleo de
imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios
publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop,
buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas
Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar
el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los
años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el
regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del
arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e
impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo
abstracto.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas
conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El
concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

Principales representantes de este movimiento:


 - Andy Warhol
 - Roy Lichtenstein
 - Richard Hamilton
 - David Hockney
 - George Segal

Fauvismo
1905–1908
La primera vanguardia. El muy conservador crítico Louis Vauxcelles escribe: «Donatello
parmi les Fauves» (Donatello entre las fieras) cuando ve la exposición del Salón de Otoño
de 1905.

Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo, ignorar claroscuros y perspectivas,


expresar sentimientos… Era gente inconformista, que como todo buen artista de
vanguardia, quiere liberarse de todo lo anterior y no ser sumiso ante la herencia pictórica.

El color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en toques


rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.

Au centre de la salle, un torse d’efant, et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui
modèle avec un science délicate. La candeur de ces bustes surprend, au milieu del’orgie
des tons purs: Donatello chez les fauves…
(En el centro de la sala, un torso de niño y un pequeño busto en mármol de Albert Marque,
que modela primorosamente. El candor de esos bustos sorprende en medio de la orgía de
tonos puros: Donatello entre las fieras…)
Arte Abstracto
1910
El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos
identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no
representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva
realidad.Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad.

Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de
abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es
oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los
neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas como la de Hilma af
Klint).

El arte abstracto existe independientemente de la realidad, la aleja. El arte abstracto no


representa nada en realidad, pero como eso es imposible (¡hasta un lienzo en blanco
representa algo!) los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes diferenciadas:

 Por un lado al arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo, improvisado a veces,


donde el protagonismo es de la expresividad del artista, que prescinde de estructura y se
vuelca en el gesto, el material y el sentimiento que provoca la obra. Es por tanto altamente
ambigüo e interpretable.
 Por otro está el arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y universal,
planificado, en la que la composición es estructurada y que evita toda expresividad
mediante el uso de la geometría. Suele defender una factura impersonal y pretende evocar
claridad y precisión.

Una cosa se me hizo manifiesta: que la objetividad, la descripción del objeto, no era
necesaria en mis pinturas y que en realidad les perjudicaba…

Cubismo
1907–1917
El crítico Louis Vauxcelles ya había bautizado a los fauves. En 1908 visitó una exposición
de Braque y escandalizado escribe: «Son geómetras ignorantes, que reducen el paisaje y el
cuerpo humano a ínsipidos cubos».

Estas «bizarreries cubiques» pondrían nombre al movimiento.

En realidad, en el cubismo no hay cubos. Más bien todo lo contrario.


El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la
tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende una figura como el cubo).

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas
como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los
puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla
completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.

Pero a pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que pintan los cubistas son de lo más
clásico: bodegones, paisajes, retratos…

Las características del cubismo sintético


más allá de las obras de Braque y Picasso
A partir del año 1911, el arte cubista sufre una transformación. Si en la etapa analítica o
hermética son Pablo Picasso y Georges Braque los abanderados de esta nueva forma de
hacer arte, a partir de esta fecha el movimiento (aunque nunca tuvo un manifiesto que
podamos calificarlo de tal modo) comienza a expandirse. Se hace de dos maneras o en dos
vías distintas: con la incorporación de nuevos artistas, primero, y llegando a un público más
amplio, en segunda instancia. Y eso sin olvidar que el epicentro se encontraba y siempre
estuvo en París, punto de encuentro artístico internacional desde hacía varias décadas.

En 1912 Jean Metzinger y Albert Gleizes publican Del cubismo, una reflexión a la manera
de ensayo en la que se sistematizaba las características de este nuevo movimiento. Un año
después, Apollinaire pone en las estanterías Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas.
Esto es, la nueva forma de hacer arte había traspasado los talleres y las galerías para ser
objeto de estudio de los críticos, aunque fueran los mismos integrantes del movimiento los
que reflexionaran sobre esta línea artística.Con respecto a la etapa analítica encontramos
algunas diferencias que resumo en las siguientes:

