ARTES

ILEANA DEYANIRA PULIDO

DE LA VEGA
DIPLOMADO TALLER I
ÍNDICE
1. Introducción
2. Nomenclaturas de artistas.
3. Frida Kahlo
4. Miguel Ángel
5. Paul Klee
6. Paul Cezanne
7. Jackson Pollock
8. Salvador Dalí
9. Andy Warhol
10. Pablo Picasso
11. Las campanas
12. Los globos
13. Géneros musicales
14. Campanas y notas
15. Instrumentos musicales
16. Tempo
Introducción
El arte ha sido, a lo largo de la historia, un aspecto intrínsecamente ligado a la vida del
hombre, sirviendo como medio de expresión y también como un lenguaje universal en el que
la belleza y la estética prevalecen. Fue en la antigua Grecia donde surgió la división entre las
artes superiores, creadas para ser apreciadas con los ojos y los oídos, y las menores mucho
más táctiles. De las artes superiores vienen 6 de las que hoy conocemos como bellas artes,
más una que ha sido añadida durante el siglo XX.
1. Arquitectura
2. Escultura
3. Pintura
4. Música
5. Literatura
6. Danza
7. Cine
Arquitectura
La arquitectura es el arte y la técnica de proyectar y construir edificios. El concepto procede
del latín architectura que, a su vez, tiene origen en el griego.
Puede decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para
satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se encargan de desarrollar
construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también siguen preceptos estéticos.
Por eso, la arquitectura suele ser considerada como una de las bellas artes.
En la actualidad, la arquitectura está principalmente asociada al diseño de espacios que sirven
como vivienda. La construcción de casas y edificios forma parte de la actividad más frecuente
del arquitecto, quien debe tener en cuenta una gran cantidad de preceptos a la hora de
desarrollar sus proyectos. Las obras deben levantarse de modo seguro y respetando las
condiciones medioambientales.
Por otro lado, los arquitectos también dirigen diversos proyectos que trascienden el ámbito de
la vivienda, tales como la construcción de una fábrica, de un centro comercial, de un colegio o
de una iglesia.
De acuerdo al período histórico, es posible hablar de distintos tipos de arquitectura.
La arquitectura gótica, por ejemplo, tuvo su auge entre el siglo XII y el siglo XV,
caracterizándose por la ligereza estructural y la iluminación del interior de los edificios.
La arquitectura renacentista (entre los siglos XV y XVI) y la barroca (del siglo XVII al XVIII) son
otros dos ejemplos de estilos que han trascendido.
Los antiguos griegos fueron quienes crearon la base, pero la primera vez que se acuñó el
término bellas artes fue en el siglo XV por Charles Batteaux, quien lo usó para definir con tan
solo un par de palabras todas estas manifestaciones artísticas.
La arquitectura es una de las artes, debido al ingenio y gran uso de la estética que se requiere
para crear edificaciones armónicas con el espacio y perdurables en el tiempo. Para los antiguos
griegos, con monumentales edificios como el Partenón y arquitectos como Parmenio,
encargado de erigir Alejandría, la arquitectura era uno de los aspectos más fundamentales de
su civilización, y un arte en toda regla.
Escultura
La palabra Escultura procede del latín sculpere, ‘esculpir’, es el arte de crear formas figurativas
o abstractas, tanto exentas como en relieve. Junto con la pintura, arquitectura, música, poesía
y danza, es una de las manifestaciones artísticas de las artes plásticas o artes visuales.
Las obras escultóricas se expresan mediante formas sólidas, reales, volumétricas; pues ocupan
un espacio tridimensional: tienen alto, ancho y profundidad, por lo que el volumen y bulto
puede tocarse, rodearse y verse desde cualquier ángulo.
Los elementos plásticos más importantes de la escultura son: forma, espacio, línea, material,
textura y últimamente en algunos casos, el movimiento real. Siempre el escultor tratará de
organizar estos elementos en una composición unificada.
El material es básico en el proceso de configuración de la escultura. A través de las distintas
fases de desarrollo; la piedra, la madera, el metal, la arcilla y otros materiales son trabajados
hasta transformarse en la obra terminada.
Los procedimientos escultóricos se determinan en consideración al material con el que se
realizará la obra. Si se va a realizar en un bloque de piedra o madera, el procedimiento consiste
en esculpir o tallar respectivamente. El modelado se suele realizar sobre arcilla y plastilina, por
lo general, los modelos se bañan con yeso, resina o goma para hacer moldes.
La técnica de fundición se practica en metales que pueden ser oro, bronce, plata, cobre, etc. Por
último, se tiene el ensamblaje, que consiste en agregar piezas sobre piezas para articularlas en
una composición; por ejemplo, trozos de madera que se desbastan, se tallan, se lijan o se
perforan y luego se unen con sustancias adherentes o con tornillos y tuercas.
Las clases o tipos escultóricos que sean desarrollado a lo largo de la historia del arte
son: escultura de bulto, para representar objetos, personas y animales; de busto y retrato, para
representar la figura humana; ecuestre o figura humana a caballo, que se aprecia desde todos
los ángulos.
El relieve escultórico consiste en el tratamiento que se le hace a las superficies para trabajar el
volumen, éste se aprecie desde un solo ángulo. En las últimas tendencias del arte, los artistas
han generado la pintura con relieve y han incorporado diferentes materiales volumétricos en
sus cuadros. Las esculturas, a su vez, han sido intervenidas con color para destacar el volumen.
En general, las obras escultóricas carecen de movimiento, pero algunos artistas de hoy en día,
han creado lo que se llama escultura móvil, estructuras cuyas piezas pueden moverse y producir
sonidos mediante ciertos impulsos o por la acción del viento
La escultura es otra de las 7 bellas artes. La capacidad de usar esta habilidad para crear figuras
y formas en 3D es reconocida desde la antigüedad, y hoy sigue siendo considerada una de las
formas de arte más primordiales.
Pintura
La pintura es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de
técnicas y materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición gráfica
según ciertos principios estéticos
La pintura conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los colores, las
texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz, el movimiento, etc., para trasmitir al
espectador una experiencia estética que evoque emociones, conceptos, ideas, e innumerables
interpretaciones en un sentido social, psicológico, cultural, político, religioso, etc.
Como tal, es una disciplina que consiste en aplicar sobre una superficie determinada (una tela,
una hoja de papel, una lámina de madera, un muro) una serie de pigmentos o sustancias
orgánicas, para crear una composición de formas, colores y texturas que dan lugar a una obra
de arte.
La pintura es una de las expresiones más antiguas de las bellas artes. Su origen se rastrea en
las pinturas rupestres del hombre prehistórico diseminadas por todo el planeta, y mantiene
absoluta vigencia en el mundo contemporáneo, donde además de los soportes y las técnicas
tradicionales, se vienen a sumar las técnicas digitales que las nuevas tecnologías proporcionan.
La pintura puede clasificarse de diferentes formas:
 Según los temas que represente: histórica, de género, paisaje, naturaleza muerta,
desnudo, etc.
 Según criterios históricos: prehistórica, grecorromana, gótica, renacentista, barroca,
moderna, etc.
 Según las tendencias o movimientos en que se sitúe: realismo, impresionismo,
simbolismo, vanguardismo, hiperrealismo, etc.
 Según las técnicas empleadas: óleo, cera, acuarela, puntillismo, témpera, acrílico, pastel,
temple, tinta, fresco, etc.
Entre las 7 bellas artes la pintura es quizá una de las disciplinas más reconocidas. Desde la
antiguedad el hombre la emplea como una forma de expresión y un mecanismo para capturar
la realidad. A lo largo de la historia han sido cientos los pintores reconocidos, por eso no es de
extrañar que hoy en día siga siendo una de las bellas artes más populares y apreciadas.
Pinturas y pintores famosos
 El nacimiento de Venus (1486), de Sandro Boticelli.
 La Gioconda (1517), Leonardo da Vinci.
 La ronda de noche (1642), de Rembrandt.
  La meninas (1656), de Diego Velázquez.
 El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814), de Francisco de Goya.
 La perla del mercader (1884), de Alfredo Valenzuela Puelma.
 El dormitorio en Arlés (1888), de Vincent van Gogh.
 El grito (1893), de Edvard Munch.
 El beso (1908), de Gustav Klimt.
 La persistencia de la memoria (1931), de Salvador Dalí.
 Guernica (1937), de Pablo Picasso.
 Mercado de Tlatelolco (1942), de Diego Rivera.
 El hijo del hombre (1964), de René Magritte.
 Una familia (1989), de Fernando Botero.

