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seleccionar la parte de la presentación donde queremos ir.
Indice Paseo por el Museo del Prado

• Origen del Museo del Prado

• Interior del Museo
• Obras Maestras
• Curiosidades y datos interesantes
• Ampliación del Museo
• Plano
• Alrededores del Museo
Indice
Indice
El edificio que hoy sirve de sede al Museo Nacional del
Prado fue diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en
1785, como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de
Carlos III. No obstante, el destino final de esta
construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando
VII, impulsado por su esposa la reina María Isabel de
Braganza, tomó la decisión de destinar este edificio a la
creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas.

El Real Museo, que pasaría pronto a

denominarse Museo Nacional de
Pintura y Escultura y posteriormente
Museo Nacional del Prado, abrió por
primera vez al público en noviembre de
1819.
Indice Descripción del edificio de Villanueva

Está formado por un cuerpo central al que flanquean unas galerías alargadas que terminan en unos
pabellones cuadrados en cuyo interior se cobijan las rotondas.
El cuerpo central sobresale con una construcción que tiene seis columnas de orden toscano, un
entablamento, una cornisa y un ático que lo remata. En su cara posterior, termina en forma semicircular o
absidial, de tal modo que su plano adopta forma basilical. Originariamente, dicha estancia abarcaba las dos
plantas de altura, y a finales del XIX se dividió en dos pisos. El inferior era la sala de juntas, hasta su
reciente conversión en recibidor. La planta superior es la actual sala 12, presidida por Las Meninas.

Las dos galerías laterales tienen dos plantas en altura. La inferior con unos ventanales profundos y
alargados que acaban en un arco de medio punto y la superior con una galería de columnas jónicas (en
la actualidad hay un tercer piso retranqueado, obra posterior).
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice

• Después de una breve descripción de cada una de las colecciones. Se

presentan las 50 Obras Maestras recomendadas en la Web del Museo
del Prado, todas ellas, acompañadas de una breve descripción.
Indice PINTURA ESPAÑOLA 1100-1850
Con gran diferencia, la mayor y más importante colección del mundo. Cronológicamente
abarca desde murales románicos del siglo XII hasta el final del siglo XIX. Sus ricas
colecciones incluyen pintura medieval, con Bartolomé Bermejo, Juan de Flandes y
Berruguete, renacentista, con autores como Pedro Machuca, Juan de Juanes y Juan Correa
de Vivar, manierista con el protagonismo absoluto de El Greco, y barroca con Zurbarán,
Ribera, Murillo y Velázquez. Sólo las colecciones de estos cuatro autores suman 200
pinturas. Del siglo XVIII, destacan aparte de Goya los bodegones de Luis Meléndez y la
variada colección de Luis Paret, considerado el mejor pintor español de estilo rococó. Desde
hace muchos años se trabaja en la puesta en valor de la pintura española del siglo XIX
posterior a Goya, que incluye riquísimos y muy caudalosos fondos desde el Neoclasicismo
hasta Sorolla; las pinturas de este siglo suman casi 3.700 obras en total (más de la mitad
de todas las pinturas del museo). Entre las últimas novedades de la colección española
antigua, destacan las compras de La condesa de Chinchón de Goya, El barbero del Papa de
Velázquez y la Colección Naseiro de bodegones, que ha cubierto múltiples lagunas dentro de
tal temática
Indice PINTURA ESPAÑOLA 1100-1850

Románica y Gótica Renacimiento Siglo XVIII

Barroca Siglo XIX

Velázquez
Anónimo Yáñez de la Almedina, Goya Haes, Carlos de Perro
Fernando Vista del jardín de la Villa
Soldado o Montero Medici de Roma Perro semihundido La canal de
Santa Catalina Mancorbo en los Picos
de Europa
Indice PINTURA ITALIANA
Desde el primer Renacimiento, con unos pocos ejemplos de Fra Angélico, Mantegna,
Antonello da Messina y Botticelli, hasta el siglo XVIII (Tiépolo y Corrado Giaquinto).
También, ocho obras de Rafael y su taller, obras maestras de Correggio, Bronzino, Andrea
del Sarto, Sebastiano del Piombo, Federico Barocci, Annibale Carracci, Caravaggio, Guido
Reni, Guercino, Luca Giordano... y la mayor colección mundial de la escuela veneciana
(Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano).

Tiziano, Vecellio di Gregorio Carracci, Annibale Batoni, Pompeo

Venus, Adonis y Cupido Francis Basset, I barón de
La bacanal de los andrios
Dunstanville
Indice PINTURA FLAMENCA
Primitivos flamencos como Weyden (El descendimiento de la cruz), Dieric Bouts, Petrus
Christus y Hans Memling, y la mejor colección de El Bosco. Igualmente sobresalientes son
las pinturas de Patinir, El Triunfo de la Muerte de Pieter Brueghel el Viejo y varias de
Quentin Metsys y Pieter Coecke. Pintura flamenca del siglo XVII: una enorme colección de
Rubens, más de 25 cuadros de van Dyck, varios de Jacob Jordaens, incluyendo su
Autorretrato con su familia, y la serie de Los Cuatro Sentidos de Brueghel. Es una de las
mejores colecciones flamencas del mundo, sólo comparable con la del museo de Viena.

Jordaens, Jacob
El Bosco Teniers, David
Mesa de los pecados capitales Tres músicos ambulantes
El Alquimista
Indice PINTURA HOLANDESA
La pintura holandesa del XVII tiene una presencia mucho más corta, aunque incluye La
reina Artemisa de Rembrandt y ejemplos de Gabriel Metsu, Adriaen van Ostade, Mathias
Stomer y Philips Wouwerman.

Rembrandt
Artemisa
Claesz., Pieter
Bodegón
Indice PINTURA FRANCESA
Apenas hay ejemplos anteriores a 1600, aunque los siglos XVII y XVIII cuentan con
obras magistrales de Poussin, como El Triunfo de David y El Parnaso. Claudio de Lorena
cuenta con varios paisajes magistrales, y hay un par de ejemplos de Simon Vouet. El
tenebrismo cuenta con ejemplos llamativos de Georges de La Tour y Valentin de Boulogne.
Retratistas de los borbones españoles, como Jean Ranc y Van Loo, tienen presencia junto a
maestros rococós como Watteau y Boucher. .

