Apreciación de La Pintura

Universidad de las Fuerzas Armadas - ESPE
MODALIDAD DE EDUCACIÓN A DISTANCIA
APRECIACIÓN DE LA PINTURA
SEGUNDO PARCIAL
NOMBRE:
Oscar Eduardo Erazo Espinoza
DOCENTE:
Hector Eduardo Piñan Teanga
SEMESTRE:
Abril 2018 – Agosto 2018
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE
ACTIVIDAD 2.1
4 PUNTOS
1. Realice un cuadro sinóptico de las tendencias pictóricas más

representativas del siglo XX como: Impresionismo, Fauvismo, Cubismo,
Dadaísmo, entre otras.
VANGUARDIAS
PICTORICAS
Es un termino usado ya sea

para definir posturas ante el
arte y su papel en la
sociedad, sea para ordenar
el estudio de la
historia del mismo siglo.
IMPRESIONISMO
Se olvidaba de la acogida
Nace en una Fue el primer que
exposición celebrada movimiento que se pudiera tener su trabajo, en
en los salones del rebeló contra los favor de una nueva manera
fotógrafo Nadar gustos que imperaban de
en la época captar la realidad que se
reconocería
Pone toda su atención Es lo más parecido a la

en captar la realidad, el fotografía instantánea
instante, la impresión hecha pintura.
FAUVISMO
Cuestiona el Arte como Los historiadores lo

representación de la consideran una Sus autores principales
realidad, abogando por un reacción al son Matisse, Derain,
arte Impresionismo. Dufy y Braque.
subjetivo que expresa el Fauvismo
sentimientos por medio del intenta pintar con la
color. mente.
CUBISMO
Es el movimiento Es capaz de representar

Se caracteriza por
desarrollado varios puntos de vista a la
destruir la óptica
principalmente por el vez en una misma imagen,
renacentista como
español superando así a su
único punto de vista.
Pablo Picasso y Braque. rival representativo, la
fotografía
Es un movimiento que
Niega la luz
no trata de captar la
impresionista y los
realidad presente ante
modula en tonos
el artista, sino
neutros y pardos,
que crea, a partir de la
mediante el uso de la
realidad, una imagen
faceta
propia
ACTIVIDAD 2.2
4 PUNTOS
1. Señale las características relevantes de los máximos representantes de las

tendencias pictóricas del siglo XX tales como: Édouard Manet, Edgar Degas,
Renoir, Cézanne, Van- Gogh, Picasso, Dalí, Duchamp.
Édouard Manet
Las obras de Manet son consideradas como iniciadoras del impresionismo.

Muestran una visión emotiva del hombre europeo del siglo XIX.
Podríamos considerar a Édouard Manet como un pintor complejo y

contradictorio y es que, aunque hay quiénes lo catalogan como un pintor
impresionista, no es del todo cierto. Sí es verdad que asentó las bases de lo
que fue el impresionismo, pero sus obras no son propiamente impresionistas,
pues existen diferencias entre las primeras obras que realizó y las últimas.
Manet fue el fundador del movimiento impresionista pero más en la teoría que
en la práctica, pues de esto último ya se encargaron otros pintores, ya
realmente impresionistas como lo fue Monet.
A Manet hay que considerarlo un pintor independiente, su intención no fue la

de ser pintor, pues él lo que quería era acceder a la escuela naval, pero los
continuos fracasos hicieron que eligiese la pintura como segunda opción, una
decisión que no fue bien vista por sus padres.
Su formación estuvo marcada por los principios tradicionalistas y

academicistas de la época, sin embargo, pocas veces acataba las normas y
decidió independizarse, crear su propio estilo, un estilo que se ha querido
vincular con el impresionismo, pero que existen diferencias para que este no
sea considerado como un pintor impresionista. Son las siguientes:
 No emplea la pincelada yuxtapuesta

 Hace uso del color negro, cosa que los impresionistas pocas veces
utilizaron
 La negación continua de poder participar en las exposiciones
impresionistas
Edgar Degas
Según puede comprobarse en la exposición Gauguin y los orígenes del

Simbolismo, Degas es el pintor que no teme desobedecer a la naturaleza y
someter la anatomía a todas las distorsiones necesarias. De él asimila Gauguin
la concepción de la figura en movimiento y sus recursos para crear un espacio
pictórico complejo y, sobre, todo el motivo de la danza como modelo de
composición rítmica.
Las grandes composiciones de figuras de Gauguin hasta 1888 se refieren a dos

temas típicamente degasianos: el baño y la danza.
Primogénito de una adinerada familia parisina, Degas abandonó

tempranamente los estudios de derecho en la Sorbona para dedicarse a la
pintura. En 1855 entró en el taller de Louis Lamothe, discípulo de Ingres, donde
adquirió una sólida formación académica.
De 1856 a 1859 viajó por Italia copiando a los maestros renacentistas y, a su

regreso, residió ya para siempre en París, donde se dedicó a representar en sus
obras un amplio repertorio de temas de la vida de la ciudad moderna en que
se había convertido la capital francesa.
Aunque vinculado al grupo de los impresionistas, con los que expuso en siete
de sus ocho exposiciones, Degas fue en cierto modo un anti-impresionista. Se
veía a sí mismo como un pintor realista, o naturalista, y su veneración por el
dibujo acabado de Ingres, marcó toda su producción. Por otra parte, Degas
se centró principalmente en el estudio del cuerpo humano y nunca estuvo
interesado, como lo estuvieron los impresionistas, ni en la pintura de paisaje al
aire libre, ni en captar las condiciones atmosféricas cambiantes.
Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir (1841-1919) es un pintor impresionista al igual que Monet,

Sisley, Degas o Pissarro. Sin embargo, mostró una gran originalidad creativa a lo
largo de su vida y, su pintura, aunque indiscutiblemente impresionista, presenta
ciertas peculiaridades. Por ejemplo, muestra más interés por el cuerpo humano
(especialmente el femenino) que por los paisajes. Además, le gustan las
escenas de interior, a diferencia de los demás impresionistas, que optan
siempre por los exteriores y la pintura al aire libre.
En Renoir no hay narración, ni grandes temas, ni mensajes que adivinar. Todo

en sus obras es claro, sencillo y directo.
Los personajes están tratados con gran delicadeza y cariño. Siempre aparecen
en actitudes relajadas, sonrientes y felices. Bailan, toman una copa, charlan,
tocan el piano, etc.
Es por todo esto por lo que Renoir ha recibido el calificativo de "pintor de la

alegría". Es muy agradable y atractivo contemplar sus escenas del París de
finales del XIX, esos momentos de placer, las pequeñas cosas de la vida, los
deliciosos gestos de las niñas y mujeres que pinta; todo resulta simple y
cercano. Su éxito se produjo en muchos países, pero sobre todo en Estados

