FUNDAMENTOS DEL ARTE I

CATÁLOGO DE OBRAS DE
ARTE
NOMBRE: Francisco Carmona
ÍNDICE:

-ARTE PALEOLÍTICO -ARTE ROMÁNICO

-ARTE NEOLÍTICO -ARTE GÓTICO
-ARTE EGIPCIO -ARTE RENACENTISTA
-ARTE MESOPOTÁMICO -ARTE BARROCO
-ARTE GRIEGO -ARTE NEOCLÁSICO
-ARTE ROMANO -ARTE ROMÁNTICO
-ARTE PALEOCRISTIANO -ARTE IMPRESIONISTA
-ARTE BIZANTINO -VANGUARDIAS DEL SIGLO XX
-ARTE HISPANOMUSULMÁN -ARTE CHINO
ARTE PALEOLÍTICO
(40.000 AÑOS a.C.)

PINTURA Y ESCULTURA
PINTURA
Identificación de la obra:
título: “Bisonte a la carrera”
autor: Desconocido
dimensiones: Entre 120 y 160 cm
año de realización: aprox. 12.000 a.C.
técnica: arcilla y carbón sobre pared.
Lugar en que se encuentra: Cueva de
Altamira, Cantabria. España.
Descripción denotativa:
Sobre una pared rugosa de piedra,
adaptándose a un saliente en relieve, un
animal, que parece ser un bisonte,
encorva el cuerpo flexionando las patas
delanteras y traseras y bajando la cabeza.
Predomina el color rojo en la figura,
perfilada con un contorno negro.
Descripción connotativa:
La pintura paleolítica de animales suele estar relacionada con rituales mágicos
que pretenden favorecer la caza del animal o su fecundidad. Solían aprovechar
los volúmenes de la pared porque consideraban que animales, plantas, rocas y
humanos compartían un alma común. Las representaciones eran de perfil
aunque cuernos y pezuñas aparecieran más frontales para conseguir una mayor
claridad.

Venus Vestonika
ESCULTURA
Identificación de la obra:
Descripción denotativa: Esta figura
Título: Venus Vestonika parece ser que esta representando
Autor: Desconocido a una mujer , caderas , abdomen ,
Dimensiones:entre los 4 y los 25 pechos...
centímetros.
Año de realización: Aprox. 22.000 a.c.
Técnica: hueso, asta, marfil, piedra,
terracota, madera o barro
Lugar en el que se encuentra: Stratzing,
al norte de Krems, Austria
Dscripción connotativa
Son figuras realmente muy
esquemáticas que contrastan con el
naturalismo que se puede observar
en la pintura de ese mismo periodo.

Se tienen varios significados para

estas pequeñas figuras: Algunos
piensan que pueden ser primitivas
diosas de la fertilidad, dado lo
explicito de sus rasgos femeninos, y
se considerarían entonces como
amuletos para llevar, propiciadores
de la salud.
 ARTE NEOLÍTICO
(8.000 AL 3.000 a.C.)

ARQUITECTURA Y ESCULTURA
ARQUITECTURA
 Identificación de la obra:
Descripción denotativa: Sobre un medio
Título: Dolmen de Axeitos natural en el suelo unas piedras
Autor: Desconocido verticales y encima una en horizontal
Dimensiones: 4,5 metros por 3,5 metros (adintelada)
Año de realización: a estructura data del IV
milenio a. C
Técnica: piedra
Lugar en el que se encuentra: situado en la
comarca de Barbanza, A Coruña, y en el
municipio de Ribeira.
 Descripción connotativa

Función: sepulcral.
Estaban por lo general orientadas hacia el Este. Los cuerpos
eran enterrados en forma fetal con las cabezas mirando al
Este, mirando al amanecer. Señal de renovación de la vida.
ESCULTURA
 ARTE EGIPCIO
(3.500 AL 3.000 a.C.)

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA

ARQUITECTURA
 Identificación de la obra:
Título: Pirámide de Keops.
Autor: Pueblo egipcio.
Dimensiones: Altura original = 146,50 m.
Altura actual : 136,86 m.
Lados:Media 230,363 m.
Año de realización: aprox.2570 a. C.
Técnica:piedra caliza blanca.
Lugar en el que se encuentra: Guiza , es una
ciudad de Egipto situada en el Nilo.
Lugar en el que se encuentra: Egipto
Descripción denotativa de la obra:
Sobre la superfie de Guiza
tenemos a este gigantesco
monumento un poco deteriorado
por los años , esta compuesto por
piedra caliza blanca aunque
podemos observar que ha perdido
su brillo.
Descripción connotativa

Las pirámides eran pensadas, diseñadas y construidas con toda

una simbología determinada. Son parte de una cosmovisión del
mundo en el cual todo se vincula con los dioses pero también
con la necesidad de encontrar en esta vida un sostén para la
vida futura, la que se dé luego de la muerte. Las pirámides
solían ser edificadas como símbolo del poder de cada faraón,
como un anhelo a perpetuidad y como una muestra o legado a
futuro de lo minúsculos que eran todos los demás egipcios frente
al faraón-dios.
ESCULTURA
PINTURA
ARTE MESOPOTÁMICO
(5.000 AL 539 a.C.)

