Siete artistas internacionales forman la nómina de la exposición ´Miscelánea.

Entre ellos está Carole Feuerman,

considerada una de las escultoras hiperrealistas más importantes de Estados Unidos, además de otros como el
surcoreano Xooang Choi, que expone por primera vez en Europa.

La galería P|Art de Ca na Negreta inauguró este viernes una muestra que ha titulado ´Miscelánea´ con la que pretende
«sorprender al público», a través de la obra de siete artistas internacionales de prestigio, en la que tiene un peso
especial la escultura. En la nómina de la exposición, que estará abierta hasta el 20 de julio, llama la atención la presencia
de Carole Feuerman, una de las escultoras hiperrealistas más importantes de Estados Unidos. Además de los también
escultores Xooang Choi, Rabarama y Alex Pinna, las fotógrafas Maria Svarbova y Paloma Rincón y la pintora Sala Sanz. La
inauguración contará con un concierto de Muriel Grossmann Quartet.

Carole Feuerman tiene obra en colecciones permanentes de 19 museos, como el Metropolitan Museum of Art en Nueva
York, el Hermitage de San Petersburgo, en Rusia, o la Bienal de Venecia, en Italia. P|Art Ibiza junto con Bel-Air Fine Art
London son las dos únicas galerías de Europa que comercializan obras de esta artista.

El surcoreano Xooang Choi, que expone por primera vez en Europa, presenta obras que destacan por la presencia del
color carne logrado en mármol, que permite al artista mostrar las preocupaciones del escultor sobre la condición
humana en la sociedad. «Para conseguirlo el artista modifica las proporciones de los personajes humanos o aísla las
partes del cuerpo y las saca de contexto creando piezas perturbadoras y estimulantes que exploran los derechos
humanos, la discriminación, el estado patológico de la sociedad, el aislamiento, la soledad y las políticas sexuales y de
género, entre otros temas», explican desde la galería.

La escultura también tendrá representación europea de la mano de dos artistas italianos Rabarama y Alex Pinna. La
primera muestra esculturas con hombres, mujeres y criaturas híbridas y excéntricas. Con una carrera artística plagada de
éxitos, en 2011 Rabarama estuvo presente en la Bienal de Venecia con una obra monumental, totalmente hecha de
mármol de Carrara.

Alex Pinna, por su parte, ha sido protagonista, desde 1993, de varias muestras individuales y colectivas en varias
ciudades italianas, y también en Shanghái, Tel Aviv, Londres, Nueva York, Los Ángeles y Montecarlo, entre otras.

Fotos de Maria Svarbova

También la fotografía tendrá gran presencia en esta muestra de la mano de Maria Svarbova, una artista eslovaca que,
desde 2010, se ha convertido en una de las fotógrafas más reconocidas internacionalmente, con numerosos premios.

La mexicana Paloma Rincón invitará al espectador a participar en sus juegos visuales, en la intersección donde la
fotografía se encuentra con la escultura, el diseño y la ilustración. «Con experiencia en publicidad de la mano de marcas
como Toyota, Ikea, Samsung, Playstation, Renfe, Estrella Damm o Universal Music, entre otras, Rincón consigue, a través
de un enfoque lúdico y contemporáneo, dotar a sus imágenes de formas, texturas, materiales, luz y color que se
combinan para vivir en armonía dentro de composiciones gráficas finas, ricas y detalladas», explican desde P|Art.

Para terminar, la pintura estará representada por la artista española Sara Sanz. Actualmente residente en Valencia, esta
zaragozana ha participado en ferias internacionales en Londres, Suiza y Madrid. Además ha expuesto en varias ciudades
de Reino Unido, Italia, Estados Unidos y España, dando a conocer su trabajo en varias revistas y periódicos.

