Arte Universal

Leonardo da Vinci Rafael Sanzio Miguel ngel Bounarroti Tiziano Vecellio Lucas Cranach, El Viejo Domenikos Theotokpoulos, (El Greco) Hieronimus van Aken, El Bosco Michelangelo Merisi (Il Caravaggio) Nicols Poussin Diego Rodrguez de Silva y Velzquez Rembrandt Harmenszoon van Rijn Meter Paul Rubens Johannes Vermeer de Delt Antoine Watteau Thomas Gainsborough Jacques Louis David Francisco de Goya y Lucientes Eugene Delacroix Edouard Manet Joseph M William Turner Claude Monet Edgar Degas Vincent Van Gogh Paul Gauguin

Paul Czanne Henry de Toulouse-Lautrec Georges Seurat Henri Matisse Ernst Ludwig Kirchner George Braque Umberto Bocioni Wassily Kandinsky Piet Mondrian Marcel Duchamp Marc Chagall Joan Mir Ren Magritte Salvador Dal Pablo Picasso Jackson Pollock Mark Rothko Willem de Kooning Antonio Saura Francis Bacon Vctor Vasarely Peter Blake Roy Lichtenstein Andy Warhol Richard Estes

Leonardo Da Vinci ( Italia, 1452 Francia, 1519)

El perodo comprendido entre los siglos XV y XVI es uno de los ms interesante e importantes de la historia del arte y la cultura occidental. Momento de grandes descubrimientos y en este ambiente de creatividad y cambios nace Leonardo Da Vinci en un pueblo cercano a la ciudad de Florencia. Hacia 1469 se traslada a la capital de la regin toscana y comienza como aprendiz en el taller de Andrea Verrochio; su estancia por ocho aos cerca de este artista y la relacin con la cultura humanstica que brilla en la ciudad florentina, sern decisivas para su formacin intelectual. Su mente abierta a las ms diversas ramas del conocimiento, y su inteligencia y capacidad de observacin, le permitieron desarrollar novedosos criterios plasmados en sus escritos sobre el estudio de la naturaleza, las matemticas y las artes. Aunque fue escultor, ingeniero, msico y arquitecto, para l nada era comparable con la pintura: la pintura es ciencia. Su obra se convierte, poco a poco, en expresin ideal de su propio conocimiento y su estilo, en la educacin de su pensamiento. Su personalidad se proyecta ms all de su poca como expresin de la universalidad del genio y las posibilidades del conocimiento del hombre. Mona Lisa o Gioconda, la obra ms preciada del Museo del Louvre y quizs la pintura ms famosa de toda la historia del arte universal sigue siendo, para el receptor contemporneo, tan misteriosa y profundamente humana como hace casi quinientos aos. Esta obra es sntesis de sensibilidad y tcnica, resume el talento artstico y cientfico de Leonardo, una excelente muestra del profundo conocimiento que tuvo del hombre y la naturaleza. La serena expresin de su rostro, la sensacin del cuerpo en reposo y la calma que irradian sus cruzadas manos, hace de la Gioconda un ejemplo de armona espitirual y material; la calidad de los tonos, el suave modelado, la gradacin del claroscuro que difumina los contornos y funde la figura con el fondo, son ejemplos de la observacin cientfica del artista. La enigmtica sonrisa, es junto a su mirada una constante incitacin al dilogo ntimo entre esta mujer y quien la observa, porque su poder de atraccin mayor radica, adems de su excelencia pictrica, en que se convierte por su esencia humana es espejo de quien la mira.

Leonardo Da Vinci ( Italia, 1452 Francia, 1519) Mona Lisa o Gioconda 1503-06/1513 leo/madera;77x53cm

Rafael Sanzio (Italia, 1483-1520)

Sus primeros estudios de pintura los recibe en el taler de su padre, Giovanni Santi-pintor y poeta de la corte de Federico y Guidobaldo de Montefeltro-, donde se ejercita en el dibujo y la tcnica de la perspectiva. En 1494 se encuentra en el taller del Perusino (Pietro Vannucci, 1445/50-1523), en el que aprende el trabajo con el leo, la preparacin de las telas y el color, y adems asimila de este artista la gracia y cierto gusto decorativo en el tratamiento de la composicin. Despus de esta estancia florentina (1504-508), en la que madura su estilo al contacto con las obras de Leonardo y Miguel ngel, parte para Roma convocado por el Papa Julio II para realizar la decoracin de las estancias papales del Vaticano En Roma desarrolla toda su capacidad artstica y crea con su obra un ideal de composicin y belleza clsicas. Sus Vrgenes con Nio (Madonnas) representan un esquema a seguir en la plasmacin del candor y la inocencia en el tema de la sagrada maternidad, y en sus frescos vaticanos acenta sus estudios espaciales y compositivos, a la vez que enriquece el tratamiento dramtico y establece una comunicacin nueva con el receptor. Su sentido de la medida la gracia y la armona, as como su fuerza sinttica de asimilacin, le permitieron crear un estilo en el que se funde lo mejor de las tradiciones pictricas italianas con su ecunime sentido de la belleza, su serena concepcin de la vida y su ferviente fe religiosa. La composicin clara y unitaria de su pintura, el equilibrio entre color, volumen y luz y la perfeccin de las formas lo convierten en el ideal del clasicismo renacentista, punto de partida del gusto y la enseanza acadmica posterior.

Muere en el da en que cumpla treinta y siete aos, el 6 de abril de 1520. Por las caractersticas de su estilo y sus ideas estticas se ha querido ver con su muerte el fin del Renacimiento clsico.

Encargada por el Papa Len X, La madonna de la silla es una obra de alta calidad estilstica. La Virgen va vestida a la moda de las damas nobles romanas; se destacan la riqueza en textura y color del manto y la gracia del turbante que cubre su cabeza. El Nio, de amarillo oro, reafirma el cromatismo resplandeciente que era capaz de lograr el artista. La armona de las lneas expresivas estructura la composicin, engarza los diversos planos espaciales e imprime encanto y delicadeza a la slida unin de personajes que, a su vez, estn perfectamente insertados en el tondo (espacio circular). El Nio y la Virgen se vuelven y miran hacia el receptor, rompiendo con este movimiento el equilibrio de la composicin. San Juanito, diseado con magistral claroscuro, al fondo del espacio contempla la escena con devocin. Rafael logra en esta obra una emotividad mayor a partir de su riqueza compositiva: hay una cierta tensin dramtica nueva y una expresin de sentimientos en los personajes muy diferente a la calma esttica de sus madonnas anteriores.

Rafael Sanzio (Italia, 1483-1520) La Madonna de la silla ( Madonna con Nio y San Juanito), 1513 leo/madera; 71 cm

Miguel ngel Buonarroti (Italia, 1475-1564)

Nacido en Caprese, ingresa con doce aos en el florentino taller de Domnico Ghirlandaio; con este artista aprende los secretos de la pintura y poco despus, acogido como hijo adoptivo de Lorenzo el Magnfico, es puesto bajo la gua de Bertoldo di Giovanni, antiguo discpulo de Donatello, para su aprendizaje de la escultura. Es en la casa Mdicis donde adquiere una slida formacin humanista y se relaciona con filsofos y artistas. Nadie como l representa el concepto de genio que domin durante el Renacimiento; prototipo del artista por excelencia debido a su polivalencia artstica, su talento creador, su titnica capacidad de trabajo, su individualidad y aislamiento lo convirtieron en un mito tanto para su poca como para las siguientes. Su personalidad artstica est fuertemente vinculada al proceso histrico que le toc vivir; resulta imposible separar vida y obra porque la misma es inexplicable si no conocemos el drama moral, la crisis interna y la posicin del artista frente a la situacin de Florencia y la Italia del XVI. Por su concepto de que la pintura era ms bella cuanto ms se acercara a la escultura, el sentido de volumen, el dibujo claro y preciso, el valor del claroscuro, caracterizan sus obras en esta manifestacin; todo ello matizado por colores novedosos, atrevidos, intensos y brillantes. La figura humana es la gran protagonista formal y conceptualmente. Combina el sentimiento cristiano, la tradicin cientfica de la escuela florentina y la atmsfera del neoplatonismo. Sus figuras son macizas, y van ms all de la simple imitacin; no busca lo racional, sino lo bello. Son la fusin del concepto neoplatnico de la belleza visible y espiritual, reflejo de lo divino en el mundo material. Slo as se explica y comprende lo universal humano en sus monumentales figuras.Su sensibilidad artstica unida a su longevidad permitieron que sus ideas y opiniones estuvieran en constante evolucin, por eso la obra de este artista se resiste a todo encasillamiento.Formado en las teoras del Quattrocento, Miguel ngel represent la madurez del humanismo del Alto Renacimiento y dej slidamente sentadas las bases del manierismo. La pintura devocional privada ocup en el Cinquecento un lugar destacado en el gusto de la poca. Desde el siglo anterior, este gnero de la pintura, de carcter ntimo y de menores dimensiones que el cuadro de altar, se utilizaba tanto para colocar en las capillas palaciegas como para regalar en acontecimientos importantes de la vida, principalmente en las bodas.

El formato ms utilizado para estas pequeas obras era el circular (tondo) y la temtica ms frecuente era las bodas msticas y la Virgen con el Nio. El Tondo Doni fue encargada por la familia Doni, de ah su nombre, con motivo de las bodas de ngelo Doni y Magdalena Strozzi. La obra, aunque transformada violentamente por Miguel ngel en su estructura iconogrfica tradicional, demuestra que el artista estudi el cartn de Leonardo da Vinci sobre Santa Ana, la virgen y el Nio, pues guarda como en ste la posicin piramidal para el grupo en el espacio. Lo novedoso est en la representacin de dos escenas contrapuestas y aparentemente contradictorias en forma y contenido. En primer plano una rara Sagrada Familia con un irreverente grupo nudista en el fondo, espacio en el cual adems se encuentra la imagen de San Juan Bautista. Mara, con los brazos desnudos y musculosos, sin el tradicional velo azul, sin el halo de santidad y con el nio no cargado, sino en una posicin de trnsito, incluso forzada. Los tres personajes principales agrupados en un slido eje central en el que la Virgen, con su movimiento en espiral (forma serpentinata), afirma la unidad del conjunto a partir de esa lnea sinuosa en forma de S que va desde su pie desnudo hacia San Jos. De gran madurez compositiva, sorprende igualmente la articulacin del espacio entre el primer plano y el fondo. La exedra donde reposan los desnudos presenta un punto de perspectiva diversa con un punto de fuga rebajado respecto al plano de las figuras principales, mientras que el pretil que separa ambas escenas oculta esta desviacin. El color, intenso; utiliza una paleta cromtica antinatural, brillante, esmaltada y matizada por el claroscuro. Su simbologa es tambin compleja y diversa. La ms aceptada es la que considera al tema como una intelectualizacin de Miguel ngel sobre el problema filosfico principal de la poca: unificar el pensamiento cristiano con el humanista pagano, en este caso la Virgen como smbolo de la Iglesia, y los desnudos, smbolos del paganismo. Sin embargo, teniendo en cuenta la solucin estructural de la obra ms que una unificacin de tan excluyentes pensamientos, se produce ms bien una contraposicin de los mismos. Esta obra sintetiza los componentes artsticos del siglo XVI tanto en la relacin con lo clsico (contenido) como en lo anteclsico (forma). Constituye el preludio de los frescos de la Capilla Sextina y punto de partida de un nuevo estilo: el manierismo.

Miguel ngel Buonarroti (Italia, 1475-1564) La sagrada familia con San Juan nio o Tondo Doni, 1504-1506 Temple/madera; 120cm

Tiziano Vecellio (Italia, ca. 1490-1576)

Durante los primeros aos del siglo XVI, en pleno auge de la ciudad de Roma como principal centro de creacin y difusin del clasicismo renacentista dominada por Rafael y Miguel ngel se desarrolla y llega a su cenit en la lejana y ajena Repblica Serensima de Venecia el movimiento plstico que constituye la ltima etapa de esplendor del Renacimiento clsico italiano. La llamada escuela veneciana, con una tradicin diferente al resto de la pennsula e influida por su pasado bizantino, apela a la sensualidad y exhuberancia orientales en sus expresiones plsticas, lo que en el Cinquecento se conoci como carcter veneciano. El iniciador de esta escuela es Giorgione, y su mximo representante, Tiziano Vecellio. Tiziano es uno de los pintores ms importantes del Renacimiento veneciano. Desde muy temprana edad se interesa por la pintura, y estudia primero en el taller de Sebastiano Zuccato, despus en el de Gentile y Giovanni Bellini, para escoger finalmente como su maestro a Giorgione, quien estaba considerado en los inicios del siglo XVI como el ms novedoso de los pintores del momento. De Giorgione asume la manera de pintar con el color, cierto sfumato en la luz que vivificaba las sombras, y una nueva percepcin del paisaje, ms espiritual y pleno sentido. Colabor en varias obras como ayudante independiente de su maestro, y lleg a dominar tanto las maneras giorgionescas que an hoy se aprecian obras de difcil autenticacin. Sin embargo, poco a poco hace valer su talento y personalidad al abandonar los esquemas compositivos del maestro y el carcter esotrico del paisaje para conferirle una naturalidad y validez universales. A la cabeza de un activo taller, rodeado de discpulos, reformula los temas, personajes y enfoques de la pintura veneciana, desarrollando el valor de la pincelada, el color y el tratamiento de la luz, y crea verdaderas obras maestras hasta muy avanzada edad.

Su autoridad y prestigio lo llevaron a mantener excelentes relaciones con los hombres ms poderosos de su tiempo, desde el emperador Carlos V hasta Francisco I de Francia, Federico de Gonzaga o el Papa Paulo III. De sensibilidad poderosa y dramtica, cromatismo brillante y timbres ricos y sensuales, se convierte en el modelo de las generaciones posteriores y de toda la pintura occidental. Dnae es una de las ocho Poesas como llamaba el pintor a sus obras de asunto amoroso, basadas en temas mitolgicos que realizara para el camerino o gabinete personal de Felipe II. Con ellas, Tiziano va ms all de lo puramente alegrico para aludir metafricamente a la naturaleza humana. Su manera innovadora de tratar estos temas sienta pautas para un nuevo gnero de pintura en los siglos siguientes.

En este caso se trata del mito de Dnae, tomado de la Genealoga Deorum de Bocaccio y la Metamorfosis de Ovidio. Dnae es encerrada por su padre en una alta torre para preservar su virginidad. Jpiter se metamorfosea en lluvia de oro, logra burlar el encierro de la joven y poseerla.
En una atmsfera baada por una luz dorada, Dnae, de bello y voluptuoso cuerpo en tonalidades nacaradas, recibe displicente la lluvia de oro, en lo que la criada que deba cuidarla se entretiene en recoger algunas monedas. La marcada diagonal del cuerpo de la joven domina el primer plano y se aleja de las concepciones renacentistas. La armona de pardos, rojos y sombras grises se contrapone al intenso amarillo y el azul oscuro del cielo. La particular energa del color se ha convertido en algo ms que un simple ingrediente cromtico para reflejar la fuerza vital de lo que pinta y a la vez se transforma en un factor autnomo capaz de conmover el espritu del observador. Su capacidad para disponer los colores en la tela de acuerdo con el carcter y grado de cada uno, sus empastes, la armona del conjunto y la degradacin de las luces en claroscuro, coadyuvan a esa poesa vibrante, a la sensualidad sublime, al sentimiento pictrico de sus telas.

Aunque parezca sorprendente que un rey tan catlico y moralista como lo era ciertamente el espaol gustara de estos temas de carga sensual y ertica, debemos recordar que la cultura humanista durante el Renacimiento haba convertido el gnero mitolgico en un tpico establecido y respetado por todo hombre culto en el siglo XVI, y Felipe II lo era. Por otra parte, proporcionaba al artista la posibilidad de demostrar su rigor intelectual y, con su tcnica, medir fuerzas frente a los grandes poetas clsicos de la Antigedad. En las obras profanas, como la que nos ocupa, Tiziano plasma el desnudo femenino con un quehacer ms suelto, una estructura ms amplia, una tcnica ms refinada, y la pincelada ligera, suelta, que acenta la expresin de una sensualidad ms inquieta y experta.

Tiziano Vecellio (Italia, ca. 1490-1576) Dnae, 1553-1554 leo/tela 128 x 178 cm

Lucas Cranach, El Viejo (Alemania, 1472-1553)

En la Alemania diversa y confusa del siglo XVI se desarrolla el arte de este hombre que supo asimilar los ecos renacentistas, las formas manieristas y, a la vez, mantener los trazos especficos de lo germnico. Menos intelectual que Durero, pero sin el gusto macabro de Grnewald, su expresin plstica, entre atrevida e ingenua, sensual, provocativa, y a la vez dotada de realismo burgus, nos seduce y sorprende. Luterano convencido, no dej de pintar obras para el catolicismo, y hacia 1520 inicia su preferencia por las temas de carcter mitolgico o profano, en especial el desnudo femenino, creando un nuevo ideal de belleza que tiene tanto de medieval como de renacentista. Precisamente esta suma de en apariencia insalvables contradicciones que de modo armnico pueblan su obra es lo que le define como ejemplo del manierismo alemn. En lo formal sus figuras de Venus, con la cabeza algo voluminosa con relacin al cuerpo, las caderas ms estrechas que el pecho, el vientre un poco prominente, las piernas exageradamente alargadas y los pies delgados logran ser ms sensuales que bellas, pero siempre distinguidas y encantadoras. Lo importante no es el canon sino la sensibilidad, la poesa. Su reputacin como pintor se debe en primer lugar a su labor como retratista. De factura sobria, dibujo preciso, incisivo, con profundidad y riqueza sicolgica, sin efectismos ni sutilezas, sus retratos son una muestra de su talento, finura y conocimiento de la naturaleza humana. En 1508 y por voluntad de Federico el Sabio, Lucas Cranach realiza un viaje a Flandes donde profundiza en el conocimiento del arte flamenco y el Renacimiento italiano. Tras este viaje comienza su serie de desnudos con la figura de Venus como principal protagonista.

En el siglo XVI, el tema de Venus y el Amor fue muy apreciado y utilizado con intenciones diversas: desde las ms literarias hasta las ms filosficas, desde las ms erticas hasta las ms moralistas. Venus y Cupido es una muestra del equilibrio que Cranach supo encontrar entre los extremos. Aunque la obra presenta diversos elementos alegricos y variadas interpretaciones, nos referiremos a lo que consideramos ms importante en la ambigedad intencional del autor entre lo ertico y lo espiritual, tan del gusto de la corte refinada, culta y manierista en que se desenvolva el artista. Bajo la sombra de un manzano, el pequeo y travieso Cupido, que ha querido robar la dulce miel de una colmena, se queja a Venus de las dolorosas picadas de las abejas. Venus, ocupando el centro de la composicin, muestra su desnudez que emana tanto de la maliciosa mirada de sus rasgados ojos como de la afectada posicin de la figura. El mensaje, que aqu se plasma slo en imgenes, aparece justificado en otras obras del mismo autor con una leyenda que acompaa al asunto: como el travieso Cupido del cuadro, a veces buscamos placeres efmeros que estn mezclados con dolor y slo producen dao. La posicin casi danzante de Venus tiene dos objetos principales: resaltar por una parte la esbeltez y refinamiento del desnudo, provocador y sensual, con su escueto adorno de joyas y el lujossimo y aparatoso sombrero; por otra, establecer una conexin entre las manzanas y Cupido, elementos alegricos que definen a la diosa y complementan lo moralizador del mensaje. Del brazo derecho que agarra suavemente una rama del manzano rbol que alude al juicio de Pars, quien, a cambio de que la diosa le concediera el amor de Helena, la proclam ms hermosa que Juno y Minerva al entregarle la manzana de oro convirtindola as en la diosa de la belleza se inicia una diagonal que contina por el cuerpo de Venus, su brazo izquierdo, y termina ene. Nio, motivo principal del tema. Es decir, seguimos un recorrido a la vez formal y conceptual.

La manzana fue el fruto de la discordia entre las diosas pero es tambin el fruto del pecado; Venus es la belleza y la voluptuosidad, la tentacin; Cupido, picado por las abejas, el resultado del placer efmero con sus dolorosas consecuencias. El sentido del espacio y la composicin, as como el tratamiento del color y la lnea, demuestran las influencias flamencas e italianas. Y aunque la perspectiva pueda no ser del todo ortodoxa, el paisaje logra una realidad entre fantstica y lrica.

Lucas Cranach, El Viejo (Alemania, 1472-1553) Venus y Cupido leo/madera 81,3 54,6 cm

Domenikos Theotokpoulos (El Greco) (Grecia, 1541- Espaa, 1614)

Su slida formacin intelectual afirma la posicin social de clase media o alta de la familia. En 1566 ya era un maestro pintor de reconocida vala; sin embargo, el deseo de ampliar sus conocimientos y su fama como pintor lo trasladan a Venecia a finales de 1567. En la ciudad de los canales concluy su formacin artstica, y aunque se dice que estudia en el taller de Tiziano, su estilo tiene ms relacin con las formas plsticas del Tintoretto. Hacia 1570 radica en Roma protegido por el cardenal Alejandro Farnesio; en esta corte conoce a sus futuros mecenas espaoles y gusta de la obra de Miguel ngel, pese a las duras crticas que le hace al famoso florentino. Asimila la esttica manierista y los recursos de la pintura para adecuarse a las exigencias del concilio trentino. Con estas experiencias parte para Espaa en busca de una posible plaza de pintor en la corte del monarca ms poderoso de la poca: Felipe II. Su estilo no gust al rey, por lo que abandona Madrid para establecerse definitivamente en Toledo hasta su muerte. Digno contemporneo de Gngora, Santa Teresa de Jess y San Juan de la Cruz, su obra tendr tanto del misticismo como del conceptismo espaol, y es la mejor expresin plstica del espritu de la Espaa que le toc vivir. Lo singular de sus figuras en extremo alargadas, las raras asociaciones cromticas, su desinters por la perspectiva y el tratamiento espacial tradicionales, amn de su poderoso subjetivismo en las temticas tratadas por su pincel, lo convierten en uno de los exponentes principales del manierismo.

El caballero de la mano en el pecho, retrato vivo de profunda serenidad y silencio interior, es a la vez imagen simblica del sentimiento de dignidad y orgullo del hombre espaol bajo el reinado de Felipe II.

