Arte moderno

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Almuerzo en la hierba de Pablo Picasso.

Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo

del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que
pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un
determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este
representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.1
Al ser principalmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación de un
periodo para el "arte moderno" es problemática, empezando por una dificultad obvia:
el arte de la Edad Moderna (de mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que
se entiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad
Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad). Otra ambigüedad
evidente es la utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte antiguo", que
tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio de la historia
hasta el siglo V), especialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros
modernos", siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas
convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos.2
Las expresiones "arte moderno" y "arte contemporáneo" se utilizan muy a menudo de
forma totalmente intercambiable, incluso en la bibliografía especializada3 y el entorno
institucional (museos y universidades);4 mientras que en otras ocasiones, en los mismos
ámbitos, se utilizan en oposición, reservando para el "arte moderno" un periodo indefinido,
que puede ir desde distintos momentos del siglo XIX hasta distintos momentos del siglo
XX. No hay consenso para determinar si es el "arte moderno" o el "arte contemporáneo" el
que ejemplifican las vanguardias; ni tampoco para determinar si esa diferenciación debe
aplicarse a alguna de las sucesivas generaciones de vanguardias: bien las que comienzan
antes de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y se desarrollan en el periodo de
entreguerras (1918-1939), o bien las que surgen después de la Segunda Guerra
Mundial (1939-1945), o incluso las "transvanguardias" de finales del siglo XX, cuando se
acuñó el concepto de lo "postmoderno", que para algunos autores pondría fin al "arte
moderno" en sí.5
 Únicamente si se entiende el concepto de arte moderno no como cronológico, sino como
estético (de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud), pueden explicarse ciertas
paradojas: un pintor academicista como William Adolphe Bouguereau (muerto en 1905) no
hace "arte moderno", mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí;
calificar como "modernos" a el Greco (muerto en 1614), Velázquez (muerto en 1660),
a Rembrandt (muerto en 1669) o a Goya (muerto en 1828) es algo tan común que se ha
convertido prácticamente en un tópico.6
El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental,
representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor
dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la
naturaleza o su condición literal. La invención de la fotografía había convertido esta función
artística, hasta entonces esencial (pintores de corte), en algo accesorio, cuando no
obsoleto. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista,
con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, llegando incluso a
la abstracción. La Revolución industrial no sólo trajo las innovaciones técnicas que
permitieron la arquitectura del hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las
relaciones productivas y sociales, y con ellas, la posición del artistafrente a su cliente.

Índice

 1Otras tradiciones
 2Rechazo
 3Precedentes
 4Impresionismo y vanguardias
 5Estados Unidos
 6La muerte del arte y el fin de lo moderno
 7Véase también
 8Referencias
o 8.1Bibliografía
o 8.2Notas
 9Enlaces externos

Otras tradiciones[editar]
En su origen, dada su naturaleza reactiva, el arte moderno es un fenómeno
exclusivamente europeo, aunque en algunas ocasiones se planteaba la necesidad de
búsqueda de tradiciones alternativas fuera del arte occidental (en el arte africano -
cubismo-, o en el arte japonés -impresionismo-) o fuera de las fases más clasicistas de la
propia tradición occidental (prerrafaelismo).

Rechazo[editar]
El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que comenzó a acuñarse el concepto, no
sólo en los ambientes sociales y conservadores que los artistas modernos
buscaban epatar,7 sino entre intelectuales que se ocuparon muy seriamente de su análisis,
como fueron los casos, en España, de Eugenio d'Ors, autor de la lapidaria frase: Todo lo
que no es tradición, es plagio; o José Ortega y Gasset, que tituló una de sus obras: La
deshumanización del arte.
El comunismo soviético y el fascismo italiano, que desde su origen y durante los años
1920 estuvieron estrechamente vinculados a las vanguardias (constructivismo, futurismo),
comprobaron a partir de los años 1930 la necesidad de encauzar su manipulación
propagandística en el terreno de la estética a través de un arte mucho más fácilmente
digerible por las masas. Encontraron soluciones casi idénticas en lo que se conoció
como realismo socialista o arte fascista. En el caso del nazismo, identificó el arte moderno
con lo que denominó arte degenerado de los dementes y de las razas inferiores, por
contraposición a los valores de una pretendida estética aria o arte ario. No obstante, la
persecución a los judíos y la ocupación alemana de Europa durante la Segunda Guerra
Mundial dio oportunidad para el expolio más o menos disimulado de muchas piezas de
arte moderno por parte de los dirigentes nazis (que no lo destruían, sino que se lo
apropiaban).
Simultáneamente, el capitalismo estadounidense, en cambio, asumió con gran dinamismo
el arte moderno, implicándolo en el proceso productivo y aprovechando sus grandes
posibilidades para el mercado.8

