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ARTE BARROCO

Antescedentes

El barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el


campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que
abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el
Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la influyente Iglesia Católica
europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que
produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo
dominante: la Reforma protestante.

Principalmente impulsada por Martín Lutero (Alemania 1483-1546); fue un teólogo, fraile
católico agustino recoleto y reformador religioso alemán, en cuyas enseñanzas se inspiró la
Reforma Protestante. Inauguró la doctrina teológica y cultural denominada luteranismo e
influyó en las demás tradiciones protestantes.

Su exhortación para que la Iglesia regresara a las enseñanzas de la Biblia; impulsó la


transformación del cristianismo y provocó la Contrarreforma, como se conoce a la reacción
de la Iglesia Católica Romana frente a la Reforma protestante. El joven Lutero se dedicó
por completo a la vida del monasterio, empeñándose en realizar buenas obras con el fin de
complacer a Dios y servir a otros mediante la oración por sus almas. Se dedicó con
intensidad al ayuno, a las flagelaciones, a largas horas en oración, al peregrinaje y a la
confesión constante. Estudió las Escrituras a profundidad, la Biblia y la Iglesia Primitiva.
Estaba convencido que la Iglesia había perdido la visión de varias verdades centrales que el
cristianismo enseñaba en las Escrituras. Se dio cuenta entre otras cosas; de los efectos de
ofrecer indulgencias (remisión parcial o total del castigo temporal que aún se mantiene por
los pecados después de que la culpa a sido eliminada por la absolución). En aquella época,
cualquier persona podía comprar una indulgencia, ya fuera para si misma o para sus
parientes muertos que permanecían en el Purgatorio; dejando de lado la confesión y el
arrepentimiento verdadero. El Papa lo acusó de herejía ( error en materia de fe, sostenida
con pertinacia). Condenaba la avaricia y el paganismo en la Iglesia como un abuso. Su
matrimonio con Catalina Bora en 1525, inició un movimiento de apoyo al matrimonio
sacerdotal dentro de muchas corrientes cristianas.

La corrupción se estaba introduciendo en la Iglesia Católica, y para mejorar el ejercicio de


este gobierno, las altas esferas eclesiásticas dominantes en Roma hubieron de depurar su
cúpula. Este estado de cosas trae importantes consecuencias sobre el arte desde el primer
momento. La Iglesia, antes que las monarquías absolutistas; fue la primera en comprender
el poder ilimitado del arte como vehículo de propaganda y control ideológico. Por esta
razón contrata grandes cantidades de artistas; a los mejores pero también a muchos de
segunda fila, que aumentan los niveles de producción para satisfacer las demandas de la
gran base de fieles.

Se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los
misterios teológicos, para llevar a cabo un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier
fiel que se aproxime a una iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de
ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para aparecer casi como
pordioseros, con rostros vulgares. El énfasis de la acción ha de colocarse sobre el
dramatismo: la consigna fue ganar al fiel a través de la emoción. Las escenas se vuelven
dinámicas, lejos del hieratismo intemporal de los estilos anteriores. Las composiciones se
complican para ofrecer variedad y colorido. Las luces, los colores, las sombras se
multiplican y ofrecen una imagen vistosa y atrayente de la religión y sus protagonistas.

Fuera del patrocinio de la Iglesia, los mecenas privados se multiplican: el afán de


coleccionismo incita a los pintores a llevar a cabo una producción de pequeño o mediano
formato para aumentar los gabinetes de curiosidades de ricos comerciantes y alta nobleza.
Cómo estilo artístico el barroco surgió a principios del s.XVII y de Italia se irradió hacia la
mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (s.XVIII y XIX) el término barroco tuvo un
sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional. Después fue
usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de
ornamentación.
Conceptualización
EL Barroco como movimiento cultural.

El barroco expresó nuevos valores. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del
Romanticismo que del Renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo
tiempo que este último en algunos países. El dolor psicológico del hombre, se puede
encontrar en el arte barroco en general. Todo fue enfocado alrededor del Hombre
individual, como una relación directa entre el artista y su cliente.
Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural:
En Música sobresalen Antonio Vivaldi y Johann Sebastián Bach.
En Literatura española, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas; en literatura
española americano destaca principalmente Sor Juana Inés de la Cruz.
En Pintura italiana están Caravaggio, Pietro da Cortona y los Carracci.
En la Escultura italiana el exponente más célebre del barroco es Bernini.
En la Arquitectura: Bernini y Barromini.

