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vanguardias.
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Contenidos
Artículos
Orígenes, vida y obra.
Antonio Berni 4
Rosario (Argentina) 9
Influencias
Partido Comunista 12
Vanguardismo 14
Impresionismo 18
Surrealismo 21
Cubismo 23
Realismo pictórico 28
Nuevo realismo 30
Muralismo 32
Referencias
Fuentes y contribuyentes del artículo 43
Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 45
Licencias de artículos
Licencia 48
Orígenes, vida y obra.
Antonio Berni 4
Biografía
Delesio Antonio Berni nació en la ciudad de Rosario (provincia de
Santa Fe) el 14 de mayo de 1905.
Su padre, Napoleón Berni era sastre y fue uno de los tantos inmigrantes
europeos que se instalaron en Rosario . Su madre se llamaba Margarita
Picco era argentina, hija de italianos radicados en Roldán.
En 1914 ingresó como aprendiz en el taller de vitrales Buxadera y Cía.
donde recibió las enseñanza de su fundador, N. Bruxadera, un artesano
catalán. Poco tiempo estuvo en este taller ya que entre 1914 y 1915 su
padre volvió a Italia, entonces Berni es enviado a la casa de sus
abuelos en Roldán.
Napoleón Berni murió durante la Primera Guerra Mundial, no se sabe
ni cómo, ni cuándo, ni dónde.
A pesar de que Antonio se alojó en Roldán, estudió pintura en el
Berni durante su juventud.
Centre Catalá de Rosario con los maestros Eugenio Brunells y Enrique
Minné.
En 1920, a los 15 años, expuso sus cuadros por primera vez, en el Salón Mari. La muestra constó de 17 óleos
(paisajes suburbanos y estudio de flores).
Expuso nuevamente sus obras en 1921, 1922 y 1924. En 1923, también expuso pero esta vez en Galería Witcomb de
Buenos Aires.
Ya por ese entonces recibía los halagos de los críticos en varios artículos publicados el 4 de noviembre de 1923 en
los diarios La Nación y La Prensa.
Sus primeros cuadros respondieron al impresionismo y al paisajismo.
En 1925 consiguió una beca otorgada por el Jockey Club de Rosario para estudiar en Europa y en noviembre de ese
año llegó a Madrid.
En febrero de 1926, el Salón de Madrid expuso "Puerta cerrada", es un paisaje madrileño que llamó mucho la
atención, como si nadie antes hubiera pintado así la ciudad. Más tarde pintó otros temas españoles, "Toledo y el
religioso" (1928), y "El Torero calvo" (1928).
Estando en esta ciudad advirtió que en realidad era París la cuna de la pintura española. Por eso decidió trasladarse a
la "Ciudad Luz".
En la París asistió a los cursos de los pintores franceses André Lhote y Othon Friesz, en la Academia libre de la calle
Grande Chaumiere. Y aunque sólo estudió unos meses allí, su influencia se dejó sentir en una serie de desnudos
figurativos.
Hacia 1927 se instaló en Arcueil, a 6 km al sur de París, en el valle del río Biévre. Se conocen dos paisajes de
Arcueil de 1927.
De ese año son "Paisaje de París", también los óleos: "El mantel amarillo", "Desnudo", "La casa del crimen",
"Naturaleza muerta con guitarra".
Terminada la beca, Berni volvió por unos meses a Rosario, pero al poco tiempo retornó a París, ahora con un
subsidio del Gobierno de la provincia de Santa Fe.
A fines del invierno de 1928 hizo una exposición individual en la Galería Nancy de Madrid.
Participó con Badi, Basaldúa, Berni, Butler y Spilimbergo de una muestra que organizó Butler y trajo a Buenos Aires
con destino a la Asociación Amigos del Arte.
Antonio Berni 5
La exposición, que fuera visitada por el entonces Presidente de la República, Marcelo T. de Alvear, recibió el
beneplácito del público e inclusive se vendió una obra de cada expositor. Berni concurrió personalmente a la Casa de
Gobierno de Argentina para cursar dicha invitación.
En 1929 Berni presentó una muestra individual en Amigos del Arte y luego en el Museo Municipal de Bellas Artes
de Rosario. Además intervino en el XVIII Salón Nacional (Buenos Aires), allí exhibió su obra "Toledo o el
religioso".
En 1928 conoció a Louis Aragón, poeta, novelista y ensayista francés, uno de los líderes del movimiento dadaísta y
del surrealismo. Aragón lo acercó al surrealismo y también a André Bretón, poeta y crítico de arte.
Por otra parte Berni en ese año se relacionó con el joven pensador Henri Lefebvre, uno de sus mejores amigos
franceses, quien lo iniciará en la lectura de Marx. También conoció a Max Jacob, con quien aprendió la técnica del
grabado.
Sin lugar a dudas la retrospectiva de Giorgio de Chirico y el conocimiento de las obras de Magritte serán los
elementos fundamentales que llevarán a Berni a ingresar al surrealismo.
Para Berni el surrealismo "es una visión nueva del arte y del mundo, la corriente que representa a toda una
juventud, su estado de ánimo, su situación interna, después de terminada la Primera Guerra Mundial. Era un
movimiento dinámico y realmente representativo".
Berni ayudó a Aragón en su lucha antiimperialista, en un París donde abundaban los chinos, africanos, vietnamitas,
Berni ayudó a distribuir un periódico para las minorías asiáticas y colaboró con ilustraciones para otros diarios y
revistas.
Estudió las obras surrealistas, leyó a los poetas y escritores de este movimiento y también a Freud.
En 1930 conoció al ensayista y poeta francés Tristán Tzara que tendrá mucho que ver para que Berni considerara que
todo el Grupo surrealista estaba formado por monstruos sagrados.
Berni iniciará su pintura surrealista, pero no pertenecerá, ni al automatismo de Miró, ni al onirismo de Dalí. En
realidad tomó la pintura de Chirico y le dio un contenido propio. "La Torre Eiffel en la Pampa", de 1930 es un
ejemplo de ello. Nunca se supo si esta obra la hizo en Rosario o en París.
Por entonces, la noticia de una revolución en Buenos Aires lo dejó consternado. Ya casado y con una hija decidió
volver a la Argentina. No podía quedarse en un París tan distante, con escasas noticias de su país.
