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com/distattoo, que la disfrutes ;)

MIKE DEVRIES
SEAMOS REALISTAS

HITOS EN LA HISTORIA DEL TATUAJE

El tatuaje ha existido desde el período Neolítico y la Edad de Piedra. En 1.991, Otzi the
Iceman, un hombre tatuado de cinco mil años de edad, fue encontrado en el Valle Otz
en los Alpes con 57 tatuajes agujereados en su piel. En 1.891, unos arqueólogos
encontraron los restos momificados de una sacerdotisa que poseía muchos patrones
geométricos y esquemáticos en su cuerpo. Se cree que vivió en el 2.000 A.C. Las
momias de Pazyryk se encontraron en las montañas High Altai del oeste y sur de Siberia
y se remontan a 2.400 años atrás. Muchos de los tatuajes descubiertos en los cuerpos de
estas momias simbolizan animales comunes en ese período.

La práctica del tatuaje ha tenido un inmenso significado histórico en las culturas

polinesias, donde se cree que la fuerza espiritual de una persona, o maná, se despliega a
través de sus tatuajes. Los maorís de Nueva Zelanda creen que el “moko”, o tatuaje,
refleja su erudición artística; el “moko” a cara completa es un signo de prestigio y
superioridad.

En Samoa, tatuar a mano se asocia con rango, título y prestigio, y hay ceremonias de
tatuaje en el inicio de la pubertad que celebran la perseverancia del joven jefe, su
resistencia y dedicación a su herencia y tradición cultural. Como dijo una vez Charles
Darwin sobre los tatuajes, “no hay nación en la Tierra que no conozca este fenómeno”.

Algunos creen que el origen de la palabra “tatuaje” viene de “tatau”, una palabra
Samoana que significa “marcar dos veces”. “Ta” significa “mano”, y se duplica debido
a que implica una acción repetitiva; mientras que “u” quiere decir “color”. El capitán
James Cook, un explorador británico, presentó este fenómeno al mundo Occidental,
cuando recolectaba información sobre el mundo en un pasaje de su diario a finales de
1.760. Escribió, “graban símbolos en los cuerpos de la gente y lo llaman tattaw”.
Mencionó otra vez el tema en 1.779, cuando declaró que “la universalidad del tatuaje es
un tema interesante para la especulación”. Muchos miembros de la tripulación del
capitán Cook volvían con regularidad a Inglaterra tatuados, una práctica que finalmente
dibujó un vínculo entre los tatuajes y los marineros; porque recolectaban obras de arte
en su piel durante sus varios viajes.

El tatuaje en Japón tiene una larga y brillante historia. Durante el siglo XVIII, en el
período Edo, los tatuajes tradicionales japoneses, conocidos como “horimono”,
empezaron a emerger como una hermosa forma de arte; ya que utilizaban imágenes de
xilografías y acuarelas tradicionales. Algunos de los primeros artistas eran artistas de
“ukiyo-e” y cambiaron sus herramientas de talla de madera por agujas largas y
puntiagudas y lienzos de piel. Mientras esta forma de arte se concentraba más, los
artistas empezaron a dedicar su tiempo y esfuerzo a especializarse en este estilo único
de tatuaje, centrando muchos de los temas del tatuaje alrededor del antiguo folclore:
fuego, viento, agua, serpientes, tigres, leones, dragones, olas, kois, guerreros samurai,
agua y flores. El tatuaje tradicional japonés consiste en usar un conjunto de agujas que
se ponen al final de un mango de madera o metal y la tinta se mete manualmente. Esta
antigua forma de tatuar todavía se practica en la actualidad por un puñado de maestros
tatuadores japoneses muy respetados, cuya rica historia ha tenido una influencia
positiva en los coleccionistas de tatuajes y artistas de cultura occidental.

En japonés, un “horishi” es un artista del tatuaje. El prefijo “hori” (que significa

“grabar”) se dio por primera vez como un título a finales de 1.800. Los títulos a menudo
eran tatuados en los clientes como la firma del artista. Ocasionalmente estos tatuadores
formaban asociaciones maestro-aprendiz, en las que el maestro consagrado preparaba a
sus estudiantes, dándoles un título y a veces pasando su nombre al pupilo. Por ejemplo,
Horiyoshi I, de Yokohama, le dio a su hermano el título de Horiyoshi II y éste decidió
darle a su estudiante, Yoshihito Nakano, el título de Horiyoshi III. Esta sucesión ha
durado cincuenta años, y el hijo de Horiyoshi III, Nakano Kazuyoshi, está aprendiendo
el oficio y a su debido tiempo se le concederá el título de Horiyoshi IV.

Horiyoshi III nació en 1.946 y durante treinta años ha sido la autoridad preeminente del
tatuaje japonés. Recibió su traje de cuerpo entero a la edad de 28 años, y fue
completamente tatuado a mano por su maestro. Horiyoshi III sigue siendo un artista
tatuador a tiempo completo, ha escrito varios libros y posee un museo de tatuaje en
Japón junto a su mujer. Es admirado y respetado en toda la comunidad tatuajística
actual, tanto por sus impresionantes trabajos como por su lealtad a la tradición y a la
estricta disciplina cultural..

Los tatuajes se hicieron populares por la gente del circo a finales del siglo XIX y la
primera mitad del siglo XX, debido a que los mayores circos ambulantes contrataban
gente muy tatuada que era exhibida como atracción secundaria. En 1.891, la primera
máquina de tatuar eléctrica fue inventada y patentada por el artista del tatuaje Samuel
O’Reilly. Este revolucionario aparato fue extremadamente innovador al abrir las puertas
a una nueva generación en crecimiento en el ámbito del tatuaje. Esta evolución
generaría finalmente más avances en varias áreas, incluyendo: pigmentos/tintas, agujas,
métodos de esterilización, diseños/flash, así como en la cultura del tatuaje en general.

Además de la contribución de O’Reilly a la historia del tatuaje de la cultura occidental,

uno de los artistas del tatuaje más destacados de su tiempo fue Norman “Sailor Jerry”
Collins. Nació en 1.911 y murió a los 62 años, en 1.973. Durante su vida, Sailor Jerry
creó formaciones de agujas que eran capaces de hacer penetrar la tinta en la piel con
menor trauma que las anteriores. También desarrolló sus propias tintas seguras que
venían en una multitud de colores que la industria nunca había visto o usado hasta
entonces. Además, Collins fue uno de los primeros artistas que empleó agujas de un
solo uso y que ofrecía métodos de estirilización de alta calidad en su estudio. Sailor
Jerry era conocido por sus certeros detalles y su precisión bien definida en sus trabajos,
muchos de los cuales giran en torno a temas y diseños náuticos. Su primer estudio
estaba en Chinatown en Honolulu, Hawaii, y Sailor Jerry se convirtió en mentor de
otros dos artistas que iban a convertirse también en leyenda por derecho propio: Don Ed
Hardy y Mike Malone alias Rollo. Hardy es bien conocido por incorporar diseños y
técnicas del tatuaje japonés en su trabajo artístico; y también por revolucionar el arte del
tatuaje en la escena de la cultura pop. Ha tenido mucho éxito comisariando varias
exposiciones de arte y haciendo numerosas conferencias en colegios y museos. Otro
artista influyente durante 1.960 fue Lyle Tuttle, que acaparó titulares en el mundo del
tatuaje, con sus legendarios trabajos sobre la piel de mujeres. Cuando le preguntaron
qué es lo que había hecho que el tatuaje ganara popularidad durante su temprana
carrera, una cita suya en Prick Magazine dice, “¡La liberación de la mujer! ¡Cien por
cien la liberación de la mujer! Eso ha puesto al tatuaje de nuevo en el mapa. Con las
mujeres obteniendo una recién encontrada libertad, pueden tatuarse si es lo que desean.”

También por esta época, artistas como Freddy Negrete, Mark Mahoney y Jack Rudy
tatuaban innovadores retratos. Según la leyenda del tatuaje, Rick Walters, “Freddy fue
uno de los primeros en hacer estilo realista y un trabajo de color realista. A mitad de los
70 hizo una virgen María a todo color en una espalda que le hizo ganar el Tatuador del
Año de la National Tattoo Association Convention.” Cuando Mahoney se mudó al este
de Los Ángeles en los 80 hacía trabajos de retratos preciosos que influyeron a muchos
futuros artistas, al empezar a tener una nueva apreciación de este estilo de trabajo.
Walters es una gran influencia para muchos en la industria del tatuaje. Empezó tatuando
a mano a sus amigos en 1.955, cuando tenía sólo diez años. En 1.965, consiguió su
primera máquina de tatuar y empezó a trabajar profesionalmente, abriendo un pequeño
estudio en Lawndale, California. En 1.973, fue a trabajar con su mentor, JR Pike, y
pasaba el tiempo en el estudio de Bert Grimm, aprendiendo todo lo que podía antes de ir
a trabajar con Bob Shaw y Col. W.L. Todd en Tattoo Gallery; después, trabajó en
World Famous Bert Grimm’s Tattoo Studio en Long Beach, donde permaneció 25 años.

Al otro lado de los Estados Unidos, artistas como Tom Renshaw producían increíbles
retratos y piezas de animales/naturaleza en blanco y negro; ofreciendo a la industria del
tatuaje un nuevo nivel de trabajo artístico en el género realista. Tom, que continúa
impresionando al mundo del tatuaje hoy en día, pasó a enseñar a Bob Tyrell, que hizo
su aprendizaje en Eternal Tattoos con Tramp y Renshaw, aprendiendo el oficio de estos
increíbles artistas. Tyrell estuvo en Eternal durante seis años, mientras afinaba sus
habilidades, antes de abrir su propia tienda en Detroit. Continúa impresionando a la
industria con su sobresaliente trabajo en el reino del blanco y negro. En cuanto al
realismo de color, Deano Cook, tatuando desde 1.993 fuera de Georgia, empezó a
producir impactantes pin-ups y retratos realistas durante una época en la que eran pocos
los que intentaban hacer algo así. Similarmente, en California, Mike DeMasi ofrecía un
estilo realista único y memorable a través de sus trabajos de retrato y subía el listón a
aquellos que profundizaban en el mundo del realismo, sirviendo de inspiración para
muchos nuevos artistas. Artistas influyentes como estos antes mencionados han sido
muy importantes allanando el camino para aquellos que están hoy en la industria. Cada
escalón en la progresión del arte del tatuaje hace posible que la siguiente generación
evolucione y avance, trayendo también nuevos métodos y técnicas para aquellos que
vendrán después de ellos.

Esta larga historia del tatuaje ha llevado a muchos cambios durante los años, mientras
los entusiastas del tatuaje han ido coleccionando piezas de muchos géneros: tatuajes old
school, new school, con sus líneas gruesas y sus colores brillantes, estilo japonés, tribal,
biomecánico, diseños religiosos y mitológicos, estilo cartoon, texto/letras, y muchos,
muchos más. Este vasto abanico de estilos, nos traen hasta el día de hoy, donde la
industria definitivamente ha alcanzado un punto de inflexión; la perspectiva del reposo,
donde una vez fue un fenómeno raro, está rápida y dramáticamente convirtiéndose en
algo más común; que es el brillante mundo del realismo. Han hecho falta muchas
progresiones y “subidas de listón” para que tuviera lugar una explosión como ésta. Cada
artista en la ecuación revolucionaria ha tenido sus incidencias personales y mentores
que le han llevado a ser parte de esta metamorfosis.
 MI VIAJE PERSONAL COMO ARTISTA DEL TATUAJE

Mis propios recuerdos de niño, incluyen horas de dibujo y bocetos; siempre podías
encontrarme con un lápiz en la mano. Nací y crecí en el sur de California en San
Fernando Valley, mi viaje empezó en junio de 1.979. Tuve una educación genial y me
mantenía ocupado con muchas actividades típicas infantiles. Acumulo miles de horas
jugando a videojuegos, muchos años participando en la Little League Baseball y
siempre he estado en la escena del skateboarding. También me gustaba coleccionar
cromos de béisbol y cómics, y fueron los cómics los que provocaron una ya evidente
intriga por el dibujo, la pintura y el arte en general. Siempre interesado en el proceso
creativo, algunos de mis recuerdos más tempranos de infancia incluyen garabatos de
imágenes de distintas caras espantosas en cualquier trozo de papel que pudiera
encontrar.

Aunque el instituto es como una vasta niebla en mi cabeza, siempre recuerdo haber
estado apuntado a clases de arte y pasar muchas horas dibujando, creando y abocetando
en cualquier medio disponible; incluyendo las paredes de mi habitación. Cuando tenía
aproximadamente 16 años, mi mejor amigo, Scott, se pasó a enseñarme su nuevo
tatuaje. Mi curiosidad se desató, y no perdí tiempo para adquirir uno al día siguiente.
Sorprendentemente, mis padres me dieron permiso y me dirigí al estudio, que era un
sitio muy famoso en el vecindario en aquella época. Me hize un colorido sol,
completado con una cara maligna en medio, tatuado en la parte superior del omóplato.
Con esto, no sólo recibí mi primera pieza de tinta, sino que esto abrió la ventana a todo
un mundo nuevo, que eventualmente se convertiría en mi carrera. Este recién
descubierto entorno cautivó mi atención y una gran parte de mi tiempo, mientras pasaba
más y más horas en la silla de tatuar y dejándome caer por el estudio; el cual
inicialmente era un garaje bien acondicionado y luego se convirtió en un estudio de
tatuajes deambulante en un remolque. Invitaba al artista y a su estudio móvil a casa de
mis padres para hacer fiestas de tatuaje, cuando estaban fuera de la ciudad. El remolque
evolucionó por último en un asombroso autobús de colegio/estudio de tatuajes, que fue
donde el dueño lo relocalizó. Cumplí los 18 por esa época y cuando se trasladó, fue el
momento de que yo también lo hiciera, así que empecé a estar un montón de tiempo en
el estudio local, pasando el rato e incrementando mi colección personal de tatuajes.

Durante las vacaciones de verano y otras fechas en las que no tenía colegio, trabajaba
con mi padre en la construcción y el remodelado residencial. Después de graduarme en
el instituto en 1.997, trabajaba con él a tiempo completo y continué con esta profesión
durante muchos años, creyendo que sería mi principal vocación. Durante estos años, mi
afinidad con los tatuajes continuó y siempre presté mucha atención al proceso y las
técnicas usadas por los artistas que visitaba frecuentemente. A principios de 2.003, una
conversación durante una sesión de un tatuaje con Jim Hayek, acabó en una oferta de
aprendizaje. Me permitió hacer un trueque con algo de trabajo de construcción como
parte del pago, mientras no perdí tiempo para reunir el resto del dinero para poner en
marcha el aprendizaje. Compré el equipo necesario; que incluía una Neuma
(www.neumatattoomachine.com), la máquina de aire con la que aprendí. Después,
utilicé cada momento libre practicando mis recién aprendidas habilidades en mis
colegas; tatuando de noche después del trabajo y los fines de semana. En un año, pude
dejar el negocio de la construcción y empezó mi entrada en la industria del tatuaje. Mis
habilidades de albañil inmediatamente me fueron útiles, y construí un estudio detrás de
mi casa en Encino y trabajé ahí durante los primeros cuatro años de mi carrera. A
principios de 2.007, cuando me mudé a Art Junkies Tattoo en Hesperia, California,
conseguí una sólida clientela y me establecí como maestro en el género del
realismo/retrato de la industria. En verano de 2.008, después de un genial año y medio
en el desierto, decidí abrir un estudio de tatuajes privado en San Fernando Valley.

Siempre he tenido cariño al estilo realista y exploré revistas de tatuaje durante mis
primeros años, impresionado con el trabajo de retratos de Tom Renshaw. Trabajos
como el suyo, inspiraron mi dirección a seguir, mientras mis habilidades en el tatuaje
progresaban y rápidamente me di cuenta de que había encontrado mi sitio en el realismo
de color. Avanzando constantemente, estuve extremadamente ocupado y motivado
refinando y puliendo este arte para seguir avanzando hacia el siguiente nivel. Un vistazo
a mi portafolio revela mi preferencia por “cualquier cosa realista”, notablemente, la
variedad de vida salvaje, estrellas de cine, estrellas del rock y pin ups.

Además de un horario de trabajo apretado, también me gusta pintar, cuando el tiempo

me lo permite. Este medio también me lo inspiró Jim Hayek, cuando vi por primera vez
piezas increíbles que había hecho de rockeros famosos. Me enseñó lo básico y entonces
pinté muchos de mis personajes y escenas de película favoritos. Estoy familiarizado a
trabajar con acrílicos y espero poder experimentar con óleo y aerógrafo en el futuro. He
obtenido inspiración de artistas como: M.C. Escher, Salvador Dalí, Kunio Hagio y
Michael Godard. Además de estos maestros, he encontrado más inspiración en la
industria del tatuaje de artistas como: Bob Tyrell, Robert Hernández, Joe Capobianco,
Tom Renshaw, Guy Aitchison, Nick Baxter, Nikko, Cory Cudney; mis colegas, Carson
Hill, Mike Demasi, y por supuesto, mi mentor, Jim Hayek.

REFERENCIAS

Sentar las bases de un tatuaje requiere organización, preparación y un plan. El primer

paso en el que nos centraremos es en tu material de referencia. Es esencial una buena
referencia para un tatuaje realista de primera clase, ya que la imagen que elijas y utilices
guiará todo el proyecto. Presta mucha atención a las características que distinguen una
referencia mediocre de una excepcional.

Invertir dinero en crear tu propia biblioteca personal es muy recomendable. Tener un

directorio de imágenes pictóricas al alcance de la mano es extremadamente útil y
conveniente cuando investigas y te preparas para cada nuevo poryecto de tatuaje. Esto
también dará ideas a tus clientes y les hará saber que tipo de cosas estás interesado en
hacer, lo cual es muy importante cuando hablamos de realismo (retratos y animales).
Intenta acumular volúmenes de libros y revistas de todos los géneros, incluyendo:
fotografía animada, fisiología, naturaleza, anatomía, cultura pop, entretenimiento,
ciencias, etc. Mi colección también incluye muchas imágenes de celebridades de 8x10,
que puedes comprar en algunas tiendas de recuerdos u online. Además de las
publicaciones tangibles, utiliza la infinita red global. Internet tiene un potencial
ilimitado de coleccionar imágenes y fotos, para construir tus archivos de referencia más
todavía. El tiempo invertido en buscar, estudiar y surfear la web en busca de imágenes
magníficas te beneficiará inmensamente.
Cuando se trata de tu material de referencia, recuerda que la clave es la claridad. Si
quieres que un tatuaje sea fresco y realista, tener una imagen clara y precisa es esencial.
Busca imágenes con mucha definición, veracidad y características distintas. Esto es
especialmente importante si planeas ampliar la imagen, ya que quieres que sea capaz de
retener la exactitud cuando se amplía. Mejorar el tamaño también se hace imperativo
para que tu foto de referencia inicial esté a un tamaño trabajable. Ampliar una foto
minúscula creará un gran borrón, así que empieza con una imagen de un volumen
sustancial y en alta resolución, a ser posible.