MÚSICA

La música barroca, abarca desde el nacimiento de la Opera en el s.XVI (aproximadamente


en 1585) hasta la mitad del s.XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian
Bach, en 1750).
Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes
de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es
probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal,
que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.

Formas vocales:
Ópera: poema dramático, con acompañamiento de música y cuyo texto es todo cantado.
Oratorio: drama musical de asunto religioso.
Cantata: composición poética cantable.
Pasión:

Formas instrumentales:
Fuga: composición que gira sobre un tema repetido en diferentes tonos.
Suite: serie de piezas instrumentales escritas en el mismo tono.
Sonata: composición de música instrumental, compuesta de tres y a veces cuatro trozos de
carácter diferente.
Concerto grosso: concierto para más de 2 solistas, acompañados por la orquesta.

Autores importantes: A.Vivaldi, S.Corelli, T.Albinoni, J.S.Bach, H.Purcell, G.H.Händell,


P.Rameau.

LITERATURA

El barroco trae consigo una renovación de técnicas y de estilos. Es abundante el uso de la


Metáfora y la Alegoría.
Los poetas barrocos del siglo XVII, siguieron mezclando estrofas tradicionales con las
nuevas, así cultivaron el terceto, el cuarteto, el soneto y la redondilla. Se sirvieron de
copiosas figuras retóricas de todo tipo, buscando una disposición formal recargada. No
supone una ruptura con el clasicismo renacentista, en busca de una complicación
ornamental, en busca de la exageración de los recursos dirigidos a los sentidos, hasta llegar
a un enquistamiento de lo formal.

En este siglo XVII en que aparece el movimiento barroco se intensifican los tópicos que ya
venían dándose en el Renacimiento, pero en especial más negativos: fugacidad de la vida,
rapidez con que el tiempo huye, desaparición de los goces, complejidad del mundo que
rodea al hombre, etc.
La Literatura del s.XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el barroco del
s.XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Estas
características se dan en toda Europa y en cada país toman un nombre diferente:
Eufuismo le llaman los poetas ingleses.
Preciosismo en Francia.
Marinismo en Italia.

ESCULTURA

La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en


estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En
España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada
imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo.

Características generales:

Tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos


sus aspectos, tanto en lo más sublimes como los más vulgares.
Realización de esquemas libres del geometrismo. Se proyecta hacia afuera. Se manifiesta
en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.
Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con
el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos
sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo (reducción del largo de una figura, según la
regla de la perspectiva) y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el
espectador con un gran expresionismo.
Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc.

En Italia, la cuna del arte barroco, destaca el escultor Gian Lorenzo Bernini, que domina
con perfección la técnica que aprendió de su padre Pietro Bernini, escultor manierista, y el
estudio de los modelos clásicos y renacentistas. Eclipsó al resto de artistas y fue
considerado el Miguel Ángel del s.XVII. Acostumbraba a representar las figuras de sus
obras en el momento de máxima tensión y a usar el desnudo en sus composiciones. Bernini
es el intérprete de la Contrarreforma católica. Posee fuertes influencias helenísticas. Su
escultura se caracteriza por la teatralidad compositiva, que resuelve en escenas. Es un gran
arquitecto, por lo que pone la escultura al servicio de la arquitectura.

La influencia de Bernini se extiende al s.XVIII con escultores como Pietro Bracci: Fontana
de Trevi, Triunfo de Neptuno; Fillippo della Valle: Anunciación; Camilo Rusconi: Juan, en
San Juan de Letrán, o René Michel Slodtz: San Bruno.

ARQUITECTURA

Se desarrolla desde el principio del s.XVII hasta dos tercios del s.XVIII. En esta última
etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que
eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países
independientes. Juega un papel muy importante creando un ambiente propicio de una
ciudad rica, justamente la pretensión de los artistas barrocos.