Choi Xooang
Las emociones profundas, complejas y, a veces, misteriosas, son fundamentales para la condición humana.
Colorean nuestros días y tienen un profundo impacto en la forma en que nos sentimos acerca de nuestras
vidas. Aunque todas las personas deberían poder controlar sus emociones personales, hay ocasiones en que
no es así, cuando en realidad las emociones nos controlan. El artista coreano Xooang Choi ha creado una
impresionante obra que nos muestra el realismo de la emoción humana congelada en un instante. Su arte
revela la cruda realidad de la vida moderna a la que la gente común se enfrenta cada día si no se enfrenta al
mundo exterior. El interés del artista se centra en los sistemas sociales que administran y controlan a las
personas , su comportamiento y sentimientos más que nunca. [1]
nueva pintura musical
Xooang Choi - Dreamers (Chica), 2008 (Izquierda) / Dreamers (Rosa), 2015 (Derecha), foto a través de
choiandlager.com
Escultura de Xooang Choi
Nacido en 1975 en Corea , Xooang Choi obtuvo su Maestría en Bellas Artes en Escultura de la Universidad
Nacional de Seúl en 2005. Ya durante sus estudios, fue reconocido por sus diminutas esculturas figurativas
hechas de arcilla polimérica pintada. Sin embargo, desde 2007 y su espectáculo de un solo hombre titulado El
estado vegetativo , las figuras de Choi se han ampliado en su escala, lo que dio más presencia a sus esculturas
figurativas que desentierran emociones oscuras. El artista modifica las proporciones de los personajes con
apariencia humana o aísla partes del cuerpo y las saca de contexto para crear piezas perturbadoras y
estimulantes que exploran los derechos humanos, la discriminación, el estado patológico de la sociedad, el
aislamiento, la soledad y las políticas de género y género, entre otras. temas
Elimina partes del cuerpo fuera de contexto para crear piezas perturbadoras y provocadoras de pensamientos.
Galeria de diseño de fotografía.
Xooang Choi - El islote del tipo Asperger,, 2009, foto a través de koreanartistproject.com
El poder del lenguaje corporal
Creadas a partir de arcilla y resina, las piezas de Xooang Choi adquieren una forma de vida extraña. Esculturas
extremadamente detalladas y gráficas llevan expresiones conmovedoras, pero al mismo tiempo muy
poderosas. Sus sentimientos, miedos, amarguras, enojos y frustraciones están escritos en sus caras. Figuras de
mármol, en tonos de piel, muestran las preocupaciones del escultor sobre la condición humana en la sociedad.
Aunque sus trabajos altamente detallados pueden describirse como hiperrealistas en términos de técnica, las
esculturas de Xooang son surrealistas al mismo tiempo, con sus cuerpos distorsionados, exagerados o
fusionados con otras especies. Su trabajo muestra cómo uno se percibe a sí mismo y a los demás, así como a la
sociedad y el entorno al que pertenece. [2]
Figuras en tonos de mármol que muestran la preocupación del escultor por la condición humana en la
sociedad.
suscríbete nuevo diseño de fotografía
Xooang Choi - Condición para el acuerdo ordinario, 2012 (izquierda) / Mujer isométrica, 2013 (derecha), foto a
través de albertbenamou.com
Un comentario sobre la sociedad
Abiertas para innumerables interpretaciones, las esculturas de Choi exploran cómo una variedad de
problemas sociales y sistemas de valores impactan a los humanos. Como afirma el propio escultor, lo más
importante de su trabajo es hacer preguntas al público, sobre los seres humanos y su papel en la sociedad
moderna. [3] Su trabajo ha sido exhibido en museos y galerías en Seúl, incluyendo el Museo Nacional de Arte
Contemporáneo, el Centro de Arte Gimhae, la Galería Dukwon, el Centro de Arte Doosan, el Museo de Arte de
Gwangju y el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Seúl, entre otros. A nivel internacional, Choi dio sus
primeros pasos en el mundo del arte contemporáneo en París , Pekín y Singapur.
Xooang Choi vive y trabaja en Seúl.
n las esculturas hiperrealistas de Choi Xooang, las cabezas sin ojos se enfrentan unas contra otras, las manos
desmembradas se reúnen para formar alas de ángel carnosas y los hombres con cabezas de perros posan en
calzoncillos.
No es de extrañar entonces que el surcoreano de Seúl declare: "Si uno se siente incómodo física o
mentalmente al ver mi trabajo, diría que funcionó".
El detalle fino y el estilo a menudo grotesco del trabajo de Choi lo han ayudado a sobresalir entre la escena
artística contemporánea cada vez más diversa de Corea del Sur. Pero en mayo avanzará a nivel internacional,
mostrando una exposición en la Galería Doosan de Nueva York , donde actualmente está completando una
residencia de seis meses.
"Hay un hilo de fina artesanía que recorre su trabajo, una representación exquisita", dice el autor del libro
"Arte Contemporáneo Coreano" de 2012, Miki Wick Kim. "Y, por supuesto, las buenas obras de arte
representan tantas cosas diferentes que se juntan, no puede ser simplemente una superficie tangiblemente
hermosa, debe tener contexto y relevancia".
"Islet of Asperger Type 6", por Choi Xooang
"Islet of Asperger Type 6", por Choi Xooang Crédito: Xooang Choi
Raíces politicas
Choi, quien estudió escultura en la Universidad Nacional de Seúl y realizó su primera exposición en 2002, a
menudo ha tenido la relevancia de su trabajo vinculado a la historia política de su país.
Corea del Sur ha cambiado dramáticamente desde que se convirtió en una democracia en 1987, pero el
espectro del gobierno autocrático aparentemente se desangra en el trabajo de Choi.
"No intento y digo algo directamente [con mi arte], como si fuera un abanderado del público en general", dice
Choi. "Es más como si estuviera trabajando para presentar preguntas a la sociedad y al público que vive en
esta oscura situación".
Una de sus obras más llamativamente políticas, "The One", representa a una pareja con la cabeza rapada y la
piel de la espalda cosida.
"La gente tiende a pensar positivamente en las parejas, se dijo que la sociedad debe ser 'una', casi como
propaganda", dice Choi.
"Si eso se establece con fuerza, diciendo que tenemos que convertirnos en uno, ¿no sería desafortunado?
Demostré que el hecho de ser cosido a la vez duele".
La saludable red de escuelas de arte de Corea del Sur ha contribuido a una próspera escena artística
contemporánea en el país y un mosaico de estilos, como las instalaciones de iluminación de Choi Jeongmoon ,
las obras fotográficas de Jung Lee y la escultura de Choi, todas se mezclan.
Choi también se inspira en otras fuerzas artísticas, compartiendo su estudio de Seúl con el famoso pianista
Minsoo Sohn , quien ha sido amigo desde la escuela secundaria.
"Vivía en la habitación 408; él vivía en 508 por encima de mí", dice Choi de Sohn.
"Él tocaba el piano cuando yo trabajaba, así que tengo recuerdos de dibujar mientras lo escuchaba. Ahora, 20
años después, es lo mismo".
Mala interpretación
Sus esculturas, que suelen tardar entre dos y cinco meses en completarse, a menudo han hecho
comparaciones con las películas de terror con su piel cosida, cabezas de animales y expresiones de dolor.
Pero Choi insiste en que no está influenciado por tales películas.
Él dice que una de sus obras más conocidas, "The Wing", no fue diseñada para impactar, a pesar de sus manos
cortadas que se forman en un conjunto de alas.
"El ala", por Choi Xooang
"El ala", por Choi Xooang Crédito: Xooang Choi
"Trabajé para transmitir las expresiones de las manos: dar poder, apoyarse mutuamente, en lugar de [tratar
de] hacer que parezcan manos de cadáver cortadas", dice.
Dejando de lado la interpretación errónea, el mayor problema de Choi ha sido acusaciones anteriores de que
explotó a personas con síndrome de Asperger para su serie "Islet of Asperger" , que se exhibió por primera vez
en Seúl en 2010.
"Alguien dijo que me demandarían por eso ... [que tuve] los insulté, presentándolos de forma grotesca. Me
tomó mucho tiempo persuadirlo [no a]", dice Choi.
"Solo tomé prestado el nombre 'Asperger' porque es una palabra que tiene dos significados: tener problemas
con la comunicación pero también ser muy especial", agrega.
Sin embargo, en estos días parece haber más elogios que condenas de Choi, y Kim cree que su exposición en
Nueva York solo mejorará esto, además de aumentar la apreciación internacional del arte coreano.
"Hay tantos artistas contemporáneos coreanos increíbles", dice ella. "Está insuficientemente representada a
nivel internacional ... pero está mejorando mucho".