ESCULTURA
 Identificación de la obra:
Título: Gudea sentado
Autor: Anónimo
Dimensiones:
Altura: 46 centímetros.
Anchura: 33,2 centímetros.
Diámetro: 22,5 centímetros.
Año de realización: 2130 a.C
Técnica: Escultura de bulto redondo. Diorita
negra
Lugar en el que se encuentra: Museo del Louvre

Descripción denotativa de la obra:La escultura de bulto redondo está tallada en una

única pieza de un bloque de diorita negra, un material muy resistente y de gran
dificultad técnica que suele reservarse para la representación de personajes de
elevada posición social.

Técnicamente la figura es tratada como un todo, un bloque compacto y cerrado que

sigue una composición de canon corto y formas redondeadas que mantiene la ley de la
frontalidad característica de la estatuaria arcaica.
Las formas están esquematizadas como podemos apreciar en manos y pies apenas
esbozados, mientras que el rostro mantiene una postura idealizada sin rasgos
naturales puesto que no es un retrato. Destaca la expresividad de los ojos abiertos
enmarcados por una cejas delineadas que dan sensación de hieratismo y que se ha
encontrado en otras figuras similares.
 Descripción connotativa de la obra:
Esta pequeña figura es la representación de lo que conocemos como un patesi o ensi,
es decir un tipo de gobernador de la antigua Mesopotamia, más concretamente del
patesi Gudea del que sabemos gobernó la ciudad-estado de Lagash durante el periodo
sumerio a finales del III milenio a.C.
Los gobernadores de este tipo tenían amplias funciones como reyes-sacerdotes y la
tradición mesopotámica los consideraba intermediarios divinos.
No eran considerados dioses como sucede con los faraones egipcios pero sí
concentran la máxima autoridad político-religiosa siendo frecuente encontrar este tipo
de figuras colocadas en los templos.
Los investigadores creen que pudieron tener carácter votivo que se confirma cuando
observamos que todas siguen un mismo modelo iconográfico: un personajes varón
aparece sentado, con las manos recogidas, miranda ausente y actitud respetuosa de
oración.
 ARTE GRIEGO

PERÍODO ARCAICO (SIGLOS VII – VI a.C.)

PERÍODO CLÁSICO (SIGLOS V – IV a.C.)
PERÍODO HELENÍSTICO (III – II a.C.)
ARQUITECTURA
ESCULTURA
PINTURA
 ARTE ROMANO
(SIGLO III a.C. – V)

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA

ARQUITECTURA
ESCULTURA
PINTURA
 ARTE PALEOCRISTIANO
(SIGLOS I - V)

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA

ARQUITECTURA
ESCULTURA
PINTURA
 ARTE BIZANTINO
(SIGLOS V - VII)

ARQUITECTURA Y PINTURA
ARQUITECTURA
PINTURA
ARTE HISPANOMUSULMÁN
(SIGLOS VIII – XV)

ARQUITECTURA
 ARTE ROMÁNICO
(SIGLOS XI – XIII)

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA

ARQUITECTURA
ESCULTURA
PINTURA
 ARTE GÓTICO
(SIGLOS XII- XV)

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA

 ARTE RENACENTISTA

QUATTROCENTO (SIGLO XV)

CINQUECENTO (SIGLO XVI)
MANIERISMO (SIGLO XVI)
ARQUITECTURA
ESCULTURA
 Identificación de la obra:

Título: La virgen blanca.

Autor: Anónimo.
Periodo: Gótico.
Dimensiones: 153 cm.
Año de realización: Segunda mitad del siglo
XIV
Técnica: Alabastro con dorado.
Lugar en el que se encuentra:Catedral de
Toledo Toledo.