Hay momentos en los que puede que una imagen detallada no es una opción viable. Por
ejemplo, si tu cliente desea un retrato de un ser querido fallecido, la imagen que traerá
puede que no sea la ideal. Aquí es donde entran tus habilidades creativas, al tener que
utilizar lo que está disponible; se ingenioso, artístico e imaginativo para hacer que esa
imagen cobre vida. Igualmente, si tu cliente quiere un retrato de un ser querido vivo y
trae una imagen de baja calidad/claridad, enséñale a organizar su propia sesión de fotos
con esa persona. Dile que haga un surtido de fotos; usando diferentes ángulos,
posiciones e iluminación, para que tengas una buena colección de fotos entre las que
escoger.
Además de la claridad y el tamaño, busca referencias con textura, profundidad, sombras
y dimensión. Por ejemplo, cuando trabajas un retrato humano, presta atención a fotos de
referencia con detalles en el modelo: boca/lengua, ojos, pestañas, arrugas, pecas, cejas,
pelo facial y/o textura del pelo, dedos, uñas, sudor, tono de piel, etc. Similarmente,
cuando investigamos para una pieza de animales/vida salvaje, se consciente de detalles
como: los bigotes, la tosquedad o suavidad del pelaje, las plumas, las uñas o garras,
escamas, colmillos, encías, ojos, patas, colas, etc. Básicamente, características
especiales y sutiles que añadirán distinción a retratos así, que marcarán la diferencia
entre un tatuaje común y otro único.

Dada la importancia de una imagen de referencia de élite, ten en cuenta que mientras
trabajas con esa imagen, no tienes que confiar completamente en ella. Es verdad que es
tu base y guía, pero usa licencias artísticas y habilidades creativas para mejorar sus
propiedades. Asegúrate de elaborarla y añadir detalles; expande la aplicación de color,
embellece el primer plano y amplifica el fondo. Básicamente, recuerda que quieres que
el tatuaje sea preciso; mientras al mismo tiempo, añádele unidad con tu estilo. Ser
imaginativo y creativo te permite recoger elementos dentro de una buena referencia que
no necesariamente estarán en una mala referencia. Por ejemplo, si no puedes ver ciertos
detalles y colores de la imagen, desarrolla más con lo que está disponible, usando
colores simulados y mejoras inteligentes. Igual que las fotografías son dignas de
recordar cuando tienen composiciones llamativas y sustancia, un tatuaje realista también
lo será si el material de referencia encarna un marco preciso, claro y táctil.

COLOCACIÓN

Una vez que has escogido una imagen de referencia excelente con la que trabajar,
cuando prepares la imagen es aconsejable reproducirla en varios tamaños. Nunca sabes
qué proporción será la mejor, una vez que la pones en la piel del cliente; así que tener
varios tamaños es muy útil. Normalmente me gusta empezar con entre tres y cinco
tamaños distintos y ponerlos en la zona de destino para ver qué dimensiones fluyen bien
y encajan mejor. Muchas veces, este ejercicio de evaluar diferentes opciones de tamaño
te llevará a descubrir sin darte cuenta el lugar ideal.
Basándose en la región de piel disponible del cliente, es importante prestar especial
atención a muchos factores. Para empezar, ten en cuenta la forma de la imagen,
mientras al mismo tiempo consideras la configuración de la zona del cuerpo que vas a
utilizar. Aquí es donde entran en juego la antropometría (el estudio de las medidas y
proporciones del cuerpo humano) y la comprensión del contorno anatómico de la forma
del cuerpo. Reconocer las líneas naturales y la fluidez de la anatomía, así como las
configuraciones de las curvas y la simetría puede tener un impacto considerable en la
manera en la que se verá la imagen. Ya que muchas veces los tatuajes realistas implican
retratos, el sitio donde se posiciona la imagen puede tanto mejorar como distorsionar la
imagen. Por ejemplo, la cara exterior del gemelo suele ser un sitio mejor que la cara
interior, la parte interior del brazo (antebrazo) normalmente es mejor que la parte
exterior. Tiende a ser más plana, mientras que el exterior se enrrolla más y puede tener
inserciones de músculos que crearán distorsión. Mis sitios favoritos son: la parte
exterior del gemelo, la parte interior del antebrazo y la parte interior del brazo por
debajo de la axila.

Aunque los atributos físicos del cliente están obviamente fuera de tu control, todavía es
importante tener en consideración pequeños factores, como: la pigmentación de la piel,
la complexión, la cromacidad, la suavidad/tosquedad de la textura de la piel, la cantidad
de pelo corporal, marcas de nacimiento, lunares, cicatrices; básicamente, cualquier cosa
que pueda ser un estorbo o una ventaja para ti, cuando determinas qué imagen
funcionará mejor en qué zona.

Es importante mantener el control del proceso de colocación y creer en tu experta

opinión de dónde se verá mejor una imagen en particular. Muchas veces, puede que un
cliente se considere experto en materia de tatuaje y te diga dónde quiere llevar su nuevo
tatuaje, pero debes mantenerte firme en tu idea de qué sitios serían los ideales para
poner el tatuaje. Obviamente, debes tener su opinión en cuenta y al hacerlo, querrás usar
tácticas hábiles y persuasión estratégica, pero es imperativo mostrarles que tu
experiencia en la materia al final les dará los mejores resultados. A veces es difícil para
los clientes visualizar la importancia de la proporción y la simetría sin el dominio que tú
tienes, así que expresa estos puntos lo más concisamente posible y fíate de tus instintos
para llegar a la decisión final.

También es importante tener en cuenta la fluidez de la pieza. ¿La zona que se va a usar
hará que el trabajo fluya de manera suave y continuada con la anatomía? ¿Coordina bien
y encaja con otros tatuajes que puede que haya en las zonas adyacentes? Asegúrate que
las proporciones y los colores o temas de alrededor que ya existan en otros tatuajes
armonicen bien. Ten en cuenta la manera en la que una imagen mira hacia dentro o
hacia fuera del cuerpo, ya que es primordial que un retrato mire hacia una dirección
concreta. Por ejemplo, si un cliente llega queriendo un retrato en el brazo derecho, la
dirección puede hacer malinterpretar esa imagen en particular y en realidad pertenecer
al brazo izquierdo. Cuando esto ocurre, puede que debas invertir la imagen para
encajarla en el lado opuesto del cuerpo. Aunque esto funciona ocasionalmente, se
extremadamente cuidadoso, ya que invertir una imagen puede alterar drásticamente la
cara. Por ejemplo, si tienes un lunar en la mejilla derecha, no puedes invertir la imagen
porque aparecerá en la izquierda. Además, intentar cubrir la mitad de la cara y
duplicarla hacia el otro lado, hará que parezca una persona completamente diferente.
Aunque de vez en cuando podrás invertir la imagen, la mayoría de veces no funcionará
correctamente. Aborda cada proyecto como una experiencia totalmente única y no
limites tus parámetros. Lo que funciona una vez puede que no funcione otra, y
viceversa; lo que no funciona en un proyecto, muy probablemente lo hará en otro.
Recuerda que las reglas están para romperse; supera tus límites y crea tu propio
protocolo que te eleve al siguiente nivel.

Es recomendable que planees también la colocación con futuros tatuajes en mente, si

prevees piezas posteriores en la misma zona o si estás planeando media manga, una
manga o algo mayor. Ten esto en cuenta y debate dónde puede que vaya a haber otros
trabajos y qué efecto tendrán en el proyecto actual. Cuando colocas y planeas varios
retratos que estarán colindantes, asegúrate de no apilarlos uno encima de otro, para que
no cree un efecto “tótem”, que parecerá muy compacto. Más bien, espárcelos y ladéalos
bien para que haya varias direcciones y la posición de cada uno fluya correctamente
cuando se vean todos juntos. Me he dado cuenta de que lo óptimo es comenzar desde
debajo de un miembro e ir yendo hacia arriba si planeas hacer varios retratos en un
brazo, una pierna u otra parte del cuerpo. Los retratos más altos quieres que parezca que
están detrás de las piezas más bajas, así que tiene sentido empezar por abajo y trabajar
hacia arriba conforme avanzas, si es posible, para darle mayor profundidad. Las partes
de debajo de los miembros tendrán menos espacio con el que trabajar, así que haz estos
tatuajes lo más grandes posible, porque las piezas de encima probablemente serán más
grandes para rellenar y encajar en la zona deseada, mientras mantenemos el sentido de
la profundidad y la superposición. Así que los tatuajes de arriba deberían ser
técnicamente más pequeños que los de abajo. Esto no siempre funciona así, pero intenta
planearlo de esta manera si es posible (para leer más sobre la profundidad en la
colocación, ve al Capítulo de Técnicas: Sección de
Tamaño/Localización/Superposición).

No tengas miedo en probar varias localizaciones cuando decides la colocación. A veces

el lugar ideal saltará a la vista cuando posiciones la imagen y compruebes los
parámetros, así que tienes que estar abierto a varias zonas posibles. Recuerda ser
consciente del contorno, el diseño anatómico, el tamaño y el tipo de cuerpo para
encontrar el sitio perfecto.

¡PLANTILLAS!

Cuando haces un tatuaje realista, uno de los elementos más esenciales para producir un
resultado sorprendentemente realista es la plantilla. La plantilla actúa de sistema de
navegación y dirige el curso de la precisión del tatuaje. Como dice Mike DeMasi, “un
tatuaje excelente no depende de la tinta, las máquinas o las agujas; todo depende de la
plantilla”. Una plantilla mala hará un tatuaje malo, igual que una plantilla admirable
llevará a un tatuaje de primera clase. Dada la importancia, es imperativo que la plantilla
sea lo más específica y detallada posible.

Después de probar y probar con unas cuantas herramientas, he visto que lo que mejor
me funciona para hacer plantillas es un lápiz Prismacolor Turquoise H, ya que la mina
es fuerte y la punta no se rompe fácilmente. Empiezo poniendo la imagen de referencia
directamente encima del papel hectográfico, usando la primera capa como plantilla, no
la imagen impresa. No uso la impresión como plantilla, porque el papel es más grueso y
no se amolda a las partes del cuerpo tan fácilmente como el papel de arriba del papel
hectográfico (papel de seda), que es más delgado y fácil de manejar. Nunca uso una
mesa de luz cuando preparo una plantilla para un tatuaje realista, ya que estos
dispositivos dificultan la visibilidad de las sombras necesarias y detalles importantes de
la imagen.

Empieza a hacer la plantilla con la predisposición mental de que quieres incluirlo

TODO; incluso si no acabas usando cada pequeño punto cuando empieces a tatuar, al
menos el detalle está ahí para usarlo como referencia si fuese necesario. Se específico y
meticuloso, mientras incluyes formas geométricas, formas y sombras. Piensa en tu
plantilla como una cuadrícula; el marco y la plantilla estructural que guiará la dirección
del proyecto y te ayudará a orientarte a través del mismo; algo así como un libro de
“rellena y colorea” que seguro que conoces de cuando eras niño. Recuerda que cuanto
más tiempo emplees en la plantilla, haciéndola fácil de entender y leer, más suave y
rápido será el tatuaje.

Cuando trabajo con una plantilla complicada, hago pequeñas “X” en las zonas
apropiadas de luz y sombra para resaltar estas regiones y acordarme de su situación
cuando empiece a tatuar. Para mí las plantillas complicadas son lo normal; diría que el
95% de las veces, la plantilla es compleja y muy detallada, asi que las “X” se hacen
imprescindibles para poder seguirlas cuando empiezo a trabajar. Similarmente, a veces
uso líneas de puntos para marcar donde acaba una sombra, así que puedo recordar
donde no se usan zonas duras en la pieza. Usando estas marcas en “X” aceleramos el
proceso del tatuaje porque si necesitas mirar la imagen de referencia sabes exactamente
dónde tienes que mirar. Sin embargo, ten cuidado de no perderte en estas pequeñas
marcas; estate siempre atento a la necesidad de mezclar a medida que avanzas. Este
también es el momento de hacer ajustes en la pieza. Por ejemplo, puedes jugar con el
pelo: haciendo que fluya hacia una dirección concreta, haciéndolo más largo o más
corto, o alargar las pestañas, cosas así. Otro buen truco que puedes incorporar en este
momento es cortar los hombros para empujar la cara hacia delante o rotar las líneas
(mira el Capítulo de Técnica para más información sobre este truco). No puedo recalcar
lo suficiente la importancia del detalle. Se específico y elaborado cuando hagas la
plantilla; dirigirá el curso del tatuaje y puede significar la diferencia entre un resultado
ordinario y uno extraordinario.

Una vez que la plantilla está preparada, obviamente querrás afeitar la zona del cuerpo.
Me gusta afeitar la zona más allá de la sección que será tatuada; normalmente entre dos
y tres pulgadas fuera de la zona de tatuaje. Encuentro esto importante a la hora de tomar
fotos de la pieza acabada, ya que no hay nada peor que ver exceso de pelo en la foto.
Primero, froto la piel y la limpio con Dial Soap diluido en agua destilada, ya que tiende
a ser más suave que el jabón verde, que a veces puede quemar y/o irritar la piel. (Sigo
usando el Dial Soap durante todo el proceso de tatuaje). Luego, me gusta limpiar la
zona con desinfectante de manos o alcohol; esto seca un poco la piel y ayuda a que la
plantilla dure incluso más.

STENCIL STUFF

Una herramienta específica del negocio en la que confío durante la fase de la plantila es
Stencil Stuff (www.StencilStuff.net). Este sobresaliente producto en loción, no tóxico,
ha dejado desfasados a los métodos tradicionales de aplicación de plantillas y elimina la
posibilidad de contaminación cruzada. Aplica una pequeña cantidad (aproximadamente
del tamaño de un cacahuete) de Stencil Stuff en la piel del cliente antes de poner la
plantilla. No quieres que esté ni muy seca ni muy húmeda, simplemente una
consistencia suave. Verás que la plantilla queda significativamente más limpia y nítida.
También elimina la necesidad de líneas de sangre o líneas grises debido a la longevidad
del producto. Si necesitas borrar la plantilla para reposicionarla, puedes hacerlo con
alcohol o desinfectante de manos y la plantilla original puede aplicarse muchas más
veces sin dañarla o tener que hacer otra.

Antes de aplicar la plantilla, sostenla delante de la piel y haz marcas con un rotulador
para que puedas identificar la posición exacta en la que tienes que colocarla. Esto ayuda
a una aplicación más controlada y exacta. Es una buena idea aplicar la plantilla antes de
preparar las cosas; dándole suficiente tiempo para que seque en esos 15 minutos o así
que tardas en preparar “el chiringuito”.

PREPARACIÓN,
MÁQUINAS, TINTAS, AGUJAS Y MÁS

Ahora que tienes la plantilla puesta, es hora de preparar. Un elemento importante con el
que empezar es la noción de que un espacio de trabajo organizado es la clave. Me he
dado cuenta que ser sistemático con mi zona de trabajo me beneficia a través del
proyecto. Empiezo con mis máquinas Neuma; preparo 3 o 4 antes de empezar.

MÁQUINAS

La ingeniosa Neuma Tattoo Machine fue diseñada por Carson Hill en el año 2000 y ha
ido transformando la industria del tatuaje desde entonces. Empezó con una
conversación entre dos amigos y después de un largo período de conceptualización y
experimentación, Carson creó una representación física de su concepto de máquina de
tatuar neumática; así nació el primer prototipo de máquina de tatuar neumática. Desde
entonces, el sistema de máquina de tatuar neumática ha visto muchos cambios y
mejoras; graduando de prototipo en prototipo, desarrollándose hasta lo que es hoy en
día, y encontrándose en manos de muchos artistas del tatuaje talentosos alrededor del
mundo. Las máquinas son neumáticas (funcionan con aire comprimido a presión) y al
no haber componentes eléctricos, son totalmente aptas para el autoclave; desembocando
en una experiencia de tatuaje extremadamente higiénica y segura. Esto no solo hace el
trabajo del usuario de una Neuma más limpio y seguro, sino que también abre una
puerta en la industria del tatuaje para un estilo de higiene clínico. La habilidad de tatuar
únicamente con herramientas autoclavables o desechables, empezando con la propia
Neuma y recorriendo toda la estación de trabajo del artista, disipa todas las
preocupaciones sobre contaminación cruzada por agentes patógenos de la sangre; que es
el mayor riesgo para la salud asociado con el proceso de tatuar. La Neuma no necesita
clip cord, fuente de alimentación, capacitor, ni ningún tipo de electricidad. En vez de
eso, usas mangueras de aire y regulas con un compressor. Ya que no hay picos de
energía eléctrica, las máquinas funcionan continua y eficientemente sin tener que parar
constantemente para hacer ajustes, lo que es muy común cuando utilizas una máquina
eléctrica.

Cuando eliminas la distracción de una máquina con un funcionamiento tosco, puedes

concentrar toda tu atención exclusivamente a la labor del tatuaje, en lugar de estar
peleándote con los mecanismos de ajuste. No hay pedal en la Neuma; en su lugar, el
regulador está equipado con un interruptor on/off que se maneja con la mano. Considero
que es una ventaja no tener pedal porque simplemente es una cosa menos con la que
lidiar y que distrae tu atención del tatuaje.

