Prueba Nº III

Nombre: Joaquín Guerrero y Valentina Kraunik.

Carrera: Licenciatura en Historia.
Profesor: Sra. Paulina Orrego S.
Ayudante: Hugo Ramos Tapia.
Arte Contemporáneo.
 1. Mencione y explique cuáles son las principales características del arte
conceptual y el arte de acción.

El arte conceptual se caracteriza por centrar su interés en la idea y no en la

materialidad del objeto, la cual se considera como un distractor del sentido original de la
obra, es por ello que funda su práctica en la reducción de lo material, similar en éste
punto al arte minimalista. Toma como factor importante la utilización del lenguaje,
siendo éste esencial para expresar el sentido del arte conceptual, la materialidad quedará
subyugada a los conceptos e ideas presentes en la obra “un arte en donde los conceptos
constituyen el material (…) y como los conceptos están estrechamente vinculados al
lenguaje, el concepto de arte es un arte en donde e lenguaje es material” (Popper, 16).

Kosuth considera en relación al arte conceptual que éste no se resume a producir

obras de arte, sino a analizar la función, el significado y la utilización de las relaciones
artísticas, emplea el arte como una forma de analizar la esencia del objeto,
determinando la idea que lo convierte en el objeto que representa la materialidad. No
está interesado en lo material, sino en la idea que es representada en le realidad
mediante la materia, tal como señala Huebler “el mundo está lleno de objetos más o
menos interesantes a los que (él) no querría añadir nada” (Popper, p. 22). Por ello
buscará omitir todo detalle ajeno a la idea esencial para no perder el sentido que la
materia debe exponer, tal como se demuestra en el ejemplo de las sillas, en el cual tres
sillas son expuestas y junto a ellas se encuentra la definición de silla escrita. La
definición permite conocer la idea esencial de silla al permitirnos conocer su función y
características básicas, sin embargo no hace referencia a las particularidades de la silla
expuesta materialmente en la obra, debido a que sus particularidades no alteran la idea
ni el sentido de la silla.

El interés principal del artista conceptual no es la evaluación que las obras

creadas, tampoco el espacio temporal ni físico en el que se encuentran, sino en la
evaluación del arte en base a una formula determinada de evaluación, mediante la cual
el autor se cerciora de no haber insertado ningún tipo de connotación personal a la obra,
debido a que la presencia de connotaciones alterarían la percepción de la idea a exponer,
en torno a la cual no debe estar presente ningún tipo de factor ajeno a la idea a exponer.
La participación del espectador así como el entorno puede jugar un importante rol
dentro de la obra en relación a la interpretación, mediante ésta se espera que el receptor
genere su propia interpretación de la obra. El autor dado que sus interpretaciones
podrían provocar alteraciones y aplicación de elementos inútiles al sentido de la obra no
puede realizar el acto interpretativo, sin embargo el receptor, dado que no puede alterar
la obra, tiene permitido generar su interpretación propia. Esto es permitido para que, de
ésta forma, pueda quitarse valor a la interpretación que los críticos realicen respecto a
las obras, para lo cual permite que todos los espectadores realicen su propia
interpretación y así rebajar el valor a la opinión de la crítica. Debido a esto, el receptor
toma un rol activo dentro de la obra, convirtiendo con ello a los receptores en, como
señala Popper “«sujetos» de la composición” al releer lo expuesto en la obra.

Los artistas pertenecientes a ésta corriente se establecen en grandes exposiciones

en las cuales diferentes tipos de expresiones, tales como el arte povera, body art, earth
art, funk art, anti-forme y micro-emotive art pudieron encontrar un denominador común
en torno al arte conceptual. Se emplea entre sus principios el del “arte como idea, como
idea”, el del “agrandamiento” y la reducción de la organización de la obra de arte, los
cuales afectan su entorno. Kosuth menciona que el arte conceptual es “una búsqueda
llevada a cabo por los artistas que han comprendido que la actividad artística no se
limita a la producción de obras de arte, sino que se extiende al análisis de la función,
de la significación y de la utilización de las realizaciones artísticas” (Popper, 22)En el
caso del arte de acción, éste se desarrolló en el siglo XX, siendo poseedor de un doble
movimiento de ruptura en relación a tipos de arte anteriores, exponiendo un abandono
de la representatividad poseído anteriormente por las artes plásticas.