Descripción denotativa de la obra:

Se trata de dos figuras de la religión cistiana , por una lado tenemos a la
virgen que esta sonriendo , lleva una corona , tiene una cara muy morena y
cabello castaño , además lleva un vestido blanco con su franja dorada sobre
ella tenemos al niño jesús muy moreno que le esta tocando la barbilla a su
madre , lleva un manto blanco con su franja dorada al igual que el de su
madre.
Descripción connotativa
Esta escultura destaca por mostrar una tierna y alegre
imagen de maternidad. Además da la sensación de
establecer un dialogo entre la madre y su hijo. La madre
de rostro oval, sostiene el hijo en su brazo derecho y lo
está mirando con una sonrisa característica de las
imágenes de este periodo del gótico; presenta un ligero
contraposto con el peso del cuerpo sobre una pierna.
Mientras, el niño acaricia con la mano derecha la barbilla
de su madre y con la izquierda sostiene un fruto redondo
que suple al antiguo atributo del globo terráqueo de las
imágenes románicas. Está pintado con oro la corona, el
pelo y las franjas de los vestidos; los rostros se dejaron en
color natural, que el tiempo ha dejado una pátina en color
más oscuro que el blanco del material con que estaba
hecha.
Identificación de la obra:
Título: La virgen de las moscas.
Autor: Anónimo.
Periodo: Trecento.
Dimensiones: 92 x 79 cm.
Año de realización: año1520.
Técnica: Pintura al óleo y Panel.
Lugar en el que se encuentra:Colegiata de
Santa María la Mayor, España.
Descripción denotativa de la obra:
En este cuadro podemos observar la
virgen sentada y en la mano tiene una
manzana ,en el trono podemos observar
el niño Jesús sentado en sus piernas y
justamentamente en su rodilla una
mosca que parece que esta sobre el
cuadro no pintada( trampatojo ).
También podemos observar una serie de
personajes tal vez bíblicos.Los colores
suelen ser muy oscuros menos algunos
muy saturados que llaman mucho la
atención.
 Descripción connotativa

Temáticamente, se trata de una Sacra Conversación, que muestra a la Sagrada

Familia con Santa Magdalena y Santa Catalina, en el que la Virgen hace ademán de
entregar una pera a María Magdalena, quien aparece representada con un frasco de
perfume. En el lado contrario, Santa Catalina con corona y espada, símbolos de su
martirio, y detrás de la Virgen la figura de San José. Pero hay quien no tiene dudas de
que la rubia y bella joven sentada al lado de la Virgen con un libro abierto en su
regazo, no es otra que joven Reina Doña Isabel I de Castilla (1451 - 1504). La
afirmación se fundamenta en los siguientes argumentos firmes: por un lado la corona
en la cabeza de la reina, y por otro, aún más importante, la espada desnuda a sus
pies, recordando su proclamación como Reina de Castilla en Segovia, en 1474, a la
muerte de su hermano Enrique IV de Castilla El Impotente (1425 - 1474), acto
realizado en ausencia de su marido Don Fernando II de Aragón (1452 - 1516) y en el
que la Reina se hizo preceder por el noble Gutierre de Cárdenas († 1503), portando la
espada desnuda como señal inequívoca de autoridad y de que ella, al margen de su
marido, era la verdadera Reina de Castilla e impartidora de la justicia.
Recordemos también la gran importancia de Toro para Isabel I de Castilla, y la de
Isabel I de Castilla para Toro, ya que fue en esta localidad leonesa donde la de
Madrigal de las Altas Torres derrotó a su adversaria Juana de Trastámara, La
Beltraneja (1462 - 1530)
Identificación de la obra:
Título: David.
Autor: Miguel Ángel Buonarroti.
Periodo: Cinquecento.
Dimensiones:5,17 m de altura
Año de realización:1501-1504
Técnica: Mármol blanco.
Lugar en el que se encuentra: Galería de la
Academia, Florencia Italia.
Descripción denotativa de la obra:
Sobre mármol blanco podemos
observar esta gran escultura del
personaje david ( de la historia de David
y Goliat). Tiene unas manos y una
cabeza grande en proporción con su
cuerpo. En su mano esta sujetando la
onda. Podemos observar que presenta a
David con cierta madurez ,musculos…
Además te deja en tensión ya que
parece observar algo.
 Descripción connotativa