Otro tremendo beneficio para los artistas que usan Neumas es el diseño ligero,
equilibrado y simétrico; lo cual disminuye el dolor de la muñeca y el cansancio. Debido
a que las Neumas están fabricadas en aluminio de aviones CNC de alta calidad, son
extremadamente ligeras y cada una tiene un mecanismo de precisión que puede estar
dentro de una tolerancia tan baja como 1/1000 de pulgada; manteniendo las máquinas lo
más consistentemente posible, y bajando su peso a 1’5 onzas. Esto no es solo una
ventaja para el tatuador, sino que además beneficia al cliente con menos dolor durante la
sesión del tatuaje y un proceso de curado más suave. Tener menos cansancio de muñeca
al final resulta en una carrera más larga para el tatuador, ya que hay menos riesgo de
padecer el Síndrome del Túnel Carpiano, tendinitis y otras enfermedades a las que son
susceptibles los tatuadores. No te pondrás limitaciones a la hora de tatuar por querer
cuidar tu mano. También prefiero los grips de nylon para mis máquinas, porque también
son más ligeros y prefiero mantener mi equipo lo más ligero posible.

El diseño ligero es beneficioso cuando tatúo porque puedo desenvolverme con facilidad
y trabajar en diferentes ángulos que puede que no fuera capaz de alcanzar con una
máquina tradicional. Las Neumas también requieren muy poco mantenimiento. Una vez
al mes más o menos, añado una gotita de aceite en la parte de atrás de la máquina y la
hago funcionar unos minutos para mantenerla lubricada. Es extremadamente fácil de
mantener y además no requiere calibración. No tienes que pararte y pelearte con ningún
mecanismo ni ajuste de calibración; simplemente la preparas y empiezas, sin
preocuparte de la máquina. Cuando una máquina de tatuar funciona consistentemente,
permite que el artista se meta en el “groove” del tatuaje y hace más fácil que fluya la
creatividad. Las Neuma fueron desarrolladas para ser compatibles con la mayoría de
equipamiento existente de los artistas para conseguir que añadir o cambiarse a una
Neuma sea un proceso simple. Me enseñaron cómo tatuar con una Neuma cuando hice
mi aprendizaje con Jim Hayek y creo que alguna vez usé una máquina de bobinas, pero
me encontraba más cómodo con las Neuma y decidí apostar por ellas.

También recomiendo comprar un compresor de Neuma. Dependiendo de donde vayas a

trabajar, quizá prefieras un compresor de tamaño transportable si viajas a una
convención o a casa de un cliente, ya que son muy ligeros y compactos. Aunque es un
poco más pesado, es posible viajar con un Single-Artist Compressor; son ideales para
las convenciones locales. Si usas un Single-Artist Compressor en un estudio, tiende a
ser más ruidoso, así que querrás tenerlo en otra habitación y no justo a tu lado. Hay
otros tipos de compresores que funcionan bien, y que puedes comprar en Home Depot o
Lowe’s. Normalmente son más ruidosos y necesitarás mantenerlos fuera. Si te haces
con uno de estos compresores y no con uno de la web
www.NeumaTattooMachines.com, asegúrate al menos de que tiene un calderín de 1
galón y 2 CFM. Si estás trabajando en una tienda, recomiendo un compresor silencioso
que viene en una caja o cabina, de manera que puedes tenerlo al lado. También te
sugeriría que compraras un regulador de Neuma porque venden un regulador especial
que solo llega hasta 30 psi; mientras que otros dejan subir mucho más y es más difíci
medir con precisión dónde debe estar la presión. Un buen comienzo es poner la presión
alrededor de 25 psi. Sin embargo cada máquina puede funcionar un poquito diferente,
así que el “punto justo” puede variar.
Me parece que lo mejor es olvidarse del sonido y de la sensación. Mueve el regulador
arriba y abajo, y juega con él hasta que encuentres el punto justo. Si estás usando una
mágnum grande, puede que necesites subir la presión, ya que las agujas causan más
fricción y necesitan más aire. Igualmente, si estás trabajando línea, puede que quieras
bajarla un poquito para que funcione más suave, ya que hay menos fricción y necesita
menos aire. No vendo máquinas Neuma, pero si estás interesado en una, puedes
aprender más sobre ellas, hacer preguntas y comprar una en:
www.NeumaTattooMachines.com; o llamar al 877-myNEUMA (877-696-3862) o al
805-484-2032: de lunes a viernes, de 9 de la mañana a 5 de la tarde.

TINTAS

Nunca racaneo cuando preparo las tintas. Sin importar el tema del tatuaje, siempre tengo
un gran abanico de todos los colores preparados; para que estén todos a mi disposición,
si decido usarlos.

Cuando empiezo cualquier proyecto, puede que tenga cinco filas de unos ocho tapones
de tinta en cada fila. Cada proyecto cambia, pero este es un buen punto de partida para
alinear las tintas. Cada fila está dispuesta desde los más oscuros a los más claros. En la
primera fila están los negros y grises. La segunda fila tiene los púrpuras oscuros y los
lavanda. La tercera fila tiene los cálidos; de rojos a amarillos. Luego están los tonos
fríos; de verdes oscuros a azules claros; y finalmente, la quinta fila tiene los tonos de
piel, de marrón chocolate, a marrones medios hasta los tonos más claros de piel.
Termino cada fila con un tapón de blanco, de manera que si necesito mezclar algo para
aclararlo, cada fila de colores tiene su propio blanco y permanece en la misma sección
del esquema de color y sólo contamina colores dentro del mismo matiz. Tengo cuidado
de usar una amplia variedad de colores en mi trabajo, lo que significa que la mayoría de
las veces, la mayoría de gamas de color serán usadas en la pieza; incluso si son
incorporados como luces o fondo, hay muchas posibilidades de usar diversas variedades
de matices en cualquier parte.

Abajo he listado algunos de mis colores favoritos, ordenados por marcas que suelo
utilizar.

- Talens: El negro que uso para todos mis negros y lavados de gries (que son
mezclados con agua destilada).
- Intenze: Recomiendo tener un set completo de tintas Intenze. Algunos de los
colores que más me gustan son: Snow White Opaque (genial para mezclar y para
brillos blancos), Chocolate Brown, Dark Brown, Medium Brown, Fleshpot,
Flesh, Kool Aid, Periwinkle, magentas, un Pastel Set que tiene tonos pastel
geniales que suelo usar; así como muchos tonos de azul, verde y rosa.
- Eternal: También recomiendo tener un set completo de tintas Eternal. Algunos
de mis colores Eternal favoritos son: Deep Red, Plum, Crimson, Dark Red (me
gustan todos los rojos Eternal, ya que curan muy bien). Así como los tonos
rosas, naranjas, azules y verdes.
- Millenium: Fleshy Flesh, TattooLous Skin Tone, Brown Sugar (un buen color
naranja rojizo), Burnt Out Orange, Suede (un buen intermedio a un marrón
oscuro), Indian Orange, Marine Green (es un buen color, como un verde sucio)
 - Starbrite: Canary Yellow (amarillo muy brillante), Baby Blue, Battleship Gray y
Steel Blue (estos últimos me gusta usarlos en esquemas monocromáticos
“gris/gris”; el Steel Blue tiene un bonito tinte azulado)

PALETA DE TONOS DE PIEL

Cuando preparo mi paleta de tonos de piel, normalmente incluyo estos colores (en este
orden): Intenze Chocolate Brown, Intenze Dark Brown, Intenze Medium Brown,
Millenium Fleshy Flesh, Intenze Flesh, TattooLous Skin Tone, Intenze Fleshpot, e
Intenze Snow White Opaque para mezclar.

Todos estos colores son geniales para mezclarlos entre sí y si quieres darle un poco de
alegría al tono de piel, puedes añadir diferentes matices para calentarlo (con colores
cálidos) o enfriarlo (con colores fríos). Nada me impide mezclar diferentes tonos y
mojar en todo tipo de tonos (especialmente con los tonos carne). Otra manera de
conseguir tonos de piel que tiene diferentes tonos cálidos y fríos, es mezclando
diferentes grupos de colores entre ellos: ya sea colores complementarios o mezclar
variedades de otras combinaciones de colores. Recuerda que cualquier tono que estés
intentando conseguir (ya sea un marrón, rosa, naranja, melocotón, amarillo, etc.) tendrás
que ir mezclando para conseguirlo. Intenze Fleshpot es un buen color para acabar tus
esquemas de color de tonos de piel como el color más claro, sin importar cuáles sean tus
colores medios y oscuros. Recuerda las mezclas que haces mientras trabajas, para
mantenerlo todo consistente. Nunca te sientas restringido con tus colores. Las
combinaciones son infinitas y si pruebas diferentes mezclas, te sorprenderán los
resultados. Simplemente recuerda que la escala entera de valores es la clave.

AGUJAS

Cuando se trata de agujas, normalmente tengo la misma disposición preparada y lista

para trabajar en cada proyecto. Uso agujas prefabricadas de la Mithra Needle Company
(www.MithraTattoo.com). Normalmente, uso tres máquinas: una siete mágnum, una
quince mágnum y una cinco de línea (apretada). Para estas agujas, uso cono
largo/afilado del número 12. Las agujas mágnum de quince que uso no son rectas al
final, sino mas bien curvas; casi tienen forma de media luna. Esto hace un borde más
suave que no da una línea dura cuando sombreo.He descubierto que puedo utilizar el
borde casi como si fuera una mágnum de siete suave.

Mi herramienta predilecta definitivamente es la mágnum de quince. La uso incluso para

pequeñas hebras de pelo y la considero una todo-en-uno. Puedo usarla para bordes, ya
que funciona como una mágnum de nueve o de siete porque sólo uso el final de la
aguja. Si voy con cuidado, he descubierto que puedo usarla fácilmente para moverme de
lado a lado y conseguir también líneas pequeñas. Aunque he oído que algunos artistas
son reticentes al método de lado a lado, porque es casi como cortar y podría haber
problemas con el curado, no creo que esto sea un problema debido al funcionamiento de
la Neuma y el hecho de que tengo cuidado de no trabajar demasiado la piel. Con mi
máquina de línea, he descubierto que la cinco apretada es una buena delineadora
todoterreno.

Puedo hacer líneas pequeñas, como las haría con una aguja de tres, clavándola menos o
más si quiero una línea más grande; a la vez que puedo construirlas con movimientos
circulares para líneas incluso más grandes. Simpemente recuerda que la aguja es más
pequeña en la punta y se ensancha a medida que subimos, así que la profundidad es la
clave para tener diferentes tamaños de líneas, texturas o brillos. Ocasionalmente,
además de las tres máquinas con las que trabajo, puedo usar una cuarta máquina, cuando
quiero hacer una línea más grande (quizás una cinco o siete suelta) para cierto trabajo de
detalle. A veces, la cuarta máquina puede que sea otra mágnum, como una nueve
mágnum, si la pieza es muy grande y algunas secciones son demasiado extensas para
una mágnum de siete o demasiado pequeñas para una mágnum de quince. Aunque no
pasa a menudo, hay veces en las que puedo usar una línea más grande; quizás una cinco
o siete sueltas, para cierto trabajo de detalle que no puedo hacer con la cinco apretada.
Simplemente se flexible con la preparación de las agujas y déjate llevar por cada
trabajo, usando lo que te pida, ya que cada proyecto es diferente.

He notado que muchos artistas no comprueban las agujas prefabricadas, ya que confían
en el hecho de que vienen bien de fábrica, pero yo siempre compruebo todas y cada una
de ellas con una lupa antes de empezar un proyecto. Simplemente porque sean
prefabricadas, no quiere decir que sean perfectas, así que tienes que mirar si tienen
alguna punta roma o en forma de garfio; así como alguna que no esté recta o que se
superponga. Cuando preparo las máquinas, una buena aproximación para la longitud de
la aguja, es que sobresalga del tubo entre la anchura de una mondea de diez centavos y
una de cinco. A veces sale un poco más si estoy trabajando en áreas de piel blanda,
como la axila, el estómago, parte superior del brazo/muslo, etc.

También me encanta trabajar con agujas “bug pin”. Hay diferentes tamaños, pero con el
que me gusta trabajar es el doble cero (cono largo). Estas agujas son más delgadas y con
menos diámetro, por lo que encajan en un tubo estándar, pero por tener menos diámetro,
encajan en un tamaño menos del que utilizarías normalmente para las del número 12
afiladas. Por ejemplo, un tubo de quince normal para mágnum de quince; la “bug pin”
tiene más agujas, pero tiene el mismo tamaño que una quince normal, así que entra en
un tubo más pequeño. Donde normalmente usarías una mágnum de quince (#12
afiladas), una “bug pin” sería de diecisiete. Lo mismo pasa con una mágnum de nueve,
la cual he estado utilizando más últimamente; y la mágnum de nueve (bug pin) encaja
en un tubo de mágnum de siete. Igualmente, una mágnum de once (bug pin) encajará en
un tubo de mágnum de nueve. Estas agujas suelen producir efectos más suaves y no
dañan la piel tanto porque las agujas son más pequeñas.

Suelo ir hacia adelante y hacia atrás de proyecto en proyecto, de la quince mágnum

normal de cono largo a la “bug pin” de diecisiete y las voy intercalando, dependiendo
de lo que me pida cada proyecto. La “bug pin” te ralentizará, ya que tiende a necesitar
más esfuerzo para meter la piel en la tinta que las #12 afiladas, pero la “bug pin” puede
darte un acabado más suave con menos líneas de aguja que suavizar; al mismo tiempo
que muchas veces hacen menos daño a la piel. Cambio entre ambos tipos de un día para
otro. Aconsejo probar ambas para hacerte una idea de cual te gusta más y con cual te
sientes más cómodo. Cada una tiene sus pros y sus contras, así que mira cuál prefieres;
o ve intercambiando dependiendo de cómo visualices cada proyecto y de lo que te pida.

He probado mágnums de 25 y de 45, pero me parece que no me funcionan tan bien

como las que suelo usar. Lo que busco en las agujas que uso es que me dejen incorporar
sombreados suaves sin bordes duros. Aconsejo que simplemente mantegas la máquina
en movimiento; hazlo todo suave, para que puedas superponer, y no trabajes demasiado
una zona de piel, porque querrás poder seguir superponiendo sin traumatizar la zona.
Hablaré más sobre esto en la sección de Técnica.

APLICANDO LA TEORÍA DEL COLOR AL TATUAJE REALISTA

Todo tiene color. Es lo que captura la esencia y el objetivo de las obras de arte y
sumerge al espectador. El reto para cualquier artista es interpretar los colores que le
rodean, ordenarlos y presentarlos en cada proyecto. Esto es importante porque el color
es el componente esencial de una composición que produce cualidades emocionales y
establece el ánimo que sientes hacia esa pieza y cómo la interpretas. Componer
exitosamente con color requiere que tengas una buena comprensión de cómo y por qué
los colores se afectan unos a otros. El uso y contraste del color es esencial cuando
hacemos retratos porque siempre tienes que tener presente que estás convirtiendo un
producto bidimensional en un tatuaje tridimensional. Cuando miras un muro o un trozo
de papel, es plano y lo parece porque sólo tiene un color. Incorporar color y valor a una
pieza es lo que ayudará a darle profundidad y tridimensionalidad.

Uno de los instrumentos más útiles para entender el color es el círculo cromático. El
círculo cromático revela no sólo como los colores pueden ser mezclados entre ellos para
crear otros colores, sino también como se relacionan entre ellos. Hay tres colores clave
en el círculo cromático llamados primarios: rojo, amarillo y azul. Son importantes
porque son colores “puros”, lo que significa que no puedes sacarlos mezclando otros
colores.

Entre los colores primarios, están el naranja, el púrpura y el verde; conocidos como
secundarios, porque cada uno está hecho mezclando dos primarios. Mezclando un
primario con una cantidad equivalente del secundario adyacente, se crea un tercer
grupo, llamados terciarios. Los colores terciarios incluyen: azul-verdoso (una mezcla de
verde y azul), rojo-violáceo (una mezcla de rojo y violeta), azul-violáceo (una mezcla
de azul y violeta), rojo-anaranjado (una mezcla de rojo y naranja) y amarillo-verdoso
(una mezcla de amarillo y verde).

Estas combinaciones de colores se pueden usar junto a las demás para intensificar las
propiedades de cada elemento y producir una expresividad más dinámica. Hay tres
componentes importantes que recordar en relación al contraste, ya que cada color tiene
tres cualidades: matiz, valor y saturación. El matiz es el nombre del color; por ejemplo,
rojo, azul o amarillo. El valor es la oscuridad o claridad de un color. Añadir negro a un
matiz hace que gradualmente se vaya oscureciendo, mientras que añadir blanco causará
que sea más claro. Finalmente, la saturación es la intensidad, brillo o pureza de un color.
Un matiz que tenga una fuerte saturación parece vívido y brillante, mientras que un
matiz con baja saturación parecerá más aburrido y sombrío. Aprender efectivamente
cómo usar estos componentes de contraste es esencial cuando toreamos en la plaza del
tatuaje realista y hablaré de estos elementos más adelante.

El valor, también conocido como tono, es un concepto importante de comprender

porque la luminosidad u oscuridad del color es lo que da la impresión general de una
pieza, basado en las combinaciones de contrastes. El valor de cada color se describe
como claro, medio u oscuro. Si empiezas con un color medio, como un azul medio, y
pones un azul claro justo al lado, el contraste entre los dos colores hará que el azul
medio parezca más claro de lo que es. A la inversa, pon un azul oscuro al lado de un
azul medio y de repente parecerá más oscuro que si estuviera solo. Recuerda que la luz
revela la forma, así que la manera en la que disperses tonos claros y oscuros alrededor
de un objeto dará pistas de su forma, volumen y solidez. El valor es especialmente
importante en el tatuaje, porque si no tienes las proporciones correctas de valor
ordenadas, el tatuaje parecerá plano y bidimensional. Los errores que cometas
escogiendo matices son de lejos menos serios que los que cometas en términos de valor,
ya que el valor es la dimensión más importante del color.

Incluso si un artista usa el color bien, un tatuaje puede quedar mal si hay un manejo
inadecuado de los claros y los oscuros. Debido a que todos los colores tienen valor,
asegúrate de manejar el color correctamente y reconocer las diferencias de valor en el
tatuaje. Asegúrate de mantener tu escala de valores grande en todas las secciones de
cada pieza. Siempre utilizo la misma gama de: negro, oscuros, medios, claros y
finalmente, blanco, en cada tatuaje que hago. Incluso si una sección no tiene negro,
siempre debe tener la gama oscuro/medio/claro en ella, o el tatuaje parecerá plano.