 Una vuelta al color. Se abandonan las paletas de ocre y grises para centrarse en toda la
gama cromática.
 Las formas no se presentan tan marcadas desde el punto de vista geométrico llegando
incluso a desdibujarse sin confundirse con la abstracción. Aunque hay preferencia por
las estructuradas en ángulo, comienzan a utilizarse también las líneas curvas.
 Nacen obras con un marcado intento de burlar el ojo del espectador utilizando técnicas de
trampantojos o collages vanguardistas con materiales diversos.
 Eso propició un debate sobre lo real frente a lo inventado (que aún perdura en algunos
sentidos).
 Paralelamente al nacimiento del libro de artista de vanguardia, con los Libros de Diálogo
mano a mano entre poetas y creadores plásticos, la tipografía entra en los cuadros, así como
las frases sueltas o palabras aquí y allá que se unían en un todo para crear un sentido
ambivalente.
 Si en la primera etapa, la analítica o hermética, se vuelve a retomar el sentido de la
perspectiva del Renacimiento, ahora se da un paso más allá al utilizar el mágico número
áureo en algunas creaciones.
 En definitiva, en esta etapa, al entrar nuevos pintores y creadores, el movimiento se hizo
más heterogéneo y más dinámico al incorporar la particular visión de cada uno de los
artistas.
 Eso propició que cada uno de ellos hiciera valer sus particulares sellos de identidad.
Duchamp, por poner un ejemplo, se afanó por captar el movimiento. Leger fue uno de los
primeros que vio la posible alienación humana debido al avance de las máquinas (los
coches y los artilugios comienzan a inundar las calles).

A partir de la I Guerra Mundial, con medio mundo en llamas, cada uno de los artistas del
cubismo comenzó una nueva andadura. Si Picasso, con su trabajo para los Ballets Rusos
siguiendo los encantos de una de sus integrantes, vuelve a la figuración, otros se meten de
lleno en la abstracción.Que el movimiento, como tal, se agotara no significó que sus
integrantes, de los que doy cuenta a continuación, no siguieran ejerciendo de forma
fructífera. De hecho, hubo quien abanderó alguna que otra corriente artística distinta. Lo
vemos uno a uno.

Neoplasticismo
1917–1931
O constructivismo holandés también llamado De Stijl. Es un nuevo (neo) enfoque de las
artes plásticas (plasticismo) basado en relaciones universales.

¡Qué difícil es destilar todo lo que sabemos y sentimos en un sistema simplificado! Pues
eso intento Piet Mondrian. Uniendo cubismo y teosofía, reivindicó un proceso de
abstracción progresiva donde las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y
verticales, y los colores a los tres primarios, el blanco y el negro.
No existe la profundidad, no existe ningún tipo de referencia figurativa, no existe ni
siquiera una simbología. El neoplasticismo es arte puro: línea y color, unidas en un mismo
espacio.

Para los neoplasticistas era imprescindible rechazar cualquier motivo reconocible, no se


debía imitar la vida real. Consideraban que el arte forma ya parte de la vida real, así que
no es necesaria su imitación.

La abstracción en este y otros estilos, coincidentes en el tiempo en Europa, era una forma
de contribuir a un mundo nuevo y mejor después de una horrible guerra mundial… Aunque
quedaba por venir otra…

Suprematismo
1913–1922
Para mí se hizo evidente que había que crear nuevos marcos para la pintura en colores
puros, construidos por exigencia de los colores; y, en segundo lugar, que el color debería
abandonar la mezcla pictórica y convertirse en un factor independiente, que se incorpora a
la construcción como un individuo de un sistema colectivo y de la independencia
individual.
Kazimir Malevich
Por mucho que no se diga, los rusos fueron pioneros en arte en los primeros años del siglo
XX. Y uno de los creadores más vanguardistas de esos primeros años fue el pintor Kazimir
Malévich, que promovía nada menos que la abstracción.

Un universo sin objetos. Sin indicio visual posible. Arte no descriptivo. Quizás conseguir
representar «la nada», que viene a ser representarlo todo.

Pero… ¿cómo representar la nada?. Pues sencillamente no se puede, pero sí se puede crear
arte centrado sólo en las propiedades físicas de la propia obra. De esa manera quizás el
espectador podría llegar a la pura y simple sensación.

Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores y, así, quizás los
espectadores de una obra nos olvidemos que estamos ante una representación, sino
ante todo el universo reducido en un cuadrado.