Mediante el uso de la performance se termina con la idea del arte como objeto,
atacando con ello al mercado del arte y acabando con la separación entre el artista y
cuya instalación sólo puede mantenerse con él presente (o ausente dependiendo de la
finalidad del artista), pasando el artista a ser parte de la composición de la obra de arte,
permitiendo reunir en una performance la obra, al artista y a los receptores en el
momento de su ejecución, dado que ésta se genera, al contrario de otros tipos de arte, en
público y en vivo.

A mitad de los setenta la performance se convirtió en la denominación de

diversas puestas artísticas tales como “eventos”, “happenings”, “fluxus”, festivales,
conciertos, entre otros. Este tipo de propuesta artística es llevada a cabo en un
determinado momento y lugar, debe funcionar por sí misma y no mediante la creación
de un objeto, siendo fundamental que el artista se encuentre presente, quien debe
realizar algo dentro de la performance, aún si ello consiste en no hacer nada. Es
necesario también que exista un público, el cual puede encontrarse tanto ausente como
presente según las necesidades de la performance, el cual experimentará lo generado por
el artista y pudiendo tomar un rol tanto pasivo como activo “la performance es como
ofrecer la participación en un experimento y la obra como ofrecer el
resultado.”(Peidro, 2). La performance requiere de un espectador activo que pueda
participar según las necesidades del autor. En base al nivel de interacción del público,
ésta puede llevar un desarrollo desconocido para el artista, debido a ello, las
performance carecen de errores, dado que cada factor debe desarrollarse de forma
espontánea, siendo cualquier opción correcta, enriqueciendo la obra y generando nuevas
lecturas de ésta. Debido a esto su final es desconocido, ya que dependerá de los aportes
del público. A pesar de que el arte de acción es visto como un acto de irreverencia, no
todo acto de provocación es considerable como una performance, a pesar de que éste
tipo de arte del siglo XX ha transgredido al eliminar los límites que separan la vida
diaria con el arte al igual que otros movimientos como el arte abstracto, eliminando la
brecha desde puntos como el espacial, temporal, formal y técnico.

La performance reemplaza la representación por la presentación, dado que

originalmente no está representando, sino exponiendo la esencia en la obra, en la cual
nada que no se encuentre presente se espera que sea visto, la obra es lo que se
expone.“No hay lugar para el ilusionismo, por ello la mayor parte de las acciones son
decepcionantes si las comparamos con el mito o el relato que después pueden llegar o
han llegado a generar, la acción suele decepcionar las expectativas puestas de
antemano, a diferencia de determinadas actividades “artísticas” que pretenden
engañar los sentidos, deslumbrar, maravillar, evadir.”(Peidro, 3)

A pesar de que muchas performance no son vistas como algo serio ni consiguen ser
comprendidas, muchas son tomadas en cuenta y consiguen ser absorbidas por el ámbito
cultural, siendo por ello mantenidos en museos o adquiriendo un papel importante
dentro de la historia
2. Explique porque Irving Sandler describe la década de 1940 en adelante, como
“la Imaginación del desastre”, comentando, explicando y caracterizando cuáles
son los principales artistas de este periodo.