Música
La capacidad de usar instrumentos para generar sonidos hermosos hace que la música sea
considerada, de forma inequívoca, como una de las 7 bellas artes. Esta vía de creación ha
acompañado al hombre desde su propia existencia, siendo una forma de comunicación pero
también una arte que ante todo nos genera placer. Se trata de una de las maneras más
cotidianas de acercarnos a las bellas artes.

El término música tiene su origen del latín “música” que a su vez deriva del término
griego “mousike” y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la
advocación de las musas de las artes.
Puede decirse que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una
cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído.
Existen diversos principios que permiten llevar a cabo esta organización de los sonidos y
silencios. La armonía, la melodía y el ritmo, por citar tres elementos, son cuestiones que deben
tenerse en cuenta a la hora de generar música.
Lo que hace un músico, ya sea profesional, aficionado o hasta improvisado, es tratar de generar
alguna sensación en el oyente. La creación musical estimula la percepción del ser humano y
puede desde entretener a la persona hasta aportarle algún tipo de información.
Cuando un cuerpo vibra, produce un movimiento que modifica la presión y se transmite en el
aire, pudiendo ser captado por el oído. Eso es, ni más ni menos, que un sonido. Cuando no hay
sonido, nos encontramos con el silencio(que, a diferencia de lo que uno podría pensar, nunca
puede ser absoluto debido a la existencia de la atmósfera).
La música, en definitiva, consiste en combinar sonidos y silencios. Los sonidos, a su vez, pueden
ser infinitos, ya que es posible trabajar con innumerables variaciones de duración, intensidad,
altura o timbre.
La música es un arte que acompaña la vida del ser humano desde los comienzos de la historia.
Según explican ciertas teorías su origen tuvo lugar a partir de intentar imitar los sonidos que
existían en la naturaleza y sonidos provenientes de la parte interna del ser humano, como el
latido del corazón. Los descubrimientos que se han hecho en torno a este arte demuestran que
ya existían conceptos de armonía en la música de la prehistoria.
Con el paso del tiempo se desarrollaron cientos de teorías para explicar el sentido de la música,
lo que nadie puede explicar con certeza es qué tienen los sonidos que pueden tocarnos el
sistema nervioso y emocionarnos a puntos que ninguna otra cosa puede hacerlo. La música
tiene por ende mucho de misterio, de magia, y presenta para nosotros un mundo que no somos
totalmente capaces de comprender pero al que llegamos una y otra vez de forma irremisible.

Mucho más que un arte

La música no sólo es un arte al que muchas personas recurren para llenar su vida de felicidad,
también existen acciones terapéuticas que utilizan la música como elemento,
la musicoterapia es una de ellas. Consiste en una aplicación científica del sonido, la música y el
baile a través de un tratamiento que intenta integrar lo cognitivo, lo emocional y lo motriz, que
libera los malos sentimientos y permite encontrarse con la energía propia de cada ser, ayudando
a mejora la comunicación, la expresión individual y la integración social. La musicoterapia se
utiliza en caso de enfermedad o disfuncionalidad física o social, para que un individuo
se rehabilite y reeduque emocional, intelectual y motrizmente.
La música con sus sonidos posee tres componentes que la vuelven única: el sonoro, el temporal
y el intelectual. El sonoro se encuentra representado por los sonidos unidos de una forma
específica, el temporal tiene que ver con el momento puntual en el que deben ser representados
y ejecutados los sonidos y el intelectual tiene que ver con la influencia que puede causar un
determinado movimiento sonoro en un individuo, influyendo en su estado de ánimo y
modificando a través de él otros aspectos de su vida.
Posiblemente en la comprensión de estos tres componentes a fondo esté la respuesta que
buscamos, el por qué tenemos esa increíble necesidad de hacer o escuchar música.
Literatura
La literatura es el arte que se vale de la palabra para crear. Aunque solemos decir que es
propiamente la literatura una de las bellas artes, la poesía y el teatro también están incluidos
en esta forma. Ambas han ofrecido invaluables aportes a la humanidad, con piezas y autores
que indudablemente constituyen una obra de arte en sí mismas.
La palabra literatura proviene del término latino litterae, que hace referencia a la acumulación
de saberes para escribir y leer de modo correcto. El concepto posee una relación estrecha con
el arte de la gramática, la retórica y la poética.