La retrastica a del Greco comparada con su incursin en la temtica religiosa, aunque escasa, es contundente. Y uno de los ejemplos que nos lleva a plantear lo anterior es precisamente El caballero de la mano en el pecho, obra que ilustra los criterios del artista sobre el gnero y el hombre. Muestra de observacin sicolgica al ser la imagen de un personaje desconocido aunque se ha tratado de identificar con el marqus de Montemayor y hasta con Cervantes, por la supuesta falta del brazo izquierdo en el retratado, es el que ha producido ms literatura e interpretaciones. Compuesto a la manera del siglo XVI, de medio cuerpo, vigorosa caracterizacin, con la concepcin asimtrica del rostro para acentuar la sensacin de realidad vital del retratado, el Greco interpreta al hombre con dignidad, contencin en el gesto y sobre todo con una afable expresin de orgullo, una sensacin de sosiego, que sobrecogen al que lo mira. Este hombre vestido de negro, encajes y golilla blancos, con la roca cadena y el bellsimo trabajo de la empuadura de su toledana espada como nico exponente de su condicin de hidalgo , parece pertenecer a aquellos caballeros orgullosos de su alma como los nombra Gmez de la Serna en su monografa El Greco , es decir, de su espaola, de su experiencia de la vida, de esa compostura intrnseca, de esa vala personal que se conserva siempre en la medida en que se es consecuente consigo mismo. Asegura Julin Maras que en momentos de desaliento, se pueden hacer siempre dos cosas: leer a Cervantes o () detenerse frente al cuadro del Greco.

Domenikos Theotokpoulos (El Greco) (Grecia, 1541- Espaa, 1614) El caballero de la mano en el pecho leo/tela 81 x 66 cm

Hieronymus Van Aken, El Bosco (Holanda, ca.1450-1516)

Pintor que tom su seudnimo de la ciudad holandesa de Hertogenbosch, donde probablemente naci, contina siendo uno de los artistas ms misteriosos y enigmticos de la Historia del Arte. De su vida se sabe con certeza la fecha de su muerte, ocurrida en el ao 1516 en Bois-le-Duc, Brabante septentrional donde pas gran parte de su existencia. Contemporneo de los grandes renacentistas italianos y de Durero, su obra nada tiene que ver con las preocupaciones del Quattrocento ni con las del famoso alemn. No contina siquiera a sus predecesores, los Van Eyck. Se desconoce como desarroll su aprendizaje, tampoco estn claras sus influencias, aunque se acepta que debi partir del arte y las tradiciones populares, todava de fuerte carga medieval, adems de las estampas y grabados sobre religin, Historia Natural y alquimia. El universo boschiano est poblado de seres extraos, criaturas fantsticas surgidas de la combinacin de elementos humanos, vegetales, animales y minerales. Los seres humanos aparecen generalmente con aspectos grotescos y de comportamiento vulgar. Esta iconografa tan personal, fantasiosa y muchas veces irracional, se mueve en espacios de composiciones aparentemente caticas. Sin embargo, todo en ellas esta meditado y dirigido a producir esa visualidad supuestamente incoherente y sin sentido; en su obra nada es superfluo y mucho menos impensado. Obra de marcado carcter simblico, cada elemento expresa una idea, cada forma esconde un pensamiento preciso, fustiga vicios y debilidades humanas, contiene un profundo sentir moralizador. Actualmente muchas siguen siendo tan incomprensibles para nosotros como para sus contemporneos, pero algunas de ellas, sin ser de fcil interpretacin, pueden haber tenido como punto de partida la literatura. Es el caso de La nave de los locos, alegora de un mundo sin ilusiones, tema de una obra del moralista Sebastin Brandt, publicada en 1494.

El precioso arabesco, el tratamiento de la luz y la atmsfera evocan a los miniaturistas medievales, pero con una tcnica alla prima, en que la pincelada es un factor expresivo y la grabacin de los valores anuncia las nuevas concepciones de la pintura posterior. Hombre culto, profundamente mstico, atormentado y deudor de fuentes medievales, a quien en nuestro siglo los surrealistas consideraron precursor del psicoanlisis, cierra el captulo de la pintura gtica flamenca. La obra El jardn de las Delicias, conocida en su poca como la pintura del madroo, es una alegora del origen y fin del mundo. El trptico cerrado muestra escenas del Gnesis con la creacin del mundo vegetal y de la vida; abierto, la tabla a la derecha del receptor evidencia todos los horrores de un infierno altamente imaginativo, y la de la izquierda, la creacin del gnero humano con la presencia del Creador con ciertos rasgos de Cristo Pantocrator entre Adn y Eva. El centro es an ms rico en figuras y riquezas fantsticas; ms difcil de explicar, est lleno de referencias a las ms variadas formas de sensualidad humana entre otras muchas interpretaciones posibles. Ambrosio de Beatis, quien en 1517 acompa al cardenal Luis Aragn en sus viajes por diversos reinos europeos, se refiere probablemente a esta obra cuando describiendo el palacio de Enrique III de Nassau dice lo siguiente: Hay, adems, algunas tablas con diversas extravagancias, donde desfiguran mares, cielos, bosques, campos y muchas otras cosas, unas que salen de una almeja marina, otras que defecan grullas, mujeres y hombres, blancos y negros, en diversos actos y maneras, pjaros, animales de toda clase y con mucha naturalidad, cosas tan placenteras y fantsticas que a quienes no tengan conocimiento de ellas, de ningn modo se les podran describir bien *. Para la poca, la obra de Hieronymus Bosch posea un marcado carcter didctico y moralizador y, en El jardn de las Delicias, estas funciones se cumplan al hacer reflexionar, a travs de sus demonios, sobre tentaciones, pecados y la propia vida.

Durante el siglo XVI se realizaron varias copias de la obra, incluso un tapiz reproduce las tres escenas del trptico abierto, y si bien no se conocen los autores ni los comitentes, no hay dudas q El jardndel Bosco goz de gran importancia e inters entre sus contemporneos. Sobre la manera de pintar del autor se pudo conocer, en el profundo estudio realizado durante la restauracin de esta obra comenzada en 1988 y terminada el ao pasado, que realiz numerosos cambios en l atabla central simplificando su estructura en la ejecucin final.

*.Felipe II Monarca y su poca. Un prncipe del Renacimiento. Museo Nacional del Prado. Madrid, 1988 p 454

Hieronymus Van Aken, El Bosco (Holanda, ca.1450-1516) El jardn de las Delicias (Trptico) ca.1516 leo/madera 220 x 195 cm

Michlangelo Merisi (IL Caravaggio) (Italia, 1517-1610)

Inicia sus estudios de pintura en el taller del pintor Simona Pertezano en Miln y durante los cuatro o cinco aos de aprendizaje asimila tanto la tradicin realista lombarda como de los grandes maestros del Cinquecento veneciano, especialmente Tiziano y Tintoretto. Ejemplo vivo de la picaresca del XVII, pendenciero, vagabundo, bohemio, artista genial, su vida discurre entre palacios, tabernas y crceles italianas. Sus treinta y nueve aos son un ir y venir poro toda la geografa peninsular: de Lombarda a Roma, Gnova, Npoles, Malta y Silicia. Sus mecenas: el cardenal Del Monte, los Sforza, las familias Doria, Borghese, Colonna, entre muchas otras de la gran aristocracia social y religiosa que coleccionan sus obras y lo protegen en sus problemas con la justicia. Perteneciente a una de las tres corrientes por las que transita la pintura italiana del XVII, en particular la denominada, no sin polmica, naturalista/realista. Caravaggio revoluciona las teoras y concepciones artsticas del momento y se convierte en la anticipacin necesaria de la nueva pintura europea. Basa sus modelos en la representacin de figuras de marcado carcter popular, vulgarizadas en lugar de idealizadas, con un tratamiento concentrado de la luz, que modela casi escultricamente para crear ese tenebrismo que ser a la vez elemento principal y definidor de su lenguaje, uno de los principales aportes de esta tendencia. La utilizacin de la realidad tangible como punto de partida para los temas histricos y religiosos no fue entendida por la mayora de sus contemporneos; su manifiesta independencia en la interpretacin y plasmacin de la temtica religiosa, su rompimiento con una cultura de normas y dogmas expresivos, lo alejan de toda complacencia estetizante y abren el camino a nuevas necesidades de expresividad y espiritualidad.

Durante su estancia en el taller de Giuseppe Cesari, denominado el Caballero de Arpino, en Roma, el trabajo de Caravaggio consista en pintar flores y frutas; esta especializacin fue perfilando sus posteriores temas de gnero. En su formacin nada de escenas mitolgicas, religiosas o histricas, sino lo propiamente cotidiano. Los objetos ms humildes y los personajes de la calle fueron afirmando la nueva esttica del artista la realidad como modelo y agudizando su observacin sicolgica. Ejemplo vivo de esta esttica desmitificadora en su primera produccin romana es el Baco del famoso museo florentino de los Oficios, en el cual el realismo es base para expresar contenidos diversos, ambiguos y de riqueza interpretativa. A travs del naturalismo, que exhibe en las mustias hojas de vid y las pulposas frutas, muestra la asimilacin de la escuela lombarda, a la vez que atena el carcter clsico e intelectual del tema e insina una vaga o ms bien ambigua relacin sensualista entre lo pulposo de las frutas y lo adormecedor del vino, en los pesados prpados y los carnosos labios del personaje adolescente. El primer plano, ocupado por elementos naturales y cotidianos, con gran veracidad respecto al modelo de la realidad, nos indica que estamos presenciando un hecho importante desde el punto de vista iconogrfico: el paso hacia el gnero de la naturaleza muerta o bodegn. La transparencia del frasco que contiene el licor y el espritu del vino en la copa que nos ofrece un Baco humanizado, as como la sugerente atmsfera matizada por el claroscuro y el protagonismo de la cesta de frutas, demuestran la capacidad de exploracin y asimilacin por parte del joven artista, que en esta obra prefigura su estilo ulterior.

Michlangelo Merisi (IL Caravaggio) (Italia, 1517-1610) Baco ca.1593 leo/tela 95 x 85 cm

Nicols Poussin (Francia, 1594- Italia, 1665)

Considerado el pintor ms representativo del Gran Sicle francs, paradjicamente la mayor parte de sus obras las realiz en Roma. Normando de nacimiento, despus de unos aos de formacin en Pars viaja en 1624 a la ciudad italiana donde permanece excepto un regreso corto a Francia hasta su muerte.
En su primer perodo (1624-1630) no hay una definicin de su estilo, pues son evidentes diversas influencias, desde el manierismo de Giulio Romano al dramatismo barroco del Caravaggio; sin embargo, el ao de 1630 ser muy importante en su quehacer plstico. A partir de este momento todo el conocimiento de la Antigedad que haba adquirido en sus estrechos contactos con el crculo de Casiano del Pozzo secretario del cardenal Barberini y especialista en el tema define su estilo artstico. La felicidad pagana (El triunfo de Flora, 1627-28) y el pathos o cruel destino (La peste de Asod, 1630), se convierten en constantes conceptuales en su obra sin importar si el tema es histrico como en El rapto de las Sabinas , mitolgico, (pensemos en las dos versiones de Los Pastores de la Arcadia) o bblico; por ejemplo, El juicio de Salomn. Excelente en el tratamiento del paisaje, si bien tiene a nnibale Carracci como referente, los suyos son ms racionales: la precisin y el orden en la organizacin de los elementos en el espacio produce una composicin calmada y potica, pero ms fra y distante, si se compara con la lrica del italiano. En el color prefiere la gama fra, lo que ha llevado a ms de un crtico a resaltar la falta de cromatismo en sus obras; sin embargo, supo asimilar la experiencia pictrica veneciana. Su mtodo de trabajo era complejo y lento: primero dibujaba, despus compona la escena con pequeas figuras de tamao natural. Todo un ejercicio de disciplina, razn e intelecto.

Aunque no escribi un tratado terico a la manera albertiana, los criterios de Poussin sobre el arte y la pintura quedaron en algunas notas personales, sobre todo en las cartas que escribe a sus amigos fundamentalmente a Frart de Chantelou , y constituyen el ideario plstico que permite entender el por qu y el para qu de su quehacer artstico. La obra Los pastores de la Arcadia se refiere a un tema muy de moda en la poca y sobre el cual Poussin reflexion en dos ocasiones. La Arcadia era una regin de la Grecia antigua, en la parte central del Peloponeso, habitada por un pueblo de pastores que la ficcin de los poetas haba convertido en leyenda. Se consider como un lugar de costumbres virtuosas, mansin de la inocencia y la felicidad. En las postrimeras de l XVI, con la influencia de los clsicos, sobre todo de Virgilio, los artistas europeos vuelven sobre la Arcadia. Es a finales de la dcada de 1630 que Poussin realiza la primera versin del tema arcadio, y alrededor de 1650 la ltima; sin embargo, sus intenciones e interpretaciones son opuestas. Un grupo de pastores y una joven se detienen frente al hallazgo de un sarcfago que tiene una inscripcin en latn: Et in Arcadia ego (Yo estoy en Arcadia), y alrededor de esta frase se desarrolla el planteamiento conceptual de Poussin. En la versin de 1628 (en la Devonshire Collection, Chatsworth) se ha querido ver una intencin pattica, angustiosa, al relacionar ego con la muerte debido a la presencia de la calavera. Su interpretacin sera que hasta en la Arcadia morada de la felicidad extrema- existo yo, la muerte.

Pero en la de 1650 obra que nos ocupa el tratamiento del pathos es ms positivo. La interpretacin se transforma porque en la obra prima un sentimiento de melancola y no de temor, logrado a travs del tratamiento del ambiente, una atmsfera muy a la manera de Tiziano en la vegetacin y la tonalidad del cielo, pero al que la quietud y la supresin de todo dramatismo aleja de la pasin del veneciano. Los personajes dialogan en actitud con el paisaje; muestran nobleza y serenidad semejantes a la naturaleza que les rodea. No hay inquietud, estn tranquilos y leyendo la inscripcin y , en este caso, ego no es la personificacin de la muerte (ningn elemento plstico la sustantiva), sino la voz de un pastor que desde su ltima morada nos recuerda la vida, la que vivi en el mismo lugar en el que an se encuentra: Et in Arcadia ego.

En este caso no hay una reflexin desde y sobre la presencia de la Muerte, sino una reflexin desde el Hombre sobre la Vida (eterna y ultraterrena), sobre lo material la vida presente de los pastores y lo espiritual la vida del que no est pero que nos habla desde una existencia otra. Aunque el protagonista de la obra, tanto en una versin como en otra, es el destino, la respuesta ante ste es diferente. Por supuesto que no son stas las nicas interpretaciones posibles sobre Los Pastores de la Arcadia, obra de un artista al que sus contemporneos llamaban pintor filsofo, pero lo que es indudable es la unidad intelectual, el carcter reflexivo, racional y sereno que Poussin otorga al tratamiento de las pasiones y acciones humanas en el cuadro, lo que convierte toda su composicin en una nocin tica.

Nicols Poussin (Francia, 1594- Italia, 1665) Los pastores de la Arcadia, ca.1650 leo/tela 85 x 121cm

Diego Rodrguez de Silva y Velsquez (Espaa, 1599-1660)

Considerado como el ms grande artista espaol de todos los tiempos y, sin duda, uno de los ms importantes de la Historia de la Pintura, nace Velzquez en la ciudad de Sevilla. Comienza sus estudios artsticos en el taller de Herrera el Viejo, pero al ao lo abandona para entrar en el de Francisco Pacheco, quien inmediatamente descubre el talento de su discpulo. En pocos aos Velsquez se hace de un nombre en la sociedad sevillana, pero su ambicin era convertirse en pintor de la corte de Madrid. En 1622, con cartas de recomendacin de su maestro y suegro llega a la ciudad castellana, y al ao siguiente se cumple su sueo de entrar en la corte. El Conde Duque de Olivares, sevillano como el pintor, le encarga el retrato del joven rey Felipe IV. Es nombrado por el monarca Pintor de Cmara, y la vida de Velzquez transcurre, hasta su muerte, en el Alczar de Madrid, entre actividades artsticas y palaciegas. Gran conocedor de las colecciones reales, es el encargado de atender a Rubens en la visita de ste a la corte en 1628. Quizs alentado por el artista flamenco, decide al ao siguiente realizar su primera visita a Italia. Durante su segundo viaje a esta pennsula en 1649, se desempea como comprador real de piezas de arte. Velzquez sintetiza las preocupaciones esenciales de los pintores e su poca en cuanto a la naturaleza, el movimiento y la luz, a la vez que desarrolla la tcnica de la pincelada cada vez ms imprecisa, suelta y libre y dota a su paleta de una viva y rica escala cromtica. Frente a los arrebatos del barroco contrarreformista suele, por el contrario, presentar una obra de serenidad y equilibrio. Su amplitud temtica abarca la mitologa grecolatina, la pintura religiosa, la de historia, el bodegn, el paisaje, y sobre todo el retrato. En este ltimo alcanza obras maestras de altsima calidad plstica y humana, fundamentalmente por los valores sicolgicos de gran profundidad y por el valor y dignidad que le concede al hombre, sea de regia figura o un simple bufn.

Cuando ya era Aposentador Mayor de Palacio, Caballero de Santiago y respetado artista, muere Velzquez en Madrid. Las meninas o La familia de Felipe IV es considerada la obra cumbre de la pintura del XVII espaol; sin dudas, una de las ms interesantes y complejas entre las obras maestras de Velzquez. Con esta obra el cuadro de gnero entra en la corte espaola; la cotidiana realidad del taller del pintor, esa instantnea de una da de trabajo, tiene un aire ms cercano a la tradicin holandesa que a la hispana. Es, a la vez, un retrato de la familia real, y en ese sentido responde a la tradicin del retrato alico en la corte de los Austrias. La primera mirada nos lleva a la simple descripcin de un hecho comn en el lcazar de Madrid: la familia real visita el taller de su pintor de cmara para verlo trabajar. Velzquez traduce esa naturalidad de la escena a travs de una muy estudiada composicin, disposicin de los personajes y manejo del color y el espacio. Al centro, la pequea infanta Margarita con sus dos jvenes damas o meninas (expresin portuguesa que se aplicaba a las damas y pajes de honor) forman parte de una lnea ondulada que nace en la figura del pintor, se mueve frontalmente, y termina en el grupo de los enanos Maribrbola y Nicolasito Pertusato, quien apoya su pie juguetonamente en el adormilado perro que no desea desperezarse. El cruce de las miradas desempea un importante papel en la comunicacin de naturalidad y relacin entre receptor y personajes. El juego entre los espacios real y pictrico los engarza con el tratamiento de la luz, la atmsfera y la perspectiva lineal, fundamentalmente con el recurso del espejo en el que se refleja la pareja real que estara ocupando el espacio del receptor, introduciendo a ste en el espacio pictrico. Mltiples y variadas son las interpretaciones de esta compleja y enigmtica obra, sobre todo cuando se abre la posibilidad de que sea un alegato del artista sobre la consideracin de la pintura como arte liberal con la nobleza y dignidad que se le adjudicaba a la poesa en los crculos intelectuales de la poca, y rechazando cualquier consideracin manual o artesanal en la labor del pintor.

El gesto del pincel sostenido en el aire como muestra de que est pensando en el diseo y no trabajando manualmente en el lienzo, y el hecho de incluirse el pintor junto a la familia real, son dos de los argumentos que se han manejado en la explicacin de la tesis anterior. Cualquiera que sea la interpretacin, nos encontramos ante la obra cumbre de Velzquez, y a la vez, frente al cuadro ms famoso de todos los que atesora el Museo del Prado.

Diego Rodrguez de Silva y Velsquez (Espaa, 1599-1660) Las meninas o la familia de Felipe IV, ca. 1656 leo/tela 310 x 276 cm

Rembrant Harmenszoon Van Rijn (Holanda, 1606 1669)

Durante el siglo XVI, los Pases Bajos espaoles estaban formados por Flandes, al sur, y siete provincias al norte; sin embargo, mantenan una unidad cultural, poltica y religiosa que fue resquebrajndose en la medida en que los intereses comerciales de la burguesa no eran satisfechos por el absolutismo monrquico. Con la insurreccin de 1572, las provincias del norte inician su lucha por la independencia de la colonia espaola, logrando la separacin en 1609 y el reconocimiento oficial en 1648. Estas Provincias Unidas del Norte (Holanda), libres de Espaa y gobernadas por la burguesa nacional comerciante, se acogen al credo protestante, y se produce en ellas una respuesta artstica singular y marcadamente opuesta a la que ofrece Flandes, que permanece bajo el poder espaol.

El desarrollo econmico de Holanda produjo a su vez la comercializacin del arte y el surgimiento de centros artsticos en ciudades como Haarlem, Leydem, Utrecht, Delft, La Haya y msterdam. En cada una de ellas, a pesar de sus diferencias culturales, se realiza un arte burgus, mayoritariamente laico, intimista, en funcin de la nueva clase y de resaltar los valores nacionales.
Precisamente en Leydem, ciudad humanista y calvinista, nace Rembrandt van Rijn, en una familia de posicin acomodada. Estudia pintura durante 3 aos en el taller de Jacob van Swanenburgh, y posteriormente se traslada a msterdam ciudad natal, y sus obras de este primer perodo (1625-1631) mantiene cierta relacin con el caravaggismo tpico de la poca, por su tratamiento claroscurista y la manera de trabajar unos detalles de los ambientes personajes. Su segundo perodo (1632-1639) se inicia en msterdam con la leccin de anatoma del doctor Tulp. En esta obra se consagra como retratista por la excelencia en la disposicin del grupo y una manera nueva de trabajar la temtica del retrato en Holanda al tratarlo como una escena del gnero: la accin por encima de la representacin. Su capacidad para captar la esencia psicolgica del retratado y su realismo, solo son comparables con el espaol Diego Velzquez. De esta poca es tambin su Rapto de Ganimedes ( 1635), en el que observamos una manera diferente y personal de acercarse a la mitologa.

En Rembrandt, no seguir formal ni conceptualmente los modelos tradicionales en los diversos temas tratados por su pincel, y mostrar soluciones y tratamientos novedosos y hasta atrevidos, aun cuando podamos reconocer el referente, es producto de una bsqueda constante por expresar el misterio y la grandeza del hombre, la naturaleza y las cosas. La introspeccin como mtodo creador y generador define su obra y su singularidad, lo cual se evidencia en su evolucin plstica y su ideario artstico. Su tcnica pictrica transita desde la pincelada plana a los amplios y pastosos toques de pintura; excelente colorista, calido en sus inicios, va adquiriendo tintes cada vez ms dramticos y oscuros, su preocupacin por la luz lo conduce por la experimentacin entre la luminosidad del color y la densidad de las sombras, con lo que logra en ocasiones que su iluminacin dorada sea la protagonista de las escenas. Hundido en la pobreza y profundamente entristecido por la perdida de su mujer, hijo y nuera, muere en soledad y olvido en 1669. El tema de La ronda nocturna es sencillo, nos presenta el momento en que el capitn Cocq da la orden de salida a su lugarteniente y la compaa de voluntarios se apresta para cumplir el mandato. Le fue encargada lo del mdico y magistrado municipal de la ciudad de msterdam, Frans Banning Cocq, en febrero de 1640. Rembrandt trabaj duramente en ella durante dos aos, y es una muestra ms de su concepto del retrato colectivo, en el que la accin est por encima de la representacin. Rompi todos los moldes tradicionales sobre el tema: primero, la compaa no est representada con la dignidad ni el carcter marcial que corresponda al sentir militar. Por el contrario, constituye un grupo ms bien desorganizado que deambula por las calles de ciudad sin orden ni concierto; y segundo, cada oficial que aparece en el cuadro tubo que pagar una fuerte cantidad de florines por su retrato; por lo tanto, exigan una claridad de la escena que permitiera se les reconociera con facilidad y rapidez. Otra vez el artista, inmerso en su continua experimentacin, con el excelente tratamiento claroscurista, la compleja estructura compositiva y el sentido cromtico- dominado por los acordes del negro, el rojo y el amarillo- produce unos contraste y un dinamismo barroco que no permite al que lo observa detenerse en las individualidades, sino ms bien disfrutar del conjunto.

