Centro Cultural ALBERTO OLMEDO y

Centro Cultural COLEGIALES

Taller de
HISTORIA del ARTE
de los centros culturales
Alberto Olmedo
y Colegiales

DOSSIER Nro. 3 Profesora Adriana Gaspar

¿Existe un arte POST CRISIS 2001?
Por Prof. Adriana Gaspar

E sta es una pregunta para reflexionar sobre

el arte argentino hoy.
Una estética velada por la crisis política,
social y económica, apareció nuevamente en
escena y ésto se reflejó no sólo en los
materiales utilizados sino también en sitios que
por aquel entonces fueron casi marginales y
que luego se institucionalizaron, no sólo en
núcleos grupales e intelectuales sino también
en las producciones artísticas.
Toda aquella movida que apareció con el
nacimiento de la democracia en la década del
80, fue desmembrándose y perdiendo sus
valores en la década siguiente, con una cultura
light, que se instaló en una sociedad confudida
por las apariencias y desbordada por los me-
dios de comunicación que fueron instalando
esta cultura sobre todo en las generaciones más
jóvenes.
Un giro importante se produjo en estos últi-
mos años, y las piezas se fueron acomodando.
Utopías casi dormidas hoy muestran su ím-
petu en esta sociedad globalizada pero con una
identidad y un compromiso que se refleja en la
producción de los artistas.
La tecnología actualizada acompaña a esos
cambios y un fuerte predominio de lo concep-
tual gira alrededor de ella, fortificada por un
buen contenido estético que seguramente
hemos heredado de épocas anteriores.
 Marc Chagall:
la pintura es poesía pura
por Ileana Andrea Gómez Gavinoser

N ació en Vistebsk, Rusia, en 1887 y murió en

1985 en Francia. "yo y mi pueblo"

Cuando nos referimos a Marc Chagall debe-

mos hablar de la pintura como sinónimo de la poesía
más excelsa. Nacido en el seno de familia rusa-judía,
desde muy temprana edad, manifestó su inclinación a
las artes. Inició sus estudios de pintura en su pueblo
natal y en 1910 viajó a París para conectarse con el
El cuadro pasa a ser un poema de color armo-
mundo de la pintura cuyo centro era la capital fran-
nioso y a la vez vivo. En su primera etapa parisina,
cesa. Allí trabó contacto con las vanguardias y sus más
surgen sus cuadros cubistas que recorren todas las
célebres representantes, estilo e ideas, a través de los
facetas del movimiento. Posteriormente ligado al
cuales se manifestaría toda su poética pictórica.
expresionismo alemán, en Berlín se realiza su primera
muestra individual en 1914, año en que vuelve a su
Folklore, color, exquisitez compositiva y música
pueblo natal.
son sus características.
En 1915 se casa con su amada Bella, mujer que
sería su musa inspiradora. Allí, en Rusia, pasa un largo
período en el que pinta todos los pormenores de vida
campesina. Son famosas sus obras en las que retrata
con detalles todos los aspectos de la vida de los judíos
en Rusia, período tras el cual regresa a París con su
familia y en 1926, se realiza su primera exposición
retrospectiva en NuevaYork. A partir de allí su vida de
pintor se jalonaría de reconocimientos y excelsa poesía
que no decae nunca de sus cuadros.

Naturalmente surrealista en su modo de proce-

der, la pintura de Chagall es de un colorido y de una
vivacidad insuperables. Pinta hasta el final de sus
días, en 1985. Nos dejó un legado maravilloso de imá-
genes- poesía, algo más que un mero costumbrismo. La
pintura de Marc Chagall tiene vuelo poético, vuelo plás-
tico y vuelo metafísico por la belleza terrestre.