El paradigma de este estilo se halla en las reconstrucciones del Versalles. Los materiales de
construcción son pobres sin ningún valor, pero dan la sensación de monumentalidad y
majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poca con la falsedad, aunque
eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las
Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de calidad como el vidrio de
Carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros.

El grandiosismo es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada en la Plaza de
San Pedro. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas son el elemento por
excelencia del arte Barroco.

PINTURA
Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones
artísticas. Siendo la expresión más características del peso de la religión en los países
católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o
costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una
tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

Se caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En
oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir
cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento
en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto
Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el
David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante.
Pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido
apreciada durante el Renacimiento.
La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del
claroscuro. La luz se convierte en un elemento fundamental.

Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran:


CARAVAGGIO (Miguel Ángel Merisi): Célebre pintor italiano 1573-1610. Su estilo
atrevido y crudo, pero vigoroso; lo convierte en uno de los maestros del realismo.
Sobresalió en el claroscuro. “Baco” es su obra más famosa; en “La conversión de San
Pablo”, Caravaggio confirma su maestría en el manejo de la luz.
REMBRANDT (Harmenszoon Van Rijn). Pintor y grabador holandés 1606-1669. Su obra
se compone de unos 350 cuadros y el mismo número de aguafuertes (lámina o grabado al
aguafuerte). Uno de los más grandes pintores de todas las épocas; por la riqueza
deslumbrantes de su pincel, la delicada armonía de sus composiciones, la maestría de los
efectos de la luz y los dramáticos claroscuro, y por la intensidad y realismo de las figuras.
Entre sus obras encontramos: “Tobías y su familia”; “El Samaritano”; “Los peregrinos de
Emaús”; “Ronda nocturna”; “Lección de anatomía”; “Los Girasoles”; autorretratos etc.
RUBENS (Pedro Pablo), pintor flamenco 1577-1640 que se distingue por la libertad de su
técnica portentosa, maestría en el dibujo y alegre cromatismo. Desempeñó misiones
diplomáticas en España y pintó para Felipe IV. Influyó poderosamente en la pintura
flamenca de su siglo. Entre sus obras podemos citar: “El descendimiento de la Cruz”; “San
Jerónimo”; “Retrato de Elena Fourment”; “Descanso en la huida a Egipto”; “El juicio de
París”; “Las tres Gracias”; “La adoración de los Reyes”; “Felipe III a caballo” etc.
HALS (Frans), pintor flamenco 1580-1666. Autor de retratos y de cuadros de costumbres;
tratados con espontaneidad, con coloridos osados. Sus obras se conservan en Haarlem
donde vivió. Obras: “Pareja de esposos”; “La milicia cívica de San Jorge (y San Adrián)”;
“Las rectoras y los (rectores,) del asilo de ancianos”; “La cíngara o La Gitanilla”, el más
conocido de sus retratos de tipos populares, uno de los mejores conservados y sin embargo
uno de los más desconocidos, por el público.
VERMEER (Juan), llamado también Van der Meer, pintor holandés 1632-1675, uno de los
más grandes pintores del s.XVII; autor de paisajes (“Vista de Delft”), hermosos interiores y
de algunos retratos (“La encajera”).
VELAZQUEZ (Diego Rodríguez De Silva), pintor español nació en Sevilla 1599-16660.
Estudió dos veces en Italia, donde asimiló la técnica de los grandes maestros, sin perder por
ello su estilo propio. Retratista atrevido, autor de obras de maravillosa ejecución, de
colorido y relieve admirables. Velázquez es el pintor más original y perfecto de de la
escuela española. Entre sus obras más notables merecen citarse: “Los Borrachos”; “Las
Hilanderas”; “Las Meninas”; “La Rendición de Breda”; “La adoración de los Magos”; “La
fragua de Vulcano”; “La Venus del espejo”, los retratos de Felipe IV, de las Infantas, de
Inocencio X etc. Fue pintor de la Corte de España.
POUSSIN (Nicolás), pintor francés 1594-1665. Influido al principio por Tiziano,
evolucionó más tarde hacia un clasicismo cada vez más puro. Su influencia fue
considerable en el s.XVII. Algunas de sus obras son: “Los pastores de Arcadia”; “Bacanal”;
“La Primavera”; “Santa Cecilia” etc.