Colegio Salesiano Don Bosco

Educación Estética
Prof. Miguel Ángel Sian

Arte Bizantino, Gótico, Renacentista y Romántico

Estuardo José Díaz García
IV curso ­A­    Clave: 12

Nueva Guatemala de la Asunción, lunes 5 de septiembre de 2009
 Introducción
El   arte   siempre   ha   sido   la   manera   que   el   ser   humano   toma   para   poder   expresar   sus 
sentimientos y emociones. Existen diferentes movimientos o corrientes en las artes a lo largo 
de   la   historia,   como   lo   son   el   romanticismo,   el   renacimiento,   etc.   Cada   movimiento   tiene 
diferentes características en las cuales se basaban los artistas para plasmar sus obras.
 Arte Bizantina
El arte  bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI fuertemente 
enraizada en el mundo helenístico como continuador del arte paleocristiano oriental. En sus 
primeros momentos se consideró como el conservador natural en los países del Mediterráneo 
oriental   del   Imperio   Romano,   siendo   transmisor   de   formas   artísticas   que   influyen 
poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, 
como es natural, a las grandes fases de su historia política.

Arquitectura
La   arquitectura   bizantina   mantuvo   varios   elementos   de   la   arquitectura   romana   y   de   la 
paleocristiana oriental, como los materiales (ladrillo y piedra para revestimientos exteriores e 
interiores de mosaico), arquerías de medio punto, columna clásica como soporte, etc. Pero 
también aportaron nuevos rasgos entre los que destaca la nueva concepción dinámica de los 
elementos  y  un  novedoso  sentido  espacial   y, sobre  todo, su  aportación más  importante,  el 
empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas, es decir, 
triángulos esféricos en los ángulos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la circular de la 
cúpula. Estas bóvedas semiesféricas se construían mediante hiladas concéntricas de ladrillo, a 
modo   de   coronas   de   radio   decreciente   reforzadas   exteriormente   con   mortero,   y   eran 
concebidas como una imagen simbólica del cosmos divino.
Otra aportación de gran transcendencia fue la decoración de capiteles, de los que hubo varios 
tipos; así, el de tipo teodosiano es una herencia romana, empleado durante el siglo IV como 
evolución del corintio y tallado a trépano, semejando a avisperos; otra variedad fue el capitel 
cúbico de caras planas decorado con relieves a dos planos. En uno y otro caso era obligado la 
colocación sobre ellos de un cimacio o pieza troncopiramidal decorada con diversos motivos y 
símbolos cristianos.
En la tipología de los templos, según la planta, abundan los de planta centralizada, sin duda 
concordante con la importancia que se concede a la cúpula, pero no son inferiores en número 
las iglesias de planta basílical y las cruciformes con los tramos iguales (planta de cruz griega).
En casi todos los casos es frecuente que los templos, además del cuerpo de nave principal, 
posea un atrio o nártex, de origen paleocristiano, y el presbiterio precedido de iconostasio, 
llamada así porque sobre este cerramiento calado se colocaban los iconos pintados.

Pintura
Se distingue la pintura bizantina al mosaico por la riqueza de materiales, con abundancia de 
oro (mosaicos vítreos y dorados) y fastuosa ornamentación y la pobreza en el movimiento 
artístico. Las figuras de los personajes se presentan ordinariamente alargadas, en pie y con los 
brazos   en   actitud   algo   movida   o   llevando   algún   objeto.   La   túnica   o   vestimenta   con   que 
aparecen cubiertas suele ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi verticales. Pero el manto o 
capa los presenta más movidos y se recoge sobre el brazo izquierdo de la figura. El continente 
de las personas se ostenta siempre majestuoso, tranquilo y honesto; su mirada, de frente o a la 
derecha   del   espectador;   sus   ojos,   grandes   y   abiertos;   sus   pies,   pequeños   o   estrechos   y 
terminados en punta.
Los elementos decorativos de los cuadros o composiciones consisten de ordinario en perlas, 
cintas, series de joyas, guirnaldas y grecas sin excluir algunas plantas sueltas como la palmera 
ni  los motivos arquitectónicos. A los lados de  las figuras o encima de ellas, se  destacan a 
menudo   sobre   el   fondo   de   oro   inscripciones   en   sentido   vertical   u   horizontal   que   fijan   el 
nombre y el significado del personaje o de la escena que se representa.