Para el diccionario de la Real Academia Española (RAE), la literatura es una actividad de raíz
artística que aprovecha como vía de expresión al lenguaje. También se utiliza el término para
definir a un grupo de producciones literarias surgidas en el seno de un mismo país, periodo de
tiempo o de un mismo género (como la literatura persa, por ejemplo) y al conjunto de
materiales que giran sobre un determinado arte o una ciencia (literatura deportiva, literatura
jurídica, etc.).
Importante es subrayar que dentro de la literatura existe un concepto fundamental que sirve
para poder llevar a cabo una clasificación de las distintas obras. Nos estamos refiriendo al
término de género literario que se utiliza para describir los diversos tipos de trabajos de este
tipo que existen y que se caracterizan por aspectos semánticos, formales o fonológicos.
En concreto podemos subrayar que hay básicamente tres géneros literarios.
El primero de los citados es el que se conoce con el nombre de lírico. Bajo dicha denominación
se incluyen todas aquellas obras que se desarrollan mediante la poesía y lo que son todas las
composiciones en verso. Entre los autores más importantes del mismo se encuentran, por
ejemplo, Rafael Alberti o Federico García Lorca así como obras como el Romancero gitano, de
este último escritor.
El segundo género que se encuentra en la literatura es el épico. En él se incluyen los libros que
se sustentan en la narrativa y que nos acercan la figura de personajes reales o ficticios que han
vivido hechos legendarios. Entre estos citados trabajos se pueden incluir novelas, cuentos o
relatos, entre otros. Un ejemplo de este tipo podría ser El Quijote de Miguel de Cervantes.
El tercer género por su parte es el que recibe el nombre de dramático, bajo cuya denominación
se hallan guardados lo que son obras teatrales que normalmente se clasifican en dos: cómicas
o trágicas. Un ejemplo de este tipo de trabajos sería La vida es sueño de Pedro Calderón de la
Barca.
Es importante destacar que el origen de la escritura no marcó el inicio de la literatura. Los textos
sumerios y algunos jeroglíficos egipcios, considerados como los escritos más antiguos de los que
se tengan registros, no pertenecen al ámbito de la literatura.
Entre los primeros textos literarios aparece el Poema de Gilgamesh, una narración de origen
sumerio que fue grabada en tablas de arcilla y cuya primera versión data del año 2.000
A.C. Antes de esta época, las narraciones solían circular de generación en generación a través
del lenguaje oral.
En cuanto a la literatura en español, sus orígenes se remontan al siglo X con las Glosas
Emilianenses y al siglo siguiente con las Jarchas, un conjunto de breves composiciones líricas de
carácter amoroso.
La literatura tiene a su principal galardón en el Premio Nobel, una distinción concedida por
la Academia Sueca que se entrega cada año y cuya primera edición fue otorgada al poeta y
ensayista francés Sully Prudhomme.
Danza
La danza es la acción o manera de bailar. Se trata de la ejecución de movimientos al ritmo de
la música que permite expresar sentimientos y emociones. Se estima que la danza fue una de
las primeras manifestaciones artísticas de la historia de la humanidad.

Es importante resaltar el hecho de que la danza tiene su origen ya en la Prehistoria pues desde
siempre el hombre ha tenido la necesidad de expresar sus sentimientos y no sólo a través de la
comunicación verbal sino también mediante lo que sería la comunicación corporal. No obstante,
en esos orígenes el ser humano recurría a la danza como parte fundamental de rituales
relacionados con la fecundidad o la guerra.
La danza implica la interacción de diversos elementos. El movimiento del cuerpo requiere de un
adecuado manejo del espacio y de nociones rítmicas. La intención del bailarín es que sus
movimientos acompañen a la música. Por ejemplo: un música de ritmo lento y tranquilo
requiere de pasos de danza pausados y poco estridentes. La expresión corporal también se
apoya en la vestimenta utilizada durante la danza.
Es importante tener en cuenta que el predominio del ritmo o del uso del espacio puede variar
de acuerdo a la danza en cuestión. Otros factores que exceden a la danza en sí, como la mímica
y el canto, también forman parte del baile.
Muchos son los tipos y géneros de danza que existen. No obstante, fundamentalmente
podemos dividirlos en tres grandes grupos:
Danzas tradicionales y folklóricas. En este caso, bajo dicha denominación se encuentran aquellas
que son fruto de la cultura popular de una población y que se entienden como parte
fundamental de su riqueza etnográfica. Entre los mismos se hallan el flamenco, el tango, la
danza árabe o los llamados bailes de salón.
Danzas clásicas. Desde tiempos inmemoriales hasta nuestros días se practican este tipo de
danzas que se identifican por el hecho de que quienes las llevan a cabo a cabo realizan
movimientos ligeros, armoniosos y perfectamente coordinados. Dentro de esta categoría se
incluyen la danza medieval o el ballet, entre otros.
Danzas modernas. Los jóvenes son los que practican y desarrollan este tipo de danzas que, en
muchos casos, llevan asociadas una manera de entender la vida e incluso de vestir. Entre las
mismas se encuentran el breakdance, el popping, el funky, el jumpstyle, el moonwalk o incluso
el rock and roll.
Muchos son los profesionales de la danza que a lo largo de la historia han conseguido convertirse
en auténticos mitos. Entre ellos tendríamos que hablar, por ejemplo, de Mijail Baryshikov,
Rudolf Nureyev, Anna Pavlova o Tamara Rojo.
Se conoce como coreografía a una estructura de movimientos predeterminados que se lleva a
cabo a la hora de ciertas danzas. La coreografía indica los pasos a seguir durante el baile: se
trata, por lo tanto, de movimientos que no son espontáneos, sino que obedecen al diseño de
un coreógrafo.
Las coreografías adquieren mayor relevancia en los espectáculos de danza donde bailarines
profesionales suben a un escenario con la intención de montar una obra artística. Las danzas
rituales o los bailes informales, en cambio, no suelen seguir ningún tipo de coreografía. En estos
casos, cada bailarín elige con total libertad los pasos a seguir.
La danza forma parte de las 7 bellas artes debido a los vigorosos movimientos al ritmo de la
música que en ella se emplean, y que sirven como uno de los medios de expresión más estéticos
que podemos disfrutar.
Cine
Por último, pero no menos importante, está el séptimo arte: el cine. Añadido a esta lista en el
siglo XX, fue Ricciotto Canudo, teórico y crítico cinematográfico, quien en 1911 mediante su
"Manifiesto de las siete artes" acuñó el término séptimo arte para incluir al cine entre las bellas
artes. Hoy es uno de los medios de expresión artísticos más populares del mundo, con piezas de
gran valor audiovisual que se consideran como clásicos entre los estudiosos y cinéfilos. Es el arte
de narrar historias mediante la proyección de imágenes, de allí que también se lo conozca con
el nombre de séptimo arte. Y es la técnica que consiste en proyectar fotogramas, de forma
rápida y sucesiva, para crear la ilusión de movimiento.
Para la realización del cine es necesaria la concurrencia de muchas otras capacidades a nivel
técnico, creativo y financiero, como el montaje, la fotografía, la dirección, el guionismo, la
operación de cámaras, el sonido, la producción, etc., para lo cual es necesario todo un equipo
de trabajo. Asimismo, pasa por varias etapas: el desarrollo, la preproducción, el rodaje, la
posproducción y la distribución.
El cine suele ser dividido en multitud de géneros, según ciertas características y similitudes
entre las películas (estilo, tema, intencionalidad, público, forma de producción), como cine de
animación, comercial, policíaco, de acción, de ciencia ficción, romántico, documental,
experimental, entre otros.
El cine inició, como tal, en el siglo XIX, cuando en 1895 los hermanos Lumière proyectaron en
una función pública varias escenas de la vida cotidiana de su tiempo: la salida de los obreros de
una fábrica, la demolición de un muro, la llegada de un tren, la partida de un barco.
Desde entonces, el cine ha evolucionado enormemente. De la primera etapa de cine mudo,
pasamos al cine sonoro, y de allí llegamos al cine a color. Actualmente, se ha desarrollado,
además, el cine digital y el cine 3D y 4D.
El cine, como arte, es la forma en que las sociedades se narran sus historias, problemas,
coyunturas o circunstancias a través del discurso audiovisual. El cine es el reflejo del tiempo en
que vivimos, de nuestras preocupaciones y nuestros anhelos a nivel personal o colectivo.
TRABAJAR CON NOMENCLATURAS DE ARTISTAS Y SUS OBRAS MÁS FAMOSAS.