Solo la nia del gallo en la cintura, annima, es resaltada por la fuerte iluminacin de sus ropas, en balance lumnico con el lugarteniente va Ruytenbrch. A pesar del disgusto que se dice provoc La ronda nocturna en la sociedad de su poca y de la armadura de Rembrandt porque no fuera acogida como esperaba, es hoy su obra ms famosa y la que mejor resume sus ideas sobre el arte y la pintura.

Rembrant Harmenszoon Van Rijn (Holanda, 1606 1669) La ronda nocturna, 1642 leo/tela 385 x 502 cm

Peter Paul Rubens (Alemania, 1577 Flandes, 1640)

La pintura flamenca del periodo barroco expresa con ms fuerza y claridad que ninguna otra los postulados ideoestticos de los dos poderes de la sociedad de ese momento: la Iglesia Catlica y las monarquas absolutas. El pintor que mejor sintetiza los ideales del siglo es Peter Paul Rubens. Hombre de vida azarosa, de amplia cultura, coleccionista de arte, transita del aristocratismo ms banal a la sencillez de los ltimos aos de su existencia. Como artista, define su estilo fundiendo las diversas influencias y creando su propia esttica. Las tres gracias, quizs la ms clsica de sus obras barrocas, ha sido la menos estudiada al privilegiar en ella la intensin ertica y no realizar una interpretacin ms profunda y filosfica que es, sin dudas, la que debe haber motivado al pintor. Estas tres damas representaron valores espirituales y adems fueron consideradas las protectoras de las Artes, de la familia y de la Concordia. Plsticamente es imposible imaginar la riqueza del color, la luz y el aire en esta obra sin tener en cuenta la fascinacin que Tiziano ejerci en Rubens. La factura libre y fluida de su pincel, los empastes y las transparencias, la envolvente atmsfera, la sensualidad que emana de sus desnudos, son muestras de su maestra tcnica. Las figuras femeninas ejemplo de su ideal de belleza, con sus carnes fogosas, vibrantes, nacaradas -, al girar sus rostros hacia el eje central de la composicin imponen comunicacin y cohesin al danzante grupo. As, las hijas de Jpiter que personificaban belleza, alegra y gracia, sintetizan las bondades de la joven Helena y, como smbolo de amor conyugal y la fidelidad, exponan el ambiente que reinaba en la privacidad del artista. Pero tambin significaban las virtudes teologales: fe, esperanza y caridad, que resuman el sentir espiritual y religioso de Rubens. Armona espiritual y evasin mundana, tan afines a su vida.

Peter Paul Rubens (Alemania, 1577 Flandes, 1640) Las tres gracias , 1636-1639 leo/ madera 221 x 181 cm

Johannes Vermeer De Delft (Holanda, 1632 1675) El ms grande de los llamados pequeos maestros holandeses, se forma con Carel Fabritius el mejor y ms conocido discpulo de Rembrandt. Su produccin fue escasa, segn estudiosos por su lentitud. Sus obras de pequeo formato, presentan la vida tranquila y austera de su ciudad; interiores apacibles, ordenados, sobrios y escasas figuras, muestran la intimidad de las familias burguesas. Tanto en esto como en los paisajes, la luz es un elemento primordial, y con el uso del color y exquisitos valores tonales, logra una atmsfera fra y una agradable sensacin de silencio. En su obra trata de perpetuar el instante, representar la felicidad del Ser a partir de la meditacin y contemplacin de una perfecta armona: la de la intimidad familiar, o la de la naturaleza en la serenidad de un paisaje. Todo en este pintor transita entre lo racional y lo espiritual. El astrnomo es una de las pocas obras que aparecen firmadas y fechadas, pertenece a su periodo final y es una de sus pocas obras en que representa al hombre pues en su produccin la figura femenina es la reina de su espacio pictrico. Esta obra es un ejemplo de las caractersticas de su pintura, sobriedad, intimismo, austeridad, la luz natural, siempre por la izquierda del cuadro; la figura serena sin establecer comunicacin con el espectador, acciones comedidas y gestos, como detenidos. Aunque en sus cuadros podemos hallar todas las gamas de colores, su gusto deriva hacia los colores fros.

Johannes Vermeer De Delft (Holanda, 1632 1675) El astrnomo , 1668 leo/tela 51,5 x 45,5 cm

Antoine Watteau (Francia, 1684 1721) Flamenco de origen encarna las formas del rococ y ejerce una fuerte influencia entre sus contemporneos. Fuertemente impresionado por las maneras rubenianas, estudia la coleccin de obras flamencas y venecianas de ste y realiza el boceto de Embarque para Citerea, obra que al siguiente ao permite su entrada en la Academia, reafirmando el nuevo camino del arte pictrico francs. A finales del XVII y comienzos del XVIII se produce un cambio en el gusto artstico y se desarrolla una polmica entre los artistas que defendan las formas Acadmicas, con una primaca del dibujo los llamados poussonistas y aquellos que proponan una libertad expresiva y la trascendencia del color por encima del dibujo, denominados rubenistas. Esta lucha entre los seguidores del idealismo esttico a los Poussin, y los que preferan el valor de la pasin y el sentimiento a lo Rubens, tiene en el Embarque para Citerea prcticamente su punto final, con claro triunfo para los pictricos rubenistas.

Esta obra viola todos los cnones pues su tema no perteneca a ninguna categora establecida por la academia, sin embargo es aceptada; es un ejemplo del estilo pictrico innovador y personal del artista. Presenta a un grupo de parejas jvenes que se disponen a embarcar para Citerea, isla del amor, y ofrecer un homenaje a Venus, tema muy en boga en la poca. La presencia de la diosa y la serie de cupidos que acompaan al grupo hacen patente la importancia de lo mitolgico. El paisaje luminoso, con esfumados leornadescos y esos Tiziano y Rubens en el manejo de textura, color y pincelada, muestra el alto nivel tcnico del artista y su capacidad para mezclar en el lienzo lo real y lo teatral en un ambiente naturalista como escenogrfico, lo que a veces dificulta distinguir entre realidad y ficcin. Watteau nos brinda una potica trgica y nostlgica de la existencia, una belleza frgil y, a la vez, una profunda pasin por la vida y los placeres mundanos.

Antoine Watteau (Francia, 1684 1721) Embarque para Citerea, 1717 leo/tela 129 x 124 cm

Thomas Gainsborough (Inglaterra, 17.. - 1788)

La fecundidad cultural que viviera Inglaterra a finales del siglo XVIII estimul la creacin pictrica, de modo que el pas pudo independizarse de las aportaciones extranjeras para desarrollar su propio lenguaje y contenidos plsticos. Thomas forma parte del grupo de destacados retratistas que llen toda aquella poca de la pintura inglesa. En 1774 se instala en Londres y se convierte en pintor de la corte, a esta etapa corresponden las cinco versiones que existen del retrato de Jorge IV como Prncipe de Gales, una de las cuales integra la coleccin de pintura inglesa del Museo Nacional de Bellas Artes. En esta obra intenta presentar con dignidad al heredero de la corona, hijo del monarca Jorge III y descendiente de la alemana casa Hannover, conocido en su poca como dado a las juegas y las fiestas. En ella se aprecia la soltura de la pincelada y la suavidad de los colores, caractersticas de la tcnica del pintor, el tratamiento del rostro se corresponde con la esttica retratista del momento (sealar lo mejor del aspecto y atenuar las imperfecciones), como es el caso de la nariz, la que segn la prensa de la poca, est deliberadamente embellecida. El pintor profesional cumple su encargo, independientemente de sus preferencias por las incitaciones de la naturaleza y las frescas y poticas imgenes que aparecen en otros retratos que, en opinin de mltiples especialistas, se aprecian nuevamente en la pintura europea en los retratos realizados por el francs Rendir. No obstante haber sido un encargo oficial, este conjunto de retratos del prncipe no le fueron pagados en vida a su autor.

Thomas Gainsborough (Inglaterra, 17.. - 1788) Jorge IV como Prncipe de Gales, 1781 leo/tela 76,5 x 63,5 cm

Jacques Louis David (Francia, 1748 Blgica, 1825)

Es considerado el pintor ms importante de la poca tanto por las cualidades formales que trajo a la pintura francesa como por la carga conceptual de su obra excelente intrprete de los tiempos que corran - , que hace de l una figura poltica adems de un gran artista. Desde muy joven manifest su inclinacin hacia la pintura, lo que se vio alimentado por el parentesco con el pintor Boucher, famoso artista del rococ monrquico, y el arquitecto Desmaisons, pero su verdadero maestro sera el pintor Vien, quien lo orient hacia la predileccin por las formas de la antigedad clsica. El germen neoclsico que haba en l despert durante los cinco aos que paso en Roma entre 1775 y 1780-, donde el contacto con las nuevas teoras y prcticas artsticas, as como con las obras de la antigedad, sirvieron para la orientacin definitiva de su naturaleza artstica. A su regreso Francia era un hervidero, signo preparatorio del fin de la monarqua, en la que se movan sobre todos los ilustrados representantes de la burguesa. La ascendencia pequeo burguesa de David lo defini como antimonrquico, identificado con las ideas jacobinas, convencido de la caducidad del rgimen, solo sustituible por los ideales revolucionarios y por un nuevo sistema. De ah que desde el perodo de la Revolucin desempeara un papel rector en el arte y que para representarlo eligiera el lenguaje neoclsico, al que carg con los contenidos que mejor se avenan a la tica revolucionaria de estoicismo, contencin emocional y virtud frente al corrupto rococ. Con el cuadro El juramento de los Horacios, expuesto en Pars en 1785, comenz el perodo de mayor fama artstica y poltica de David, que se prolong hasta la cada de Napolen en 1815. Mientras para la monarqua aquel cuadro solo signific una buena pintura, la burguesa supo leer su contenido revolucionario, y el propio David comprendi el valor didctico y ejemplarizante del arte .

La figura de Napolen signific para el pintor la garanta de que era imposible una vuelta al pasado y la conviccin de un nuevo destino para Francia, por lo que adecu el lenguaje y los contenidos artsticos al servicio de los ideales napolenicos. David supo crear, para el Imperio, un arte inconfundible, pero, a su pesar de que su pintura es un arte comprometido en cuanto exaltado testimonio de la grandeza napolenica, no pierde por ello su importancia desde una perspectiva estrictamente artstica. Junto al arte de compromiso social y testimonial, David desarroll extraordinarias habilidades como retratista, ilustradas en mltiples obras. Entre las obras maestras de este gnero se destaca el retrato Madame Rcamier, de 1800. Este exquisito retrato tiene un toque evidente de sofisticacin apropiado a las inclinaciones intelectuales y sociales de la modelo, que era entonces un foco de atraccin en Pas () El couch o sof en el que aparece reclinada la encantadora joven parisiense haba sido diseado diez aos atrs, y haba servido de modelo para otros tipos de sofs a los que se les llam estilo Rcamier. Esta bella mujer haba implantado modas en Pars, tanto con sus trajes como con los diseos de muebles. La lmpara que aparece a su lado es la reproduccin de un bronce encontrado en las ruinas de Pompeya, y se tom como modelo para la decoracin interior de muchas residencias francesas. El trazo firme y seguro con que David pint a la clebre dama de la era napolenica acenta el carcter sentimental de la joven. A pesar de su neoclasicismo objetivo, el pintor empieza a inclinarse cada vez ms al mundo ntimo () alejndose del tipo de obra que busca expresar la grandeza pica. Despus de Waterloo, con el regreso de los Borbones, David tuvo que exiliarse en Bruselas donde permaneci hasta su muerte. Para esa fecha la pintura del maestro haba perdido el vigor y el brillo caractersticos de su arte, y es un decenio en el que ocasionalmente se encuentran toques magistrales.

Jacques Louis David (Francia, 1748 Blgica, 1825) Madame Rcamier , 1800 leo/lienzo 174 x 244 cm

Francisco de Goya y Lucientes (Espaa, 1746- Francia, 1826)

La compleja y agitada vida que se llevara Francisco de Goya nos ha transmitido un personaje envuelto en una aureola de leyenda, cuya participacin y reacciones a los acontecimientos que le rodearon se vinculan estrechamente al proceso de desarrollo del artista. De su existencia los hechos desconcertantes y ms llamativos son la posicin oficial del artista en el ambiente cortesano y su precisa condena de aquel ambiente; la simultaneidad de obras de tema diverso, con resultados cualitativos y expresivos anlogos; su apoliticidad sustancial entendiendo con este trmino el no militar en una tendencia poltica definida- y el inconformismo ideolgico que, por el contrario, tiene como resultado un valor social, un contenido poltico y una lechn de historia. Para la Academia, Goya era la antipintura, y continu sindolo incluso cuando sus cuadros fueron ms admirados; estimados por no comprendidos. Espaol y europeo, fue con igual coherencia hijo de dos siglos; nada ignor de la gracia maliciosa, de la despreocupacin, la irona y la stira tpicas del siglo XVIII, pero a su vez se rebel contra ste en su orientacin neoclsica y acadmica, en nombre de la libertad de creacin y una personal potica que por la modernidad del lenguaje preanunciaba las ms grandes y revolucionarias corrientes artsticas del siglo XX.

El hombre es el protagonista eterno de los cuadros de Goya (); la presencia del hombre es siempre un momento de reflexin sobre la condicin humana. La vida y la vida es para l la verdad es la constante inspiradora de Goya. () El realismo de Goya parece una alegora de la condicin humana, de sus caracteres, de sus tipos. (...)
De estas premisas puede deducirse que la unidad del discurso goyesco est precisamente en su constante inspiracin de la verdad, lo que justifica la infinita variedad y diversidad de los temas que ha tratado, as como la contemporaneidad de hechos pictricos diversos en las varias fases de la existencia del artista. () Y otro elemento () es su carcter tpicamente espaol que, en definitiva, entronca con la constante realista.

Con sincera emocin de hombre y patriota vivi los trgicos sucesos que en Espaa siguieron a la invasin francesa, y dej un veraz testimonio acusatorio en sus cuadros histricos y en sus grabados de Los desastres de la guerra.. De 1814 son dos cuadros que constituyen una piedra miliar en la historia de la pintura moderna: La carga de los mamelucos o El dos de mayo y Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 o de La Montaa del Prncipe Po , realizados por encargo real para perpetuar por medio del pincel las ms notables y heroicas acciones de nuestra gloriosa insurreccin contra el tirano de Europa. El regreso de Fernando VII haba significado la persecucin de los liberales, de la que el propio Goya no escap en observancia, aunque continuara de mala gana haciendo retratos oficiales. Sin embargo, no hay cuadro histrico que se aparte, tanto como stos, de la tradicin de la pintura de historia, de la manera grande de la Academia, para hacerse historia ellos mismos. Los fusilamientos del 3 de mayo supera en intensidad a su gemelo El dos de mayo. En l los elementos compositivos y formales se distribuyen de modo que aparezca de inmediato del horror del hecho, protagonista real de la obra. La extraordinaria intuicin artstica de Goya lo llev a resolver la disposicin de las imgenes basada en reglas compositivas perfectas. En el paralelismo de planos aparecen dos grupos: el de la izquierda, desigual, agitado, viviente, resaltado por el banco de la camisa, las diagonales cruzadas del personaje principal y los clidos de la sangre de los cados; el de la derecha, un grupo cerrado en ritmo continuo, compacto, ciego, soldados autmatas sin rostro. La gran linterna en el suelo constituye el foco luminoso que refuerza el dramatismo de la escena. La solucin de un ritmo visual, que comienza en la curva de la colina del fondo y envuelve a soldados y fusilados, encierra en el centro la parte vital de la composicin. En 1824, Goya solicit permiso para salir de Espaa. Fuera de ella, en Burdeos, pasara sus ltimos das. Emigrado finalmente a un pas que sera el principal escenario artstico de Europa, pareci intuir los estremecimientos de un mundo nuevo, testimonio que dej en sus ltimas obras al acoger la recin creada litografa y dejar una pintura precursora como es La lechera de Burdeos.

Francisco de Goya y Lucientes (Espaa, 1746- Francia, 1826) Fusilamientos del 3 de mayo de 1808 , 1814 leo/tela 266 x 345 cm

Eugene Delacroix (Francia, 1798-1863)

Pintor francs considerado el mayor exponente del romanticismo pictrico, cuya influencia dur hasta los impresionistas. Recibi una esmerada educacin y fue discpulo del pintor francs Pierre Gurin, quien lo orient hacia la formacin neoclsica, pero la influencia del colorido y la opulencia de maestros como Rubens y Verons determinaran su estilo, as como el espritu de las obras agitadas y pasionales del turbulento perodo postnapolenico de su contemporneo Thodore Gricault. En el Pars subyugado por las convenciones estilsticas neoclsicas, las primeras obras de Delacroix trastornaron los hbitos visuales por sus colores encendidos y vibrantes, las composiciones dinmicas, las formas ms bien sugeridas que definidas, y sobre todo un mundo potico, de inquietudes literarias y agitado por las pasiones humanas. Como todos los romnticos, su vida y su obra estn llenas de las contradicciones que caracterizaron este movimiento, procedentes de las inconformidades de los estratos burgueses frente al desarrollo industrial y al fracaso de los ideales polticos; as, se declara antiburgus pero ms bien contra la pequea burguesa por su cortedad de miras, su mediocre cultura, su mal gusto y su amor por la vida reposada, entretanto asiste a los salones y goza de los favores de las altas finanzas burguesas Tal vez su obra ms conocida e influyente es La libertad guiando al pueblo, tambin conocida como La barricada, que representa su concepto de la libertad como independencia nacional, ya expresado anteriormente en La matanza de Chios, de 1824, y en Grecia sobre las ruinas de Misolonghi, de 1827.

Esta obra, donde se exalta la insurreccin que en julio de 1830 puso fin a la restaurada monarqua borbnica, puede considerarse el primer cuadro poltico en la historia de la pintura moderna, y en ella Delacroix hace uso de los recursos pictricos con toda la intensidad expresiva que requeran el tema y sus sentimientos.

En el amplio lienzo, la figura femenina que hace ondear la bandera tricolor sobre las barricadas es a la vez Francia y la Libertad, y junto a ella los que luchan por ambas cosas, que son una; gente de pueblo, intelectuales, campesinos, burgueses, unidos todos igualmente en una masa combatiente.
No es un cuadro histrico, no representa un hecho ni una situacin. Es una referencia alegrica a la Libertad-Patria, cuya representacin es una figura ideal que para esa ocasin se ha vestido con los andrajos de la gente del pueblo y que en vez de la espada simblica empua un fusil reglamentario. En lo formal, sobre una base inestable se desarrolla el movimiento ascendente de la composicin, desde la masa que culmina en la figura que agita la bandera, en una atmsfera humeante donde la luz toca las formas por diferentes caminos, para en general ofrecer un contraluz sobre el fono encendido y humeante. En primer plano estn los muertos cados hacia atrs. Hay detalles terriblemente realistas, como el pubis descubierto de un cadver, la media cada sobre el pie de otro, la macabra y emotiva llamada de las polainas blancas en los pies del soldado muerto mientras la Libertad viene hacia delante, se lanza hacia el espectador y le dirige un discurso excitado. Es precisamente con el romanticismo de Delacroix cuando el arte deja de orientarse hacia lo antiguo y empieza a proponerse el ser de su propio tiempo a toda costa.

Este cuadro, que le vali la Legin de Honor, confirm la escisin entre la pintura romntica y su exaltacin colorstica y espiritual, y el academicismo de ascendencia davidiana, con su privilegio del dibujo y el distanciamiento respecto al tema.

Eugene Delacroix (Francia, 1798-1863) La libertad guiando al pueblo (La barricada), 1830 leo/tela 260 x 325 cm

Gustave Courbet (Francia 1819-Suiza, 1877)

Al arribar los aos cuarenta del siglo XIX, el desarrollo del capital financiero y la moderna industria trajeron por consecuencia profundas contradicciones sociales y la comprensin de una nueva realidad desde posiciones de la tcnica y la ciencia. En la esfera del pensamiento, junto a las ideas socialistas donde cada una desde sus posiciones procuraba la equidad social- se desarroll la orientacin positivista, como sociologa cientfica que justificaba el capitalismo y otorgaba a la observacin y a la descripcin el papel fundamental en el campo de la ciencia. Por tanto, la realidad observada se convirti en paradigma de verdad y necesariamente en protagonista de la produccin artstica. Surgieron los debates tericos sobre el realismo, donde los artistas incorporaron una actitud ms consciente respecto a la sociedad circundante en un claro impulso frente a la mstica pasividad romntica y al fro distanciamiento clsico, para presentar al hombre despojado de misticismo y mitologa como centro de una nueva esttica y sujeto activo de sta. El realismo de los artistas plsticos y de los hombres de letras no encontr la aprobacin de crticos y jurados y menos an el aplauso del pblico burgus, unos convencionales, otros por temerosos de las fuerzas sociales que poda desatar. En el terreno de la pintura le correspondi al artista francs Gustave Courbet el papel representativo de la esttica realista, lo desempe con autntica devocin y con la agresividad que su tiempo le exigi. A partir de la representacin de la realidad observada rechaz una temtica que consider trasnochada, as como el estilo arbitrariamente embellecedor del objeto. Considero expres- que la pintura es un arte esencialmente concreto y que slo puede consistir en la representacin de las cosas reales y existentes. Es un lenguaje completamente fsico que se compone de todos los objetos visibles. Un objeto abstracto, no visible, no existente, no es del dominio de la pintura

Muy plantado en su presente, vuelto hacia el porvenir y no en funcin del pasado, crey en el progreso, en la ciencia, y manifest sus simpatas por los humildes y desposedos, sin que esto quiera decir que lleg a ser un militante activo, aunque al final de su vida se vincul con la accin revolucionaria de la Comuna de Pars como director y custodio de los museos de la ciudad, al precio de la confiscacin de sus bienes y el exilio en Suiza tras la represin. Es fcil suponer, entonces, que su pintura irritara y horrorizara por los temas abordados y por la actitud desafiante del pintor. A partir de 1848 pint una serie de lienzos, como el enorme Entierro en Ornans, Los picapedreros y Las cribadoras de granos, que hicieron de l un personaje escandaloso y hasta fichado por el cuerpo de Seguridad francesa, y que en definitiva confirman su credo esttico: Lo verdadero, esto es lo bello. Poseedor de un excelente oficio pictrico, su maestra para pintar la carne humana, especialmente la femenina, provoc no poca desesperacin en otros artistas que trataron de imitar su tcnica. Igualmente la representacin de sus mujeres desnudas en diferentes contextos a veces demasiado reales, provoc la clera del pudor atacado. Entre las imgenes femeninas se encuentra el retrato de Jo, la modelo irlandesa del pintor Whistler, que fue retratada por Courbet varias veces entre 1860 y 1870, junto con otros cuadros de mujeres como La muchachada las gaviotas y Tres inglesitas. En esta imagen aparece como en close up una joven de abundante cabellera rojiza que se mira en un espejo de mano. El centro del cuadro est dominado por la palidez roscea del rostro, mientras que el cabello sirve prcticamente de marco a la composicin. No obstante la minuciosidad verista de los elementos del cuadro, la expresin pensativa, de resonancias prerrafaelistas, confirma la reaparicin del tono sentimental de los aos juveniles del pintor en obras tardas como sta.

tcale a Gustave Courbet desembarazar el camino de algunos convencionalismos artsticos impuestos desde el Renacimiento. Hizo figura de rebelde para afirmar la validez de lo vulgar en una poca que se extasiaba ante lo bonito. Y su pasin por la objetividad, que responda a una necesidad del momento, fue compartida luego por la generacin de pintores impresionistas, quienes, prescindiendo de intenciones extrapictricas, descubrieron la milagrosa accin de la luz en la configuracin de la verdad ptica. El objeto, que para el realista se caracterizaba por la densidad y el peso de la materia, qued as sumergido, anulado por los cambiantes efectos luminosos. Destino similar sufri el tema, reemplazado por el simple motivo. El slido mundo de Courbet se desmoronaba para dar paso a las ms riesgosas y apasionantes aventuras plstico-pitricas del siglo XX. Pero Courbet haba sido, por su accin y por su obra, el primero en desafiar la augusta tradicin, y como tal se le valora y estima en nuestros das.