Al regresar, vivió por unos meses en una chacra de la provincia de Santa Fe, para luego instalarse en Rosario y
trabajar como empleado municipal.
Tomó parte activa de la vida cultural de la ciudad, organizó la Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos y se
adhirió por un tiempo al partido comunista.
En 1932, en Amigos del Arte expuso sus obras surrealistas de París, y algunos óleos como "Toledo o el religioso".
Esa muestra fue la primera exposición de ese movimiento en América Latina y también la primera en exponer
collage. Se tituló Primera exposición de Arte de Vanguardia. El público no estaba acostumbrado y la muestra resultó
difícil. La crítica en pleno la rechazó.
Tanto Europa como América, por entonces sufrían la crisis de 1929 en Estados Unidos y Argentina con la revolución
del 30 había comenzado la llamada "década infame".
Rosario es un lugar especialísimo en esos años. Ahí se asentó la mafia, la de Chicho Grande y la de Chicho Chico, y
la prostitución que tuvo su imperio en el barrio de Pichincha. En 1932 Berni se internó en ese universo para
colaborar como fotógrafo en una nota periodística encargada a Rodolfo Puiggrós, futuro dirigente comunista. Era
una zona de garitos y varités, que desaparecieron en 1937.
Y fuera de esta miseria humana que observó Berni estaba la otra, la del hombre que vivía en las zonas rurales entre
los chacareros. Este mundo era totalmente distinto al de París de los años 20 y de los artistas surrealista.
Antonio Berni 6
No pudo dejar de sentir una gran conmoción interior. De alguna manera dejó en parte el surrealismo ya que sufría la
desazón, la desesperanza de la gente. Decidió asumir un compromiso con su país.
"El artista está obligado a vivir con los ojos abiertos y en ese momento (década del 30) la dictadura, la
desocupación, la miseria, las huelgas, las luchas obreras, el hambre, las ollas populares crean una tremenda
realidad que rompían los ojos", diría en 1976. Así comenzó la etapa del "realismo social".
Berni era un hombre con gran sentido del humor y sentía una gran necesidad del mundo de los justos. Luchó por ello
siempre, pero lo hizo con gran ternura y con un trasfondo casi épico. Se identificó y se integró a ese mundo del que
nunca se desligó.
De París trajo una gran carga política, influida sin duda por su intensa vinculación con los artistas surrealistas. Ese
mundo de decadencia pintado casi de fantasía ahora le era real, lo tenía ahí en su pueblo, en su país. Bretón decía "lo
imaginario es lo que tiende a convertirse en real". Y Berni lo tenía ahí en los hechos cotidianos.
En 1934 Berni comenzó a mostrar la problemática social de la década del 30 con sus obras "Desocupados" y
"Manifestación".
No sólo la Argentina está en crisis. La desocupación, la pobreza, el comienzo del nazismo y fascismo, la Guerra
Civil Española, espantan a Berni.
El retrato es una de las formas más importantes del realismo humanista, en Berni predomina el retrato humano, tanto
en la década de 1930 como en la de 1940.
"Figura" fue primer premio del XXX Salón Nacional (Buenos Aires, 1940) y "Lily", el Gran Premio Adquisición
XXXIII Salón Nacional (Buenos Aires, 1943). Esto significó obtener el máximo galardón de entonces.
También pintó "La mujer del sweater rojo" en 1935, "La muchacha del libro" de 1936, "Nancy" 1941, "La chica del
balón" de 1934, "La niña de la guitarra" de 1938 y "Figura de chico" de 1941. Además hizo autorretratos, uno en
1934, otro en 1938 y el último en 1945. En "Paula y Lily" de 1941, pinta a su esposa de entonces y a su hija.
En "Retrato" de 1946 muestra dos chicos de clase media acomodada, antítesis de sus personajes posteriores, Juanito
y Ramona.
En 1937 presentó "Club Atlético Nueva Chicago" y en 1954 "Team de fútbol o Campeones de barrio".
Respecto al tango, pintará "Orquesta típica" en 1939, para recrearla en 1974 y 1975.
Otros aspectos tienen que ver con la vida cotidiana, como por ejemplo en "Primeros pasos" de 1937.
Berni inicia sus representaciones en Argentina de lo que será típico de la década de 1950: "La siesta" y "La fogata de
San Juan".
Antonio Berni 7
Berni de exquisita sensibilidad, observará y reflejará en su pintura esa realidad. En 1944 apareció la revista Arturo,
que desatará un gran cambio, ya que introdujo definitivamente el arte geométrico adelantado por Emilio Pettoruti.
Berni también manifestó su dasagrado por la situación de 1945. Con un grupo de artistas decidió exponer sus
pinturas en el subsuelo del edificio de la Sociedad Rural, en Florida al 400. En el catálogo explicaban que las obras
estaban destinadas al XXXV Salón Nacional pero que había decidido hacer una muestra al margen del Salón en
adhesión a los anhelos democráticos del los intelectuales del país.
Berni mientras tanto pintará "Masacre" (1948) y "El obrero muerto" (1949). En 1951 hizo otra "Manifestación":
mujeres y niños llevan un lienzo blanco en el que está dibujada la paloma de la paz, con un ramo de olivo en el pico.
Ese año es el del primer ensayo de la bomba de hidrógeno, por parte de Estados Unidos, en el Pacífico. Todo esto
influye en el ánimo de Berni. Por otra parte todavía estaban en él los ecos de la 2º Guerra Mundial.
Durante 1951, 1952 y 1953 Berni se fue a Santiago del Estero donde realizó la serie "Motivos santiagueños".
Santiago del Estero sufrió la tala indiscriminada de sus bosques. Ya por 1942, 20 firmas obrajeras eran dueñas de
1.500.000 ha. Pero la situación venía desde muchos años atrás, ya que la madera como la del Chaco sirvió para los
durmientes de las vías del ferrocarril y como combustible vegetal, también para los ferrocarriles. La depredación
ecológica existió, pero también, la social. Los beneficios obtenidos por los empresarios no volvieron a los
trabajadores. La tierra, poco a poco se agotó y también el hombre.
