Música electrónica

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Para otros usos de este término, véase Música electrónica (desambiguación).
Música electrónica
Orígenes culturales Finales del siglo XIX, a comienzos del siglo XX
Instrumentos comunes Instrumentos musicales electrónicos
Popularidad Muy alta en todo el mundo
Subgéneros
Música electroacústica, música concreta, música industrial, wonky, dub, ambient,
bass, breakbeat, chiptune, trip hop, downtempo, drum and bass, electro,
electrónica, EDM, EBM, IDM, glitch, hardcore, house, synth pop, techno, jungle
dubstep, hardstyle, trance, electropop, reggaestep, trap, chillstep, moombahton
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La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales
electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e
interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido producido
mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido mediante
tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de
dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el telarmonio, el
órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente
electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador
de sonido y el ordenador.

La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a una forma de música

culta occidental, pero desde finales del año 1960, la disponibilidad de
tecnología musical a precios accesibles propició que la música producida por
medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música
electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde
formas de música culta experimental hasta formas populares como la música
electrónica de baile o shuffle dance.

Índice
1 Finales del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX
2 Nueva estética de la música
3 Futurismo
4 1920-1930
5 1940-1950
5.1 Música concreta
5.2 Elektronische Musik
5.3 Música electrónica en Japón
5.4 Música electrónica estadounidense
5.5 Música estocástica
5.6 Desde mediados hasta finales de 1950
6 1960-1970
6.1 Música por ordenador
6.2 Electrónica en vivo
6.3 Sintetizadores
7 1970-1980
7.1 Nacimiento de la música electrónica popular
7.2 Nacimiento del MIDI
7.3 Síntesis digital
8 1980-1990
8.1 Crecimiento de la música dance
8.2 Avance en la música
9 2000-2010
10 Véase también
11 Referencias
12 Bibliografía
13 Enlaces externos
Finales del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX

Telharmonium, Thaddeus Cahill, 1897.

La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música
electrónica, aunque esta no sea absolutamente necesaria para ello. El primer
dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en
1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente,
pero no reproducirlos de nuevo.1

En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros

similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros
durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1889.
Otro invento significativo que posteriormente tendría una gran importancia en la
música electrónica fue la válvula audión, del tipo triodo, diseñada por Lee
DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que
permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de
radio, la computación electrónica.

Con anterioridad a la música electrónica, ya existía un creciente deseo entre

los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical.
Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los
cuales facilitaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un
instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o
Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill entre los años 1898 y 1899.
Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca se llegó a adoptar.
Se suele considerar como primer instrumento electrónico el Theremin, inventado
por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.2 Otro primitivo
instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser
utilizado en la obra Sinfonía Turangalila, por Olivier Messiaen. También fue
utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.

Nueva estética de la música

En 1907, justo un año después de la invención del triodo audión, Alexander
Iskenderian publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre
el uso tanto de fuentes electrónicas como de otras en la música del futuro.
Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles
gracias al Dynamophone de Cahill: «Solo mediante una larga y cuidadosa serie de
experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse de este
material desconocido uno accesible y plástico para la generación venidera y para
el arte».

Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal,

Busoni tuvo un profundo efecto en multitud de músicos y compositores,
especialmente en su discípulo Edgard Varèse.

Futurismo
Artículo principal: Futurismo
En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde
un ángulo diferente. Una idea de la filosofía futurista era la de valorar el
"ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que
anteriormente no habían sido considerados como musicales. El Manifiesto Técnico
de la Música Futurista de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su
credo es: «Presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de
los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los
automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical
el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad».

El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto El arte

de los ruidos (original en italiano, L'arte dei Rumori). En 1914, organizó el
primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su
Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas, cuyos
sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente
activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron
conciertos similares en París.

1920-1930
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos, así
como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer
instrumento, el Theremin, fue creado por Léon Theremin (nacido como Lev Termen)
entre 1919 y 1920 en Leningrado. Gracias a él se realizaron las primeras
composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por
los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger
compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpretada por
primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista.

Además del Theremin, el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice
Martenot, quien debutó en París.3 El año siguiente, Antheil compuso por primera
vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y
amplificadores en su ópera inacabada Mr. Bloom.

