GUIA DE APRENDIZAJE 1

APRECIACIÓN A LA PINTURA

MSC. HECTOR PIÑAN

JEFFERSON AURELIO MOREIRA MENDOZA

PETROQUÍMICA
1.- Identifique los colores primarios, secundarios y terciarios. En un cuadro
sinóptico, sintetice los efectos psicológicos que producen en las personas y en el
medio ambiente las gamas frías y cálidas.

Según Sir Isaac Newton, es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación
nerviosa del ojo. Este estímulo es causado por los rayos de luz y por las longitudes de
onda que lo componen.

Cualquier superficie iluminada absorbe unas ondas de la luz y refleja otras. El ojo (en
realidad, "los bastones y conos de la retina") capta esas ondas reflejadas y las envía al
cerebro, que interpreta cada longitud de onda como un color distinto. Pero el ojo sólo es
capaz de percibir colores a partir de cierta cantidad de luz. Por debajo de esa intensidad
solo distingue monocromo, o nada.

Los colores se clasifican en:

 Colores primarios

Se denomina colores primarios a aquellos colores básicos que no se pueden pro-

ducir a partir de la mezcla de otros y con los que es posible mezclar una mayor
gama de tonos. Se caracterizan por su singularidad y diferencia entre sí pues los
colores primarios carecen de matices en común.

 Colores secundarios

Se denomina color secundario a aquel color obtenido de la mezcla de dos colores

primarios y que es a su vez color complementario de un tercer color primario,
aquel que no interviene en su elaboración.
 Colores terciarios

Se denomina color terciario (o intermediario) a aquel color obtenido de la mezcla

de un color primario y uno de sus colores secundarios adyacentes.

Según estudios se ha determinado que:

Los colores más tranquilizantes: azul y azul verdoso o violáceo.

Los colores más sedantes y confortables en decoración: verde, azul claro y

violeta claro. Los matices crema, marfil, beige, gamuza, y otros de cualidad
cálida, son alegres y tienen cierta acción estimulante, pero tanto unos como
otros, deben ser usados en áreas amplias y de forma adecuada.

Los colores con mayor poder de excitación, son rojo, rojo anaranjado y naranja.

Efectos psicológicos que
producen en las personas
y en el medio ambiente
las gamas frías y cálidas.
Los efectos psicológicos que
el color puede causar en el
ser humano en su forma de
expresarse tienen que ver
mucho con la gama de
colores que lo rodea.

Colores Cálidos Colores Fríos

Son sedantes, suaves, estáticos,

Dan la sensación de adelantarse en el
plano, como si fuesen más cercanos o más
próximos (se denominan también colores
próximos), ya que producen la sensación
de sobresalir entre los otros y situarse en
el primer plano. Pueden utilizarse,
asimismo, para llamar la atención hacia un
determinado elemento, aunque si esto se
realiza en exceso puede resultar agobiante
sombríos, tristes, húmedos. Además,
dentro de este grupo de colores, los
claros dan la sensación de frescura,
soledad y descanso, mientras que los
oscuros sugieren tristeza y melancolía.
Al contrario de lo que sucede con los
colores cálidos, los colores fríos dan la
impresión de amplitud, es decir, hacen
que un lugar parezca más grande.
2.- Realice una breve síntesis de los elementos que intervienen en una obra de arte:
composición, técnica, estilo, contenido; complemente con ejemplos gráficos.
En un sentido concreto se ve a la obra de arte como la creación de un artista, sin
embargo, el arte va más allá de ello y sobre todo el arte que trasciende en lugar y
tiempo. En la historia universal se observa que las obras de arte poseen ciertos
atributos que las definen como arte y que las diferencian de otras expresiones
creativas como el diseño, la artesanía o las artes decorativas.
Desde los orígenes de la humanidad el ser humano naturalmente se expresa y se
relaciona con los demás empleando sus cinco sentidos, utilizando herramientas en
la comunicación y distintos medios donde el arte ha estado presente. De hecho en
la historia vemos que el arte surgió antes que el alfabeto y la escritura misma como
un medio de comunicación, testigo de ello son las pinturas rupestres que se hallan
en las cuevas de Chauvet, Altamira ó Lascaux; con el paso de los siglos el arte se
ha manifestado en distintas expresiones como la arquitectura, música, literatura,
cine y las artes visuales y audiovisuales.