Esta realidad la palpó Berni y, como lo hizo siempre, la expresó a través de su pintura. Así aparecerán "Los
hacheros" (1953), "La marcha de los cosecheros", "La comida", "Escuelita rural" (1956); "Migración", "Salida de
la escuela", "El mendigo", "Hombre junto a un matrero" y "El almuerzo".
En el período 1955-1956, hará la serie "Chaco". Estas pinturas las expondrá en París, Berlín, Varsovia y Bucarest.
Aragón inclusive lo presentó en Moscú en la Galería Creuze, en 1955. También realizó multiples exposiciones en el
país, tanto individuales como colectivas. Expuso con otros grandes pintores contemporaneos a este periódo, Pedroni,
Santieri, Giovanni Bressanini, Mónaco, Luis Videla, Cerrito, Borgarello, Robirosa, Alonso etc.
Por entonces Berni pintó algunos paisajes del suburbano: "Villa Piolín", "La casa del sastre" (1957); "La iglesia",
"El tanque blanco", "La calle", "La res" "Carnicería" (1958), "La luna y su eco" (1960) y "Mañana helada en el
páramo desierto". También de esa época son "Negro y blanco" (1958); "Utensilios de cocina sobre un muro celeste"
(1958) y "El caballito" (1956).
Mientras el mundo sufría la guerra de Corea en 1953, la invasión a Hungría por parte de la Unión Soviética en 1954
y en Argentina caía Perón, el mundo interior de Berni se componía de nuevas imágenes. A su vuelta de Santiago del
Antonio Berni 8
Estero comenzó a hurgar hasta que en 1958 surgió claramente su nuevo personaje, Juanito Laguna, y poco tiempo
después aparecerá también, Ramona Montiel. La historia de estos dos seres lo envolverán por tiempo y con ellos
trascenderá mucho más. Tanto los "Juanitos" como las "Ramonas" se cotizaron en el mercado exterior a precios
incalculables.
En 1976 Berni se va a Nueva York. Allí pintó, hizo grabados, collage, y presentó en la Galería Bonino una muestra
titulada "La magia de la vida cotidiana". Durante su estadía en esa ciudad hizo 58 obras que quedaron en la Galería
para una muestra en Texas que nunca se realizó. En 1982, después de su muerte, llegaron a Buenos Aires.
En esa época también pintó tres óleos referidos a Juanito y a Ramona, "Juanito en la calle", "Juanito Laguna going
to the factory", "El sueño de Ramona".
Preocupado por el mundo que lo rodeaba, en Nueva York quiso conocer a su gente, saber de sus costumbres, de sus
posibles necesidades. Así fue como salió a la calle, observó y pintó. Entonces conoció una sociedad opulenta,
consumista, donde la publicidad es la mejor vendedora, donde él siente que hay riqueza material y pobreza espiritual,
muy distante de la de Juanito, o de la de Santiago del Estero. Entonces decidió hacer un arte social con ironía.
De esta época es "Aeropuerto", "Los hippies", "Calles de Nueva York", "Almuerzo", "Chelsea Hotel" y "Promesa de
castidad".
Entre abril y mayo de 1981 Berni tocó el tema del Apocalipsis al exhibir los murales realizados para la capilla del
Instituto de San Luis Gonzaga en General Las Heras.
También ese año da testimonio del gran tema de su vida: "el destino del hombre". "Cristo en el garage" es un
hombre común, que ocupa el centro del espacio. En el techo hay una claraboya por donde se ve el cielo, a la derecha
una ventana abierta permite ver el paisaje de las fábricas y al otro lado se observa la motocicleta. Berni posiblemente
quiso alegar a las torturas y las matanzas del mundo.
Por otra parte, en 1981, año de su muerte, Berni pintó una mujer desnuda en la arena, contemplando el cielo de una
noche de luna. Es la mujer y la naturaleza, tal cual los creó Dios. Sólo que un avión, objeto del hombre, pasa por el
lugar para invadir el momento de paz y de armonía.
Estos fueron sus últimos óleos, ya que el 13 de octubre de 1981, Antonio Berni dejaba este mundo.
Unos días antes de su muerte, Berni en una entrevista decía: "El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es
emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer
concesiones. En cuanto a la pintura es una forma de amor, de transmitir los años en arte."
Antonio Berni 9
Rosario (Argentina)
Escudo
La ciudad de Rosario está ubicada en el centro-este de Argentina, en la provincia de Santa Fe y es la tercera ciudad
más poblada del país, después de Buenos Aires y Córdoba.
Está situada sobre la margen occidental del río Paraná, en la Hidrovía Paraná - Paraguay. Sobre dicho río está
enclavado un puerto de 140 ha que maneja tanto cargas generales como graneles.[3]
Según la página oficial de la municipalidad de Rosario (www.rosario.gob.ar) a 2010 cuenta con 1.028.658 habitantes
(DGE Municipalidad de Rosario).[4] Junto a varias localidades de la zona conforma el área metropolitana del Gran
Rosario que es el tercer conglomerado urbano del país, compuesto por barrios [5] de diferentes características.
Urbe cosmopolita, es el núcleo de una región de gran importancia económica, encontrándose en una posición
geográficamente estratégica con relación al Mercosur, gracias al tránsito fluvial y con respecto al transporte. Cerca
del 80% de la producción del país de cereales, aceites y sus derivados se exporta por los puertos del Gran Rosario.[6]
[7]
Es la principal metrópoli de una de las zonas agrarias más productivas de Argentina y es centro comercial, de
servicios y de una industria diversificada.
Foco educativo, cultural, y deportivo, cuenta además con importantes museos y bibliotecas, y su infraestructura
turística incluye circuitos arquitectónicos, paseos, bulevares y parques. El "Colegio Rosario" [8] es una de las
instituciones más destacadas de la ciudad por ser una escuela de experimentación e investigación didáctica que
ofrece enseñanza en todos los Niveles del sistema escolar: Nivel Inicial, Nivel Primario, Nivel Secundario y
Profesorado para la Formación Docente.
La ciudad de Rosario es conocida como la Cuna de la Bandera Argentina, siendo su edificación más conocida el
Monumento a la Bandera. Además, desde finales del siglo XIX fue denominada informalmente como la «Chicago
argentina».[9] [10]
Influencias
Ideológicas
12
Partido Comunista
Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la versión actual de este artículo o
sección.