Poussin, Nicolas
El Parnaso
Lorena, Claudio de
La Tour, Georges de Paisaje con el embarco en
Ostia de Santa Paula
Ciego tocando la zanfonía
Romana
Indice PINTURA ALEMANA
Reducida en número, pero de gran calidad. Cuatro de las obras maestras de Alberto Durero,
entre ellas su Autorretrato de 1498 y la pareja de tablas de Adán y Eva, así como una
Virgen y dos curiosas escenas de cacería de Lucas Cranach, dos alegorías muy importantes de
Hans Baldung Grien y, ya del siglo XVIII, un rico grupo de retratos de Anton Raphael
Mengs.

Lucas Cranach
Cacería en honor de Carlos V en el castillo de Torgau

Hans Baldung Grien Alberto Durero

Las edades y la muerte Aautorretrato

Indice PINTURA BRITÁNICA

Existe una pequeña colección de pintura inglesa, tanto de artistas nativos como de extranjeros
que trabajaron de forma estable en aquel país: Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds,
Thomas Lawrence, David Roberts y ya de la época victoriana, Lawrence Alma-Tadema.

Alma Tadema, Sir Lawrence

David Roberts
Escena pompeyana, o La siesta
La Torre del Oro
Indice ESCULTURA
Escultura griega y romana, también del siglo XVI y posterior. Destacan las Musas que
pertenecieron a Cristina de Suecia, y que tras la última ampliación se ubican en el recibidor
oval, bajo la sala de Las Meninas.

Anónimo Anónimo Anónimo

El baile de las ménades La emperatriz Sabina El niño de la espina
 ARTES DECORATIVAS
Indice
El Tesoro del Delfín, valiosa colección de orfebrería y gemas talladas. Además el Museo
guarda una rica colección de tapices, armaduras porcelanas, así como el caudaloso monetario
que fue de Alberto Bosch
 DIBUJOS Y ESTAMPAS
Indice
Sobresale la colección de dibujos de Goya, la más amplia del mundo. Junto a ella, la colección
de dibujos españoles del siglo XIX, con más de 3.000 obras originales, es de extraordinaria
importancia. Las colecciones de dibujos extranjeros son más desiguales, aunque incluyen
notables ejemplos italianos; de manera sorprendente, en fecha reciente se identificaron dos
bocetos de Miguel Ángel para la Capilla Sixtina.
Indice

Las 50 Obras Maestras, del Prado

Indice

La cacería de liebres muestra a un cazador a caballo -casi de

frente como el Soldado-, con el tridente en la mano, lanzando tres
Anónimo perros para acosar a las liebres y llevarlas hasta la red tendida
por el cazador
Cacería de liebres
Planta Baja Sala 51c
Indice Juan de Flandes concibe el espacio
de esta Crucifixión con un punto de
vista bajo, que evoca las
composiciones de Mantegna y la
dota de resonancias italianas, por el
modo de disponer al los personajes
con un dominio de líneas rectas que
otorgan monumentalidad al
conjunto. Para llamar la atención
sobre Cristo Crucificado, situado en
el centro, ante un fondo de paisaje,
idea un semicírculo de figuras en
torno a Él. A la originalidad del
pintor flamenco al representar este
tema iconográfico se suma su
dominio técnico, patente en la forma
de reproducir las calidades de las
cosas como las piedras preciosas y el
coral esparcidos por el suelo.

Flandes, Juan de
La Crucifixión
Planta Baja Sala 57b
Indice Tabla central del Retablo de Santo Domingo
de Silos de la parroquia de Daroca,
Zaragoza, que representa al santo abad
benedictino vestido de obispo. El personaje
aparece sentado en un trono gótico decorado
con estatuas policromadas de las siete
virtudes, las teologales: Fe, Esperanza y
Caridad y las cardinales: Prudencia,
Justicia, Fortaleza y Templanza.

Destaca especialmente el extremo realismo

del rostro de Santo Domingo y la fuerza de
su mirada, características propias del arte
flamenco que, en este caso, no son verídicas
sino ideales, ya que fue en el siglo XI cuando
el monje Domingo fundó, cerca de Burgos, el
Monasterio de Silos, donde vivió. Este
realismo contrasta con el abundante uso del
oro que, como se había especificado en el
contrato, no aparece embutido, como es
habitual en Aragón.
Bermejo, Bartolomé
Santo Domingo de Silos entronizado como obispo
Planta Baja Sala 50
Indice
La disposición del escenario y de las
figuras reflejan la modernidad de
Berruguete en cuanto a las nuevas
tendencias compositivas. A su vez, la
pintura ilustra su capacidad para la
narración pictórica. La escena compone
una magnífica crónica de la Castilla de
tiempos de los Reyes Católicos. Los
personajes vestidos a la moda del siglo
XV, están dotados de una gran
realidad y verismo, rozando lo
anecdótico, como el personaje que
duerme debajo del santo.

Procede de la Sacristía de Santo Tomás

de Ávila.

Berruguete, Pedro
Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán
Planta Baja Sala 57b
 Basada en un grabado de Alberto
Indice Durero, es uno de los primeros
encargos de El Greco en Toledo. El
artista armoniza los conceptos de
dibujo y color desarrollados
respectivamente en el foco romano y
veneciano. En los diferentes colores de
los mantos destaca la contrastada
gama de su paleta, que entronca con la
de Tintoretto. También se pueden
apreciar ecos de la obra de Miguel
Ángel en la vigorosa anatomía de
Jesús.

La obra fue pintada para el ático del

retablo del altar mayor de la Iglesia de
Santo Domingo el Antiguo de Toledo,
por encargo de Diego de Castilla, deán
de Toledo y albacea de doña María de
Silva, enterrada en el convento. Fue
adquirida en 1832 por Fernando VII
El Greco al escultor Valeriano Salvatierra.
La Trinidad
Planta Primera Sala 10a
 Retrato de personaje desconocido, vestido con
Indice traje negro de cuello y puños de encaje y
luciendo colgante y espada, detalle que
destaca su condición de caballero. Una de las
obras maestras del Renacimiento español y
una de las más divulgadas de la producción
de El Greco.

Pintada en los primeros años del artista en

Toledo, El caballero de la mano en el pecho se
distingue por la expresividad de la mirada
que el personaje mantiene fija en el
espectador y el naturalismo en el gesto de la
mano.