Propongo ir trabajando con diferentes artistas de la pintura escultura y arquitectura e ir

conociendo más acerca de cada uno de ellos, conectándolos con las diferentes áreas.
O bien trabajar con los artistas que hayan sido del interés del niño de forma independiente.
Hacer nomenclaturas por corrientes artísticas y estilos de pintura.
FRIDA KAHLO
A menudo oímos hablar derivar inspiración de artistas de dolor, pero pintor mexicano del arte
de Frida Kahlo no es sólo deriva de dolor, es el dolor. Así de poderosa es su obra, y no puede
evitar ser tocada en algún lugar cada vez que mira una pintura de este talentoso artista.
Frida Kahlo nació en México y era mexicana hasta el corazón, como se puede ver en su arte. Se
centró en los motivos tradicionales mexicanos y era una firme defensora de la promoción de la
cultura indígena mexicana, que estaba bajo la amenaza del colonialismo. Incluso se dio a la
tarea de llevar vestidos de campesinos mexicanos y arreglarse el pelo de otra manera, una
apariencia que ahora se ha convertido en un icono.
Frida sufrió todo tipo de agonía a lo largo de su vida, tanto física como emocional. Desde la
contracción de la polio cuando era niña, hasta sufrir una fractura en la columna vertebral y la
pelvis en un accidente hasta la amputación de una pierna, Frida pasó toda su vida
sufriendo. Sus relaciones también eran volátiles, y siempre anhelaba conectarse con otros,
pero finalmente terminó escogiéndose a sí misma como su mejor amiga.
El trabajo de Kahlo no puede limitarse a ningún estilo en particular, aunque algunos lo llaman
"realismo mágico" o surrealismo, aunque ella negó que su obra fuera surrealista. Su dolor se
manifiesta con fuerza en su arte, en los detalles gráficos, los bordes irregulares y los
colores. Pero nunca rehuyó pintar la verdad, y sus pinturas son a menudo un reflejo de las
experiencias de muchas mujeres de todo el mundo. Probablemente debido a esto y debido a
su fuerte sentido de la individualidad, Frida es considerada hoy como un icono feminista.
DIADEMA DE FLORES INSPIRADA EN FRIDA

Una de las características más identificativas de la apariencia de Frida Kahlo fueron las flores
que usó en su cabello, apiladas.
AUTORRETRATO INSPIRADO POR FRIDA KAHLO
Kahlo pintó varios autorretratos, y también se incluyó en muchas de sus otras pinturas. Uno de
los autorretratos más populares es 'The Frame', que presenta a Frida sobre un fondo azul en
medio de un marco colorido. Este es el primer trabajo de un artista mexicano que comprará el
Louvre en Francia.
CAJAS DE SOMBRAS DE FRIDA KAHLO

Frida Kahlo nunca tuvo hijos; ella no podía llevar sus embarazos a término debido a su mala
salud. Pero sí tenía varias mascotas, incluidos monos, perros y pájaros. Este proyecto de caja
de sombras de Crafty Chica muestra al artista rodeado de sus cosas favoritas: ¡sus mascotas y
flores! Este es un proyecto detallado que es más adecuado para niños mayores que pueden
emprenderlo como un proyecto de fin de semana.

LA ARTESANÍA DE PAPEL LA CASA AZUL

La Casa Azul es la casa donde Frida Kahlo creció, vivió con su esposo y finalmente murió en ella.
La casa más tarde se convirtió en un museo llamado Museo Frida Kahlo y es uno de los lugares
más populares en la Ciudad de México. Diversión para profesores de español tiene una bonita
artesanía de papel basada en la querida casa de Kahlo, que tiene algunas características
interesantes, como la puerta de entrada abriéndose para revelar a la propia Frida de pie para
darle la bienvenida.
FIDA KAHLO EN UNA LATA

COLLAGE DE PAPEL DE FRIDA Y DIEGO

Frida pasó muchos años de su vida casada con el famoso pintor y mucho mayor Diego Rivera,
otro ícono del arte mexicano. Si bien su relación era a menudo turbulenta, todavía trabajaban
juntas para apoyar la revolución mexicana. La pintura 'Frida y Diego Rivera' se hizo poco después
de su boda y se hace eco de lo que el mundo vio: una pareja físicamente desigual, el famoso
marido pintor y su delicada y bella esposa.
PÁGINA PARA COLOREAR DE FRIDA KAHLO
MIGUEL ÁNGEL

Este artista italiano es conocido por la sorprendente semejanza con la vida real de sus esculturas
y pinturas. Fue increíblemente talentoso, completando dos obras principales, David y Pieta,
¡antes de cumplir los treinta! A pesar de ser un escultor primero, su obra más famosa es el techo
de la Capilla Sixtina. Esto es diferente a cualquier otra obra de arte, y su gran tamaño es solo
uno de los factores que lo son. A 134 pies por 46 pies, cubre un área enorme, ¡todo a casi 44
pies sobre el piso! ¡Ese es el nivel de la grandeza del trabajo de Miguel Ángel!

