Compositores del periodo

Romántico

1815-1880
 Introducción

La palabra Romanticismo, como Barroco o Clasicismo, designa una infinidad

de aspectos de la vida social característica de un momento histórico.

En el caso del Romanticismo, ese momento corresponde al siglo XIX, en el

que predominó el anhelo de expresar los sentimientos sin trabas.

Los románticos no buscaron sus modelos en la antigüedad, ni en lo elevado y

perfecto, sino que inspirados en la propia historia nacional exaltaron las

pasiones humanas, el amor a la naturaleza y la admiración por todo lo

legendario y exótico.

Los músicos, de a poco, fueron dejando de ser empleados de la corte:

pudieron elegir los temas para sus obras. Cultivaron la libre expresión,

preocupados más en transmitir sus sentimientos que en agradar al auditorio.

En lo social el cambio fue bastante importante: los salones aristocráticos, en

donde se reunían los nobles y gente adinerada fueron reemplazados por

asociaciones religiosas, científicas y artísticas.

En lo espiritual, prevaleció el deseo de ponerse en contacto con la naturaleza,

el paisaje, la leyenda, lo popular y lo folklórico. Se buscaba lo desconocido, lo

diferente. Debía haber “algo mejor” que se “percibía” y no se “afirmaba”.

 Compositores del Periodo Romántico

Niccolò Paganini Bocciardo

Fue un violinista, violista, guitarrista y compositor italiano, considerado entre

los más virtuosos músicos de su tiempo, reconocido como uno de los mejores
violinistas que hayan existido, con oído absoluto y entonación perfecta,
técnicas de arco expresivas y nuevos usos de técnicas de staccato y pizzicato.

Nació en Génova el 27 de octubre de 1782, donde estudió con músicos locales.

Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo.

Empezó a estudiar la mandolina con su padre a los cinco años. Con siete años
comenzó a tocar el violín. A los 8 años compone su primera sonata y actúa en
Génova, Bolonia, Milán y Florencia. Hizo su primera aparición pública a los
nueve años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece.
Realiza giras sin la vigilancia paterna y a los 16 años pierde en el juego el
dinero que había ganado en los conciertos. No obstante, hasta 1813 no se le
consideró un virtuoso del violín.

Tuvo como maestros a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla. En sus

composiciones llenas de virtuosismo, busca efectos externos que abren nuevos
caminos a las técnicas del violín. Su técnica es tan asombrosa que muchos le
acusan de tener pacto con el diablo.

Su primera obra triunfal, Le Streghe (Las Brujas), estrenada en La Scala de

Milán en 1813, le abrió las puertas de la gran sociedad. Dotado de una extrema
flexibilidad en sus dedos seguramente debida al Síndrome de Marfán, fue
capaz de crear e interpretar complicadísimas digitalizaciones y de abrir
horizontes inexplorados para el violín.

El doctor Bennati anotó que cuando Paganini tocaba, su codo era capaz de
pasar por encima del codo opuesto. Su hiperlaxitud hacía que pudiera
palparse la muñeca con la uña del pulgar.

En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros
instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna
Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813
abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de
interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban.

En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció
al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, que, fascinado por su técnica,
desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con
el violín.

En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para

viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini
nunca la interpretó. Renunció a las giras en 1834.

Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para
que iniciara su carrera como concertista. Se decía que en la mayoría de sus
apuntes aparecía una nota extraña la cual decía «Nota 13».

Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro
cuerdas de violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se
rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de
forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de
sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su
arte al mundo del espectáculo.

Como curiosidad se dice que, estiradas, sus manos medían cuarenta y cinco
centímetros. Esto se le atribuye a que padecía de Aracnodactilia, quizás
generada por sufrir del Síndrome de Marfan, aunque la creencia popular dicta
que la extraordinaria longitud de sus dedos se debía a las horas dedicadas a la
práctica del violín. También se le encontraron en la casa cinco violines
Stradivarius y dos Amati.

Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis
conciertos y varias sonatas.
 Compositores del Periodo Romántico

Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la

guitarra, exactamente 200 piezas.
Su imaginativa técnica influyó notablemente en compositores posteriores
como: Franz Liszt, Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff, Boris
Blacher, Andrew Lloyd Webber, George Rochberg y Witold Lutosławski, entre
otros.

Su salud se fue deteriorando por un cáncer de laringe que le iba haciendo

perder la voz a pasos agigantados y por el tratamiento con mercurio que
realizaba por recomendación de su médico para tratar la sífilis.

Murió en Niza el 27 de mayo de 1840 tras haber discutido con un sacerdote,

que después de su muerte se niega a sepultarlo en tierra santa. Después de
cinco años uno de sus hijos se encarga de demostrar que Paganini no es ateo
y obtiene del Papa el beneficio de enterrar a su padre en el cementerio de
Parma.
 FRANZ SHUBERT

Nació el 31 de enero de 1797 en Lichtenthal, cerca de Viena.