"Amantes"
 George Braque
George Braque nació en 1890.
Se instaló junto a su familia en Le Havre donde efectuó
sus primeros estudios concurriendo por la noche a
la escuela de Bellas Artes y continuando luego sus
estudios en la academia Hubert de esa ciudad.
En 1905 al contemplar en Paris la primera muestra del
Movimiento Fauve encontró un camino a seguir,
atraído poderosamente por el estilo Fauvista.-
Sin embargo dos años más tarde se producirá el
encuentro con Matisse, Derain, Vlaminck Kahnweiler
y Apollinaire quien lo acercó a Picasso quien a su vez, lo invitó a
visitar su estudio donde vio el cuadro “las Señoritas de Avignon”
quedando impresionado por las estructuras de ese trabajo.
A partir de entonces, Picasso y Braque emprendieron
la trayectoria que los conduciría al Cubismo.-
La obra que lo inscribe de manera clara en el seno de esta
escuela es “Casas en el Estanque” obra en la cual el artista
retrata un paisaje, prestando especial atención a la
restricción cromática del cubismo.
Su profunda amistad con Picasso llevó a Braque a investigar
en torno a las distintas posibilidades que les ofrecía la
metodología de análisis depurado aplicado a la pintura.
No puede decirse con exactitud cuál de los dos grandes
maestros representantes del Cubismo fue el iniciador de la
corriente analítica.
Debido a un fatal accidente, Braque no volvió a pintar
hasta 1917.
Conoció a Juan Gris y publicó más tarde, sus
pensamientos y reflexiones sobre la pintura.
Aunque no puede decirse que la pintura de Braque
abandone las soluciones del movimiento cubista por
completo, el artista depura sus elementos y los convierte
“Casa en el estanque”
en algo sustancialmente distinto. Georges Braque
Basándose en una estética del vacío, realiza la serie “de los pájaros”.
La composición es sumamente sencilla, aplicándose el color
con extraordinario cuidado y procurando no exceder los tres
o cuatro tonos en la misma obra.-
Su muerte acaece en 1983.-
Joan Miró
por Magdalena Victoria

Pintor español, nació en Barcelona en 1893.

Realizó sus primeras obras según la estética puvista.
En 1919 realizó constantes viajes a París, donde
conoció a Picasso y a los Dadaístas, adhiriendo, y
enseguida al grupo de los Surrealistas (movimiento
artístico que caracterizó su lenguaje estético).
Su obra se adentra en el mundo de la fantasía, de los
signos y de los símbolos. Líneas, formas y manchas
dotadas por una gran ingenuidad pero con mucha
sabiduría tal como se puede observar en mujer y
pájaro al claro de luna 1949.
Ha realizado grandes murales de cerámica que
fueron instalados en París, Barcelona yHarvard. Fue
creador también, junto con otros artistas, de
monumentales tapices de brillantes coloridos.
La fundación Miró en Barcelona es unos de los más
importantes centros culturales españoles.
Fue por excelencia pintor, grabador, escultor y
ceramista. Empleó diversas técnicas y procedimientos
como por ejemplo el óleo, la litografía, el collage y la
cerámica entre otros.
Joan Miró muere en 1893, después de haber sido
reconocido en Barcelona ya que él mismo había
quedado olvidado en la época Franquista.

"el Holandés Interior"