1. TALENTO

La obra de arte está ligada a la persona que la crea al ser un

reflejo o expresión del artista. En su obra el artista muestra
algún grado de talento, ya sea “el don interior” que solo algu-
nas personas expresan o desarrollan en su vida para concebir
arte, el ingenio o creatividad para visionar la obra, la inteli-
gencia para conceptualizarla, el conocimiento adquirido ya
sea empírico o académico para planearla, así como la destreza
o habilidad para ejecutar su diseño.
2. CONCEPTO
La obra de arte expresa en su temática una
idea o mensaje del artista que puede ser de
índole crítica, reflexiva, testimonial, o de
exaltación. La obra contiene un significado en
su concepto que puede ser manifiesto,
codificado o intelectual. Así mismo el tema
conceptual de la obra puede surgir y definirse
tanto en el ámbito individual o colectivo del
artista, como lo puede ser un tema personal
que exprese sentimientos, ideales,
motivaciones y vivencias; ó un tema del
entorno producto de las ideologías políticas,
religiosas, o filosóficas presentes en el
ambiente del artista. La obra de arte también
puede ser por encargo por lo que el artista
tiene la responsabilidad de expresar en ella sus
principios y valores, por ejemplo, Diego
Rivera en el mural que realizaba en Nueva York para los Rockefeller en 1933, plasmó
en la obra su ideología marxista la cual no fue del agrado de los contratantes siendo
destruida.

3. MEDIO

La obra de arte se materializa en cualquier medio, en cualquier forma, dimensiones,

formato, material, técnica y disciplina conocida o por conocer. En su formato la obra
presenta un diseño de cualquier índole producto del conocimiento adquirido o empí-
rico del artista, ese diseño podrá estar definido en los cánones de algún estilo artístico
como lo son las consideraciones de trazo, composición, proporción e iluminación tan
distantes y diversas como el histórico arte griego, el tradicional arte japonés o el con-
temporáneo arte conceptual.

En la historia del arte las disciplinas artísticas tradicionales han sido dibujo (lápiz,
tinta, tiza, carboncillo); pintura (al fresco, temple, óleo, acrílica, acuarela); escultura
(talla, vaciado, fundición o unión) y grabado (xilografía, litografía, aguafuerte, buril,
serigrafía); mientras que con el paso del tiempo se agregaron fotografía, performance,
videoarte, arte-objeto, instalación y arte digital.

Sin embargo, las técnicas y disciplinas artísticas son solo el medio o herramienta para
expresar un concepto en el arte y no el arte por sí mismo. Por ejemplo, en la disciplina
fotográfica es considerada como obra de arte la que tiene una realización artística y
no la de realización comercial o de eventos sociales por sí mismas; lo mismo ocurre
en el ámbito pictórico donde no tiene cualidad artística de trascendencia la pintura
decorativa o la artesanal. Por su parte en el arte contemporáneo conceptual es una
obra de arte un readymade porque aunque la obra se integre con cualquier objeto co-
tidiano encontrado, en su contexto tiene un significado artístico definido por el artista;
Lo mismo ocurre que en el arte digital donde no tiene cualidad artística el diseño
gráfico publicitario por sí mismo, la ilustración o la animación comercial, sino más
bien las obras con concepto artístico como el net art, las instalaciones digitales, la
pintura digital, o la escultura digital tridimensional.

4. CONTEXTO
La obra de arte refleja el contexto en que fue originada por el artista tanto en situación,
lugar y tiempo. Al igual que como se manifiesta en el concepto de la obra, el contexto
puede ser de influencia personal o del entorno del
artista. Cabe señalar que el reflejo del contexto
sociocultural en la obra la hace además un valioso
testimonio del tiempo y de la identidad cultural de
una geografía.
Por ejemplo, Salvador Dalí en su obra surrealista
deja ver su imaginación y psicología, mientras
que otras obras de la historia reflejan el sentir de
la época, en situaciones tan diversas como
carencias, climas de inestabilidad y persecución
como lo muestra la obra expresionista de Ernst
Ludwig Kirchner.

5. REFERENCIA
La obra de arte siempre tiene un punto de referencia para
su creación. Ya sea en el tema o concepto, la técnica
aprendida, el formato de presentación, el diseño y el
estilo mismo. En la existencia humana las
manifestaciones de la naturaleza son lo único que tiene
una forma visible, conocida y perdurable en el tiempo; la
anatomía del cuerpo humano, la flora, la fauna y el
ambiente geográfico, todo lo demás es un invento del
hombre, lo cual ocurre con el arte; por lo que la
representación de los temas artísticos puede reflejar la
realidad o brindar una visión irreal e imaginada.