Unidos, nación en donde sus habitantes muestran preferencia por lo simple y
no alcanzan a descifrar segundas lecturas o significados con matices.
Renoir es un pintor de gran colorido, capta lo instantáneo y huye de lo serio y

trascendente. Gleyre, pintor contemporáneo suyo, le reprochó que pintaba
sólo por divertirse, a lo que Renoir respondió que naturalmente, y que, si el
pintar no le hubiera divertido, nunca lo hubiese hecho.
Paul Cézanne
Paul Cézanne es el padre de la pintura moderna, puente entre el siglo XIX y las
nuevas propuestas del XX.
Pero en vida Cézanne fue un pintor ignorado. Arisco y misántropo, apenas

expuso y no confió jamás en el mundo del arte. Sólo tendría la admiración de
algunos de sus más modernos contemporáneos, y por supuesto el de las
nuevas generaciones, como Picasso o Matisse que afirmaron: «Cézanne es el
padre de todos nosotros».
Paul Cézanne trató de conseguir una comunión armoniosa entre naturalismo,

la expresión personal y el orden pictórico. Rechazó las idealizaciones en los
temas y chorradas en su estilo. Representaba el mondo de la forma más
exacta desde el punto de vista pictórico ordenando todo estructuralmente en
formas simples y planos de color. Todo era geometría.
Las pinceladas de Cézanne son muy características, todas conjugadas para

formar un conjunto complejo, representando lo que el ojo que observa y al
mismo tiempo una abstracción de eso. Revolucionario fue la observación de
los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a su representación
desde perspectivas diferentes al mismo tiempo. Esta simultaneidad sería
adoptada después por los cubistas.
Cézanne pinta lentamente, pidiéndole al modelo que tenga paciencia…

como una naturaleza muerta. De hecho, se podría decir que todo era tratado
como objetos: una figura humana, baños al aire libre, manzanas sobre una
mesa o paisajes: todo trabajado liberando, disminuyendo y enderezando los
espacios.
Vincent Van Gogh
La obra de Van Gogh se inicia con una pintura de tonos oscuros y profunda
humanidad, como puede apreciarse en su lienzo Comiendo patatas.
En contacto con los impresionistas y el arte japonés, su pintura se vuelve más

clara y transparente, como por ejemplo en los paisajes de Asniáres.
En su etapa de Provenza realizó numerosos paisajes e interiores, donde resalta

la pincelada sinuosa, como El olivar y El campo de trigo amarillo, y multitud de
retratos, que constituyen lo más característico de su obra y de los que es
muestra representativa Autorretrato con la oreja cortada.
Finalmente, en el asilo de Saint-Remy ejecutó algunas de sus mejores obras,

con un estilo cada vez más exaltado, como Autorretrato y Los cipreses bajo la
luna. Cuando tenía treinta y tres años, Vincent, con la ayuda de Theo, se fue a
vivir a París.
En esa ciudad, visitó todos los museos y entabló relación con varios pintores,
con quienes se desvelaba bebiendo ajenjo y platicando sobre su tema
favorito: la pintura. Así pudo ampliar sus conocimientos pictóricos, lo que se

reflejó en su técnica.
Pablo Picasso
Su evolución artística se divide en varios periodos con características

diferentes. En primer lugar, la época azul, que abarca entre 1901 y 1903 y en la
que predominan los colores azules. Destaca 'Dama en Edén Concert'.
Posteriormente se encuentra la época rosa (1905-1906), con pinturas que
muestran tonos más rosados o rojizos. Aquí se enmarcan, entre otras obras,
'Familia de Arlequín' o 'Gran Holandesa'.
La siguiente fase conoce como el Protocubismo (1906-1907), esencial para el

posterior desarrollo del Cubismo. En este periodo comienzan a aparecer
influencias africanas, además de una desvinculación por parte de Picasso de
lo establecido en el arte. De esta forma, hay una ruptura con el Realismo y se
utilizan planos angulares sin fondo ni perspectiva. En esta etapa encontramos,
por ejemplo, 'El retrato de Gertrude' o 'Las señoritas de Avignon'.
El Cubismo fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso.

Abarca desde 1908 hasta 1916. El Cubismo se caracteriza por una ruptura
definitiva con la pintura tradicional. Trata formas de la naturaleza a través de
diversas formas geométricas. Picasso buscaba una pintura pura, inspirándose
en los objetos de su taller desde una perspectiva intelectual. Destacan 'El
retrato de Vollard', 'El aficionado' o 'Le guitariste'.
En 1917 Picasso se sumerge en el Neoclasicismo (1917-1927) con pinturas más

precisas y plasmando diversos desnudos (destacan los retratos de Ingres). En
1928 llega el periodo surrealista (hasta 1932) y, en este caso, presenta formas
distorsionadas que hacen referencia a monstruos o seres mitológicos. Entre sus
obras encontramos 'Bañista en pie', 'Bañista al borde del mar', y su obra
cúspide, 'El sueño'.
Con el comienzo de la Guerra Civil Española Picasso inicia un periodo con

tintes más expresionistas, aunque siempre bajo el dominio del Cubismo. Así
pues, en 1937 pinta uno de sus cuadros más prestigiosos, 'El Guernica', obra
que alude a la guerra y al terror vivido por la población civil durante el
bombardeo alemán sobre Guernica. Expresa a la perfección miedo y angustia
de una manera abstracta y distintiva.
Salvador Dalí
Pasó por varias etapas antes de llegar al estilo que lo consagró, el surrealismo.
El mismo fue de cualidades fue muy particulares y heterodoxas.
En muchos de sus trabajos se nota una fuerte inspiración del Renacimiento. La

religión, la historia y la ciencia ocuparon, buena parte de la temática de sus
obras.
Dalí trató de captar objetos y situaciones a través de una visión desprejuiciada,

que presentará sus obras algo extrañas. Para disfrutarlas debe suspenderse
momentáneamente el juicio.
Sus pinturas muestran imágenes creadas a impulso de una fuerte influencia

psíquica, de arrebato soñador. Difíciles de comprender en su mayoría, son
interpretadas al analizar su vida, la época en las que las realizó y los títulos de
las mismas, que sirven como un pequeño anclaje a la realidad.
Una característica del surrealismo, pero que se nota con más intensidad en el
trabajo de Dalí, es el realismo con el que pinta los objetos, que a veces hace
creer que más que pinturas son fotografías de situaciones extrañas.
Marcel Duchamp
Artista francés, pintor cubista y futurista que se inclinó posteriormente hacia el