 .Max ERNST
N ació en Colonia, Alemania 1981. Pintor, grabador,
escultor autodidacta. Estudio en la universidad de
Bonn. En 1919 funda el grupo Dadaísta en Colonia.
Realiza sus primeros collage. "Vida"
En 1922 fija su residencia en Paris. Se une a Breton,
P Eluart y Picabia, experimenta todos los medios
técnicos a su alcance. Estaba predestinado a
convertirse en el ilustre forjador de sueños,
expresión que él dio como titulo a unas de sus obras.
Cuando niño, antes de dormirse, contemplaba las
paredes, los paneles de caoba colocados a sus pies y
las betas de los nudos de madera. Descifraba en ellos
escenas fabulosas: muchachas en posturas bonitas, Su gran amigo y contemporáneo fue Joan miró. Aún
"selvas ", 100.000 palomas. sin asemejarse en nada, los dos encontraron la forma
El paisaje, era fruto de su imaginación con de crear pinturas surrealistas.
adaptaciones y retoques a los que les fijaba por fin un Participó en decorados para teatro tales como
titulo "Floresta", "Sol y pájaros", "Dos muchachas Romeo y Julieta en 1926. En la película sueños para
desnudas". Todos fueron plasmados en obras durante vender, en 1944 en EE.UU, donde se refugió durante la
1926 y 1929 en París. Luego, estos cuadros formaron segunda guerra mundial. En 1958 regresa a Francia y
parte de colecciones privadas. allí recibe el premio nacional de arte. En 1970 publicó
Como Marcel Duchamp fue admirador de Leonardo en Paris una recopilación de sus escritos referentes a
Da Vinci y puso en práctica el reemplazar las su obra plástico - pictórica. Muere en Paris 1976.
manchas en las paredes y las estrías del piso con
relieves, apoyando sobre ellos una hoja de papel que
luego frotó con lápiz (técnica conocida como frottage).
Con este procedimiento Ernst logra a lo largo de su
vida resultados extraordinarios.
El papel que tuvo Max Ernst en la creación de la
pintura surrealista fue fundamental. Breton, no
obstante sus disentimientos, jamás lo impugnó.
Alrededor de 1936 usa la técnica de la calcomanía.
Para ese entonces, atraía la atención de un público
numeroso. Un marchand, como negocio, le propuso
realizar una muestra cerca de la galería surrealista.
Se lo anunció en importantes publicaciones de la
revolución surrealista. Esto trajo gran cantidad de
protestas y altercados hasta que en 1957 Breton
consintió (a pedido de algunos que lo acompañaban en
aquel entonces), en excluir a Max Ernst del surrealismo.
Según Tallyerand eso era algo peor que un crimen, un
grave error, porque Ernst significaba un mago del
surrealismo.
"El anti Papa"
René Magritte
por Liliana Hernández

R ené François Ghislain Magritte nació en Lessines,

Bélgica 21 de noviembre de 1898. Tras el suicidio
de su madre en 1912 se trasladó a Charleroi, donde
estudió el bachillerato y se entusiasmó con las
películas de Fantomas. Cursó estudios en la Academia
de Bellas Artes de Bruselas. En 1922 se casó con
Georgette Berger, una amiga de su juventud, quien le
sirvió de modelo. Inicialmente trabajó el estilo Cubista
hasta que, en 1925, bajo la influencia de De Chirico su
obra se encamina hacia el Surrealismo.
"La traición de la imagen"
Su primera exposición individual fue en Bruselas en
1927. Al año siguiente participó en la primera
exposición colectiva de los surrealistas en París, donde
frecuentó el círculo surrealista, que incluyó a Jean Arp,
André bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró.
Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en
el estilo que predominó a lo largo de su larga carrera.
Vuelve a Bélgica en 1930.

Expone por primera vez en Nueva York en 1936,

alcanzando fama mundial. Recibe el Premio Guggenheim
en 1956. Visita Estados Unidos por primera vez en
1965, con ocasión una retrospectiva en el museo del
arte moderno en Nueva York. Ya para entonces era
reconocido y admirado en el mundo del arte.

Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por

obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición
de objetos comunes en contextos poco corrientes
dando así un significado nuevo a las cosas familiares.
Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia
realismo mágico, del que Magritte es el principal
exponente artístico. En sus últimos años, tuvo gran
influencia sobre el arte Pop.

Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

"La condición humana"

La década del '60 en
el arte
argentino
por Delia Llaneza
E ste período del siglo XX fue sumamente impor-
tante para el mundo, porque los hombres necesitaban
desatar los aspectos rígidos que les permitieran salirse
de los bretes marcados por las sociedades corporativas.
En la década del '60, la plástica argentina tuvo un
gran giro marcado por el Instituto Di Tella y como para
mostrar una evidencia, nos ocuparemos de dos artistas
surgidos del mismo.
JUAN CARLOS DISTEFANO
Nació en 1933 en la provincia de Buenos Aires.
Estudió artes gráficas en una escuela industrial y más
tarde completó el profesorado de dibujo en la Escuela
de Bellas Artes "Manuel Belgrano".
En 1960 organizó el Dpto. de Diseño del Instituto
Torcuato Di Tella, en donde se desempeñó hasta su cierre.
Su primera muestra de pintura fue en 1964, mientras al
mismo tiempo comienza a trabajar relieves con yeso y
alambre, papier maché y lana de vidrio, interesándose
por el tratamiento de las resinas. Alrededor de 1970
comenzó a trabajar en esculturas con poliéster
reforzado y colado.
El crítico Aldo Pellegrini en 1967 fue uno de los
primeros en destacar la originalidad de Distéfano, al
incluirlo en el Surrealismo en la Argentina. Distéfano
entonces había adherido a la Neofiguración, tendencia
que enriqueció en sus pinturas y esculturas, las cuales
forman una vasta alegoría, despiadada y sarcástica de
las sociedades de nuestro tiempo, observadas a través
de las desventuras humanas.
PABLO SUÁREZ (1937-2006)
Estudió agronomía y practicó boxeo entre otras
cosas, pero al ganar una beca de pintura, se dedicó
exclusivamente a ésta actividad, relacionándose con
los artistas Alberto Greco, Jorge De la Vega y otros.
Fue integrante del Instituto Di Tella, pero ante una
diferencia de concepto con Romero Brest en 1968, se
despidió con una carta que decía: "A los espectadores
les aseguro: nadie puede darles fabricado y envasado
lo que dándose en ese momento, está dándose el
hombre. La obra: diseñar formas de vida".
(Este párrafo fue extraído de una charla que Suárez
efectuó en el CCRR Rojas).
Su búsqueda siempre estuvo dirigida a romper el a-
bismo entre el espectador y la obra, por lo cual trató de
trazar una especie de paralelo con ciertos desarrollos
que hizo el POP, incorporando una imagen intermedia
entre la caricatura y la imagen publicitaria,valiéndose
para ello de los trabajos de Molina Campos, Cándido
López y Gramajo Gutiérrez.
Se fue a vivir al campo y comenzó a pintar para él,
sin convicción de mostrar, apoyándose en gente que
venía de la pintura, siendo su principal referente el
pintor Lacámera. Después de un tiempo, volvió a hacer
escultura, interesándose por las tallas coloniales
policromadas de los siglos XVII y XVIII…
En marzo-mayo/64 expuso sus obras con el título "El
escaso margen" en la galería de Daniel Maman en
donde un párrafo del crítico Julio Portela queda sin
discusión el mensaje de Suárez: "Los personajes
parecen ser uno solo, cambian las actitudes, se modi-
fican las expresiones y terminan pareciéndose sin ser
iguales. Están unidos por las carencias y separados
por distintos espantos".
 El camino del aprendizaje
M e encuentro en la difícil decisión de elegir un artista.
Hablar solo de uno de tantos genios que nos llegan hasta
nuestros días…
En un semillero de galerías de arte, centros culturales,
museos y salas de exposiciones, como el existente en
nuestro país, y específicamente en la capital federal, es
increíblemente rica la experiencia que se puede adquirir
cada día.
Me deslumbra observar la diferencia de opiniones de los
pintores aún siendo contemporáneos, como así también la
diversidad de formas de plasmar sus trabajos a pesar, in-
clusive, de pertenecer a las mismas corrientes o movimientos.
Los lineamientos generales están marcados, pero cada
uno nos permite descubrir con su paleta, su propia historia