Francesca Dalla:
La trayectoria artística de Francesca Dalla Benetta comienza con sus estudios en la Accademia of Brera’s fine
arts, en Milán (1999-2003). El interés de Francesca se concentra en el tema de la hybridacion y la
contaminación. Los medios que ella utiliza en esta etapa son la fotografía, video arte y dibujos, principalmente
en forma de bocetos. Al final de su ciclo de estudios, elabora una tesis sobre “El Cyborg como híbrido
contemporáneo”. El acercamiento a nuevos materiales y alternativas, con el fin de crear efectos especiales en
sus videos, lleva Francesca para explorar la dimensión de la escultura y efectos en la industria
cinematográfica….
FRANCESCA DALLA BENETTA
+ Biografía
El camino artístico de Francesca Dalla Benetta comienza con los estudios en la Academia de Bellas Artes de
Brera, Milán (1999-2003). El interés de Francesca se centra en el tema de la hibridación y contaminación. Los
medios que utiliza en esta etapa son la fotografía, el videoarte y los dibujos, principalmente en forma de
bocetos. Al final de su ciclo de estudios, elabora una tesis sobre el "cyborg como híbrido contemporáneo".
El acercamiento a materiales nuevos y alternativos, para crear efectos especiales en sus videos, lleva a
Francesca a explorar la dimensión de la escultura y los efectos en la industria de películas. Dirigida a esta
nueva investigación, comienza a dedicarse por completo al maquillaje especial, en la exploración continua de
su concepto clave, la transformación de los cuerpos y la deformación, con la aspiración de crear un mundo
donde la realidad y el sueño se fusionen.
Durante esta experiencia, Francesca, invitada a trabajar en la película de Mel Gibson, Apocalypto, llega a
México, donde decide quedarse, y durante 3 años más se ha dedicado a los efectos especiales. Durante los
últimos meses de 2009, la necesidad de dar lugar y atención a la creación de su propio universo lleva a
Francesca a regresar a sus orígenes, alejándose del mundo del cine, a abrazar la escultura y otros medios. A
través de la escultura, la pintura y el drowings, explora formas humanas y animales fusionadas en criaturas
oníricas.
La nueva elección realizada se basa en un concepto fuerte, un gran impulso para experimentar, apoyado por
un amplio conocimiento de nuevos materiales, donde la inspiración autodidacta se encuentra con el realismo
cinematográfico. La investigación sigue dirigida hacia lo extraño y lo grotesco, con mayor atención a la
búsqueda de sensaciones a través de finas texturas y detalles.
Francesca trabaja ahora con diferentes galerías, proyectos de arte y cine en la Ciudad de México, y su trabajo
se ha exhibido en numerosos espectáculos individuales y colectivos (Galería Velasco, Ex Teresa, Traeger y
Pinto, Aguafuerte, entre otros), y se ha publicado en revistas especializadas. revistas y medios de
comunicación (La Razon, Neuroblasto Magazine, LARevista, Distrito Global, canal 22, Foro Tv Televisa).
DECLARACIÓN: CELEBRANDO LA BELLEZA NO CONVENCIONAL
"Mi trabajo trata sobre las sensaciones sugeridas por las anatomías grotescas. Quiero que la gente esté
intrigada por la posibilidad de cuerpos imposibles, quiero que la gente imagine el tacto de las pieles y texturas.
Mi atención se dirige a los temas de hibridación, transformación, identidad propia y lo extraño. Me inspira lo
inusual, lo que está detrás de la primera impresión, en las formas y los significados.
A través de la galantería anatómica, exagerada, híbridos, rasgos dramáticos, texturas finamente trabajadas,
investigo sobre preocupaciones antiguas y ancestrales: la identidad, la transformación y la evolución
espiritual, el sentido de pertenencia, la soledad, la conexión entre los humanos, el cosmos y con lo divino. Mi
trabajo tiene como objetivo explorar la percepción de uno mismo, a veces en unión con la Unidad, a veces en
un aislamiento desesperado ".
PROCESOS
Mi material favorito es la arcilla. Me encanta tocar lo que uso para crear, es una de las sensaciones más
placenteras que he experimentado, y me hace estar realmente en sintonía con mi arte, a través de un plan
muy físico.
Tengo casi siempre el mismo proceso para cada trabajo, sin importar el tamaño. Primero tengo la visión en mi
mente, generalmente de una manera muy espontánea, en momentos inesperados o en sueños. Lo dibujo de
inmediato, en cualquier superficie de papel que pueda encontrar. Luego lo miro, y lo pienso y lo que significa
para mí. De esta manera, genero una serie de bocetos más detallados y algunas notas escritas. Luego, cuando
siento que está listo, lo dejo a un lado. Después de un tiempo, pueden ser días o meses, si los bocetos todavía
me conmueven, actúo sobre ellos.
Formo poliuretano ligero y rígido al volumen total, luego lo cubro con arcilla. Últimamente uso arcilla epóxica,
por lo que puedo evitar los moldes (cuando solía hacer moldes, los destruí después del primer colado). Trabajo
texturas finas y detalles meticulosos, con herramientas de escultura de metal y madera. La arcilla epóxica se
seca en 1 hora y necesito tener todo claro en mi mente y trabajar rápidamente. ¡Este es mi momento favorito,
cuando necesito hacer el trabajo duro y sucio! Finalmente, pinto mis trabajos con pintura al óleo, acrílico,
alcohol y tintas vegetales, utilizando diferentes técnicas, como pinceles, aerografías o pinceles de salpicadura,
mezclados y trabajados en capas, según el efecto que busco. Uso una paleta de colores neutros, que me
recuerda a los colores de la naturaleza.
Baile lento:
Si quieres conquistar a esa persona que tanto te gusta o, simplemente, quieres demostrar a tu pareja lo
mucho que la quieres no hay nada mejor que marcarse un buen lento en una discoteca. Este tipo de baile, casi
siempre, se reserva para el final de la velada y está pensado para que aquellas parejas de enamorados puedan
juntar sus cuerpos y disfrutar de un baile íntimo y muy romántico. Pero sabemos que, para muchas personas,
el acto de bailar no es algo que resulte demasiado fácil y, por eso, en este artículo de unComo vamos a
contarte cómo bailar lentos dándote algunos consejos que te ayudarán a destacar en la pista de baile y, sobre
todo, conquistar ese corazón que te vuelve loco.
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De frente a tu pareja, la distancia entre vosotros debe ser de uno o dos pies - si tienes los pies de payaso que
sea uno solamente. Juntar sus dedos de los pies es una posición muy poco optima.
Algunas parejas toman una posición mas relajada, con el pie derecho de uno entre las piernas del otro. Pero ni
lo pienses hacer si no conoces a tu pareja.
Las manos sobre las caderas de las mujeres, y sobre los hombros de los hombres.
Si quieres estar mas cerca de tu pareja, como enamorado o algo así, el hombre debe tirar a la mujer un poco
más sobre él, y poner sus manos arriba de las caderas, pero no en la parte baja de la espalda. La mano
izquierda también se puede usar para tomar la mano derecha de la mujer.
Si en algún momento uno de los dos se siente incomodo con la posición, deben volver atrás, a la posición
segura.
El movimiento para bailar lento
Tradicionalmente el hombre lleva la danza del baile lento y la mujer sigue su movimiento. Esto sigue siendo
general, pero como somos la generación PlayStation, esto no es una obligación.
Si eres el líder, solo tienes que guiar a tu pareja empujando sutilmente, o suponiendo que sostienes a tu
pareja con la mano izquierda, tirar de su mano derecha en la dirección a la que quieres ir.
Los movimientos deben ser lentos y suaves, no es necesario moverse mucho. Puedes seguir movimientos de
baile conjunto, como un vals, o simplemente transferir el peso hacia atrás y adelante, de pie derecho a pie
izquierdo sin moverte mucho. ¿Se entiende?, no mover los pies, pero si manejar el peso de tu cuerpo de un
lado hacia el otro.
El problema es que si vas a mover los pies, tu pareja debe complementar esa acción. Si el líder mueve el pie
derecho hacia atrás, el compañero debe mover el pie izquierdo hacia adelante.
Los pisotones llegan cuando mueves tu pie hacia adelante, y la pareja no se complemente y deja su pie en el
lugar.
Sigue la música, recuerda que estás bailando lento al son de una melodía. Tus pasos deben ser al ritmo de la
música. Esto no es difícil en absoluto porque la música es lenta, pero si intentas dar un paso, que sea durante
los “golpes” del ritmo.
Interactuar con la pareja en el baile lento
Para la mayoría de nosotros, un baile lento solo se trata de estar cerca de la pareja para conocerse mejor, y
moverse poco. Siéntete libre de hablar con tu pareja, encontrar eso que buscas en sus ojos, y si la situación es
apropiada, robar un beso o dos. También es muy recomendable para genera complicidad decirle algo suave a
la oreja y de vez en cuando, cuando bailas lento con tu pareja hacerle un beso en el cuello.
Conclusión del baile lento
No necesitas saber bailar como Chayanne para bailar lento. No haces daño a nadie aprendiendo a bailar este
tipo de danzas, y es una experiencia valiosa y gratificante que puede hacer que te sientas mas cómodo en la
pista de baile, y en muchas fiestas donde el baile es importante - como un cumpleaños de 15. También es
buen ejercicio.
Para finalizar el baile lento es bueno intercambiar una sonrisa y incluso, ni que parezca un poco antiguo, un
beso en la mano y unas bonitas palabras "fue un placer bailar contigo, el mejor momento de la noche".