En la página de discusión puedes consultar el debate al respecto.
El primer partido en adoptar este nombre fue la facción bolchevique del Partido Obrero Socialdemócrata Ruso
(POSDR) que en marzo de 1918 (VII Congreso Extraordinario) pasó a llamarse Partido Comunista Ruso
(bolchevique) ("VKP(b)") para diferenciarse de los mencheviques y otras facciones del POSDR.
En su libros ¿Qué Hacer? y Un paso adelante, dos pasos atrás, Lenin fundamentó las tareas y el modelo del partido
comunista. Según él, el partido es el destacamento de vanguardia de la clase obrera y sus principales funciones son
incorporar al movimiento obrero el conocimiento político marxista y dirigir la lucha anti-capitalista en todos sus
aspectos. Una de las características esenciales del partido de vanguardia leninista, es que está conformado por un
reducido grupo de revolucionarios profesionales que representan los sectores más avanzados de la clase obrera y de
la intelectualidad.
Artísticas
Vanguardismo 14
Vanguardismo
El término vanguardismo (del francés avant-garde, término del léxico militar que designa a la parte más adelantada
del ejército, la que confrontaría la «primera línea» de avanzada en exploración y combate) se utilizó posteriormente
para denominar, en el terreno artístico, las llamadas vanguardias históricas, una serie de movimientos artísticos de
principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción artística; se destacaban por la renovación radical
en la forma y el contenido; exploraban la relación entre arte y vida, y buscaban reinventar el arte confrontando
movimientos artísticos anteriores. También es común utilizar, en la comunidad hispanohablante, el propio término
avant-garde para referirse a esas escuelas artísticas en particular o a cualquier otra escuela o tendencia similar.
Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las
transformaciones y el progreso científico y tecnológico (la aparición El vuelo de los hermanos Wright.
del automóvil y del avión, el cinematógrafo, el gramófono, etc.). El
principal valor fue, pues, el de la modernidad (o sustitución de lo viejo y caduco por lo nuevo, original y mediado
tecnológicamente).
Vanguardismo 15
Por su parte, en el ámbito literario era precisa una profunda renovación. De esta voluntad de ruptura con lo anterior,
de lucha contra el sentimentalismo, de la exaltación del inconsciente, de lo racional, de la libertad, de la pasión y del
individualismo nacerían las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX.
Europa vivía, al momento de surgir las vanguardias artísticas, una profunda crisis.
Crisis que desencadenó la Primera Guerra Mundial, y luego, en la evidencia de los
límites del sistema capitalista. Si bien «hasta 1914 los socialistas son los únicos que
hablan del hundimiento del capitalismo», como señala Arnold Hauser, también otros
sectores habían percibido desde antes los límites de un modelo de vida que
privilegiaba el dinero, la producción y los valores de cambio frente al individuo.
Muchos artistas de este período Así se dieron los primeros pasos de la vanguardia, aunque el momento de explosión
participaron en la Primera definitiva coincidió, lógicamente, con la Primera Guerra Mundial, con la conciencia
Guerra Mundial. del absurdo sacrificio que ésta significaba, y con la promesa de una vida diferente
alentada por el triunfo de la revolución socialista en Rusia.
En 1916, en Zúrich (territorio neutral durante la guerra), Hugo Ball, poeta alemán, decidió fundar el Cabaret
Voltaire. Esta acta de fundación del dadaísmo, explosión nihilista, proponía el rechazo total:
El sistema DD os hará libres, romped todo. Sois los amos de todo lo que rompáis. Las leyes, las morales, las estéticas
se han hecho para que respetéis las cosas frágiles. Lo que es frágil está destinado a ser roto. Probad vuestra fuerza
una sola vez: os desafío a que después no continuéis. Lo que no rompáis os romperá, será vuestro amo.
Louis Aragón, poeta francés.
Ese deseo de destrucción de todo lo establecido llevó a los dadaístas, para ser coherentes, a rechazarse a sí mismos:
la propia destrucción.
Algunos de los partidarios de Dadá, encabezados por André Breton, pensaron
que las circunstancias exigían no sólo la anarquía y la destrucción, sino también
la propuesta; es así como se apartaron de Tzara (lo que dio punto final al
movimiento dadaísta) e iniciaron la aventura surrealista.
La furia Dadá había sido el paso primero e indispensable, pero había llegado a
sus límites. Breton y los surrealistas (es decir: superrealistas) unieron la
sentencia de Arthur Rimbaud (que, junto con Charles Baudelaire, el Conde de
Lautréamont, Alfred Jarry, Vincent van Gogh y otros artistas del siglo XIX,
sería reconocido por los surrealistas como uno de sus «padres»): «Hay que
Muchos autores vanguardistas ven en
cambiar la vida» se unió a la sentencia de Carlos Marx: «Hay que transformar
el poeta Arthur Rimbaud a un padre
intelectual.
el mundo».
Vanguardismo 16
• Reaccionaba contra el modernismo y contra los imitadores de los maestros de esta corriente; una conciencia social
los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su destino.
• Nuevos temas, lenguaje poético, revolución formal, desaparición de la anécdota, proposición de temas como el
antipatriotismo.
• El punto de vista del narrador comenzaba a ser múltiple.
• Un vínculo estrecho entre el ambiente y los gustos del personaje.
• Comenzaba a profundizarse en el mundo interior de los personajes, presentados a través de sus más escondidos
estados del alma.
• No era el tiempo cronológico el que tenía importancia, sino el tiempo anímico, y comenzó a tomarse en cuenta el
aspecto presentacional, pues se limitaba a sugerir para que el lector complete; el autor comenzó a exigir presencia
de un lector atento que fuese desentrañando los hechos presentados y fuese armando inteligentemente las piezas
de la novela de nuestro tiempo.