Dadaísmo. Su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y
el Pop Art.
Desde muy joven empezó a pintar, publicar caricaturas y dibujos humorísticos

en la prensa, mostrando un avance de su obra posterior: el humor, la ironía y la
parodia.
El principio de su carrera lo dedicó al Fauvismo, luego de experimentar e hizo

su obra Desnudo bajando una escalera (1912), es una síntesis del Cubismo y el
Futurismo. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó
trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia,
una obra abstracta, conocida también como El gran espejo, que mostraba
influencia surrealista.
Se dedicó a la escultura, siendo precursor del arte cinético y el arte ready-

made (que consistía en la combinación o disposición arbitraria de objetos de
uso cotidiano).
En 1955 adquirió la ciudadanía de los Estados Unidos. En los años 50 y 60 influye

en pintores como Rauschenberg y Jasper Johns, el músico John Cage, el
coreógrafo Merce Cunningham, etc. En Europa su influencia es notable en el

grupo Fluxus o en el “arte de acción”.
ACTIVIDAD 2.3
4 PUNTOS
1. Realice un cuadro comparativo entre las siguientes tendencias: Pop Art- Op

Art, Minimalismo- Ready Made, Performance – Happening, Arte Cinético –
Body Art.
CUADRO COMPARATIVO
Pop Art Op Art
 Se caracteriza por el empleo  El Op art, también conocido
de imágenes de la cultura como optical es art y como
popular tomadas de los medios arte óptico, es un estilo de arte
de comunicación. visual que hace uso de
 Los autores más conocidos: ilusiones ópticas.
 Richard Hamilton  En las obras de op art el
 Roy Liechtenstein observador participa
 Buscaba utilizar imágenes activamente moviéndose o
populares en oposición a la desplazándose para poder
elitista cultura existente en las captar el efecto óptico
Bellas Artes. completamente, por lo tanto,
 Eliminan distracciones y se puede decir que no existe
concentran la mirada en la ningún aspecto emocional en
acción. las obras.
Minimalismo Ready Made
 Blancas desnudas y grandes  Se conoce como Ready-made
salas, dado el gran tamaño de a la expresión artística más
los objetos minimal. característica dadaísmo.
 Poliedros regulares:  Sin modificar su aspecto
 Ladrillo externo:
 Neones  Ideados
 Tonos terrosos de carácter  Realizados
neutro.  Tonos terrosos de carácter
 Eliminan distracciones y neutro.
concentran la mirada en la  Eliminan distracciones y
acción. concentran la mirada en la
acción.
Performance Happening
 Una performance o acción  Es una palabra que procede
artística es una muestra del inglés: “to happen”, que
escénica, muchas veces con significa suceder, pasar. Como
un importante factor de forma escénica, el happening
improvisación, en la que la es un cuadro vivo en proceso
provocación o el asombro, así de creación
como el sentido de la estética,  No contiene acción, sino una
juegan un papel principal. serie de acontecimientos
 Está ligado al Happening, al formados por movimientos
movimiento Fluxus, al Body art violentos y sensuales

y, en general, al arte  Se desarrolla en un espacio
conceptual. restringido y suelen utilizarse
multitud de objetos
Arte Cinético Body Art
 Se basa en la búsqueda de  El arte corporal (o en inglés,
movimiento. body art) es un estilo
 Estética del movimiento: enmarcado en el arte
 Estables conceptual, de gran
 Penetrables relevancia en los años 1960 en
 Móviles Europa y, en especial, en
 Busca la integración entre obra Estados Unidos.
y espectador  Se trabaja con el cuerpo como
 Eliminan distracciones y material plástico, se pinta
concentran la mirada en la (pintura corporal), se tatúa, se
acción. añaden piercings, se calca, se
ensucia, se cubre, se retuerce;
el cuerpo es el lienzo o el
molde del trabajo artístico.
ACTIVIDAD 2.4
1. Sintetice lo más relevante y las características de los máximos exponentes

pintores latinoamericanos:
Diego Rivera, Siqueiros, Frida Kahlo, Oswaldo Guayasamín, Botero, Roberto

Matta, Xul Solar, José Gurvich, Wifredo Lam, Antonio Berni, Endara Crow,
Eduardo Kingman, Antonio Seguí.
Diego Rivera
Diego Rivera en formas clasicistas, simplificadas y con vivo colorido, rescató el

pasado precolombino, los momentos más significativos de la historia
mexicana, la tierra, el campesino y el obrero, las costumbres y el carácter
popular. La aportación de la obra de Diego Rivera al arte mexicano moderno
fue decisiva en murales y de caballete; fue un pintor revolucionario que
buscaba llevar el arte al gran público, a la calle y a los edificios, manejando un
lenguaje preciso y directo con un estilo realista, pleno de contenido social.
En 1922 comienza la pintura de su primer mural en el Anfiteatro Simón Bolívar

de la escuela Preparatoria Nacional y co-funda luego la Unión de Pintores,
Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios. Proseguiría luego con la pintura
de los murales en el Palacio de Cortés (Cuernavaca), la Escuela Nacional de

Agricultura (Chapingo) y en el Palacio Nacional de la Ciudad de México.
En 1929 se casa con la pintora Frida Kahlo, con la cual viviría un intenso amor a
lo largo de su vida.
En 1933 aconteció uno de los hechos más representativos de su vida. El famoso

industrial John D. Rockefeller Jr. lo contrató para que pintara un mural en el
lobby del edificio RCA en New York. El „Rockefeller Center‟ sería un emblema
del capitalismo, pero días antes de presentar su obra, se descubrió en la
pintura de Diego Rivera un retrato de Lenin, lo que llevó a enormes
controversias y su destrucción.
Siqueiros
En 1922, Siqueiros regresó a Ciudad de México para trabajar como muralista

para el gobierno revolucionario de Álvaro Obregón. Siqueiros pintó su famoso y
colosal mural Entierro de un trabajador (1923) en el hueco de la escalera del
Colegio Chico. El fresco representa a mujeres indígenas lamentándose sobre
un ataúd, decorado con una hoz y un martillo. Pero conforme el sindicato se
fue haciendo más crítico con el gobierno revolucionario, que no había
instituido las reformas prometidas, sus miembros se enfrentaron a nuevas
amenazas de ver cortados los fondos que financiaban su arte y el periódico.
Su forma de pintar es esquemática. Siqueiros intentaba encontrar un

dinamismo en la figura para crear movimiento. Siempre buscaba teorías para
experimentar en ellas.
Una de las formas en las que Siqueiros creaba movimiento era pintar con
diversas líneas, a modo de boceto. Normalmente, estos trazos son negros y
gruesos.
En el Porfirismo a la Revolución, Siqueiros puso a prueba una de sus teorías

donde tuvo que pintar a los guerrilleros en una pared transversal de modo que,
desde el centro, se viera un grupo como si solo fuese una pared y no tres. Son
pinturas llenas de color, representan figuras con emociones intensas, como en
El martirio de Cuauhtémoc.
Frida Kahlo
Sus obras (principalmente autorretratos) de estilo muy personal, se caracterizan