Batería Improvisada
El video de un pequeño niño en algún recóndito lugar de Asia ha causado la reacción de miles de seguidore en
Facebook, luego de dejar claro que cuando el talento es innato no hacen falta recursos para demostrarlo.
En el film, que ha sido compartido más de 358.000 veces y tiene más de 11.000 comentarios, muestra al joven
haciendo las veces de un baterista e interpreta a la perfección 'Sweet Child O Mine' exitosa canción de la
banda de rock Guns N' Roses.
"Cuando tienes realmente las ganas de hacer música, nada importa. Serás grande pequeño", expresa uno de
los usuarios, admirado por el talento de este chico que vive en condiciones evidentemente de mucha
precariedad.
La batería que toca este artista desconocido parece especie de un proyecto de ciencia o más bien de reciclaje.
La tapa de una olla sirve como el platillo, mientras que varios baldes de plástico completan la cocina de
percusión, junto a algunas chapas de gaseosa aplastadas, para igualar el sonido a una real.
Un mueble viejo hace de bombo, mientras un percutor manualmente fabricado marca el ritmo de esta batería
improvisada, que se encuentra ubicada en una esquina en el patio de la vivienda, de pisos de tierra, bloques y
láminas de zinc. El músico, vestido con una remera y shorts, raídos y desgastados, y calzado unas ojotas de
plástico, se muestra 100% concentrado en la interpretación de la pieza musical, mientras es grabado por la
que suponemos es su madre.
Entre los comentarios, las personas intentan investigar el origen y paradero del chico para entre todos hacerle
llegar una batería de verdad y ayudarlo con sus estudios, formación que lo ayudaría a salir de la pobreza
extrema en la que vive junto a sus familiares.
"Pero de donde es este chico. Hagamos una colecta y compremos una batería para este crack", comentó
Miguel A. Aguilera, secundado por Arturo Ramírez Luquin: "No sé qué me sorprende más, si la habilidad del
niño, ¡o el ingenio del adulto que tiene imaginación, excelente! Merecen que los apoyen".