Existen muy diversas interpretaciones

El Greco
El caballero de la mano en el pecho
Planta Primera Sala 10a
entorno a la identidad del personaje y al
significado del gesto, afirmando algunos que
simboliza diferentes estados, como
arrepentimiento o un juramento. Aunque
existan dudas razonables, se ha llegado a
identificar al caballero con Juan de Silva y
Ribera, III marqués de Montemayor, alcalde
del Alcázar de Toledo.
Indice
Es una de las obras más importantes de la
producción tardía del pintor; destinada al
que iba a ser el panteón familiar dentro de la
Iglesia Conventual de Santo Domingo el
Antiguo, en Toledo. Para tal efecto, el artista
recuperó un tema que había tratado en
diversos momentos de su carrera, un símbolo
de resurrección y eternidad que acompañaría
los restos del pintor, probablemente
autorretratado en el pastor del primer
término. Se ha pensado que escogió este
episodio por el significado de su apellido
(Theotocopoulus) y la palabra griega
Theotokos (Madre de Dios).

El panteón ideado dejó de ser tal muy pronto,

y la tela cambió de ubicación dentro de la
iglesia, sufriendo distintos deterioros. En
1954 fue adquirida para el Museo del Prado.
El Greco
Adoración de los pastores
Planta Primera Sala 9a

Indice
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
El triunfo de Baco, o Los Borrachos
Planta Primera Sala 12
Es una de las obras más importantes
de la producción tardía del pintor;
destinada al que iba a ser el panteón
familiar dentro de la Iglesia
Conventual de Santo Domingo el
Antiguo, en Toledo. Para tal efecto,
el artista recuperó un tema que
había tratado en diversos momentos
de su carrera, un símbolo de
resurrección y eternidad que
acompañaría los restos del pintor,
probablemente autorretratado en el
pastor del primer término. Se ha
pensado que escogió este episodio
por el significado de su apellido
(Theotocopoulus) y la palabra griega
Theotokos (Madre de Dios).
El panteón ideado dejó de ser tal
muy pronto, y la tela cambió de
ubicación dentro de la iglesia,
sufriendo distintos deterioros. En
1954 fue adquirida para el Museo
del Prado.

Indice
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
La Rendición de Breda, o Las Lanzas
Planta Primera Sala 16
Ambrosio Spínola, general genovés
al mando de los tercios de Flandes,
recibe del gobernador holandés,
Justino de Nassau, las llaves de la
ciudad de Breda, rendida tras un
largo asedio. El hecho, acaecido el 5
de junio de 1625, se consideró en su
momento un episodio clave de la
larga guerra que mantuvieron los
españoles para evitar la
independencia holandesa.
La obra, con clara finalidad de
propaganda política, insiste en el
concepto de clemencia de la
monarquía hispánica. A diferencia
de otros cuadros de historia
contemporánea, Velázquez no se
recrea en la victoria, y la batalla tan
solo está presente en el fondo
humeante. El pintor centra la
atención en el primer plano en el que
se desarrolla no tanto el final de la
guerra como el principio de la paz.
Indice Representación compleja y
altamente intelectual del mito
clásico de Aracne.
El mito aparece representado en dos
planos bajo la apariencia de un día
cotidiano en la Fábrica de Tapices
de Santa Isabel. Al fondo de la
escena el rapto de Europa aparece
hilado en el tapiz que cuelga de la
pared y, ante él Atenea, vestida con
armadura, castiga a Aracne. Las
mujeres que observan el suceso, y
que podríamos confundir con
clientas de la fábrica, serían en
realidad las jóvenes lidias testigos
del momento. En primer término, las
hilanderas representarían el
desarrollo del concurso. Atenea,
hilando en la rueda y Aracne
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y devanando una madeja.

La fábula de Aracne, o Las Hilanderas

Planta Primera Sala 15a
Indice
Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
La familia de Felipe IV, o Las Meninas
Planta Primera Sala 12
El cuadro más famoso de Velázquez encierra una
compleja composición construida a partir de una
admirable habilidad para el uso de la perspectiva, de
la plasmación de la luz y de la representación de la
atmósfera.
Las interpretaciones sobre el tema y la plasmación del
mismo han sido múltiples. Las más numerosas
subrayan la reivindicación de la nobleza de la
pintura frente a las prácticas artesanales. Velázquez
se autorretrata pintando el propio cuadro a la
izquierda del lienzo, afirmando así la supremacía del
arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-
1673), vestida de blanco, aparece rodeada en el centro
de la composición por sus damas de compañía, las
“meninas” María Agustina de Sarmiento e Isabel de
Velasco, dos bufones de la corte, María Bárbola y
Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de
ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña
Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador
José Nieto.
Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria (1634-
1696), se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar
a un juego espacial de extraordinaria complejidad
Indice
El cuadro narra el sueño misterioso
del patriarca Jacob, según relata el
Génesis, quien aparece dormido,
recostado sobre el brazo izquierdo.
Detrás de él se encuentra un árbol y
al otro lado la escala de luz por la
que suben y bajan los ángeles.

El asunto muestra la capacidad

técnica de Ribera para construir un
discurso metafórico. A través de la
representación de un pastor tendido
a descansar en el campo describe uno
de los episodios bíblicos más
conocidos. La visión en primer
plano del personaje sólidamente
construido y los rasgos realistas de
la escena sirven para hacer verídico
el sueño milagroso, que se describe
en un haz de luz bajo un cielo azul
Ribera, José de y gris.
El sueño de Jacob
Planta Primera Sala 26
 Conjunto pictórico que representa el origen milagroso de la fundación de Santa Maria Maggiore de Roma.
Indice Fueron encargados para la iglesia sevillana de Santa María la Blanca, remodelada en los años posteriores a
1660 y concebidos como programa de exaltación mariana que desarrolló la bula papal de 1661 sobre el misterio
de la Inmaculada Concepción.
El sueño del patricio Juan muestra la aparición de la Virgen al patricio y a su esposa mientras duermen,
momento en el que María les encomendó que levantasen una gran iglesia bajo su advocación en el monte
Esquilino con la planta diseñada por una milagrosa nevada.

