ARTE ES CONOCIMIENTO, ES CONSTRUCCIÓN ES EXPRESIÓN

Por Joselaine Borgo Fernández de Freitas(Graduada en Design por la UNESP / Bauru. Actualmente, es alumna de maestría en Arte
Visuales por IA / UNESP).

Este trabajo fue publicado en la Revista Digital Art& - ISSN 1806-2962 - Ano III - Número 03 - Abril de 2005

Traducido por Myriam Nemes Lima, martes, 28 de febrero de 2006

Introducción
Este artículo busca superar visiones simplistas y de sentido común, en lo que se refiere a la concepción de arte. Dependiendo
de la manera como el arte es concebido y consecuentemente trabajado el arte asumirá diferentes roles en la sociedad. Si
limitamos el arte a una concepción positivista al estilo “arte es:”, limitaremos también su papel en el proceso de socialización
de niños y adolescentes. Es necesario caminar para una reflexión epistemológica: lo que no es arte, lo que puede ser, buscar
métodos para investigar y enseñar.

Con base en mi experiencia, creo en el potencial del arte en cuanto conocimiento a ser construido, lenguaje a ser
experimentado y apreciado, expresión a ser realizada y reflexionada. Llevando nuestro alumno a construir, experimentar,
realizar y reflexionar, estaremos considerando el arte como área de conocimiento, con características únicas e imprescindibles
para el desarrollo del ser humano. Un ser dotado de una totalidad –de emoción y razón, de afectividad y cognición, de intuición
y racionalidad- y de una subjetividad, que no pueden ser ignoradas en el proceso de enseñanza y aprendizaje del arte, que tanto
busca romper las dicotomías. Los profesores son llevados a escoger entre expresividad y técnica, tradición e innovación, juego
y aprendizaje, lo profano y el mito, magia y estructura, cierto y errado, bonito y feo, como si no existiese equilibrio y de esos
elementos, apenas uno fuera educativo.

Ana Mae Barbosa, en su libro “Inquietacoes e Mudanzas no Ensino da Arte”, deja bien en claro el potencial de esta vía del
conocimiento al decir que:

Por medio del arte es posible desarrollar la percepción y la imaginación, aprender la realidad del medio ambiente,
desarrollar la capacidad critica, permitiendo al individuo analizar la realidad percibida y desarrollar la creatividad de
manera a cambiar la realidad que fue analizada. (Barbosa, 2003, p. 18)

A continuación, presento y discuto visiones de sentido común incorporadas por muchos alumnos y profesores, con el objetivo
mayor de superar esas visiones, o, simplemente, de llevar a los que leerán este articulo a reflexionar sobre su concepción de
arte y consecuentemente su practica.

VISIONES SIMPLISTAS Y DE SENTIDO COMUN

El sentido común coloca como oposición emoción y razón, subjetividad y objetividad, afectividad y cognición… y así surge la
dicotomía entre arte y ciencia. La primera apenas como forma de expresión, de juego, de contagio, de contemplación, como
objeto de consumo y, en el currículo escolar como soporte a las demás disciplinas, y la segunda como única capaz de producir
conocimiento.

Es necesario reflexionar sobre estas dicotomías, percibir que un equilibrio entre ellas es posible y así superar visiones del tipo:
Arte es lo bello, Arte es contagio, Arte es libre expresión, Arte es interdisciplinariedad, Arte es objeto de consumo. Discutiendo
estas concepciones, busco superarlas y así llegar a una que considere el arte como vía de conocimiento, cargada de
especifidades y contenidos propios y capaz de rescatar la totalidad del ser humanos.

Arte es lo bello

Una primera visión romántica y renacentista es la que asocia el arte a lo bello. Para la mayoría de las personas el arte esta
ligado a lo bello y cuando preguntamos lo que se entiende por esa área, los grandes maestros del renacimiento (Leonardo da
Vinci, Rafael, Miguel Ángel) son utilizados como referencia.