por la síntesis de elementos expresionistas y surrealistas, y son una muestra casi
autobiográfica. Mezclando ingenuidad con metáfora y un estilo inspirado en el
arte popular de su país, Kahlo se convirtió en la artista mejicana más
reconocida internacionalmente, no solo por sus obras sino también por su
imagen personal.
En 1926 pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie

autobiográfica, la mayoría los realizará en su cama o en el baño. Al principio
su trabajo fue realista, retratando amigos y familiares, posteriormente y con el
aumento de sus malas experiencias su estilo se modificará notablemente. Son
las telas que se centran en ella misma, las que la destacan en la pintura.
En cuanto a la iconografía que empleó, es principalmente fantástica, pero en

relación a la temática o la inspiración de sus obras, está basada en su
experiencia personal, mostrando el deterioro de su cuerpo y el sufrimiento físico
y espiritual que sufrió a lo largo de su vida. Prácticamente el 50% de su obra
son autorretratos. Ella decía: “Me retrato a mí misma porque paso mucho
tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco”. En ellos se muestra su
personalidad y momentos cruciales de su vida. En su primera exposición en
solitario, un crítico local escribió: “es imposible el separar la vida y el trabajo de
esta persona extraordinaria. Sus cuadros son su biografía”.
Oswaldo Guayasamín
Todas las obras de Guayasamín de las esculturas o pinturas evocan una

reacción inmediata. Los colores fuertes, a menudo inquietantes imágenes y
enérgicos temas están destinados a hacer el patrón y dejar de tomar nota.
Desde temprano en su carrera, Guayasamín utiliza el arte para luchar contra la
crueldad de la vida, la violencia y la injusticia. “Los niños muertos”, que es un
grupo de cadáveres desnudos, se basó en un brutal recuerdo de cuando un
amigo de la infancia y otros fueron abatidos por una bala al azar. A partir de
entonces, Guayasamín seguiría utilizando sus pinturas y sus esculturas para
combatir el “crueldades e injusticias de una sociedad que discrimina a los
pobres, los indígenas, los afroecuatorianos y los débiles”
Incorporó a su iconografía los volcanes, como fuerza de la naturaleza que

acompaña al dolor de cenizas de los habitantes de la Cordillera de los Andes
Fernando Botero
Botero nación en la ciudad de Medellín, Colombia, el 19 de abril del año 1932,

y siendo niño asistió a una escuela que entrenaba matadores de toros durante
varios años de su juventud. Tiempo después, decidió abandonar la plaza de
toros para dedicarse a seguir uno de sus mayores sueños, una carrera artística.
Las pinturas de Botero se expusieron por primera vez en 1948, cuando tan solo
tenía 16 años, y tuvo su primera exposición artística individual dos años
después de esa fecha en la ciudad de Bogotá. En sus primeros años, su trabajo
encontró gran inspiración en el arte colonial precolombino y español y en
algunos de los murales políticos que habían sido pintados por el artista
mexicano Diego Rivera. Francisco de Goya y Diego Velázquez también
tuvieron un papel determinante de sus obras.
Las proporciones infladas de sus obras reflejan sátira política.
 Usa colores planos, brillantes y formas predominantes.

 Incluye en sus trabajos naturaleza muerta y paisajes.
 Usa un exagerado volumen en sus figuras, pero no alude al sobrepeso,
sus obras son más como un globo lleno de aire.
 A pesar de tener mucho volumen sus obras aplastan la perspectiva en
primero plano haciéndonos ver la figura esférica en el espacio.
 Los colores que utiliza son impecablemente escogidos por el artista y los
usa como un medio de comunicación.
Roberto Matta
En 1937, después de trabajar en Londres junto con Walter Gropius y Moholy-

Nagy, conoció a André Breton, a través de Federico García Lorca y Salvador
Dalí, y abrazó la estética surrealista (1937). Pronto pintó sus Morfologías
psicológicas (1938-1939), en las que se entregó a la exploración del
inconsciente y al "automatismo absoluto".
El estallido de la Segunda Guerra Mundial lo llevó a emigrar a Estados Unidos.

En 1939 viajó a Nueva York, ciudad donde realizó su primera exposición
individual y residió hasta 1948. Por ello es reconocido como el introductor del
surrealismo no sólo en la plástica chilena, sino también en la de Estados Unidos.
La fuerza de Los grandes transparentes (1942) impulsó a Breton a que le
ilustrara el último manifiesto surrealista.
En esa misma época realizó la serie sobre América Amaneceres, con obras
como Nacimiento de América (Museo de Arte Contemporáneo), en la que
reflejó esa honda inquietud americanista. En 1956 pintó para la Unesco el
mural La duda de los tres mundos (1956). A comienzos de la década de 1970
regresó a su país invitado por Salvador Allende, y trabajó en los murales
colectivos con la Brigada Ramona Parra. En 1973 participó en una exposición
en Bolonia (Italia) en protesta contra el régimen de Augusto Pinochet, con la
obra La vida Allende la muerte.
Xul Solar
Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, o Xul Solar, si lo llamamos por el

seudónimo formado a partir de su apellido, nació en 1887 en San Fernando,
provincia de Buenos Aires (Argentina). Vivió muchos años en Europa (entre
1912 y 1924). Junto al famoso pintor argentino Emilio Petorutti recorrió el viejo
continente y se contactó con artistas vinculados a las vanguardias plásticas de
la época. Cuando volvió al país, se relacionó con el ámbito cultural porteño y
se rodeó de pintores, músicos y escritores; fue, por ejemplo, muy amigo de
Jorge Luis Borges.
A Xul le encantaban la astrología, el tarot y las doctrinas esotéricas, aquellas

que se revelan solamente a unos pocos iniciados. Se interesó también por las
culturas orientales, las religiones y la filosofía. Los números tuvieron para él
mucha importancia. Estudió su significado intrínseco según la numerología. El
número doce, por ejemplo, que corresponde a los signos del Zodíaco y es la
base del sistema numeral duodecimal que Xul utilizaba, se manifestó de forma
recurrente en muchos aspectos de su vida. Xul inventó doce técnicas
pictóricas y estuvo doce años en Europa. Este número se repite en la dirección
de su casa, Laprida 1212, donde vivió mucho tiempo y donde actualmente
están el Museo Xul Solar y la Fundación Pan Klub.
Xul utiliza en su pintura símbolos tomados de las más diversas tradiciones, como
la china o la hindú; también usa el simbolismo de las religiones egipcia, azteca,
cristiana y judía, el de la cábala, el tarot y la astrología. Xul era un estudioso de
la numerología, por eso los números adquieren un significado especial en su
obra.
José Gurvich
En su obra logró un estilo único; sus telas están pobladas de imágenes que
combinan y registran elementos de la iconografía religiosa judía, su gran
admiración por los maestros Brueghel y Bosch y las vivencias e impresiones de
una vida transcurrida en lugares tan diversos como Montevideo, Israel y Nueva
York.
Su legado abarca pintura, cerámica, madera y murales, donde expresa la