Gustave Courbet (Francia 1819-Suiza, 1877) Jo, la Bella Irlandesa, 1866 leo/tela 54 x 65 cm

douard Manet (Francia, 1832-1883) En el clima eclctico y acadmico del Pars del Segundo Imperio, la incomprensin y el rechazo oficiales fueron los escollos con que tropez la pintura de Manet, la que con sus transgresiones abri el camino al impresionismo y a la pintura posterior. Es por tanto una obra que, por sus aportes tanto de contenido como de forma, se sita en la encrucijada de la contemporaneidad. Este pintor y grabador parisino naci en el seno de una familia cuya posicin econmica le proporcion una excelente educacin y una existencia confortable de buen burgus, no obstante su manera revolucionaria de concebir la pintura. Luego de una juvenil experiencia marinera, su familia acept que estudiara pintura en el estudio de Couture, uno de los ms prestigiosos pintores acadmicos de la poca. Los seis aos pasados en aquel atelier no fueron nada pacficos dada su comprensin de que ya no se poda pintar como hasta entonces, que por una parte los nuevos medios haban modificado la perceptualidad y la pintura no poda desentenderse de ellos, y por sta precisaba su validacin como expresin artstica autnoma, libre de convenciones y estereotipos. Ese tiempo le sirvi para descubrir en los museos las obras de los venecianos y los espaoles particularmente Tiziano, Goya y Velzquez-, y sobre los modelos de esas dos grandes tradiciones erigi su pintura en una confrontacin con el presente, con una propuesta tcnica que significaba un nuevo lenguaje cromtico capaz de resolver por s solo la imagen, sin recurrir a las sombras y al minucioso diseo. En 1859, el jurado del Saln le rechaz El bebedor de ajenjo. A partir de ese momento vivi envuelto en la hostilidad y los continuos escndalos. l, gran burgus, incluso dandy, amigo de Baudelaire, sensible, refinado, fue considerado por la prensa y el gran pblico como burdo bohemio, revolucionario, embadurnador de colores, en suma, maldito e ignorante.

Por los aos 60, la atmsfera parisina estaba llena de hispanidad a partir de una serie de factores musicales, literarios, y hasta por la presencia de la propia emperatriz, de origen espaol. De ah que las obras de los primeros de aquella dcada se enmarcan en lo que se ha denominado la etapa espaola del pintor. Ya entonces se aprecia en ellas cmo el artista va sustituyendo los convencionalismos de la ficcin por los elementos del presente. Sin dudas estudiaba y amaba a los maestros del pasado, pero su lenguaje no poda menos de ser el lenguaje moderno. En obras como Victorine en traje de espada, Torero muerto o Lola de Valencia, se observa un nuevo tratamiento especial, que reduce la profundidad, altera los puntos de vista, no seala lmites; una tendencia a la planimetra no exenta de tridimensionalidad- en los volmenes achatados, a lo que contribuyen los colores extendidos en amplios campos, sin transiciones, yuxtapuestos, que sern rasgos caracterizadores de su pintura, donde la realidad esta expresada en forma plstica, como algo que el artista debe crear sin preconceptos, con recursos puramente artsticos. La exhibicin del Almuerzo campestre en 1863 provoc un escndalo sin precedentes y el consecuente rechazo oficial, de modo que solo tendra lugar en el Saln de Rechazados instaurado por el propio emperador para aquellos casos. El gusto burgus solo acert a ver impudicia e inmoralidad en aquel tema de inspiracin clsica, modelo de bao en la naturaleza, de una escena de la vida intelectual del mundo moderno en una atmsfera pagana y de modernidad no exenta de socarrona burla a la moral y al pudor, como revelacin del principio del artista ser de su tiempo y hacer lo que se ve. Formalmente la obra presenta una composicin clsica de grupo cerrado al centro compuesto por una joven desnuda de extraordinaria blancura, que nos mira como si hubiera volteado el rostro al descubrir nuestra presencia, y dos hombres vestidos que conversan plcidamente; en el plano medio otra figura femenina a medio vestir se lava en aguas apacibles; la perspectiva nada convencional- resuelta por oleadas cromticas culmina en un foco iluminado al fondo entre el virtuoso paisaje. Virtuosa es igualmente la naturaleza muerta del primer plano, como ejemplo sumario de asuncin de la tradicin subvertida.

Al respecto comenta Ventura: Hay en el Almuerzo el aire estupefacto y el silencio de una pintura de siglos de antigedad; y al mismo tiempo la advertencia de que algo ha acabado de aquellos siglos; y que un mundo ms inquieto, ms insatisfecho y nervioso,, se mueve ya a la bsqueda de otras conquistas: que no solamente son conquistas de arte, sino tambin de vida diaria (el tren, el coche sin caballos); y que ya no es posible el aislamiento, hay que vivir entre la gente, moverse, comenzar a correr para ir al paso del progreso: mientras por encima de todo flota una leve sonrisa de escepticismo o de irnico distanciamiento, que no se refiere exclusivamente al mundo que muere, sino que anticipa una futura actitud. A pesar del reconocimiento de seres de excepcin como Valry, Zola o Mallarm, alguna que otra distincin pblica y tardos honores oficiales, Manet muere amargado por la incomprensin general.

douard Manet (Francia, 1832-1883) Almuerzo campestre (Desayuno sobre la hierba), 1863 leo/tela 208 x 264, 5 cm

Joseph M.- William Turner (Inglaterra, 1775-1851) Desde nio revel Turner su talento para la pintura y el dibujo, y ya en 1789 su padre decidi que hara de l un pintor y los inscribi en la Escuela de la Real Academia. En 1794 atrajo la atencin de la crtica con la exhibicin de cinco acuarelas, tcnica que influy considerablemente en la alta tonalidad y el modo de extender el color de gran cantidad de sus obras al leo. El hmedo y luminoso ambiente de sus cuadros que sus contemporneos llamaron vapor teido- es, sin duda, deudor de la experiencia con la acuarela, tcnica muy desarrollada por los britnicos a partir de la superposicin de lavados de colores semitransparentes. En l se aprecian influencias de las marinas del holands Willem van der Velde (1633-1707), los efectos lumnicos atmosfricos de John Robert Crozens (1725-1797), y especialmente la melancola de las vistas de Claudio de Lorena (1600-1682). En 1802 fue elegido miembro de la Real Academia. Tena veintisiete aos de edad. Por las cualidades intrnsecas de su pintura y por la enorme cantidad de obras que realiz se considera entre los ms importantes pintores de habla inglesa.

La obra de Turner representa, en pintura, un momento culminante del romanticismo a la inglesa en correspondencia con el proceso cultural que se dio en su pas ilustrado por una plyade de poetas como Shelley, Byron, Kyats, y por exaltados pintores visionarios como William Blake y Henry Fusely.
Dotado de una aguda capacidad de observacin, sus obras recogen aspectos de la realidad pasados por el tamiz de una hipersensibilidad, imaginacin y estro lrico que hacen que, a fuerza de ser apasionadamente verdico, se adentre en el terreno de lo inverosmil, y lo que recoge nuestra visin es una fantstica cuasi abstraccin.

Empero sera torpe valorar a Turner especialmente por sus notables dotes de observador objetivo y atribuir singular importancia a sus cuadros por su faceta documental. Ms all de su calidad de ser sensible y de su condicin de imaginativo romntico, era un pintor para quien el lenguaje propio de la pintura () deba anteponerse a toda expresin naturalista. Vea como pintor, senta como pintor y transmita como pintor, lo cual se advierte claramente (si se examinan sus cuadros) en que ni cielo, ni tierra, ni agua, ni nubes, i barcos, ni edificios, ni puentes, ni fuego, ni humo tienen las calidades propias de esas cosas, pues han sido traducidas a calidades diversificadas de la materia pictrica que precisamente son las que dan todo su valor a la obra y la liberan del peso () de la ancdota, sin que el artista eluda los datos figurativos indispensables para la interpretacin del tema.() Turner como Monet- pintaba, ms que las cosas, la inmersin de las cosas en la atmsfera y la luz () Sin duda, puede relacionarse a Turner con los impresionistas por su comn inters en la representacin de los fenmenos naturales () Pero aun en esto hay una notable diferencia, pues en el ingls, contrariamente a lo que ocurre con los franceses, se descubre una inclinacin a lo dramtico, una preferencia por lo catastrfico, que se manifiesta en la eleccin de su temtica. El huracn, el naufragio, el siniestro terrestre, son asuntos de paisaje frecuentemente tratados por l y, como pintor de historia tambin, busca temas propios para la expresin de acento pattico.() Los ingredientes romnticos puros de su temperamento seran la sensibilidad y la imaginacin puestas al servicio de una interpretacin subjetiva de lo real; pero a ellos se agregara una propensin a la dramaticidad que es perceptible en toda su obra, pero acaso ms an en los detalles de su vida privada. El cuadro Nave de esclavos ilustra la visin trgica y espectacular de una lectura del artista sobre una epidemia en un barco de esclavos, durante la cual el capitn decidi tirarlos al mar antes de sufrir mayores prdidas por la enfermedad. Como una explosin, la turbulenta escena en la que se confunden animales y fragmentos de cuerpos concentra la intensidad de coloracin al centro mientras se aclara hacia los bordes, tpica solucin espacial en muchas pinturas de Turner.

La personal inclinacin dramtica con dosis de extravagancia se increment al final de su vida cuando asumi la mana del secreto y del incgnito, hasta el punto de vivir con varios seudnimos. Por otra parte, consciente del valor de su obra, lleg a considerarla como una totalidad indivisible cuyo mensaje sera desvirtuado si fuese diseminada entre muchos poseedores, motivo por el cual acumul sus cuadros y se neg a venderlos bajo ningn precio, pues resolvi donarlos al Estado, gesto que dio lugar a la enorme coleccin que actualmente atesoran las Galeras Nacional y Tate de Londres. A su muerte, la acumulacin de obras empolvadas durante cuarenta aos en su casa cerrada llev a un especialista a expresar Acabo de visitar la casa de Turner. Nada me haba impresionado tanto desde Pompeya.

Joseph M.- William Turner (Inglaterra, 1775-1851) Nave de esclavos, 1839 leo/tela 122 x 89 cm

Claude Monet (Francia, 1840-1926) Pintor que llev a su mxima expresin el estudio de los estados transitorios de la luz natural y su incidencia en la conformacin del universo fsico, fuera del convencional concepto anecdtico y mimtico de la pintura hasta entonces. Esta cualidad lo hace el ms tpico y obstinado representante del impresionismo. Durante su larga vida volc una increble capacidad de trabajo con una voluntad perfeccionista de investigacin pictrica de las sensaciones que la realidad, particularmente el paisaje, ofrece a los ojos humanos. Su actitud pictrica encuentra correspondencia en el desarrollo cientfico alcanzado por la poca en la Fsica, la ptica, las nuevas formas de energa, las teoras sobre el color y los estudios sobre la percepcin y las sensaciones. Naci en Pars el 14 de noviembre del 1840 y pas los primeros aos de su vida en El Havre, donde sus padres tenan un comercio. Con las lecciones recibidas del pintor Eugene Boudin comenz su comprensin de que para atrapar el instante fugaz en que la luz transforma los elementos naturales y ofrece una nueva realidad en cada instante, era necesario trabajar al aire libre y con gran rapidez. El mar, elemento protagnico de aquel entorno, serva muy bien a estos fines y qued plasmado en las primeras marinas de su juventud. En 1874, Monet y el grupo , denominados a s mismos pintores independientes, exhibieron pblicamente por primera vez sus obras, en una sucesin de ocho exposiciones hasta 1886, en las que participaron alternativamente unos y otros. La prensa les aplic burlonamente el epteto de impresionistas, tomando como referencia una de las pinturas de Monet que llevaba el ttulo Impresin: sol naciente (1872, Museo Marmottan, Pars), a causa del aspecto inacabado de sus obras, de espontnea inmediatez, aunque ninguno de los integrantes del grupo practic la ortodoxia impresionista como Monet. La captacin del fugaz instante lumnico como motivo protagnico de la pintura requiri de una novedosa tcnica de pequeas pinceladas de colores puros yuxtapuestos, que en su recproca influencia permiten que nuestra retina conforme el objeto observado, lo que da por resultado cromticas imgenes desdibujadas, volmenes vibrantes, fusin de los planos, prcticamente de manera bidimensional, aspectos que chocaron con las convenciones histricamente legitimadas de la pintura al despojarla del valor conceptual de la ancdota, del claustro de la composicin, del rigorismo del espacio y de la reproduccin mimtica.

Esta instantaneidad, que excluye el proceso intelectual o emocional para situarnos cientficamente ante la naturaleza contemplada, sign la produccin pictrica de Monet, quien, del color aplicado con cortas y vigorosas pinceladas, fue refinado cada vez ms su tcnica hasta alcanzar verdaderas atmsferas lumnicas, muchas de las cuales parecen tocarse con la abstraccin. En septiembre de 1878, Monet se instal en la localidad campestre de Vtheuil, junto al Sena, a unos cincuenta kilmetros de Pars, donde permaneci hasta 1881. All, aunque pint obras ejemplares, las estrecheces econmicas se unieron a la enfermedad que consumi a su esposa. Uno de los pocos cuadros realizados en el verano de 1879 es el Campo de amapolas cerca de Vtheuil, que recoge en nerviosas manchas de intenso cromatismo tanto las flores como las figuras que estn sumergidas en ellas, con un clsico horizonte que separa el campo florecido de un casero y altos rboles, todo a la luz de la tarde. Pasados los escndalos de los primeros aos, a mediados de la dcada de 1880 ya Monet haba alcanzado reconocimiento y buena posicin econmica, lo que le permiti adquirir una propiedad en Giverny donde construy un jardn con un estanque de ninfeas, atravesado por un puente japons con sauces y bambes a su alrededor, que serviran de motivo fundamental para obras de sus ltimos aos. Sus cuadros de ninfeas () anticipan, en su estructura abierta de formas diluidas y en su imponente tamao, la lnea a seguir por movimientos posteriores. La revolucin que sin proponrsela llevaron a cabo los impresionistas cambi radicalmente los conceptos y las formas en la pintura, y no obstante las particulares orientaciones pictricas posteriores, son todas ellas deudoras de sus conquistas.

Claude Monet (Francia, 1840-1926) Campo de amapolas cerca de Vtheuil, 1879 leo/tela 70 x 90 cm

Edgar Degas (Francia, 1834-1917)

Procedente de una familia acaudalada que le posibilit una excelente educacin. Edgar Degas pudo dedicarse a su vocacin de pintor. Estudi con los maestros Flandrn y Lamothe, de los que obtuvo la inicial educacin acadmica que se aprecia en sus primeras obras, y la inclinacin por la lnea y el dibujo se continuara en su produccin posterior. Incluso conoci en 1855 al propio Ingres, quien le sugiri hacer muchas lneas copiando al natural o de memoria, solo as te hars un buen artistas. Tal vez para sentirse ms a tono con el espritu democrtico-burgus que reclamaba la poca, a partir de los aos 70 modific el De Gas de su verdadero apellido por el Degas con el que se conoce. Para esos aos haba viajado a Italia y realizado las primeras obras que pronosticaban un excelente pintor acadmico. Tras una breve estancia en las posesiones familiares de Estados Unidos regresa a Francia y comienza una mayor relacin con el grupo impresionista, del que fue uno de sus ms activos y polmicos integrantes. Puede parecer sorprendente esta relacin porque, a diferencia de los impresionistas, Degas era un pintor de estudios que pintaba de memoria o frente a un modelo, prefera trabajar sobre la figura humana, rechazaba la pintura al aire libre, la espontaneidad, nada en el are debe parecer accidental, incluso el movimiento, declaraba, pero lo una a ellos la juvenil rebelda e inconformidad con las convenciones, la vida contempornea como tema de la pintura, el amor por el color liberado, los efectos lumnicos momentneos y la capacitacin del movimiento. Como su amigo Manet solo dos aos mayor-, su mirada artstica parta de la realidad a la vez que se senta identificado con el arte de los grandes maestros del pasado; no obstante, estaba consciente de que la pintura entraba por nuevos cauces donde los valores puramente plsticos desempean un papel fundamental sobre la mimesis. Sus luchas, bsquedas y logros se sintetizan en la conciliacin de principios y tradiciones en pugna con la nueva esttica que se abra paso en la poca.

Una vez en Pars su estilo se define, y participa activamente en la preparacin de la primera exposicin de los impresionistas, que se inaugura el 15 de abril de 1874. Expuso en esa ocasin diez obras entre leos, dibujos y pasteles. En lo adelante, aun cuando sostena incansables polmicas con los compaeros de grupo, fue el ms sistemtico expositor del impresionismo, ausente solo en la sptima de las ocho exposiciones celebradas. Agudo observador del entorno parisino que frecuentaba, acumul un copioso repertorio de actitudes y gestos recogidos en los cafs, en los teatros y en las carreras de caballos. En encuadres inditos para la pintura que revelan su filiacin con la fotografa, escogi imgenes sorprendidas del cansancio, del trabajo, de la ociosidad, de la intimidad femenina, muchas con cierta inclinacin satrica y amarga y hasta con un realismo de crudeza burlona, como la serie de pasteles de mujeres que se asean pintados al final de su vida. Sin embargo, el motivo del movimiento atrapado bajo la luz artificial del teatro, expresado en la temtica de la danza, es lo que ha dado mayor notoriedad. La obra Escuela de danza con escalera de caracol, pintada en 1876, es una de las composiciones ms complejas entre las relativas a las lecciones de danza, donde rene un considerable nmero de bailarinas en multiplicidad de posiciones. El espacio es amplio en profundidad, ahondado con la visin de una segunda sala al fondo, que sirve a su vez para contraponer la zona de luz a la penumbra del primer plano. A la izquierda una escalera de caracol muestra una visin parcial de las piernas y de los vaporosos tutes de las bailarinas, como una afirmacin de su inters por atrapar el movimiento y de sorprender fotogrficamente la imagen. Oficio de ciego llam a la escultura, expresin artstica que tambin abord y que al final de su vida intensifica en pequeas figuras femeninas modeladas en barro. Ante la prdida progresiva de la visin, la escultura le permita desplegar la figura en el espacio y en movimiento de forma ms dinmica sobre la superficie plana, con lo que se antepone a conceptos contemporneos sobre esta manifestacin. Observar a Degas es comprender que su influencia no va directamente a algunos en particular, sino a toda la pintura contempornea. Respecto a la riqueza de sus procedimientos y a la apropiacin que de ellos poda hacerse comenta su contemporneo, el pintor Paul Gauguin: Mucho se ha tomado de Degas y l no se queja. Su asco est lleno de ardides que una migaja de ms o de menos no le empobrecer.

Edgar Degas (Francia, 1834-1917)

Escuela de danza con escalera de caracol, 1876

leo/tela 43 x 57 cm

Vincent Van Gogh (Holanda, 1853- Francia, 1890) Pintor postimpresionista, dej una vasta obra de cerca de ochocientas pinturas y mil seiscientos dibujos realizados mayormente en un perodo de cuatro aos. Aunque sufri la incomprensin de sus contemporneos y no lograba la venta de sus cuadros, en la actualidad stos han cobrado un valor extraordinario y se encuentran dispersos por casi todos los museos del planeta y colecciones particulares, adems de la amplia coleccin que atesora el Museo Van Gogh en Holanda. La alta intensidad del color y la peculiar deformacin de las figuras constituyen el legado ms significativo que habran de recoger los pintores de la vanguardia expresionista de principios del siglo XX. Tcnicamente puede considerarse un autodidacta que, despus de emprender mltiples actividades, descubri en 1880 su vocacin y comenz a dibujar. Desde su juventud demostr tener un temperamento apasionado que se manifestara con gran fuerza expresiva en su produccin pictrica. La primera etapa de su creacin, considerada el perodo holands, se caracteriza por la identificacin con los sufrimientos y la miseria de la humanidad tal como los vivi entre los mineros de Blgica. Son obras de ocho tonos oscuros y sombros, empastes gruesos, que recogen con robusto expresionismo un universo trgico y sufriente de ancianos y campesino, demacrados, inmersos en sus labores. Esta inclinacin emocional lo hace el pintor de fines del siglo XIX ms vinculado con los conflictos sociales de su poca. En 1886, cuando se instal en Pars, el descubrimiento de la intensidad lumnica y cromtica en las obras de los pintores impresionistas, junto con las soluciones espaciales y dibujsticas de los grabados japoneses, fueron decisivas para su produccin posterior. Como todos los pintores que sucedieron este grupo, se sirvi de las conquistas colorsticas y las libertades sobre las convenciones pictricas alcanzadas por aqul, no obstante sus personales criterios artsticos.

