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1 INTRODUCCIÓN
2 MATERIALES Y DISEÑO
Los requisitos básicos del diseño de muebles son complejos. La apariencia siempre ha sido
tan importante como la funcionalidad y la tendencia general ha sido diseñar el mobiliario
como complemento de los interiores arquitectónicos. Algunas formas han sido concebidas a
partir de la arquitectura, con pies en forma de columnas, mientras que otras cuentan con
soportes zoomorfos. Los diseños pueden ser sencillos o muy elaborados, dependiendo del
uso al que estén destinados y del periodo en que hayan sido realizados. Los documentos más
antiguos, como los inventarios de Mesopotamia, describen interiores decorados con telas de
oro y muebles dorados. Algunos ejemplos que se conservan del antiguo Egipto son muy
elaborados y en su origen estaban revestidos de metales preciosos, aunque también se
diseñaron muchas piezas sencillas. Sin embargo, los estudios de mobiliario histórico se
suelen centrar en las piezas lujosas creadas para la realeza, la nobleza y la clase alta,
porque, en general, son las mejor conservadas.
El mobiliario artístico, con sus diseños elaborados, también revela mucho sobre la época en
que se realizó, porque refleja con claridad los cambios y la evolución del gusto de la sociedad
que los utilizó. En contraste, los muebles más sencillos, realizados para el gran público,
tienden a ser puramente funcionales y, por tanto, más atemporales; las mesas y sillas
utilizadas por la clase trabajadora en el año 1800 a.C. son sorprendentemente similares a las
mesas y sillas utilizadas en algunas sociedades rurales en el año 1800 d.C. Las pinturas de
género holandesas del siglo XVII y las estadounidenses de principios del XIX representan
interiores rurales que, a menudo, son extraordinariamente parecidos.
Los muebles han existido al menos desde el neolítico (7000 a.C.), aunque no se conserva
ningún ejemplar. Sin embargo, la historia del mobiliario comienza con las piezas más
antiguas que han llegado hasta nuestros días, que son las de las IV y V Dinastías del antiguo
Egipto (2680-2407 a.C.).
3.10 Mobiliario barroco
El diseño barroco es más evidente en el mobiliario de finales del siglo XVII, varias décadas
después de que los arquitectos barrocos italianos Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini
introdujeran sus innovadores enfoques en Roma. Durante la primera parte del siglo, el nuevo
estilo tuvo influencia en las superficies, pero no en las formas. Sin embargo, en el último
cuarto de siglo, se produjeron numerosas novedades. Entre ellas, una mayor utilización de
las cariátides (figura femenina esculpida, empleada a manera de columna) como soporte,
junto con patas torneadas en espiral y volutas que eran diferentes de los modelos del primer
renacimiento.
A finales del siglo XVII, se empezaron a utilizar frontales curvados en piezas grandes, como
armarios y cómodas con cajones, que reflejaban la nueva arquitectura barroca. Destacan la
fabricación de escritorios de influencia italiana, los cabinets. En las sillas, se pusieron de
moda los tallados elaborados y los respaldos altos. Tanto las piezas inglesas como las
continentales se realizaban con asientos y respaldos de rejilla como alternativa a la tapicería.
También se realizaron sencillas variaciones de estas sillas con partes torneadas en lugar de
talladas, pero se seguían utilizando los respaldos altos.
El mobiliario más elegante y elaborado del barroco se realizó para la corte de Luis XIV, en
Francia. El excelente artesano André Charles Boulle creó formas y detalles inusuales con
taraceas que combinaban metal (peltre, oro, bronce o plata), carey y ébano en diseños que
formaban yuxtaposiciones imaginativas de motivos clásicos: parecía como si la inspiración
básica fueran antiguos frescos romanos. Las patas con forma de columnas, ricamente
adornadas, se utilizaron para sostener mesas, sillas y arcones.
El estilo barroco perduró muchos años hasta que las modas empezaron a cambiar, primero
en París y después en el resto del mundo occidental, hacia 1730. El estilo que tomó su lugar
fue el rococó, que perseguía una mayor delicadeza en la escala de los objetos y una conexión
más íntima entre los muebles y las personas. Los ornamentos arquitectónicos tenían menos
importancia y los muebles se construían según el gusto y comodidad de las personas, no de
las habitaciones.