Para ponerlo en perspectiva, piensa en la piel en la que trabajas o la superficie de una

hoja de papel. Son planas y bidimensionales. Si te quedas atascado en sólo estas
propiedades mientras tatúas, el tatuaje puede parecer también bidimensional y no
cambiará la forma. Esto es por lo que incorporar valor y contraste en el trabajo dará
profundidad y dará la ilusión de tridimensionalidad, incluso cuando la superficie sobre
la que se asienta no lo sea. Tus ojos informan a tu cerebro que ciertos objetos están
cerca o lejos; la clave por la que actúa este mecanismo es la distancia, que se demuestra
a través de la luminosidad u oscuridad de cada objeto. Cuanto más claro es un objeto,
más cercano parece; mientras que cuanto más oscuro sea, más lejano parecerá. El valor
define espacio y la apariencia de superficie de los objetos y sus aspectos
tridimensionales de la forma. A la vez que nos ayuda a determinar distancia y forma,
también ayuda en la transmisión del ánimo, las ideas y las emociones, de lo cual hablaré
a continuación.

Como artista, es importante establecer el ánimo con tus colores, el tema, los ajustes, la
composición y la escena. ¿Recuerdas aquellos anillos termocrómicos de humor que
puede que llevaras en tu infancia que cambiaban de color en respuesta a la temperatura
de tu cuerpo o tu estado emocional? Esas baratijas son un ejemplo de la manera en que
nuestro cerebro procesa reacciones del humor basadas en las interacciones y reacciones
de color. Según los psicólogos, el color tiene un impacto directo en nuestros sentidos,
tanto a nivel consciente como subconsciente; ya que los matices son procesados y la
atmósfera en la que son usados influencian nuestra percepción de un diseño. Puedes
crear un humor “cálido” incorporando colores como el amarillo, el naranja y el rojo en
una pieza; los colores cálidos parecen acercarse hacia ti. Estos tonos tienden a tener una
impresión fuerte y energética.

Al contrario, usando colores “fríos”, como el verde, el azul o el violeta, el tema parecerá
estar más distante y estos colores tranquilos tienen un efecto relajante. Me gusta usar el
color de Intenze Periwinkle si estoy añadiendo un efecto sombrío en las zonas “frías”; o
muchas veces mezclo tonos de piel con el color Periwinkle para una sombra más suave
de tono de piel. Ten en mente el marco en el que estás trabajando en cada tatuaje. Por
ejemplo, si el tema es una jungla, en un concierto, en la nieve, un interior o un exterior,
etc. Usa matices apropiados para abarcar el humor que estás intentando retratar en
relación con el tema del tatuaje y usa el círculo cromático para usar los colores
complementarios (u opuestos) para efectos de contraste que de verdad atrapen el ojo del
espectador. Cuando mezclas sombras para las sombras de un tatuaje, recuerda usar el
mismo enfoque de opuestos/complementarios.

Si estás trabajando en una cara en un tatuaje de retrato en el que las sombras son colores
“fríos”, usa el complementario inmediato. Si hay una fuente de luz naranja, pon tonos
azules en las zonas oscuras de sombra; o si hay una zona de luz amarilla, usa el color
púrpura complementario en los puntos de sombra. Cuando trabajas con sombras, tienes
que seguir la “Regla de Opuesto-a-Opuesto”, la cual dice que cuando una luz ilumina a
un objeto, la temperatura de color de las sombras será opuesta a la temperatura de color
de la luz; así que si la luz es cálida, la sombra será fría. Esta es una buena fórmula a
tener en cuenta cuando trabajas esto.

Los colores complementarios son parejas de colores que están fundamentalmente

unidas. Si pones un par de complementarios uno al lado del otro, tendrán un efecto muy
profundo y poderoso, ya que se intensifican entre ellos. El verde parece más verde al
lado de su rojo complementario; mientras que el amarillo es más vibrante al lado de su
complementario púrpura. Tiendo a usar naranjas y azules a menudo en mi trabajo y a
experimentar frecuentemente con distintas parejas. Recuerda que los opuestos se atraen
cuando se trata de colores complementarios, así que escoger los tonos má adecuados es
importante, ya que los colores son afectados por la luz, el sitio en el que están puestos,
la visión desde el punto de vista del espectador y cualquier otro color que esté
alrededor.

Mirando el círculo cromático, puedes decir al instante qué colores son opuestos y cuál
dará a la pieza la profundidad y explosividad que estás buscando. También es útil tener
en cuenta que puedes explorar la naturaleza para encontrar colores complementarios y
empezarás a notar que estas relaciones están en todas partes; como una flor púrpura con
el centro amarillo brillante, o una rosa roja con hojas verdes. La vida a nuestro alrededor
nos da incontables ejemplos de este concepto que puedes usar en tu trabajo. Verás
colores complementarios en varios diseños gráficos de logos, jerseys de deporte
profesionales, etiquetas de comida y bebida…los ejemplos son infintos, simplemente
mira a tu alrededor y estate alerta y los verás en todas partes.

CREATIVIDAD

Un componente importante de ser un artista sobresaliente es aprender cómo convertir en

realidad ideas nuevas e imaginativas. Aquí es donde entra en juego la creatividad. La
raíz etimológica de la palabra creatividad viene del latín, “creatus”, lo que significa
“que ha crecido”. Es este concepto de crecer; producir, avanzar y evolucionar, el que te
separará de los demás. Tienes que estar dispuesto a explorar nuevos acercamiento hacia
tu arte y expandir las fórmulas, como se ha hecho con la teoría del color monocromático
de la que hablaremos en el capítulo de “Técnica”. Como dijo Pablo Picasso una vez,
“Siempre estoy haciendo lo que no sé hacer para aprender cómo hacerlo”.

A menudo, un cliente viene pidiéndote un tema que no necesariamente es realista, por

ejemplo, una chica demonio o una bruja. Por supuesto, no hay fotos reales de estas
criaturas para usarlas de referencia, pero esto no significa que no puedas crear una tú
mismo. Empieza buscando en revistas y en internet para encontrar una referencia. Busca
una imagen de referencia de una mujer con el tipo de cuerpo y la pose que buscas para
la chica demonio, la bruja o cualquier otro tema que haya pedido el cliente. Esto es
crucial cuando encuentras la referencia ideal, ya que puedes añadir los atributos de
demonio o de bruja posteriormente. Asegúrate de encontrar algo con la forma y pose
que quieres y presta atención a los detalles obvios, como la claridad, las sombras y el
carácter general. Ten en cuenta que la referencia tiene que ser, primero y principal,
anatómicamente correcta, para que sea fácil de transformar en el tema en cuestión.

Una vez que has escogido la mejor imagen, es hora de emplear tus habilidades creativas.
Si tu cliente quiere una pieza de una chica demonio, empieza a añadir esas
características a la imagen: cuernos, una cola puntiaguda, alas de demonio, colores
cálidos con tonos rojos, etc. Para una bruja, puedes poner en la referencia un sombrero
puntiagudo, una nariz larga con verrugas, color de piel verde, etc. Haz lo mismo para
los detalles de la pieza; por ejemplo, puedes tomar fotos de fuego real para poner detrás
de la chica demonio. De esta manera, no dependes de una referencia tipo “cartoon” para
un tatuaje que quieres que parezca realista. Conforme uses más y más referencias
realistas, te darás cuenta que después de un tiempo a veces serás capaz de trabajar sin la
referencia, ya que te entrenas a ti mismo a través de persistente práctica y empiezas a
imaginar y a construir en tu cabeza. Casi cualquier idea puede ser transformada al
género realista si usas tus habilidades creativas y te aproximas al proyecto de manera
creativa.

A veces prefiero hacer mis propias fotos para las referencias, ya que no quiero depender
sólo de libros o búsquedas en internet. Por ejemplo, he tomado fotos de rosas reales en
un jardín, les he dicho a los clientes que trajeran a sus hijos al estudio para que pudiera
tomar fotos para usar en un tatuaje de retrato; e incluso he hecho que mi mujer se
vistiera de vampira para una pieza, poniéndole sangre falsa en la cara, mientras ponía
muchas luces para conseguir diferentes efectos.

Si utilizas herramientas a las que ya tengas acceso, pueden amplificar el desarrollo de tu

proyecto de tatuaje; como obtener ayuda de programas como Photoshop. Esto te
permitirá añadir detalles especiales o mejorar características especiales de una foto.
Recuerda que la clave para producir un tatuaje increíble es hacerlo tuyo. Usa tus
habilidades creativas y dale tu propio estilo y brillo. Conocer como usar una
herramienta como Photoshop siempre es divertido, pero procura usar tus propias
herramientas creativas para hacer un tatuaje realmente especial. Como dijo una vez
Salvador Dalí, “yo no pinto un retrato para que se parezca al retratado, antes bien, hago
que la persona crezca para que se parezca a su retrato”, quiero decir que puedes hacer
que el tatuaje se parezca al referente añadiendo tu propio talento e incorporando esos
toques sutiles que mejorarán la referencia base y la harán memorable.

Photoshop puede ser útil, y en mi opinión, una buena herramienta que cualquier artista
moderno debería conocer. Te puede ayudar a añadir sombras oscuas, enriquecer colores,
añadir brillos destelleantes, componer colores y mezclar modos. Muchas veces, las
imágenes que cojas de internet pueden ser adecuadas para trabajar con ellas, pero
puedes hacerlas excepcionales toqueteándolas en Photoshop. Por ejemplo, sube un poco
el contraste; dale nitidez a una imagen borrosa; o añade sutiles cambios al esquema de
color.
Si tu referencia es oscura, Photoshop hace fácil aclararla, lo que te permite capturar más
detalle y textura que de otra manera perderías en una imagen con demasiadas sombras.
Debido a que el valor es algo tan importante en un buen tatuaje, Photoshop puede
ayudarte a añadir diferentes colores y darle vida a una imagen. Cuando hagas esto,
intenta usar colores complementarios si es posible. Si me han dado una foto en blanco y
negro con la que trabajar como referencia, prefiero trabajar . directamente de esa foto,
ya que me permite utilizar y jugar con infinitos esquemas de color. Una foto en blanco y
negro me fuerza a ser creativo y a trabajar ideas en mi cabeza para usar en la pieza.
Aunque sea mi referencia, a veces, he descubierto que es divertido poner la imagen en
Photoshop y “colorearla” con el botón “colorear”. Esto te permite jugar con el matiz y
la saturación y hace posible añadir color a una imagen que no tiene.

Hay filtros que también pueden ser manipulados en Photoshop, así como aplicaciones
divertidas como estirar y licuar, dos elementos que me parece que utilizaré en próximos
e innovadores tatuajes. Por último, mientras que Photoshop es divertido para trabajar y
puede darte muchas buenas ideas para añadir a una pieza, siempre es mejor poseer las
habilidades creativas que necesitas en tu cabeza, ya que puede que no siempre tengas
acceso a un ordenador y necesitas comprender muchas de estas teorías para conseguir
un resultado único en tu trabajo.

Además, las habilidades creativas son esenciales en la industria del tatuaje, porque es
muy decepcionante y frustante cuando recibo emails que contienen links a tatuajes que
han hecho otros artistas que básicamente son simples copias de una pieza que hice en el
pasado. Muchas veces, son reproducidos al milímetro con los mismos colores,
posiciones, fondos, etc. Cuando trabajas en el género realista, es verdad que puede ser
difícil encontrar varias imágenes de ciertos actores, cantantes, personajes, etc., pero
sigue siendo muy importante hacer cambios a la imagen de referencia y hacerla tuya.
Recuerda que quieres tener respeto no sólo al artista, sino también al coleccionista que
lleva tu trabajo y darle una copia de un tatuaje que ya ha sido hecho por otra persona
simplemente no mola. Si no puedes encontrar una imagen de un personaje en una pose
única, se creativo: puedes pausar una escena de una película, por ejemplo, y trabajar con
capturas de pantalla hasta que consigas algo que sea diferente a lo que ya hay. O si no es
posible, simplemente manipula los colores y el fondo de manera que el resultado final
sea algo especial y único de cualquier otra pieza que ya hayas visto.

Creo que como artistas, debemos estar constantemente en evolución y progreso. Si

tatúas, pintas y dibujas sobre una base consistente, creo que cada tres meses o por ahí,
sentirás que estás mejorando y produciendo un trabajo más impresionante. Me esfuerzo
siempre para dar nuevas perspectivas a mi trabajo, para estar en constante cambio y
buscando mejorar mis técnicas. Estoy seguro que una vez que este libro vaya a la
imprenta, estaré incluso más lejos en mi progresión artística y planeando hacer
actualizaciones consistentes al libro con nuevas versiones de logros conseguidos; así
que asegúrate de buscar versiones actualizadas cada año más o menos. Si no sientes que
estás mejorando sobre una base consistente, tómate un tiempo para pararte y reevaluar
tu trabajo y caer en la cuenta de dónde puedes mejorar, y luego esfuérzate para que
ocurra. Esta es la disposición para trascender ideas y reglas tradicionales, creando
métodos significativamente nuevos, que te elevarán al siguiente nivel. Transfórmalas en
conceptos sin precedentes. Todas las ideas vanguardistas parecen raras al principio, pero
si no se probaran cosas nuevas nunca surgiría la siguiente e inspiradora forma de arte.
Hay ejemplos como el de M.C Escher (1898-1972), uno de los artistas gráficos
inspirado en las matemáticas más famoso del mundo, que llevó la originalidad y la
innovación a un nuevo nivel; ya que desafió nuevas perspectivas y piezas estructurales
llamadas “imposibles” en una época en la que pocos intentaban hacer algo así en el
mundo artístico. Resumió brillantemente lo necesario de la creatividad, cuando dijo,
“Dejadnos intentar escalar la montaña, no apoyándonos en lo que está debajo de
nosotros, sino empujándonos a lo que está encima de nosotros.”

TÉCNICA

Cada artista tiene sus propios trucos y métodos a la hora de tatuar. En el siguiente
capítulo, compartiré con vosotros mis propios procedimientos y métodos especializados
que me ayudan a conseguir resultados en el tatuaje realista. Os enseñaré las habilidades
fundamentales que encuentro más efectivas cuando se trata de conseguir una apariencia
realista efectiva; así como la manera en que añado unicidad a cada pieza que hago, por
lo que cada proyecto resulta en un tatuaje único.

DELINEAR O NO DELINEAR: ESA ES LA CUESTIÓN

A menudo, hay artistas que me preguntan por la manera en que delineo una pieza.
Normalmente esquivo la pregunta y les animo a no pensar en el tatuaje en términos de
línea, sino en términos de sombra. Hacer líneas de sangre o líneas grises suele ser una
pérdida de tiempo para un artista que hace tatuaje realista; además del hecho de que
añade dolor extra e innecesario que el cliente tiene que soportar. Las líneas de sangre
también irritan más la piel y hacen difícil ver donde está la plantilla. En lugar de esto,
intenta recordar que la plantilla ES el delineado. Dando esto por hecho, no hay
necesidad de delinear nada, porque básicamente eso sería de alguna manera, “hacer otra
plantilla”. Usa la plantilla como tu guía y deja que sea tu modelo para encajar la pieza.
A veces éste es un concepto difícil, porque a muchos artistas se les ha enseñado en el
aprendizaje que deben: 1) poner la plantilla, 2) hacer la línea, 3) añadir color y detalle.
Pero esto simplemente no es necesario en el tatuaje realista; de hecho, cualquier línea
que pueda notarse disminuirá los elementos realistas de la pieza.
En lugar de esto, empieza poniendo la plantilla y sombreando las líneas para que no
haya líneas duras de ningún tipo. Simplemente asume que el tatuaje ya está delineado,
ya que éste es esencialmente el papel de la plantilla. Esto es básicamente como la
imprimación, si estuvieras pintando un muro; la primera capa, que luego será realzada
por una capa de color. Si una pieza requiere dos sesiones, puedes hacer esto en la
primera sesión y luego volver a ello en la segunda e ir superponiendo capas
extensamente.

Si es un proyecto que puedes completar en una sesión, entonces sólo ve sombreando

desde la plantilla conforme avanzas. Hay veces en las que me gusta hacer líneas. En
estos casos, las líneas no se verán necesariamente en el producto final, pero pueden ser
útiles si estoy empezando un proyecto grande que no acabaré en una sesión o
simplemente necesito marcar las cosas. Cuando surgen estas ocasiones, me imagino los
esquemas de color que me pedirá la pieza y entonces delineo en un medio tono de ese
color. Por ejemplo, si voy a tatuar una rosa roja, la delinearía en un medio tono de rojo.
Me he dado cuenta que usar una variación del color que la pieza va a tener funciona
mucho mejor que delinear en negro o gris, de manera que el contorno no se vea cuando
el tatuaje esté acabado.

PUNTOS DE PARTIDA

Me parece que el método común de empezar por abajo de cualquier pieza y seguir hacia
arriba, es el que mejor funciona. Cuando usas Stencil Stuff, en realidad no tienes que
preocuparte de que la plantilla se borre, pero siempre es buena idea ser precavido.
Cuando empiezo un retrato, empiezo en la zona de la camisa y pongo primero las zonas
negras/oscuras. Luego, paso a los tonos base/medios tonos y luego hago los colores
claros. Después de la camisa, puede que haga el fondo, el cuello o el pelo; otra vez,
trabajando de oscuro a claro, antes de empezar con la cara. Siempre reservo los brillos
para el final del proyecto, donde pongo los “blancos-blancos” por toda la pieza. El
cuello de un retrato es donde pruebo los tonos de piel, antes de moverme a las partes
importantes de la cara. A veces, dejo el cuello un poco inacabado para poder encontrar
sombras que me gusten mientras trabajo en otros puntos y entonces vuelvo y añado
estos colores también en la zona del cuello.

En muchos casos, creo que ayuda trabajar algunos de los colores del fondo antes de
empezar con los tonos de piel. Esto es útil porque el fondo puede ayudarme a ver el
esquema de color, ya que la fuente de luz que use en la zona facial puede potenciarse
con los colores que ponga en el fondo. Si hago la cara primero, me encuentro más
limitado a la hora de hacer el fondo. Me gusta trabajar primero en todas las zonas de
alrededor antes de empezar con la cara, ya que esta zona requiere mucha más
concentración y detalle. Sabiendo que tengo gran parte del trabajo hecho en las zonas
colindantes, o al menos empezado, me ayuda a sentirme más cómodo con los detalles de
la cara y a concentrarme más ahí.