influencia de Joaquín Torres García con sus propias características, hasta su
evolución en la que se plasma su origen y raíces judías. En el año 2005, abrió
sus puertas el Museo Gurvich, dedicado a difundir y preservar su obra
mediante exposiciones y publicaciones sobre su vida y trabajo.
Tras el fallecimiento de Gurvich, su la obra se ha presentado en exposiciones

individuales en museos como el José Luis Cuevas de México, el Negev Museum
of Art de Israel, el Museum of Latín American Art de California, el Museo
Nacional de Bellas Artes de Chile y el Museo Torres García de Montevideo, así
como en galerías de Nueva York, Barcelona, Buenos Aires y Madrid. También
participó en las diferentes exposiciones que sobre el Taller Torres-García y el
arte de Latinoamérica se han hecho en museos como el MUVIM, el MNCARS,
el Museo del Barrio de Nueva York y el Museo de las Américas de Washington
así como en galerías como la de Cecilia de Torres de Nueva York, la Galería
Palatina de Buenos Aires o la Sala Dalmau de Barcelona, en las exposiciones "El
Taller Torres-García" en 1998 y "25 anys de galería" que fueron premiadas como
las mejores de sus respectivos años por la Asociación Catalana de Crítica de
Arte.
Wifredo Lam
Wifredo Lam. El más universal de los pintores cubanos. Introdujo la cultura

negra en la pintura cubana y desarrolló una renovadora obra que integra
elementos de origen africano y chino presentes en Cuba.
Viajero incansable, en 1952 retornó a Europa, desde donde articuló

conexiones con el resto del mundo a través de viajes y exposiciones y proyectó
con mayor fuerza la universalidad de su obra. En 1955 expone en la
Universidad de La Habana, en gesto solidario con los estudiantes que se
oponen a la dictadura de Fulgencio Batista.
Si bien fue reconocido como gran pintor y excelente dibujante, su espíritu

inconforme lo alentó a trabajar en otras disciplinas en las que alcanzó un total
dominio. Así incursionó en la cerámica, primero en el Taller de Cerámica de
Santiago de las Vegas, en las afueras de La Habana; luego, en Albisola Mare,
en Italia donde vivió por un tiempo. También proyectó murales para el nuevo
edificio de la Standard Oíl Company en La Habana, en 1951; para el edificio
del Seguro Médico de esa capital, en 1956, y para el Jardín Botánico de la
Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela, en 1956.
Antonio Berni
Fue en el año 1930 cuando Antonio Berni comenzó a inclinar sus obras hacia el
surrealismo. Este año comenzaron a aparecer las cualidades artísticas que
definieron su personalidad artística.
Muchos de sus planteos se asemejan a los de Aragón, donde se destacan las

consideraciones de orden social. Además, sus obras se definen por las diversas
formas y la utilización del color muy parecido al de los muralistas mexicanos.
Empezó a pintar grandes obras, de tipo social y testimonial, de solemnidad

frontal, y utilizando técnicas provenientes del muralismo, pero siempre con un
toque expresionista y un dejo surreal.
A la vez, otra línea de producción de Antonio Berni, paralela a la que

describimos anteriormente, fue un clasicismo con mucho de renacentista, con
diversos matices mágicos y metafísicos. Generalmente, sin retratos femeninos
con plasticidad muy llamativa.
Endara Crow
Desde una temprana edad se mostró muy interesado en el arte, de joven

estudió pintura en la Universidad Central en Quito. Adoptó un estilo diferente al
principio de su carrera que le acompañó durante toda su vida. La geografía
ecuatoriana y los brillantes colores utilizados por los artesanos andinos en su
labor fueron sus dos influencias principales que penetraron en su trabajo
durante toda su carrera. Endara Crow es considerado uno de los pintores
latinoamericanos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su obra es
universal, y ofrece una perspectiva estética de la cultura andina y su gente.
Su obra más reconocida es "El Tren Volador”. De niño, Endara Crow quedó
asombrado por los trenes desde que su padre trabajó en el ferrocarril, esto se
convirtió en una inspiración para su obra maestra, en la que muestra a un tren
en vuelo, de ahí el título, que combina con un paisaje montañoso de colores.
Otros motivos surrealistas comunes en sus pinturas son la lluvia, las campanas o
las esferas como en su obra Sin título de fecha 29 de julio 1988.
Endara fue también escultor, con dos monumentos importantes esculpidos en

Sangolquí. Estos dos monumentos son "El Choclo" y "El Colibrí", ambos
representan la belleza natural, así como la importancia de la agricultura de la
Sierra ecuatoriana.
La novela "Crow" (2017) del escritor ecuatoriano Luis Alberto Bravo, aborda
varios aspectos de la vida y obra del pintor.
Eduardo Kingman
Eduardo Kingman Riofrío (Loja (provincia de Loja), 23 de febrero de 1913 -

Quito, 27 de noviembre de 1997), conocido como El pintor de las manos, fue
un pintor, dibujante, grabador y muralista ecuatoriano, considerado como uno
de los maestros del expresionismo y el indigenismo ecuatoriano del siglo XX
junto a Oswaldo Guayasamín y Camilo Egas.
Para el año 1906, la empresa minera estadounidense South América

Develoment Company requería servicios médicos para los empleados
importantes de la mina aurífera de Portovelo, ya que, según un informe escrito
de la compañía, Portovelo debía ser un caserío miserable donde unas pocas
familias llenas de paludismo llevan una existencia por demás penosa. Esta fue
la razón que llevó al médico Edward Kingman, de Newton, Connecticut, a
Ecuador.
Desde Loja, que se encontraba a un día de viaje de la mina de Portovelo, se