Murillo, Bartolomé Esteban

Fundación de Santa María Maggiore de Roma: I. El sueño del patricio Juan
Planta Primera Sala 28
Indice

Imagen de devoción, muy difundida en la España del siglo XVII, que representa un
Agnus Dei, el “Cordero de Dios” que alude al sacrificio de Cristo muriendo para
salvar a la humanidad. Destaca la sencillez de la composición formada
exclusivamente por la imagen del joven animal con las patas atadas y apoyado
sobre un alféizar fuertemente iluminado por un único foco de luz.
Zurbarán, Francisco de Zurbarán realizó seis versiones de este tema, con pequeñas variantes iconográficas,
lo que indica que tuvo un relativo éxito entre la clientela privada. Ésta es la
Agnus Dei versión de mayor calidad y corresponde a su etapa de madurez artística.
Planta Primera Sala 18
Indice
Maíno, Fray Juan Bautista
Recuperación de Bahía de Todos los Santos
Planta Primera Sala 16
El 1 de mayo de 1625 don Fadrique
de Toledo recuperó para España la
importante plaza de Bahía de Todos
los Santos en Brasil, ocupada un
año antes por los holandeses. El
cuadro, dividido en dos partes,
representa el momento posterior a la
batalla. A la derecha, el general
español muestra un tapiz a los
vencidos, en el que el rey Felipe IV
está siendo coronado con el laurel de
la victoria por el conde-duque de
Olivares y por Minerva, pisando a
la vez los cadáveres de la Herejía, la
Ira y el Engaño, en alusión a los
enemigos de la monarquía española.
A la izquierda, Maíno optó por
mostrar las consecuencias de la
guerra, a través del sufrimiento de
las víctimas representado en la
mujer rodeada de niños que podría
personificar la Caridad cristiana.

Indice
Sánchez Cotán, Juan
Bodegón de caza, hortalizas y frutas
Planta Primera Sala 18
Bodegón colocado en el
interior de una alacena en el
que se pueden observar
apoyados en la superficie: un
grupo de dos serines, dos
jilgueros y dos gorriones en
una caña, tres zanahorias, dos
rábanos y un gran cardo
blanco cerrando la
composición. Y colgados del
alfeizar superior: tres limones,
siete manzanas, un jilguero,
un gorrión y dos perdices rojas.
La composición destaca por su
sobriedad, intimismo e
intensidad, características que
se enfatizan gracias a la luz
lateral que produce grandes
sombras, creando una ilusión
perfecta y plenamente realista
propia de las naturalezas
muertas pintadas por Cotán
que se convertirán en el
prototipo del bodegón español
 Imagen de Venus desnuda, tendida sobre un diván de terciopelo verde con almohadas y colcha.
Indice La leyenda ha querido ver en la modelo a la duquesa de Alba, aunque también ha sido identificada con Pepita Tudó,
amante de Godoy desde 1797.
En 1800 aparece citada por primera vez en el palacio de Manuel Godoy sin su pareja, La maja vestida (P741), como
sobrepuerta. En 1808 aparece mencionada por segunda vez junto a La maja vestida (P741), en el inventario
realizado por Frédéric Quilliet, agente de José Bonaparte, de los bienes de Manuel Godoy, quien quizás las encargó.
Y en 1813 se describe a las damas como Gitanas en el inventario de incautación de bienes de Godoy por el rey
Fernando VII.

Goya y Lucientes, Francisco de

La maja desnuda
Planta Primera Sala 29
Indice
Destaca el cuidado en el
diseño de los trajes, a la última
moda, de las joyas,
posiblemente creaciones del
joyero de la corte Chopinot y
de las condecoraciones, como la
banda de la Orden de Carlos
III, de la recién creada Orden
de María Luisa, el Toisón de
Oro y las cruces de la
Inmaculada y de San Jenaro.

La armoniosa, clara y a un
tiempo compleja composición,
revela la maestría del artista.
La sutil definición de los
caracteres atestigua la
capacidad del pintor para
analizar al ser humano.
Goya y Lucientes, Francisco de
La familia de Carlos IV
Planta Primera Sala 32
Indice
Representación de los
fusilamientos de patriotas de
Madrid por el ejército de
Napoleón, como represalia al
levantamiento del 2 de mayo
de 1808 contra la ocupación
francesa.

Los soldados franceses, de

espaldas a la derecha de la
composición, apuntan a los
madrileños que han de morir.
El dramatismo y la tensión de
la escena quedan subrayados
por el uso de la luz, que
ilumina fuertemente a los
héroes permitiendo diferenciar
sus caracteres y actitudes en
un detallado estudio
psicológico de los personajes.
Goya y Lucientes, Francisco de
El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío
Planta Primera Sala 39
 Las pinturas murales que decoraron la casa de Goya conocida como la
Indice “Quinta del Sordo”, se han popularizado con el título de Pinturas
Negras por el uso que en ellas se hace de los pigmentos oscuros y
negros y también por lo sombrío de los temas. El carácter privado e
íntimo de esta casa, hizo que el artista se expresara en estas obras con
gran libertad. Pintadas directamente sobre los muros, la técnica
empleada debió de ser mixta, pues los análisis químicos revelan el
empleo de aceites en su composición.

Todas las pinturas fueron mandadas trasladar a lienzo por el barón

Émile d'Erlanger, quien adquirió la Quinta en 1873. Las obras
sufrieron enormemente con este traslado, perdiendo gran cantidad de
capa pictórica en el proceso. Finalmente el Barón donó las pinturas al
Estado, siendo destinadas al Museo del Prado, donde se exponen
desde 1889.

Saturno, en el momento de devorar a uno de sus hijos, es una de las

imágenes más expresivas de las Pinturas Negras. Ocupaba el muro de
enfrente al de La Leocadia (P754) en la sala de la planta baja de la
Quinta del Sordo.

Goya y Lucientes, Francisco de

Saturno devorando a un hijo
Planta Baja Sala 67
Indice
De una fase avanzada en la
producción del pintor puede ser
considerado este soberbio
exponente de su virtuosismo en la
captación de los elementos, todos
ellos tratados con un lenguaje
directo y realista. En primer
término, un limón se contrapone,
aislado, al grupo que constituyen
una rodaja de salmón fresco y
varios cacharros de cocina; estos
últimos son una vasija de cobre,
un perol del mismo metal y un
puchero de Alcorcón sobre el cual,
a modo de tapa, figura un trozo
de loza; detrás se adivina el
mango, posiblemente de un
cucharón. El plano que sustenta el
conjunto desaparece en el fondo,
subrayado su límite por una
cucharilla de largísimo asidero
Meléndez, Luis Egidio
Bodegón: un trozo de salmón, un limón y tres vasijas
Indice
Rosales representó el momento en
que la Reina Católica dicta su
testamento en Medina del Campo
el 12 de octubre de 1504, días
antes de morir. En una estancia
regia casi sumida en la penumbra,
bajo una cama de dosel, destaca
Isabel, con una medalla de la
Orden de Santiago colgada del
pecho. El blanco de las ropas de
cama contrasta con los colores
apagados de los presentes. La
única nota de color la crea el
manto rojo de un apesadumbrado
rey Fernando, quien tiene a su
lado a su hija Juana. En el grupo
de los asistentes se reconoce a
Cisneros vestido con el hábito
cardenalicio.