Escultura
El estilo bizantino en escultura debe considerarse como una derivación y degeneración del 
romano,   bajo   la   influencia   asiática.   Le   caracterizan,   en   general,   cierto   amaneramiento, 
uniformidad y rigidez o falta de naturalidad en las figuras junto con la gravedad la cual suele 
consistir en esmaltes, en imitaciones de piedras y sartas de perlas, en trazos geométricos y en 
follaje estilizado o desprovisto de naturalidad. Cultivó el arte bizantino muy poco la estatuaria 
pero abundó en mosaicos y en relieves sobre marfil, plata y bronce y no abandonó del todo el 
uso de camafeos y entalles en piedras finas. En los relieves, como en las pinturas y mosaicos se 
presentan las figuras mirando de frente.

Arte Gótico

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de 
la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV 
para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se 
trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo 
Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, 
ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo 
bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en 
Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de 
Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

Arquitectura
A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada 
como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint­Denis o 
San Dionisio (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).
Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante superficial, exclusivamente 
por la utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del 
que   se   deriva   la   bóveda   de   crucería   que   permite   desplazar   los   empujes   a   contrafuertes 
externos, que se alejan aún más de los muros mediante el uso de arbotantes. Eso permitió la 
construcción de edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de los vanos sobre 
los   muros.   Los   elementos   sustentantes   (pilares   de   complicado   diseño)   quedan   mucho   más 
estilizados. Pero la utilización de un elemento no puede definir un estilo de forma global, se 
trata de un problema más amplio, de una nueva etapa histórica, una nueva concepción del arte 
y con el del mundo. Un elemento estructural, por importante que sea, no puede resumir un 
concepto global sobre la vida.
Los dos elementos estructurales básicos de la arquitectura gótica son el arco apuntado u ojival 
y la bóveda de crucería, cuyos empujes, más verticales que el arco de medio punto, permiten 
una mejor distribución de las cargas y una altura muy superior. Además, la parte principal de 
estas son transmitidas desde las cubiertas directamente a contrafuertes exteriores al cuerpo 
central del edificio mediante arbotantes. El resultado deja a la mayor parte de los muros sin 
función sustentante (confiada a esbeltos pilares y baquetones), quedando la mayor parte de 
aquéllos   libres   para   acoger   una   extraordinaria   superficie   de   vanos   ocupados   por   amplias 
vidrieras y rosetones que dejan paso a la luz.

Pintura
La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las 
simplificadas e idealizadas representaciones del románico. Se considera que esta característica 
surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó 
el  estilo   dominante   en  la   pintura   europea   hasta   el   final   del   siglo   XV.  La   pintura   gótica   se 
aproxima   a   la   imitación   a   la   naturaleza   que   será   el   ideal   del   renacimiento,   incluyendo   la 
representación   de   paisajes,   no   obstante,   sigue   siendo   poco   usual.   Se   desprende   de   los 
convencionalismos y amaneramientos bizantinos y románicos, pero no toma como ideal de 
belleza el arte griego ni romano antiguo. Por lo mismo, aunque dicha pintura es un verdadero 
renacimiento,  se   distingue   de   la   propiamente   llamada   del   Renacimiento   clásico   en  que   no 
cifra, como ésta, su perfección en la belleza de las formas exteriores (que, aun sin descuidarlas, 
resultan, a veces, algo incorrectas en la pintura gótica) sino, sobre todo, en la expresión de la 
idea religiosa y en dar a las figuras cierto sabor místico y eminentemente cristiano. A pesar de 
ello, también ha de decirse que es en este momento en el que comienza la pintura profana, 
esto es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.