Impresionismo 18
Impresionismo
Aunque el término Impresionismo se aplica
en diferentes artes como la música y la
literatura, su vertiente más conocida, y
aquélla que fue la precursora, es la pintura
impresionista. El movimiento plástico
impresionista se desarrolló a partir de la
segunda mitad del siglo XIX en Europa
—principalmente en Francia—
caracterizado, a grandes rasgos, por el
intento de plasmar la luz (la «impresión»
visual) y el instante, sin reparar en la
identidad de aquello que la proyectaba. Es
decir, si sus antecesores pintaban formas
con identidad, los impresionistas pintarán el
momento de luz, más allá de las formas que Claude Monet, Impresión: soleil levant, 1872–1873 (París, Museo Marmottan
subyacen bajo éste. El movimiento fue Monet). Cuadro al que debe su nombre el movimiento.
bautizado por la crítica como Impresionismo
con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la
pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y
las vanguardias.
Colores puros
La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones
científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos
con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura,
generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y
saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con
productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados,
los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo
color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores
complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo
contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de
estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores
fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del
mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas,
resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica
clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser
más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir Claude Monet, Catedral de Ruán. En la entrada
principal de la catedral distinguimos azul
creando ilusión de sombra y profundidad. Asimismo enriquecieron el
ultramar y violeta para las sombras (colores más
lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando saturados que la parte superior, más iluminada) al
únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para igual que naranja dentro de la misma zona de
definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen sombra para definir los reflejos en la oscuridad.
Pincelada gestáltica
Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores
impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la
Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más
adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes
inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas
de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas
aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en
conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la
unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue
llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como
Claude Monet, Parlamento de Londres. puntillistas como Seurat o Signac.
Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a
una visión unitaria de atmósfera y gradación de
cálidos a fríos.
Impresionismo 20
Surrealismo
El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre,
por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo
es un movimiento artístico y literario surgido en
Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años
1920, en torno a la personalidad del poeta André
Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras
automáticas, sin correcciones racionales, utilizando
imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca
seguían un razonamiento lógico.
La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para
referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece.
Técnicas surrealistas
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos.
Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los
poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas
contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas
dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel
doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de
composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de
la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin
rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática
consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la
lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción
del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y
engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el
punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos
procedimientos expresivos.
Surrealismo 22
La pintura surrealista
Masson adoptó enseguida las técnicas del
automatismo, hacia 1923-1924, poco
después de conocer a Breton. Hacia 1929 las
abandonó para volver a un estilo cubista.
Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de
imágenes tomadas de los sueños, según
Breton, «...abusando de ellas y poniendo en
peligro la credibilidad del surrealismo...»;
inventó lo que él mismo llamó método
paranoico-crítico, una mezcla entre la
técnica de observación de Leonardo da
Vinci por medio de la cual observando una
pared se podía ver como surgían formas y Salvador Dalí junto a Man Ray.
técnicas de frottage; fruto de esta técnica
son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía
(aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión,
luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage,
los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la
distribución de arena sobre el lienzo encolado.[1]
Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve
entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el
automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas
biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma
obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se
trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su
significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul
Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio
de Chirico.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se
alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de
«...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que
Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de
aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con
la de Henry Moore y en la poesía y el teatro con la de Fernando Arrabal.
Otros movimientos pictóricos nacieron del surrealismo, o lo prefiguran, como por ejemplo el Art brut.
Cubismo 23
Cubismo
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado
entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por
Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una
tendencia esencial pues da pie al resto de las
vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un
ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura
tradicional.
Características
«Cuando hacíamos Cubismo, no teníamos ninguna
intención de hacer Cubismo sino únicamente de
expresar lo que teníamos dentro».
Picasso, el iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912, óleo
Pablo Picasso.[1] sobre lienzo, 93,4 x 74,3 cm, Instituto de Arte de Chicago..
Cubismo 24
Historia
El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los
españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente
se inicia con el cuadro "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon). Como elemento precursor del cubismo
destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul
Cézanne (1907).
El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las
circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el
arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola
a sus formas esenciales,[2] intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera
nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a
Cubismo 25
estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver
ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las
tendencias impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la
luz.
Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del
europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las
formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de
representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente
excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas con la obra picassiana.
Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de
manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como
aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos
dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos
hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el
psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y
la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba
la geometría euclidiana.
que el mundo actual es esencialmente dinámico. Guido Severini, a quien se considera el más cubista dentro del
futurismo, lo criticó en Del Cubismo al Clasicismo (1921), aunque con el tiempo (1960) reconoció que debía al
cubismo gran parte de su técnica. Algunos cubistas fueron sensibles a esta crítica y crearon obras influidas por el
futurismo, como hizo Marcel Duchamp con su primera versión de Desnudo bajando una escalera (1911, Museo de
Arte de Filadelfia, col. Arensberg). Por otro lado, aunque en su época no resultaba fácil deslindar el cubismo de la
abstracción, hoy resulta evidente que siguen sujetos a una representación figurativa de las cosas reales. Se seguían
representando sillas, botellas o figuras humanas, aunque las descompusieran en planos y volúmenes geométricos. No
se apartaban de representar la realidad, sino que querían representarla en el cuadro con un nuevo lenguaje.
El camino trazado por Picasso y Braque pronto fue seguido por los pintores Juan Gris (José Victoriano González) y
Louis Marcoussis, el primero influido por Picasso, el segundo por Braque. Gris, tercer gran nombre del cubismo.
Este madrileño malvivía en París dibujando para revistas y periódicos. A partir de 1911 se interesó por el problema
de la luz sobre los objetos, creando cuadros con iluminación naturalista, en los que los rayos luminosos oblicuos y
paralelos entre sí inciden sobre formas rígidas, como puede verse en su Retrato de Picasso de 1912. Él mismo dijo
haber adoptado el cubismo «analítico», multiplicando los puntos de vista y usando colores vivos. Para el año 1912,
Braque y Picasso ya habían realizado collages, y Gris comenzó a introducir en sus obras diversos materiales como la
madera o la tapicería, bien imitándolos, bien pegándolos (El lavabo, 1912).
Braque, por su parte, influyó en el polaco Marcoussis (Ludwig Markus). Más ortodoxo y menos original que Gris,
creó una obra con colores intensos y cercana a veces al futurismo. Comenzó en 1912 a trabajar el cubismo analítico,
con obras como Naturaleza muerta con damero (1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges
Pompidou).