EL PIANISTA MÁS CREEPY DE LA HISTORIA:

Hace mucho tiempo, un hombre llamado Raúl di Agiestre, que por aquel entonces era rico, vivía con su esposa
en una casa lujosa rodeada por un enorme jardín. El jardín tenía en el centro un gran roble que le daba sombra
a la casa.
A la esposa de Raúl le encantaba tocar el piano, y diariamente practicaba en la zona superior de la casa, para
llegar al piano se tenían que cruzar una largas escaleras hasta llegar el tercer piso que era solo una especie de
librería en la que se encontraba el piano y algunos retratos. Al pie de esas escaleras había un enorme vitral con
la imagen de un ángel vestido de azul danzando sobre una nube y al parecer también cantando, al atravesar el
vitral yacía el gran roble ya mencionado.
Cada vez que la gente le preguntaba a la esposa de Raúl que por qué no hacía otra cosa que tocar el piano, ella
respondía que le gustaba recibir a su esposo con la melodía de su música. Un día, el señor (Raúl) llegó muy
embriagado y furioso ya que perdió en un juego en el que apostó casi todo lo que tenían, es decir que en tres
días la casa dejaría de ser de ellos. Al llegar, se sentó en la sala y empezó a escuchar a su mujer tocando,
inmediatamente gritó que se callara, pero al parecer esta no lo oyó. Le gritó y gritó hasta que se hartó y subió.
Lógicamente, bajo los síntomas del alcohol se cometen muchas tonterías y esta fue la peor que pudo cometer
Raúl. Cogió a su esposa del pelo y la aventó hasta las escaleras con gran fuerza. Su mujer rodó hasta el suelo,
pero conforme bajaba lo hacía cada vez más rápido: llegó a abrirse la frente dando contra el vitral y saliendo
disparada desde el segundo piso hasta el jardín. El roble en temporada de otoño estaba totalmente seco por
lo que sus ramas estaban totalmente puntiagudas y la mujer quedó estacada en una de ellas.
Las ramas del árbol se quedaron goteando sangre durante toda la noche. El señor se fue a dormir y mientras
intentaba dormir oía el piano, y no lo dejaba de oír. También oía cómo el vitral se rompía una y otra vez y
cómo la mujer rodaba por las escaleras gritando de dolor. A la mañana siguiente, el hombre despertó como si
nada hubiera pasado, cuando de repente vio el piano y las escaleras manchadas de sangre, también el vitral
roto y luego a su esposa estacada en el árbol colgando y con la cabeza abierta. El señor corrió a la cocina y se
suicidó.
Pronto, llegaron los agentes judiciales, lo describían como el típico asesinato pasional en que el hombre mata
a su mujer.
Las personas que lo vieron todo fueron los mozos de la casa (el jardinero, las mozas de los cuartos y el
cocinero) y relataron la historia. También dijeron que durante el tiempo que estaban en la casa la historia se
repetía una y otra vez y que todas las noches se oía el piano y que en las mañanas la mujer aparecía en el árbol
goteando sangre y con su rostro lleno de odio y tristeza.
Pronto el jardinero se deshizo del árbol, pero ello empeoró el fenómeno paranormal. Ahora la mujer entraba a
la casa, con sus heridas sangrantes subía hasta el último piso y tocaba el piano como si aún pensara que
estaba viva. También ocurrió que una de las mozas le preguntó qué hacía en esa casa y de repente la mujer
solo le dijo: "Toco para impresionar a mi esposo cuando llegue". Esta moza fue la primera en suicidarse.
Después cada uno de los demás se suicidó porque cargaban con la pianista como una maldición que los seguía
a todos lados.
Al cabo de un tiempo la casa se vendió a una pareja que tenía dos hijos. A la hija mayor le gustaba el piano,
pero no había quién le enseñara. Pasaba el tiempo tocando sola, y conforme pasaba el tiempo se hizo una
profesional.
Un día, su madre, al ver a la pianista espectral en la casa, llamó a un sacerdote en busca de ayuda para
expulsar el espíritu. Este se acercó a la chica e inició el proceso de exorcisamiento, tras saber de sus labios que
el espíritu se hallaba aprisionado en el cuerpo de la muchacha. Pero el espíritu no logró retirarse del todo, y
cada noche de invierno se oye el piano, así como al rayar el alba. Todo aquel que toca el piano o sorprende a
la aparición tocándolo, está condenado a escucharla mientras se encuentre en esa casa.
EL TRIPLE BAILE:
Ocurrió en Brasil, donde una bella joven saltó de su auto para bailar en el medio de la calle, mientras que una
de sus amigas la filmaba. En ese momento se puede observar como de fondo ocurre un múltiple choque, por
parte de conductores que claramente se distrajeron con los movimientos de la rubia.
El video, que fue publicado en Youtube bajo el título “Una rubia para el tráfico”, logró alcanzar más de 350.000
visitas.
Los medios locales especularon que la misteriosa mujer se dirigía a un carnaval cuando ocurrió el accidente.