llamó a Kingman para que atendiese a dos pacientes. Al primero no le dio
esperanzas de vida, pero pudo tratar a la aristócrata lojana Rosita Riofrío y
Riofrío, viuda de Córdoba. Al poco tiempo, Edward Kingman y Rosita Riofrío
contrajeron matrimonio y tuvieron tres hijosː Eunice, Eduardo y Nicolás Kingman
Riofrío (periodista, escritor y político).
A los pocos años, Edward Kingman regresaría a Estados Unidos movido por una
nostalgia muy grande y dejando en Ecuador a su esposa y sus hijos junto con
una herencia de cien mil sucres, cantidad muy estimable para la época.
Eventualmente, gastar los ingresos para mantener el estilo de vida de la familia
junto con ruinosos negocios colocados en manos de Rafael Riofrío, terminarían
por dilapidar el dinero con el que disponían y llevaron a la familia a medidas
extremas como la venta de la casa, acoso de los acreedores y un ambiente
ambiguo para la pequeña familia de ricos aristócratas venidos a menos. La
presión y el ambiente obligaron a la familia a mudarse a Quito en 1918. Uno de
los recuerdos más importantes que dejaron en su casa en Loja, era el dibujo de
un dragón hecho con tizones de cocina que se encontraba en uno de los
corredores entablados que se conectaban con el patio, realizado por el joven
Eduardo y era, como él decía, el dragón de la guerra, el cual la familia
mostraba orgullosa a todas las visitas.
Antonio Seguí
El mayor de cuatro hermanos de una familia de clase media. Desde pequeño

mostró su vocación artística: en la escuela primaria su materia preferida era la
de dibujo. Desde que tenía 36 años realizó sus estudios sistemáticos en varias
academias de su ciudad natal, aunque ha considerado a Ernesto Farina (1912-
1989) como el más importante de sus maestros.
A los 17 años, ayudado por su abuela paterna, emprendió su primer viaje a

Europa, por lo que pudo asistir como alumno libre a la Real Academia de
Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y a la École nationale supérieure des
beaux-arts de París. Al visitar los museos europeos pudo recibir directamente los
influjos de Goya, Daumier y Gutiérrez Solana entre otros.
En 1954 retornó a Córdoba y trabajó en la redacción del diario Orientación

especializado en artículos policiales y judiciales. En ese mismo año inició la
carrera de abogacía, que abandonó en 1955.
En 1957 realizó su primera exposición individual en la galería de arte cordobesa

Paideia.
ACTIVIDAD 2.5
4 PUNTOS
1. Señale las características principales de los pintores ecuatorianos

contemporáneos del Ecuador:
Jorge Perugachi, José Bastidas, Humberto Moré, Manuel Rendón Seminario,

Víctor Mideros, Camilo Egas, Enrique Tábara Zerna, Gilberto Almeida, Theo
Constante, Galo Galecio.
Jorge Perugachi
Jorge Perugachy lucha por mantenerse como un pintor de caballete. Es

decir, un artista de taller, comprometido con su obra, que investiga, que
estudia y busca los elementos que sustenten su trabajo.
La elaboración de un cuadro de este artista pasa por varios procesos: de

cajón tiene la temática que es la mujer andina y su simbología. Luego da
forma a sus ideas, piensa qué elementos debe contener su cuadro. Hay
veces que hace cinco o seis bocetos, o los que sean necesarios.
La elaboración de un cuadro de este artista pasa por varios procesos: de

cajón tiene la temática que es la mujer andina y su simbología. Luego da
forma a sus ideas, piensa qué elementos debe contener su cuadro. Hay
veces que hace cinco o seis bocetos, o los que sean necesarios.
José Bastidas
José Bastidas (Otavalo, 1960), es rubio, de mediana estatura, mirada

apacible (detrás de ella, por cierto, se esconden las profundas turbulencias
de su ánima creadora). Extremadamente sensible y humilde (humildad de
convicción, no de pose, que lo engrandece sobremanera, en tiempos en
que basta algún triunfo inaugural -muchas veces fortuito- para que un
artista se confunda y crea el mejor). No, no hay en el arte la posibilidad de
decir éste es mejor que otro, apenas hay una ley permanente e inexorable
para designar si alguien es o no artista. Porque muchos que fungen de
tales, es posible que hayan escrito varios libros, pintado muchas obras,
compuesto numerosas partituras o esculpido innumerables piezas, pero no
son 'artistas', en esa definición apenas expresable de un hombre (o mujer)
que escribe o pinta porque no tiene otra opción en la vida sino hacerlo:
estigma bello y trágico que lo distingue de entre los demás seres humanos.
Y este es el caso de José Bastidas. Durante el día va y viene enseñando en
la Facultad de Filosofía de la Universidad Central y en el Instituto Nacional
Mejía; hacia la tarde, exaltado, rendido, pero ahíto de sueños y energías
secretas, vuelve a su hogar, alejado de Quito, (Bastidas vive en
Carapungo, una zona situada al norte de la ciudad), y se encierra en su
taller hasta altas horas de la madrugada. Demás está decir que nuestro
artista omite sábados y domingos y días de guardar para consagrarlos a su
arte, pues aún no puede dedicarse a este tiempo completo y se ve forzado
a fraccionar su tiempo entre la cátedra y la pintura.
Pero nada le arredra a este pintor, él ama su oficio hasta los confines de su
sangre y está decidido a vivir por él hasta la última convocatoria que le
haga la tierra. Su compañera y su bija constituyen soportes invaluables
para enfrentar sus desvelos. Por lo demás, un carácter más bien sólido y
risueño lo ayuda a cumplir horarios tan sacrificados.
¿Qué le impulsó a Bastidas a convertirse en pintor? ¿Qué le mueve a un

hombre a pintar o a escribir? Nadie, hasta nuestro tiempo, ha podido
responder esta pregunta a plena satisfacción. En todo caso, José Bastidas
nació y creció en un entorno mágico que, quizás, pudo conducirlo por los
caminos del arte: el Imbabura, ese cerro milenario, grave y espléndido, que
a diario lava su portentoso cuerpo en las aguas de la laguna que yace a

sus pies; los indios otavalos, hacedores de maravillas, tapices y esteras que
nos remontan a usos y costumbres milenarios, aquellos que estuvieron
coadunados raíces precolombinas; valles en los cuales habita el aire, el
fuego y la arcilla más pura, fueron seguramente, factores modeladores de
la personalidad de José Bastidas, en su inconsciente; un paisaje -naturaleza
y hombre- inigualable, iba alojándose para siempre en su ser.
Humberto Moré
Pintor, escultor y muralista esmeraldeño nacido en 1929, y cuyo nombre de

pila fue Lalot Rivadeneira Plata.
Su vocación artística se empezó a manifestar desde su más temprana

edad cuando descubrió que los colores de los juguetes le producían
satisfacción y emoción; luego fueron el teatro y el cine las expresiones que
lo envolvieron, y, finalmente, se acercó al dibujo copiando figuras y
fotografías de revistas, las tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del
cine.
A los veinticinco años de edad, convertido en un artista autodidacto,

presentó su primera exposición en Milagro y la segunda en Guayaquil, en la
joyería “Esmeraldas”.
Manuel Rendón Seminario