Cuando empiezo con la cara, se aplican las mismas reglas de antes: empiezo con las
zonas oscuras, luego los tonos medios y finalmente las luces. Por lo general mantengo
esta consistencia a lo largo de toda la pieza, teniendo en mente que quiero alcanzar el
valor entero, lo que incluye: negros, zonas oscuras, medias, claras, y a veces brillos. Por
supuesto, siempre hay ocasiones en que voy saltando añadiendo cosas a las secciones
oscuras o de luz sin mantener este patrón; en realidad es simplemente una cuestión de
qué zona estoy trabajando y dónde está mi concentración en ese momento. Encuentro
mejor ir tocando por aquí y por allá conforme avanzo. Me gusta ir y volver de los tonos
oscuros a claros y viceversa, hasta que estoy satsifecho con cada sección.

Cuando empiezo una cara, suelo trabajar la zona de la barbilla y las mejillas con una
mágnum (normalmente una quince), luego cojo la máquina de línea para pequeños
detalles en la nariz y la boca. Luego sigo con la mágnum hacia arriba de la cara; luego
cojo la de línea otra vez para detallar los ojos. Una vez que están hechos, cojo la
mágnum y sigo hacia arriba. Entre alguno de estos pasos que acabo de describir, cojo la
mágnum de siete para zonas pequeñas, como los labios, los ojos, las orejas, etc. Para
más detalles sobre el concepto y significado de valor, por favor ve al capítulo de
“Aplicando la Teoría del Color al Tatuaje Realista”.

BRILLOS BLANCOS
Mientras trabajo, tengo cuidado de dejar sitio para los brillos: las zonas donde pondré
los blancos vibrantes. Es importante dejar puntos abiertos para estos toques de luz,
porque meter blanco encima de ciertos tonos hará que se vea sucio cuando cure; por
ejemplo, si intentas meter blanco encima de una zona saturada de rojo, acabará viéndose
rosa. Incluso aunque el blanco sea el tono más poderoso con el que vas a trabajar en una
pieza, ten cuidado de no poner demasiado y de mantener en perspectiva los brillos.

Aunque normalmente añadir los “blancos-blancos” sea el último paso que hago en un
tatuaje, hay una ocasión en la que pongo los blancos lo primero. Este truco se usa para
conseguir una apariencia realista en los bigotes de los animales: leones, tigres, gatos,
perros, la barbilla de un mono, etc. Muchos artistas hacen líneas grises para los bigotes
o los delinean en negro, pero si haces esto, si luego quieres volver y poner blanco
encima, sólo conseguirás ese efecto sucio o acabarás haciendo bigotes blancos junto a
los negros y grises, consiguiendo una apariencia poco realista. Así que para evitar esto,
me gusta tatuar PRIMERO los bigotes blancos directamente sobre la plantilla.

Ten cuidado en zonas de alrededor donde puede que vuelvas para poner un color
oscuro, porque podrías contaminar el blanco. Tengo cuidado de poner los colores entre
los bigotes blancos. Vuelvo y voy poniendo los colores alrededor de las líneas blancas,
y al final del todo, añado los “blancos-blancos” otra vez encima de los bigotes,
haciéndolos más blancos que el resto de zonas blancas. Aconsejo que cuando uses el
“Truco de los Bigotes Blancos” tengas cuidado de no pasarte y observes las zonas de
alrededor. Puedes perder mucho tiempo en este trabajo minucioso, pero cuando se hace
correctamente, da un efecto muy bonito y realista.

Otro truco que puede hacerse con el blanco es el de “apariencia húmeda”. La

“apariencia húmeda” implica usar un montón de brillos blancos, por lo que también me
refiero a essta técnica como “caos organizado”, de la que hablaré más en la sección de
Técnica de Aguja. Si estás intentando conseguir la apariencia de una lengua húmeda en
una pieza, no quieres tatuar el patrón perfecto de puntitos blancos, sino un montón de
puntitos sin orden en particular. Simplemente espárcelos de una manera aleatoria que
sea caótica, pero organizada al mismo tiempo. Puedes hacer un montón de puntos en un
espacio pequeño, con algunos esparcidos por ahí, dependiendo de la zona.

Si trabajas en una pequeña zona, quizás la boca/lengua de un retrato, obviamente

tendrás menos espacio para trabajar esta técnica del caos organizado. Y viceversa,
cuanto más grande sea la zona, más ventaja tendrás para hacer que la lengua (o una zona
similar) parezca húmeda. El blanco no es el único color que puedes usar para conseguir
la “apariencia húmeda”. Si trabajas en una lengua, puedes usar puntos rosas y blanco
apagado, antes de añadir los toques finales de blanco puro esparcidos sin orden
aparente.

El uso de los brillos en el tatuaje realista es imperativo. Simplemente forma una imagen
mental de la manera en que los objetos cotidianos se te aparecen visualmente; todo tiene
brillos. Así que para hacer que un tatuaje parezca real, debe incorporar estas
características. Como dije en la sección de Teoría del Color, siempre soy consciente del
valor de cada pieza mientras trabajo, porque las diferencias entre la luz y la sombra son
visibles en el tatuaje y esencialmente explican, no sólo lo que hace la luz, sino que
también define las formas y objetos en el tatuaje. Intento ser consistente en el uso de los
blancos en cada pieza, lo que llamo los “blancos mezclados”. A menudo pongo los
blancos mezclados con color carne, o quizás con un azul en la zona de una camiseta,
mezclando el blanco con los azules. Al final de cada pieza vuelvo y añado los “blancos-
blancos” o “súper blancos”, como megusta llamarles, pero los toques finales de “súper
blanco” son diferentes de los “blancos mezclados” que uso regularmente en todo el
tatuaje.

TÉCNICAS DE AGUJA Y TEXTURA

A menudo encuentro útil usar mi formación artística y mi experiencia con el dibujo para
aplicarlo al enfoque del tatuaje. Si usas alguno de los trucos que sepas de dibujar y
pintar, pueden ayudarte también en el tatuaje. Un ejemplo de esto es el “Método de la
Trama”. En dibujo, esto se hace marcando o sombreando con dos o más series de líneas
paralelas que se cruzan entre sí para crear un tono; en el tatuaje, se hace de la misma
manera. Muchas veces, mientras sombreas en una dirección, dejas líneas de aguja que
son visibles. Para disfrazar esto, usa el “Método de la Trama” poniendo tu máquina
hacia el otro lado, sombreando en la dirección opuesta, de manera que suavices todas
esas líneas visibles. Funciona bien y dará a esa zona una apariencia más consistente y
uniforme.
Cuando sombreas en algunos sitios que son redondeados, asegúrate de hacerlo en la
dirección y curvatura de esa zona, a través del contorno, para capturar ese efecto
redondeado. Mis movimientos normales de mano cuando tatúo en realidad no son
circulares, sino más bien hacia delante y hacia atrás.

Muchas veces, cuando trabajo en zonas que tienen mucha textura, me gusta
considerarlas como “caos organizado”. Lo que significa que las cosas tienen que estar
de alguna manera “destrozadas” primero y luego “arregladas”. Cuando uso el enfoque
del “caos organizado”, me gusta empezar una zona, ver cómo va quedando, y luego la
arreglo y ajusto para que encaje con el resto del proyecto. El mismo método puede
usarse con cualquier cosa que implique textura, grietas y hendiduras. En cierto modo es
similar a cuando haces un boceto en un papel: al principio, las cosas están sueltas y
desiguales, pero conforme empiezas a trabajar en ellas y añades más, ves como empieza
todo a encajar y pasas a la fase de detalle. La misma idea puede usarse cuando haces
pelo, piel, ropa; cualquier cosa con textura que pueda beneficiarse de la técnica del
“caos organizado”.

TONO DE PIEL

A menudo me preguntan qué color de tinta uso para conseguir los tonos de piel. La
respuesta es que no uso sólo un color, sino una gran variedad de diferentes tonos para
conseguir el tono de piel en un tatuaje. Uso un abanico de colores tales como: marrones
oscuros, marrones medios, marrones claros, color melocotón, beige, rosas, cremas y
blancos. Trabajo con este surtido y juego con los colores para encontrar el tono correcto
para cada pieza en concreto, mojando de tapón en tapón. Este es un método importante
porque si miras de cerca la foto de referencia, verás que hay muchos más matices que
un simple color de piel único. Puede que veas verdes, amarillos, o azules. Aprende a
reconocer estos matices y tintes para que puedas sacarlos en el tono de piel de tu tatuaje.

Este concepto es muy importante de comprender, no sólo cuando trabajas con tonos de
piel, sino en todos los aspectos del tatuaje. Me gusta añadir azules o verdes claros a los
tonos de piel en muchas de mis piezas y uso los tonos fríos para dalre un efecto
definitiorio. La habilidad de encontrar los híper-colores es muy importante, porque el
impacto de tenerlos distribuidos por la zona del tono de piel es atractivo para el ojo,
cuando examinas por primera vez un tatuaje de un retrato realista; y notarás que estos
sutiles toques de color destacan y cambian considerablemente la pieza. Simplemente
mira a tu alrededor y verás que la gente no es sólo blanca, marrón, beige, negra, etc. Si
miras a una persona, verás todo tipo de colores diferentes en su piel y complexión.

Aprende a mirar atentamente estas sutilezas, para poder incorporar ese mismo concepto
a tu trabajo. Muchas veces, verás estos diferentes colores en tus imágenes de referencia;
pero a veces, la referencia no tendrá colores bonitos desde los que partir. Si se da el
caso, esto no debería limitarte. Simplemente aprende a fabricarlos y a añadir toques aquí
y allá para tener el abanico de sutiles tonos que tiene una persona real. Un método que
me gusta usar es el de mantener los colores de sombra fríos (azules, púrpuras, verdes).
Una vez que decido cuál de estos matices voy a usar, me gusta acentuarlos y usar el
color puro o mezclado con colores carne. No hay una fórmula exacta, simplemente
mantén consistente la cara y las zonas de sombra y deja que los colores fluyan. Puedes
emplear esta misma técnica con los brillos; sólo recuerda de donde viene la fuente de
luz, mientras que, otra vez, lo mantienes todo consistente.

Mientras trabajo en el tono de piel, tengo cuidado de hacerlo lo suficientemente ligero

para poder superponerle otros y volver por las secciones oscureciendo y suavizando.
Intento ir construyendo conforme avanzo y trabajo en una zona hasta que estoy
satisfecho (esto va para todas las secciones del tatuaje, no sólo el tono de piel). Sólo
tengo cuidado de hacerlo lo suficientemente suave para poder superponer. Lo consigo
sacando la aguja a la anchura de una moneda de cinco centavos y moviendo la máquina
rápido, así que puedo superponer sin causar demasiado daño a la piel. Recuerda que los
colores oscuros alrededor de un retrato (no necesariamente sólo los del fondo, sino
también los puntos de sombra y los bordes), pueden ser amplificados oscureciéndolos
un poquito para hacer que las cosas “salten”. No es necesario usar negro para oscurecer
estas zonas. Se pueden usar muchos otros colores, como violetas oscuros o azules
oscuros; de lo cual hablaré en la siguiente sección: Paleta y Riqueza del Color. En esta
sección, también hablaré de superponer con agua, que es lo que hago con el tono de piel
y que recomiendo ampliamente si eres novato en el estilo del retrato, ya que el agua
puede ayudar a esculpir mejor las cosas y a superponer conforme avanzas, mientras te
vas sintiendo más cómodo con la técnica.

PALETA Y RIQUEZA DEL COLOR

Incorporar variedad de colores en tus piezas es imperativo. Una vez me preparé 72

colores diferentes antes de empezar un tatuaje: un récord para mí. Aunque fue un poco
exagerado, encuentro muy útil preparar una abundante paleta: con muchos verdes,
púrpuras, azules, rosas, tonos de piel, etc. Mi paleta, por defecto, siempre incluye un
amplio abanico de colores, los cuales voy consistentemente cambiando y probando
distintas marcas, para que cada pieza tenga su propia apariencia y estilo. Incluso si
alguno de los colores acaba sin ser utilizado, tengo esa opción accesible y al alcance de
mi mano, si tuviera que usarlo. Uso una gran variedad de colores de muchas compañías
diferentes; por ejemplo, tengo una buena colección de tintas Intenze, Eternal y algunas
Millenium. También me gustan unos cuantos colores Starbrite, como el Amarillo
Canario. Es útil tener un gran surtido porque si usara el mismo tono de azul o verde en
cada tatuaje, todas mis piezas empezarían a parecer iguales. Así que para asegurarme de
que esto no suceda, cambio mucho y uso muchas marcas distintas para que mi trabajo
tenga multitud de colores y hacer cada tatuaje especial.

Un beneficio de tener una gran paleta de tintas es que no siempre tienes que confiar en
el círculo cromático para mezclar y crear tus propios tonos. Aunque debes conocer y
comprender el círculo cromático, es inteligente usar el gran surtido de colores que ya
vienen prefabricados, así que no siempre tienes que mezclar colores en el sitio, en su
lugar empiezas con una buena variedad que ya está a tu disposición. Usar colores
prefabricados es tanto conveniente como sabio, ya que las compañías que los venden
ofrecen una variedad tan amplia de colores ricos y bonitos que también puedes
aprovecharte de la presentación del producto. Es bueno que sigas practicando jugando
con los colores y creando tus propios matices, pero recuerda que la utilidad de estas
tintas prefabricadas puede ser de una ayuda extrema cuando te embarcas en cada nuevo
proyecto.

Recientemente he tatuado una pieza entera con los tres colores primarios: rojo, azul y
amarillo (también usé negro y blanco para mezclar). El tema de este tatuaje era una
muñeca oriental que tenía una variedad de diferentes colores en el vestido, así como
diferentes tonos de piel en la cara. Mezclé estos colores para producir una paleta
diversa, usando los colores puros como punto de partida. Si quieres probar este
rompecabezas, recuerda que lleva mucho más tiempo que usar colores prefabricados,
pero es divertido trabajar con los primarios y una buena lección en los principios de la
teoría del color y las combinaciones de color.

Centrándonos otra vez en mi set de tintas normal, recuerda que si necesitas aclarar
cualquier color, puedes obviamente añadir blanco o similares, y para oscurecer tonos,
puedes añadir negro. Pero la mayoría de las veces, prefiero usar tonos más ricos, como
violeta oscuro o azul cobalto oscuro para oscurecer, en lugar de negro; o un tono
amarillo si quieres aclarar un verde, ya que usar matices alternativos le da al color
general mucha más riqueza. Demasiado negro resulta muchas veces en un acabado
sucio y tiendo a optar por colores más bonitos y ricos si es posible. Otra manera de
oscurecer es usar colores complementarios; por ejemplo, si quieres hacer un rojo más
oscuro, puedes mojarlo en verde para darle un efecto diferente. Esto es bueno hacerlo a
veces, ya que tu paleta original puede que no tenga colores puros y si juegas con ellos y
los mezclas un poco, muchas veces puedes acabar con buenos resultados.
Para más información sobre el círculo cromático, mezcla de colores y la importancia de
entender los colores con los que trabajas, por favor ve a la sección de “Aplicando la
Teoría del Color al Tatuaje Realista”.

Cuando trabajo con ciertos colores que son especialmente densos, añado una gota de
agua destilada encima de ellos antes de empezar a tatuar. Hago esto porque los tatuajes
realistas tienden a costar muchas horas para completarlos y cuando trabajas durante
períodos extensos de tiempo, notarás que los colores densos y gruesos se secan; así que
poniendo una gota de agua destilada encima del color antes, y durante el tatuaje, ayuda
a evitar que se sequen y que las cosas vayan más rodadas durante el proceso. Dicho
esto, ten cuidado de no usar demasiada agua, ya que una sobreabundancia hará
necesario que tengas que insistir más y no quieres dañar la piel si tienes que pasar por
encima un número excesivo de veces porque no avanzas mucho en términos de
resultado. Tiendo a mojar en el tapón de tinta y luego sumerjo rápidamente en agua para
suavizar la consistencia, especialmente cuando trabajo tonos de piel.
Puede que hayas notado que muchas veces, los trabajos en blanco y negro curan bien
debido a que los lavados de grises no son tan densos y no tienen tanta saturación como
hacer una tinta plana. Puede emplearse el mismo método en un retrato a color si usas
agua en los colores, mientras no los hagas muy aguados y otra vez, tengas que
superponer y trabajar la piel demasiado. Ve jugando con ello hasta que encuentres un
buen equilibrio en el que los colores sean fáciles de trabajar sin ser demasiado densos ni
demasiado aguados. Recuerda que no hay reglas a la hora de tatuar. Encontrar tu propio
“punto mágico” en cada técnica que aplicas es un proceso gradual y progresivo que
puedes manipular en cada zona del trabajo.

Otra cosa importante para hacer que un tatuaje realista sea nítido es ser consciente de
usar colores ricos. Por ejemplo, si estás trabajando en una camisa azul, no cojas
simplemente un color azul y lo sumerjas en negro o en blanco; coge cinco tonos
diferentes de azul: varios oscuros, medios y claros. Cada uno de estos tiene una riqueza
intrínseca, así que puedes oscurecer con el azul oscuro o aclarar con el azul claro, o
incluso añadir blanco. A veces, añado un violeta oscuro al azul para hacerlo más rico.
Otro ejemplo sería si estuvieras trabajando en un vestido rosa, puedes preparar varios
tonos de rosa: un magenta oscuro, un magenta claro, y un rosa más suave/claro. Igual
que con el azul, podría añadir azul oscuro o violeta oscuro al magenta en lugar de mojar
en negro.

No te apoyes sólo en los colores base; haz una buena paleta con tonos listos para usar
para que puedas crear varias combinaciones de colores. Este es un buen momento para
acordarse del círculo cromático; recuerda buscar colores complementarios, en lugar de
usar el negro para cambiar un color dado. Usar medidas creativas como ésta te ayudará
realmente a hacer cada pieza única. Muchas veces, intento no mirar la referencia tan a
menudo como puede que asumas que lo hago, simplemente para mejorar mi lado
imaginativo y de esta manera me aseguro de añadir algo único e innovador a cada pieza.
Por supuesto, debes trabajar con la referencia y usarla como guía, pero cuando se trata
de los colores, los detalles y la parte artística del tatuaje, usa tus propios canales
creativos y haz un producto único; no sólo una copia de la foto, lo cual tiende a ser
aburrido. Más bien, haz que cada pieza destaque y tenga cualidades atractivas y ricas.