Artista de profunda subjetividad, para l todos los fenmenos visibles parecan estar dotados de vitalidad fsica y espiritual, de ah que compartiera los principios de objetividad cientfica impresionista que de la fugacidad llevaban a la desintegracin formal, y construyera su propio lenguaje basado en formas de un grafismo vigoroso en un juego frentico de pinceladas y en el uso expresivo y arbitrario del color, libre de funcin descriptiva. La apetencia de una naturaleza en presente, intensamente luminosa, lo llev en 1888 a Arls, sur de Francia, en busca de lo que llam su Japn provenzal, donde tambin esperaba atraer pintores amigos y fundar con ellos una comunidad pictrica All, entusiasmado por el brillo solar, alcanz el dominio de los medios expresivos, los colores se encendieron, particularmente los tonos amarillos que devinieron alegra, y se abri el espectro de la multiplicidad de pinceladas. De este perodo son sus cuatro cuadros con los girasoles como protagonistas. Son flores intensas, henchidas de vida. En la esperanzas de vivir con Gauguin en nuestro propio taller quiero pintar una serie de cuadros para decorarlo. Slo girasoles gigantes, escribe Vincent a su hermano mientras espera la llegada del pintor amigo. Trabajo todas las maanas desde la salida del sol, pues las flores se marchitan rpidamente y todo debe ser pintado de una sola vez Este cuadro es un ramo de flores contra un fondo amarillo, como una naturaleza muerta de membrillos y limones que pint hace tiempo. Pero es mucho ms grande, tiene un efecto muy particular () rodeado de aire, sencilla y absolutamente flor y nada ms, al mismo tiempo pastosa y slida() me esfuerzo en este momento por encontrar una tcnica para la pincelada sin puntillismo ni ninguna otra clase de trucos, nada ms que una pincelada ricamente variada. La breve estancia que pas junto al pintor Paul Gauguin estuvo llena de enfrentamientos que culminaron con la violenta discusin tras la que Vincent se cort el pabelln de una oreja, como inicio de los ataques debidos a su desequilibrio mental.

A partir de entonces su existencia estuvo compartida entre perodos de internamiento y de aparente mejora. Sobrevino la etapa en que la paleta perdi brillo, dominaron los azules profundos, los verdes oscuros, los amarillos y rojos parecieron apocalpticos, el sol cedi lugar a la luna, los cipreses reemplazaron a los girasoles, se reiteraron los temas vespertinos y nocturnos, las imgenes fueron cada vez ms mviles, en un juego desenfrenado de pinceladas retorcidas y estiradas, circulares, espirales, radiales. Obsesionado por su propio derrumbe, represent una naturaleza furiosa y desordenada en paisajes que, aunque llenos de una amenazante sentimiento de angustia, conmueven por su poderosos colorido e intensidad expresiva. La obra pictrica de Van Gogh de una de las ms fecundas de todos los tiempos, y a ms de un siglo de realizada contina emocionando tanto por sus cualidades plsticas como por su profundo contenido humano.

Vincent Van Gogh (Holanda, 1853- Francia, 1890) Girasoles, 1888 leo/tela 93 x 73 cm

Paul Gauguin (Francia, 1848-Islas Marquesas, 1903) Pintor postimpresionista procedente de una familia de clase media, su existencia se vio signada desde el principio por los desplazamientos y las rebeldas. Comenz con una estancia de cuatro aos en Per durante su infancia, luego como marino mercante, y cuando pareca que se iba a establecer como burgus acomodado y prestigioso agente de bolsa parisino que sala los domingos a pintar con una respetable familia de esposa y cinco hijos, decidi abandonarlo todo para dedicarse a la pintura, lanzndose a una vida azarosa de viajes y bsquedas continuas que definiran las caractersticas de su obra. Prcticamente autodidacta, es un artista que desde el principio se situ en las avanzadas de la poca. Para Gauguin el arte verdadero estaba e la expresin ms pura, despojada de toda literatura y retrospectismo; por eso los referentes de su pintura no exploran en la tradicin, sino que se vuelven hacia aquellas formas de arte que consider incontaminadas, como las de los pueblos primitivos. En 1874 conoci al pintor impresionista Camille Pisarro, por el que descubri las potencialidades del color. Aunque no compartiera la mirada cientfica de los impresionistas, y el propio Monet, incmodo por su presencia, le llamara chapucero recin llegado, expuso con el grupo en cinco de las ocho exposiciones realizadas. Las estancias en la Bretaa entre 1886 y 1891 significaron el primer impulso de buscar, en la vida sencilla y arcaica de la regin, lo permanente y verdadero de la naturaleza. All se vincul con el grupo de pintores experimentales conocidos como escuela de Pont-Aven, a los que sus lecciones de inverosimilitud cromtica de contenido expresivo y simblico sirvieron a los fines del movimiento simbolista. Bajo la influencia del pintor mile Bernard adopt un estilo menos naturalista, de estructuras rgidamente organizadas en colores fuertemente contrastados, al que denomin sintetismo. El corto perodo que pasara en Arls junto a Van Gogh en 1888 le permiti entrar en contacto con las concepciones espaciales y el tratamiento colorista de las reas en los grabados japoneses.

Como huida de la decrpita Europa, en abril de 1891 hizo el primer viaje a Tahit con la esperanza de encontrar all las fuentes primigenias del arte y pintar el universo primitivo de las islas en medio de la vida no falseada. A partir de este momento desarroll la pintura ms conocida de su produccin, relacionada temticamente con los motivos indgenas. Gauguin no pretendi nunca imitar a los nativos en sus formas artsticas, sino participar ntegramente de la vida primitiva para que esas formas surgieran de s con absoluta espontaneidad, tal como surgan sin esfuerzo de los nativos con quienes conviva. No obstante, su destino y su propia obra revelan su error, ya que la civilizacin haba llegado a las islas que eran colonias europeas, y l mismo era parte de ella y acumulaba en s el imaginario histrico de su procedencia. Los lienzos de esos aos captan con gran expresividad cromtica, rechazo a la perspectiva tradicional y utilizacin de formas amplias y planas, la vida sencilla del ambiente virgen. En tanto profundiz en la cultura y el ambiente de las islas, su obra fue cobrando mayor fuerza expresiva gracias a eso que Mallarm llamara el misterio que pona en el color; la escala se hizo mayor, y las composiciones, ms simples, sintticas y estticas, lo que les otorga las pinturas una sorprendente amplitud monumental, independientemente de las reales dimensiones del cuadro. Temas de la vida sencilla e inquietantes escenas de supersticiones indgenas sirvieron de pretexto para sus bsquedas de pureza artstica y de expresividad. La obra Tahitianas,de 1892, es representativa de su credo esttico a travs de una escena que recoge la naturalidad de dos reposadas mujeres, de primitiva belleza muy distante del ideal europeo, en que los recios cuerpos femeninos llenan casi todo el espacio pictrico con el volumen subrayado por la belleza del color. El paisaje de fondo parece no resolver en perspectiva, sino en yuxtaposicin de planos cromticos que se integran orgnicamente a las figuras para otorgarles fuerza a la expresin y monumentalidad a las imgenes.

Entre 1901 y 1903 vivi en Aduana, Islas Marquesas, donde entr en conflicto con los funcionarios locales por su corrupcin e inhumanidad hacia los nativos. All enferm de gravedad y consider la posibilidad de regresar a Europa. Su amigo Daniel de Monfreid le escribi entonces: No debe regresar, usted goza de la inmunidad de los grandes muertosHa entrado en la historia del arte La importancia de la obra de Gauguin es capital para la pintura moderna; sus atrevimientos coloristas constituyen un antecedente directo del fauvismo; asimismo, la fuerza de sus formas pictricas influy en el movimiento expresionista.

Paul Gauguin (Francia, 1848-Islas Marquesas, 1903) Tahitianas, 1892 leo/tela 67 x 91 cm

Paul Czanne (Francia, 1839-1906) Paul Czanne es una de las mayores figuras en la historia de la pintura por lo que su obra significa para el arte del siglo XX. Resonancias de su leccin pueden encontrarse tanto en cubistas como en fauves y abstractos. La incomprensin hacia su arte y las duras crticas que recibi en vida hicieron de l un individuo retrado y solitario. Aislado en su propiedad en Aix produjo la mayor parte de su obra; solo fue reconocido y visitado por los pintores ms jvenes de la poca, que vieron en el maestro la futura proyeccin de la pintura. Hijo de un banquero acaudalado, realiz estudios de leyes ante el rechazo paterno por las Bellas Artes; comenz entonces la amistad con Zola, que terminara en 1886 tras una discrepancia por problemas de interpretacin de una novela de ste. En 1962 pudo ir a Pars a estudiar pintura. All se relacion con las avanzadas de la poca, que eran los pintores impresionistas. La influencia ms significativa la recibi de Camille Pisarro, quien lo introdujo en la tcnica impresionista de la utilizacin de pequeos toques de colores puros, sin dibujos preliminares, para conseguir los efectos de la luz natural sobre los objetos. Despus de exponer junto al grupo en 1874, desarroll la orientacin pictrica que lo distingue. Su potica se sustenta en las potencialidades del color para construir la forma; desdeando todo efecto fugaz, pero haciendo uso de las conquistas lumnicas y cromticas de los impresionistas, reconstruye y concilia la forma con el color, el objeto con la luz. Consideraba que el dibujo est implcito en la plenitud de la forma, que no existe en s; la naturaleza no dibuja, expresaba, por eso su pintura es de volmenes coloreados que lograba por una pincelada plana, constructiva, de color modulado en lugar de modelado, con lo que abandonaba la convencional forma de representacin por un sistema ms expresivo, ms prximo a la naturaleza, o como deca el propio artista, paralelo a la naturaleza. Al responder con un retorno al objeto a travs del color como valor constructivo, reintrodujo una estructura formal que el impresionismo no haba abordado. Igualmente se tom licencias con la perspectiva y el espacio, que entraan una nueva definicin de ste y la consecuente alteracin de la visin convencional. De ah que los elementos en el cuadro estn distribuidos en un orden plstico, con sus propias leyes de atracciones y repulsiones, de gravitacin y de equilibrio, donde el cilindro, la esfera y el cono son las formas ejemplares para la medida del nuevo espacio.

Los jugadores de cartas es una pintura que se inscribe en los problemas de sntesis y el inters por la figura humana que el artista abord hacia el final de su vida. Realizada en Aix por los aos 1890-92, los modelos son campesinos de la localidad cuya imagen es conseguida tras atentos estudios de retrato. En ella aparecen dos figuras masculinas, de perfil, sentadas frente a una mesa, en concentrada actitud de jugar a las cartas. En el personaje de la izquierda est retratado el jardinero Pre Alexandre. La construccin, donde los jugadores aparecen en una determinacin de volmenes y planos de color contrastado, enriquecido por infinitos matices, es sobria e imponente. El espacio es reducido; la mesa en tonos clidos, se inclina, quebrando las leyes fsicas convencionales; el fondo, casi plano como elemento integrador, presenta un paisaje apenas insinuado en tonalidades violeta, azul grisceo y blanco. La sntesis de los gestos, la resolucin de la forma y la acusada intensidad del color, confirman la estricta unidad de la pintura y la universalidad de los personajes, tal como definiera Ventura:Un campesino de Czanne es individual como retrato y universal como una idea. Sin dudas, no hay artista a quien la pintura del siglo XX deba tanto en su totalidad y hasta en sus contradicciones, y en si leccin encuentra resonancia en casi todas las generaciones de artitas plsticos contemporneos.

Paul Czanne (Francia, 1839-1906) Los jugadores de cartas, 1890-92 leo/lienzo 45 x 57 cm

Henri De Touluse-Lautrec (Francia 1864-1901)

La historia del arte recoge mltiples ejemplos de deformacin grotesca de la realidad como medio de exaltar valores expresivos. Esta tendencia se desarrolla a principios del siglo XX, pero es a finales del XIX, ante la crisis de las relaciones artista-sociedad, cuando aparecen los precursores del expresionismo. Los artistas finiseculares orientados hacia el expresionismo tienen en comn la inadaptacin, la inconformidad y la libertad de espritu y de creacin, lo que significa el rechazo y la marginacin. Esto da lugar a una extraordinaria multiplicidad de vas para ilustrar sus insatisfacciones, como pueden ser el sarcasmo, la irona, la angustia, los impulsos moralistas, todo lo que la vida ofrece de desagradable, contradictorio e injusto, y hasta dosis de optimismo y fe en lo positivo del gnero humano. Henri de Toulouse-Lautrec, descendiente de los condes de Tolosa, no fue ni siquiera un acadmico, sino un pintor maldito en combate contra el arte oficial, un libertino, un alcohlico que consumi su vida en slo treinta y siete aos () en fin, uno de los ms tpicos representantes de la bohemia de finales de siglo. Adems, Lautrec fue un enano, el enano ms grande de la historia de la humanidad. Un crecimiento defectuoso hizo que desde la infancia sintiera el abandono y el desprecio de quienes lo rodeaban. Esta realidad lo condujo en su juventud a aliarse con aqullos igualmente marginados por la sociedad. Identificado con la comn desgracia, desafi el escndalo de su conducta y de su arte para legarnos una de las obras ms fecundas, agudas y trascendentes de todos los tiempos. Considerado por sus contemporneos como litgrafo e ilustrador, fue realmente un pintor cuyo punto de partida era un muy personal dibujo, indiscutible vehculo expresivo que estrecha la relacin entre su obra pictrica y su obra grfica, ambas de igual jerarqua artstica. Desarroll su arte en el Pars recin transformado por Haussmann, el de las exposiciones internacionales, de la torre Eiffel y de la divertida vida nocturna que terminar trgicamente con la Primera Guerra Mundial. el arte de Toulouse es una radiografa de la Belle poque.

El mejor cronista de Montmartre, de esos aos en que los molinos de cereales de los arrabales de Pars se convirtieron en el Moulin Rouge y el Moulin de la Galette, molinos noctmbulos como los prostbulos fabulosos de la Rue des Moulins, con sus salones moriscos y sus cmaras para masoquistas, ha sido aquel que en medio de los placeres del paraso tuvo lucidez para darse cuenta de que el paraso era groseramente artificial () Junto con lo divertido Lautrec vea lo grotesco; la suya es la pintura de la alegra a la fuerza () Lautrec es realista por el grotesco, que en sus manos acta como un instrumento esttico que le permite profundizar ms all de las apariencias () es el resultado de una identificacin burlona, de un reconocimiento en los personajes tpicos de un momento histrico del cual el propio autor ha quedado como uno de los protagonistas ms caractersticos. La caracterizacin hecha por el crtico Gerardo Mosquera recoge la esencia del arte de Lautrec a partir de la deformacin de las imgenes y la crudeza de la representacin como vehculos expresivos. En su obra aparecan la asimilacin de la estampa japonesa y la libre interpretacin de sus recursos en cuanto a la sntesis, y las posibilidades expresivas de la lnea, que otorgan a sus imgenes un ritmo y una elegancia inseparables de la esttica de fin de siglo. Por otra parte, las composiciones asimtricas, de encuadres insospechados, los escorzos inesperados y los juegos de ngulos y de perspectivas mltiples, revelan al artista en sintona con la ampliacin visual de los nuevos medios fotografa, transporte, tecnologa. Como elemento esencial que completa la aguda expresin est el color contrastado, aplicado de maneras inditas en un cromatismo arbitrario, encendido y cido, libre de peso descriptivo. En el promenoir del Moulin Rouge las movedizas lneas sorprenden y fijan un instante de habitual camaradera. La composicin, encuadra fotogrficamente, utiliza la sorpresiva proximidad del primer plano con una vertiginosa perspectiva a la izquierda y la casi espectral figura femenina de la derecha, para encerrar el apretado grupo central en el que, como en todas las obras del artista, pueden identificarse los personajes. As sabemos que la dama de encendido rostro es Nelly C; sentados a la mesa, de izquierda a derecha, el crtico Edouard Dujardin, la Macarona, Paul Sescau, Maurice Guibert y una mujer no identificada; al fondo, la Golouse se arregla el pelo ante un espejo y Gabriel Tapie de Celebran pasea con su primo, el propio Toulouse-Lautrec. La lnea flexible, definidora, y la iluminacin, son las protagonistas de la escena, expresadas a travs de intensos contrastes cromticos.

Henri De Touluse-Lautrec (Francia 1864-1901) En el promenoir del Moulin Rouge, 1892 leo/tela 123 x 140,5 cm

Georges Seurat (Francia, 1859-1891) Absorto en su trabajo, llev una vida retirada y muri muy joven. Tempranamente consider la necesidad de un replanteamiento de impresionismo que devolviera a la pintura la soberana de la forma y la arquitectura compositiva. La accin y la doctrina por l elaboradas en unin del pintor Paul Signac se denomina neoimpresionismo, que supone el color liberado de los impresionistas, dado a travs de un mtodo de organizacin pictrica donde todos los elementos componentes estn estrechamente clasificados. Cual mosaico, cada matiz es descompuesto en pequeas partculas en forma de puntos de una misma dimensin y a distancias constantes, que se mezclan en el ojo observador y determinan forma y color, tcnica que se denomin puntillismo. El cuadro no es pues impresin fugaz, es estricta y paciente composicin que significa una firme construccin derivada de una actitud racional que nada deja a la emocin o a la sensacin visual. Como instrumentos que contribuyeron a la modelacin de su mtodo. Seurat estudi los principios del contraste simultneo de los colores segn las leyes pticas de Chevreul, Maxwell, Helmotltz y Rood, as como los efectos sicolgicos de la direccionalidad de las lneas planteados por Henri con ellos responda de modo coherente a su tiempo en la nueva fe en el poder de la ciencia y el clima positivista que gravitaba a su alrededor. En un breve, pero intenso perodo de doce aos, realiz su produccin pictrica, la cual, comparativamente con las de otros pintores de la poca, puede parecer reducida pro la meticulosidad de la despaciosa tcnica y la gran cantidad de estudios preparatorios que exiga cada cuadro antes del acabado definitivo, estudios que constituyen actualmente verdaderos tesoros para el conocimiento de aquel esfuerzo por conciliar verdades artsticas con verdades cientficas, que hacen de Seurat un precursor de la pintura contempornea. Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es tal vez la obra ms representativa dentro de la creacin de Seurat. Cuando se expuso por primera vez en 1886 fue considerada el manifiesto de puntillismo. Durante casi dos aos el pintor se dedic a su realizacin

.
constituye una de las obras ms complejas y asombrosas del arte moderno: vasta y atenta crnica, fruto de una

directa observacin de costumbres, de la nueva realidad industrial () pero es sobre todo el retrato perennemente vlido de una sociedad. () Esta [obra] seala adems el triunfo del mtodo y la apoteosis. A orillas del Sena, a la sombra de los rboles seculares, un domingo a las cuatro de la tarde () sobre la gente plcida y serena entregada a la pesca, al paseo, a los juegos y a las carreras de los nios, desciende el silencio. Es un instante de la vida detenida, suspensa. Los personajes, arrancados del mundo precario y confuso de los vivos, se convierten en protagonistas de un mundo atemporal y abstracto: ya no son personas, sino apariencias, maniques, formas solitarias y aisladas, vinculadas nicamente por estrechas referencias de correlacin estructural. () existe sin embargo, una sutil irona, una tendencia a poner de relieve algunos aspectos grotescos e imprevisibles de esa respetable y circunspecta sociedad burguesa. Ante toda la moda () por lo dems ridcula y pronto superada, se convierte en motivo de una pura experiencia plstica. () algunos elementos denuncian un total distanciamiento del habitual naturalismo. Ante todo, el uso de una perspectiva no centralizada, sino mltiple: toda la zona del primer plano est vista desde el extremo de la derecha () por lo tanto, si la perspectiva fuera la tradicional, los personajes de los otros planos resultaran enanos. () otro inslito aspecto: sobre el Sena, el viento sopla desde dos puntos diversos, desde la derecha en el caso de la vela de la izquierda; desde la izquierda en las dems naves. () La estructura base de la composicin resulta bastante simple. Las figuras estn distribuidas segn lneas compositivas establecidas geomtricamente, en funcin de verticales, horizontales y diagonales que derivan unas de otras. Una vertical divide el cuadro en dos partes iguales y determina la posicin de la figura central. La mujer que da la mano a la nia en blanco. Cada mitad est dividida verticalmente segn la seccin urea, donde figuran los dos grupos principales, uno a la derecha, formado por la pareja, y el otro a la izquierda, con dos personajes sentados y uno echado. Los cuerpos slidos son formas geomtricas basadas en el cilindro y el cono; las figuras, relativamente planas, siempre de frente, de espaldas o de perfil, constituyen numerosos planos de escinden el espacio. () La entera composicin est unida por el juego de la luz, radiante y vibrante, modulada por la descomposicin ptica del color, que aqu alcanza los mximos resultados.

Georges Seurat (Francia, 1859-1891) Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-86 leo/tela 205 x 308 cm

Henry Matisse (Francia, 1869-1954) Pintor francs, es nicamente reconocido como la principal figura del grupo Les Fauves (Las fieras), que constituye a su vez unos de los exponentes mas importantes, del lenguaje expresionista de las primeras dcadas del siglo XX y de la denominada Escuela de Pars. Despus de estudiar Derecho se inclina hacia la pintura y recibe una formacin artstica muy completa en la academia Julin de Pars, y en la Escuela de Artes Decorativas de esta misma ciudad, Matisse conoci de cerca el impresionismo y tambin experimento la tcnica divisionista del color, pero la mayor influencia la recibe de la obra de Paul Czanne, con quien incluso paso una temporada en el sur de Francia, unos pocos meses antes de que se produjera la conocida exposicin del Saln de Otoo de Pars, en 1905, en la que se dio a conocer el grupo Las Fieras. Los trabajos all reunidos provocaron una conmocin general en el publico y la critica de la poca por la manera distorsionada, explosiva y absolutamente libre de emplear los colores con una propuesta plstica indita, apoyada bsicamente en la denomina Tcnica de los complementario, es decir, la ubicacin prxima sobre la tela de los pares opuestos en la tabla o rueda de los colores provocando una estridencia cromtica y formal que les granjeo el calificativo de Fieras. Si bien el grupo apenas consigui, cohesin y en poco ms de dos aos ya haba desaparecido como colectivo artstico, la influencia ejercida por el fauvismo, en el desarrollo posterior de las vanguardias plsticas europeas fue decisiva, en tanto detonante para la liberacin de la subjetividad del artista a favor de una interpretacin libre y esencialmente emocional de la realidad. Cada unos de los integrantes emprendi caminos propios, mayoritariamente en la lnea de la figuracin expresionista, pero su lder, Henry Matisse sigui siendo una firma de singular trascendencia para el arte moderno. Lo que busco, ante todo, es expresinSoy incapaz de hacer distincin entre el sentimiento que tengo de la vida y mi manera de expresarlo. Estas palabras del artista (publicadas bajo el titulo Las notas de un pinto por la revista francesa La Grande Revue en 1908) resumen la esencia de su pensamiento esttico.