Miguel Ángel fue un prodigio, siendo aprendiz de un famoso pintor a los 13 años, y luego
trabajando implacablemente en su oficio.
Aunque la situación política en Italia fue volátil durante su vida, nunca perdió su enfoque,
retomando su trabajo donde quiera que esté, y dedicado a sus proyectos.
El resultado de esa dedicación es la impresionante cantidad de arte que el mundo tiene hoy,
para estudiar y admirar.
HACER UNA RÉPLICA DE LA CAPILLA SIXTINA

La obra de arte más famosa de Miguel Ángel, también considerada una de las mejores de todos
los tiempos, es el techo de la Capilla Sixtina. Básicamente un escultor, Miguel Ángel no estaba
seguro de pintar el techo, pero el Papa insistió y él tuvo que estar de acuerdo. Sin embargo, él
quería hacerlo a su manera, ¡el resultado de lo cual es la gran obra de arte que vemos hoy!
PINTURA AL FRESCO PARA NIÑOS

La mayor parte de la famosa obra de Miguel Ángel fue hecha en "fresco", otro nombre para yeso
fresco de París.
COLOREAR ALGUNA DE SUS OBRAS

Preguntar a los niños quiénes creen que son los personajes y qué parecen indicar sus poses o
acciones específicas.
TALLADO DE JABÓN
Miguel Ángel fue ante todo, un escultor. Él famoso dijo: " Vi al ángel en el mármol y lo tallé hasta
que lo liberé ". ¡La impresionante estatua de David es un testimonio de este hecho! Mientras
que el mármol era su medio favorito, los niños pueden intentar esculpir con jabón,
Todo lo que necesita es jabón, cortadores de galletas y algunos palillos de dientes o palitos de
helado. Comience por preguntarles a los niños qué piensan que está atrapado en el jabón

PINTURA DE LA CAPILLA SIXTINA

Cuando hablas con los niños acerca de que Miguel Ángel pinta el techo de la Capilla Sixtina, su
primera pregunta es '¿Cómo pintó boca abajo?' Bueno, al contrario de los rumores populares,
no lo pintó tumbado, sino que construyó su propio andamio y lo utilizó como una manera rápida
y fácil de construir su propia capilla improvisada, cubierta con papel blanco para pintar. ¡Esto es
perfecto para niños pequeños que pueden tratar de imaginarse el esfuerzo que debe darse en
la pintura desde ángulos extraños!
PAUL KLEE
"Una línea es un punto que salió a caminar". Paul Klee
¡Ahora que es una descripción bastante única, aunque precisa de una línea! Y esta única cita
representa todo de lo que se trataba Paul Klee, el artista alemán-suizo. Era un hombre sin
pretensiones, que no tenía miedo de llamar una espada por una espada. ¡Refleja su inclinación
por lo básico, su simplicidad y, por supuesto, su sentido del humor! ¡Esto hace que sea aún más
divertido aprender sobre este interesante artista.
Paul Klee es bastante diferente de la mayoría de los artistas famosos. Mientras que otros artistas
solían tener una mente única sobre su arte desde el principio, Klee creció aprendiendo
música. También era muy bueno en eso, pero se rebeló para aprender arte durante su
adolescencia. Incluso entonces no estaba tan seguro, diciendo que "probablemente nunca
aprendería a pintar" y que "me espera una larga lucha en este campo de color". Sin embargo,
decidió estudiar sobre el color y eventualmente convertirse en un experto. También fue único
en el sentido de que no se suscribió a ningún tipo particular de arte, sino que experimentó y
practicó todo tipo de arte.
COLLAGE DEL CASTILLO
El castillo y el sol es una de las obras de arte más emblemáticas de Paul Klee. Es una mezcla de
colores y formas geométricas como cuadrados, triángulos y formas de diamantes junto con un
gran círculo para el sol. Se puede recrear esta obra de arte en un hermoso collage, que los niños
pueden hacer en función de los colores que elijan. Utilizando una mezcla de papel de acuarela,
revistas y papel de desecho para un efecto encantador.

CABEZA DE UN HOMBRE DE ARTE EN COLORES PASTEL

El humor sarcástico de Paul Klee a menudo se reflejaba en su trabajo, y un ejemplo es la pintura

llamada "La cabeza de un Main Senile". Cuenta con un hombre con una expresión bastante
caprichosa.
TEORÍA DEL COLOR EN LAS PÁGINAS DEL LIBRO

Klee estudió el color intensamente, y tiene un hermoso trabajo que muestra las familias de
colores y la gradación del color. Se puede dar una visión única de esto, mediante el uso de
marcadores negros en las páginas del libro para dibujar formas y colorearlas.
EL GATO Y EL PÁJARO

¡Paul Klee adoraba a los gatos y sus propias mascotas a menudo eran modelos para su obra de
arte! Como resultado, podemos ver muchas obras de arte relacionadas con los gatos, una
importante fue El gato y el pájaro.

AUTORRETRATO DE PAPEL CHINA

Los autorretratos forman parte de casi todas las clases de arte de artistas, y aquí utilizaremos
las formas geométricas de Klee y los colores brillantes con papel china. El papel está mojado y
el color puede sangrar, creando un efecto magnífico.
DIAGRAMA DE PAUL KLEE

¿Recuerdas la cita sobre el punto yendo a dar un paseo? La obra de arte, The Groom's Arrival ',
es casi una interpretación literal de eso, y se puede realizar un diagrama sencillo que está muy
cerca del original. Simplemente dejemos que los niños tomen su lápiz se deslice a lo largo.
DIBUJOS PARA COLOREAR
PEZ GEOMÉTRICO

Además de los gatos, los peces también figuraron prominentemente entre el trabajo de
Klee. Los más famosos entre sus pinturas de peces son Fish Magic y Goldfish, que muestran
peces sobre un fondo oscuro, con una calidad casi etérea.
PAUL CEZANNE
Un arte que no se basa en los sentimientos no es un arte en absoluto.

Nacido en Francia en una familia adinerada, Cezanne mostró una pasión por el arte desde el
principio, a pesar de la desaprobación de su padre. Mientras que hoy en día se considera a
Cezanne como el pionero en el mundo del arte, su trabajo no fue apreciado durante su
vida. Empezó a llamar la atención a medida que envejecía, y el mundo comenzó a ver la precisión
y la magnificencia estructural en su trabajo. De hecho, artistas famosos
como Picasso y Matisse afirman estar enormemente inspirados por Cezanne.
El trabajo de Cézanne experimentó una gran transformación a medida que avanzaba, ¡pero
todas son obras de arte hermosas! ¡Aprender sobre la vida y el trabajo de Paul Cezanne nos hará
ver esa canasta de frutas de una manera completamente diferente.
PINTURA DE NATURALEZA MUERTA DE APPLE

Paul Cezanne dijo: "Con una manzana, asombraré a París". ¡Eso resume su amor y admiración
por las manzanas! Esta pintura muestra un método para dibujar las manzanas de Paul.
2. FRUTEROS DE CEZANNE
 PASTELES DE ACEITE Y ARTE DE BODEGÓN DE ACEITE DE BEBÉ