Según esta concepción, que aun es la de muchos profesores, las obras de arte del renacimiento son vistas como bellezas a ser
contempladas y reproducidas por sus alumnos. Y aun, la creación artística debe seguir rígidos patrones asociados al ideal de

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belleza, que en verdad es histórico y cambia de sociedad a sociedad y a lo largo del tiempo. Y mas, lo que es bello para el
profesor puede que no lo sea para el alumno, y de esa manera el profesor ignora las culturas jóvenes por querer imponer la
suya, en general, la dominante.

Arte es contagio

Arte también no es el simple contagio, emoción, como defiende Tolstoi. Según el en la teoría del contagio, el arte nos contagia
con determinados sentimientos. Para Tolstoi, el arte solo se realizaría si el sentimiento, que constituye el objeto del arte y que
pasa por una evaluación moral –bueno o malo- contagiase el lector, el espectador, el oyente.

Según Vigotski, en la medida que Tolstoi intenta ser coherente con sus concepciones acaba cayendo en contradicción. Eso
ocurre cuando el considera como arte el canto de un coral femenino en el casamiento de su hija y como tentativa fracasada de
arte, sin sentimiento definido, la sonata de Beethoven. Con esta comparación percibimos a que conclusiones absurdas llega un
autor cuando toma por base una concepción de arte que parte exclusivamente del contagio.

Si en mi práctica de clase, yo tuviera como fundamentacion esta teoría, no acrecentaría nada al universo de los alumnos,
porque con certeza será mucho más contagiante para ellos un rap o un cantante que destaque en los medios en vez de
Beethoven, Bach, Mozart. Además yo estaría contribuyendo para que sufrieran una exclusión más, la exclusión cultural. ! Mas
allá de las tantas que ya sufren!

Por lo tanto, el simple contagio es insuficiente para entender lo que es arte.

En realidad, como seria desolador el problema del arte en la vida si ella no tuviera otra finalidad que el de contagiar muchas
personas con los sentimientos de una. Su significado y su papel serian extremadamente insignificantes porque en arte
acabaríamos sin tener cualquier otra salida de sus límites del sentimiento único, excepto la ampliación cuantitativa de ese
sentimiento. (Vigotski, 2001, p. 307)

En este caso el arte se asemejaría al milagro de los panes y los peces, en que el milagro es apenas cuantitativo, porque panes y
peces, cada uno de los que presenciaron comía en su casa.

Podemos comparar el arte a otro milagro, el de la transformación del agua en vino, ya que el sentido vital del arte implica
transformaciones: el arte recoge de la vida el material, pero produce algo que esta mas allá de ese material; como dijo un
pensador: “el arte esta para la vida, como el vino para la uva” (Vigotski, p. 307).

El arte transforma a quien lo hace, a quien lo ve y a la materia utilizada. Siendo así, arte va más allá del contagio, es una
práctica, es un hacer humano, que como práctica tiene una finalidad, un objetivo, una intención.

Arte es libre expresión

La ley 5692/71 instituyo la educación artística en el currículo oficial de las escuelas de la enseñanza básica y de nivel medio,
pero poco se reflexiono sobre la complejidad del arte contemporáneo y su papel en las escuelas y principalmente en la vida de
los alumnos. Se limito a implantar los cursos de licenciatura y en las escuelas, con rarísimas excepciones, lo que se veía es
muchas veces y aun se ve, es un “laissez-faire”. Un dejar hacer cualquier cosa a partir de la sensibilización simplista o de
reciclaje, dando poca importancia a la persona creadora, en sus tiempos y espacios situacionales y contextuales.

Actuando de esta manera, los profesores se omiten y terminan traduciendo el hacer artístico como un medio de liberar
emociones; conduciendo a la alineación de la realidad y retirando del proceso creativo la importancia de aspectos cognitivos.

Las artes proveen uno de los más potentes sistemas simbólicos de las culturas y ayudan a los alumnos a crear formas únicas
de pensamiento. En contacto con las artes y al realizar actividades artísticas, los alumnos aprenden mucho más de lo que
pretendemos, extrapolan lo que podrían aprender en el campo específico de las artes. Y, como el ser humano es un ser
cultural, ese el motivo primero para la presencia de las artes en la educación escolar. ( Ferreira, 2001, p.32)

En una sociedad en la que predomina una concepción de educación volcada al cientificismo, el reconocimiento del arte y de
sus lenguajes específicos, termina no existiendo y ella pasa a ser condenada como un mero apéndice pedagógico, o como
oposición a la ciencia.