Para Matisse el empleo libre de los colores sobre el lienzo ajenos a toda norma de representacin naturalista, unido a la solides, de las formas (obvias herencia de Czanne) y al rigor de la composicin, son los elementos claves de la pintura, tal y como puede apreciarse en la obra El Cuarto Rojo, claro exponente, adems, del recurrente recurso Matissiano del color nico, esparcido sobre la tela, dominando el espacio como vehculo fundamental para la expresin de sensaciones y emociones. A Matisse debi de interesarle especialmente, el brillante colorido, la elegancia de la lnea, la planimetra, y la delicadeza de los arabescos y motivos florales expuestos con exquisito manejo de la proporcin en buena parte del arte oriental, lo que se manifiesta a veces de forma directa en sus temas favoritos (las odaliscas y las naturalezas muertas ocupan un gran espacio en su larga produccin pictrica), en la cuidada armona de sus composiciones y en el sentido decorativo de ltima instancia que siempre otorga a sus cuadros. Lo que sueo aseguraba el artista es un arte de equilibrio, de pureza, de tranquilidad, sin asunto inquietante o preocupante que sea para todo trabajador intelectual, sea hombre de negocios o de letras, un lenitivo, un calmante cerebral, algo anlogo a un buen silln en que descanse de sus fatigas fsicas. Esta concepcin del arte le imprime un toque personal sui generis a este exponente cimero del expresionismo de las vanguardias.

Henry Matisse (Francia, 1869-1954) El cuarto rojo, 1908 leo/tela 180 x 220 cm

Ernet Ludwing Kirchner (Alemania, 1880-1938) Ernst Ludwing Kirchner estudio la carrera de Arquitectura, pero jams la ejerci dada su preferencia por la creacin plstica. Realizo estudios profesionales en Munich. En las etapas iniciales de su trayectoria artstica se aprecian notorias influencias del Art Nouveau y de algunas de las prominentes figuras del postimpresionismo europeo (Gauguin, Van Gogh y Munch) sin embargo, pronto encontr un lenguaje propio bsicamente fundamentado en la fuerza expresiva del color y al dureza de la lnea, caractersticas que de algn modo se extendieron a todos los artistas que integraron el grupo Die Brck (El Puente). A Kirchner se le reconoce, en efecto, como el lder de este primer grupo de expresionistas alemanes organizados como tal alrededor del ao 1905 en la ciudad alemana de Dresde, a pocos meses del escndalo provocados por los fauvistas franceses en el Saln de Otoo de Pars, y con mas de un punto de contacto con ese tipo de expresin plstica que se extenda por entonces en la escena artstica parisina. Fue l quien redact, en 1906, el ambicioso programa del grupo El Puente, en el que manifestaba el inters por una amplia proyeccin social de su arte y por una accin conjunto a favor de la libertad de expresin. Confiamos en el progreso, en una nueva generacin de artistas y de aficionados; convocamos a todos los jvenes y como jvenes que en s llevan el futuro pretendemos crear una libertad de accin y de vida en oposicin a las fuerzas conformistas. Forma parte de nuestro grupo concluyen los firmantes del Manifiesto de El Puente quien quiera que exprese, con espontaneidad y sinceramente, aquello que lo impulso a la creacin. Una obra como Pueblos con caminos azules evidencia la profunda carga emotiva siempre implcita en la obra de Kirchner, su preferencia por este tipo de lnea quebrada, angulosa e incisiva y por la conjuncin de colores estridentes y contrastantes que otorgan a sus cuadros un sentido dramtico, y tcitamente emocional, aun cuando se remite al tema del paisaje. De hecho, como la mayora de sus colegas de El Puente (Otto Mller, SchimidtRottluff, Erich Heckel, Emil Nolde), Kirchner aprovecho el contacto con la naturaleza como fuente de inspiracin plstica y como pretexto para desplegar sobre el lienzo ese lenguaje libre, intuitivo, pleno de impulsos emocionales en la forma de interpretacin de la realidad que mucho debi de influir en la cinematografa alemana contempornea.

Pero la arista temtica mas conocida de su produccin son las escenas callejeras que pint en Dresde sobre todo despus de 1911 cuando el grupo traslad su sede a Berln. En estas piezas su lenguaje adquiere la dureza expresiva y el aliento critico que distinguieron al expresionismo alemn desde las primeras dcadas del siglo en plena sintona y relacin de continuidad con la obra de predecesores como Ensor y Munch -, y que se har sentir con particular fuerza en momentos posteriores, a travs de las mas destacadas figuras del dadasmo berlins y del realismo expresionista que protagonizaron el ambiente artstico de Alemania en los aos comprendidos entre las dos guerras mundiales. Al referirse a este artista esencial del expresionismo de las vanguardias ha escrito Mario de Micheli: Hay en Kirchner una hipersensibilidad que se traduce en formas tensas, agudas, en colores cidos, en descomposiciones de las figuras. En plena guerra, cuando vctima de una depresin nerviosa encuentra asilo en las montaas Suizas, los pastores, los campesinos y el silencio alpestre suavizan en parte su visin. Ms tarde antes de suicidarse en 1938, buscar soluciones distintas fuera de su primera potica Pero el Kirchner ms significativo seguir siendo el de las calles Berlinesas el Kirchner de la Escuela de danza de 1914, del Autorretrato de 1918; el Kirchner hecho de nervios de escalofros, elctrico y contrado que haba captado el aislamiento y lo fantasmal del hombre en el hormiguero de las metrpolis entre las cuales se elevaba amenazador el Apocalipsis de la guerra.

Ernet Ludwing Kirchner (Alemania, 1880-1938) Pueblos con caminos azules, 1916 leo/tela 80 x 70 cm

George Braque, Francia (1882 1963) George Braque se adentr en los predios de la creacin pictrica mientras trabajaba en un taller de decoracin. Curso estudios en la Escuela de Bellas Artes del Havre y en la de Pars. Insatisfecho con las normas de la academia, trab amistad con algunos de los artistas que hacia 1905 y 1906 protagonizaban el escndalo Fauvista. Con ellos trabaj durante algn tiempo, hasta que sus crecientes inquietudes en torno al volumen, la perspectiva y la reciedumbre de la forma, lo condujeron por un camino de bsquedas estticas totalmente alejado del expresionismo. Con razn se considera a Braque, junto a Pablo Picasso uno de los iniciadores del cubismo. Ambos quedaron visiblemente impactados por la exposicin retrospectiva de Paul Czanne que haba tenido lugar en Pars en el Saln de Otoo de 1907. Ya Picasso haba comenzado a adentrarse en los problemas de una nueva solucin del espacio pictrico, lo que llev hasta sus ltimas consecuencias en los paisajes que realiz en Horta de Ebro hacia 1909. George Braque, por su parte instalado en una regin cercana a Marsella (El Estaque), trabajaba en una direccin similar a la de su colega espaol. De hecho, cuando sus obras fueron presentadas en Pars en 1908 el critico Louis Vauxcelles comento: Braque maltrata las formas, reduce todo: lugares, figuras, casa, a esquemas geomtricos, a cubos. Sin saberlo estaba bautizando con esta denominacin de obvio, corte, peyorativo al movimiento cubista, que cristalizara definitivamente dos o tres aos mas tarde (1911) cuando tuvo lugar la primera exposicin colectiva del grupo en el Saln de los Independientes. Para ese entonces ya se aglutinaban en torno a la nueva potica muchas y prestigiosas figuras de la cosmopolita Escuela de Pars, entre las que se distinguen Fernand Lgert, Juan Gris, Robert Delaunay, Jacques Villon, y los escultores Alexander Archipenko y Constantin Brancusi. La obra de George Braque, como la de todo el movimiento cubista fue seguida por atencin por la teora, se habl de superacin de la geometra Euclidiana, de la presencia de una cuarta dimensin en el espacio pictrico de matemtica y trigonometra y de todo un fundamento cientfico de la representacin. . Obras como Lecho muestran, en efecto, un tipo de interpretacin de la realidad que pretende captar sus esencias por las vas de la razn y del intelecto.

Es decir, se procura el conocimiento ltimo de las cualidades de los objetos, no por medio del instinto o de la liberacin desenfrenada de los sentimientos del artista como lo hacan los expresionistas-, sino a partir de las posibilidades, las leyes y los instrumentos que aporta el conocimiento cientfico. Los sentidos deforman las inteligencia forma - aseguraba Braque - . La emocin no debera traducirse en un temblor agitado, tampoco puede aadirse ni imitarse; es la semilla, la obra es la flor. Amo la regla que corrige la emocin. Obsrvese el gusto por la fragmentacin de las formas, por su geometrizacin y descomposicin en planos para propiciar una perspectiva polifocal, mltiple y simultanea de los objetos representados, lo que trae como resultado una nueva concepcin del espacio pictrico. Se trata sin duda, de un lenguaje complejo que apela a una interpretacin muy intelectualizada de la realidad. Pero con este lenguaje la pintura ganaba en solidez formal y en autonoma expresiva, a la vez que se abra el camino de la experimentacin abstracta que tanto les debe a los cubistas. La clave de este nuevo pensamiento esttico la expres como nadie el propio George Braque en sus reflexiones en torno a la pintura, ocasionalmente publicadas en algunas revistas parisinas en los aos posteriores al apogeo del cubismo. La meca sealaba el pintor francs- no es estar preocupados por la reconstitucin de un hecho anecdtico, sino por la constitucin de un hecho pictrico. As, como afirmaban los principales tericos del movimiento, los cubistas se encaminaban hacia un arte enteramente nuevo que sera, con respecto a toda la pintura precedente, lo que ha sido siempre la msica con relacin a la literatura. O sea: una propuesta artstica sumamente audaz cuya solucin y evaluacin ya no estar ms sujeta al modo en que se representan escenas naturales sino a la representacin de una nueva realidad plstica con la que la pintura adquiere una autonoma sin precedentes en la historia del arte.

George Braque, Francia (1882 1963) Lecho, 1913 leo/tela 80 x 1.20 cm

Umberto Boccioni (Italia, 1882-1916) Se form como artista en la Academia de Bellas Artes de Roma. Su obra, sin embargo, representa una de las posturas ms enrgicas y radicales contra toda aquella expresin artstica conservadora y acadmica que lastraba los crculos oficiales europeos (y muy especialmente los italianos) durante los primeros aos del siglo xx. Muri en plena guerra mundial, en la que se enrol como voluntario en 1915 cuando apenas alcanzaba los treinta y cuatro aos de edad. Pese a la brevedad de su trayectoria vital, su intensa labor terica y prctica lo situ como uno de los ms importantes exponentes de las llamadas vanguardias artsticas. A Boccioni se le reconoce, en efecto, como la principal figura del futurismo italiano en las artes plsticas, como el ms activo y tambin el mejor dotado entre el grupo de los pintores que elabor en 1910 el Manifiesto de la Pintura Futurista, que fuera publicado ese mismo ao en la ciudad de Miln con la rbrica del propio Bocccioni y las de sus coterrneos Carlo Dalmazo Carr y Luigi Russolo, el romano Giacomo Balla y el francs Gino Severino. Ellos abrazaron, como una buena parte de la joven intelectualidad italiana (artistas, literatos, msicos, arquitectos), el ideario poltico del partido futurista que haba sido expuesto por su lder, Filippo T. Marinetti, en 1909, y en cuyo espritu se recoga, a la vez que una enftica aspiracin renovadora, una profunda confusin poltica que condujo al futurismo italiano a identificar sus intereses socioartsiticos de modernidad y progreso con la postura nacionalista y militarista del fascismo. Ms all de sus contradicciones ideolgicas y de la actitud iconoclasta, violenta e incendiaria que anim su credo esttico, el futurismo se propuso renovar la sensibilidad artstica de su tiempo volviendo la mirada hacia la palpitante ebullicin de la vida moderna: Somos los primitivos de una sensibilidad completamente transformada, afirmaban en lo que denominaron el Manifiesto Tcnico de la Pintura Futurista. Y as como los antiguos hallaron su fuente de inspiracin en el pensamiento religioso y en otros temas propios de una poca pasada, ellos centraron la atencin en la energa, la velocidad, la dinmica de la luz y el movimiento de los cuerpos en el espacio, identificados como signos de la vida contempornea.

Una obra como Elasticidad, de Umberto Boccioni, refleja ntidamente ese giro abrupto en lo que respecta a los intereses temticos y la voluntad de un cambio radical en cuanto al modo de representacin de los objetos en la superficie pictrica. La imagen futurista hace hincapi en la proyeccin virtual de los cuerpos en el espacio, ms all de sus limites fsicos, a travs de la exaltacin de las lneas de fuerza, de la interpenetracin de planos simultneos y de la expresividad del color que se expande por la tela en un afn indito por la representacin del movimiento y la luz que dimanan de los objetos. Para la consecucin de estos propsitos los futuristas adoptan, al unsono, recursos nacidos del impresionismo pictrico (sobre todo en lo que atae a los estallidos lumnicos propios de este movimiento plstico), de la tcnica divisionista del color (aportada por el puntillismo de Seurat y de Signac) y de la explosividad cromtica del expresionismo, con toda su carga de emocin y espontaneidad. De los cubistas toman, asimismo, las nuevas formas de descomposicin y reconstruccin de los objetos y sus excepcionales soluciones para la representacin de los volmenes en el plano de la bidimensionalidad, al tiempo que les reprochan la frialdad analtica y los excesos de cientificidad. De hecho el futurismo, segn explicaba el propio Boccioni, procuraba un nivel de sntesis entre los esfuerzos impresionistas y los esfuerzos cubistas en un conjunto que pueda dar una forma nica, integral y dinmica a la idea de vibracin (dinamismo impresionista) y a la idea de volumen (esttica cubista) En esta direccin de mltiples asimilaciones, sntesis y bsquedas formales a favor de una sensibilidad plstica renovada, el futurismo italiano constituy, junto al cubismo, un aporte fundamental en el camino ya insinuado de la potica abstraccionista. En 1912 tuvo lugar en Pars una gran exposicin del grupo que ms tarde recorrera varias ciudades de Europa. Su influencia se hizo sentir, sobre todo, en figuras esenciales de las vanguardias rusas, como Vladimir Tatlin y Casimir Malevicht, cuyas respectivas invenciones del constructivismo y el suprematismo, hacia el ao 1915, no seran imaginables sin la leccin futurista. Para ese entonces Boccioni empeaba su vida en el absurdo de la euforia guerrerista que hunda Italia y, con ella, a lo mejor de su intelectualidad, incluida su vanguardia artstica.

Umberto Boccioni (Italia, 1882-1916) Elasticidad, 1912 leo/tela 100 x 100 cm

Wassily Kandinsky (Rusia, 1866- Francia, 1944) Procedente de una familia de slidos recursos econmicos, recibi una amplia formacin cultural, especialmente en materias de Msica y Derecho. Se gradu de abogado y ejerci la carrera jurdica hasta 1896, fecha en que viaja a Munich para estudiar pintura. Visit varias ciudades alemanas y europeas Pars incluida- y la regin norte de frica. En Alemania desarroll una intensa labor artstica que le permiti contactar con las figuras y movimientos ms avanzados de su poca (como el grupo Die Brcke El Puente-) y llega a fundar, en 1909, la Nueva Asociacin de Artistas de Munich. Dos aos ms tarde en 1911, crea junto al alemn Franz Marc el Grupo Blaue Reiter El Jinete Azul-, cuya actividad fue esencial para el desarrollo de la pintura moderna en Alemania.

Kandinsky es considerado un verdadero precursor del arte abstracto. Sus primeras obras en esta lnea datan de 1910, cuando an no se haba producido la primera de las exposiciones colectivas del grupo cubista en Pars. Pero su intervencin en el abstraccionismo no se produce por la va de la bsqueda de un tipo de representacin cientfica y racionalizada de la realidad, ni por medio de la geometrizacin de las figuras. Kandinsky, por el contrario, apela a un tipo de expresin plstica de honda implicacin espiritual que trata, como lo ha explicado Mario de Micheli, de hacer vibrar la esencia secreta de la realidad en el alma, actuando sobre ella con la fuerza pura y misteriosa del color liberado de la figuracin naturalista.
La teora esttica de Kandinsky expuesta desde 1912 en su libro El arte de la armona espiritual defiende, en efecto, la prevalencia de el principio de la necesidad interior segn el cual el artista debe prescindir de la objetividad del mundo circundante para concentrarse en los dictados de su espiritualidad y plasmarlos de la manera ms pura y descontaminada de referentes externos, a travs de la mancha y el color, tal y como se aprecia en la obra Estudio Composicin No.7, en la cual el color libre de toda sujecin realista, se convierte en el elemento plstico de mayor protagonismo. Sus criterios estticos establecen, asimismo, una interesante asociacin entre los presupuestos instrumentos expresivos de la msica y la pintura. El color es la tecla deca Kandinsky-. El ojo es el macillo. El alma es como un piano de muchas cuerdas. El artista es la mano que, al tocar esta o aquella tecla, pone en vibracin el alma humana..

Su obra procura entonces para la pintura una autonoma anloga a la de la msica, la misin del arte es provocar resonancias en el alma humana y establecer, en virtud de ese lenguaje, un puente de comunicacin entre los hombres.

Tan importante como la obra plstica de Kandinsky, iniciadora de la lnea no geomtrica del abstraccionismo tambin denominada abstraccin lrica o abstraccin expresionista fue su labor terica, pedaggica y promocional. A lo largo de su vida public sustanciosos ensayos sobre el arte abstracto, fund grupos y asociaciones artsticas de vital influencia en el desarrollo del arte moderno en Europa y de singular influencia posterior en la pintura norteamericana.
Durante una breve estancia en su pas natal, adonde regresa despus de l triunfo de la revolucin sovitica, despleg una intensa labor en el campo de la cultura: ejerci como Profesor de la Academia de Bellas Artes de Mosc, fue designado Director del Museo de Cultura Pictrica y fund la Academia Rusa de las Ciencias Artsticas, de la cual lleg a ser Vicepresidente. En 1921 regrese a Alemania y ejerce la actividad docente en la Escuela del Bauhaus. Finalmente se estableci en Pars, donde muere, a los setenta y ocho aos de edad. Las obras de Wassily Kandinsky son atesoradas por los ms importantes museos de arte moderno de todo el mundo.

Wassily Kandinsky (Rusia, 1866- Francia, 1944) Estudio Composicin No.7, 1913 leo/tela 160 x 78 cm

Piet Mondrian (Holanda, 1872-1944) Fue una de las figuras ms sobresalientes dentro de la lnea abstraccionista de las vanguardias artsticas de la primera mitad del siglo xx. Viaj a Pars en 1911, cuando el grupo cubista liderado por Pablo Picasso y George Braque avanzaba en la cristalizacin de un nuevo modo de representacin plstica que apelaba a la autonoma de la forma pictrica al margen de toda representacin realista. Mondrian particip de las indagaciones y experiencias cubistas y trabaj a favor de una gradual estilizacin de la forma dentro del tema del paisaje (el rbol) que lo condujo a un proceso de mxima depuracin y sntesis de los elementos plsticos. Tal y como lo ha explicado Mario de Micheli: En las varias sucesiones cronolgicas de la bsqueda de Mondrian, el rbol pasa de una etapa naturalista a una etapa de Art Nouveau, de sta a una etapa fauve, y de la etapa fauve a la etapa cubista, y, en fin, a la cubista abstracta. En 1914 regres a Holanda, desde donde despleg una intensa actividad editorial al publicar numerosos ensayos sobre el arte moderno en la Revista De Stijl, que se convirti en el vehculo de divulgacin de su propia teora sobre el nuevo arte pictrico. De hecho, en la referida revista aparecieron el Primer (1918), Segundo (1920) y Tercer Manifiesto del Neoplasticismo (1921), donde se recogen de modo explcito las formulaciones ideolgica y esttica del movimiento as denominado: neoplasticismo, en el que participaron adems importantes representantes de la arquitectura y las artes visuales holandesas, entre ellos el arquitecto J.J.P Oud y el pintor Theo Van Doesburg; este ltimo fue, asimismo, un activo divulgador de los presupuestos neoplsticos en Pars y en otras ciudades europeas. El neoplasticismo defiende, en esencia, la necesidad de utilizar en el arte un lenguaje universal que despoje a la expresin artstica de todo atisbo de arbitrariedades, excesos emocionales e individualismo, y garantice la verdadera comunicacin espiritual entre los hombres. En consonancia con estas ideas, el estilo que adopt Piet Mondrian y que fue practicado durante algunos aos por sus seguidores constituye la expresin ms rigurosa del arte abstracto, toda vez que reduce la representacin pictrica a las formas geomtricas ms simples el cuadrado y el rectngulo-, colocadas siempre en los ngulos rectos de los ejes vertical y horizontal y circunscribiendo las aplicaciones cromticas a los colores primarios slo combinados con blanco, negro y gris.

La obra Composicin en negro, amarillo y azul es un claro exponente de este credo esttico que, como es de suponer, convierte al neoplasticismo en una propuesta plstica demasiado rgida y severa como para perpetuar su vigencia por mucho tiempo. Slo el propio Piet Mondrian se mantuvo fiel toda su vida a estos presupuestos ideoestticos que quedaron resumidos en su libro Arte plstico y arte plstico puro, publicado en el ao 1937, y en el que puede verificarse su defensa de una concepcin de hondo sentido espiritual en torno a la abstraccin pictrica y a la misin social del artista: El arte abstracto consideraba Mondrian- es opuesto a una representacin natural de las cosas. Pero no s expone a la naturaleza, como generalmente se cree. Se opone a la grosera y primitiva naturaleza animal del hombre, pero se identifica con la verdadera naturaleza humana. Ante todo existe la ley fundamental del equilibrio dinmico, que se opone al equilibrio esttico requerido por la forma particular.