Los orígenes franceses tuvieron una gran importancia e influencia y sus resultados fueron
muy importantes. El rococó comenzó durante el reinado de Luis XIV y floreció en el de Luis
XV. La versión francesa de este estilo abarcaba ambiciosos diseños con gran variedad de
materiales que requerían una gran destreza para construirlos. Se caracterizaban por formas
complejas y sinuosas que se curvaban en todas direcciones. Motivos imaginativos se
incrustaban en capas chapadas que, a su vez, estaban rodeadas de oromolido (bronce
dorado) que resaltaba las patas, orillas y frentes de los cajones de una sola pieza. Las patas
con forma de columnas fueron sustituidas por formas de animales con una gran variedad de
curvaturas.
El rococó inglés fue mucho más sobrio. Las incrustaciones se utilizaron muy poco debido a
que los ebanistas preferían usar madera fina de nogal y caoba, que se trabajaba con mucha
destreza, para sacar el máximo partido a las vetas. Los diseñadores ingleses ²y sus
seguidores² introdujeron las patas en forma de S con pies de garra y bola para las sillas,
mesas y cómodas. Este pie estaba inspirado en la misma forma de los bronces chinos (pero
que no se encontraba en el mobiliario) y representa la popularización del diseño oriental.
Hacia el final del periodo rococó en Inglaterra, el ebanista londinense Thomas Chippendale
publicó un libro de diseños, The Gentleman and Cabinet Maker¶s Directory (1754), en el que
presentaba la interpretación inglesa del estilo rococó. Fue el primero en categorizar las
variedades del rococó como francés, chino o gótico y ofrecer ejemplos de cada una. Los
innovadores diseños franceses de la década de 1750 fueron traducidos por Chippendale a
diseños muy elaborados, sin utilizar oro molido ni taraceas como hacían los franceses. El
elemento del estilo rococó más subrayado por Chippendale y por la mayoría de los artesanos
ingleses fue su aire de capricho, inspirado en los diseños franceses por la utilización nueva
de los motivos clásicos. En su libro, se podían observar diseños chinos y góticos como formas
adicionales para conseguir ese aire. Estos diseños eran más fáciles de realizar que los que
seguían las pautas francesas.
Los diseñadores ingleses de este periodo (entre 1740 y 1760) solían trabajar a pequeña
escala; algunos eligieron continuar con los diseños clásicos y otro grupo más numeroso se
decantó por un estilo arquitectónico denominado palladiano; estos artesanos modificaron los
diseños renacentistas del arquitecto italiano del siglo XVI Andrea Palladio para que se
adecuara al gusto del siglo XVIII. Eran muebles bastante voluminosos, con profusión de
frontones, cornisas, hojas de acanto y guirnaldas. El ebanista londinense William Vile, que
trabajó para la corona en las décadas de 1750 y 1760, combinó el mobiliario clásico con otro
de estilo rococó.
Los diseñadores ingleses de mobiliario conocían muy bien las maderas. En el continente, los
ebanistas estaban más preocupados por crear fantasías rococó, utilizando pintura cuando las
taraceas y el oro molido resultaban demasiado caros. Los ebanistas italianos, alemanes,
escandinavos y franceses continuaron con el estilo continental del diseño rococó.
El neoclasicismo surgió como reacción a los excesos del arte rococó y como vuelta al orden
clásico, comenzando en el momento en que el rococó disfrutaba de su máximo esplendor.
Los diseñadores que lo iniciaron abogaban por el retorno a las fuentes clásicas griegas y
romanas en lugar de las fuentes renacentistas. Sin embargo, para adaptarse al gusto del
siglo XVIII interpretaron los modelos clásicos con una delicadeza que supuso un gran
contraste con el elaborado estilo rococó.
En Francia, la primera fase del neoclasicismo se denominó estilo Luis XVI, a pesar de que su
reinado empezó en 1774 y los primeros ejemplares neoclásicos surgieron antes de esa fecha.