Uno de los aspectos más divertidos del arte es usar todo tipo de materiales para pintar. ¡Este
proyecto de arte inmóvil de Fine Lines nos muestra que podemos crear una hermosa obra de
arte con aceite para bebés! Cezanne era un experto en el uso de gradaciones en color, y este
proyecto es una excelente manera de explorar esa técnica.
CORTAR PAPEL BODEGÓN

Muchos de los trabajos de Cézanne presentan frutas con una jarra sobre una mesa, algo que se
ha convertido en una imagen permanente en la mente de las personas cuando piensan en el
arte. Combina la pintura y el collage en un proyecto de bodegones de papel cortado.
MOSAICO DE PAPEL DE CONSTRUCCIÓN DE PICNIC PARISIENSE

Este mosaico de papel de construcción incorpora dos de los temas de Cézanne: naturalezas
muertas y paisajes. Utiliza diferentes tonos del mismo color cuando se prepare el papel para
que se pueda recrear la gradación de color de marca registrada de Cezanne.
CEZANNE PEAR STILL LIFE

Aunque Paul Cezanne sentía un amor especial por las manzanas, no ignoraba otras
frutas. También pintó melocotones y peras, a veces solos o como un surtido. interesante
proyecto hace uso de hojas de libros antiguos y acuarelas que dan un toque moderno a las peras
de Cézanne.
DIBUJOS PARA COLOREAR DE CEZANNE

MANZANAS DE PAUL CEZANNE

Esta obra es de medios mixtos utiliza acuarela, copias de partituras y purpurina plateada para
crear algo absolutamente único y bonito. Cézanne es alguien que estudió sus asignaturas
extensamente y dedicó mucho tiempo a este propósito. Al trabajar con las obras de Cezanne se
debe platicar sobre las cualidades del artista y cómo se refleja en su trabajo. Después de probar
esto, los niños nunca volverán a mirar una manzana o pera de la misma manera.
JACKSON POLLOCK
No hace mucha diferencia cómo se aplica la pintura, siempre y cuando se haya dicho algo.
Jackson Pollock era un artista estadounidense, conocido por su estilo único de pintura que
involucraba rociar, arrojar o gotear pinturas sobre lienzos. A menudo pintó con su lienzo en el
suelo, moviéndose a su alrededor mientras trabajaba, dando lugar al término "pintura de
acción". ¡Probablemente sea por lo que parece haber algún tipo de simetría en su arte, a pesar
de todos los lanzamientos de pintura!

Pollock tuvo una vida difícil, moviéndose constantemente de un lugar a otro durante su infancia,
un padre que eventualmente abandonó a la familia, expulsión de la escuela, pobreza severa,
posibles problemas psicológicos y lo que finalmente se convirtió en la causa de su muerte: el
alcoholismo. Sin embargo, continuó experimentando con su arte, haciendo que las líneas al azar
y los remolinos se fusionen en una combinación única que parece armoniosa pero extrañamente
inquietante.
El arte de Pollock es básicamente arte de procesos , y utilizó todo tipo de materiales para
pintar: pinceles , palos y jeringas.
ARTE JACKSON POLLOCK

Esta manera de presentar a los niños el estilo de pintura de Pollock en el suelo, así como su
hábito de "arrojar" pintura a su lienzo. Permita que los niños sigan a Pollock y caminen alrededor
de su lienzo mientras crean su propia obra de arte.
PARED SALPICADA
SOPLANDO CON POPOTES

Solo se necesita pintura y popotes para esta actividad.

Él creía que 'la pintura tiene vida propia. Intenta dejarlo pasar".
SALVADOR DALÍ
"Cada mañana cuando me despierto, experimento nuevamente un placer supremo: el de ser
Salvador Dalí". - Salvador Dalí
Salvador Dalí estuvo involucrado en una gran variedad de formas artísticas, pero el surrealismo
se considera su verdadero fuerte. Irónicamente, sin embargo, fue expulsado del grupo de
surrealistas en la década de 1930, a lo que respondió arrogantemente: "Yo mismo soy
surrealista". El arte surrealista muestra varios elementos no relacionados, reunidos en
cualquier orden, según la visión del artista. Probablemente te hayas topado con una de las
piezas más emblemáticas del arte surrealista que muestra "relojes de fusión": la obra más
famosa de Dalí, " La persistencia de la memoria".

El trabajo de Dalí no era solo una variedad de objetos aleatorios, sino que a menudo tenían
profundos temas subyacentes religiosos y políticos. También se sintió atraído por las
matemáticas y la física cuántica, y muchas piezas de su trabajo reflejan también esta
fascinación. Pero, sobre todo, el trabajo de Dalí no tenía límites, se ajustaba a nada y podía ser
cualquier cosa.
RETRATOS DE BIGOTE DE DALI

¡La apariencia de Dalí solía ser una obra de arte en sí misma y sus bigotes eran la comidilla de la
ciudad! Eran extravagantes, y fueron vistos en una variedad de formas y tamaños, a veces
incluso decoradas con flores pueden hacer retratos de Dalí con limpiapipas negros como
bigotes.
COLLAGE DE ELEFANTE SURREALISTA
Dalí disfrutó pintando elefantes y su pintura, 'The Elephants', se encuentra entre las más
populares de sus obras. La pintura presenta elefantes de tamaño regular en patas
extremadamente largas y delgadas, ¡completamente desproporcionadas con respecto a su
tamaño! Bueno, ese es Dali! Dse puede hacer una réplica realizando un collage hecho con tela
de papel arrugado y otros materiales.
RELOJES DE FUSIÓN DE LA PLACA DE PAPEL

No hay duda de que la pintura de los "relojes de fusión" es la más icónica de Dalí. Fue inspirado
por un pedazo de queso Camembert que se derrite al sol, se puedes recrear el reloj icónico de
Dalí con un plato de cartón. Se puede crear un conjunto completo, como en la pintura.
ESCULTURAS DE ARCILLA DE LARGAS PATAS

Dalí no era solo un pintor; también escribió, esculpió y diseñó sets para películas, obras de teatro
e incluso escaparates. Este rasgo de Dalí puede ser recreado en estas esculturas de arcilla,
basado en sus elefantes de patas largas. Los niños pueden hacer cualquier criatura de su
elección y mantenerlos erguidos con palillos de dientes como piernas. Puede hacerlo más
desafiante para los niños mayores incluir articulaciones en las piernas.
PANTALLA DE UTENSILIOS DE FUSIÓN