Cuando en verdad, arte y ciencia son caras del conocimiento, que se complementan y se ajustan por el deseo de comprender el
mundo. El arte no es oposición, ni contradicción a la ciencia, todavía nos hace entender ciertos aspectos que la ciencia no
consigue realizar.

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Sin la concepción clara de lo que es arte, sin contenidos y objetivos definidos, los profesores terminan dejando a los alumnos
expresarse libremente. Trabajan apenas con la dimensión afectiva del arte. Ignoran que en el hombre, tres dimensiones están
presentes –la afectiva, la cognitiva y la social- y deben ser consideradas en el proceso de enseñanza y aprendizaje.

La espontaneidad no basta, el mundo de hoy y el arte de hoy exigen un lector informado y un productor consciente. Muchos
profesores confunden improvisación con creatividad. La creatividad debe ser vista como un proceso de búsqueda de solución
para un problema, muchas veces no muy claro, pero que se materializa en los colores y formas de un pintor y también en las
formulas de un científico.

Arte es interdisciplinariedad

Una cita de Sandra Lucia Ferreira deja bien en claro que trabajar con interdisciplinariedad es como ejecutar una sinfonía:

Para la ejecución será necesaria la presencia de muchos elementos: los instrumentos, la platea, los aparatos electrónicos,
etc… Todos los elementos son fundamentales, eliminando con eso la jerarquía entre los miembros…. Para que la sinfonía
acontezca será precisa la participación de todos. La integración es importante, pero no es fundamental. Esto porque en la
ejecución de una sinfonía es necesaria la armonía del maestro y la expectativa de aquellos que asisten. (Ferreira, 2001, p.34)

La interdisciplinariedad no puede ignorar las especificidades de cada área. Si la interdisciplinariedad acontece de la manera
como Sandra Lucia Ferreira propone, optimo! Lo que es muy diferente a utilizar el arte para decorar las fiestas de la escuela,
para ilustrar textos de portugués, o para enseñar principios matemáticos vía origami.

Así como las otras disciplinas, el arte tiene contenido propio, pero muchas veces no es eso lo que percibimos en los diálogos de
los profesores de arte, como rebelo la investigación de maestría de Regina Celia Almeida Rego Prandini (2000). Las entrevistas
realizadas por Prandini con profesores de una escuela departamental del centro de Sao Paulo, rebelaron que los profesores de
arte no tienen claro los contenidos de la disciplina que administran y terminan aceptando, como suyos, los contenidos de los
temas transversales, como ciudadanía, sexualidad, ecología, los contenidos de las demás disciplinas, así como aquellos
referentes a las fechas conmemorativas.

Trabajar de manera interdisciplinario no quiere decir partir de las otras disciplinas e integrarlas al arte o colocar el Arte al
servicio de las otras disciplinas. El arte no es un medio, es un fin en si mismo. El no sirve y es servida. El es el!

Vista de esta manera, la interdisciplinariedad será una cuestión de actitud. Actitud frente al conocimiento. Es el reemplazo de
una concepción fragmentada por una única del ser humano.

Arte es objeto de consumo

El hombre se relaciona con el arte según las influencias de su tiempo y en el mundo contemporáneo en que vivimos se da
cuando el tiene o desea tener un grabado, un disco, un libro muy ilustrado, cuando desea ir a una exposición, asistir a una pieza
de teatro, cuando alguien quiere un cuadro que combine con la pared de su casa, cuando compra una escultura porque el
tamaño de ella será perfecto para colocar en el pasadizo…. En una relación puramente consumista, y, muchas veces elitista.

Siendo considerado como objeto de consumo, como queda la situación de los económicamente desfavorecidos delante del arte?
En este aspecto, el arte pasa a ser elitizado, ya que los que de un nivel económico bajo no tienen acceso a ella. El arte pasa a ser
una forma de exclusión más! Exclusión social y cultural.