Irving Sandler nos propone, mediante la descripción de “la imaginación del

desastre”, un nuevo paradigma para la realización del arte, puesto que la forma de
representación y lo representado ha cambiado por consecuencia de los
acontecimientos políticos de La Segunda Guerra Mundial. Trasladándose, a la vez,
los ejes artísticos, pasando de Europa a Estados Unidos. Quienes otorgan una mayor
relevancia a la capacidad de ofrecer una perspectiva completa del hombre,
integrando su lado irracional en las representaciones artísticas, y la conciencia de lo
delicado que es como especie, exponiendo “la angustiosa conciencia de la
vulnerabilidad del ser humano y su trágica condición” (Sandler , 59)

Como consecuencia de las realidades políticas existentes en el periodo de 1940,

es como se intenta realizar una mayor aceptación entre los aspectos racionales e
irracionales del ser, construyendo pinturas ambiguas y que promuevan una mayor
actividad de integración del artista y el espectador en la obra. De esa forma
“confiaban en que sus manifestaciones privadas despertaran emociones íntimas,
comunes a todos los hombres, y de ese modo se hicieran comunicables o
intersubjetivas” (Sandler , 61). Transmitiéndose el mayor grado de conexión entre
la obra realizada por el artista, con tus nuevas implementaciones en técnicas, y la
forma de abordar el cuadro, configurándose en un proceso creativo más íntimo, y
con mayor sentimiento y responsabilidad ante él.

Uno de los principales artistas del periodo, Pollock, es quien genera un cambio
en las técnicas de pintar, puesto que se integra se forma física y artísticamente en los
cuadros, por medio de la implementación de la técnica gestual de su cuerpo, y el
goteado. En donde se aprecia de forma patente, como el artista se hace cada vez más
responsable consigo mismo, su cuerpo, y su técnica para expresarse ante la
comunidad. En donde la vida del pintor pareciera transmitirse a la obra en sí, y
hacerla autónoma por sí sola. “Basando su propia pintura en el gesto espontáneo,
sabiendo que éste podía dar lugar a un cuadro unificado y lleno de energía, drama
y pasión” (Sandler , 132), el cual se manifestaba de forma inconsciente al realizar la
obra. Manifestación que nos hace recordar a las manifestaciones del arte primitivo,
en donde, “la mente inconsciente constituye un factor creativo, el depósito de
energía y de todo conocimiento, pasado y futuro” (Sandler , 135). Aspectos que le
permiten al artista poder acceder a mayores grados de libertad en su actividad
creadora, ya que es posibilitada por el inconsciente con el cual actúa, y una mayor
intervención que le sea propia, en base al lienzo, ya que todo lo que se manifieste en
él será producto de lo efímero, lo circunstancial, sin predeterminación alguna.
Otorgando un arte más puro, verdadero, sin aspiraciones, ni aspectos deliberativos.
(Sandler , 136)

Kooning, otro artista del periodo, demuestra por medio de sus obras lo
vulnerable del ser humano al “incorporar [a la pintura] su estilo de vida inquieto y
angustiado” (Sandler , 153). Se expone de esa forma, una demostración de las
cualidades de un periodo que se destacan por la sensación de inseguridad, el cambio
constante, y el derrumbe al que la persona está constantemente expuesta.
Transmitiéndose “por su propia manera de pintar, que es agitada y muestra rastros
de innumerables revisiones, cambios de parecer, que nos hablan de un sentido de
duda personal” (Sandler , 153), aspecto que es propio de la edad moderna, su
sistema de vida y sensación de anomia, producto del desarraigo constante del cual
ha sido víctima el hombre.

En conclusión, apreciamos tanto en las obras de Kooning y Pollock, el

sentimiento de demostrar, por medio de las innovaciones de las técnicas pictóricas y
revaloración de movimientos anteriores, el sentimiento de fragilidad con el cual se
ha cristalizado el hombre moderno, su inestabilidad, y mayor asimilación entre sus
lados racionales e irracionales. Cada artista pone énfasis en un aspecto diferente a
demostrar, ya sea, el nerviosismo propio que despliega una época en la sociedad, o
la integración y asimilación natural, con la valoración respectiva, de lo irracional en
uno, es como se aprecia un cambio en la forma de realización del arte, si significado
con la contemporaneidad. Demostrándose que desde el arte se posee un mecanismo
para entregar un discurso ante la sociedad, el cual es sentido de forma común por
cada uno de nosotros, producto de la época en que nos desarrollamos, y como ésta
interviene en nosotros psicológica y físicamente.
 Bibliografía

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