El clasicismo de este estilo se manifestó dentro de un completo vocabulario de motivos
derivados de fuentes grecorromanas, si bien las formas globales también reflejaban el nuevo
estilo. Las formas de los muebles eran simples y geométricas; diseños rectangulares,
circulares y ovales descansaban sobre patas rectas que se estrechaban y que tenían una
sección cuadrada o redonda. Guirnaldas de flores o paños, motivos arquitectónicos como
medallones, dentículos, molduras dóricas, jónicas y corintias y otros detalles parecidos se
utilizaron como ornamentos en las piezas neoclásicas. Las maderas exóticas son muy
utilizadas en este periodo en especial, la caoba, el ébano o el palo de rosa.
En cada país, el estilo neoclásico fue interpretado con ligeras diferencias. En Inglaterra,
donde se le llamó estilo regency, el arquitecto del príncipe de Gales de la década de 1780,
Henry Holland, diseñó mobiliario siguiendo este estilo para las residencias reales y para las
principales casas de campo. En Household Furniture and Interior Decoration (Mobiliario
doméstico y decoración interior, 1807), Thomas Hope, coleccionista, experto en artes
decorativas y gran entusiasta del arte clásico, describió su concepto del estilo clásico, en el
que las influencias griegas y egipcias eran muy importantes.
3.14 Eclecticismo
Al mismo tiempo que los estilos neoclásicos de la primera mitad del siglo XIX reaparecieron
otros estilos.
3.14. 1 Neogótico
El gótico, que Chippendale había utilizado como fuente de motivos ornamentales, también
despertó el interés de Sheraton y de algunos diseñadores posteriores. Hacia 1830, el interés
por el gótico era más profundo. Este estilo fue admirado por algunos como una reacción
contra el clasicismo, mientras que otros lo consideraron un estilo cristiano, preferible a los
inspirados en el paganismo. Por una parte, el entusiasmo romántico favoreció los diseños
basados en las ruinas medievales y la asimetría; por otra, existía un fuerte deseo de diseños
inspirados por la fe religiosa. Augustus Charles Pugin y su hijo Augustus Welby Northmore
desarrollaron el estilo neogótico, que implicaba la utilización de ornamentos arquitectónicos
góticos sobre formas del siglo XIX.
3.14.2 Neorrococó
Un enfoque diferente por completo fue el utilizado por los diseñadores que lucharon por una
vuelta a la elegancia. A partir de la década de 1820, el estilo rococó del siglo XVIII fue la
inspiración para una reinterpretación del mismo en París.
3.14. 3 Neorrenacimiento
Para reproducir los muebles de estilos históricos, los fabricantes del siglo XIX utilizaron
varios métodos: chapados que cubrían maderas baratas, tallados y taraceas que embellecían
muebles de estilo de bajo precio y construidos con poco cuidado.
El Art Nouveau es un estilo directamente derivado del movimiento Arts & Crafts que floreció
entre la década de 1890 y 1910, y que afectó tanto al arte como al diseño. Es un estilo
orgánico derivado de formas naturales que transmite una sensación de movimiento,
ejemplificado por la curva de µlatigazo¶, que se encuentra en muchos trabajos de este estilo.
En el mobiliario, sus primeros exponentes fueron los arquitectos belgas Henri van de Velde y
Victor Horta, quienes amueblaron los interiores de sus edificios para completar las formas
sinuosas de los decorados arquitectónicos. En Francia, el arquitecto Hector Guimard, creador
de las elegantes estaciones del metro de París en 1900, diseñó muebles igualmente
asimétricos y con una gran diversidad de formas talladas. El notable vidriero Émile Gallé
también diseñó algunos de los muebles Art Nouveau más llamativos, en los que
predominaban motivos vegetales y florales. Louis Majorelle creó lujosos muebles inspirados
asimismo en formas naturales y después de la I Guerra Mundial se convirtió en un
prestigioso diseñador siguiendo el estilo del Art Déco. El arquitecto y diseñador escocés
Charles Rennie Mackintosh creó, en su forma exclusiva de interpretar el Art Nouveau,
hermosas piezas de mobiliario. Elementos típicos son las maderas de roble pintadas de
blanco con elegantes taraceas, los montajes de metal y las vidrieras con formas vegetales
abstractas y curvilíneas. En España el Art Nouveau es conocido como modernismo. Destaca
el arquitecto Antoni Gaudí que diseñó algunos muebles, fundamentalmente sillas, en los que
se manifiesta su afán por llevar el diseño a todos los terrenos. Su compatriota Rafael Massó,
creó unos muebles inspirados en las innovaciones de Mackintosh, de sobria y áspera belleza.