El profesor debe apropiarse de la cultura de sus alumnos, considerada muchas veces como inferior, para poder ampliarla y
hacer que ellos se apropien del arte de una manera significativa. No como un objeto a ser comprado, por el simple estatus que
este pueda proporcionar, pero como un área de conocimiento capaz de prepararlos para apreciar la producción de los artistas,
reflexionar sobre ellas y producir su obra.

ARTE ES CONSTRUIR, ES CONOCER, ES EXPRESAR

Para superar la visión de sentido común y los riesgos de reducir el arte a apenas un aspecto podemos considerar la contribución
de Luigi Pareyson y reflexionar sobre el arte como construcción, como conocimiento y como expresión.

Didácticamente separadas pero que acontece de manera entrecruzada en un encuentro entre objetividad y subjetividad,
consciente e inconsciente, razón y emoción.

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Un trabajo artístico pasa por la mente, por el corazón, por los ojos, por la garganta, por las manos; que piensa, recuerda, siente,
observa, escucha, habla, toca, y experimenta. Un proceso que desarrolla un campo del conocimiento tan importante cuanto
inalcanzable por el lenguaje lógico, científico, tan presentes en los currículos escolares, que aun están sustentados por una
visión positivista con énfasis en el aspecto técnico, dando importancia apenas a la mera transmisión de conocimientos listos y
acabados.

A partir de las deconstrucciones de conceptos sobre arte hechas hasta aquí, pretendo ahora acercarme a una concepción de arte
mas completa, de lo que este puede ser en cuanto a conocimiento, construcción y expresión.

Arte como construcción

Arte es construcción porque a través de este se construye algo, se transforma la materia ofrecida por la naturaleza o por la
cultura. Esa transformación se da a través del trabajo, de una techne, que, según los griegos, es una manera exacta de realizar
una tarea.

Según esa concepción tanto los artistas, como los artesanos tienen un proceso de producción que involucra una techne y
también poseen un proceso de creación que involucra una poiesis. En otras palabras: el arte tiene tanto un carácter técnico,
racional; cuanto otro mas subjetivo, ligado al placer estético, de quien hace o de quien goza el arte. Con esas palabras se
verifica la limitación de la concepción que considera el arte apenas como libre expresión.

Un proceso de creación artístico es una construcción que tiene dos grandes y fuertes basamentos: la imaginación y el trabajo.

Desde la antigüedad hubo una preocupación por la técnica. Podemos percibir eso en el renacimiento italiano, con
preocupaciones racionales ligadas a la perspectiva y a las proporciones. Ese carácter sistematizado permanece hasta los días de
hoy, como un ABC del proceso de aprendizaje de la pintura.

El arte del siglo XX relativiza esas “leyes” estéticas, pero como los patrones del renacimiento permanecieron resistentes por
varios siglos aun están presentes en el discurso de muchas personas, aquellas que acreditan en la primera concepción del arte
presentada en este articulo “Arte es lo bello”.

Con esta reflexión podemos concluir que el arte envuelve técnica, pero es importante otra reflexión: el grado de subjetividad
presente en la utilización de la técnica. “Hasta donde llegan las técnicas aprendidas y donde comienza la técnica personal, la
forma viva?”

La praxis estética involucra potencial lúdico, critico y existencial, involucra también el modo único de ser cada persona. De ahí
la importancia de ofrecer a los alumnos un contacto cada vez mas intimo con el arte, y eso implica incluir en el proceso de
enseñanza y aprendizaje algunas cuestiones técnicas, algunos procedimientos artísticos para que a partir de ellos el alumno cree
su forma personal, única y reveladora de quien es el.

Arte como conocimiento

Arte es conocimiento porque la propia significación de la palabra denota tal concepción. El termino alemán Kunst y el ingles
Know, el latín Cognosco y el griego Gignosco, parten de la raíz Gno, que indica un saber teórico o práctico, por lo tanto un
conocimiento. Y mas, ars, palabra latina y raíz del portugués arte, presente también en el verbo articular: acción de hacer
uniones entre las partes y el todo.