Fue el duodécimo de 14 hermanos, Franz Schubert recibe sus primeras clases
a los 8 años. Hijo del párroco maestro de coro Franz Theodro Florian y de
Maria Elisabet Katherina.
A los diez años escribió sus primeros temas. Autor de seiscientas
composiciones en forma de lieders. En el trabajo que dejó se cuentan entre
otras: 21 sonatas, siete misas y nueve sinfonías; de éstas, la más conocida
es La Sinfonía Inconclusa, obra magistral de dos movimientos.

En 1808 será becario en la Capilla de la Corte, siendo alumno de composición

de Antonio Salieri en 1813. En éste mismo año ingresa en la Academia de
Profesores de enseñanza básica de Annagasse para convertirse en 1814
en profesor de escuela. Destacó con algunas de sus canciones, Hagars
Klage (1811) y Der Vatermöder (1811). Influenciado por la música
de Beethoven, quien le apasiona. A esa edad varios documentos lo describen
como corpulento, miope, cara redonda y cabellera exuberante. En 1813
comenzó a dar clases en la escuela de su padre. Un año después tuvo lugar la
creación de su primera ópera, Des Teufels Lustschloss, su primera misa (en fa
 Compositores del Periodo Romántico
mayor), y 17 canciones.

En 1815 finalizó su segunda y tercera sinfonías, compuso dos misas, en sol y si

bemol mayor, otras obras religiosas, música de cámara y 146 canciones, El rey
de los elfos entre ellas. Un año después compuso laSinfonía trágica (nº 4),
la Sinfonía nº 5 en si bemol mayor, más música religiosa, una ópera y unas 100
nuevas canciones. Se enamora de María Teresa Grob, una soprano que
actuaba en su Misa en Fa. Pese al éxito de sus composiciones, el fracaso en
este amor marcarían de forma importante sus composiciones posteriores, que
marcarán el nacimiento del Lied (canción para voz solista y acompañamiento).

En 1820 Franz Schubert escribió la música para el melodrama El arpa

encantada, y Los hermanos gemelos (1820). Además creó música religiosa
como los Veintitrés salmos y el oratorio incompletoLazarus. En 1821 compuso
la Sinfonía inacabada (Sinfonía inconclusa), y la Misa en la bemol. El ciclo de
canciones La bella molinera lo compuso en 1823, y el Octeto y las Canciones
de Sir Walter Scotten 1824.

Los dos siguientes años los dedicó a componer La grande (1825) y el ciclo de
canciones El viaje deinvierno (1827). Pertenecen a 1828 la Misa en mi bemol
mayor, el Quinteto para cuerda en do mayor, las tres últimas sonatas y el último
grupo de canciones El canto del cisne, editadas tras su muerte. Nunca
prescindió de las estructuras clásicas, y por ello no se le considera como un
precursor de lo Romántico, sino más bien como el último en seguir la senda
de Haydn, Mozart y Beethoven. El 29 de marzo de 1827, Schubert es uno de
los 30 compositores que acompañan el féretro de Beethoven.

Franz Schubert falleció a causa de fiebres tifoideas el 19 de noviembre de 1828

en Viena en casa de su hermano, tras componer el Lied "El pastor en la roca".

Obras seleccionadas

Vocales

Margarita en la rueca (Gretchen am Spinnrade), (1814) Op. 2

La trucha (Die Forelle), (1817) Op. 32
El hijo de las musas (Der Musensohn), (1822) 2 versiones
La novicia (Die junge Nonne), (1825)
El canto del cisne (Schwanengesang), (1828)

Óperas

Claudine von Villa Bella (1815)

Die Freunde von Salamanka (Los amigos de Salamanca, sobre texto de
Johann Mayrhofer), (1815)
Die Zauberharfe (El arpa mágica, sobre texto de Georg Gotthard Josef Edler
von Hofmann), (1820)
Die Zwillingsbrüder (Los hermanos gemelos, sobre texto de Georg Gotthard

Josef Edler von Hofmann) (1820)

Sakuntala (Sakontala) (texto de Johann Philipp Neumann basado en el
Kalidasa), (1820)
Alfonso und Estrella (Alfonso y Estrella, sobre texto de Franz von Schober)
(1854)
Die Verschworenen (Los conjurados)
Fierrabras, sobre texto de Josef Kupelwieser basado en Eginhard und Emma y
el poema épico La Chanson de Roland), (1829)
Rosamunde, Fürstin von Zypern, sobre texto de Helmina von Chézy),
Schauspiel con música (1823)
Der vierjährige Posten (texto de Karl Theodor Körner), Singspiel (1896)