Rosales Gallinas, Eduardo

Doña Isabel la Católica dictando su testamento
Indice Tres niños desnudos, tendidos
boca abajo se divierten en una
playa, disfrutando de los últimos
coletazos de las tranquilas olas.

Sorolla conjuga en esta pintura

dos temas que fueron objeto de su
atención en numerosas ocasiones:
los niños y la playa. Estas escenas
cargadas de luz marcaron
definitivamente la estética que
hizo tan popular al artista. El
color abordado con un exquisito
análisis es otra de las
características de sus pinturas de
exteriores, y en este ejemplo
sobresale el pelo rubio del chico en
el centro de la composición, cuyo
color se confunde con el de la
cálida arena. La pincelada larga y
jugosa, construye la pintura con
Sorolla y Bastida, Joaquín tintas de gran expresividad.

Chicos en la playa
Indice Retablo pintado para el convento de Santo Domingo en
Fiesole, cerca de Florencia. La tabla central muestra bajo
el pórtico la Anunciación del Arcángel Gabriel a María y,
a su izquierda, la expulsión de Adán y Eva del Paraíso.
La condenación y salvación del hombre. En el banco o
predela se narran escenas de la vida de la Virgen:
Nacimiento de María y los Desposorios con San José,
Visitación de María a su prima Santa Isabel, Nacimiento
del Niño Jesús, la Presentación del Niño en el Templo y la
Dormición de la Virgen con Cristo recogiendo su alma.
Fra Angelico, también conocido como Beato Angelico,
dedicó su obra exclusivamente a los temas religiosos pues
entendía el arte como un aspecto de la devoción religiosa.
Particularmente minucioso en los detalles y calidades de
los objetos, naturaleza y personajes representados, Fra
Angelico aúna en su estilo de la tradición tardogótica
italiana con el nuevo lenguaje renacentista. Ejemplo de
ello es la profundidad espacial de la arquitectura que,
aunque sigue las recomendaciones de Brunelleschi de
centrarse en un escenario cuadrado y sin adornos, denota
Angelico, Fra algunos fallos propios de una obra temprana en la
producción del artista.
La Anunciación
Planta Baja Sala 49
 Esta escena muestra el último momento terrenal de
Indice la Virgen María quien, según los Evangelios
Apócrifos fue elevada por Cristo al Reino de los
Cielos en cuerpo y alma tras su muerte terrenal,
momento también conocido como la “Dormición de
la Virgen”.

La composición de esta pintura está dominada por

la búsqueda de la perspectiva, conseguida
especialmente gracias a la geometría del dibujo del
pavimento, al juego de escala de tamaños de las
figuras y a la ventana del fondo que actúa como
“punto de fuga”. También es digno de destacar la
fuerte individualización de las fisonomías de los
personajes, así como la maestría en la ejecución del
paisaje, siendo una de las primeras
representaciones topográficas reconocibles de la
pintura italiana.

Mantegna, Andrea
El Tránsito de la Virgen
Planta Baja Sala 49
Indice

En la pintura de Antonello, de
gran virtuosismo técnico,
convive una caligrafía
minuciosa de origen nórdico,
perceptible en el paisaje o el
cabello de Cristo, con un
tratamiento monumental de la
anatomía y una preocupación
por el volumen y la perspectiva
claramente meridionales.

Messina, Antonello de
Cristo muerto, sostenido por un ángel
Planta Baja Sala 49
Indice Retrato de un cardenal que se ha
identificado con los cardenales Alidosi,
Bibbiena, Cybo o Trivulzio.

Esta obra fue pintada en Roma, momento

en el que Rafael culminó su capacidad para
pintar las personas más reales de lo que son,
que le reconocían sus contemporáneos.

La composición deriva de la Gioconda de

Leonardo da Vinci, pues en ambos casos el
modelo aparece sentado, formando un
triángulo con su cuerpo y su brazo.
Resultan especialmente sorprendentes los
contrastes cromáticos entre el brillante rojo
del capelo, la manga blanca y el rostro del
cardenal, gracias al uso de las luces. Esta
característica y la minuciosidad de la
pincelada otorgan un carácter
tridimensional al retratado, que deja
vislumbrar el interés por la escultura que
Rafael Rafael tenía en esos años.
El Cardenal
Planta Baja Sala 49
Indice
Retrato ecuestre del emperador Carlos V
(1500-1558) conmemorativo de la victoria
en Mühlberg de las tropas imperiales sobre
las protestantes. La aparente sencillez de la
composición esconde una compleja
simbología que muestra al Monarca en su
doble condición de caballero cristiano y
heredero de la tradición imperial romana.
Ejemplo de ello es la lanza que sostiene el
Emperador con su mano derecha y que
siendo el símbolo del poder de los césares,
también hace referencia al arma de San
Jorge y a la lanza que portaba Longinos
durante la Pasión de Cristo (soldado
romano que clavó su lanza en el costado de
Cristo y que a continuación se convirtió al
cristianismo).

Tiziano, Vecellio di Gregorio

El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg
Planta Primera Sala 11
Indice Celebración de los efectos del
vino en la isla de los Andrios, en
la que la bebida manaba de un
arroyo por gracia del dios Baco.
Una ninfa aparece desnuda en
primer término y al fondo sobre el
montículo, yace Sileno, asiduo
acompañante del dios. El pasaje
de la partitura situada en el
centro inferior de la composición
ha sido atribuido al músico
flamenco, activo en la corte de
Ferrara, Adriaen Willaert. Su
letra, “Qui boyt et ne reboyt il ne
seet que boyre soit” hace
referencia a la celebración del
vino por parte de hombres y
dioses.