Constructivismo
1915–1935
Las calles son nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas…
Vladímir Mayakovsky
El suprematismo estaba muy bien, pero ¿era útil para el pueblo ruso, en su mayoría
analfabeto?.

La respuesta era evidente. Ni siquiera hoy en día entendemos de todo lo que querían decir
esos místicos radicales experimentando con geometrías.
Lo que había que hacer es llevar el suprematismo a las masas y que el arte trascendiera la
ideología política.

El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como
objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites.

Eso no significa en modo alguno el cese de la experimentación. Los constructivistas se


centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas,
técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica
suprematista.

Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para
el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería,
arquitectura, pintura, escultura…

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Surgió tras la II Guerra Mundial y el Holocausto, un periodo de incertidumbre y estupor


que, en lo artístico, dio lugar a formas de creación desgarradas y llenas de
contradicciones que parecieron dejar a un lado el goce estético. Para Kermode
suponen “variaciones de lo apocalíptico” y deben afrontar el problema del vacío
derivado de una gran falta de imágenes de referencia tras desterrarse antiguos héroes
y narraciones y desvirtuarse los propósitos transformadores de las vanguardias
previas a la guerra.
Estados Unidos, y sobre todo Nueva York, dominaron el panorama artístico dada la
persecución de la creatividad experimental en los estados totalitarios europeos y al
establecimiento allí de muchos artistas procedentes del continente (Mondrian, Ernst,
Chagall…).
Previamente al nacimiento del Expresionismo Abstracto, en Estados Unidos
reforzaron la posibilidad del arte con la vida contemporánea tras 1945 el surgimiento
del Federal Art project, la presencia de muralistas mexicanos desarrollando obras de
gran formato y la de surrealistas que apelaban al subconsciente y al abandono de las
tradiciones europeas (el nuevo arte también se basaría en el subconsciente y la
libertad individual). El movimiento representó el “triunfo de la pintura americana”
entonces y fue la marca cultural del país en la Guerra Fría.
A los expresionistas abstractos les fascina el mito del pionero y sus implicaciones de
soledad, dureza y énfasis en el proceso. Su obra no obedece a un estilo unitario:
define el movimiento su afirmación del individuo y del carácter expresivo del arte.
Como el Informalismo, el Expresionismo Abstracto agrupa búsquedas personales en
torno al signo gráfico (trazo o mancha) y en torno a la materia. Se afirma la
materialidad del cuadro como superficie, rechazando todo ilusionismo en cuanto a
perspectiva y en cuanto a representación de otra realidad que no sea la del propio
trazo o materia.
Los expresionistas abstractos mantienen el precepto de la sola pintura, de un mandato de
absoluta sinceridad y de la creencia en el artista como individuo que se expresa a través del
plano pictórico, el gesto y la acción física.
Entienden la pintura como fruto de una experiencia dramática en la que el artista, desencantado
por su contexto e inspirado por el Existencialismo, se refugia en su interior y abandona
referencias. Se rechaza la forma y se habla de mancha, textura, arenas, goteos…y del proceso
artístico como rito sustancial, de la pintura como lugar durante ese proceso y como huella o
documento del mismo después.
El Expresionismo Abstracto se desarrolló conforme a dos tendencias: Action Painting (enérgica
y gestual, sus representantes son Pollock, Kline y De Kooning) y Colour Field Painting (más
puramente abstracta, reposada, mística para Rosenberg. La representa Rothko).

El Budismo
es un medio de transformación individual y social que ofrece simplemente sus prácticas y
enseñanzas a cualquier persona que desee aprender. La gente puede tomar tanto como
desee - poco o mucho. Es posible practicar la meditación con el fin de obtener bienestar y
sosiego o podemos querer seguir el camino budista hasta la Iluminación.
El Budismo es un camino de enseñanzas prácticas. Las prácticas Budistas, como la
meditación, son un medio para que uno mismo se transforme, desarrollando las
cualidades de conciencia, bondad y sabiduría. La experiencia desarrollada dentro de la
Tradición Budista durante miles de años creó un recurso incomparable para aquellos que
desean seguir un sendero de desarrollo espiritual.
El sendero Budista nos lleva a lo que se conoce como Iluminación o Budeidad.

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