Pero, como entender este saber?

Desde las más antiguas tradiciones teóricas, este saber estuvo ligado a la representación, o como mimesis, imitación de trazos y
gestos humanos; o como reproducción selectiva, de lo que parece ser más característico en una persona o cosa, pero siempre
preocupado por el realismo.

Algunos nombres de la historiográfia moderna, entre ellos Panofsky, niegan tales teorías que reducen el arte a la esfera de la
pura imitación, pues desde la prehistoria los hombres usaban el arte de manera diferente, la usaban para registrar la existencia
humana.

La mirada del artista es una mirada afectada por el pensamiento; una mirada que analiza las formas y colores de la naturaleza y
las recompone con una nueva inteligencia de lo real. Así, el ver-pensar es un combinar un repensar, un transformar los datos de
la experiencia sensible: “Arte: percepción aguda de las estructuras, pero que no dispensa el calor de las sensaciones”. (Bosi,
2003. p. 41)

A partir de esta frase podemos diferencias percepción estética y percepción científica. La ultima apenas manipula las cosas,
mientras que la primera es la causante de una experiencia singular y poderosa, con presencia activa y pensante del sujeto en el
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mundo. El artista vive su tiempo, con las visiones del mundo, el espíritu de la época, ideologías de clase y de grupo…, con
universos de valores que se hacen presentes en la hora de la creación artística y que son vividos con todo su empeño intelectual
y ético, revelando la idea de que arte es conocimiento.

Arte como expresión

Arte es expresión! Pero será que tenemos clara la dimensión del término? Lo que significa en general “expresión”? La
expresión se encuentra entre una fuente de energía y un signo que la conduce: “Una fuerza que la revela y una forma que la
revela” (Bosi, 2003, p.50)

Hay una fuerza y una forma involucradas en la expresión y dependiendo de su grado de mediación la expresión será efusión,
símbolo o alegoría.

-Efusión es la expresión directa, inmediata.

Por ejemplo: un grito de dolor por la muerte del ser amado.

- Símbolo es la expresión articulada a través de un lenguaje para componer las imágenes y la sintaxis.
Por ejemplo: una oración fúnebre recitada en memoria a un ser amado.

-Alegoría es cuando hay un intermedio grande de distancia entre la imagen y el contenido ideal.
Por ejemplo: una escultura de mármol de un águila sobre la tumba de un ser amado para representar las virtudes de fuerza y
osadía.

Teniendo claros estos tres grados de expresión al trabajar con nuestros alumnos no debemos limitarlos a la efusión, pero
propiciar la abstracción tal, que pase por la expresión simbólica y llegue a la alegoría.

Otra reflexión importante a ser considerdada cuando hablamos de arte como expresión es la que considera el lenguaje como
energeia, como “fuerza en acción”, “producción”; oponiéndose a dynamis, cuyo sentido es el de “fuerza en estado potencial”.
La expresión es más que un impulso, es un trabajo. Y si arte es expresión, en ese sentido, es también construcción y
conocimiento.

CONSIDERACIONES FINALES

Los currículos actuales, organizados según una visión positivista, para atender los intereses de una sociedad capitalista,
privilegian el carácter racional y útil de las disciplinas, un útil que no va mas allá del sentido practico que el termino propone,
pues si ampliamos ese concepto, mas allá del utilitarismo, veremos cuanto el arte puede ser “útil” para el desarrollo de los
niños y adolescentes.

Delante de esta situación hay un pedido, de parte de los arte-educadores, para que los valores estéticos sean incluidos en el
currículo escolar de las instituciones de enseñanza brasileñas. Instituciones esas que valorizan una educación basada en una
concepción cientificista en que muchos profesores, insertos en esta ideología, dejan a su imaginario ser contaminado por el
mercado y por los medios de comunicación, encaran la educación como un camino para llegar a un buen empleo y así
conseguir prestigio económico. En esta visión simplista y capitalista del suceso, ignoran el arte y su potencial, la ignoran como
enriquecedora de la practica individual, practica en lo que respecta a la construcción de sentido, de significado de lo que hacen,
observan, y piensan, no en el sentido mecánico e inmediato que el termino practico sugiere.