Tiziano, Vecellio di Gregorio

La bacanal de los andrios
Planta Primera Sala 7a
 Venus abanica a Adonis, que descansa
Indice sobre sus rodillas, mientras mira a Cupido
abrazar un perro. Esta obra fue concebida
como pareja de Céfalo y Procris (Museo de
Estrasburgo), y ambas ilustran pasajes de
Las Metamorfosis de Ovidio, en este caso
el Libro X, dedicados a amores truncados
por la muerte repentina y fortuita de uno
de los amantes.

La pintura muestra el último instante de

felicidad de los amantes antes de la muerte
de Adonis por los colmillos de un jabalí.
Veronés optó por mostrar la psicología del
amor, plasmada en el rostro ensombrecido
de Venus, conocedora de la suerte que
aguarda a su amado. Realizada tras una
posible estancia en Roma, Veronés se
inspiró en la escultura helenística de El
niño de la oca para la figura de Cupido y
en el Endimión de un sepulcro conservado
Veronese, Paolo en la Basílica romana de San Juan de
Letrán para Adonis.
Venus y Adonis
Planta Baja Sala 75
 Escena del Nuevo Testamento (Juan 13, 1-20) que muestra el momento justo anterior a la Última Cena, en el que
Indice Jesús se dispone a lavar los pies de San Pedro, como ejemplo de humildad y servicio al prójimo. El desplazamiento a
un lateral de los actores principales, Cristo y San Pedro, responde a su emplazamiento original en el muro derecho
del presbiterio de San Marcuola, de tal modo que la acción de Cristo lavando los pies a San Pedro era la parte de
lienzo más próxima a la feligresía.

Tintoretto, Jacopo Robusti

El Lavatorio
Planta Baja Sala 75
Indice
María Magdalena, de rodillas y ricamente
vestida a la moda del siglo XVI, reconoce
a Cristo resucitado en la figura de un
hortelano.
El detallismo con que la obra está pintada
delata el destino del encargo, la capilla de
la familia Ercolani en Bolonia, uno de los
pocos encargos privados realizados por
Correggio tras regresar a Parma en 1520
después de su estancia de formación en
Roma.

La composición es de un equilibrio
extraordinario, en el que se contrarrestan
la inestabilidad de la figura de la
Magdalena con la serenidad de Cristo
frente a un paisaje iluminado por la luz
del amanecer.

Correggio
Noli me tangere
Indice David, vencedor de Goliath se
inclina sobre el cuerpo muerto de
su enemigo dispuesto a atar la
cabeza degollada a modo de
trofeo.

El cuadro muestra la última

escena de la batalla entre filisteos
e israelitas narrada en el Antiguo
Testamento (Samuel 17, 51), en
la que David mata al gigante
Goliath con la sola ayuda de una
piedra y una honda trayendo la
victoria al pueblo de Israel.

La autoría de esta pintura ha

sido controvertida, pero hoy en
día se acepta unánimemente la
atribución al maestro

Caravaggio
David vencedor de Goliath
Planta Primera Sala 5
Indice Moisés es depositado por su
madre en una cesta que abandona
en el Nilo, de donde es salvado
por la hija del Faraón (Éxodo 2).
Gentileschi tuvo una primera
formación en Florencia para
luego trasladarse a Roma donde
fue amigo de Caravaggio,
realizando obras próximas a su
estilo que interpreta de forma
personal. Posteriormente trabajó
en Génova y en París, pasando
después a Londres, donde acabó
su vida. Este lienzo de carácter
sofisticado y elegante, con
suntuosas gamas cromáticas, fue
pintado durante su estancia en la
corte de Carlos I de Inglaterra
como regalo del artista a Felipe
IV de España.
Gentileschi, Orazio Lomi de
Moisés salvado de las aguas
Planta Primera Sala 4
Indice La Virgen María aparece sobre la
bola del Mundo y la media luna,
pisando la serpiente del Pecado
Original, coronada por la paloma
del Espíritu Santo y rodeada por
ángeles y por algunos de los
símbolos marianos. Éstos son la
vara de azucenas, la palmera, la
fuente y el espejo. Esta escena
muestra la manera tradicional de
representar la Inmaculada
Concepción de la Virgen, que fue
concebida sin pecado original.

La obra fue un encargo Real para

la Iglesia de San Pascual de
Aranjuez.

El boceto para este lienzo se

conserva en las Courtauld
Tiepolo, Giambattista Institute Galleries de Londres.
Inmaculada Concepción
Planta Primera Sala 23
Indice El gran maestro de Tournai
centra la composición en la
Compassio Mariae, la pasión que
experimenta la Virgen ante el
sufrimiento y la muerte de su
Hijo.
Weyden maneja con maestría las
figuras representadas en un
espacio limitado al fondo y en los
extremos, donde los movimientos
opuestos y complementarios de
San Juan y la Magdalena cierran
la composición. En el interior de
ese espacio sobresale el juego de
diagonales paralelas que diseñan
los cuerpos de Cristo y de María,
poniendo de manifiesto su doble
pasión. Impactan los gestos, la
contención con que se expresan
los sentimientos y el juego de
Weyden, Roger van der curvas y contra curvas que une a
los personajes.
El Descendimiento
Planta Baja Sala 58
 En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva
y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al
Indice representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino
alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos.
Obra de carácter moralizante, es una de las creaciones más enigmáticas, complejas y bellas de El Bosco, realizada
en la última etapa de su vida. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, hijo natural del gran duque de
Alba, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

El Bosco
El jardín de las Delicias, o La pintura del madroño
Planta Baja Sala 56a
 Según la tradición clásica, el barquero Caronte atravesaba en su barca la laguna Estigia con las almas de aquellos
Indice que accedían al Infierno. En el mundo cristiano medieval este tema fue sacralizado al convertirlo en una elección
entre el Bien y el Mal. Aquí Patinir sitúa un ángel en el lado izquierdo, que señala el difícil camino hacia el
Paraíso, pese a que el alma se encamina ya al acceso del Infierno, donde vigila la entrada el Cancerbero, o perro de
tres cabezas.