Manuel Rendón Seminario (París, 2 de diciembre de 1894 - Portugal, 3 de

enero de 1982) (también conocido como Manuel Rendón) fue un maestro
pintor latinoamericano conocido por traer el Constructivismo a Ecuador y
Latinoamérica junto con Joaquín Torres García, quien trajo el
Constructivismo a su país natal, Uruguay. El Movimiento Constructivista
comenzó en Rusia por Vladímir Tatlin alrededor de 1913.
En esa época, debido al auge de la exportación del cacao en el Ecuador,

los ecuatorianos adinerados vivían en París, de ahí que Manuel Rendón
Seminario, de las dos más ricas familias, creció en París, pero era
ecuatoriano.
Nació el 2 de diciembre de 1.894 en uno de los elegantes boulevares

donde residían sus padres, el Dr. Víctor Manuel Rendón Pérez, médico,
literato, músico, compositor y poeta, y María Seminario Marticorena,
idealizada por su esposo como Elena en la novela “Lorenzo Cilda”, mujer
de obstinada fe religiosa que logró sacar dos monjas de sus tres hijas.
Víctor Mideros
Después de haber aprendido a temprana edad las bases de la acuarela y

la pintura al óleo en los talleres de los maestros Luis Toro Moreno y Rafael
Troya, en 1906 Mideros viajó a Quito para seguir medicina en la Universidad
Central, a la par que estudiaba en la Escuela de Bellas Artes. Para 1915
obtuvo medalla de oro en la Exposición Nacional, al año siguiente el
premio a la pintura de figura humana en la II Exposición Anual de Bellas
Artes, mientras que en 1917 se convirtió en el primer premio de la primera

edición del Salón Mariano Aguilera.
En 1918, y tras retratar a una de las hijas del presidente Alfredo Baquerizo
Moreno, éste le nombró secretario de la Embajada de Ecuador en Italia
con el fin de que Mideros pudiera ampliar sus conocimientos artísticos
durante su estadía en Roma. Antes de partir en 1919, dejó varias obras,
sobre todo costumbristas que retrataban a indígenas y paisajes andinos, y
el mural que decora la capilla de la Catedral Metropolitana donde
descansan los restos de Antonio José de Sucre.
Mientras estuvo en Italia asistió a las Escuelas de pintura italiana, inglesa y

española, donde pudo perfeccionar aún más su técnica. En 1921 viajó a
Francia y España, donde se convirtió en miembro del Círculo Internacional
de Artistas y de la Academia de Bellas Artes San Fernando. En 1922,
mientras vivía en New York con su hermano Luis, éste sufrió un atentado del
Ku Kux Klan del que afortunadamente salió ileso, por lo que Víctor pintó en
agradecimiento el lienzo Mi Reino no es de Este Mundo, que obsequió al
convento de Santo Domingo en Quito.
Camilo Egas
Camilo Egas nace el 01 de diciembre de 1889, en la ciudad de Ibarra. Se

formó como pintor en la escuela de "Bellas Artes" de Quito y en las
academias Real de Roma y Asia, San Fernando de Madrid y Colarroisse de
París. Al regresar de Europa tuvo la intención de radicarse en Ecuador y
pintó cuadros precursores del [indigenismo]. Desde 1937 hasta su muerte se
radicó en Nueva York. Entre 1935 y 1962 ocupó el cargo de director de la
Escuela de Pintura de la New School for Social Research, donde se le
encargó pintar un mural, al igual que a los artistas: el muralista
norteamercano Thomas Hart Benton y al muralista mexicano José
Clemente Orozco. Entre sus alumnos, se encuentran los escultores Gabriel
Orozco y Arnold Henry Bergier.
A fines de los años 1970, el Banco Central del Ecuador habilitó una casa
ubicada en las calles Venezuela y Esmeraldas, para que funcione el Museo
Camilo Egas, que durante sus primeros 15 años de servicio, fue de gran
importancia para la vida cultural y artística del país.
Enrique Tábara Zerna
Enrique Tábara Zerna (1930, Guayaquil, Ecuador) es un maestro de la

pintura ecuatoriana y representa en su conjunto la cultura hispana
pictórica y artística.
Tábara se interesó en la pintura a la edad de tres años y dibujaba

regularmente a la edad de seis años. En estos primeros años, Tábara fue
alentado por su hermana y su madre. En 1946 ingresa a la Escuela de Bellas
Artes de Guayaquil donde fue influenciado por el maestro alemán Hans
Michelson quien infundió en él disciplina y capacidad de trabajo. Otra de
sus influencias fue la del artista Martínez Serrano, quien consiguió inculcar
en Tábara la importancia y disciplina de las formas.
Enrique Tábara, sin embargo, es un creador que investiga y desmitifica la

imagen en la que se refugia. El espíritu enérgico e innovador de Tábara es
una constante que revela el espíritu inquieto y versátil del maestro. Un
maestro de la experimentación, que es plenamente consciente de sus
raíces y el proceso que ha seguido en los últimos años, con abundantes
obras que mostrar a cambio.
Gilberto Almeida
Nació acunado por una ciudad que es emporio del arte, y es por eso que,
desde temprana edad, brotó en él una apasionante vocación por la
pintura, que pronto se nutrió observando la obra de Eduardo Kingman,
Diógenes Paredes, Oswaldo Guayasamín y Luís Moscoso; maestros de la
generación anterior que tendrían gran influencia al momento de

determinar su destino.
A mediados de 1948 conoció en Guayaquil al maestro Enrique Tábara, dos

años más tarde a Hugo Cifuentes y Guillermo Muriel, en Quito; y
nuevamente en Guayaquil -donde vivió entre 1960 y 1964- fue seducido
por la obra de Manuel Rendón. El contacto con estos maestros y sus obras
le permitió madurar su concepción armónica, su composición y su
cromática. Pudo, gracias a ello, obtener el Primer Premio en el Salón de
octubre de 1961, el Segundo Premio en el Salón de Julio en 1962 y el Primer
Premio en el Salón de Julio de 1965.
Nuevamente en Quito, volvió con más fuerza por los caminos del dibujo
que había descuidado ocasionalmente luego de obtener en 1957 el Tercer
Premio en el “Mariano Aguilera”; y dos años más tarde presentó “Kitgua”,
una serie goyesca de dibujos de gran formato, trabajados con gran
dedicación y técnica. En 1971 expuso en Buenos Aires su “Muro de Cal”, y
en 1978 obtuvo el Primer Premio en el IX Salón “Luís A. Martínez”, de
Ambato.
Theo Constante
En sus inicios –ya de regreso en Guayaquil- fue seducido por lo figurativo,

presentando trabajos en los que se puede apreciar un sondeo de formas,
composición y cromática. Obtuvo entonces, en 1955, el Primer Premio
Municipal, Medalla de Oro. Más tarde su obra pasó a una mezcla del
informalismo español –que tanta influencia ejerciera sobre él- con sus trazos
y colores llenos de luz, de iluminados bermellones, vibrantes cobaltos y
extensos campos de amarillo o rojo puro, determinados por violentos trazos
en negro.
En 1958 obtuvo el Segundo Premio en el Salón de Octubre de Guayaquil; y

al año siguiente una Mención de Honor en el Salón de Julio y nuevamente
el Segundo Premio en el Salón de Octubre. En los años siguientes, a medida
que su estatura pictórica crecía obtuvo, en 1960, el Primer Premio en el
Salón de Julio; en 1962 el Primer Premio en el Salón de Octubre; en 1964
nuevamente el Primer Premio en el Salón de Julio y en 1968 el Primer Premio