Una vez que observas algunas pinturas de Dali, sabes que usó una amplia gama de componentes
en su trabajo. ¡Este proyecto se trata de hacer lo mismo, con utensilios de cocina! Debemos dar
a los niños algunos utensilios comunes y déjelos crear sus propias imágenes. Colorea, corta y
organiza en una pantalla de fusión inspirada en Dalí.
DIBUJOS PARA COLOREAR
ANDY WARHOL
Andy Warhol fue un artista estadounidense que literalmente encontró el arte en las pequeñas
alegrías de la vida cotidiana. Era estadounidense hasta la médula, y la mayor parte de su arte
incluye imágenes del americanismo clásico, como Hollywood. Se dice que su trabajo fue
fundamental para poner en marcha la era del 'Pop Art'; ¡Tanto es así que se lo conoce como el
"Papa del Pop"! Ha trabajado en una variedad de medios, incluida la impresión, fotografía,
serigrafía y más. Además, su trabajo penetró en todos los ámbitos artísticos: música, películas,
esculturas e incluso libros. Junto con todo esto, fue un empresario exitoso y no tuvo reparos
en hacer de su arte un negocio.
Warhol tenía un estilo único y cada obra lleva esa marca distintiva de Warhol. Es solo una
indicación de su colorida personalidad y de lo mucho que disfrutó su trabajo.
LAS ETIQUETAS PARA SOPA IMPRIMIBLES PUEDEN

Una de las obras más icónicas de Warhol es la basada en las latas de sopa de
Campbell. Aparentemente, esto era lo que tenía para almorzar todos los días Este proyecto
presenta una etiqueta de lata imprimible con solo el nombre de la marca. Los niños pueden
pensar en su propio sabor y colorearlo en consecuencia. Se pueden dar latas limpias, y hacer
su propia exhibición de Warhol.
WARHOL Y LA REINA

Warhol adoraba el uso de personalidades famosas en su trabajo: Elvis Presley, Marilyn

Monroe, Jackie Kennedy, Mick Jagger y las reinas de Inglaterra. Su serie de grabados de Queen
Elizabeth son particularmente conocidos y usan combinaciones de colores inusuales. Se puede
realizar un collage de papel china de alguna personalidad famosa.
ARTE DE LA IMPRESIÓN DE LAS FLORES

Warhol no pintó demasiadas escenas de la naturaleza, pero un día se inspiró en una imagen de
hibisco en una revista y se dispuso a pintarlas. El resultado fue una serie de pinturas florales
con colores fluorescentes. Otra característica de estas pinturas era que eran todas cuadradas y
podían colgarse de cualquier manera. Los niños pueden recrear este arte con un pimiento,
alguna flor, o cualquier cosa de la naturaleza y un poco de pintura.
EL GATO DE WARHOL

Andy Warhol es conocido por su amor por la repetición, que se refleja en su almuerzo diario
de la misma sopa y su obra de arte que a menudo presenta múltiples de la misma
imagen. Otra rareza fueron sus gatos: la historia cuenta que tenía alrededor de 25 o más y
¡todos se llamaban 'Sam puede hacer una replica de su famoso cuadro del gato llamado 'Red
Sam'.
AUTORRETRATO

Sabemos que Warhol amaba trabajar en celebridades, y una de las obras más populares es el
díptico de Marilyn. Esta es una pintura de pantalla de seda con la misma imagen de Marilyn
Monroe, cada una en diferentes colores. Los niños pueden realizar su propia versión del
díptico, imprimiendo varias fotos en blanco y negro del niño, se les dan plumones de colores y
que los pinten a su gusto.
PABLO PICASSO
"Todos los niños son artistas. El problema es cómo seguir siendo artista una vez que crezca”. -
Pablo Picasso
El arte de Picasso sigue de cerca sus experiencias personales y también refleja sus puntos de
vista sobre la sociedad y la política. Incluso su elección de colores juega un papel importante,
con azules y verdes que reflejan un estado depresivo y rosado y naranjas que muestran el
retorno del amor y la felicidad en su vida.

Hay mucho que los niños pueden aprender del trabajo de Picasso. Cuán estrechamente se
relacionan los colores con nuestras emociones, por ejemplo, o cómo el arte refleja no solo el
estado emocional del artista, sino el estado de la sociedad como un todo. Muchas de las obras
de Picasso tienen muchas capas y profundidad, Reportar este anuncio
CARAS DE PICASSO

Entre las obras más populares del cubismo de Picasso se encuentran sus pinturas con caras. La
combinación de una vista frontal y lateral se presta a algunos proyectos artesanales interesantes
para niños, que pueden realizar con barro, o masa.
EL RAMO DE PAZ DE PICASSO

A crédito de Picasso, puede hacer que un simple arte de dos manos abrazando un ramo sea un
gran símbolo de paz y hermandad.
GUITARRA DE CARTÓN

Durante la década de 1900, Picasso experimentó con el diseño escultórico e hizo una escultura
de guitarra de cartón. Fue impresionante pero demasiado endeble debido a que el artista hizo
una más resistente más tarde, en metal. Los niños pueden intentar hacer la versión de cartón.
ARTE AZUL DEL PERÍODO

El período comprendido entre 1901 y 1904 se conoce como el "Período Azul" de Picasso ya que
la mayor parte de su trabajo durante este tiempo estuvo lleno de tonos de verde y azul. Este era
un momento deprimente para él, y a menudo pintaba caras tristes y personas enfermas o
hambrientas.
COLLAGE DE TRES MÚSICOS

El collage de Picasso, "Los tres músicos" es un maravilloso ejemplo de su estilo cubista y se dice
que representa al artista junto con dos de sus amigos más cercanos.
PÁGINA PARA COLOREAR DE PICASSO
COLLAGE DE AUTORRETRATO

Picasso fue uno de los primeros artistas en utilizar técnicas de collage en su arte. Así que
combina esta técnica con su estilo de cubismo para hacer estos collages de autorretrato
GALLO CON GIS
El trabajo de Picasso se centró en algunos temas más que en otros, como bufones, acróbatas,
pájaros y animales. El gallo fue uno de sus favoritos y es prominente en 'Le Coq', una obra de
arte que refleja algunas líneas y colores preciosos.
CORAZONES DEL PERIODO ROSA

Así como las obras de 'Período Azul' de Picasso reflejaban tristeza y desesperación, su 'Período
Rosa' reflejaba mucha más alegría, con mucha naranja, melocotón y rosa.
 CAMPANAS
Propósito:
Desarrollar la percepción aditiva del niño.
Enriquecer el vocabulario del alumno.

Material:

Tres campanas de sonido muy diferentes: la más grave, la mediana y la más aguda.
Si son las campanas Montessori (todas del mismo color) y estamos con niños pequeños, le podemos pegar una pegatina
de color diferente en cada campana.
Una masa para tocar las campanas.
Una alfombra.