HACIENDO QUE LOS COLORES FLUYAN

Siempre me gusta dividir mi imagen de referencia en tres, para que el esquema de color
de toda la pieza esté subdividido y pueda obtener una buena idea de cómo voy a utilizar
los colores complementarios y todo el esquema de color en general. Intento recordar
estos factores cuando estoy planeando el proyecto y pensando en lo que voy a hacer a
través de la pieza. Encuentro especialmente útil prestar mucha atención a las fuentes de
luz y a las pequeñas sombras. Si hay un tono azul en un punto de la pieza, me gusta que
éste fluya por toda ella. Tomemos, por ejemplo, la pieza que hice de Dalí. La referencia
original para esta pieza era una foto en blanco y negro. No usé Photoshop en esta, sino
que recurrí a mis habilidades creativas para hacerla vibrante y rica. La parte de abajo
contiene una camisa púrpura y al lado estrellas amarillas. Ya que el amarillo es el color
complementario del púrpura, utilicé sus propiedades opuestas para darle un profundo
efecto.
Luego, notarás que la camisa rosa está complementada por una sombra verde menta
(técnicamente, el complementario del rosa debería ser parecido a un verde lima, pero en
este caso, escogí un verde menta para darle una apariencia más suave). Esto se repite en
el tercio de arriba, con notas de azul y verde menta en los ojos, la frente y el pelo. El
amarillo se repite a través de toda la pieza; tanto dentro, donde es incorporado como
tono de piel; como fuera, como sombreado de fondo. El púrpura se mantiene consistente
tanto como brillo como de color de fondo, mientras que la camisa rosa en el tercio de
abajo se aplica otra vez en el tercio de en medio, tanto en los labios rosa como en los
toques rosas de los ojos. Si empiezas observando la imagen entera en secciones, esto te
ayudará a recordar a usar colores complementarios a través de cada parte y el resultado
final será un todo cohesionado que funciona alimentándose de los elementos esenciales
del color principal.

Me gusta mantenerlo todo consistente conforme avanzo. Lo consigo desplazándome

constantemente de lado a lado de manera que uso los mismos colores, al mismo tiempo.
Por ejemplo, si estoy haciendo el ojo derecho, haré la parte de arriba de la pestaña
derecha; luego me moveré a la parte de arriba de la pestaña izquierda. Trabajo la pupila
del ojo derecho; e inmediatamente hago la pupila del ojo izquierdo. Vuelvo atrás y tatúo
la parte de abajo del ojo derecho; luego la parte de abajo del ojo izquierdo…y
finalmente, acabo la pestaña de abajo del ojo derecho, y luego la pestaña de abajo del
ojo izquierdo. Lo mismo sirve para las orejas, los pómulos…cualquier sitio que tenga
un punto similiar en el que utilizar los mismos colores y técnica. Estoy constantemente
yendo de aquí para allá para mantener todas las zonas consistentes. Si estoy trabajando
tonos medios, lo mantengo constante y me muevo a otras zonas que incluyen los
mismos tonos medios, para que las zonas tengan la misma porporción y coherencia.

VALOR Y COLORES COMPLEMENTARIOS

Cuando miras cualquier fotografía, notarás que ciertas partes del cuerpo tienen varios
colores, dependiendo de la luz y oscuridad de la zona. El concepto de valor es una idea
importante que puedes implementar en tu trabajo. El valor es la oscuridad o
luminosidad de un objeto; a menudo referido como tono. Por ejemplo, si una mano está
delante de una cara, la mano debería ser más clara que la cara porque está más cercana.
Debes usar diferentes matices para mantener el valor y recordar no depender de un solo
color; sino mejor aún, usar una variedad de sombras para conseguir el efecto. Mira el
tatuaje como mirarías un objeto o fotografía cotidianos y recuerda usar el claroscuro
apropiadamente. Muchos artistas tienen miedo de usar colores oscuros en la zona facial,
pero conforme practicas, verás que es importante implementar sombras oscuras en una
cara para darle las sombras apropiadas en los sitios correctos, para que la pieza no
parezca plana.

Mientras lo hagas suave y no dañes demasiado la piel, simplemente continúa

construyendo el tono de piel con color; haciendo las zonas oscuras primero y luego
difuminando a partir de ellas. Recuerda que quieres que cada parte de la pieza esté
totalmente saturada; cara, camiseta, orejas, boca, etc. La saturación total es muy
importante, ya que no es como hacer una pieza en blanco y negro, donde la piel de la
persona es el tono más claro. Un tatuaje monocromático en grises estaría, sin embargo,
totalmente saturado, porque estás usando una gama entera de tonos de gris en el
esquema de color. Hablaré de cómo hacer esta técnica monocromática un poco más
adelante en este capítulo.
Cuando trabajas en diferentes zonas de la pieza y te mueves de una sección a otra, como
de la cara a la transición del cuello o si hay una mano justo al lado de la cara; es muy
importante usar diferentes valores para que separen y distingan cada una de estas partes
(especialmente los bordes, donde se encuentran las dos partes). Por ejemplo, donde: el
fondo toca a la cara, donde el pelo toca a la cara, donde la barbilla toca el cuello, donde
la camisa toca el fondo, etc. Es imperativo que el valor sea significativamente diferente
(no necesariamente un color diferente) porque si tienen el mismo valor donde se tocan,
parecerá que todo se mezcla y nada sobresale. Así que se consciente de esto y emplea
estas técnicas de valor para dar una clara definición y una suave transición.

Mientras que los colores complementarios se ven bonitos uno al lado del otro, no
necesariamente se mezclan bien. Por ejemplo, si mezclas colores primarios, obtendrás
un resultado marronáceo o grisáceo; lo mismo ocurre con los colores complementarios,
cuando se mezclan entre ellos. Esto ocurre porque los colores complementarios se
cancelan entre ellos, así que el resultado es un gris, un marrón, o a veces un negro. Así
que recuerda que es mejor posicionar colores complementarios uno al lado del otro y no
necesariamente mezclarlos. Sin embargo, una manera en la que funcionan bien juntos es
cuando se usan para oscurecer o aclarar colores. Simplemente depende de la pureza de
los colores que hayas puesto, ya que varía de un color a otro. Si juegas con esto y usas
muchas combinaciones, te darás cuenta de que obtienes todo tipo de resultados.

Antes de empezar un proyecto, me gusta tener un plan mental para saber cómo voy a
abordar el tatuaje. Normalmente tengo el esquema de color, el color de fondo, el pelo,
los ojos y los colores complementarios visualizados en mi cabeza. No obstante el plan a
menudo cambia conforme progresa el proyecto y noto que ciertos colores funcionan o
que algo especial destaca y cambio un poco el curso, pero sigue siendo útil tener un plan
básico para que el proyecto se dirija hacia allí antes de empezar.

Además del truco de los colores complementarios, también intento ser muy perceptivo
para encontrar esas características especiales de cada pieza que hacen que destaque y
que sean un punto focal para el proyecto. Los ojos son a menudo una de las primeras
características que se ven en un tatuaje de un retrato, así que es muy importante
prestarles mucha atención. Pero intenta buscar otros pequeños aspectos poco
significantes; como un pendiente, una corbata, o los labios, y tómate tiempo en estos
detalles que hacen que la pieza realmente destaque.

Una buena manera de asegurarte de que los valores están bien es pararte un minuto y
entornar los ojos mientras trabajas. Me gusta hacer esto porque muchas veces, pensarás
que la nariz, las sombras o algún rasgo están bien, pero cuando entornas los ojos,
algunas cosas se pueden perder y serás capaz de ver qué zonas necesitan que añadas
tono para destacar esos rasgos y añadir más valor. Además del truco de entornar los
ojos, una vez que la pieza está acabada, puedes poner una foto de ella en Photoshop,
desaturar el color y si se ve bien en blanco y negro, sabrás que lo has hecho bien y que
los valores son fuertes. Si las cosas se pierden cuando la pasas a blanco y negro, podrás
ver donde puedes volver para corregirlas. Puedes usar este truco con muchos de tus
tatuajes acabados y también con el trabajo de otros artistas, para tener una buena
comprensión de cómo comprobar el valor de una pieza dada.
Asegúrate de tomarte un momento para pararte y preguntarte “¿qué se está perdiendo?”
Pienso a menudo en las sombras arrojadas cuando hago esto, así como el color de
fondo, que hace que parezca más acabada. También me pregunto a mí mismo si estoy
dando el mejor uso a los colores complementarios y a las zonas de sombra. Pequeños
toques que harán que se vea mejor de lo que ya se ve. Realmente creo en la importancia
del fondo. No sólo hace que la pieza se vea más completa, sino que si usas los mismos
tonos a través de la pieza principal y en el fondo, hará que parezca como que esos
matices ya estaban pensados para estar ahí. Un fondo también es ideal para mantener la
pieza en su sitio. Al no haber líneas en el tatuaje realista, necesita tener algo rodeándolo
para que no parezca descolocado. Hay unas pocas zonas, como el pelo, donde puede que
no necesites un fondo alrededor, pero haz esta decisión sobre una base de proyecto-a-
proyecto. Otro ejemplo donde puede que no necesites el fondo es si la pieza ya tiene
zonas oscuras por fuera y es más clara por dentro; entonces técnicamente, no necesita
tener fondo, aunque a veces una pequeña cantidad de fondo puede hace que parezca más
acabada. Simplemente mira lo que pide la pieza y haz lo cambios de acuerdo a ello.
Sólo asegúrate de volver atrás y darle a tu tatuaje una apariencia y perspectiva
completamente nueva para asegurarte que le estás dando todos los toques finales que
puedas para que se vea increíble.

FUENTES DE LUZ

Se siempre consciente de las fuentes de luz y las sombras, ya que esto es lo que hace
que el tatuaje realmente parezca realista. Las fuentes de luz que emplees pueden venir
de cualquier zona en particular, pero normalmente estarán al lado de las sombras; por lo
que la zona más iluminada estará al lado del punto más oscuro. Cuando contrastan, le
dan a la pieza una fuente de luz general sólida. Por ejemplo, si tienes una fuente de luz
naranja que está incidiendo un lado de la cara o la zona de la barbilla, si esa luz naranja
está al lado de un marrón oscuro o un tono púrpura, hará que parezca más
tridimensional y que ese brillo sobresalga de verdad.

El buen uso de fuentes de luz alternas puede ayudar realmente a crear el ambiente y la
atmósfera del tatuaje y me gusta añadir estas fuentes de luz adicionales para dar vida a
una pieza y hacerla más atractiva al ojo. Puede que use un brillo naranja en un lado de la
cara o quizás, una luz verde. Ser creativo utilizando las fuentes de luz también puede
hacer que las cosas parezcan más redondas y añadir profundidad.

LÍNEAS GIRADAS

Usar el truco de las líneas giradas es una manera genial de ayudar al tatuaje a capturar
redondez y tridimensionalidad. Si tienes líneas paralelas en el trabajo, esto puede hacer
que el tatuaje parezca plano, así que simplemente gira un poco las líneas para que
desaparezca la apariencia paralela, creando una apariencia tridimensional. En trabajos
realistas, no hay líneas, así que tienes que pensar en los bordes del tema en el que estás
trabajando como si fueran las líneas. Esto se hace evidente cuando estás haciendo la
plantilla, ya que puedes hacer que parezca más redondo; incluso sin el valor,
simplemente girando las líneas.

Por ejemplo, si estás trabajando en una chica pin-up, asegúrate de que no hay borde o
línea que sea paralelo al otro lado de la pin-up, o a su brazo, o a su pierna; o a cualquier
otro aspecto de la pieza. Este es un pequeño buen truco para que el tatuaje no parezca
plano. Simplemente cambiándolo un poquito y girando la línea, ya no hay nada
paralelo. Si ya has puesto el valor apropiado a la pieza, darle esa redondez extra puede
ser un buen añadido. También asegúrate de que nada en la pin-up es paralelo al borde de
la parte del cuerpo del cliente en la que estás trabajando. Si simplemente redondeas o
curvas cualquier punto que pueda ser paralelo, esto creará profundidad y le dará la
tridimensionalidad y la redondez que la pieza necesita.

A veces, la rotación necesaria es muy poca, tan ligera que difícilmente se aprecia el
cambio, pero es lo suficientemente sutil para que ayude a que la pieza parezca más
redonda. También a veces me gusta bajar un poco los hombros (como hablamos en el
Capítulo de Plantillas); muchas veces será 1/16 o 1/8 de pulgada. Esto empuja los
hombros hacia atrás y la cara hacia delante, haciendo que parezca más real. Si miras a
cualquiera de los grandes maestros del mundo del arte, verás que el método de las líneas
rotadas es empleado a menudo en su trabajo.

PELO

Otra zona que siempre tiende a sobresalir si has creado un retrato prominente y
memorable, es el pelo. Abordo el pelo como si de verdad estuviera peinándolo. Esta es
una sección en la que tiendo a apartar la foto de referencia, porque me gusta conseguir
la dirección y fluidez del pelo correctamente y muchas veces es difícil de conseguir si te
apoyas en la imagen de referencia. A veces, me gusta usar el “caos organizado” cuando
trabajo el pelo (especialmente si el pelo es muy desaliñado), ya que no quiero que
parezca muy perfecto o no parecerá natural. Me gusta elaborarlo y ser creativo, usando
bastantes colores y brillos. Por ejemplo, si miras la zona del pelo de mis tatuajes,
notarás que no sólo uso el color base (p.e: marrón, negro, amarillo, y rojo), sino que
también añado brillos con matices de rosa, púrpura, azul, amarillo, verde, etc.

No te preocupes de tatuar el pelo exactamente como lo ves en la referencia, porque al

igual que el pelo real se mueve y fluye de un minuto a otro, la posición del pelo fluctúa
y cambia constantemente, por lo que puedes jugar con esto cuando trabajas la zona del
pelo. No te sientas restringido a duplicar la pose exacta del pelo en la referencia, trabaja
en él conforme avanzas, ya que es el momento de ser realmente creativo y de darle a la
pieza tu propio talento. El mayor truco con el pelo es asegurarte de que tienes la
dirección del pelo fluyendo correctamente y que lo estás tatuando en esa dirección.

Ya sea recto, ondulado o rizado, simplemente asegúrate de que la dirección es correcta y

que se mueve bien. Si el pelo es recto, tatúalo recto en la dirección correcta. Si es
rizado, entonces “rízalo”, moviendo la máquina con movimientos rizados; y si es
ondulado, entonces mueve la máquina de esa manera. Asegúrate de buscar formas en V,
para que fluyan en la dirección en la que estás haciendo el pelo. Si miras pelo real (ya
sea en una referencia o en la vida real), verás a lo que me refiero de la forma de V y el
patrón que tiende a hacer. Estudia esto y aprende a verlo para que puedas tatuar el
mismo patrón en tus retratos. Es una manera genial de añadir profundidad al tatuaje.
También me he dado cuenta que un mínimo de tres colores en el pelo es esencial; uno
De ellos una sombra oscura, para darle profundidad.

COVER-UPS
Aunque hoy en día rara vez hago un cover-up, solía hacerlos a menudo y cuando los
hacía, aprendí mucho sobre qué colores parecen funcionar mejor si estás intentando
cubrir una pieza vieja y convertirla en algo nuevo y bonito. Me he dado cuenta que los
mejores colores para trabajar en este campo, parecen ser el negro y los colores fríos:
verdes, azules, violetas y lavandas. La razón principal por la que los colores fríos
funcionan mejor es porque son más densos. Mientras que el esquema de color más
difícil de utilizar para los cover-ups son los tonos cálidos: amarillos, naranjas y rojos;
así como los marrones. Si quieres usar un color cálido para un cover-up sumerge el tono
cálido en blanco. Esto lo hace más denso y puedes jugar con él hasta que funcione como
un tono substancial que camufle la pieza de debajo.

Sorprendentemente, el blanco es una elección excelente para los cover-up, cuando se

usa correctamente; otra vez, por su densidad. Si estás haciendo un cover-up, planea el
proyecto cuidadosamente. Busca un punto focal, la zona que distraerá el ojo y desviará
la atención de aquello que estás intentando tapar. Trabaja con las formas y dimensiones
de la zona que va a ser cubierta, para que el nuevo tema que reemplace al viejo esté
situado en el punto ideal. Me he dado cuenta que los retratos no son a menudo el tema
más adecuado para los cover-ups; aunque ocasionalmente, una camiseta, un sombrero o
el pelo pueden usarse sobre ciertos puntos, mientras tengas cuidado de centrarte en usar
los colores fríos cuando trabajes en esa zona. Los temas biomecánicos a menudo son
buenas opciones para cover-ups, ya que tienen una considerable textura y tienden a ser
más complicados, lo que distrae al ojo del trabajo viejo y hacen que se centre en lo
intrincado del diseño biomecánico.

Se generoso en el uso de brillos en los cover-ups, cuando estás definiendo zonas que
harán que desaparezca el viejo tatuaje. Ya que la tecnología láser es ahora muy
avanzada y excelente, a menudo sugeriría a los clientes que lo usaran antes de empezar
un cover-up. Yo mismo he sido objeto de numerosas horas de láser y he obtenido
resultados sobresalientes, así que me gustaría presentar esto como la opción más
beneficiosa para alguien que quiera que una pieza existente se transforme en algo
nuevo.

TATUAJE MONOCROMÁTICO

Una técnica divertida que he estado incorporando a mi trabajo es la de hacer tatuajes

monocromáticos. Monocromático significa “poner tonos de un color en adición al matiz
de fondo”. Aunque las piezas monocromáticas en gris son parecidas a las piezas en
blanco y negro, son tatuajes a todo color completamente saturados en un tono específico
que elijo para cada proyecto monocromático. He hecho en todo tipo de colores. Para
este ejemplo, hablaré de tonos de gris. He creado mi propio apodo para este tipo
específico de pieza, llamándola una pieza “gris/gris”, pero puedes reemplazar el gris por
otros efectos monocromáticos, usando azules, púrpuras, verdes, etc. También date
cuenta que no tienes que depender de un solo color. Por ejemplo, si haces un tatuaje
monocromático verde, puedes añadir toques púrpura; o si lo haces en azul, puede que
quieras añadir verdes u otros tonos que funcionen bien en ese proyecto.