y personalidad. E inclusive al conocer más en profundidad
sobre la infancia, sus datos familiares, lugar y forma de
crecer, se puede interpretar más a fondo su obra.
Si hablamos del movimiento Madí podríamos hacer
mención de pintores como, Arden Quin, Lozza ... En los
abstractos como Kandinsky,y en el arte pop o el Instituto
Di tella, a Minujín o Suárez…
Pero caigo ante la profunda seducción de Juan Doffo, y
sus obras cosmogónicas. O el manejo y estudio minu-
cioso de los átomos y la magia del agua tratada particular-
mente por Kosice, de la estructura de la luz por Ary Brizzy,
Soto jugando con diversos planos y movimientos en sus
obras o Polesello en la diagramación estructurada y
simétrica de sus murales, que pueden ser observados de
diversos ángulos tras los inmensos bloques de acrílico
trabajados exhaustivamente por él.
El entender lo que son instalaciones, diferenciar diversas
técnicas y la utilización de distintos materiales, llegar a
conocer la necesidad de que una obra esté acompañada
por alguna mención literaria para poder interpretar su
significado; Descubrir también porque las artes plásticas se
convirtieron en artes visuales y la importancia de los videos
Guillermo Roux.
Por Marisa Nahon
en todo este crecimiento e inclusive quedarme paralizada
frente a un cuadro, tratando de saber qué me está hacien-
do sentir, conmovida por la diversidad de sensaciones.
Para esta difícil elección he decidido quedarme con el
último de los artistas de los cuales obtuve información.
Guillermo Roux.
Más allá de reproducir su biografía, cosa que está al
alcance de todos, el artista argentino nació en 1929, y fue
hijo de uno de los grandes ilustradores argentinos, se graduó
en la academia de bellas artes, viajó y se preparó en Europa.
Retorna al país radicándose en Jujuy y ejerce la docencia
alternándola con las artes plásticas. Viaja a Nueva York,
luego a Paris, Roma y Sicilia. Posteriormente gana el pri-
mer premio internacional de la XIII bienal de San Pablo.
En 1996 inaugura una muestra retrospectiva en el museo
de bellas artes, realiza un homenaje a Buenos Aires, en un
gran mural de 12 x 5,40 de alto en la esquina de Av del
Libertador y el pasaje Della Paolera.
Pero más allá de ésto quiero destacar algunos pensa-
mientos que se rescatan de alguna entrevista realizada.
El artista, considera que cada uno debe desarrollar el
deseo, gusto e inclinación para poder decidirse al momento
de elegir cual será la técnica y materiales con los que se
perfeccionará, ya que todo principiante quiere abarcarlos
en su totalidad pero al ser ésto un imposible se requiere de
una elección y perfeccionamiento.
El se encuentra particularmente cómodo con las pinturas
al agua, es decir témperas y acuarelas.
Para Roux, el artista tiene que insertar la fantasía, y ser
convincente.
Crear sueños y convertirlos en realidades.
Que la pintura es poesía que debe transportar al espec-
tador a un sueño convincente y armonioso.
Ese es el fin del arte: Captar la esencia de la existencia.
Habla también de la retrospección del hombre en lo es-
piritual y que esa involución nos provoca estar viviendo en
un período de decadencia. Lo que facilita que todas las o-
bras sean divertidas.
Que la existencia (nacer, vivir, morir) está anestesiada.
Se vive en la banalidad, superfluamente. Que es lo que nos
llevaal estado anteriormente mencionado.
Conocer sus trabajos enriquece el espíritu, como nos lo
permiten muchos otros.
Algunos artistas transmiten claramente sus ideas. Otros
nos dan un discurso y expresan todo lo contrario en sus
trabajos.
Pero lo importante de todo ésto, es poder sacar nuestras
propias conclusiones. Llegar a conocer cuál es nuestra
inclinación en cuanto a gustos.
Y para quienes disfrutamos de hacer arte, interiorizarnos
para facilitarnos el largo camino de buscar nuestra tendencia.
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Diciembre 2006

dg: andrea cochetti