Patinir, Joachim
El paso de la laguna Estigia
Planta Baja Sala 56a
 Hija de Enrique VIII y de Catalina de
Indice Aragón, María Tudor nació en 1516 y subió
al trono de Inglaterra en 1553. En 1554 casó
con Felipe II y murió en 1558. Sentada sobre
un rico sillón de terciopelo bordado, la Reina
aparece vestida con traje gris rameado y
sobretodo de terciopelo morado, rica
indumentaria propia de su elevada condición,
igual que las joyas que luce en el vestido,
tocado, puños y cinturón. Del cuello cuelga un
pinjante con una perla de lágrima. En la mano
derecha sostiene una rosa encarnada propia de
la familia Tudor y en la izquierda una pareja
de guantes, símbolo asimismo de distinción.
El retrato reúne la minuciosidad descriptiva
característica de la pintura flamenca y el
majestuoso distanciamiento propio de la
dignidad de la retratada, que Moro supo
captar magistralmente y que servirá de modelo
a futuros retratos cortesanos.

Moro, Antonio
María Tudor, reina de Inglaterra, segunda esposa de Felipe II
Planta Baja Sala 55
Indice
La pintura reproduce un
tema habitual en la
literatura del medioevo
como es la danza de la
Muerte, que fue
frecuentemente utilizado
por los artistas nórdicos.
Brueghel dotó a toda la
obra de un tono pardo
rojizo, que ayuda a dar un
aspecto infernal a la
escena, apropiado para el
asunto representado. La
profusión de escenas y el
sentido moralizante
utilizado por el autor, son
parte de la influencia de
El Bosco en su obra.

Brueghel 'el Viejo', Pieter

El triunfo de la Muerte
Planta Baja Sala 56a
Indice
A la izquierda de la composición,
bajo una columna clásica, el Niño
ayudado por su madre, juega con
los regalos que le ofrece uno de los
Magos. Desde ese punto hacia la
derecha se representa el resto de las
figuras que componen el cortejo de
los Reyes.
En un primer momento la obra
tenía unas dimensiones más
pequeñas que las actuales.
Cuando en 1628/1629 Rubens
visitó España amplió la pintura
hasta sus dimensiones actuales. En
una franja superior incluyó dos
ángeles de influencia tizianesca,
incorporando otra franja a la
derecha, donde hizo constar su
autoría, autorretratándose sobre un
Rubens, Pedro Pablo caballo.
Adoración de los Magos
Planta Primera Sala 9b
Indice Rubens las representó junto a
una fuente, bajo una guirnalda
de flores y ante un fondo de
paisaje. Las figuras están
inspiradas en la escultura
clásica, visible en la intención
de reproducir la frialdad del
mármol en sus carnes. El ritmo
circular y la elegante
ondulación son características
habituales en el artista,
aspectos que se unen a las
formas grandilocuentes y los
colores cálidos que incorpora el
pintor en las obras de sus
últimos años.

Rubens, Pedro Pablo

Las tres Gracias
Planta Primera Sala 9
 El aristócrata aparece de frente
Indice y vestido de satén blanco,
mientras que el pintor, de
negro, está situado de perfil,
más bajo, para no destacar por
encima de la figura del
aristócrata. El carácter
excepcional de este retrato
doble se justifica por la fuerte
relación de afecto entre el
pintor y su patrón, reforzada
visualmente por la posición de
sus manos sobre la roca, como
símbolo de la fuerza de su
amistad. Además, al retratarse
junto a un noble, el artista está
llamando la atención sobre su
elevada condición social y
dignificando indirectamente su
labor de pintor como una
actividad noble.
Dyck, Anton van
Sir Endymion Porter y Anton van Dyck
Planta Primera Sala 10b
Indice Representación del
Parnaso, monte mitológico
consagrado a Apolo y las
Musas. Es una celebración
de las Artes, especialmente
de la Poesía. Apolo ofrece
el néctar de los dioses a un
poeta, probablemente
Homero, coronado de laurel
por Calíope, la musa de la
poesía épica. En primer
plano dos amorcillos
ofrecen a los poetas el agua
inspiradora que mana de la
Fuente Castalia,
personificada por la mujer
desnuda. Inspirado en el
fresco de Rafael en el
Vaticano, es quizás un
homenaje al poeta italiano
Poussin, Nicolas Giovanni Battista Marino
(1569 - 1625), mecenas de
El Parnaso Poussin.
Planta Primera Sala 3
Indice De medio cuerpo, ligeramente escorzado, Durero se pintó
a si mismo junto a una ventana abierta a un fondo de
paisaje montañoso. Viste de jubón blanco con
guarniciones negras y camisa con puntilla dorada, pelo
largo, gorra de listas blancas y negras con borlal, capa
parda y guantes grises de cabritilla. La elección de unas
ropas elegantes y aristocráticas y la mirada severa
dirigida al espectador, con altiva serenidad, indican la
voluntad del pintor de hacer ostentación de su situación
social.

Destaca la riqueza de detalles, la minuciosidad del

tratamiento de las calidades y el brillante colorido, de
entonación dorada, todo ello apoyado en un dibujo de
impecable precisión

La satisfacción de su propia capacidad artística se

comprueba en la inscripción del alfeizar de la ventana,
escrita en alemán: “1498, lo pinté según mi figura. Tenía
yo veintiséis años Albrecht Dürer”.

Durero, Alberto
Autorretrato
Planta Baja Sala 55b
Indice Artemisa, se dispone a beber las
cenizas de su difunto esposo Mausolo
de una copa que le ofrece una
sirvienta. Al fondo la figura de una
enigmática anciana se adivina entre
la penumbra.

Es una obra alusiva a la fidelidad y al

amor conyugal, con la que parece que
el pintor está aludiendo a su
matrimonio con Saskia van
Utylenbroch celebrado el mismo año
en que firma el cuadro.
Realizado en el periodo de máxima
actividad artística de Rembrandt, la
utilización dirigida de la luz logra
resaltar la figura ante el fondo negro,
recurso tenebrista propio de
Caravaggio (1573 1610), adquirido a
través de la obra de su maestro Peter
Rembrandt Harmensz. van Rijn Lastman (1583 1633).
Artemisa
Sala A
Indice

La escultura representa a Orestes y

Pílades, modelos legendarios de
amistad, ofreciendo un sacrificio por
haber vuelto de la Táuride con la
imagen de Artemisa (la estatuilla
representada), acto que purificó a
Orestes de su castigo divino. Otros
autores identificaron las estatuas con
los hermanos Cástor y Pólux.

En época moderna fue añadido al

torso izquierdo el retrato romano de
Antínoo. Creación del clasicismo
augusteo, el grupo escultórico es un
soberbio reflejo del eclecticismo de
esta época.