LAS COPAS MAGICAS:

Desde el punto de vista simbólico, cualquier cosa que contenga luz, vida o amor es una copa mágica. Si
concebimos a la materia prima universal como un “fluido mental” del Creador y entendemos que nuestros
cuerpos, palabras, emociones y pensamientos proporcionan las “vasijas” para darle forma y contenerla,
entonces entenderemos la importancia de esta herramienta mágica en nuestro entrenamiento.
Las armas mágicas tienen variadas correspondencias, dependiendo el sistema simbólico que trabajemos, los
siguientes principios elementales y místicos son usados en la Fraternidad del Círculo Dorado:
Luz: Espadas de Fuego
Vida: Copas de Agua
Amor: Varas de Aire
Ley: Esferas de Tierra
En realidad, estos principios están interconectados e interactúan en combinaciones variadas. Podemos tener
la luz de la vida, la luz del amor y la luz de la ley; la vida del amor, la vida de la ley y la vida de la luz; el amor de
la luz, el amor de la vida y el amor de la ley; también encontraremos la ley de la luz, la ley de la vida y la ley del
amor. Estas permutaciones pueden continuar en triadas o cuaternarios, como en el caso de los lemas de la
F.C.D.: Luz, Vida y Amor; y Luz, Vida, Amor y Ley.
El trabajo con la copa mágica concierne principalmente al poder del amor y esta es una de las razones por las
que tradicionalmente la copa de agua no se obtiene por uno mismo, sino que es un obsequio como símbolo de
amor y fraternidad por alguien que nos ama verdaderamente. En la antigüedad la copa de amor que otorgaba
una sacerdotisa a su mago era su propio cuerpo y el mago ofrecía la copa de su mente. En la actualidad el
símbolo de una copa de cristal, de madera, cerámica o de algún metal como obsequio es suficiente para el
trabajo mágico.

EL títere violinista:
Las ramas del violín / Dramaturgia: Carolina Erlich / Dirección: Mario Luis Marino / Intérpretes: Carolina Erlich
/ Reemplazo de intérprete: Lucía Marachli Levy / Realización de títeres y objetos: Gabriela Civale / Diseño de
luces: Soledad Ianni / Música: Mario Gulla García / Músico: Ignacio Goya / Asistencia de dirección: Viviana
Aronno / Producción ejecutiva: Carolina Erlich / Sala: Pan y Arte, Boedo 876 / Funciones: Miércoles, a las 17;
domingo, a las 15 / Duración: 50 minutos / Nuestra opinión: muy bueno
La sala más grande de Pan y Arte nos recibe cálidamente en un día muy frío. Hay una mesa preparada y un
músico con su violín a un costado que intervendrá brevemente en la ficción. La titiritera se acerca y sonríe. La
historia empieza desde cero. Literal. Las ramas del violín propone la construcción tanto en términos temáticos
como en relación con los recursos. Luis, el protagonista-títere de esta historia atraviesa todas sus
interacciones con el mundo a partir de lo musical. Desde que nace. Va a cantar antes de aprender a hablar, va
a reproducir musicalmente el sonido del timbre o a llorar en clave de sol o de fa o quién sabe... Cuando crezca
sabrá que tiene antecedentes familiares. El violín se convertirá en su sueño y en el objeto de su búsqueda. La
propuesta articula la construcción del instrumento y el universo referido del luthier, con la propia construcción
de la puesta en escena. Es muy bello el modo en que se imbrican. La titiritera tararea una canción, el violinista
la interpretará luego en el violín.
Una habitación se transforma en un bosque pero del otro lado de las cosas hay misterios a develar. Un
armario puede llevar a un universo paralelo. La mesa es el espacio provisorio para el recorrido de Luis. La
puesta no elude el artificio, por el contrario, subraya el armado. Salvo con la aparición del caballo que por
causa del modo en el que se lo manipula, juega más bien con una aparición "mágica" (perdón por el término),
sorpresiva, probablemente porque es un elemento con atribuciones de movimiento que no reproducen el
real. Cuando Luis quiere trepar un mueble, agacharse para entrar por un rincón, pasar las páginas de un libro,
arrancar una "cuerda" de un árbol, los movimientos reproducen los antropomórficos, sus acciones se parecen
a las que llevan a cabo las personas. No sucede lo mismo con el desplazamiento del caballo y funciona como
una especie de nexo entre el mundo de la fantasía y el mundo de Luis, de este lado del armario. La propuesta
parece tener un lado y el otro, como dos caras de una misma moneda. Un lugar de continuidad de dos
mundos que se articulan con fluidez.
Es necesario decir que Carolina Erlich, que manipula y brevemente construye personaje (en ocasiones es la
mamá de Luis), lo hace con precisión y con ternura (dos ingredientes fundamentales para que haya belleza y
armonía) y que las realizaciones de Gabriela Civale pertenecen a la categoría del sueño, tan bello que es difícil
de describir con palabras de este mundo de despiertos. Una preciosa propuesta para los chicos y los grandes
con capacidad de gozar de la hermosura.

LA FUENTE HUMANA:
Siempre se ha dicho que “la información es poder” y en Cuzco Detectives tenemos nuestro claim de “El poder
de la información”.
Pues bien, si hay algo importante en los procesos de investigación es obtener la información y cotejarla con el
fin de poder ratificar en sede judicial que lo que se ha obtenido corresponde a la realidad de los
acontecimientos.
Hace ya algunos años, Cuzco Detectives apostó por certificarse en determinados procedimientos de obtención
de información, formarnos con los mejores, invertir en sistemas y tener nuestra metodología de entrevistas,
de análisis de la información obtenida y apoyarse en la operación de campo para terminar de ratificar esa
información.
Nos hemos formado en las técnicas de análisis de las microexpresiones faciales con el más prestigioso
científico y referencia mundial en este tema, el Dr. Paul Ekman, con el que hemos asistido a cursos, hemos
pasado los exámenes de instructor y hemos obtenido la certificación.
Además, hemos completado la formación con el mejor experto y profesor español en temas de polígrafo. Sr.
Fernández de Landa, con el que hemos estado en formación, realizado las horas de prácticas exigidas, obtener
la certificación de poligrafista y posteriormente adquirir nuestro propio polígrafo.
Con ello se dieron los pasos necesarios, en inversión de formación y en aparatos electrónicos que nos
permiten tener una metodología, conocimiento, capacidad de análisis y fundamento científico en la detección
de la mentira y en el análisis de la credibilidad de la fuente humana
Una vez realizada esta fuerte inversión, Cuzco Detectives aborda otra formación complementaria a través de
cursos en centros y organismos de la Administración Pública, dirigidos a la obtención de información en
fuentes abiertas, análisis de inteligencia, contrainteligencia y fuentes humanas, a los que posteriormente se
añadió toda la modularidad que dan los procedimientos policiales.