Pintores Nacionales en la Bienal de Quito.
Encontramos entonces a un Theo que –sin salirse del informalismo- es

mucho más firme en sus trazos y maneja con sabiduría cromática las
texturas y los colores. “Los fondos se enriquecen: llegan a ser una tensa
composición de planos de color y forma. Y solo un exacto trabajo métrico
evita que entren en conflicto con los trazos que sobre ellos advienen. En
obras de especial tensión, sobre fondos sombríos se abaten masas obscuras
y sobre ellas estallan formas luminosas, trizadas. Esos trazos cobran, más allá
de su brío gestual, algo de sígnico” (Hernán Rodríguez Castelo. -
Diccionario Crítico de Artistas Plásticos del Ecuador del Siglo XX).
Galo Galecio
Nació en Vinces, Los Ríos el 1 de junio de 1906.
En 1911 quedó huérfano de padre. Viajó a Guayaquil y estudió la primaria,

luego regresó con su madre a estudiar en la escuela fiscal en Vinces donde
empezó a realizar sus primeras caricaturas. Posteriormente retornó a
Guayaquil a estudiar la secundaria ingresando a la escuela de Bellas Artes.
Tras estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Guayaquil recibió una beca

para estudiar artes gráficas y pintura mural en la Academia Nacional de
Bellas Artes en México de 1944-1946. Durante su estancia en México,
Galecio estudió con el famoso muralista Diego Rivera, entró en el Taller de
Gráfica Popular, uno de los talleres de obra gráfica más influyentes en el
mundo, y creó su primera carpeta de grabados Bajo la Línea del Ecuador
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Universidad de las Fuerzas Armadas - ESPE

MODALIDAD DE EDUCACIÓN A DISTANCIA

1. Realice un cuadro sinóptico de las tendencias pictóricas más

Es un termino usado ya sea

Pone toda su atención Es lo más parecido a la

Cuestiona el Arte como Los historiadores lo

Es el movimiento Es capaz de representar

1. Señale las características relevantes de los máximos representantes de las

Las obras de Manet son consideradas como iniciadoras del impresionismo.

Podríamos considerar a Édouard Manet como un pintor complejo y

A Manet hay que considerarlo un pintor independiente, su intención no fue la

Su formación estuvo marcada por los principios tradicionalistas y

 No emplea la pincelada yuxtapuesta

Según puede comprobarse en la exposición Gauguin y los orígenes del

Las grandes composiciones de figuras de Gauguin hasta 1888 se refieren a dos

Primogénito de una adinerada familia parisina, Degas abandonó

De 1856 a 1859 viajó por Italia copiando a los maestros renacentistas y, a su

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir (1841-1919) es un pintor impresionista al igual que Monet,

En Renoir no hay narración, ni grandes temas, ni mensajes que adivinar. Todo

Es por todo esto por lo que Renoir ha recibido el calificativo de "pintor de la

cercano. Su éxito se produjo en muchos países, pero sobre todo en Estados

Renoir es un pintor de gran colorido, capta lo instantáneo y huye de lo serio y

Pero en vida Cézanne fue un pintor ignorado. Arisco y misántropo, apenas

Paul Cézanne trató de conseguir una comunión armoniosa entre naturalismo,

Las pinceladas de Cézanne son muy características, todas conjugadas para

Cézanne pinta lentamente, pidiéndole al modelo que tenga paciencia…

Vincent Van Gogh

En contacto con los impresionistas y el arte japonés, su pintura se vuelve más

En su etapa de Provenza realizó numerosos paisajes e interiores, donde resalta

Finalmente, en el asilo de Saint-Remy ejecutó algunas de sus mejores obras,

favorito: la pintura. Así pudo ampliar sus conocimientos pictóricos, lo que se

Su evolución artística se divide en varios periodos con características

La siguiente fase conoce como el Protocubismo (1906-1907), esencial para el

El Cubismo fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso.

En 1917 Picasso se sumerge en el Neoclasicismo (1917-1927) con pinturas más

Con el comienzo de la Guerra Civil Española Picasso inicia un periodo con

En muchos de sus trabajos se nota una fuerte inspiración del Renacimiento. La

Dalí trató de captar objetos y situaciones a través de una visión desprejuiciada,

Sus pinturas muestran imágenes creadas a impulso de una fuerte influencia

Artista francés, pintor cubista y futurista que se inclinó posteriormente hacia el

Desde muy joven empezó a pintar, publicar caricaturas y dibujos humorísticos

El principio de su carrera lo dedicó al Fauvismo, luego de experimentar e hizo

Se dedicó a la escultura, siendo precursor del arte cinético y el arte ready-

En 1955 adquirió la ciudadanía de los Estados Unidos. En los años 50 y 60 influye

coreógrafo Merce Cunningham, etc. En Europa su influencia es notable en el

1. Realice un cuadro comparativo entre las siguientes tendencias: Pop Art- Op

movimiento Fluxus, al Body art violentos y sensuales

1. Sintetice lo más relevante y las características de los máximos exponentes

Diego Rivera, Siqueiros, Frida Kahlo, Oswaldo Guayasamín, Botero, Roberto

Diego Rivera en formas clasicistas, simplificadas y con vivo colorido, rescató el

En 1922 comienza la pintura de su primer mural en el Anfiteatro Simón Bolívar

de los murales en el Palacio de Cortés (Cuernavaca), la Escuela Nacional de

En 1933 aconteció uno de los hechos más representativos de su vida. El famoso

En 1922, Siqueiros regresó a Ciudad de México para trabajar como muralista

Su forma de pintar es esquemática. Siqueiros intentaba encontrar un

En el Porfirismo a la Revolución, Siqueiros puso a prueba una de sus teorías

Sus obras (principalmente autorretratos) de estilo muy personal, se caracterizan

En 1926 pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie

En cuanto a la iconografía que empleó, es principalmente fantástica, pero en

Todas las obras de Guayasamín de las esculturas o pinturas evocan una

Incorporó a su iconografía los volcanes, como fuerza de la naturaleza que

Botero nación en la ciudad de Medellín, Colombia, el 19 de abril del año 1932,