Anónimo
Ofrenda de Orestes y Pílades (Grupo de San Ildefonso)
Planta Baja Sala 71
Indice

Carlos V encarga la obra a Leone, junto con

otras siete esculturas más - tres de bronce y
cuatro de mármol -, en 1549. La
representación iconográfica del grupo es
invención propia del artista, plasmando la
grandeza y dignidad del Emperador,
aludiendo al conjunto de sus victorias y de su
vida como pacificador. La estatua del Furor
está directamente inspirada en la evocación
que hace Virgilio de la estirpe de Augusto (
La Eneida I, 259). Firmado y fechado por su
hijo Pompeo sobre la base, tiene una
inscripción alrededor del pedestal.

Leoni, Pompeo
El emperador Carlos V y el Furor
Planta Primera Sala 1
Indice
Se considera la obra más importante del
conjunto conocido como Tesoro del
Delfín. La pieza representa una sirena,
luciendo un tocado de plumas
esmaltadas, con el torso y los brazos
decorados con rubíes y diamantes, las
extremidades inferiores esmaltadas en
azul, sujetando un recipiente esculpido
en ágata y apoyada en un pedestal de la
misma piedra y esmaltes.

Posible salero que sigue modelos datables

en la primera mitad del siglo XVI y como
fuente formal se han citado las obras del
italiano Benvenuto Cellini (1500-1570),
especialmente su célebre salero
perteneciente a la colección del
Kunsthistorisches Museum de Viena.
Anónimo
Salero de ónice con sirena de oro
Planta Segunda Sala 101
Indice
 Datos y curiosidades del Museo del Prado
Indice
• El Prado ocupa aproximadamente 45.000 m2 y tuvo 2.652.924 visitantes en
2007.
• La colección está formada por aproximadamente : 7.600 pinturas, 1.000 esculturas,
3.000 estampas y 6.400 dibujos, además de un amplio número de objetos de artes
decorativas y documentos históricos.
• Ningún museo o colección en el mundo alberga tantas y tan importantes obras de los
siguientes artistas como el Museo del Prado:
• Goya (133 pinturas, incluyendo casi todos sus cartones para tapices)
• Tiziano (40 pinturas), junto con importantes series de Tintoretto y Veronés
• El Greco (36)
• Patinir (varias de sus obras maestras, de su cortísima producción)
• Rubens (alrededor de 80 obras, algunas pintadas a dúo con otros artistas)
• Velázquez (unas 45 pinturas, de las apenas 100 catalogadas)
• Eduardo Rosales, con casi 200 obras, entre pinturas y dibujos.
• En la actualidad, el Museo exhibe en su propia sede unas 1300 obras
• 3100 obras (‘Prado disperso’) se encuentran, como depósito temporal en diversos
museos e instituciones oficiales, y el resto se conserva en almacenes.
Indice Datos y curiosidades del Museo del Prado

• En el museo se encuentra el cuadro llamado La Gloria pintada por Tiziano para Carlos
V, que junto al retrato de la Emperatriz le acompañarían en su retiro del monasterio de
Yuste en Cáceres, Extremadura.
• Se guarda también el Retrato ecuestre de la reina Margarita del pintor Bartolomé
González, mostrando dos de las joyas más famosas del Joyero de la Corona de España:
la perla llamada Peregrina (que actualmente se cree identificar por algunos con la que
está en poder de Elizabeth Taylor) y el diamante el Estanque, hallado en tierra de
Madrid y tallado por Jacome Trezzo.
• Se encuentran asimismo las pinturas con que Goya decoró su finca de Madrid llamada
«La quinta del sordo». Adquirida la propiedad por el barón Emil d’Erlanger, ordenó su
traslado a lienzo y, tras presentarlas en París, al no despertar el interés del Museo del
Louvre, decidió legarlas al Prado.
• En sus inicios, el museo abría apenas dos o tres días a la semana, y cerraba siempre que
llovía, se supone que para evitar masificaciones y suciedad. Por otro lado, durante un
tiempo las salas de escultura no estuvieron debidamente pavimentadas, y el polvo debía
eliminarse regando el suelo con agua, aunque pronto se esteró y posteriormente se instaló
tarima de madera en casi todas las salas. Por cuestiones de seguridad, la madera fue
sustituida por mármol después de los años 30.
Indice
Indice

Ampliación de Rafael Moneo (El cubo de Moneo)

Indice

• Siguiendo el proyecto de Rafael

Moneo, en 2007 se ha
culminado la mayor ampliación
del Museo en sus casi
doscientos años de historia.
Esta ampliación no ha supuesto
cambios sustanciales para el
Edificio Villanueva, centrándose
en una ampliación hacia el
claustro de los Jerónimos (el
Cubo de Moneo) de forma que
el museo cuente con una
superficie nueva para
actividades complementarias.

Claustro de los Jerónimos

Indice

Museo del Prado claustro de los Jerónimos (El cubo de Moneo)

Indice

Vestíbulo ampliación Museo del Prado

Indice

• La conexión entre ambos edificios se ha efectuado subterráneamente, aprovechando el

desnivel entre los Jerónimos (calle Ruiz de Alarcón) y el Paseo del Prado. La
ampliación se presentó el 27 de abril de 2007 si bien la inauguración oficial no tuvo
lugar hasta medio año después, el 30 de octubre de 2007, con una selección de la
colección de pintura española del siglo XIX, que había permanecido almacenada unos
once años.
Indice
Indice

Entrada al Museo del Prado por la parte ampliada

Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice
Indice

El convento de San Jerónimo «el Real», conocido popularmente como «Los

Jerónimos», fue uno de los más importantes de Madrid, si bien de él ya sólo queda la
iglesia. El claustro, fue muy deteriorado por el ejército napoleónico y actualmente ha
quedado incorporado a la ampliación del Museo del Prado, diseñada por el arquitecto
Rafael Moneo, lo que popularmente se conoce como «El cubo de Moneo».
Indice
Indice

El monasterio de San Jerónimo se realizó en estilo gótico tardío con influencias renacentistas.
Indice

Vista nocturna del convento de San Jerónimo «el Real»,

Documentación y cuadros:
http://www.museodelprado.es/
es.wikipedia.org/wiki/Museo_del_Prado
Fotos:
Propias y Flickr.com
Indice
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