Es importante que trates un tatuaje monocromático como tratarías una pieza a todo
color, la única diferencia es que estás usando sólo tonos grises, en lugar de un arcoiris
de colores. Hay unas cuantas maneras de hacer esta técnica.
1) Prepara los tapones de tinta con un tapón de negro. La disposición de los tapones
sería:

- 1º tapón = 10 gotas de negro

- 2º tapón = 7 gotas o así de negro
- 3er tapón = 4 gotas de negro
- 4º tapón = 3 gotas de negro
- 5º tapón = 2 gotas de negro
- 6º tapón = 1 gota de negro

En lugar de hacer un tatuaje tipo blanco y negro, donde llenarías los tapones con agua,
tienes que llenarlos con tinta blanca, de manera que tengas diferentes tonos de gris y
luego simplemente aborda el tatuaje como si fuera una pieza normal de color. Me gusta
coger una varilla y mezclarlos bien, para tener el esquema verdadero de grises listo para
trabajar. A veces, mezclo un poco de azul bebé en el tapón, para darle un matiz
diferente y hacer mi paleta un poco más diversa. Recuerda que nunca tienes que estar
limitado con ninguna técnica. No hay “reglas” en el tatuaje, especialmente en los
esquemas de color, así que usa lo que mejor te funcione. Si diez gotas de negro no
funcionan tan bien para ti como lo harían siete gotas, trabaja en ello y encuentra la
preparación ideal para ti y para cada proyecto en el que te embarques.

2) El otro método que puedes emplear es usar diferentes tonos de gris prefabricado,
usando Talens como negro, Intenze Platinum (para gris oscuro), Eternal Gray, Starbrite
Gray (para un gris claro); y para otros tonos fríos/azules puedes usar: Starbrite Steel
Blue, Intenze Periwinkle o Intenze Baby Blue. Las combinaciones son infintas, así que
moja entre varios colores diferentes para encontrar las mezclas adecuadas para cada
pieza en particular.

Si lo haces de esta manera, tienes la opción de añadir diferentes matices a la pieza, ya

que estos grises parecerán un poco azulados, dando todos los diferentes tonos de gris
que estás incorporando. Simplemente elabora lo que uses. En esta pieza de Bob Marley
(abajo) utilicé tonos azul grisáceos. Usé el color complementario naranja incorporando
un brillo naranja en el borde de la frente y algunos toques sutiles de naranja por la cara,
que ayudan a que todo encaje, ya que el fondo naranja complementa las zonas azul
grisáceas.

TAMAÑO, LOCALIZACIÓN Y SUPERPOSICIÓN

Cuando trabajas con técnicas realistas, existen otros aspectos fundamentales de los que
debes ser consciente: tamaño, localización y superposición. Probablemente una de las
técnicas mejor conocidas para crear ilusión es el uso del tamaño. Las formas grandes
aparentan estar más cercanas, mientras que las formas pequeñas parecen más lejanas.
Este principio es clave en el trabajo tridimensional; como la localización, que tiene
componentes similares al tamaño. Los objetos que son dibujados o colocados más alto
en una pieza tienen la apariencia de estar lejanos, mientras que ponerlos abajo da la
ilusión de estar cerca, una aplicación excelente para usar en el tatuaje.

Por la misma razón, se consciente de la superposición. Igual que en la vida cotidiana,

cuando observas objetos que están delante o detrás de otro objeto, esta superposición
crea profundidad; ya que la forma más cercana bloqueará parte de la forma distante.
Cuando los artistas ponen dos o más imágenes diferentes o incongruentes en la misma
obra, hacen que el espectador piense en la conexión; a esto se le llama yuxtaposición.
Cuando los objetos se superponen parcialmente a otros objetos, los percibimos más
cercanos que los objetos cubiertos. Un excelente ejemplo para estudiar cuando trabajas
con el concepto de la superposición es el pintor francés postimpresionista Henri
Rousseau.

Si examinas los cuadros de Rousseau notarás que su trabajo normalmente se puede

dividir fácilmente en primer plano, plano medio y fondo. Esta ilusión de espacio la
consigue sobre todo superponiendo formas. Muchas de las obras de Rousseau tienen un
objeto que emerge desde abajo del plano de la imagen para meter al espectador en la
escena, mientras que el cielo normalmente se rompe por la intrusión de plantas y hojas.
Estas mismas teorías pueden aplicarse a un tatuaje realista, lo que añadirá ese elemento
de profundidad y tridimensionalidad a tu proyecto.

UNA OBSERVACIÓN RECURRENTE

Durante los seminarios que he hecho o cuando me abordan otros artistas y me piden que
critique sus portafolios, he encontrado interesante que algunos conceptos comunes que
suelo dar, se repiten una y otra vez. A menudo me doy cuenta de que sugiero que
“oscurezcan sus oscuros” o que “aclaren sus luces”. Muchas veces, las piezas parecen
lavadas y suaves, así que emplear estos dos trucos normalmente cambia el efecto
general dramáticamente. Realmente quieres que algunas cosas sean dichas conforme vas
ojeando un portafolio y esta es un área que normalmente necesita toques extra de
atención. Otro consejo común que suelo dar es que añadan fondo a cada pieza. Incluso
si pones una pequeñita sombra donde sea, esto hace que la pieza en general parezca
mucho más acabada y más impresionante.

Una pequeña cantidad de color a lo largo del borde puede hacer que parezca que de
verdad has hecho todos los pasos para hacer un producto acabado, así que lo de añadir
fondo es algo que digo a menudo cuando me piden que critique. Creo que hay mucho
espacio para el error en el tatuaje y a menudo les digo a mis colegas que si un contorno
es tembloroso, vuelvan sobre él, y esculpan esa línea hasta que sea perfecta. Si hacen las
líneas de una sola pasada, pueden difuminarlas. Esto hará que el ojo no vea una línea
ondulada y al mismo tiempo añades fondo. A menudo observo que artistas que intentan
hacer trabajo realista usan líneas, cuando en realidad no las necesitan. Les digo que
simplemente aprendan a sombrear esas líneas para que parezca más completo y realista,
lo que a la larga llevará a la eliminación del trabajo de línea.

Muchas veces, la gente me pregunta si el método de la “no-línea” aguanta el paso del

tiempo. Normalmente evado la cuestión y les pregunto qué es lo primero que notan
cuando ven un tatuaje viejo; y casi siempre es que las líneas parecen reventadas,
borrosas y que no han aguantado el paso del tiempo. Creo que esta es una buena razón
por la que NO tener trabajo de línea visible en tatuajes con el método realista que yo
uso, es una técnica importante de aprender. Incluso si tatúas con líneas negras gruesas,
con contorno de color, estilo japonés, tribal, realista, etc., no hay duda de que en algún
momento, todos los tatuajes necesitan ser retocados para mantenerlos vibrantes y
bonitos.

¿DÓNDE ESTÁ EL FUEGO?

Un concepto más que creo que es muy importante cuando se trata de producir tatuajes
geniales es la importancia de tomarte tu tiempo. No hay récords que ganar acabando un
tatuaje rápidamente y ciertamente no hace daño el tomarte tu tiempo y darle a cada
pieza toda tu atención y concentración. Creo que cuanto más tiempo y esfuerzo
inviertas, el resultado final será un tatuaje incluso mejor de lo que sería si te hubieras
dado prisa. Para mí siempre es mejor cobrar a los clientes por horas cuando haces
trabajo de retrato.
Puede que intentes estimar cuánto crees que tardarás y les digas una cantidad fija, pero
lo más probable es que acabes cobrando de menos, ya que muchas veces, acabas
teniendo zonas que necesitan atención y detalle extras con los que no contabas cuando
empezaste el proyecto. Si esto ocurre, puede que subconscientemente te des prisa para
acabar y mantener el margen de beneficios. La manera más fácil de evitar esto es
simplemente cobrar contando desde la hora en la que empiezas, tomarte tu tiempo, y
producir un trabajo ejemplar en cada proyecto que hagas, sin sentir que hay límites de
tiempo. Como dijo el gran filósofo Epicteto, “Ninguna cosa genial se crea de repente”.

FOTOGRAFÍA

Una vez que has acabado el tatuaje, es esencial que saques fotos excelentes para que
puedas capturar e inmortalizar tu trabajo y meterlo en tu portafolio. Las fotos de tus
tatuajes son importantes e indispensables, porque lo más probable, es que la mayoría de
tu audiencia nunca vaya a ver tus tatuajes acabados en persona, sino que los verá en tu
portafolio. Después de todo el tiempo y trabajo invertidos en el tatuaje, tienes que
documentar el producto acabado para que pueda ser compartido con un público global.
Tener una selección impresionante de fotografías para tu protafolio que realmente
documenten tu trabajo es un paso más en conseguir la atención de entusiastas del
tatuaje, clientes potenciales que están pensando en hacerse un tatuaje, y de la industria
del tatuaje en general. El portafolio también mantendrá a la gente pendiente de lo que
vayas a hacer en un futuro. Si quieres crear una profunda impresión, necesitas que las
fotos de tu portafolio sean impresionantes.

Tomar fotos que estén enfocadas, sean nítidas y claras es extremadamente importante.
Fotografiar tu trabajo no requiere enormes habilidades fotográficas o conocer a fondo la
cámara, sino más bien, una cámara decente, una buena iluminación y una posición de la
cámara adecuada. Para conseguirlo, hay dos rutas que puedes tomar cuando compras tu
equipo de cámara. Las cámaras digitales de apuntar y disparar son una opción. Si vas a
usar tus fotos principalmente online, no tienen que ser extremadamente grandes y las
cámaras de apuntar y disparar suelen funcionar bien. Puedes comprar una por un precio
relativamente bajo y que tomará suficientes fotos, especialmente para usarlas en webs y
recomiendo un mínimo de 5 megapíxels. La otra opción es una cámara réflex digital
SLR (single lens reflex), que te costará más que una digital compacta, pero hará fotos de
gran calidad.

Las cámaras digitales SLR también hacen excelentes fotos para publicarlas en la web y
son preferibles para imprimir las fotos para tu portafolio. El número de megapíxeles en
una SLR varía, pero también recomiendo un mínimo de 5 megapíxels si escoges la
opción de la SLR. Por supuesto, el precio y las posibilidades varían con cada cámara.
Ahora mismo uso una Nikon D300 de 12 megapíxels y es una elección excelente, que
me da bonitos resultados. Hablaré más adelante de algunas de las configuraciones
recomendadas y trucos para cada tipo de cámara.

Sin importar el tipo de cámara que uses para fotografiar los tatuajes, hay ciertos trucos
que deberías conocer y que son aplicables a ambas. Siempre es recomendable tomar
fotos del tatuaje acabado antes de que el cliente se vaya del estudio. Aunque lo ideal
sería fotografiar el tatuaje el día después de acabarlo; muchas veces, los clientes no
pueden volver al día siguiente. Incluso aunque te digan que volverán, muchas veces no
lo hacen y habrás perdido completamente la oportunidad. Así que simplemente para
asegurarte, siempre toma fotos inmediatamente después de acabar. Si vuelven al día
siguiente, mucho mejor; pero por si las moscas, toma fotos el mismo día de acabarlo.

Antes de tomar las fotos, me gusta esperar al menos quince minutos después de acabar
el tatuaje, para que de tiempo a que deje de sangrar. Por supuesto, hay muchas variables
a la hora de hacer la foto, pero lo ideal sería hacer las fotos en el exterior, de día. No es
necesario usar el flash cuando puedes hacer las fotos de día en el exterior. Si por alguna
razón, has tomado un montón de fotos y no estás consiguiendo el resultado que buscas,
puedes activar el flash, pero primero intenta hacerlas sin flash. Cuando escojas la
localización, ten en cuenta que el cliente tiene que estar en la sombra, para que no le de
la luz solar directa. Aunque tienen que estar en sombra, no los pongas en el sitio con
más sombra, sino en un trocito de sombra. Asegúrate de que el tatuaje está seco, limpio
y libre de vaselina. Cualquier trozo de vaselina visible en la foto aparecerá como un
brillo, lo cual quieres evitar. Asegúrate también de que no hay gotitas de sangre en la
piel. Acércate al tatuaje y asegúrate de que está completamente limpio, ya que puede
que no veas la sangre hasta que no metes las fotos al ordenador y hagas zoom en la
zona. Si la sesión de fotos lleva varios minutos, asegúrate de ir limpiando la zona para
que la sangre no aflore a la superficie. No hay nada más molesto que estar pasando las
fotos al ordenador y ver que en todas sale sangre; puede arruinar toda la documentación
fotográfica, asi que cerciórate de ser particularmente cuidadoso con esto.

Otro elemento importante en la sesión de fotos es usar un fondo negro justo detrás del
tatuaje. Si no hay un muro negro fuera de tu estudio, puedes hacer tu propio fondo
negro con un pedazo de tela negra o comprando un bote de pintura negra mate y
pintando una cartulina o una tabla de madera. Puede ser útil usar un trípode cuando
hagas las fotos si es posible. Normalmente sostengo la cámara lo más quieto posible e
intento no moverme cuando disparo. Si tienes acceso a un trípode, puedes probar de las
dos maneras para ver qué metodo te da los mejores resultados. Si no tienes un trípode,
simplemente se muy cuidadoso en sujetar la cámara lo más firme posible para que la
foto no salga movida. Si ves que salen movidas, un truco que puedes intentar es pedirle
al cliente que contenga la respiración mientras disparas la foto si el tatuaje está en la
parte superior del torso, como las costillas o el estómago.

Cámaras de Apuntar y Disparar (cámaras digitales compactas)

Las cámaras de apuntar y disparar tienen muchas opciones, como una pantalla LCD y
conectividad al ordenador. Este tipo de cámaras es muy fácil de usar y no tendrás que
cambiar lentes o ciertas opciones, como tendrías que hacer con una SLR digital. Estas
cámaras son más pequeñas y manejables que las SLR, muchas de ellas incluso caben en
el bolsillo. Si usas una de éstas, empieza poniéndola en “auto” y con el macro activado
(el pequeño icono de la flor) para que puedas acercarte y se vea más claro. La mayoría
de estas cámaras tienen una ISO, que deberías ponerlo en 100. La función ISO de una
cámara regula la sensibilidad a la luz del sensor de imagen de la cámara, lo que es
parecido a la categoría de velocidad de FILM. La opción ISO normalmente va desde
100, 200, o 400 y también llega tan alto como 800, 1600, e incluso 3200 en algunos
modelos avanzados. Se usa una ISO baja cuando capturas zonas excesivamente
brillantes, porque reduce la sensibilidad a la luz del sensor de imagen. Una ISO alta se
usaría cuando disparas en condiciones más sombrías o nubladas, como un interior, en un
día nublado o en áreas oscuras; porque incrementa la sensibilidad a la luz del sensor de
imagen.

Después, pon la cámara en “automático” y mira como reacciona a la luz. Muchas veces,
esto te dará los resultados que estás buscando. Si no lo consigues, inténtalo poniendo el
balance de blancos en “nublado”, que hará que la imagen parezca más vibrante; en lugar
del blanco automático, que tiende a darle un tinte azulado. Si necesitas cambiar las
opciones y jugar con ellas, hazlo; cada cámara es un poco mejor en unas cosas que otras
cámaras y puede que necesites un poco de maña para encontrar la mejor configuración
para cada una. Por ejemplo, si estás en un sitio sombrío, las fotos normalmente saldrán
un poco rojizas. Si esto ocurre, cambia la configuración del balance de blancos y eso lo
corregirá. Otro truco es hacer que el cliente se meta un poco más en la sombra y usar el
flash. Si el flash da demasiado brillo, puedes intentar poner cinta adhesiva transparente
encima del flash.

Cámaras Digitales SLR

Si disparas con una cámara digital SLR, tendrás más flexibilidad para controlar la
iluminación. Las SLR ofrecen muchas opciones de configuración manuales que te darán
más calidad en el control para tomar grandes fotos. Al igual que las digitales compactas,
tienes que poner al cliente fuera y disparar con ISO 100, lo que te dará un resultado
claro. La ISO es fácil de entender si sabes de película tradicional de fotografía. La
película genera dos funciones principalmente: captura la luz y al mismo tiempo,
almacena la imagen. La velocidad se mide en ISO y te dice cómo de reactiva es la
película a la luz y por lo tanto, cómo de rápido se puede abrir y cerrar el obturador en
diferentes niveles de luz. Los fotógrafos experimentados saben cómo usar una
proporción de velocidad de obturación para su apertura, que es cuánto se abrirá el
obturador; eso se mide en f stops. El mismo concepto se usa con una cámara digital,
pero con una diferencia: la sensibilidad a la luz, que es lo que determina el análisis de
velocidad ISO. Las cámaras digitales aprehenden la luz con un mecanismo de detección
de imagen, llamado CCD (charge coupled device). La imagen adquirida se convierte
entonces en información digital por el procesador de la cámara y esos datos se
almacenan en la tarjeta de memoria. Si estás haciendo una foto de un objeto que está
quieto, como tu tatuaje acabado, siempre querrás usar una ISO baja; lo que te permite
una mayor velocidad de obturación y te da una imagen nítida. Una ISO alta es necesaria
cuando fotografías un objeto en movimiento o en un interior. Es recomendable no ir
más alla de 400 ISO o notarás algo de corrupción en la imagen, así que recuerda que
cuanta menos ISO, más claro será el resultado.

Otra idea básica que es útil entender es la velocidad de obturación. Cada cámara digital
tiene un pequeño obturador que cubre el CCD. Cuando el obturador se abre, la luz pasa
desde el exterior al CCD y esto permite que se tome la imagen. La cantidad de tiempo
que el obturador permanece abierto es la velocidad de obturación. Cuanto más tiempo
esté abierto el obturador, más luz entra en la cámara. Al revés, cuanto más rápido se
cierre, menos cantidad de luz entra en la cámara. Me gusta disparar a una velocidad de
obturación de 60, para que la foto no salga movida. Si es necesario, ajusto la ISO y la
apertura para compensar la falta de luz. Aprenderás que configuraciones funcionan
mejor conforme practiques y saques fotos a tus tatuajes.