Obras de cámara y para piano

Música de cámara

Octeto, D. 803 (1824)

Quinteto de cuerda en do mayor
Quinteto para piano y cuerdas en la mayor, "La trucha" ("Die Forelle")
Cuarteto de cuerdas n.º 1
Cuarteto de cuerdas n.º 13
Cuarteto para cuerda, n.º 14
Sonata Arpeggione
Trío n.º 1 en si bemol mayor
Trío n.º 2 en mi bemol mayor

Música para piano

Sonatas para piano

Sonata n.º 1 en mi mayor
Sonata n.º 6 en mi menor
Sonata n.º 7 en re bemol mayor
Sonata n.º 13 en la mayor
Sonata n.º 16 en la menor
Sonata n.º 17 en re mayor
Sonata n.º 18 en sol mayor
Sonata n.º 21 en si bemol mayor
 Compositores del Periodo Romántico

Otras composiciones para piano

Fantasía del caminante (Fantasía Wanderer), en do mayor, para piano solo

Seis Momentos musicales
Cuatro impromptus
Gran dúo para piano a cuatro manos
Fantasía para piano a cuatro manos, en fa menor
Tres Marchas militares
Rondó en La (Gran Rondó) para piano a cuatro manos

Obras orquestales

Sinfonías

Sinfonía n.º 1 en re mayor

Sinfonía n.º 2 en si bemol mayor
Sinfonía n.º 3 en re mayor
Sinfonía n.º 4 en do menor La trágica
Sinfonía n.º 5 en si bemol mayor
Sinfonía n.º 6 en do mayor La pequeña
Sinfonía n.º 7 en mi mayor
Sinfonía n.º 8 en si menor Inacabada
Sinfonía n.º 9 en do mayor La grande
Sinfonía n.º 10 en re mayor La última

Oberturas

Obertura Rosamunda princesa de Chipre, música incidental (1823)

Obertura "en el estilo italiano" en do mayor
Obertura Alfonso y Estrella
 Fernando Sor

Fernando Sor (13 de febrero de 1778 – 10 de julio de 1839) fue un guitarrista y

compositor nacido en España, Barcelona. Se le conoce a veces como el
“Beethoven de la guitarra” en España.

Nació en el seno de una familia bastante acomodada, ya que Sor descendía de

una larga línea de militares (su padre era ingeniero de caminos, y su abuelo,
nacido en el sur de Francia, lo fue en el ejército Francés). Intentó continuar esa
tradición militar, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera
italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la
ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era
poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los
instrumentos de la orquesta.

Al morir su padre en 1789, su madre no pudo seguir financiando sus estudios y

el abad de Montserrat, Joseph Arredondo se ofrece a tomar al niño para
estudiar gratuitamente en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a
Barcelona. El estudio allí giraba en torno a la música. Fue en este monasterio
donde comenzó a escribir sus primeras piezas. Sin embargo sus profesores,
 Compositores del Periodo Romántico
sobre todo el padre Viola, no apreciaban la guitarra, y por tanto la formación de
Sor para este instrumento es autodidacta, antes y después de su etapa en
Montserrat.En 1795 vuelve a Barcelona y empieza su carrera militar como
subteniente bajo el General Vives en el ejército de Villafranca. El cargo le
permite dar sus primeros conciertos de piano y guitarra y componer. En 1797
tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera
Telémaco en la isla de Calipso. En 1801 se traslada a Madrid, donde pretende
acercarse a los círculos musicales de la Corte de Carlos IV y entrar en la Real
Capilla o en la Real Cámara. No es bien acogido allí. Pero la XIII Duquesa de
Alba lo acoge y protege en su círculo de artistas. Ésta muere poco después y
es el Duque de Medinaceli quien le da un cargo de administrador de fincas en
Barcelona, donde vuelve en 1802.

En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música

nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas.
Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo
en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Fue
Prefecto de Policía en Málaga en cuya catedral hay expuestas algunas de sus
obras. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas,
aristócratas e intelectuales más importantes de la época que simpatizaban con
la monarquía de José Bonaparte abandonaron España por miedo a las
represalias y por la estima que tenían a Francia por sus ideas avanzadas.

Si bien no hay constancia de su pertenencia a ninguna Logia, la afiliación de

las personas que más le ayudaron en la época deja pensar que pudo ser
masón, iniciado por sus amistades durante la ocupación Francesa de España.
Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con
muchos músicos, entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado,
también huido de España, colaborando estrechamente e incluso conviviendo
juntos durante un tiempo en el Hôtel Favart, que hoy sigue en pie y en
funcionamiento. Compuso un dueto para los dos (Op.41, Les Deux Amis, los
dos amigos en el que una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado").

Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisina por sus

habilidades para la composición y para tocar la guitarra, e inició ocasionales
viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo a la
guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde
fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia,
donde escribió y presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo
de la coronación del zar Nicolás I. En 1825 un ballet suyo, Cenicienta, inaugura
el teatro Bolshoi. La prima ballerina es su amante o mujer del momento: Felicité
Hullin. En 1827 se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Esto es
debido en parte a su edad madura y en parte a su pérdida de mecenazgo en
Rusia, tras la muerte de la zarina madre Isabel. Durante esta etapa madura
compuso muchas de sus mejores obras.

Los principales ingresos de un músico en la época de Sor eran los conciertos y

la edición de partituras. Los conciertos se daban entre varios músicos en honor
a uno de ellos y éste cobraba los honorarios. Esto se hacía de forma rotatoria
por círculos de músicos afines y amigos. En cuanto a las partituras, publicadas
por Jean Antoine Meissonnier, las piezas de Sor no eran precisamente
vendibles a la masa de amateurs por su dificultad, y le exasperaba componer
para amateurs poco esforzados. En cualquier caso acabó publicando piezas
fáciles y evolutivas haciendo los mínimos sacrificios artísticos posibles.

El final de su vida es acomodado pese a la leyenda (compartida por muchos

artistas románticos) de la muerte en el olvido y la miseria. El último concierto en
su beneficio lo da el 24 de abril de 1836 junto con Aguado. Un testimonio sobre
el final de su vida lo dan sus amigos Eusebio Font y Moresco y Jaume Batlle i
Mir en un artículo de la Opinión Pública de Barcelona de enero de 1850. Sin
embargo su hija Carolina, arpista y pintora, muere el 8 de junio de 1837. Su
última obra fue una misa en honor de ella. Esta muerte sumió al ya enfermo
Sor en una seria depresión, y murió el 10 de julio 1839 de cáncer de la lengua.

Su tumba fue identificada en el Cementerio de Montmartre en los años treinta a

iniciativa de Los Amigos de la Guitarra de Paris (André Verdier, Emilio Pujol y el
danés Ostergaard entre otros). Fue restaurada para evitar la caducidad de 100
años de las concesiones que habría implicado el paso de los restos a una fosa
común y la reutilización del nicho. Estaba enterrado en la tumba del noble
español David del Castillo, amigo de Fernando Sor, cuya familia también huyó
de España. En 1936 hubo dos ceremonias para inaugurar la tumba restaurada:
La primera por el Gobierno de la República y al poco por el gobierno del
general Franco. De nuevo en 1978, la tumba vuelve a estar en pésimo estado y
es restaurada con el añadido de una escultura del canario afincado en Francia
Ángel Peres. La tumba se puede seguir visitando en la división 24 del
Cementerio de Montmartre, se puede ver fácilmente desde la avenida interna
Samson.

Pese a haber nacido en Barcelona en la Calle Sant Pau (seguramente donde

está el actual Liceo o muy cerca), no hay todavía una placa que lo recuerde.

Su estilo se caracteriza principalmente por el uso de un lenguaje guitarrístico

bastante avanzado para su época, pero, aun así sigue siendo considerado
como un compositor totalmente clásico. Sin embargo, muchos intérpretes
acostumbran hacer una interpretación de sus obras con un enfoque "romántico"

Incursionó en distintas formas musicales –como por ejemplo divertimentos,

tema con variaciones, sonatas, fantasías, minuetos, duetos, así como diversa
música vocal- haciendo muestra de su conocimiento en cuanto a las técnicas
de composición de la época. Sin embargo, sus obras son claras y en cierto
modo sencillo, lo cual permite una fácil asimilación para aquel que las escuche.

Hacía un uso frecuente de las tonalidades menores como preámbulo a sus

piezas, un ejemplo claro es la introducción de las Variaciones sobre un tema de
Mozart, la cual está en mi menor pero en el transcurso de ésta, modula para
así mostrar el tema en Mi mayor. Otro ejemplo de esta característica es el
"Gran solo", en donde el tipo de modulación es el mismo, solamente que en la
tonalidad de Re. Otra característica de su estilo compositivo es el sutil uso de
"retardos armónicos" muy al estilo de Haydn y Mozart. Del mismo modo, es
 Compositores del Periodo Romántico
posible encontrar más similitudes con dichos compositores, pero esto se puede
observar como resultado de la influencia del estilo predominante en su época,
el Estilo Galante.
 Ludwig Van Beethoven

Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770, y murió el 26 de marzo de 1827 en

Viena.

Fue hijo y nieto de músicos, por lo que su padre le inició en este arte.
Intentando emular a Mozart, su padre Johann le instruyó musicalmente de una
forma severa, lo que impulsó el fracaso del joven Beethoven presentado como
niño prodigio en actuaciones públicas.