Wassily Kandinsky (Rusia, 1866- Francia, 1944) Composicin en negro, amarillo y azul, 1921 leo/tela 40 x 42 cm

Marcel Duchamp (Francia, 1887- Estados Unidos, 1968) Nacido en Blainville, Francia, y nacionalizado estadounidense en el ao 1955, es considerado de modo unnime como la figura fundamental del movimiento dad en las artes plsticas y como uno de los artistas de mayor influencia en el desarrollo del pensamiento artstico del siglo xx. El alcance de las ideas, los gestos expositivos y las obras mismas de Duchamp constituyen sin dudas la gnesis de una nueva conceptualizacin del arte que, ante todo, se expres como la negacin de los lmites convencionales de la creacin artstica. El dadasmo surgi en Zurich en el ao 1916, justo cuando los das terribles de la Primera Guerra Mundial sembraban la confusin y la desesperanza entre los intelectuales europeos refugiados en Suiza. El movimiento tuvo un carcter profundamente antimilitarista y antiguerrerista, pero abarc asimismo una postura de rechazo contra otros muchos aspectos de la cultura occidental llamada moderna . Segn palabras del poeta rumano Tristn Tzara, uno de los lderes fundamentales del movimiento: dad naci de una rebelin que en aquel entonces era comn a todos los jvenes, una rebelin que exiga una adhesin completa del individuo a las necesidades de su naturaleza, sin consideraciones para la historia, la lgica, la moral comn, el Honor, la Patria, la Familia, el Arte. La Religin, la Libertad, la Hermandad, ni para muchas otras ideas ms, correspondientes a necesidades humanas, pero de las cuales slo subsistan algunas de las convicciones, ya que haban sido vaciadas de su contenido esencial. Tal postura de rechazo se expres bsicamente a travs del escndalo, el absurdo y la provocacin frente a los valores ticos y estticos preestablecidos. En este sentido puede asegurarse que Marcel Duchamp fue, no slo un exponente clave del dadasmo, sino tambin un precursor de sus actitudes iconoclastas. Luego de un fugaz trnsito por la prctica de una pintura de corte fauvista, primero, y cubofuturista despus, en las tempranas fechas de 1913 y 1914 Duchamp present en Pars sus primeros ready-mades u objetos hallados (objetos ordinarios cuya seleccin por parte del artista y su (re)colocacin en el espacio de la Galera les otorgaba una cualidad artstica). Al Portabotellas y a la Rueda de bicicletas expuestos en Francia le sigui su famosa Fuente (urinario masculino colocado en posicin invertida y firmado con el nombre R.Mutt) presentada en el Saln de los Independientes de 1915 en la ciudad de Nueva York.

Axial, un ao antes del surgimiento del dad, las acciones de Marcel Duchamp (junto a los tambin europeos Francis Picabia y Man Ray) en los Estados Unidos representaban una actitud de cuestionamiento y oposicin ante los conceptos tradicionales del arte mucho ms osada y radical que la que alcanzaron sus colegas en Zurich. La obra LHOOQ, que no es sino la reproduccin de la Monna Lisa de Leonardo da Vinci a la cual Duchamo le aade unos bigotes firmndola despus como obra suya, constituye un verdadero paradigma de la produccin artstica dadasta, por lo que sta representa en tanto gesto desacralizador. En su afn provocador y libertario de las esencias humanas al margen de las normas tradicionales de la tica, la lgica y la razn, Marcel Duchamp y todo el movimiento dad se convirtieron en un antecedente obligado del surrealismo. Asimismo, ese accionar permanente de la creacin, justo en la frontera que separa al arte de la vida cotidiana y su perenne intencin de desdibujarla, tambin coloca a Duchamo como precedente de lo que varias dcadas seria la base conceptual del arte pop norteamericano.

Marcel Duchamp (Francia, 1887- Estados Unidos, 1968) LHOOO, 1919 Tcnica Mixta

Marc Chagall (Rusia, 1887-1985) De origen judo, Marc Chagall realiz sus estudios de artes plsticas en la ciudad de San Petersburgo, donde vivi entre 1907 y 1909, aproximadamente, y donde debe de haber conocido una parte importante de la pintura postimpresionista francesa (Gauguin, Van Gogh, Czanne) que tanta fuerza ejerci en los derroteros que sigui su trayectoria como creador. Como muchos de los artistas de su poca, Chagall viaj a Pars alrededor de 1911 y all entr en contacto con la multiplicidad de ismos, grupos y figuras que, desde los Salones de Otoo y de Independientes, protagonizaban la reaccin vanguardista contra una oficialidad esttica acadmica y retrograda. El conocimiento del cubismo en pleno apogeo por aquel entonces en el escenario parisino- lo influy de un modo muy particular, en la medida en que supo asimilar algunos de los recursos expresivos propios de este lenguaje adecundolos a esa singular inclinacin por lo anecdtico y autobiogrfico que caracteriza a casi todas sus obras. Mi aldea y yo constituye un buen ejemplo de la potica chagalliana, fuertemente enraizada en la tradicin juda. El hecho de que utilice vacas lecheras, gallos y arquitectura rusa provincial como formas originales argumentaba el artista- se explica porque forman parte del ambiente de donde sal, y sin duda alguna fueron, entre todas mis experiencias, las que ms profundo recuerdo visual dejaron en m. Todo pintor aade Chagallha nacido en un sitio u otro, y aunque despus est sometido a las influencias de otras atmsferas, una cierta esencia, un cierto aroma de un lugar natal siempre pegado a su obra. Este universo plstico que recrea atmsferas vinculadas a su infancia se expresa en las obras del pintor ruso a travs de una libertad cromtica de franco aliento expresionista, en tanto se desentiende de toda sujecin imitativa; se aprovecha asimismo de la simultaneidad de formas, tiempos y espacios de representacin aportada por los cubistas, pero evadiendo la aridez formal y los excesos geomtricos del denominado cubismo analtico. Este arbitrio narrativo de Chagall, enriquecido por una visin fabulosa de la naturaleza, de la realidad toda, constituye la esencia de un estilo personal e irrepetible que muy pronto llamara la atencin de los surrealistas franceses.

Para ese entonces la vida personal y artstica de Chagall haba atravesado ya por episodios medulares. El grato impacto afectivo de su matrimonio con Bella Ronsenfeld: Encontr a una muchacha, atraves mi corazn y se sent en mis telas, y su activismo cultural en Rusia durante los aos comprendidos entre 1917 y 1922, marcaron hitos en su trayectoria. Entre 1917 y 1918 trabaj como Comisario de Bellas Artes de Vitebsk, su ciudad natal, adonde haba regresado de inmediato tras conocer del triunfo de la revolucin sovitica. All fund una Academia de Artes en la que acogi como profesores a Casimir Malevicht y El Lissitsky, y en la que no tard en entrar en contradicciones con los rigores de la esttica suprematista (que pretenda erigirse en expresin nica de la vanguardia plstica), y tambin con las premisas en torno al utilitarismo industrial del arte, hacia el cual haban derivado los seguidores del constructivismo. Luego de una fructfera incursin en la carrera del diseo escnico trabajando con el Teatro judo de Mosc, se march a Berln en 1922 y al ao siguiente se estableci en Pars, donde transcurri la mayor parte de su larga vida. El predominio de la fantasa, la expansin imaginativa y la apertura hacia un tipo de representacin pictrica en que las proporciones, los colores y las asociaciones de imgenes no reconocen ms las ataduras formales propias de la tradicin figurativa, explican la ntima vinculacin de Marc Chagall con el surrealismo, en cuyas exposiciones colectivas particip ms de una vez. Su potica representaba, en verdad, un hito trascendente en la sucesin y coexistencia de expresiones libertarias que conformaron las vanguardias artsticas. Chagall vivi y cre a lo largo de casi todo el siglo xx, un siglo en el que su nombre se inscribe como el de uno de los artistas de mayo vala y trascendencia para la pintura contempornea.

Marc Chagall (Rusia, 1887-1985) Mi aldea y yo , 1911 leo/tela 192 x 152 cm

Joan Mir (Espaa, 1893-1983) Curs estudios de dibujo y pintura en la Academia de Bellas Artes; complet su formacin artstica en la Academia de Francs Gal y en la del Cercle de Sant Lluc, en contacto muy directo con lo ms avanzado de la intelectualidad catalana de las primeras dcadas del siglo xx. Se interes desde muy temprano en la pintura de vanguardia y asimil sobre todo las libertades cromticas aportadas por el fauvismo francs y por las audaces composiciones cubistas. En 1918 tuvo ya lugar en su ciudad natal su primera exposicin personal, y en 1919 emprendi su primer y decisivo viaje a Pars. Una vez en la capital francesa, Mir entabla una profunda amistad con Pablo Picasso y tiene la oportunidad de participar en las reuniones del grupo dadasta, algunos de cuyos miembros integraran ms tarde el movimiento surrealista lidereado por el poeta Andr Breton. De hecho , Joan Mir fue uno de los firmantes del Primer Manifiesto Surrealista elaborado por Breton en 1924, en el que quedaban expresados los presupuestos de esta nueva propuesta de creacin artstica y literaria as como su ms acabada definicin: Surrealismo es automatismo psquico puro, a travs del cual una persona se propone expresar, ya sea verbalmente, por escrito en cualquier otra forma, el funcionamiento real del pensamiento; es el dictado del pensamiento en ausencia de cualquier control ejercido por la razn y ms all de toda preocupacin esttica o moral. El arte surrealista apuesta por la emancipacin del individuo mediante la absoluta liberacin de su fantasa e imaginacin. Apela al desarrollo de diversos mtodos creativos que potencien en el artista el registro de sus sueos y de su subconsciente y que den rienda suelta a sus alucinaciones. Se concreta en un tipo de representacin que subvierte las relaciones entre las imgenes, los objetos y los espacios, y que trata de instaurar en la obra de arte el reino de lo maravilloso. Tales preceptos estaban en perfecta armona con el espritu creador de Joan Mir. Como lo ha explicado el historiador y crtico Mario de Micheli: Mir es un primitivo del surrealismo ().

El automatismo lo ayud a alcanzar la espontaneidad absoluta. Es difcil encontrar un artista ms feliz () Mir vive naturalmente en una condicin surrealista. Las imgenes brotan de su fresca emocin interior con una abundancia que no conoce lmites.

Brillante, elegante, suelta: as aparece a veces su produccin. Pero su facilidad, que a veces roza la frivolidad, penetra de golpe en un reino absoluto de gracia, donde termina toda dispersin, y da vida a un torneo de sensaciones sutiles, vibrantes, reiteradas, cuya intima sustancia son la alegra y la inocencia. Una pieza como Le oiseau au plumaje deploy evidencia su predileccin por los colores brillantes, por los arabescos lineales y por esas peculiares figuras de siluetas amorfas y vitales que provocan alusiones siempre ingenuas, frescas, irracionales y generalmente humorsticas que le permiten recrear, una y otra vez, la riqueza inagotable de su mundo interior. En el orden formal, Mir fue un artista verstil entregado a la ms osada experimentacin. Trabaj la pintura al leo, acuarela, pasteles, y fue un verdadero maestro del collage; tambin realiz grabados y esculturas y se destac muy especialmente en la cermica mural. La evolucin de su obra por los derroteros de una imaginera cada vez ms escueta integrada bsicamente por grafismo y manchas cromticas alejadas de la representacin figurativa. Hace de l un artista de singular influencia en el desarrollo de la pintura abstracta informalista que se desarrolla en Europa y especialmente en los Estados Unidos en los aos posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Joan Mir (Espaa, 1893-1983) Le oiseau au plumaje deploy , 1927 leo/tela 90 x 73 cm

Ren Magritte (Blgica, 1898-1967)

Estudi pintura en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas. Durante sus aos de formacin artstica viaj por toda Europa y visit los ms importantes museos de Francia, Inglaterra, Alemania y Holanda. Admir la obra de los grandes maestros de la Historia del Arte, pero se sinti identificado con las vanguardias de las primeras dcadas del siglo, especialmente con el cubismo, el futurismo y los movimientos abstractos. Sin embargo, el conocimiento de la pintura del italiano Giorgio de Chirico result un detonante fundamental para la evolucin ulterior de su trayectoria. La inquietante atmsfera de los grande espacios representados, la enigmtica presencia de imgenes que levantan sobre paisajes creados por la imaginacin, la contradictoria yuxtaposicin de objetos y realidades, y ese silencio latente, siempre expandido por las telas de Magritte, a la vez que testimoniaban su devocin por el maestro de Chirico, lo conectaban definitivamente con la potica del surrealismo. A Magritte se le consideraba un surrealista tardo aunque, al mismo tiempo, es ampliamente reconocido como una de las figuras ms importantes del movimiento en el campo de las artes plsticas. Y es que, si bien lleg a Pars en 1927 luego de una primera exposicin personal presentada ese mismo ao en Bruselas cuando ya el surrealismo rebasada el primer trienio de presencia y afirmacin en el ambiente artstico parisino, su lenguaje personal articulaba plenamente con los preceptos esenciales con los que Andr Breton defenda la legitimidad y la autenticidad de la pintura surrealista. Sobre el artista belga afirmaba Breton: Magritte lo que hace es que partiendo de los objetos, de los lugares y de los seres que agencian nuestro mundo de todos los das, busca restituir con toda fidelidad las apariencias, pero va mucho ms lejos y procura despertarnos a su vida latente. Con razn se habla de realismo mgico a la hora de explicar la potica de Ren Magritte. Autorretrato, como la inmensa mayora de sus creaciones, da fe de un hacer exquisito y meticuloso que con una tcnica pictrica fotogrfica al decir del crtico Mario de Micheli- reproduce las incongruencias de inmundo descompuesto y recompuesto segn los modelos de una alucinacin amarga. Y a esta extrema fidelidad en la representacin de espacios y objetos se suma una alta dosis de humor negro manifiesta en la incongruencia de los ttulos y en la mordacidad de sus recurrentes parodias a emblemticas piezas de la Historia del Arte.

Como ser humano, Magritte vivi con intensidad las contradicciones esenciales del surrealismo. Abraz las ideas del materialismo dialctico y manifest abiertamente su postura poltica comunista; como todos sus colegas sigui tambin de cerca las teoras de Fred, pero se resisti a la interpretacin de las imgenes pictricas desde la perspectiva del psicoanlisis: El arte tal y como yo lo entiendo afirmaba- se rebela contra el psicoanlisis; evoca el misterio, sin el que no existira el mundo, esto es, el misterio que no debe ser confundido con una especie de problema, por muy difcil que sea. La autovaloracin de su arte fue expresada con claridad en las palabras que escribiera el artista y que fueron recogidas en el Catlogo de la exposicin personal que se present en Bruselas en el ao 1954: Yo considero valioso el experimento lingstico consistente en decir que mis cuadros han sido concebidos para servir de signos materiales a la libertad de pensamiento Con la mayor libertad posible el espectador puede ver mis imgenes tal cuales son, e intentar, como su autor, pensar en el sentido, es decir, en el imposible. Esta defensa permanente de la libertad del intelecto y del espritu y su concrecin posible en el reino del arte y de la imaginacin, convierten al artista belga Ren Magritte en un exponente fundamental de la pintura surrealista.

Ren Magritte (Blgica, 1898-1967) Autorretrato, 1937 leo/tela 81.5 x 65 cm

Salvador Dal (Espaa, 1904-1989) Naci en Figueras, pequea ciudad natal de Catalua; desde los once aos inici cursos de dibujo y pintura, pero su formacin artstica se completo cabalmente en la Academia de San Fernando de Madrid, institucin de la que fue temporalmente separado en 1923 (al ser acusado de subversin anarquista) y definitivamente expulsado en 1926 por su manifiesta y pblica irreverencia frente al tribunal evaluador. De esos aos de estudiante data su estrecha y fructfera relacin con intelectuales y artistas espaoles de la talla de Federico Garca Lorca, Luis Buuel y Rafael Alberti, y la consolidacin de una personalidad singularmente excntrica. Una vez en Pars, tras breve trnsito por una pintura visiblemente influenciada por el cubismo muy a la manera de su compatriota Juan Gris-, trab amistad con Andr Breton y con las principales figuras del grupo surrealista, con quienes colabor intensamente, tanto en el campo de las artes plsticas como en la esfera cinematogrfica: realiz junto a Luis Buuel el famoso filme Un perro andaluz (1929) colabor en el rodaje de La Edad de Oro (1930). Dal capt de una manera muy personal las claves esenciales del automatismo psquico surrealista y aport uno de los procedimientos tcnicos ms virtuosos y efectistas de la potica zrrela: la llamada imagen mltiple o imagen paranoica, a partir de la cual se consigue que la representacin de un objeto sea, al mismo tiempo, la representacin de otro, sin que ninguno de los dos sufra una modificacin o deformacin anatmica. El resultado de tal imagen es posible explica el artista- gracias a la violencia del pensamiento paranoico, el cual se sirve con astucia y destreza de los pretextos, coincidencias, etc., necesarios, aprovechndolos para hacer la segunda imagen que en este caso ocupa el lugar de la idea obsesiva En el orden formal, las obras de Salvador Dal exhiben una tcnica pictrica impecable al conjugar meticulosidad en la representacin de los objetos con la creacin de composiciones cuidadosamente equilibradas e inmersas, por dems, en atmsferas siempre sugerentes. Se trata, en efecto de fotografas de sueos pintadas a mano, segn l mismo las definiera, demostrando su total identificacin con los presupuestos psicoanalticos freudianos que tanto impactaron a los surrealistas.

La persistencia de la memoria es uno de los esos cuadros considerados clsicos y altamente representativos de la plstica surrealista dada la inslita conjugacin de realidades ajenas que conviven en un espacio totalmente onrico. En esta pieza, tal y como la describe Mara Elena Jubras, se hace patente la contradiccin en la presencia de grandes relojes que se adaptan a la superficie, como si fueran blandos; todo es incongruente: las hormigas sobre el reloj, esa extraa forma en el suelo, la incompatibilidad de los elementos entre s, el desolado paisaje de la costa a la vez que se pone de manifiesto la indiscutible excelencia tcnica del clebre pintor cataln. La separacin de Salvador Dal del grupo surrealista hacia el ao 1934 se deriv en lo fundamental de su reaccionario ideario poltico, tan ajeno a las posiciones de izquierda, que lo llev a pronunciarse incluso en contra de la causa republicana espaola. En 1940 se instal en los Estados Unidos y altern su residencia entre Amrica y Europa por el resto de su vida, pero en constante funcin de una obsesiva comercializacin de su arte y de la excntrica personalidad que lo caracteriz siempre.

Salvador Dal (Espaa, 1904-1989) La persistencia de la memoria, 1931 leo/tela 24 x 32.5 cm

Pablo Picasso (Espaa, 1881-1973)

Es considerado uno de los artistas ms importantes del siglo xx. De hecho, demostr desde muy pequeo excepcionales cualidades para la pintura y son conocidos sus brillantes ejercicios de admisin en la Academia de San Fernando de Madrid y en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. A la edad de diecinueve aos realiz su primer viaje a Pars, donde se estableci definitivamente desde 1904. Las dos primeras etapas subsiguientes al periodo formativo del artista las llamadas Etapa Azul (1900-1902) y Etapa Rosa (1904-1905) constituyen un verdadero paradigma del expresionismo pictrico de las vanguardias, en virtud de la cabal deformacin de los recursos plsticos (especialmente el color) en funcin de una emotiva y muy personal interpretacin de la problemtica humana de los seres humildes y desclasados del bajo mundo parisino, con quienes se identific el joven Picasso. Asimismo, sus audaces incursiones posteriores en la solucin de los problemas de la representacin del espacio y del volumen sobre la superficie bidimensional paralelas a las que realizaba el francs George Braque-, lo condujeron a la invencin del cubismo, en cuya evolucin y enriquecimiento como lenguaje precursor de la abstraccin geomtrica fueron decisivas la excelencia tcnica, la voluntad experimental y el genio innovador del artista espaol. Las obras ejecutadas por Picasso durante los aos comprendidos entre las dos guerras mundiales testimonian una asombrosa versatilidad estilstica que le permite alternar un lenguaje figurativo de corte indistintamente expresionista o cercano al rigor neoclsico del dibujo ingresiano, con soluciones cubistas y realizaciones de franco aliento surrealista que tambin lo vinculan a este movimiento en cuyas exposiciones figur con frecuencia. Es tambin una etapa de gradual radicalizacin poltica del pensamiento picasiano y de oposicin frontal y pblica ante el fascismo.

La monumental obra titulada Guernica constituye una denuncia abierta contra el bombardeo que por orden de Franco realiz la aviacin alemana contra el indefenso pueblo vasco de Guernica en abril de 1937 fue exhibida a slo dos meses de la masacre en el pabelln Espaol de la Feria Internacional de Pars y se erigi definitivamente en una suerte de sntesis formal de los mltiples lenguajes de las vanguardias artsticas: la deformacin expresionista, la fragmentacin cubista y el absurdo surrealista en armnica conjuncin de recursos al servicio de una causa justa, de altsima dimensin humana. No hay duda de que Guernica fue visto inmediatamente ha dicho el crtico espaol Juan Antonio Ramrez- como un punto de referencia inexcusable en la historia de la pintura contempornea. Para muchos represent aade- una inesperada reconciliacin entre la vanguardia artstica y los ideales globales de la poltica de izquierdas. Esta pieza es quizs la ms famosa y debatida obra pictrica de toda la centuria. Permaneci en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981. slo despus de la muerte de Franco tal y como lo haba deseado y testamentado el artista- volvi a Espaa, y tras un perodo de permanencia en el Casn del Buen Retiro junto al Museo del Prado de Madrid- fue emplazada finalmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa, en la capital espaola. Al comentarla en fecha tan temprana como 1942 expres el prestigioso intelectual y revolucionario cubano Juan Marinello: Los frvolos y los ignorantes nunca el pueblo, que no puede ser ninguna de estas cosas- hablaron de una pirueta espectacular del maestro del cubismo. Los que le conocan y entendan la sangre espesada de siglos espaoles, los que no haban dejado de ver nunca en sus trnsitos la sed herida de un hombre que pide con potencias de excepcin, espacio y altura- forma t tiempo, vieron en l el servicio a Espaa una manera no slo natural sino obligada de expresin de su genio. Los cuerpos despedazados de Guernica, que son, picasiano al fin, los ms despedazados cuerpos, han dicho ms al mundo sobre el dolor de Espaa que miles de proclamas justas y artculos valerosos.

Pablo Picasso (Espaa, 1881-1973) Guernica, 1937 leo/tela 3.51 x 7.82 cm

Jackson Pollock (Estados Unidos, 1912-1956) Curs estudios en la Escuela de Arte Manuales de Los ngeles y en la prestigiosa Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York bajo el rgido magisterio de Thomas Hart Benton, quien trat de inculcar en sus discpulos el amor por la representacin figurativa y de aliento naturalista de la apacible escena norteamericana. Pollock, en cambio, reaccion contra las ideas de su maestro y se sinti mucho ms atrado por la intensidad expresionista del a obra de Pablo Picasso y de los grandes maestros del muralismo mexicano, especialmente Orozco. Tambin recibi la influencia del surrealismo, algunos de cuyos integrantes emigraron a Amrica en los meses inmediatos al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Se afirma que fue directamente del alemn Marx Ernst de quien el joven pintor estadounidense toma el procedimiento del dripping, es decir, el chorreado o derrame de la pintura sobre la tela como una derivacin del mtodo surrealista del automatismo pictrico. Fue, en efecto, un innovador tcnico radical. Mi pintura explica el artista- no se hace en el caballete. Es raro que mi tela est montada antes de pintar, prefiero fijarla en el muro, o mejor, extenderla sobre la tierra. Tengo necesidad de la resistencia de una superficie dura. Cuando est sobre el suelo me siento ms cerca, formo parte misma de la pintura, puedo pasearme a su alrededor trabajar desde todos los costados, estar, literalmente, dentro de la pintura He eliminado adems los utensilios de pintar como caballete, paleta, pinceles. Prefiero varillas, la llana del albail, cucharas comunes, o simplemente hacer gotear o salpicar el color liquido, o usar una pasta espesa con arena, vidrio molido u otras materias extraas. Con este mtodo de trabajo, Jackson Pollock, inicialmente menospreciado y llamado en forma peyorativa por la crtica Jack the dripper, se convirti en el iniciador y mximo exponente de la denominada Escuela Norteamericana de Pintura, tambin identificada como informalismo o expresionismo abstracto que se desarroll a partir de la segunda mitad de la dcada de los aos cuarenta y que domin en el mercado artstico internacional (tanto europeo como estadounidense) durante todo el decenio subsiguiente.

