EL SISTEMA STANISLAVSKI

Es un acercamiento a la educación desarrollado por Konstantín Stanislavski. Stanislavski

fue un actor, director y administrador de teatro ruso en el Teatro de Arte de
Moscú (fundado en 1897). El sistema es el resultado de muchos años de esfuerzos por
parte de Stanislavski para determinar cómo una persona puede controlar el rendimiento
en los aspectos más intangibles e incontrolables del comportamiento humano, tales como
las emociones y la inspiración artística.
Entre los profesores más influyentes que han utilizado este sistema están Richard
Boleslawski, Vsévolod Meyerhold, Michael Chekhov, Lee Strasberg, Stella Adler, Harold
Clurman, Robert Lewis, Sanford Meisner, Uta Hagen, Cojar Ion, Huberto Llamas, Seki
Sano, Exio Carrasquero, Rafael Fuentes e Ivana Chubbuck. Todos ellos son deudores de
las teorías de Stanislavski y sus discípulos.
Stanislavski comenzó la búsqueda de un sistema de actuación para ayudar a los actores
a ser dueños de su arte plenamente. Y la influencia de su método ha arrasado en el
teatro, llegando hasta el cine. Una de sus aportaciones, fue la creación del “studio” o
taller de actores que consistía en que tanto los novatos, como los profesionales, podían
experimentar, improvisar y resolver juntos los problemas que el teatro les presentaba.
Estados Unidos acogió su sistema llamado “studio” y de éste surgió una nueva tradición
moderna que el teatro norteamericano llamó “the method”, en español "El método". El
famoso Actors Studio de Nueva York liderado actualmente por Ellen Burstyn, Harvey
Keitel y Al Pacino ha visto pasar por su establecimiento muchos actores famosos entre los
que se encontraban: Geraldine Page, Paul Newman, Maureen Stapleton, Joanne
Woodward y Marlon Brando. Stanislavski dijo: ”los actores del cine actual enseñarán a los
actores cómo vivir sus papeles. Todo queda al descubierto en el cine, y todo lo que sea
estereotipo queda registrado allí para siempre. En el cine puede verse más claramente la
diferencia entre el arte viejo y el nuevo.

ACTOR/ACTRIZ
Los/las actores/actrices dan vida a los personajes en el teatro, el cine, la televisión y la
radio, o en otras actividades relacionadas con el mundo audiovisual (como la publicidad).
Un/a actor/actriz debe utilizar la palabra, el movimiento, la expresión para interpretar un
guión o improvisar un papel de manera creíble y natural. A veces, también se necesitan
habilidades como el canto o el baile para interpretar algunos papeles (teatro musical).
Un/a actor/actriz debe promover sus capacidades mediante la interacción con otros/as
profesionales, así como mejorar continuamente sus habilidades interpretativas. Estos/as
profesionales deben estar dispuestos/as a probar nuevas funciones en la permanente
búsqueda de nuevas opciones que les ayuden a hacerse un lugar dentro de esta
profesión.

ACTUACION/REALISTA
Presenta un lenguaje cotidiano y familiar y sus personajes no sólo hablan en forma
natural, sino que poseen una psicología de seres comunes; sus acciones se asemejan
todo cuanto se pueda a las acciones de la gente real. Representadas sobre el escenario
tienen que convencer al público de que la acción que desarrollan podría darse en la vida.
Teatralmente, estas obras tienen dos importantes retos; una es alcanzar la elevación de
espíritu y expresión, y otra conseguir el efecto dramático sin perder la sensación de
naturalidad. Los vestuarios y escenografías, rigurosos y fieles a la realidad, y el escenario
de “medio cajón” tenderían precisamente a proporcionar esta sensación ilusoria de estar
contemplando algo que sucede realmente.
Actuación es el trabajo realizado por un actor o actriz al representar a un personaje en
una obra teatral, cinematográfica o de otro tipo. En el actor, dicho proceso comienza
desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo
más profundo y transformarlo en un personaje integrado.

PEDAGOGO TEATRAL
Una aproximación teórico metodológica para la formación de actores profesionales,
aborda planteamientos problematizadores sobre la pedagogía teatral del siglo XX, y
conceptualiza términos y nociones de disciplinas que aportan insumos al proceso de
enseñanza y aprendizaje del actor, desde una perspectiva crítica y reflexiva. La intención
pedagógica de la PTC es contextualizar la acción dramática del actor en escena como
una acción social y cultural: por un lado, favorecer la cognición crítica del sujeto-actor de
su entorno social y cultural a manera de empoderamiento y, a la vez, ofrecer la resistencia
de los sujetos a las representaciones y discursos oficialistas dominantes, de instituciones
que poseen el poder social, expresado en los discursos ideológicos, culturales y políticos.
La comunicación teatral entre el espectador y un actor crítico y reflexivo, formado con la
PTC, se concibe como un proceso comunicativo de escenovidencia.

INSPIRACION ARTISTICA
La inspiración en la composición artística se asocia a un brote de creatividad.
Literalmente, la palabra significa "recibir el aliento", y tiene sus orígenes en el helenismo y
la cultura hebrea. Homero y Hesíodo, en las primeras discusiones sobre la naturaleza de
la inspiración destacan como importante tanto los aspectos rituales como los orígenes
divinos del aliento de un dios. Por ejemplo tanto el oráculo de Delfos, como otras sibilas,
recibían el vapor y humos divinos en una caverna dedicada a Apolo antes de realizar una
profecía. En la Odisea, 22. 347-8, un poeta menciona que sus cantos fueron puestos en
su corazón por los dioses.1

ETICA DEL ACTOR

Desempeña de antemano un papel importante en la preparación de nuestro trabajo. Tanto
este factor como el resultado en nosotros y para nosotros son significativos debido a las
peculiaridades de nuestra profesión. Un escritor, un compositor, un pintor, un escultor, no
están sujetos a la presión del tiempo. Pueden trabajar donde y cuando lo crean
conveniente. Disponen de su tiempo con libertad. No es este el caso de un actor. Tiene
que estar listo a producir a una hora fija, tal como se ha anunciado. ¿Cómo puede
obligarse a estar inspirado a una hora determinada? No es nada sencillo. Necesita orden,
disciplina, un código ético no solo para las circunstancias generales de su trabajo, sino
también, y especialmente, para sus fines artísticos y creadores. La primera condición para
que se produzca este estado preliminar es seguir este principio preliminar: ama al arte en
ti mismo y no a ti mismo en el arte.”