Incluso su verdadera edad era ocultada para impresionar aún más al público.
La disposición sin embargo que Beethoven sentía por la música, hizo que se
volcara totalmente en ella, a pesar de las numerosas palizas que le propinaba
su padre levantándolo de la cama para sentarlo ante el clave. Incluso se cuenta
que le reñía severamente cuando lo oía improvisar.

Gracias a un músico llamado C.G. Neefe (que fue quien valorando su talento
publicó sus primeras notas), entre 1782 y 1783, Beethoven entró en el teatro de
la corte en calidad de ayudante suyo, donde pudo acceder a numerosos
ensayos de las óperas que allí se representaban.

En 1784 el Maximilian Franz, príncipe elector, lo nombró organista de su

Capilla con un sueldo de 150 florines anuales, a lo que siguió un viaje a Viena a
los 16 años. Allí conoció a numerosos autores, y es muy probable que tocara
ante Mozart. Tras esta breve introducción en esta ciudad, regresó a su ciudad
natal, donde los problemas familiares (muerte de su madre y padre) marcaron
esa época. Durante ese tiempo compuso su primera obra personal, "Cantata a
la muerte de José II", que nunca fue interpretada. Allí Beethoven mantuvo
también numerosos contactos con Haydn, quien fue su maestro, aunque la
relación con este último no fuera del todo tranquila.

En 1792, Beethoven vuelve a Viena, donde encontrará su estabilidad como

compositor. En aquella época Viena era una ciudad muy musical, con gran
producción de compositores, y el genio se instaló rápidamente ganado fama y
admiración, imprimiéndose sus nuevas obras y debutando como gran pianista.
En 1796, Beethoven era ya requerido para tocar en otras ciudades, incluso tocó
ante reyes melómanos con éxito (Federico Guillermo II). Por fin en 1800 dio su
primer concierto, pero poco después empezó a notarse él mismo el comienzo
de la pérdida de audición

Aquí comienzan las angustias de un Beethoven que poco a poco no iba a actos
públicos para que nadie se percatara de tal hecho, aunque el avance de su
enfermedad le obliga a retirarse de la dirección como hasta ahora venía
haciendo. Entonces se vio obligado a comunicarse por medio de notas
(cuadernos de conversación, de los cuales se conservan la mitad). El
compositor comenzó a refugiarse en sí mismo, teniendo una explosión
creadora increíble, estrenando sus sinfonías con gran éxito, la ópera Fidelio
(con una acogida más fría), sonatas, cuartetos... aumentando la admiración y
popularidad de la que ya gozaba, hasta llegar a la cima en el estreno de su 9ª
Sinfonía y Misa Solemnis (1824), ante una sala abarrotada.

Beethoven continuaba empeorando de salud, y en los últimos meses de su

vida, compuso lo que los estudiosos piensan que son sus mejores obras, los
últimos cuartetos de cuerda, innovadores en su tiempo.

Una neumonía desencadenó a finales de 1826 una serie de problemas que le

ocasionaron la muerte el 26 de marzo de 1827. A su entierro acudieron 20.000
personas, y se subastaron la mayoría de sus manuscritos y pertenencias.
 Compositores del Periodo Romántico

Primera época Segunda época Tercera época

Sonatas para piano, de Sonatas para piano, de Sonatas para piano, de la

la Op. 2 a la 28 la Op. 31 a la 90 Op. 101 a la 111

Sinfonía número 9, Coral

Cuartetos para cuerdas, Cuartetos de cuerdas,
la Op. 18 desde los Op. 59
(Cuartetos Rasoumovsky)
a Op. 95

Cuartetos de cuerdas de
Sinfonías números 1 y 2. Sinfonías, desde la la Op. 127 a la 135 y Gran
número 3 a la número 8 fuga

Missa Solemnis

Algunas obras en audio

Sonatas http://www.youtube.com/watch?v=qctSDdNmEUY
Cuartetos http://www.youtube.com/watch?v=WkUsrlDLch8

Sinfonía http://www.youtube.com/results?search_query=sinfonia+9+beethoven&sm=3
9
Missa http://www.youtube.com/watch?v=63sKnm-WJPE
Solemnis
 Franz Liszt

1811-1886

Franz Liszt (22 octubre 1811 hasta 31 julio 1886) fue una figura importante en
el siglo XIX de la música, un innovador en las formas de interpretación y
composición.