Precedentes[editar]
Precedentes de las ideas artísticas modernas ya pueden verse en la obra de los grandes
maestros barrocos (Velázquez o Rembrandt); de autores de finales del siglo XVIII y
comienzos del XIX más o menos cercanos
al romanticismo (Goya, David, Delacroix, Gericault, Friedrich, Turner, William Blake); y de
autores de mediados del siglo XIX más o menos cercanos
al realismo (Corot, Millet, Courbet, escuela de Barbizon, William Morris). Para esas fechas
empieza a ser usual la percepción del artista moderno como un incomprendido social,
ajeno a las instituciones; aunque paradójicamente termine creando su propia
institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 -salón de los rechazados-). Crucial
fue el papel de prestigiosos intelectuales que ejercieron de críticos de arte,
como Rimbaud.9

Impresionismo y vanguardias[editar]
El impresionismo y el posimpresionismo significaron ya un arte decidido a experimentar
con nuevos modos de representación de la luz y el espacio a través del color y la pintura, y
de la vibración de la materia en escultura (Rodin). En los años previos a la Primera Guerra
Mundial, una explosión de creatividad tuvo lugar con
el fovismo, cubismo, expresionismo y futurismo.
La Primera Guerra Mundial trajo consigo el fin de esta fase, pero indicó el inicio de una
serie de movimientos antiartísticos, como el dada y el trabajo de Marcel Duchamp y
el surrealismo. También grupos como de Stijl y Bauhaus acababan de comenzar a
desarrollar nuevas ideas sobre la interrelación de las artes, arquitectura, diseño y
educación artística.

Estados Unidos[editar]
El concepto vanguardista de arte moderno fue introducido en Estados Unidos en el Armory
Show de 1913, y sobre todo con la llegada de artistas que huyeron de Europa a causa de
la Primera Guerra Mundial, como Francis Picabia. No obstante, París siguió siendo la
capital del arte durante todo el periodo de entreguerras, condición que no alcanzó Nueva
York hasta la Segunda Guerra Mundial. En los años cincuenta, sesenta y setenta
aparecieron, por primera vez en la historia del arte, estilos surgidos en los Estados Unidos
(expresionismo abstracto, op art, pop art, minimalismo, happening, Fluxus, land
art, performance art, arte conceptual, fotorrealismo, etc.)

La muerte del arte y el fin de lo moderno[editar]

Fuente. Duchamp, 1917.

La teoría postestructuralista ha acuñado el término "postmoderno" para designar la

imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y
la novedad(elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos
como reinterpretaciones y resignificaciones (el denominado "giro lingüístico")10 con el fin de
ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.
El cuestionamiento del arte como institución era mucho más antiguo. Tal fue la postura
de Marcel Duchamp, ejemplificada en su obra Fuente (1917), un objeto cotidiano
descontextualizado y exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al
revés). La provocación estética, que provenía del malditismo, el dandismo y
el decadentismo del siglo XIX (que pretendían épater le bourgeois -escandalizar al
burgués-),11 pasó a ser un lugar común en el periodo de
entreguerras (dadaísmo y surrealismo), y se prolongó a mediados de siglo XX con
los happenings, el teatro del absurdo y otras provocaciones estéticas del entorno
cultural existencialista, los beatniks y posteriormente la psicodelia y el pop art. La
imposibilidad de seguir manteniendo una separación ficticia entre el arte y el resto de los
productos quedó evidenciada en la obra de artistas como Robert Rauschemberg y Andy
Warhol, que explícitamente la identificaban con los demás productos de consumo de
masas; la expresión teórica se produjo en los escritos de Rosalind Krauss y la escuela
postestructuralista, o de críticos como Giulio Carlo Argan (que acuñó el concepto de la
muerte del arte).
A finales del siglo XX, en el contexto intelectual del "giro lingüístico" y el debate entre
modernidad y postmodernidad, se comenzó a divulgar en el mundo del arte la etiqueta
"postmoderno" (arte postmoderno, arquitectura postmoderna, pintura
postmoderna, escultura postmoderna). Se proclamaba la crisis de las vanguardias,12 e
incluso los géneros o artes tradicionales (pintura, escultura) dejaron de ser el vehículo
principal de expresión artística para quienes buscaban medios más innovadores, en
beneficio de "instalaciones artísticas", "intervenciones", o del uso de nuevas tecnologías
que permiten experimentar creaciones "multimedia" (videoarte, arte digital, media art, etc.)