La grabación de sonidos dio un salto cualitativo en 1927, cuando el inventor

estadounidense J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que
utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un
desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una empresa
dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el
Órgano Hammond, basado en los principios del Telharmonium, junto a otros
desarrollos como las primeras unidades de reverberación.

El método foto-óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible

obtener una imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar un sonido a
partir de una onda de el mismo.

En la misma época, comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos primeros

exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt Schwitters y Filippo Tommaso Marinetti
entre otros.

1940-1950
Música concreta
Artículo principal: Música concreta
Desde aproximadamente el año 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre
magnético de baja fidelidad, y a comienzos de 1930 la industria cinematográfica
comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos
basados en células fotoeléctricas.4 En esta época la empresa alemana de
electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el
Magnetophon K-1, revelado en el Berlin Radio Show en agosto de 1935.5

Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica

AC Bias, que incrementó drásticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas
al añadir una alta frecuencia inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia
del Magnetophon K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB,
sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.

En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo.6 No obstante,

estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final
de la guerra, cuando varios de estos aparatos fueron requisados y llevados a
Estados Unidos por Jack Mullin. Estos sirvieron de base para los primeros
grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos,
entre ellos el Model 200 producido por la empresa Ampex.

La cinta de audio magnética abrió un gran campo de posibilidades sonoras para

músicos, compositores, productores e ingenieros. Esta era relativamente barata y
su fidelidad en la reproducción era mejor que cualquier otro medio de audio
conocido hasta la fecha. Cabe señalar que, a diferencia de los discos, ofrecía
la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso
reproducirse al revés. Puede editarse también físicamente e incluso pueden
unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos, que reproducen
continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de
audio y el equipo de mezcla expandieron aún más allá las posibilidades de la
cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran
grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su
capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco,
produciendo así de modo complejo, controlable y con gran calidad, efectos de eco
y reverberación, lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios
mecánicos.

Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para

desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Esta
técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de
procesos industriales grabados conjuntamente. Las primeras piezas de esta música
fueron creadas por Pierre Schaeffer, con la colaboración de Pierre Henry. En
1950, Schaeffer dio el primer concierto de música concreta en la École Normale
de Musique de Paris. Posteriormente, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la
Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música
concreta. Un año más tarde, RTF creó el primer estudio para la producción de
música electrónica, lo que se convertiría en una tendencia global. También en
1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y voces
concretos.

Elektronische Musik

Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de WDR, Colonia, en

1991
Artículo principal: Karlheinz Stockhausen
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952 y
posteriormente, durante muchos años, en el Estudio de Música Electrónica de la
WDR de Colonia, en Alemania.

En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso

del mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951, después de que el
físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor
Herbert Eimert convencieran al director de la NWDR, Hanns Hartmann, de la
necesidad de dicho espacio. En el mismo año de su creación fueron transmitidos
los primeros estudios de música electrónica en un programa de la propia radio y
presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo una demostración
pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia, donde se dejaron
escuchar siete piezas electrónicas. Los compositores de los estudios
electrónicos eran Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger, Henry
Pousseur y Karlheinz Stockhausen.

El programa comprendía las siguientes piezas:

Karlheinz Stockhausen: Estudio II

Herbert Eimert: Glockenspiel
Karel Goeyvaerts: Composición No. 5
Henry Pousseur: Sismogramas
Paul Gredinger: Formantes I y II
Karlheinz Stockhausen: Estudio I
Herbert Eimert: Estudio sobre mezclas de sonido
En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und
Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música desde
señales producidas electrónicamente. De esta manera, la Elektronische Musik se
diferenciaba a gran escala respecto a la Musique concrète francesa, que
utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música

electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant-garde o vaguardismo,
cuando se empezó ya a combinar sonidos generados electrónicamente con los de
instrumentos tradicionales. Ejemplos significativos son Mixtur (1964) y Hymnen,
dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen afirmó que sus oyentes decían
que su música electrónica les daba una experiencia de "espacio exterior",
sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico".

Música electrónica en Japón

Aunque los primeros instrumentos electrónicos como el Ondes Martenot, el
Theremin o el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la
Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos
en su momento, como Minao Shibata. Años después, diferentes músicos en Japón
comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo
institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último
equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar
a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y
sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical
durante las siguientes décadas.

Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo
K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de
modo independiente, escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología
electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. En 1948,
Takemitsu concibió una tecnología que pudiese traer "ruido" dentro de tonos
musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo, una idea similar a
la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado en el mismo año. En
1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes
posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de
sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento
tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony
desarrolló el magnetófono magnético G-Type.

En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo
de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando
magnetófonos Sony. Entre sus miembros se encontraban Toru Takemitsu, Kuniharu
Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la
última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer
música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del
Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y
Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952
y 1953. La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma
de música culta occidental, pero desde finales de los años 90 la disponibilidad
de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música por medios
electrónicos se hiciera cada vez más popular.

Música electrónica estadounidense

En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para
diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection de
Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión,
cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido.

El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de
Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton
Feldman) y duró tres años hasta 1954. Durante esta época, Cage completó su
Williams Mix, en 1953.

Música estocástica
Artículo principal: Iannis Xenakis
Un importante desarrollo lo constituyó la aparición de ordenadores utilizados
para componer música, en contraposición de la manipulación o creación de
sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como musique stochastique o
música estocástica, un método compositivo que emplea sistemas matemáticos de
probabilidad estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad
para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis utilizó papel gráfico y una
regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los
glissandos para su composición orquestal Metástasis (1953-1954), utilizando
posteriormente ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de
cuerda y ST/48 para orquesta.

Desde mediados hasta finales de 1950

En 1954, Stockhausen compuso Elektronische Studie II, la primera pieza
electrónica en ser publicada como banda sonora.

En 1955 aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables

la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio fundado por
Toshiro Mayuzumi y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó
a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.

La banda sonora de Forbidden Planet, producida por Louis y Bebe Barron, fue
compuesta únicamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956.7

El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, diseñado y

construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó
el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, este computador
reproducía un repertorio estándar y no pudo utilizarse para ampliar el
pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas.

El impacto de los computadores continuó durante 1956. Lejaren Hiller y Leonard

Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, siendo la primera
obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un
algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de
Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa MUSIC
I. La tecnología del vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.

En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del
estudio de Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel. Un importante
desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond
Scott, con ensamblaje de Robert Moog.

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de

los primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, pues requería una
extensa programación y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado
el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba
osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue
diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center,
donde sigue en la actualidad. Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en
sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de
Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.

1960-1970
Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la
académica, sino también para algunos artistas independientes a medida que la
tecnología del sintetizador se volvía más accesible. En esta época, una poderosa
comunidad de compositores y músicos que trabajaba con nuevos sonidos e
instrumentos se había establecido y estaba creciendo. Durante estos años
aparecen composiciones como Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la
premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y
percusión. En esta última, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional
basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo
acercamiento, que él denominó como "forma momento", se recuerdan las técnicas de
cinematic splice del cine de principios del siglo XX.

El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla, en 1963, siendo

producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick.

El Theremin había sido utilizado desde los años 20, manteniendo una cierta
popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de
ciencia ficción de los años 50 (por ejemplo: The Day the Earth Stood Still de
Bernard Herrmann). Durante los años 60, el Theremin hizo apariciones ocasionales
en la música popular.

En el Reino Unido, durante este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en

1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo,
gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los
artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia
Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de
Doctor Who, compuesto por Ron Grainer y reconocida por algunos como la pieza de
música electrónica más conocida en el mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los
que se encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido
TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron
un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sinfonías de
programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.

El compositor israelí Josef Tal en el Electronic Music Studio de Jerusalén

(~1965). A la derecha, el sintetizador Hugh Le Caine.
En 1961, Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la
Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su
Creative Tape Recorder en el centro.8

Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador,

que fue creado mediante el RCA en el CPEMC. Las colaboraciones se realizaban
superando las barreras de los océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó
a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC), siendo asistido por Mario
Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC, entre otros, inspiró a
la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963, por Morton Subotnick
junto a otros miembros adicionales, como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry
Riley y Anthony Martin. Un año después tuvo lugar el Primer Seminario de Música
Electrónica en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de
Plzen.

Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos, y uno de los más importantes

avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog,
el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de
control de voltaje. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más
pequeño con un teclado, llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de
compositores y universidades, haciéndose así muy popular. Un ejemplo clásico del
uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach, de Wendy Carlos.

En 1966, Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de

Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música
electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los
procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las
tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son
reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfaces de
audio-vídeo y una plantilla de músicos y videoartistas nacionales e
internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.