Escultura
La dependencia de la escultura gótica frente al soporte arquitectónico continúa siendo muy 
importante, como en el periodo románico, aunque se producen algunos cambios: los capiteles 
dejan de ser un espacio preferente para los relieves; las arquivoltas de los pórticos pasan de ser 
decoradas en sentido radial para serlo en el sentido de los arcos (ahora apuntados); el altar 
mayor pasa a acoger retablos cada vez más complejos, que pueden ser pictóricos o escultóricos 
Las esculturas de bulto redondo empiezan a independizarse de las paredes y a hacerse cada 
vez   más   autónomas.   Las   adosadas   a   las   columnas   y   parteluces   se   hacen   más   esbeltas   y 
dinámicas.La   expresividad   cambia,  haciéndose   menos  hierática   y   más   expresiva,   reflejando 
sentimientos  (dolor, ternura,  simpatía),  acentuando  la  tendencia   del  último  románico  y  en 
coincidencia con una nueva mentalidad, más urbana y próxima a los conceptos filosóficos de 
hombre y naturaleza en la filosofía escolástica y la renovación de la espiritualidad 

Arte Renacentista
Arquitectura
La   Arquitectura   del   Renacimiento   estuvo   bastante   relacionada   con   una   visión   del   mundo 
durante ese período sostenida en dos pilares esenciales: el clasicismo y el humanismo.
Hay   que   destacar   que   los   ideales   y   valores   renacentistas   no   pudieron   surgir   totalmente 
desvinculados del acervo medieval que le precedió, sin embargo, los conceptos que subyacen a 
este   estilo   arquitectónico   se   construyeron   sobre   la   consciente   y   efectiva   ruptura   de   la 
producción artística de la Edad Media, en especial del estilo gótico.
Podemos analizar las siguientes características generales:

• Búsqueda del ideal clásico.
• Visión profana sobre temas religiosos.
• Influencia de la naturaleza.
• Antropocentrismo y humanismo.
Pintura
El carácter distintivo de la pintura del renacimiento en general y en su periodo de apogeo 
consiste:
• En la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y de la
belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez
los artistas en las obras clásicas escultóricas.
• Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos
apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y
aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la idea y unión
mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con
frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista
busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha
importancia.
• Por razón del procedimiento, se distingue en el abandono definitivo de los realces y dorados, en
la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción casi exclusiva de la pintura al óleo,
salvo las decoraciones murales al temple y al fresco.
La historia moderna de la pintura se inicia con los aportes de los maestros del Renacimiento. 
Florencia y Roma durante los siglos XV y XVI son la cuna de dicho movimiento que establecerá 
a través de la perspectiva, la proporción, la anatomía y el descubrimiento y uso del óleo, una 
manera de pintar realista o verista que no se había dado antes.
El Renacimiento surge en Italia y se va extendiendo progresivamente por Europa, con mayor o 
menor calado, según los países. Surgieron innumerables centros o escuelas de pintura, sobre 
todo, en Italia, influyéndose mutuamente unas en otras a pesar de sus divergencias. No existe 
unanimidad crítica a la hora de distinguir las aludidas agrupaciones de artistas ni es uniforme 
el estilo de los diferentes maestros, por lo que las escuelas se reúnen sólo geográficamente.