6. ESTILO
Los estilos surgen con el fin de
tener un grado de influencia, los
estilos que hasta ahora
transcienden han sido exportados
o asimilados por otros artistas en
lugares que también adquieren un
enfoque en particular.
La obra de arte en la historia se ve
influenciada por estilos artísticos
que han definido ciertas formas
de estética, ideológicas
impartidas y asimiladas en las
creaciones de aquella época.
El estilo se puede manifestar como la expresión del arte en diversas maneras tales
como, oleo, pintura en mármol, pintura al aire libre, etc.
7. VALOR

La obra de arte cualquiera que esta sea posee un valor, aunque este es relativo depen-
diendo del “lugar” en que se encuentre la obra, o del punto de vista de quien la juzgue.
El valor de la obra podrá ser de distinta índole, ya sea económico, estético, cultural,
histórico o patrimonial. La obra adquiere un grado de valor por su propuesta o inno-
vación, el contenido que puede ser testimonial al ser testigo de una época, al expresar
los ideales e idiosincrasia de un lugar, o por la cualidad en el tema abordado, la des-
treza en la ejecución y por supuesto por la trayectoria del artista.

Los especialistas del arte como los his-

toriadores, críticos o curadores tienen
el conocimiento y experiencia para va-
luar e identificar responsablemente el
valor de las obras, sin embargo el va-
lor del arte que trascienden en deter-
minado lugar y época también se ve
influenciado por los entes de legitima-
ción artística que en la historia han
sido los grandes mecenas y coleccio-
nistas, los prestigiados museos, las
grandes galerías y casas de subastas,
así como los influyentes medios de comunicación en el arte.

8. ESTÉTICA
La obra de arte no es sinónimo de belleza o estética, aunque es una cualidad intrínseca
presente en el arte. La estética es totalmente subjetiva y no existe un parámetro para
definirla en el arte. Su apreciación es según quien o donde se juzgue, al ser un juicio
producto tanto de la concepción personal como del contexto cultural donde se origine
en determinada geografía y tiempo; ya que en ello influyen factores socioculturales,
de idiosincrasia y de identidad cultural, partiendo de que los gustos y significados de
la belleza no son iguales en todas las culturas del mundo.
3.- Elabore un resumen de las funciones que intervienen en una obra de arte: función
utilitaria, función mágica, función didáctica, función persuasiva, función ideológica,
función estética.
 Función utilitaria. - Es una de las formas más obvias en las funciones del arte un
claro ejemplo tenemos a la arquitectura su manifestación es clara y lógica, es por
eso para que la arquitectura cumpla con las características de la función utilitaria
es el hecho de que un edificio debe ser útil luego de terminarlo de construir, si no
cuenta con esta función se podría considerar al edificio como una obra escultórica.

 Función mágica. - Muchos objetos, considerados en la actualidad como obras de

arte, fueron hechos por alguna cultura para formar parte de rituales de fertilidad,
funerarios, de cacería o de guerra. En esta función mágica de la obra, se le
atribuye a ese objeto poderes mediante los cuales se cumple el objetivo del ritual.
Como ejemplo de este tipo de obras citaremos a las Pinturas rupestres de la
Prehistoria
 Función didáctica. -se dice que es una función didáctica porque atreves de las
imágenes enseña a las personas algún aspecto de la realidad con el propósito de
cambiarlas o formarlas esto hace diferencia con la función persuasiva, donde se
utilizan imágenes con el objeto de convencer a un grupo o sociedad.
En la función didáctica, las imágenes son simples, claras y se limitan al mensaje
en forma directa, como es el caso de la pintura de las Catacumbas en Roma, donde
se les enseñaba a los primeros cristianos pasajes de la vida de Cristo por medio
de dibujos
 Función persuasiva. - En la función persuasiva se utiliza las imágenes o las
formas adquieren un diseño dinámico y tratan de impresionar más, para
involucrar al espectador en la idea expresada, con el fin de convencer o persuadir
en un grupo de personas o en un individuo.
Un ejemplo de esto se muestra en los carteles y en el cine.
 Función ideológica. - La función ideológica puede encerrar muchos conceptos y
desarrollar diversas connotaciones.
Es posible trasmitir el pensamiento social o político de una sociedad a través de
las formas, o manifestar una protesta frente a una determinada situación que
provoque inconformidad en un grupo.
Además, podemos utilizar una obra artística para dar una imagen de poder.
Mediante la función ideológica, las obras manejan mensajes ocultos expresados
con formas geométricas o simbólicas.
 Función estética. - Él sentimiento puede ser de agrado, armonía, belleza. Es la
función estética. O bien pueden transmitir desagrado, rechazo, repugnancia. Es la
función artística en su más amplio sentido, Una imagen puede tener la única
intención de inspirar sentimientos.
 En la historia de las civilizaciones se les ha dado diferente valor a los mismos
objetos, convirtiendo en obras artísticas cosas u objetos que en tiempos anteriores
no lo fueron. Así mismo, existen obras cuya función original ha desaparecido con
el paso de las épocas, y de ellas sólo queda la función estética

4.- Elabore un cuadro comparativo entre el arte prehistórico, el arte paleolítico y el

arte neolítico.