El único hijo de Adam y Anna Liszt, Franz nació en Raiding, Hungría. Franz
mostró promesa musical temprana, comenzando lecciones con su padre antes
de que él tenía seis años, por la edad de siete años que estaba escribiendo
música. Tres años más tarde, el niño estaba listo para hacer su debut en
concierto en la cercana ciudad de Sopron. Esto fue seguido por dos conciertos
más realizado antes del debut ante la sociedad austríaca. Como resultado
directo, el joven Franz se le dio un estipendio anual durante seis años para que
pueda concentrarse únicamente en su carrera musical. Su padre aseguró Karl
Czerny, un ex-alumno de Ludwig van Beethoven , como profesor de piano de
Franz, mientras que Antonio Salieri le enseñó teoría. Dado que tanto Czerny y
Salieri vivieron en Viena, la familia se trasladó allí en 1821.

Durante su estancia en Viena Liszt tuvo la buena fortuna de conocer a

Beethoven, quien a pesar de sordera profunda, asistió a uno de sus conciertos
y otorgó su bendición sobre el muchacho. La reputación de Franz se extendió
 Compositores del Periodo Romántico

rápidamente, y antes del final de 1821 había sido elegido como uno de los 50
compositores (otros incluidos Beethoven, Czerny y Salieri) para escribir un
conjunto de variaciones de un vals escrito por el compositor / editor Diabelli. En
el otoño de 1823 el padre de Franz decidió que era hora de ampliar el público
de su hijo y la familia se trasladó a París. Liszt completó su formación musical
tomando clases particulares de Anton Reicha y Ferdinando Paer.

A finales de 1825 Franz compuso una ópera en un acto, Don Sanche, que se
estrenó en París a una reacción mixta. Los dos años siguientes trajeron
constantes viajes a través de gran parte de Europa. Poco después de su
llegada, el padre de Franz, de 51 años, murió a causa de la fiebre tifoidea.

La muerte de su padre obligó a Liszt a reevaluar sus opciones de carrera.Se

ganó la vida enseñando piano para los hijos de los ricos e influyentes, cae
profundamente enamorado a los 16 años de edad, de la hija de un ministro del
gabinete. Aunque fueron correspondidos sus sentimientos, su padre se opuso y
la muchacha se casó rápidamente con un pretendiente socialmente aceptable.
Liszt nunca la olvidó, incluso teniendo en cuenta a ella en su testamento.
Durante varios años se retiró del mundo, e incluso consideró entrar en un
seminario. Había perdido el camino a seguir.

Una serie de eventos musicales en 1830-1831 consolidó sus renovados lazos

con la humanidad y confirmó la forma que su voz artística tomaría. Asistió a la
primera actuación de Héctor Berlioz con su Sinfonía Fantástica. Los dos se
hicieron amigos y Liszt aprendió mucho de Berlioz sobre contrapunto para una
orquesta. Tres meses más tarde estaba en la audiencia en el debut de Niccolò
Paganini. Una vez más se sintió abrumado, esta vez por el terreno de juego
demoníaco de virtuosismo de Paganini, y su presencia carismática. Poco
después del concierto, empezó a trabajar en la primera Étude d'exécution
transcendante d'après Paganini, las obras durante mucho tiempo como un
conjunto de piezas de piano increíblemente difíciles.

A finales de 1831 Frédéric Chopin (entonces 21 años) llegó a París y tuvo su

primer concierto. Liszt fue una vez más presente y, fiel a su naturaleza abierta,
inmediatamente declaró su creencia en el genio de Chopin. Todos estos
compositores ayudaron a definir el enfoque de Liszt que llevó hacia su propia
magia compositiva y lo ayudó a moldear su talento hasta que sus audiencias se
vieran poseídas por su música como él mismo.

En 1833 Liszt, se enamoró de la condesa Marie d'Agoult, una mujer casada de

28 años. El impacto fue mutuo. Se fugaron de Suiza, donde vivieron cuatro
años juntos, tuvieron dos hijas (Blandine y Cosima) y un hijo (Daniel), Franz
compone y amplía sus horizontes intelectuales.

Para los próximos diez años Liszt continuó construyendo su reputación ya

altísimos y para finales de la década de 1840 era indiscutido como el más
grande virtuoso de su tiempo.
En 1870 fue nombrado presidente de la Academia de Música de Budapest.

Últimos años.

Su desarraigo y el deterioro progresivo de su estado de salud llevaron a la

disminución de sus poderes, mientras que una serie de obras para piano
escritas en su última década, la mayoría los llenó de una profunda melancolía,
dejando la impresión de un alma atormentada.

En el verano de 1886 estaba prácticamente ciego, su cuerpo invadido por la

hidropesía. Él regresó, enfermo, a Weimar, donde tenía una compañera joven ,
Lina Schmallhausen, para consolarlo. Él murió de neumonía en julio, y fue
sepultado en Bayreuth durante el festival.

Fundamental los logros de Liszt fueron su virtuosismo en el teclado, su

inventiva y su capacidad para idear nuevas técnicas que revolucionaron el
acercamiento al instrumento.