Música por ordenador

CSIRAC, el primer computador en reproducir música, realizó este acto
públicamente en agosto de 1951.9 Una de las primeras demostraciones a gran
escala de lo que se conoció como computer music fue una emisión nacional pre-
grabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de 1962. Un año
antes, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad del Estado
de Iowa para reproducir canciones sencillas y reconocibles a través de un
altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas
administrativos y de diagnóstico.

Los años 50, 60 y la década de los 70 presenciaron también el desarrollo de

grandes marcos operativos para síntesis informática. En 1957, Max Mathews, de
Bell Labs, desarrolló el programa MUSIC, culminando un lenguaje de síntesis
directa digital.

En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música

creada por computador, desarrollando el sistema informático Sogitec 4X,10 que
incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo
real. Répons (1981), obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez, utilizó
el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de
altavoces.

Electrónica en vivo
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primera vez
en los años 60 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor,
Míchigan, entre los que estaban Gordon Mumma, Robert Ashley, David Tudor y The
Sonic Arts Union, fundada en 1966 por los nombrados anteriormente, incluyendo
también a Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban
música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon
Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge
Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo.

Los compositores y músicos de jazz, Paul Bley y Annette Peacock, fueron de los
primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de
1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para
procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.

Sintetizadores
Véanse también: Minimoog y Korg.
Robert Moog (también conocido como Bob Moog), a finales de 1963, conoció al
compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos
electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el
Sintetizador Modular Moog.11

El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y

musical, fue presentado a la sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una
demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio,
celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros
pedidos y el negocio despegó.

La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años,
haciéndose aún más conocida cuando Wendy Carlos editó el álbum Switched on Bach.
Bob diseñó y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog (la primera versión
portátil del Moog Modular), el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de
extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo
100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en
uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.

Moog no supo gestionar bien su empresa y esta pasó de tener listas de espera de
nueve meses a no recibir ni un solo pedido. Agobiado por las deudas perdió el
control de la empresa, la cual fue adquirida por un inversionista. Aun así
continuó diseñando instrumentos musicales hasta 1977, cuando abandonó Moog Music
y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin él, la Moog Music
fue a pique poco después.

En 1967, Kato se acercó al ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la

construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato
le pidió construir un prototipo de teclado y, 18 meses después, Mieda le
presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la
marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en
inglés Organ.

Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60 y
principios de los 70 pero, consciente de la competencia con los grandes
fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del
órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los
sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue
presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó
diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70 y 80 bajo la marca
Korg.

1970-1980
En 1970, Charles Wuorinen compuso Time's Encomium, convirtiéndose así en el
primer ganador del Premio Pulitzer por ser una composición completamente
electrónica. Los años 70 también vieron cómo se generalizaba el uso de
sintetizadores en la música rock, con ejemplos como: Pink Floyd, Tangerine
Dream, Yes y Emerson, Lake & Palmer, etc.

Nacimiento de la música electrónica popular

Véanse también: Rock progresivo, Escuela de Berlín, Krautrock, Space rock y
Synth pop.
A lo largo de los años 70, bandas como The Residents y Can abanderaron un
movimiento de música experimental que incorporaba elementos de música
electrónica. Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para
la sección de ritmo, mientras The Residents crearon sus propias cajas de ritmos.
También en esta época diferentes bandas de rock, desde Genesis hasta The Cars,
comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.

En 1979, el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un

público más amplio con su hit pop Cars, del álbum The Pleasure Principle. Otros
grupos y artistas que contribuyeron significativamente a popularizar la música
creada exclusiva o fundamentalmente de modo electrónico fueron Kraftwerk,
Depeche Mode, Jean Michel Jarre, Mike Oldfield o Vangelis.

Nacimiento del MIDI

Artículo principal: MIDI
En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para
estandarizar una interfaz a través de la que diferentes instrumentos pudieran
comunicarse entre ellos y el ordenador principal. El estándar se denominó MIDI
(Musical Instrument Digital Interface). En agosto de 1983, la especificación 1.0
de MIDI fue finalizada.

La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar

una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un micro
ordenador, se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio
remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a
las condiciones prefijadas por el compositor.

Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de

4X llamado Max, que posteriormente sería incorporado a Macintosh para el control
de MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica estuviera
disponible para cualquier compositor que tuviera un mínimo conocimiento de
programación informática.