En una sociedad en que la división de trabajo es un factor determinante y las personas están cada vez mas especializadas, el
arte seria una forma de rescatar la totalidad. Totalidad esta, que involucra las varias dimensiones del ser humano: afectiva,
cognitiva y social, en una relación integradora de emoción y razón, afectividad y cognición, subjetividad y objetividad,
conocimiento y sentimiento… Se fragmentan las funciones, se fragmentan las miradas, se fragmenta el pensamiento y así las
personas se vuelven incapaces de percibir, actuar en su totalidad. Son pilotos, ingenieros, agrónomos, profesores de artes
visuales, profesores de artes escénicas…. Son individuos fragmentados.

Es necesario repensar la educación bajo esta perspectiva.

Pensar la activad estética como un juguete, con un fin en si. Eso exige contrariar los principios de la sociedad industrial y
capitalista en que vivimos, en que todo es línea de montaje. El arte, así como el juguete existe en función del mismo, de la
alegría que hace surgir

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Ese placer de la experiencia estética y lúdica fue retirado de las escuelas y de la experiencia de vida de los alumnos, que
asustados con el examen de ingreso a la universidad y con la exigencia de eficacia pasan su escolaridad haciendo cosas sin
entender, sin sonreír, sin sentir, sin jugar….

Por lo tanto, el conocimiento artístico no debe ser considerado como un medio para otras áreas del saber, el no puede tener
como objetivo ilustrar los trabajos de portugués, geografía, historia o para adquirir hábitos de limpieza, orden, atención,
concentración, y ser utilizado como un instrumento de relajación. El conocimiento artístico debe ser como un fin en si mismo,
como un saber cargado de especificidades, con objetivos y contenidos propios y que, fundamentado en una concepción estética,
que va mas allá de la propia disciplina escolar que involucra belleza, símbolo y diversidad de lenguajes, pueden ser
considerados como una forma de sensibilización para la enseñanza de las artes.

Arte es un trabajo del pensamiento, un pensamiento emocional y especifico que el ser humano produce, con relación a su lugar
en el mundo. De ahí la importancia de repensar la educación bajo la perspectiva del arte y transformarla en una actividad
estética, en una enseñanza creadora, en la cual haya una integración entre el aprendizaje racional y la estética, mas allá de la
enseñanza del arte.

Así, conocer será también maravillarse, divertirse, jugar con el desconocido, indagar sobre la existencia humana, interpretar
diferentes roles, arriesgar hipótesis usadas, trabajar duro, esforzarse y alegrarse con los descubrimientos.

Con esta reflexión procure distanciarme de las visiones simplistas y de sentido común que circundan la enseñanza del arte y
aproximarme a una visión mas amplia que considera al arte como vía de conocimiento, como capaz de causar una experiencia
singular, poderosa y total del sujeto activo, pensante y transformador que es el ser humano en relación al mundo en que vive.

Estaré colectando y analizando los datos de mi investigación, que tiene como objeto de estudio “el rol del arte en la educación
de niños económica y socialmente desfavorecidos”, según esta concepción. Fue una reflexión importante a ser hecha, pues la
enseñanza del arte y, consecuentemente su rol, están asociados a la concepción que se tiene del arte.

Arte como conocimiento, como la más importante concentración de todos los procesos biológicos y sociales del individuo en la
sociedad, como un medio de equilibrar al hombre con el mundo en los momentos más críticos y responsables de la vida. Como
motivo de la transformación del hombre y consecuentemente de la sociedad. Es esta transformación por el arte que busco
alcanzar con los niños con los cuales trabajo, pues considero que el aprendizaje artístico involucra un conjunto de diferentes
tipos de conocimiento que buscan la creación de significaciones ejercitando fundamentalmente la constante posibilidad de
transformación del ser humano.

“El arte dirá la palabra decisiva y de mayor peso. Sin el nuevo arte no habrá el nuevo hombre”. (Vigotsky, p.329)