Por tanto, puede considerarse que su producción para piano solo copiosa es la
parte más crucial de su legado, incluyendo la Sonata en si menor para piano,
su Années de Pèlerinage y las cajas de pinturas. Pero sus poemas sinfónicos
para orquesta - el llamado de la música del programa - se encuentran en un
verdadero sentido a su logro imaginativo más permanente. Las sinfonías
Fausto y Dante son a la vez importantes testimonios de una preocupación con
verdades literales y filosóficas expresadas en la música, y como tal, son
fundamentales para la tradición romántica del siglo XX.

George Bernard Shaw escribió “El piano es el más importante de los

instrumentos musicales, su invención fue para la música lo que la invención de
la imprenta fue para la poesía”. El piano suplantaría al clavecín aristocrático
convirtiéndose en un símbolo de la democracia, autoconfianza y expresión
personal. El perfeccionamiento del piano y su propagación coincidieron con la
aparición de la clase media y el Romanticismo.

Liszt fue llamado con frecuencia el Napoleón del piano, el artista considerado
un héroe romántico.
 Compositores del Periodo Romántico

Pedagogía Musical

Desde su salida de la escuela de Monstserrat, Fernando frecuenta amateurs,

profesionales y notables interesados en aprender el arte de la guitarra o de la
armonía. Entre sus alumnos figuran Isabella Colbran y José de San Martín. En
su etapa madura en París editó por sí mismo una obra didáctica, de referencia
todavía hoy: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios
idiomas, incluido al castellano, en el año 2008, a los 178 años de su primera
edición. Ha habido muchos apócrifos derivados, reeditados y vendidos de este
método y es aconsejable informarse bien antes de seguir uno, siendo la
consigna seguir el original de 1830, del que quedan pocos auténticos.

Romanticismo musical

Comenzó en Alemania, partiendo de Beethoven y siendo seguido por Carl

Maria von Weber en 1786 y Félix Mendelssohn. Es un estilo musical
imaginativo y novelesco. Este movimiento afectó a todas las artes y se
desarrolló sobre todo en Francia y Alemania.

La estética del romanticismo se basa en el sentimiento y la emoción. En el

romanticismo se cree que la música "pinta" los sentimientos de una manera
sobrehumana, que revela al hombre un reino desconocido que nada tiene que
ver con el mundo de los sentimientos que le rodea.

El estilo romántico es el que desarrolla la música programática y el cromatismo

de una forma predominante. Se da a lo largo de todo el siglo XIX, aunque al
principio del siglo XX se entra en el impresionismo.

Beethoven y su educación.
El padre de Beethoven estaba muy impresionado por el hecho de
que Wolfgang Amadeus Mozart diese conciertos a los siete años y quería que
su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño
prodigio, comenzó a enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad.3 Sin
embargo, el estudio musical coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas
se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la
cama para que tocara el piano a los conocidos de Johann, a quienes quería
impresionar; esto causaba que estuviera cansado en la escuela. Ya era usual
que dejara de asistir a clases y se quedara en casa para practicar música.

El 26 de marzo de 1778, cuando tenía siete años, Beethoven realizó su primera

actuación en público en Colonia. Su padre afirmó que la edad de Ludwig era de
seis años, para destacar, de esta manera, la precocidad de su hijo; por ello,
siempre se creyó que Beethoven era más joven de lo que era en realidad.
Debido a que el talento musical y pedagógico de su padre era limitado, Ludwig
comenzó a recibir clases de otros profesores. Sus avances fueron
significativos, sobre todo en la interpretación del órgano y la composición,
guiado por músicos experimentados como Christian Gottlob Neefe. Neefe fue
un profesor muy importante e influyente en su instrucción y supo valorar
inmediatamente el nivel excepcional de Ludwig. Además de transmitirle
conocimientos musicales, Neefe dio a conocer a Beethoven las obras de los
pensadores más importantes, tanto antiguos como contemporáneos.

Paganini

Nació en Génova, donde estudió con músicos locales. Sus padres

fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo. Empezó a estudiar la mandolina
con su padre a los cinco años. A los siete años comenzó a tocar el violín. Hizo
su primera aparición pública a los nueve años y realizó una gira por varias
ciudades de Lombardía a los trece. No obstante, hasta 1813 no se le consideró
un virtuoso del violín. Tuvo como maestros a Giovanni Servetto y Alessandro
Rolla. Con 16 años era ya conocido, pero no digirió bien el éxito y se
emborrachaba continuamente.
 Compositores del Periodo Romántico
Franz Schubert

Hijo de una familia humilde, fue el duodécimo de trece hermanos. Residían en

el barrio de Liechtental. Su padre era un profesor de escasos ingresos
económicos.