Presentación:
1. Invitar al niño.
2. Nombrar el material: “hoy vamos a tocar las campanas, esto es una campana, esto es una masa. Sirve para hacer
sonar la campana.”
3. Llevar el material a la alfombra.
4. Toca la primera campaña tres veces dejando un segundo o dos entre cada sonido.
5. Toca las demás campanas de la misma manera.
6. Pregunta al niño si quiere tocar en las campanas.
7. Una vez escuchado los distintos sonidos, pide al niño que cierre sus ojos (o que se dé la vuelta)
8. Toca una campana tres veces.
9. Pregúntale al niño si sabe cual has tocado: “la azul.” “ esta” …
10. Repite la actividad tantas veces como lo desea el niño.
11. También le puedes pedir al niño que te lo haga a ti.
12. Devuelve el material a su sitio.

Ejercicios siguientes

Luego puedes tocar dos campanas una detrás de la otra y preguntar en qué orden has tocado las campanas. E ir
añadiendo poco a poco más campanas.

Poner las campanas y pedir al niño que las ponga en orden del más grave al más agudo.

Enseñar el nombre de cada nota con los tres periodos de aprendizaje.

En actividad de grupo (a la hora del círculo) pedir a cuatro niños de elegir cada uno una campana y hacer la sonar.
Pedirle a cada uno que se ponga en un rincón diferente de la clase. Pedir a los demás niños que cierran sus ojos. Un niño
toca su campana, y los demás deben reconocer de cual rincón o quien ha tocado la campana.

Más tarde podemos probar diferentes sonidos, fabricando nuestras propias campanas, piano de agua etc.…
 LOS GLOBOS
Propósito
Interesar al niño en la lectura de notas musicales

Material
 4 globos con palito
 Papel de color
 Tijeras
 Hoja con pauta

Presentación
La guía menciona al grupo que van a realizar una actividad musical.
La guía menciona a los niños mientras muestra los globos colocados en diferente
posición estas 'notas de música de globo' se conocen como "bajas" - "altas" - "bajas" -
"altas" (bajando las voces hacia arriba y hacia abajo, luego hacia abajo y hacia arriba)
Les pide a los niños que cierren los ojos mientras cambia las posiciones de los globos
para que los niños cantaran un nuevo patrón de nota de globo "alto / bajo".
Una vez que han terminado de esta actividad es momento de que los niños sostengan
los globos. Cuatro niños formaron una fila delante del grupo y cada niño decidió si su
globo sería una nota alta o una nota baja. El resto de los niños cantan los patrones de
notas del globo.
Aquí está el tablero de anuncios de música en un preescolar donde enseño "leen" las
notas musicales y cantan.

Ejercicios siguientes
Los niños pueden hacer su propio "personal" de música con notas musicales y luego cantar con
sus amigos.
el patrón de globo se puede copiar en papel de color
Aquí hay un ejemplo de Treble Clef ya impreso en papel infantil:
"Alto-bajo-alto-alto"
Aquí hay una configuración con globos impresos en papel de color:
 GÉNEROS MUSICALES
Propósito
Conocer acerca de los diferentes géneros musicales, sus principales representantes.

Material
 Tarjetas de los géneros musicales
 Un reproductor de audio con canciones de los diferentes géneros.

Presentación
La guía invita a trabaja a un niño y comienza explicando que escuchamos diferentes
géneros en tiendas como clásica, rap, hip hop y baladas.
Hace notar como algunas melodías suenan trastes, otras alegres unas nos alegran más y
otras menos.
La guía comenta que se usa la música para expresar los propios sentimientos, para orar,
entretener y cómo simboliza los orígenes.
Mientras leemos cada tarjeta, escuchamos algunas muestras en el reproductor y le
preguntamos su opinión sobre la música.
CAMPANAS Y NOTAS MUSICALES

MATERIAL
Campanas de los sonidos
Tarjetas de las notas musicales
Tarjetas de melodías

Presentación
La guía invita a trabajar a un niño que haya trabajado previamente con los sonidos de las
campanas
Mientras va tocando la campana la guía va colocando las notas en su lugar correcto en el
pentagrama explicando que cada nota corresponde a un sonido.
Van comprobando la diferencia del tono con el tono de cada campana a medida que la nota
sube en el pentagrama musical.
Posteriormente permite combinar estas notas y les explica que así es como se crea la música.

Ejercicios siguientes
Tocar diferentes canciones con ayuda de las melodías impresas.

.
 INSTRUMENTOS MUSICALES

Material
Tarjetas de los instrumentos musicales

Presentación
la guía invita a trabajar a un niño,
le platica acerca de las diferentes formas en las que podemos hacer música y le va
mostrando los diferentes instrumentos y el niño va leyendo su definición
estas tarjetas de definición explican cómo funcionan los instrumentos.
 TEMPO

Al concepto de música lenta y rápida se le llama "tempo" y se realizan una serie de ejercicios
para que comprendan la terminología musical de "Largo" y "Presto".

Primer periodo:
 "Hagamos que Ahh suene de una manera lenta. De esta manera".
 Demuestro cantar "Ahh" lentamente.
 Luego, digo: "Lento en la música se llama ' Largo' ".
 Luego digo: "¿Puedes decir Largo conmigo de forma lenta? ... Largo".
 " Finalmente digo: " Ahora, cantemos, 'Ahh' juntos de una manera Largo ".
 Y, todos procedemos a hacer eso!

Continúo diciendo: "Ahora hagamos que el sonido Ahh sea rápido. De esta
manera".(Demuestro cantar "Ahh" rápidamente) Luego, digo: "Rápido en la música se
llama'Presto' ".
Entonces procedemos a pasar por la secuencia anterior y esta vez cantamos el modo "Presto",
con todo cantado rápidamente.
Segundo período:
 Otro día, digo: "Vamos a cantar 'Ahh' el camino del Largo. ¿Va a ser rápido o va a ser
lento?
 Los niños probablemente responderán "lento". (Sin embargo, si todavía no parecen
tener esa idea, vuelvo al primer período y digo: " Largo significa música lenta ".(Digo
esto de una manera lenta para ayudar a los niños a hacer más conexiones)
 Del mismo modo, continúo diciendo: "Ahora, vamos a cantar 'Ahh' a la manera Presto.
¿Va a ser lento de nuevo, o va a ser rápido?" etc ...
Tercer periodo:
 Después de que los niños hayan tenido mucha práctica con el segundo período de esta
lección (ver arriba), entonces digo: "¿Quién recuerda cuál es la palabra lenta en la
música?"
 Probablemente habrá niños que respondan 'Largo'. Sin embargo, si no regrese al primer
y segundo período y continúe reforzando los conceptos

Ejercicio siguiente
en una fecha posterior , puedes introducir tarjetas con las palabras "Largo" y "Presto" escritas
en ellas (agrego una foto de un conejo para presto y una tortuga para el signo de largo).