Cada cámara SLR tiene un contador de megapíxels. Esto puede variar bastante, así que
es bueno saber lo que quiere decir. Los megapíxels son básicamente la manera de medir
lo clara y visible que es la imagen. La palabra “píxel” viene de “pix”, abreviatura de
“pictures” y “element” (“imágenes” y “elementos”). El número de píxels individuales
que hacen cada imagen están calsificados en términos de la cuenta de los píxels. Las
cámaras están divididas basándose en esta cuenta de megapíxels, que puede ir de 1
millón, que es 1 megapíxel hasta 14 millones, o 14 megapíxels. Una cámara con
muchos megapíxels es conveniente si tienes intención de cortar las fotos o aumentarlas.
A menos que quieras hacer impresiones enormes tamaño póster, una cámara con 5
megapíxels te dará un resultado suficiente. Cuanto más megapíxels, mejor resultado. La
Nikon D300 que uso tiene muchas opciones de calidad de imagen que encuentro útil
ajustar y manipular.

Otro término que puede que hayas oído a menudo es el de “apertura”. Esto es el
tamaño/diámetro de la abertura por la que pasa la luz. Ya que la tarea principal de las
lentes de las cámaras es la de recoger luz, cuanto más diámetro tenga la apertura, más
luz alcanzará al sensor de imagen. La apertura se representa en términos de F stop.
Verás F2.8 o f/ 2.8 en la lente. Algunas lentes pueden tener f2.9 3.7, que son la máxima
apertura disponible. Cuanto menor sea el número de F stop o el número de apertura,
más se podrá abrir el diafragma, por lo tanto más luz podrá entrar por la lente.

Ahora que hemos hablado de los términos más comunes, es hora de encontrar la mejor
configuración para las fotos. Yo la pongo en manual, en formato “bueno” JPEG (Joint
Photo Experts Group). JPEG es básicamente un algoritmo que utiliza los datos de tu
imagen y comprime esa información. Me gusta ponerla primero en “auto” y ver cómo
quedan las fotos. Puedes utilizar el botón de “Compensación de Exposición” si tu
cámara lo tiene; en la mía es un botón en la parte de arriba con un icono de +/- y esto se
ajusta para la luz/oscuridad (+ la hace más luminosa, mientras que – la hace más
oscura). Si bajas el número de la opción “por defecto” de 0.0 a -0.3 o -0.7, cuanto más
bajo vayas, más oscura saldrá. Y viceversa, si lo pones en +0.3 o más, más brillante.

Si necesitas otros ajustes, puedes poner el balance de blancos en nublado/sombrío (en

muchas cámaras, es un icono de una casa con un rayo encima). La manera más simple
de explicar el balance de blancos es en términos de “temperatura del color”, que es
básicamente la manera en la que mides la intensidad y calidad de cualquier fuente de
luz. Como humanos, nuestros cerebros están bien equipados para ajustarse a diferentes
temperaturas de color con nuestros ojos; si vemos un papel blanco, sabemos por
experiencia que es blanco sin importar bajo qué formas de luz lo estemos viendo. Pero
las cámaras no lo tienen tan fácil y para ajustar esto, las cámaras digitales vienen con un
sensor lamado “Auto White Balance” (AWB, Auto Balance de Blancos), esto mide la
“temperatura del color” y entonces usa un algoritmo para procesar la imagen y ajustarla
correctamente. Hay diferentes configuraciones de Balance de Blancos con las que
deberías familiarizarte:
Auto: básicamente, con auto, tu cámara hace su mejor estimación basándose de imagen
a imagen.

Tungsteno: puedes encontrar el modo tungsteno en la cámara, normalmente indicado

con una pequeña bombilla. Este modo es mejor para fotos en interior, especialmente
bajo luces de tungsteno/incandescentes y esto “enfriará” los colores de la foto.

Fluorescente: esto contrarresta cualquier fuente de luz fluorescente “fría” y “calentará”

la foto.

Luz natural: esta opción pone la cámara en el balance de blancos “normal”.

Nublado: La opción nublado normalmente “calentará” la foto un poco más que el modo
“luz natural”.

Sombra: Este modo “calentará” un poco, ya que la luz cuando estás en la sombra
normalmente es más “fría” y azul que cuando disparas a pleno sol.

Tómate tu tiempo para leer el manual y familiarizarte con los diferentes modos de la
cámara. Te acostumbrarás a los “puntos buenos” tanto para tu cámara como para las
zonas ideales en las que tomar las fotos, pero es recomendable que estés lo más
informado posible con tu marca/modelo particular de cámara para poder sacarle el
máximo provecho. Hay muchas cámaras excelentes en el mercado en estos momentos y
constantemente están actualizando y mejorando la tecnología. Como ya habrás notado,
uso y recomiendo la Nikon D300; tiene un color excelente, capacidades de luces y
sombras y toma fotos muy buenas para documentar mi trabajo tatuajístico. Siempre
intento tomar un montón de fotos; normalmente entre 25 y 75 a cada tatuaje. Creo que
es mejor tener un gran abanico de imágenes sobre el que escoger, ya que nunca sabes
cuál será mejor al resto y no te hará daño tomarte tu tiempo en confirmar que tienes una
foto bonita de la pieza acabada. La lente que uses con la SLR digital también es muy
importante.
Aunque la cámara viene con su lente, me gusta comprar el cuerpo de la cámara y luego
comprar el objetivo aparte. He visto que la lente VR (Vibration Reduction, Reducción
de la Vibración) es una buena lente. La Nikkor 18-200 mm es una buena lente
todoterreno, así como la Nikkor 24-120 mm (que es la que uso ahora). El “punto bueno”
de la lente normalmente está en el medio (en el rango 72 de la de 24-120mm que uso).

Una vez que has tomado las fotos, querrás pasarlas al ordenador y examinar lo que
tienes. Asegúrate de cortar todo el fondo que puedas, para que no distraiga de la belleza
de la foto del tatuaje. Ocasionalmente, uso la herramienta de iluminar y la afino un poco
en Photoshop antes de imprimirlas, para que parezca que lo he hecho antes de que el
cliente se fuera del estudio. Si estás preparando las fotos para publicarlas en la web,
córtalas a un tamaño manejable y asegúrate de que están limpias y nítidas. También
querrás imprimir cada foto para meterla en tu portafolio.
La mayoría de impresoras a chorro de tinta del mercado hoy en día son de excelente
calidad y deberían imprimir buenas fotos. Aunque las impresoras de oficina domésticas
funcionan genial, si quieres ir un paso más allá puedes transferir las imágenes a un
disco, y llevarlas a una tienda de fotos, Costco, Wal Mart, etc. e imprimirlas en papel
fotográfico, que definitivamente hará que tu portafolio sea impresionante. Hoy en día la
tecnología es tan eficiente que la mayoría de productos en el mercado, en cuanto a
equipos de impresión y cámaras, te dará resultados suficientes en relación a lo que
valen. Por supuesto, como en todos los aspectos de tu carrera de tatuador, recuerda que
invertir en todo lo que puedas acabará convirtiéndose en beneficio. Porque capturar la
esencia de tus tatuajes es tan importante, te recomiendo que gastes todo lo que puedas
en lo que se refiere a equipo fotográfico. Compartir tu trabajo con una audiencia global
es imperativo y tener un representación admirable de esto es vital.

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PRESENTACIÓN

Un portafolio comprensible y bien formado es esencial. Muchas veces, tu portafolio es

la primera toma de contacto que los clientes potenciales tienen con tu trabajo e ilustra tu
talento, habilidades y dedicación como artista. Esta presentación es una oportunidad
excelente para hacer una impresión duradera. La manera en la que presentas tu trabajo
no sólo refleja tu habilidades artísticas técnicas, sino también tu comprensión del
aspecto de negocio del tatuaje y demuestra tu profesionalidad.

Cuando preparas tu portafolio, es muy importante enseñar un buen puñado y variedad

de ejemplos. Distribuye las obras de manera organizada. Puede que quieras empezar con
una de tus piezas más impactantes al principio del portafolio, para capturar la atención
del espectador; así como otra en medio, y por último, una de las mejores también al
final. Esto es importante porque por donde quiera que esté abierto el portafolio cuando
alguien lo examine, le dejará una impresión buena que permanecerá rato después de que
se vayan de tu mesa o tu website. Agrupa los temas similares juntos de manera que las
páginas fluyan bien y encajen al espectador. Esta unificación temática muestra un
cuerpo de trabajo cohesionado. Por ejemplo, combina grupos de vida salvaje juntos:
gatos/felinos, gorilas/monos, pájaros, reptiles, criaturas marinas, etc. Igualmente, unifica
las composiciones de retratos en páginas adyacentes: películas/actores, temas musicales,
piezas familiares (padres, niños, abuelos, esposos), etc.
Un buen portafolio tiene continuidad y da al espectador una clara idea de tus diferentes
estilos y competencias. A menudo veo portafolios llenos con grandes fotos de 8x10,
pero muchas veces, este tamaño es demasiado grande y hace que el tatuaje se
distorsione, emborrone o simplemente parezca como un detalle que muestra las
pequeñas imperfecciones con demasiada claridad. Me he dado cuenta que muchas
veces, las fotos se ven mejor en un tamaño de 4x6 o 5x7, para que la imagen sea clara y
concisa. Ocasionalmente, una imagen de 8x10 se ve bien, pero recomiendo imprimir en
tres tamaños, examinando cada uno y viendo cuál sienta mejor al tatuaje.
Creo que tu portafolio siempre debería presentar calidad antes que cantidad. No tengas
miedo de quitar fotos. Normalmente, si pongo una foto nueva en mi portafolio, saco una
vieja; incluso si se trata de una pieza sentimental en un amigo o en un miembro de tu
familia, intenta ir más allá de eso y mostrar tu trabajo actual que enseñe los mejores
tatuajes que has producido.

No quieres que parezca que el trabajo que hay dentro de tu portafolio es de muchos
aritstas diferentes. Asegúrate de que es consistente y que parezca todo del mismo artista.
Tienes que presentar una perspectiva única y demostrar lo que te aparta del resto de
artistas. Crea ese efecto duradero de manera que la gente que examine tu portafolio se
acuerde de él.

Una vez que has hecho el portafolio, puedes llevarlo a convenciones de tatuaje, donde
tienes una excelente oportunidad para mostrar tus logros a coleccionistas que puede que
aún no te conocieran. Debes aprovechar esta oportunidad no sólo llevando tu portafolio,
sino también otros elementos esenciales; como un cartel visible y llamativo y tacos de
tarjetas de visita para atrapar a clientes potenciales, que sin duda serán clientes cuando
revisen tu increíble portafolio.

Hoy en día en la industria, tener un portafolio virtual y una página web es vital. El
ciberespacio permite a coleccionistas de todo el mundo ver tu trabajo con la facilidad de
un click de ratón y que estén al día sobre una base constante de cada uno de tus logros.
Otra clave esencial para tener éxito con este método es que la web sea profesional. Dar
ejemplos accesibles de tu trabajo y mantener los gráficos a un nivel manejable para que
la página cargue rápido, incluyendo información relevante, trasfondo y detalles de la
situación de cada una de las piezas de tu portafolio online. También es útil incluir
información biográfica en tu web, un calendario de eventos, convenciones próximas e
información de contacto. He visto que www.TattooNow.com son unos diseñadores web
preeminentes, sobre todo si estás en la industria del tatuaje. Fueron capaces de coger un
website que construí yo previamente e importar la información existente a su formato, a
la vez que renovaban áreas y le daban una apariencia única y molona que encajaba con
mi estilo y mostraba bien mi portafolio. Un beneficio de usar www.TattooNow.com es
que cuando quiera que añado un evento nuevo o nuevas fotos de tatuajes en mi web,
también aparecen en la página principal de www.TattooNow.com, que tiene una enorme
audiencia de entusiastas del tatuaje cada mes y provee una excelente fuente de visitas, al
mostrar mi información en dos sitios simultáneamente.

También he invertido mucho tiempo y trabajo en crearme una página en

www.myspace.com. Es una potente herramienta de red y una oportunidad de promover
mi trabajo tatuajístico entre una enorme audiencia de artistas del tatuaje,
coleccionistas/entusiastas de los tatuajes y aquellos que están investigando para hacerse
un tatuaje. Recomendaría crearse una página myspace, ya que es casi esencial hoy en
día para cualquier artista del tatuaje serio. Mantén actualizada la página con fotos
actuales y usa las herramientas de blog y de boletín, ya que puedes llegar a miles de
personas en un instante haciendo buen uso de estas herramientas.

Además de tu portafolio tangible y online, otro procedimiento importante de

presentación es el arte de conseguir que publiquen tu trabajo. No titubees en tomar la
iniciativa mandando tu trabajo acabado a revistas y foros online. Todo consiste en
exponerse y habilidades como ésta son importantes de dominar. Hay muchas cosas
periódicas relacionadas con el mundo del tatuaje para considerar cuando mandas fotos
de tu trabajo. Investiga las publicaciones a las que planeas mandar algo. Los editores
aprecian que te rijas por sus normas, así que antes de nada pregunta, ya que cada uno
puede decir una cosa. Es buena idea tener un abanico representativo de fotos de tus
trabajos para poder ofrecer constantemente lo más reciente. Ten cuidado de no correr y
querer publicar antes de que estés preparado. Te recomiendo que te asegures que tu
trabajo está a la par que el resto y en un nivel que aún te gustará cuando pase un tiempo,
ya que muchas veces, las revistas guardan fotos durante años antes de publicarlas. Por
ejemplo, si mandas fotos de un tatuaje de flores, las revistas puede que las guarden hasta
que hagan un número temático de tatuajes de flores; por entonces, puede que el trabajo
que estés haciendo tenga un nivel muy superior y te arrepientas de no haber esperado a
estar a un nivel en el que de verdad estuvieras cómodo. Me gusta meter mis fotos a un
disco cuando las mando a una revista. Tengo una carpeta específica en mi ordenador
con fotos que me gustaría mandar a revistas. De esta manera, mantengo la pista de ello
y lo tengo organizado y cuando ya tengo suficiente, grabo la carpeta en un disco y la
mando a varias publicaciones.

Además de mi carpeta de “enviar para revistas”, también tengo otras carpetas

organizadas; incluyendo una llamada “Upcoming Ink”, donde guardo las fotos de
referencia y las ideas para futuros tatuajes. Tengo otra carpeta llamada “Fotos para
Website” y otra llamada “Thumbs para Website” donde tengo miniaturas para la web en
el formato específico correcto para la web. Tengo una carpeta de “Fotografías” con
miles de fotos de tatuajes acabados y también tengo carpetas clasificadas y etiquetadas
de material de referencia que encuentro cuando navego por internet que pueden ser
buenas para futuros tatuajes, como: animales, películas/música, plantas/flores, etc. Si
acabo usando una de estas imágenes, me gusta “retirarla” por respeto al coleccionista y
no reutilizar ninguna flor, actor, músico, pin-up, etc. en el futuro.

CUIDADOS POSTERIORES

Es común en la industria del tatuaje que cada artista tenga su propio método de
curación. Como dice el viejo refrán, “si no está roto, no lo arregles”, y esto se aplica
también a las preferencias de cada artista en este tema. Si estás cómodo con tu técnica y
funciona bien para ti, sigue con ella. En esta sección, sin embargo, compartiré con
vosotros lo que mejor me ha funcionado a mí en lo que se refiere a los cuidados
posteriores de un tatuaje.

Una vez que acabo una sesión, tapo el tatuaje con film plástico y lo pego con cinta para
asegurarlo, de manera que permanezca en su sitio mientras el cliente vuelve a casa.
Recomiendo a mis clientes que lo dejen durante dos o tres horas; después de lo cual,
deben ducharse y limpiar cuidadosamente el tatuaje con agua caliente y jabón
(preferiblemente Dial o jabón suave). El agua caliente desprende cualquier residuo y
abre los poros. Mientras que esto es importante cuando lo limpian, les recomiendo que
después se echen agua fría en el tatuaje justo antes de salir de la ducha. El agua fría
vuelve a cerrar los poros y encierra la tinta.

Luego, hay que secar el tatuaje y darle instrucciones al cliente de que no frote. Me gusta
dejar que se seque al aire durante 30 minutos aproximadamente, después de lo cual
deberían aplicar una capa MUY fina de Polysporin en la zona. La limpieza y aplicación
de Polysporin debe ser repetido varias veces al día durante los tres días siguientes.
Recomiendo al cliente que deje de usar Polysporin después del tercer día, cuando
empieza a curar y a desprender escamas, momento en el que deberían cambiar a una
loción sin fragancia: Yo prefiero Lubriderm.

Si has hecho una sesión especialmente intensa o larga, es recomendable que la primera
noche, después de lavar el tatuaje, el cliente se aplique hielo en la zona
aproximadamente una o dos horas, para bajar la inflamación y encerrar la tinta en los
poros.
Por supuesto, siempre sugiero evitar lo obvio, como: nada de piscinas, Jacuzzi, agua de
mar o sol. Mas aún, si el tatuaje se ha hecho en una convención de tatuajes y el cliente
ha viajado y va a dormir en un hotel, le recomiendo que mantenga el tatuaje tapado
durante la noche para evitar cualquier infección que pueda ser transferida de las sábanas
de la cama del hotel. Conozco esto por experiencia propia, ya que tuve una horrible
infección después de ser tatuado en una convención.

LAS ÚLTIMAS PALABRAS

El futuro del tatuaje es enorme y emocionante, ya que lo mejor de los métodos de

tatuaje clásico se encuentra con la explosión del realismo a color que es evidente hoy en
día en la industria. A medida que más artistas estudian y perfeccionan las técnicas
realistas, también son capaces de incorporar sus estilos únicos en su trabajo y veo un
nuevo género de trabajos tatuajísticos emergiendo.

Me imagino mi propio trabajo por este camino y sospecho que a medida que mis
habilidades se desarrollan y expanden, incorporaré más de mi propio y único toque en
mis proyectos; algo así como hacer más dibujos custom y diseños que antes. Conforme
crezco y evoluciono como artista, asegúrate de estar atento para nuevas actualizaciones
de este libro, en las que incluiré más fotos paso a paso y técnicas.

También asegúrate de visitar regularmente www.mdtattoos.com para ver

actualizaciones de nuevos trabajos, artículos, eventos, fechas de viajes, merchandising y
más.

Gracias por leer y por tu interés en mis técnicas y métodos. Espero que cualquier
perspectiva obtenida de estas páginas haya inspirado tu propia creatividad y deseo de
crecer como artista. Como dijo Thomas Jefferson una vez, “El futuro es creado primero
en la mente y el deseo; luego se crea en la actividad. El futuro no es un sitio al que
vamos a ir, sino un sitio que estamos creando.”