David se ha considerado como un símbolo de la libertad, al menos eso deseaban los

regidores florentinos que le encargaron la obra. Algún tratadista ha considerado que
representa la fortaleza, en el cuerpo robusto, y la ira, en el rostro apasionado. Todas la
interpretaciones son válidas, porque en definitiva todas confluyen en reconocer en el
maravilloso bloque de mármol de Carrara un paradigma del hombre renacentista, de la
belleza de la anatomía humana y de los sentimientos de pasión y piedad que se pueden
esconder bajo un gesto terrible.
PINTURA
 Identificación de la obra:
Título: El entierro del señor de Orgaz.
Autor: El Greco.
Estilo: Manierista
Dimensiones:4,80 x 3,60 metros.
Año de realización:1586-1588
Técnica:óleo sobre lienzo.
Lugar en el que se encuentra: Iglesia de
Santo Tomé (Toledo).
Descripción denotativa de la obra:
Este gran cuadro está dividido en dos
grandes zonas, por un lado en la parte
alta se observa una zona celestial en
donde aparecen Cristo, la Virgen,
ángeles, santos y otros personajes ya
fallecidos. En la parte inferior, la terrenal,
se representa un entierro rodeado de
personajes, unos eclesiásticos y otros
civiles.
 Descripción connotativa
El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte,
arriba el cielo, la vida eterna. El Greco se lució plasmando en el cuadro lo que
constituye el horizonte cristiano de la vida ante la muerte, iluminado por Jesucristo.
En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del señor, que va a ser depositado
con toda veneración y respeto en su sepulcro. Para tan solemne ocasión han bajado
dos santos del cielo: el obispo san Agustín, uno de los grandes padres de la Iglesia, y
el diácono san Esteban, primer mártir de Cristo. La tradición bíblica el cuerpo es
enterrado, devuelto a la tierra de donde salió, en la espera de ser transfigurado por la
resurrección final. El cuerpo humano, que el Hijo de Dios ha tomado al hacerse
hombre, ya no es la cárcel del alma, sino la materia animada por el espíritu, la materia
que será definitivamente transformada en la resurrección.
A este entierro, dos personajes principales miran de frente, invitando a quienes
observan a entrar en el misterio admirable que contemplan sus ojos: El Greco y su
hijo, quien señala con su dedo al personaje central. Entre el cielo y la tierra, el lazo de
unión es el alma inmortal del señor de Orgaz, figurada como un feto que es llevado al
cielo por manos de un ángel, a través de una especie de vulva materna que le dará a
luz a la vida eterna del cielo. La muerte aparece así como un parto, como un
alumbramiento a la luz eterna en la que viven los santos. Trance doloroso, pero lleno
de esperanza.
En la parte superior, el pintor describe el cielo, la vida feliz de los bienaventurados.
Aparece Jesucristo glorioso, luminoso, vestido de blanco, entronizado como juez
de vivos y muertos: Es el señor de la vida y de la historia de los hombres. Su
capacidad de juzgar a los hombres con misericordia, se ve reflejada en su rostro
sereno y en su mano derecha que manda al apóstol Pedro, jefe de su iglesia, a
que abra las puertas del cielo para el alma del conde difunto.
La madre de Jesucristo, la Virgen María, acoge maternalmente el alma del señor
que llega hasta el cielo: En este alumbramiento a la vida eterna, Dios ha confiado
a María la tarea de madre. Ella es, para los cristianos, el rostro materno de Dios.
Los bienaventurados miran fascinados y adorantes a Jesucristo.
El conjunto del cuadro invita al espectador a la contemplación de un misterio
cristiano: el hombre ha nacido para la vida. El hombre no es un ser para la muerte.
E incluso cuando ha de traspasar el umbral de la muerte, no lo hace en solitario,
sino que junto a él para ayudarle está Jesucristo, redentor del hombre, su Madre
santísima, que es también madre de ellos, y todos los santos del cielo, sus
hermanos mayores. Los hombres, así, son miembros de la familia de los santos,
para que vivan santamente su camino por esta vida.
El Greco ha conseguido transmitir en esta su obra maestra un mensaje de
esperanza: la esperanza que brota de la buena noticia de Jesucristo, señor de la
vida y de la historia.
 ARTE BARROCO
(SIGLO XVII)

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA

ARQUITECTURA
ESCULTURA
PINTURA
Identificación de la obra:
Título: Díptico de las postrimerías.
Autor: Juan de Valdés Leal.
Dimensiones:220 x 216 cm.
Año de realización: 1672.
Técnica:óleo sobre lienzo.
Lugar en el que se encuentra: Iglesia hospital
de la caridad ( Sevilla ).
 Descripción denotativa
Se trata de dos grandes lienzos con formato de medio punto en la parte superior
que se encuentran aún colocadas en el lugar para el que se imaginaron: los pies
de la única nave de la iglesia.

En una de ellas nos parece la muerte con un espectacular ataúd bajo el brazo que
se dirige hacia nosotros en todo un alarde de perspectiva mientras la mano
contraria apaga una vela.