La revolución en las artes, que también afectó al diseño de muebles, marcó el paso de siglo.
En un lugar destacado entre los máximos representantes de esta revolución artística se
encuentra el arquitecto y diseñador austriaco Josef Hoffmann que, junto a otros artistas,
fundó el estilo Sezession en Viena, en 1897, y el Wiener Wekstätte (Taller de Viena) en
1903. El Wekstätte realizó, entre otros tipos de artes decorativas, mobiliario de formas
cúbicas que contrastaban de modo radical con la obsesión por las formas curvilíneas del Art
Nouveau. Estos muebles tenían reminiscencias de los sobrios diseños de Mackintosh, que
eran muy admirados por el grupo; el ángulo recto se utilizaba de forma constante y los
detalles eran austeros. El estilo Sezession fue el precursor de dos importantes corrientes del
siglo XX: la Bauhaus alemana y el Art Déco francés.
El estilo Bauhaus, fundado en Weimar, Alemania (1919), por el arquitecto Walter Gropius,
fue una escuela de arte y arquitectura global que llegó a ser una de las más influyentes en el
desarrollo del arte del siglo XX. El mobiliario clásico contemporáneo, que todavía se sigue
fabricando, fue diseñado por sus más renombrados arquitectos, Marcel Breuer y Ludwig Mies
van der Rohe. Breuer diseñó su sillón Wassily de tubo de acero cromado y lona en 1925, y su
copiada silla en voladizo de tubo con asiento y respaldo de mimbre enmarcados en madera
en 1928. Mies diseñó su famosa silla Barcelona, una obra maestra formada por dos
elegantes marcos curvados en forma de X, de tiras de acero cromadas que soporta cojines
de cuero, en 1929. El objetivo de ambos arquitectos era concebir muebles estéticamente
agradables para la producción en serie.
El Art Déco surgió en la primera década del siglo XX, aunque su nombre proviene de la
Exposición de Artes Decorativas de París en 1925, especialmente a partir de las formas
geométricas nítidamente definidas del estilo Sezession. El interés de la Bauhaus por la
utilización de nuevos materiales también tuvo su influencia. El estilo perduró hasta 1939 y
experimentó un resurgimiento e incluso imitación en las décadas de 1970 y 1980. Los más
destacados diseñadores de Art Déco fueron franceses: Louis Majorelle, André Groult, Pierre
Chareau y Jacques Émile Ruhlmann. Sus piezas tienen una estilizada riqueza basada tanto en
la extraordinaria manufactura ²maderas raras con acabados brillantes y taraceas de
materiales exóticos, como marfil, en diseños abstractos y angulares² como en las audaces
formas geométricas. Sin embargo, el estilo se devaluó con mucha rapidez debido a versiones
de baja calidad, a la que daba lugar la producción en serie.
El arquitecto Frank Lloyd Wright también diseñó muebles, con un diseño totalmente
subordinado al diseño del edificio. Favoreció el mobiliario empotrado que pasaba a formar
parte de la arquitectura.
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Silla estilo regencia
Esta elegante silla pertenece al estilo regencia que se desarrolló en Gran Bretaña a principios del siglo
XIX. Una de sus principales características es la adopción de elementos tomados de la antigüedad
clásica, como la lira que decora el respaldo.
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Banco estilo imperio
El estilo imperio francés, al igual que el regencia británico o el biedermeier alemán, presenta una fuerte
influencia de los muebles de las antiguas Grecia y Roma. El diseño de este banco (1810) está inspirado
en el diván del mundo clásico. Está adornado con incrustaciones de lapislázuli y medallones florales.
Bridgeman Art Library, London/New York
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Escritorio Chippendale
Escritorio diseñado por el ebanista inglés Thomas Chippendale en madera de caoba.
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