María Blanchard nunca llegó a la total descomposición de la forma pero dejó su fanufactura en forma de ricos
colores. Su famosa "Mujer con abanico" (1916, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía),"Naturaleza muerta"
(1917, Fundación telefónica) o "Mujer con guitarra" (1917, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) son
ejemplos del intenso estudio que realiza sobre la anatomía de las cosas, como señaló Ramón Gómez de la Serna y del
peso del color en su pintura. Tras esta etapa regresa a las técnicas figurativas donde queda impresa la influencia de
las vanguardias.
La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo. Muchos de los pintores cubistas, al ser
franceses, fueron llamados a la lucha (Braque, Léger, Metzinger, Gleizes, Villon y Lhote). En la posguerra, sólo Juan
Gris siguió trabajando el cubismo más o menos ortodoxo, aunque en un estilo más austero y simple, en el que los
objetos quedaron reducidos a su esencia geométrica. Marcoussis creó una obra más poética. Braque siguió
trabajando en la misma línea del cubismo sintético, con papel encolado. Nuevos pintores adoptaron un lenguaje
cubista, como María Blanchard. Pero la mayoría de los pintores hasta entonces cubistas, empezando por el propio
Picasso, fueron adoptando nuevas tendencias, como ocurre con Duchamp y Picabia, que crearon el dadaísmo o
Mondrian que se adhirió a la abstracción. El cubismo, como movimiento pictórico, se puede dar por terminado hacia
1919.
Realismo pictórico 28
Realismo pictórico
El Realismo pictórico, es un movimiento que intenta plasmar
objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la
creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura.
En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la
máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo
XIX.
tiene que ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores realistas defienden una pintura sin
argumento, una captación simple de la realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen
y el sonido, y no su desarrollo narrativo.
Características
Su característica principal es la reflexión sobre la realidad, sin idealizar ni la sociedad, ni la naturaleza, ni el pasado,
como lo había hecho la corriente del Romanticismo.
También se caracteriza porque los artistas dejaron a un lado los temas sobrenaturales y mágicos y se centraron en
temas más corrientes. Los principales sujetos pictóricos fueron los de la vida cotidiana. Los cambios fundamentales
que hacen que se pase del romanticismo al realismo son:
• La definitiva implantación de la burguesía olvidándose de la causa de 1789, ya que prefieren saborear los placeres
de la vida.
• La conciencia en los artistas de los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo para niños y
mujeres, jornadas laborales interminables...
• Desencanto con los estímulos revolucionarios de 1848, que llevan al artista a olvidarse del tema político y a
centrarse en el tema social.
Pintura Realista
En las décadas centrales del S. XIX, el Romanticismo y su idealización de la historia, de la sociedad y sobre todo de
la naturaleza, cuyo tratamiento era un motivo de evasión, deja paso a una corriente que se interesa por la realidad.
El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que
el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. La industrialización determinó la desaparición
del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Con ello, las
condiciones de vida económica y social sufren una alteración profundísima, que se refleja en las ideologías. Los
artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios
excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar estas lacras.
Mientras Augusto Comte elaboraba la filosofía del Positivismo, quien estima que la única fuente de conocimiento es
la observación y la experiencia, tenían lugar una serie de descubrimientos científicos que fomentaron la formulación
de una doctrina optimista, la del progreso social. En vez de soñar con la mejoría de la vida, hay que especular
partiendo de la realidad. El hombre es representado en sus tareas normales y el tema de la fatiga se convierte en
motivo de inspiración.
Nuevo realismo 30
Nuevo realismo
Nuevo realismo (en francés, Nouveau Réalisme y en inglés New Realism) es un movimiento artístico fundado en
1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein durante la primera exposición colectiva en la galería
Apollinaire de Milán. El Nuevo Realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de
la vanguardia de los años sesenta del siglo XX.
Historia
Pierre Restany escribió el Primer manifiesto del nuevo realismo en abril de 1960. Esta declaración conjunta
proclamó un «nuevo enfoque perceptivo de lo real»; fue firmada el 27 de octubre de 1960, en el taller de Yves Klein,
por nueve personas: Yves Klein, Arman, Francois Dufrêne, Raymond Hains, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel
Spoerri, Jean Tinguely y Jacques de la Villeglé. El término «Nuevo Realismo» fue usado por vez primera en mayo de
1960 por Pierre Restany, para describir las obras de Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Yves Klein, Jean
Tinguely y Jacques Villeglé, expuestas en Milán. Lo habían discutido antes con Klein, quien prefería la expresión
réalisme d'aujourd'hui («realismo de hoy») y criticó el término «Nuevo». En 1961 se les unió César, Mimmo Rotella,
después Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps. El artista Christo se unió al grupo en 1963.
Son contemporáneos del Pop Art estadounidense, y a menudo son vistos como su trasposición a Francia, por su uso y
su crítica de los objetos comerciales producidos en masa, como los carteles cinematográficos rasgados de Villeglé, o
las colecciones de basura y escombros de Arman. No obstante, el Nuevo Realismo mantuvo una relación más
cercana con el dadaísmo que con el Pop Art. De hecho, su segundo manifiesto, escrito entre el 17 de mayo y el 10 de
junio de 1961, se tituló 40° au-dessus de Dada (40º por encima de Dadá). Klein, sin embargo, tomó cierta distancia
en fecha tan temprana como 1961, rechazando la herencia dadaísta. Se disolvió en 1970.
La primera exposición de los «Nouveaux réalistes» tuvo lugar en noviembre de 1960 en el festival de Vanguardia de
París. Esta exposición fue seguida por otras: en mayo de 1961 en la Galería J.; en Nueva York en 1962 y en la Bienal
de San Marino en 1963 (que sería la última muestra colectiva del grupo). El movimiento tuvo dificultades a la hora
de mantener un programa cohesivo después de la muerte de Yves Klein.
Fuera de Francia, cabe citar a pintores estadounidenses y británicos como Lucian Freud, Alex Katz, Alfred Leslie y
Alice Neel. Su movimiento se denominó New realism, y presentan algunas diferencias con sus homólogos franceses.
Así, aunque abordan temas de la vida cotidiana, suelen practicar un arte realista que recuerda a la Nueva objetividad.