IN ICTU OCULI
La Muerte se encuentra sobre un suelo alfombrado de
todo tipo de objetos que representan las vanidades del
mundo, todas aquellas riquezas y honores que los
hombres intentamos atesorar y que de nada nos valdrán
tras la muerte.
FINIS GLORIAE MUNDI
Nos presenta una escena aún más horripilante (Murillo decía de ellas que habría
que verla con la nariz tapada, debido al hedor). Una serie de féretros abiertos nos
muestran los cadáveres en descomposición (con un verismo que no nos ahorra ni
los gusanos). Por sus indumentarias y ajuar descubrimos en los cuerpos que
pertenecieron a obispos o reyes, pues nadie se libra de la muerte, que a todos
alcanza e iguala.

Por encima de ellos la mano de Cristo (con su herida) sujeta una balanza.
 Descripción connotativa
La Muerte, que se presenta con el féretro bajo el brazo y la guadaña hollando la esfera
celeste, y que apaga en menos de lo que dura un parpadeo —In ictu oculi— la llama de
la vela apenas consumida, hace fútiles y sin sentido todas las aspiraciones mundanas:
nada valen ante ella el poder, la riqueza y la gloria adquirida por las armas o las letras,
representadas en el báculo, la tiara, el cetro y la corona imperial, los terciopelos, las
púrpuras y las armaduras, abandonados con descuido y en desorden junto a algunos
libros que hablan de la erudición, de la ciencia y de la fama que puede proporcionar la
historia.
—Finis gloriae mundi— acaban con los cadáveres en descomposición de la parte inferior
del segundo de los lienzos, el de un obispo y el de un caballero calatravo como lo era
Mañara, la muerte es también el paso necesario hacia el juicio del alma, representado en
la parte superior por una mano llagada que sostiene una balanza con las inscripciones
«NI MAS», «NI MENOS». En el platillo de la izquierda, los pecados capitales
representados por animales simbólicos (pavo real, soberbia; murciélago posado sobre un
corazón, envidia; perro, ira; cerdo, gula; cabra, avaricia; mono, lujuria; perezoso, acidia)
proclaman que no se necesita más para caer en pecado mortal, ni se necesita menos
para salir de él que la práctica de la oración y la penitencia, representadas por las
disciplinas, rosarios y libros de devoción del platillo derecho.Enlazando con el discurso
iconográfico desarrollado en la nave del templo, en la serie de cuadros de Murillo, ese
«menos» que se espera del hermano de la Santa Caridad es la práctica de las obras de
misericordia implicándose personalmente, «con entrañas de padre», cargando sobre sus
espaldas al pobre desvalido hasta el hospital si fuese preciso.
ARTE NEOCLÁSICO
(SIGLOS XVIII – XIX)

ESCULTURA Y PINTURA
ESCULTURA
PINTURA
ARTE ROMÁNTICO
(SIGLO XIX)

PINTURA
ARTE IMPRESIONISTA
(SIGLO XIX – XX)

ESCULTURA Y PINTURA
ESCULTURA
PINTURA

Identificación de la obra:
Título: La noche estrellada.
Autor: Vincent Van Gogh.
Dimensiones:74 cm x 92 cm.
Año de realización: 1889 .
Técnica:óleo sobre lienzo.
Lugar en el que se encuentra: Museo de
Arte Moderno de Nueva York.
Descripción denotativa de la obra:
Su composición muestra un cielo con
dos espirales nebulosas que se abrazan
una a la otra creando la sensación de
movimiento y fluidez.
En el cielo nocturno, junto con las once
estrellas con halo propio y exagerado,
se encuentra en la esquina superior
derecha una luna creciente de tonos
amarillentos igualmente luminosa,
dando la impresión de un sol en vez de
una luna.
 Descripción connotativa

La pintura emana belleza, pero al mismo tiempo una violencia y detalle insólito para
cualquier artista de la época. Lo ilógico de los colores y lo ajeno a la realidad, separan a
van Gogh del resto de sus contemporáneos y justamente es eso lo que revela más de su
pensamiento y dolor. La vista surreal de una noche oscura que en realidad brilla ha sido
interpretada como el deseo de un escape; un intento del creador para hacer luminoso un
elemento naturalmente luminoso como el final de un día. Es una visión apocalíptica en la
que el cuerpo se escapa y se integra con el resto; una nota violenta y desesperada que
busca esperanza y sugiere el suicidio.En los trazos está la angustia, desesperación y
deseo de mirar luz donde no existe. Es hermoso, pero trágico.
VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA

ARQUITECTURA
ESCULTURA
PINTURA
ARTE CHINO