Por lo que en nuestro ADN como agencia de investigación privada se puede decir que existe una fuerte
formación y certificación en lo que a obtención de información, análisis y metodología respecta.
Nuestros informes reflejan estas capacitaciones, estas formas de trabajo y asumiendo siempre el marco legal,
podemos decir que nos destacamos por esta rigurosidad científica y probada a la vez que por una continua
formación de alto nivel.
Por ello ha llegado el momento de poder apostar por enseñar a compañeros en el arte de la obtención de
información de fuentes humanas, en hacerles ver la importancia de ello, del tratamiento de las emociones y
de cómo se pueden utilizar estas técnicas para el desarrollo de nuestro trabajo de investigación
Abrimos una nueva etapa en Cuzco Detectives, potenciar la formación de profesionales, las ponencias en
universidades como la Universidad Camilo José Cela, Universidad Pontificia Comillas – ICADE, en programar de
cara al año 2017 toda una serie de cursos y en abrir una capacidad extra de formación online.
Fieles a nuestros principios doctrinales y a nuestro método científico universitario, vamos a formar
profesionales, de calidad, a enseñar el “poder de la información”, a obtenerla, analizarla y sacar provecho de
las relaciones humanas y emociones que se despiertan en las comunicaciones.
Esto que aplicamos en el campo, se verá en breve en el aula.

MIMO:
Puede concederse al mimo teatral un origen genérico en el «μῖμος» (mimo) representado en la Antigua Grecia
preclásica,5 de carácter realista y satírico y luego asociado a otros géneros como la comedia, mezclando
imitaciones y acrobacias en un régimen general de improvisación.6 Cercano a la farsa, el mimo greco-romano
coincidía en la temática «ligera, festiva y obscena por lo general». 7 Los primeros autores relacionados con el
género fueron Epicarmo de Cos y Sofrón de Siracusa, en el siglo v antes de Cristo.678
Algunas fuentes mencionan a Puladēs de Cilicia como uno de los creadores del mimo trágico, y a Bathullos de
Alejandría, como creador del mimo cómico.9
En Roma, Trajano desterró a los mimos, Calígula les favoreció, Marco Aurelio los hizo sacerdotes de Apolo y
Nerón actuó él mismo como un mimo.10 Su popularidad a lo largo del periodo imperial romano llegaría a
eclipsar al drama culto; sin embargo, en el siglo v, la Iglesia, llegaría a excomulgar a los actores y conseguir del
emperador la clausura de los teatros un siglo después.6
Conservado en la Europa Medieval por las compañías ambulantes, resurgió y se difundió con la Commedia
dell'Arte,8 tuvo entre sus más dignos representantes al bufón y al cómico de la legua.1112 También se asocia
el mimo teatral con precedentes carnavalescos13
Su más moderna expresión y desarrollo se debe al mimo y saltimbanqui Jean-Gaspard Deburau, que en el París
del siglo xix inmortalizó la figura silenciosa con la cara enharinada. Le seguiría luego Jacques Copeau, muy
influenciado por la referida ‘comedia del arte’; su discípulo Étienne Decroux desarrolló el mimo corporal. Más
tarde, Jacques Lecoq sintetizó la mímica y el teatro físico.14 En esta línea, el último gran representante francés
fue Marcel Marceau.
Evolución
Charles Chaplin en Vida de perro (1918).
Las restricciones de la tecnología del cine mudo obligaba a contar las historias con un mínimo de diálogo, que
aparecía en breves intertítulos. En el cine mudo, actores cómicos como Charles Chaplin, Harpo Marx Harold
Lloyd y Buster Keaton, que aprendieron el arte de la mímica en el teatro, lo popularizarían a través del cine.
Trayectoria que seguirían cineastas posteriores como Jacques Tati. El mimo como recurso narrativo de apoyo
de la trama tuvo especial desarrollo en el cine expresionista alemán.15
Asimismo, con posibles orígenes en la Commedia dell'Arte, el mimo ha sido un recurso tradicional en
espectáculos populares como el circo, como lenguaje de base del payaso.16 En esa línea se sitúa el estilo
improvisado y abierto a la participación del público de Lecoq, en oposición al estilo clásico de Marceau.17

EL HOMBRE QUE FLOTA:

En Quora, la red social dedicada a plantear preguntas y ofrecer respuestas, han querido resolver esta cuestión:
¿Cómo se mantiene la persona de la foto en el aire?
Obviamente, el señor que está arriba no levita y el que está abajo no tiene una fuerza sobrehumana. El forero
Michael Ford explica que para conseguir este efecto se usa una plataforma (1) enganchada a un poste de
metal (2) que está sujeto a su vez a otra base metálica (3).
Ford apunta que se suele usar ropa ancha y guantes para camuflar el truco, además de que muchas veces los
brazos y manos que se ven son postizos (y metálicos) y los reales están ocultos debajo de la ropa. Konstantinos
Berios añade que es “mucho más cómodo de lo que uno imaginaría” y que en el caso de los dos artistas
callejeros de la primera foto, la gracia está en haber conseguido una puesta en escena que permite una
“presencia más natural, que lo hace mucho más creíble para el público”.
El truco no es nuevo: en este vídeo de la BBC también enlazado en Quora se muestra que los yoguis lo vienen
usando desde hace “cientos de años”.
El montaje ha sido aprovechado por ilusionistas, como vemos en este número del concurso estadounidense
America's Got Talent, que incluye el momento de la levitación (o el de sentarse en la plataforma, según se
mire).
Los ilusionistas tienen a su disposición formas más fáciles de lograr este efecto. David Blaine no usa
plataformas, pero no diremos más porque hoy ya hemos desvelado un truco y eso no se hace.
No es la primera vez que se habla de levitación en Quora. ¿Es posible? La respuesta es “no”, si esto supone
contravenir las leyes de la física, pero sí existe la levitación magnética, que es la tecnología detrás del tren
Maglev de Shangai, de la peonza Levitron y de este monopatín al estilo de Regreso al futuro 2, que se ha
financiado a través de Kickstarter. Lo más parecido a la levitación yogui, según Gerwin Dox, sería congelarnos
hasta dos grados por encima del cero absoluto (que son -273 grados centígrados) y usar unos imanes.
ARTE GROTESCO
Uno diría que se ha puesto un tanto de moda la expresión “arte grotesco” y que nadie se pone plenamente de
acuerdo en qué consiste (desde luego no tiene un significado unívoco) por lo que creo que una de las
intenciones de la muestra “El factor grotesco” en el museo malagueño “Pablo Picasso” es intentar ver la
diversidad o algo de la diversidad de ese “grotesco”.
Es evidente que aquí conviene ir a un diccionario, como el de la RAE, donde debemos quedarnos con las dos
primeras acepciones de la voz “grotesco” y con su étimo, que me parece importante: grotesco viene del
italiano “grotta”, gruta, por lo que lo grotesco es etimológicamente ese “grutesco” que se puso de moda como
adorno en el Renacimiento, tratando de reflejar el interior húmedo y vegetal de algunas cuevas, aunque
fueran hechas, algo más tarde y artificialmente, para ciertos jardines elegantes. Las dos primeras acepciones
de “grotesco” son: “Ridículo y extravagante.” Y después: “Irregular, grosero y de mal gusto”. Observemos que
todo se avecina, pero que nada es lo mismo, como el mismo “arte grotesco” del que podemos hablar…
Alguien (algún crítico que no viene al caso) ha dicho hace poco ante un lienzo macabro, “arte grotesco,
macabro y maravilloso”. ¿Grotesco y macabro es lo mismo, como se nos insinúa? Podemos decir que los
dibujos que trazó Leonardo de Vinci de rostros exagerados de viejos y viejas, tienen algo que ver con los
cuadros de muertos fantasmales, parecidos a su propio maquillaje, que expuso Marilyn Manson en 2002 con
el título de “La era dorada de lo grotesco”. ¿Por qué puede ser “grotesco” un cadaver aunque sea infantil o
una forma fantasmática? Uno de esos lienzos se titulaba “Adolf Hitler hermafrodita.” Creo que Leonardo al
dibujar los rostros grotescos de los viejos (bocas hundidas, barbillas prominentes, narices retorcidas hacia el
mentón saliente) quiso hacer parodia y sátira, algo evidentemente muy clásico. En suma contraponer a la
perfección de la juventud que había pintado y que le obsesionaba, como a tantos renacentistas (pensemos en
sus retratos, también a lápiz, del hermoso Salaí) con la fealdad y el desarreglo de una vejez tenida por
ominosa. Leonardo entendía lo grotesco como una sátira. ¿Y algo antes que él, Hieronymus Bosch, “El Bosco”,
tan admirado por Felipe II?. Pensemos en dos de sus obras más célebres, “El carro de heno” o el políptico “El
jardín de las delicias”, ambos datables de finales del siglo XV… Sí, podría hablarse de una exacerbación, casi un
agotamiento de la pintura gótica en tabla, pero en “El jardín de las delicias”, tanto en el Paraíso central como
en el lateral Infierno, observamos todo tipo de gestos o hechos o formas extravagantes, como la introducción
de una flor por el ano… ¿Estamos ante la plasmación del absurdo o los vicios de la condición humana o ante
un pintor visionario –y El Bosco lo fue en alguna medida- que extrema el sinsentido para expresar tanto
castigos como gozos? El Bosco sería un visionario extravagante que se burla de la condición humana y trata de
pintar unas postrimerías, que de una u otra manera, habrían de quedar muy lejos de cualquier cotidianeidad.
Se trata de un pintor extravagante, visionario, pero sólo en esa medida grotesco. Es decir, lo grotesco de El
Bosco y de Leonardo tienen tantos puntos en común como de divergencia. La parte satírica es más bien delirio
en El Bosco, y en Leonardo no hay nada “visionario” y menos que se acerque a lo grotesco. Si en Leonardo
hubo algún tipo de visionarismo fue resueltamente angélico. Lleguemos a otros nombres clásicos (sin agotar
las posibilidades) por ejemplo Matthias Grünewald o Arcimboldo. Grünewald (1470-1528) es un pintor alemán
lleno de fuerza y torsiones trágicas que vive en los días iniciales del Renacimiento germano un claro espíritu
gótico. Por ejemplo, su comentado cuadro “La tentación de San Antonio” recurre a un tema clásico, las
visiones diabólicas del santo para perder su pureza; y el maestro alemán convierte esas tentaciones no en
mujeres lascivas (como será habitual) sino en un verdadero pandemonium de diablos con cuerpos o rostros de
aves carniceras y una ronda de seres del Averno deformes y monstruosos. Claro que en este cuadro de
Grünewald hay algo del lado visionario más trágico de El Bosco. Pero si lo entendemos según los códigos de la
época -aunque sin duda exagerados- Grünewald no podía sino intentar llamar a la piedad del orante y al
horror ante el pecado del penitente.