Análisis crítico
Los artistas recuperan los objetos de la sociedad para hacer reliquias, símbolos potentes del consumo. Un ejemplo
son las compresiones de César, que ponen en escena automóviles, siendo el objetivo transformar un objeto de culto
de nuestra sociedad y hacer algo distinto, a través de sus formas geométricas.
Se constata también la desaparición del material noble, los nuevos realistas ya no utilizan bronce o piedra, sino chapa
o cemento, materiales industriales. «La escuela nizarda ha venido a enseñarnos la belleza de lo cotidiano. Hacer del
consumidor a un productor de arte. Una vez que un ser se integra en esta visión, ser vuelve muy rico, para siempre.
Estos artistas quieren apropiarse el mundo para dárselo. A ustedes les corresponde acogerlos o rechazarlos».[2]
Las «Actions-spectacles»
Las «Actions-spectacles» (Acciones-espectáculo) son lo que más tarde se llamarán performances donde la obra de
arte se construye (o se destruye) delante del público. Uno de los ejemplos más conocidos son las anthropométries
(«antropometrías» o «mujeres pincel») de Yves Klein, en las que el pintor cubría de azul ultramar a una serie de
mujeres jóvenes desnudas que ruedan sobre una tela blanca, dejando el rastro visual de sus movimientos. Este azul es
el color azul intenso patentado por Klein como el International Klein Blue o Azul Klein Internacional (IKB, =PB29,
=CI 77007).
Muralismo 32
Muralismo
El muralismo es un movimiento artístico mexicano de
principios del siglo XX que se distingue por tener un
fin educativo, el cual se consideró esencial para poder
lograr unificar a México después de la revolución. Gran
parte de estos artistas, debido al contexto que se vivía
en la post-revolución, tuvieron una gran influencia de
las ideas marxistas por eso, a través de los murales se
proyectó, la situación social y política del México
post-revolucionario.
Artistas y obras
Pintado por Diego Rivera poco antes de morir, el segundo piso del Palacio Nacional se «dividió» en varios
segmentos que representarían la historia del país más a fondo pero quedaron inconclusos. Se puede ver el progreso
del trabajo del pintor, el cual solo pudo terminar los murales referentes al México prehispánico.
Mural Presencia de América Latina, ubicado la Casa del Arte de la Universidad de Concepción, en Chile.
Algunas técnicas usadas
36
Grabado
El grabado es una técnica de impresión que consiste en dibujar una
imagen sobre una superficie rígida llamada matriz, dejando una huella
que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie
como papel o tela, obteniendo varias reproducciones de la estampa.
La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas de
cobre o aluminio, aunque también se usan otros materiales como
madera, piedra o incluso placas acrílicas, y en ella se realiza el dibujo
generalmente a base de líneas que se realizan en la superficie de la
plancha con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos
químicos.
Etimología
La palabra "grabar", que significa trazar en una materia, marcas,
letras o signos con una pieza incisiva, está documentada en castellano
Xilografía, Alemania, 1568.
desde el siglo XVI; procede del francés "graver", con el mismo
significado, y este probablemente del fráncico *GRABAN, de donde
procedería el alemán "graben", hoy en desuso, que significaba cavar.
Técnicas de grabado
Las técnicas relacionadas con la obtención de múltiples copias de la misma imagen suelen clasificarse según los
materiales y medios empleados para la consecución de la imagen. En general, suelen dividirse en tres grandes
grupos, según la forma en que el artista trabaja sobre la matriz para preparar el dibujo que se imprimirá
posteriormente:
Grabados en relieve
La imagen se consigue retirando material de la plancha o matriz con distintas herramientas, de modo que la parte que
queda en el plano superior se corresponde con el dibujo. Se entintará por tanto la forma en relieve y quedarán en
blanco los huecos.
Grabado 37
Xilografía
Linografía
Se trata de una variante moderna de la xilografía, en la que se emplea el linóleo como matriz. El procedimento para
obtener la imagen es idéntico al del grabado en madera, incidiendo sobre el linóleo con gubias, de manera que las
partes vaciadas quedarán en blanco y las zonas en relieve serán las que reciban la aplicación de la tinta. Al ser un
material blando, el linóleo no presenta las dificultades de la veta de la madera, pero tampoco permite la finura del
trazo que se puede lograr en la xilografía a contrafibra.
Grabados en hueco
La imagen se consigue arañando una matriz metálica, por medios mecánicos o químicos, de modo que las partes
oscuras de la imagen correspondan a las incisiones, donde se depositará la tinta, quedando en blanco las partes del
papel que queden en contacto con las zonas no vaciadas, i.e., exactamente al contrario de lo que sucede con los
grabados en relieve. Los procedimeientos en hueco se clasifican, a su vez, en procedimeientos de método directo, si
el grabador interviene sobre la plancha realizando incisiones para trazar la imagen, o de método indirecto, si la huella
sobre la plancha se logra utilizando productos químicos.
Al buril
Es la técnica en la que se construye el dibujo excavando líneas sobre una matriz de metal ayudándose
exclusivamente con el buril, que es una herramienta compuesta de un mango en cuyo extremo se ha sujetado una
barra de acero de sección cuadrada, a la que se le ha tallado oblicuamente la punta, de modo que deja una marca en
forma de "V". El buril recuerda en su forma a un arado, y el grabador lo utiliza de una manera semejante; haciendo
surcos sobre la plancha, de manera que cuanto mayor es la presión que ejerce, más profunda resulta la incisión
realizada, lo que provocará que se aloje en ella una mayor cantidad de tinta.
Grabado 38
A ambos lados de los surcos se levantan limaduras metálicas, que se aplastan con rascador y bruñidor. El grabado a
buril es la técnica más artística y difícil para plasmar un dibujo, enlace o letra; está relacionado con la joyería por ser
una gran fuente de grabados. Se graba principalmente sobre plata y oro, por ser materiales más blandos, También se
puede grabar materiales más duros incluso en el acero.