Síntesis digital
Véase también: Sample
En 1979, la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI (Computer
Musical Instrument), el primer sistema práctico de sampler polifónico digital.
En 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7, el
cual utilizaba síntetis de modulación de frecuencia (síntesis FM), probada por
primera vez por John Chowning en Stanford a finales de los años 60.

1980-1990
Crecimiento de la música dance
Artículo principal: Música electrónica de baile
Véanse también: Música electro, Techno, Música house y Acid house.
Véanse también: Rave, Jungle, Drum and Bass, Música trance y Trance.
Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban
instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares.
Esta tendencia ha continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música
electrónica en los clubs de todo el mundo.

Avance en la música
En los años 90, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la
asistencia de ordenadores interactivos. Otro avance reciente es la composición
Begin Again Again de Tod Machover (MIT y IRCAM) para hyper chelo, un sistema
interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista. Max
Methews desarrolló el programa Conductor para control en tiempo real del tempo,
la dinámica y el timbre de un tema electrónico.

2000-2010
A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software
musical avanza, la producción musical se hace posible utilizando medios que no
guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con
los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando ordenadores portátiles y
live coding. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de
actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador,
sintetizador u otros dispositivos.

En las décadas de 1990 y 2000 surgieron diferentes entornos virtuales de estudio

construidos sobre software, entre los que destacan productos como Reason, de
Propellerhead, y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares. Estas
herramientas proveen alternativas útiles y baratas para los estudios de
producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de
microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando
poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación
musical, incrementándose así masivamente y estando disponible al público en
internet.

El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a

que toda una serie de dispositivos, antiguamente solo existentes como hardware,
estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plugins de los
software. Algunos de los softwares más populares son Max/Msp y Reaktor, así como
paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK.

Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos, que en su

época facilitaron el acceso a instrumentos y tecnologías usadas solo por músicos
con grandes recursos económicos, han dado lugar a una nueva revolución en las
herramientas electrónicas usadas para la creación musical. Por ejemplo, durante
los años 90, los teléfonos móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos
que algunas fábricas usaron no solo para generar los Ringtones de sus equipos,
sino que permitieron a sus usuarios algunas herramientas de creación musical.
Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes computadores portátiles,
computadores de bolsillo y PDA´s, abrieron camino a las actuales Tablets y
teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de tono, sino
el de otras herramientas como samplers, sintetizadores monofónicos y
polifónicos, grabación multipista, etc. que permiten la creación musical en casi
cualquier lugar.

Véase también
Géneros de música electrónica
Música clásica electroacústica
Lista de teclistas que utilizaron el sintetizador Moog
Referencias
Rosen, Jody. 2008 "Researchers Play Tune Recorded before Edison" New York Times
Theremin, BBC
Entre los compositores que utilizaron el instrumento se incluyen Boulez,
Honneger, Jolivet, Koechlin, Messiaen, Milhaud, Tremblay y Varèse. En 1937,
Messiaen escribió Fête des belles eaux para 6 Martenot, y escribió partes
solistas para este instrumento en su Trois petites Liturgies de la Présence
Divine (1943–44) y en la Sinfonía Turangalîla (1946–48/90).
Tyson, Jeff. «How Stuff Works - "How Movie Sound Works"».
Entertainment.howstuffworks.com. Consultado el 20 de octubre de 2010.
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Department of Computer Science and Software Engineering. Archivado desde el
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Schutterhoef 2007.
Libro: In estéreo. La industria de la música actual:valor económico y social.
el caso México.
Bibliografía
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Barcelona. Mondadori, 2002 (ISBN 84-397-0901-3).
Eimert, Herbert y otros. ¿Qué es la Música Electrónica?. Buenos Aires. Ediciones
Nueva Visión, 1973.
Enlaces externos
Discovering electronic Music Documental de 1983, en inglés.
El primer Estudio para Música Electrónica de la historia y su apasionante
fundación - Future Music.
Mil años de Música Electrónica: Musical Telegraph de Elisha Gray.
El Fonógrafo de Thomas Edison.
Telharmonium de Thaddeus Cahill.
Theremin, Lev Termen.
Del Ondes Martenot al órgano Hammond.
Esta obra contiene una traducción derivada de Electronic music de Wikipedia en
inglés, publicada por sus editores bajo la Licencia de documentación libre de
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