Escultura
La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y 
su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura 
en  el   arte.   Como   en  la   escultura   griega,  se   buscó   la   representación  naturalista   del  cuerpo 
humano   desnudo   con   una   técnica   muy   perfeccionada,   gracias   al   estudio   meticuloso   de   la 
anatomía humana. En Italia convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no así 
en   otros   países   como   España   y   Alemania,   donde   prevaleció   el   tema   religioso.   El   cuerpo 
humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes se 
encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a 
Miguel   Ángel.   La   escultura   del   Renacimiento   se   sirvió   de   toda   clase   de   materiales, 
principalmente del mármol, bronce, madera y terracota.
 Arte Romántico
Arquitectura
Se caracteriza por sus altísimos techos, la decoración y las innumerables vidrieras.
La   reciedumbre   y   decoración   de   los   paramentos   en   las   construcciones   civiles   y   religiosas 
representan   una   herencia   bizantina   y   carolingia,   presente   en   catedrales,   monasterios, 
rotondas, puentes y acueductos entre otros, son algunas de sus características, así como ser 
uno de los antecedentes importantes del Gótico.
La   arquitectura   romántica   no   ofrece   notas   comunes   y   definidas.   Vuelve   sobre   los   estilos 
medievales,   se   convierte   en   Neo­gótico,   Neo­románico,   Neo­bizantino,   es   decir,   en   la 
actualización de estos estilos, pero muy particularmente en gótico.

Pintura
Lo que más distingue a los pintores románticos es su afición por reflejar el paisaje, y en esa 
paisajística   se   suele   intentar   reflejar,   como   apunta   Fritz   Novotny,   el   ‘infinito’   y   lo 
‘inconmensurable’ ; este extremo se halla implícito tanto en las reflexiones de los teóricos, 
poetas y pintores como en los propios cuadros.. Lo dicho no significa, ni mucho menos, que los 
paisajistas del período inmediatamente anterior (‘neoclásico’) no se percatasen de lo ilimitado 
del  paisaje   ni   trataran  de   expresarlo  de  alguna  manera  en  sus obras  ; sin embargo,  en el 
clasicismo este sentimiento y esta actitud siempre se encontraron limitados por la disciplina 
académica: la insistencia en los detalles individuales no dejaba espacio para percibir de un 
modo cabal la amplitud y la grandeza. En ese sentido se podría considerar a la paisajística 
romántica como una continuación y un complemento del paisaje clasicista, desde el momento 
en que el propio concepto de ‘paisaje’ es en sí mismo ‘romántico’. El paisajismo romántico 
revista las siguientes cualidades.
a)   Expresar de forma sencilla la monotonía y la inmensidad de los elementos de la  
naturaleza
b) Nueva actitud del ser humano ante el mundo natural ; más que intentar dominarlo, 
se adopta un papel contemplativo.
Va a ser un cántico de rebeldía contra el orden que el neoclasicismo daba. Se caracteriza por la 
razón, la libertad, etc.
Enlace con el barroco pleno: aspira a crear paisajes, los matices; se va a recuperar el color 
(rasgos más sugerentes). Se impone el color contra el dibujo. Variedad de colores. Viveza en el 
cuadro. Luz vibrante, resaltado. Predominara el sentimiento y la sensibilidad en lo racional.

Escultura 
La escultura se presenta también muy pobre y desorientada en general. Los escultores no se 
volvieron a  los modelos góticos,  ni  a  los modelos románicos de  la Edad  media. Modifican 
apenas   los   modelos   neoclásicos,   dándoles   mayor   movimiento   e   inspirándose   más   en   la 
naturaleza. Abandonan los temas mitológicos y los de la historia clásica y se fijan en los de la 
Edad Media y contemporánea. 
 Conclusiones
• Cada   movimiento   difiere   del   que   le   antecede   y   del   que   le   sucede   porque   tiene   sus 
propios parámetros y fundamentos para que los artistas plasmaran sus obras.

• La religión siempre ha tenido un papel muy importante en las artes como en la vida del 
ser humano, sea para seguir su ejemplo o para rebatirla, la fe ha estado presente en 
muchos movimientos.

• Las características de cada movimiento son, muchas veces, bien marcadas, se pueden 
identificar a simple vista en una obra de arte a que movimiento pertenece,.

Bibliografía
Oseguera,   Eva   Lydia.(2008).  Compendio   de   Literatura   Universal.  (3ra   edición).   Grupo 
Editorial Patria. México DF.

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