ARTE PREHISTÓRICO ARTE PALEOLÍTICO ARTE NEOLÍTICO

Durante el periodo
denominado arte
El antiguo arte se
paleolítico, no fue fácil para
desarrollaba en las cuevas,
aquellos tiempos, plasmar El impacto que sufre el
mantenían un arte rupestre.
todo lo que ha sucedido en hombre cuando se
Lograban reproducir lo que la historia humana. descongelan los glaciares
sucedía a su alrededor obliga a los habitantes del
El Arte paleolítico hemisferio norte,
Utilizaban el arte como intrincadamente está desarrollando así
medio para conectarse con subordinado a los estudios sociedades agrarias un poco
el mundo místico, creían en antropológicos y más complejas, el tipo que
la buena suerte. arqueológicos que se han arte que se desarrolló en
hecho con el fin de estudiar este periodo es el siguiente:
Representaban en sus
el arte prehistórico.
pinturas rupestres a El tejido, la arquitectura, la
animales, caballos, jabalíes, Predomina la construcción de megalitos
bisontes, etc. representación de animales el tema de la fertilidad
en la pintura, una limitada femenina tomo papel
gama de colores, utilizando protagónico así como la
varios métodos donde la representación de la diosa
aplicación con las manos madre muy cercana a la
predomina, así como el agricultura.
manejo de pinceles
rudimentarias y estacas.
5.- Señale las características más relevantes de la pintura egipcia y de la pintura
griega.
PINTURA EGIPCIA
La pintura realizada por el antiguo pueblo egipcio abarca hace aproximadamente
2450 a. C. A.
A continuación, voy a citar alguna de las principales características que podemos recalcar
de su tipo de pintura:
 El tema principal es la figura humana (faraones, dioses, dignatarios)
Otra característica es la armonía y la proporción de los cuerpos.
 Crean un canon o relación matemática entre las partes del cuerpo.
 Predomina el idealismo en faraones y dioses, mientras que en los dignatarios y
personajes menores encontramos naturalismo.
 La composición de la figura es cerrada (brazos y piernas pegados)
 La escultura tiene en el mismo eje los hombros y la cadera.
 Ausencia de gesto o de expresión de la escultura. tiene la mirada perdida al
infinito lo que le da un carácter de majestuosidad y seriedad a la figura.
 Todas las figuras están en un mismo plano
 Existe el orden jerárquico
 Los hombres eran representados con una piel más oscura que las mujeres.
 Visión rectilínea que quiere decir que en una pintura o relieve tienen que aparecer
todos los planos del cuerpo (cabeza de perfil, tronco normal y pies de perfil), esto
era así por el tema de la vida en el más allá.
 Encontramos templos y pinturas de un carácter profundamente religioso y
vinculado con el mundo funerario.
 Utilizaban el bajorrelieve que es una técnica que consiste en cincelar el nivel de
la piedra para rebajar las formas.
PINTURA GRIEGA
La pintura griega ha sido una de las más difíciles de analizar debido a la poca cantidad de
recursos ya que son pocas las obras que han sobrevivido el pasar de los años; sus pinturas
abarcan aproximadamente el siglo V a. C.
A continuación, citaré algunas de las más importantes características que podemos
destacar de la pintura realizada en la antigua Grecia; tales como:
 El origen de la pintura griega estuvo asociado a las formas geométricas.
 Incluía una paleta limitada de colores cuyos pigmentos soportaban el calor del
horno.
 La paleta de colores de los artistas griegos contaba con los
colores rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón.
 Solían pintar los ropajes y el cabello de las esculturas (excepcionalmente también
la piel).
 Los pintores griegos fueron apreciados por su representación de escenas
mitológicas, leyendas y batallas históricas.
 Las pinturas más valoradas fueron aquellas pintadas en tabla. Pero al ser este un
material tan vulnerable a la erosión no disponemos de ninguna obra maestra para
su estudio.
 Las superficies más empleadas por lo tanto en la pintura griega fueron los muros,
las tablas y las losas de terracota o mármol. Con menos frecuencia también se
emplearon marfil, cuero, pergamino y lino.
 Introdujeron vistas novedosas del cuerpo humano y sus partes.
 Iniciaron el modelado de los pliegues y los objetos curvos enfatizando el grosor de
las líneas y con tramas de rayas. Una forma primitiva de claroscuro.
 BIBLIOGRAFÍA
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