Punta seca
Esta técnica toma su nombre de la herramienta utilizada, un punzón fino y afilado que se emplea arañando una
plancha de cobre con mayor o menor presión en función de la intensidad de línea que se desea. La punta de este
instrumento puede ser de acero, diamante o rubí, tiene forma de aguja y con ella se trabaja a pulso, como si se tratase
de un lápiz, siendo las líneas producidas más finas que las del buril. Igual que con el procedimeiento anterior, a
ambos lados de la línea quedan limaduras o rebabas, que pueden quitarse con el rascador; sin embargo, a menudo se
dejan, de modo que la impresión aparece ligeramente difuminada, dejando en las estampas un característico velo.
Debido a la de la rebaba, que acaba aplastándose con la prensa, es difícil realizar ediciones largas.
Mezzo-tinta
El nombre viene del italiano "Mezzo-tinta", y también se llama "grabado a la manera negra". Consiste en conseguir
un tono oscuro y uniforme en la totalidad de la plancha, que se va matizando hasta conseguir el blanco, mediante un
proceso de bruñido de la superficie. La plancha se prepara utilizando la herramienta llamada berceau (o raedor) y se
consiguen los blancos sobre el negro utilizando el "bruñidor". También se puede conseguir el negro utilizando
repetidamente la técnica del aguatinta sobre la plancha hasta conseguir un tono negro profundo. Esta técnica es
llamada frecuentemente "Falsa Manera Negra".
Aguafuerte
Es el proceso según el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto de Betún de Judea y Cera de
abeja que se puede aplicar en estado líquido o sólido, y que se deja secar. Cuando está seco, se levanta con un
punzón u otro utensilio capaz de retirar el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realizar, y dejando la superficie
de la plancha al aire. Una vez levantado el barniz con la forma del dibujo, se introduce la plancha de metal en una
solución de agua y ácido, que actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y haciendo
un agujero en la superficie de la plancha, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actúe el ácido, y la
concentración de la solución empleada sea mayor.
Aguatinta
Esta técnica es empleada generalmente en combinación con otras y se utiliza para conseguir tonos planos y texturas,
el proceso es similar al del aguafuerte. La plancha se protege espolvoreando sobre su superficie polvo muy fino, de
resina de colofonia. A continuación se calienta la plancha hasta que el polvo de colofonia se cristaliza y se queda
adherido a la superficie de la matriz. La plancha así preparada se introduce en la solución de ácido, que excava
alrededor de los granos de resina. Al igual que en la técnica del aguafuerte, mayores concentraciones de ácido y
mayores tiempos de exposición al mismo, significan que más cantidad de tinta se alojará en el grabado.
Barniz blando
Está técnica consiste en emplear un barniz que al secar mantiene una textura pegajosa y que se cubre con un papel
muy fino, de los denominados "de seda", sobre el que se dibuja apretando con un lápiz de grafito. Con esto se
consigue que el papel de seda se quede especialmente pegado al barniz en las zonas donde se ha dibujado sobre él, de
manera que cuando se ha terminado de dibujar, se retira el papel, y pegado a él el barniz de las zonas donde se ha
Grabado 39
dibujado, quedando la plancha sin protección. A continuación se introduce la plancha en el ácido, consiguiéndose el
grabado sobre la superficie de la plancha. Esta técnica se emplea básicamente para imitar la textura del lápiz.
Grabado en plano
La huella se marca sobre la matriz sin añadir ni quitar materia, i. e., sin darle relieve, sino que sobre las mismas se
dibuja con pinturas diversas.
Litografía
Técnica empleada para conseguir la reproducción de una imagen, en la que la matriz es una piedra caliza. En esta
técnica no se graba la piedra, sino que se emplea la característica que tiene cierta variedad de caliza para reaccionar
químicamente ante la presencia de las grasas. La imagen se realiza sobre la piedra dibujando con un lápiz graso que
recibe el nombre de "lápiz litográfico". Una vez realizado el dibujo se procesa la piedra con una solución de ácido y
goma arábiga, consiguiendo que el dibujo quede fijado a la piedra y estable.
Monotipia
Se trata de un procedimiento de impresión que no permite varias reproducciones, sino una obra única, aunque puede
considerarse un técnida de grabado porque utiliza como base una plancha con la que, al igual que sucede con la
litografía, se trabaja sobre plano. La plancha debe ser una superficie lisa y no absorbente, generalmente porcelana,
cobre pulido o cristal. El dibujo se hace con óleo, acuarela o tinta, y sobre él se coloca el papel, presionando después
con la prensa de grabado para obtener una imagen invertida.
Véase también
• Grabadores
• Novela en imágenes
Collage 41
Collage
El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos
diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la
pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra
manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el
videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.
En pintura, un «collage» se puede componer enteramente o solo en
parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso
cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el
collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla,
está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero
había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como
1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su
citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero el segundo
realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al
incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba Colaje de Juan Gris.
madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912). En aquel
momento, los dos artistas se habían instalado en Sorgues, si bien
Picasso se encontraba de viaje en París cuando Braque compró el papel
y realizó estas obras. A su vuelta Picaso se entusiasmó con el
descubrimiento de su amigo y los dos se lanzaron a introducir en sus
pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos,
y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la
potencia del hallazgo y lo empleó también. El Futurismo lo adaptó
también sin problemas -hay ejemplos de Carlo Carrà y Giacomo Balla-
y los dadaístas multiplicaron sus posibilidades expresivas y
conceptuales de la mano de Hans Arp, Marcel Duchamp, Hanna Hoch,
Kurt Schwitters o George Grosz. De hecho, los dadaístas berlineses,
que reivindicaban para sí mismos la denominación de «montadores»
frente a la épica del «artista», se consideran los inventores del
fotomontaje, una técnica realizada a partir de la fotografía en
combinación o no con la tipografía impresa, en la que los
vanguardistas rusos, como El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko o
Solomon Telingater, fueron auténticos maestros.
Rosario (Argentina) Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=46779788 Contribuyentes: 'Ville.09, .José, A ver, AbrahamBenyosef, Addicted04, Adrianeloy, Aguslepra, Agustin 337,
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Wallyarg, Walterfreak, Walterkipedia, Wednom, WinshMasterS, Xexito, Yaguareté81, ZeneizeForesto, Zubieta, 861 ediciones anónimas
Partido Comunista Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=46674515 Contribuyentes: Banfield, Dante Soulcialista, Dferg, Dodo, Epozokatrib, Heliocrono, Hipocresia, Javierito92,
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