Su profesor de música se percató pronto de su talento y llegó a decirle: «No

tengo nada más que enseñarle, el conocimiento lo ha recibido del buen Dios».
A los once años entró como cantor en la Capilla Imperial, y consiguió una beca
que le sufragó los estudios en la escuela municipal de Stadkonvikt. Allí fue
alumno de Antonio Salieri y, gracias a la orquesta de la escuela, para la que
escribió sus primeras sinfonías, se familiarizó con la obra de Franz Joseph
Haydny de Beethoven.

A los catorce años comenzó a crear sus primeros lieder, poemas

musicalizados para voz y piano, y antes de los dieciocho ya había creado
algunas obras maestras, como Gretchen am Spinnrade, el primero de los
muchos lieder inspirados en poemas de Goethe. A los diecinueve años había
escrito ya más de doscientos cincuenta lieder.

Pese a sus talentos, su padre pretendía que heredara su profesión, lo que

motivó el enfrentamiento entre ambos y el abandono de la casa paterna.

Fernando Sor
Joseph Arredondo se ofrece a tomar al niño para estudiar gratuitamente en la
Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona. El estudio allí
giraba en torno a la música. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir
sus primeras piezas. Sin embargo sus profesores, sobre todo el padre Viola, no
apreciaban la guitarra, y por tanto la formación de Sor para este instrumento es
autodidacta, antes y después de su etapa en Montserrat.
En 1795 vuelve a Barcelona y empieza su carrera militar como subteniente bajo
el General Vives en el ejército de Villafranca. El cargo le permite dar sus
primeros conciertos de piano y guitarra y componer.
Franz Liszt

Franz Liszt nació el 22 de octubre de 1811 y fue el único hijo de Adam

Liszt y Maria Anna Liszt (Langer en su soltería). Su lugar de nacimiento, el
pueblo de Raiding (Condado de Sopron), pertenecía en su momento al Reino
de Hungría. El idioma local de Raiding, que ahora se encuentra en el
estado austriaco de Burgenland, era el alemán. Así, tanto en su familia como
en la escuela a la que iba Liszt únicamente se hablaba dicho idioma. Sólo una
minoría hablaba húngaro y en asuntos oficiales se utilizaba el latín. Más tarde,
Liszt aprendió algo de húngaro en la década de 1870, cuando la población fue
obligada a aprenderlo, pero su nivel era muy pobre. Sin embargo, hablaba con
fluidez alemán, francés e italiano y algo de inglés.

A la edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención a su

padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por la música sacra y
la música romaní. Adam conocía la capacidad musical de su hijo y a los siete
años le impartió su primera clase de piano. Franz comenzó a componer de
manera elemental cuando tenía ocho años, en 1819, y a
hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su primera actuación como
pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció
en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera
presentado ante la Corte de la Casa de Esterház y como niño prodigio.
 Compositores del Periodo Romántico

CONCLUSIONES y Referencias

El Romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años
1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las
normas y formas de dicho período.

El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por

el Clasicismo y seguido por el Impresionismo.

La música del Romanticismo intentaba expresar emociones como: sentimiento, intuición y

emoción.

En este trabajo mencionamos 5 de muchos compositores románticos que existieron en aquél

tiempo los cuales son: Niccoló Paganini (Italia), Franz Schubert (Austria) Fernando Sor (España),
Ludwig van Beethoven (Alemania) y Franz Liszt (Hungría). Escogimos a estos compositores de
acuerdo al instrumento que ejecuta cada integrante de nuestro equipo y también porque son
nuestros compositores favoritos.

Tratamos en esta investigación de mostrar un poco de lo que fue su vida personal, pero sobre
todo y lo más importante: su música y composiciones, que en su tiempo influyeron a muchos
compositores posteriores y dejaron impresionadas a muchísimas personas, ya sea por su talento
al ejecutar su instrumento o por sus composiciones llenas de virtuosismo.

Pero no nada más en aquél tiempo impresionaron a cientos de personas, sino que actualmente,
nos siguen impresionando y poniéndonos a prueba con sus obras y composiciones a muchos
estudiantes de música y músicos profesionales.

Esperamos que esta investigación haya sido de su agrado y les haya servido mucho, ya que
creemos que es importante no solamente ejecutar sus piezas sino conocer un poquito de historia
de cada uno de estos compositores del romanticismo.

Al público en general, a los que no se dedican a la música u otro tipo de arte esperamos que
también haya sido de su agrado esta investigación, ya que creemos con firmeza que es
importante conocer de todo en todos los ámbitos y sobre todo en la música, no quedarse con un
género o un periodo musical sino, abrirse a explorar y conocer los diferentes géneros, periodos,
ejecutantes y compositores de la historia de la música.