La obra Nmero 14 (Pollock, como la mayora de los pintores abstractos, no titula sus piezas salvo excepciones-, sino que las identifica a trabes de una numeracin codificada) es representativa de las caractersticas esenciales de este tipo de pintura expresionista no figurativa que, heredera del abstraccionismo de Kandinsky y del surrealismo europeo, apela a las formas libre, irregulares, expandidas sobre el gran formato de los lienzos con una rtmica visual que ocupa todo el espacio pictrico y en el que se alternan la dinmica de las lneas y la fuerza expresiva de los colores salpicados en una suerte de diseo continuo (el denominado all-over painting)
El impulso vital que domina este tipo de trabajos, el carcter gestual y espontneo de los trazos pictricos (de ah la frecuente denominacin de pintura de accin o gestual para distinguir a esta vertiente del informalismo), no se presupone la ausencia de una conciencia esttica en el artista, sino que conjuga el azar y el punto de partida irracional con un proceso ulterior de meditacin creativa sobre la tela, una reflexiva marcha hacia una organizacin y unidad que es lo que le confiere vida como obra de arte. Jackson Pollock sufri una muerte trgica en un accidente automovilstico antes de cumplir los cuarenta y cinco aos. Aun as, a pesar de su breve trayectoria vital y artstica, es considerado una de las figuras fundamentales de la pintura estadounidense del siglo xx y el representante maysculo del denominado expresionismo abstracto norteamericano.

Jackson Pollock (Estados Unidos, 1912-1956) Nmero 14, 1952 leo/tela 190 x 260 cm

Mark Rothko (Letonia, 1903- Estados Unidos -1970) A la edad de diez aos, Rothko se traslad con su familia a los Estados Unidos, donde radic toda su vida. Aunque por un breve periodo de tiempo realiz algunos cursos de pintura en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York (donde fue discpulo del vanguardista Max Weber), puede considerrsele un artista bsicamente autodidacta. A lo largo de sus primeros aos de labor creativa recibi mltiples influencias. En los inicios de la dcada del treinta se adscribi a la denominada Escuela de Realismo Social que cobr fuerza en los Estados Unidos con una pintura figurativa e singular aliento crtico: posteriormente estableci contacto con relevantes figuras del surrealismo europeo establecidas en los Estados Unidos durante los aos de la Segunda Guerra Mundial. Finalmente se decide por el abstraccionismo, pero muy a la manera de Arshile Gorka, quien fuera, de hecho, un ntido exponente del modo armnico en que se articul en el escenario artstico norteamericano la doble influencia del surrealismo y de la abstraccin lrica de Kandinsky. Es a partir de 1947 cuando el lenguaje de Rothko alcanza los rasgos propios e inconfundibles que caracterizan su produccin plstica, descrita excelentemente por la profesora y crtica Mara Elena Jubras: Grandes rectngulos de diferentes anchos que parecen flotar sobre el fondo es la forma expresiva adoptada por Mark Rothko () Sus pinturas son telas de grande dimensiones que impresionan an ms al espectador por la simplicidad que las caracteriza. Producen calma y a la vez inquietan. Este sentimiento contradictorio es producto de la negacin de caractersticas fundamentales de las formas. Los rectngulos de color intenso, nico tema de la obra, semejan grandes masas de algodn coloreado. Esto crea una sensacin extraa. Se conoce el rectngulo como cuerpo solido que descansa sobre uno de sus lados, y Rothko, al hacer los bordes imprecisos, logra una sensacin de inestabilidad que contradice la idea original de solidez. La pieza Tierra y verde (no siempre los ttulos escogidos por Rothko se ajustan a la solucin cromtica definida en la tela) es una obra bien caracterstica de este tipo de expresionismo abstracto norteamericano e identificada con el rtulo de pintura de contemplacin o pintura contemplativa.

Siempre expresada en esos grande s formatos donde parecen flotar las etreas masas cromticas, difuminadas y sugestivas, la pintura de Mark Rothko ha sentenciado Aldo Pellegrini-, que es toda silencio y soledad, logra, merced a su resplandeciente encantamiento, anular el silencio y la soledad del hombre que la contempla. Resulta oportuno aludir tambin a los presupuestos conceptuales y ticos que rodearon a este tipo de trabajos, segn el criterio expresado por el propio pintor en una carta dirigida al diario The New York Times en 1947: Es difcil para el artista aceptar la incomprensin hostil de la sociedad. Y, sin embargo, esta hostilidad puede ser el instrumento de su liberacin. Apartado de las ilusiones mentirosas de la seguridad y la solidaridad, puede igualmente abandonar el frrago de las convenciones plsticas: el mundo de las experiencias trascendentes se abre para l. No cabe duda de que la llamada pintura contemplativa ilustra el proceso de desarrollo y enriquecimiento que vivieron entonces las experiencias abstraccionistas dimanadas de aquellas primeras vanguardias, y que la obra de Mark Rothko, en particular, constituye tambin una expresin de la fuerza y el protagonismo que adquieren estas tendencias en los aos inmediatos a la Segunda Guerra Mundial, cuando la capital artstica de occidente se ha trasladado de Pars a Nueva York y desde all irradia el denominado arte informalista, que inund el mercado artstico internacional durante ms de quince aos.

Mark Rothko (Letonia, 1903- Estados Unidos -1970) Tierra y verde, 1955 leo/tela 229 x 187 cm

Willem De Kooning (Holanda, 1904-1997)

Naci en Rotterdam, pero desde los veintids aos se estableci en los Estados Unidos, donde trabaj toda su vida. Es considerado como uno de los ms grandes exponentes del expresionismo abstracto norteamericano y, a la vez, una figura esencial de la neofiguracin expresionista que fuera particularmente potenciada por el mercado de arte a partir de los aos sesenta, luego del agotamiento de la abstraccin en los circuitos mercantiles de occidente. Aunque asisti a algn que otro curso en la Academia de Bellas Artes de Rotterdam, De Kooning es casi un autodidacta respaldado, en cambio, por un conocimiento directo y profundo del arte europeo de las vanguardias y por un slido entrenamiento practico profesional que inici en su infancia cando labor como aprendiz en una empresa de artistas comerciales y decoradores- y que continu en su juventud, trabajando como artista comercial recin llegado a los Estados Unidos. Su estrecha amistad con Arshile Gorka lo acerc a la prctica de una pintura surrealizante de inclinacin abstraccionista, pero desde muy temprano, De Kooning encontr ese estilo personal que lo situ junto a Jackson Pollock- a la cabeza del expresionismo abstracto norteamericano. Ya en 1948 presentaba en la famosa Eagan Gallery de Nueva York su primera exhibicin de cuadros en blanco y negro que se corresponden de lleno con la pintura de accin o gestual caracterizada por los amplios y tremendos trazos que se imponen a la manera de un grafismo exacerbado dominado por el impulso vital, la emocin y el gesto autoexpresivo del artista sobre las telas. Pero quizs el rasgo ms singular de Willem de Kooning es su frecuente alternancia entre esta prctica abstracta y una figuracin igualmente violenta que se despliega tambin en grandes formatos monocromos o encendidos de color.

As, en la misma dcada de los aos cincuenta, cuando est prcticamente generalizado el lenguaje abstraccionista, y el propio De Kooning es reconocido como paradigma del arte informalista, realiza un conjunto de piezas monumentales a las que se les conoce con el genrico titulo de Series de las mujeres, ya que las unifica temticamente la representacin de figuras femeninas de apariencia demonaca, pintadas en gruesos empastes de trazos vigorosos y colores violentos. La obra Mujer II, del ao 1952, es un ejemplo bien caracterstico de esta serie. Representa, en efecto, una imagen femenina desproporcionada y grotesca en la exageracin de las carnes, en la acidez de un erotismo repulsivo, en la deformacin del rostro devenido mueca, en la latente acusacin que se desprende de esta figuracin retorcida que convierte a la gruesa pincelada en violento remolino de color. El trazo gestual abstraccionista cobra entonces una apariencia antropomrfica que abre sucesivas interrogantes en cuanto al contenido de denuncia social que pueden albergar estas representaciones. Sean cuales sean las probables respuestas, esa oscilacin entre el tema de la realidad y la abstraccin ha dicho Aldo Pellegrini- termina con el prejuicio de la oposicin neta entre las dos tendencias. Y este ser uno de los aportes indiscutibles de Willem De Kooning, cuya obra se extendi tambin a la litografa y la escultura en bronce alternando con la prctica pictrica durante toda la segunda mitad del siglo xx, con ese sello de autenticidad que legitima su liderazgo indiscutible tanto en los predios del expresionismo abstracto norteamericano como en los de la llamada nueva figuracin.

Willem De Kooning (Holanda, 1904-1997) Mujer II, 1952 leo/tela 150 x 109 cm

Antonio Saura (Espaa, 1930-1998)

Es reconocido internacionalmente como una de las principales figuras de la pintura informalista europea y, a la vez, puede ser considerado como uno de los exponentes fundamentales de la llamada nueva figuracin expresionista que se despliega ampliamente en el escenario artstico occidental, sobre todo a partir de los aos sesenta. Saura, de formacin autodidacta, pero poseedor de una vasta cultura que se expresa en una slida produccin ensaystica sobre teora del arte y arte contemporneo, se acerc primero al surrealismo y de este movimiento hered el conocimiento del automatismo psquico que articula armoniosamente con el tipo de pintura gestual que caracterizar toda su produccin plstica.

En 1957 fue uno de los miembros fundadores de El Paso, colectivo de artistas espaoles que radicaban en Madrid, adscritos a la esttica abstracta del informalismo y vitalmente comprometidos con la denuncia social en el complejo mbito poltico y cultural de la Espaa franquista. La obra de Saura es una de las ms radicales dentro del nutrido grupo madrileo. Sus figuras recuerda a De Kooning por la violencia y el esquematismo, pero lo grotesco y agresivo de De Kooning se transforma en dramtico en Saura () Esas figuras surgen del mundo de la desesperacin para aportarnos su clamor. El color queda reducido prcticamente al blanco y negro, pero obtiene los ms sutiles efectos de las tonalidades grises. Su obra adquiere esa dura severidad y crueldad de la pintura tradicional [1]
La comparacin de la obra de Carlos Saura con la obra Willem De Kooning es doblemente vlida si se considera sobre todo que el artista espaol al igual que el norteamericano, supo romper las barreras que haban separado a la figuracin y al abstraccionismo nutriendo oportunamente sus imgenes de esa fuerza emocional y espontnea del gesto informalista, de la mancha y el chorreado para acentuar la deformacin expresionista de sus figuras y subrayar el contenido de denuncia siempre implcito en sus telas y manifiesto en sus declaraciones textuales.

[1] Murray Peter y Linda. Diccionario de Arte y artistas. Barcelona, Instituto Parramn ediciones,1978,p.500

 La presencia constante, insidiosa y a veces espeluznante de una figuracin destrozada- explica Saura parece sealarnos imperativamente la afirmacin de la condicin humana, dejando espordicamente constancia de su permanencia. Este impulso mantenido, sea trgico o dionisiaco, acusador o histrinico, utiliza un lenguaje que podra englobarse dentro de ese amplio y fluido concepto del expresionismo pero participando en igual medida de la abstraccin () La figura humana se vislumbra con horror, y la realidad es violentada, convulsionada por el mismo acto de pintar () El ser humano surge otras veces como un momento intermedio entre la vida y la muerte, como hundido en un espacio de contradicciones e interrogantes[1]
La obra Diversaurio nos muestra el trabajo del artista en un perodo en el que ya incorpora una mayor diversidad cromtica, de preferencia los rojos y amarillos, con intensa potencialidad lumnica que, lejos de atenuar el dramatismo de las formas, se concreta en trazos libres, distorsionados y violentos, cual testimonio visual insuperable de esa profunda base conceptual que sostiene toda su obra y en la figuran, adems, los temas de la Tauromaquia las crucifixiones, los retratos de personajes famosos, los autorretratos y los cuerpos de damas. La trayectoria de este artista ilustra con creces la sostenida continuidad del lenguaje expresionista a todo lo largo de la centuria, su permanente deuda con la obra de Picasso ( y ms an con la de Goya), y su excepcional desdoblamiento y multiplicacin en nuevos recursos formales que entroncan asimismo, con la tradicin expresionista de Kandinsky y del informalismo estadounidense y europeo en cuyos ejes la obra de Antonio Saura tambin justifica la existencia y la legitimidad de esa denominada nueva figuracin expresionista que tanto prestigi a la segunda mitad del siglo xx.

[1] Maria Elena Jubras. Arte del Siglo XX. Seleccin de Lecturas. La Habana, Universidad de La Habana, 1983 p.190-191

Antonio Saura (Espaa, 1930-1998) Diversaurio, 1962 Serigrafa/papel 78 x 56 cm

Francis Bacon (Irlanda, 1909- Espaa, 1992) Hijo de padres ingleses, naci en Dubln, Irlanda, y se estableci en Londres desde finales de los aos veinte. Es una artista autodidacta de cuya primera etapa de incursin en la prctica pictrica se conservan escasos exponentes, ya que l mismo destruy casi toda la produccin de ese perodo inicial. Se conoce, sin embargo, su admiracin por la pintura surrealista y muy especialmente por la obra del alemn Marx Ernst. De hecho, luego de un sistemtico entrenamiento profesional como diseador de muebles y decorador de interiores, a partir de la segunda mitad de la dcada del cuarenta se dedic nuevamente a la pintura, ahora con un lenguaje neofigurativo de intensa vocacin expresionista que girar en torno a la problemtica del ser humano. A propsito de esa preferencia temtica, en un texto del ao 1967 Bacon se pronunci contra el arte abstracto y argument su inters por la representacin del ser humano: Una de las razones por las que no me gustan o no me interesan las obras abstractas asegura el artista- proviene del hecho de que la pintura es dualidad, mientras que la pintura abstracta es slo una realidad puramente esttica: slo se interesa por las formas y las estructuras; expresadas as, esas formas son harto dbiles para constituir un vehculo apropiado de un mensaje valedero El arte es obsesin por la vida y, a fin de cuentas puesto que somos seres vivos-, nosotros mismos constituimos nuestra mayor obsesin. Una parte importante de su trabajo testimonia el inters por la figura de Vincent Van Gogh, de quien realiza una serie de retratos inmersos en sombros paisajes. Asimismo, el pintor irlands se muestra particularmente atrado por la imagen de Inocencio X pintada por Velzquez, que le sirve de pretexto para una buena cantidad de lienzos inspirados en esta imagen llevada a la deformacin ms tremenda-, y de otros tantos basados en la representacin de papas y cardenales a los que tambin convierte en vctimas de su violenta pincelada expresionista.

No obstante, la temtica esencial de Francis Bacon, como ya se ha referido, es la de los hombres en un sentido ms genrico, casi siempre ubicados en modernos y seductores espacios interiores. Pueden ser retratos de personajes conocidos, de amigos del propio artista e incluso autorretratos, pero son siempre imgenes violentamente retorcidas en un gesto de pnico, de angustia, de dolor o de rabia, cuyos rostros ponen de relieve la vulnerabilidad humana sumergida en un desconcertante enclaustramiento. La obra Segunda versin de una pintura de 1946, adems de corroborar su evidente admiracin por el absurdo de la imagen surrealista, es representativa de las rigurosas composiciones de convincente virtuosismo pictrico que caracterizan al artista irlands, de su tpico colorido plano, saturado y estridente, y de ese ambiente opresivamente fantasmagrico que inunda sus lienzos y que los convierte en paradigmticos exponentes de la denominada nueva figuracin expresionista, desarrollada con amplitud como lenguaje a partir de la segunda mitad del siglo xx, pero particularmente aupada por el mercado artstico, sobre todo a partir de los aos sesenta. Sobre el potente aliento crtico de esta tendencia y el innegable destaque de Francis Bacon entre sus ms prestigiosos cultivadores, ha dicho el crtico Aldo Pellegrini: Si la pintura en algn momento signific algo trascendente y no un mero juego; si alguna vez la pintura reflej el clima de una poca, Bacon es el hombre de esa pintura. La obra de Bacon es reflejo de nuestra poca, mejor dicho, es el reflejo de un hombre que contempla con ojos lcidos nuestra poca. Rocas aulladoras, cuerpos recogidos en s mismos, rostros magullados o triturados, restos orgnicos informes, todo aparece arrasado por un huracn destructor, y ese huracn destructor es simplemente la mgica pincelada de Bacon Hay un gran sentimiento moralizador en esa pincelada, hay una acusacin, una grave acusacin contra el hombre Y esta unidad de imagen expresiva, de alta calidad plstica y de contenido tico hacen que la sola presencia de Bacon justifique de una nueva dimensin.

Francis Bacon (Irlanda, 1909- Espaa, 1992) Segunda versin de una pintura de 1946, 1971 leo/tela 198 x 147 cm

Victor Vasarely (Hungra, 1908-1997) Adems de realizar estudios de medicina, entre 1928 y 1929 toma algunos cursos en el Bauhaus (Escuela de Arte y Diseo) de Budapest y en la Academia Mhely (dirigida por el pintor Alexandre Bortnyik); esto le permite adentrarse en el conocimiento y la prctica del diseo grfico. En 1930 realiz su primera exposicin personal en la propia ciudad de Budapest; ese mismo ao traslad su residencia a Pars y desde 1944 empez a exponer en la Galera Denis Ren, dedicada a la promocin del arte abstracto. Sus pasos iniciales en la actividad artstica ponen de relieve el inters por la abstraccin geomtrica de Malevitch y de Mondrian, cuya continuidad se establece en los aos treinta a travs del desarrollo del llamado arte concreto. Es a partir del ao 1955 con la exposicin titulada El movimiento, que se establece el protagonismo de Vctor Vasarely en la nueva tendencia conocida como cinetismo. Sin dudas, la publicacin en esa misma fecha de su manifiesto terico (conocido con el nombre de Manifiesto Amarillo) contribuye a establecer esta suerte de liderazgo. En el referido texto, el artista hngaro explicita los presupuestos conceptuales que animaron sus investigaciones en torno al problema del movimiento en el arte, y emplea el trmino de plstica cintica para nominar sus intervenciones artsticas: Pintura y escultura se convierten en trminos anacrnicos asegura Vasarely-, es ms justo hablar de una prctica bi, tri, multidimensional. No se trata de manifestaciones distintas de la sensibilidad creadora, sino del desarrollo de una nica sensibilidad plstica de espacios diferentes. Tridim-L ilustra en el orden formal una de las tantas derivaciones de la unidad forma-color con la que Vasarely expresa la potencialidad de un arte programado y multiplicable. En este caso el movimiento ilusorio de la superficie pictrica se consigue a base de las intensas densidades cromticas que conforman esa suerte de estructuras lumnicas-cinticas que provocan agudos efectos sensoriales en el receptor de la pieza. Se trata de un movimiento virtual que slo se produce en la retina del espectador, cuya participacin entonces, en trminos de disfrute ptico sensorial, constituye una premisa indispensable para el comportamiento de la propuesta artstica.

Sus obras de Galera sern siempre, en ltima instancia, un prototipo susceptible de amplificacin y/o de repeticin a escala social por la va de la arquitectura, la grfica, el diseo textil u otros medios de reproduccin mltiple: El arte considera Vasarely- es un fenmeno social. En este aspecto, la obra nica, artesanal, no es un fin en s misma sino inicio; est concebida para ser recreada, multiplicada, transmitida, difundida con los medios tcnicos de nuestra civilizacin () Si en el pasado la duracin de la obra se basaba en la excelente calidad de los materiales, en la perfeccin tcnica y en la habilidad manual, hoy se basa en el conocimiento de una posibilidad de recrear, multiplicar y difundir () Axial desaparecer, con la artesana el mito de la pieza nica y triunfar, en fin, la obra que puede ser difundida gracias a la mecanizacin. No hay que temer los nuevos medios que la tcnica nos ha dado: no podemos vivir sino en nuestra poca. La crtica artstica ha explicado el apogeo que cobr el llamado arte ptico o cintico, especialmente a partir de la segunda mitad de la dcada de los cincuenta, como una de las reacciones asumidas por los artistas frente a la asfixiante efervescencia y manipulacin comercial de la pintura informalista. La apuesta por este tipo de creacin de carcter participativo y enfticas aspiraciones de proyeccin social encontr resonancia tanto en Europa como en Amrica y cultiv adeptos en casi todas las latitudes del hemisferio occidental convirtindose, en la prctica, en una de las tendencias que otorg continuidad a la experiencia abstraccionista durante las ltimas dcada, en franca consonancia con el desarrollo cientfico y tecnolgico que acompaa a las artes plsticas a todo lo largo del siglo xx.

Victor Vasarely (Hungra, 1908-1997) Tridim-L, 1968 Acrlico/tela 220 x 160 cm

Peter Blake (Inglaterra, 1932) Artista britnico representante del arte pop que se desarrolla en ese pas durante la dcada de los aos cincuenta. Curs estudios en el Royal Collage of Art de Londres, y aunque no es exactamente miembro del llamado Grupo Independiente del Instituto de Arte Contemporneo de Londres lidereado por el pintor Richard Hamilton y el escultor Eduardo Paolozzi-, que es unnimemente considerado la cuna de esta nueva tendencia artstica, sus obras son tpicas representantes del pop ingls. De hecho, fue entre los aos 1952 y 1956 cuando un pequeo grupo de artistas, diseadores e historiadores del arte del referido instituto londinense comenzaron a estudiar las diferentes expresiones del llamado arte de masas (las imgenes artsticas vinculadas a la publicidad, el diseo comercial, la televisin , el cine, las tiras cmicas, la msica popular, etc) y a reconocer en stas una serie de valores propios del folklore. Fue el crtico britnico Lawrence Alloway quien primero utiliz el trmino pop-art en Londres para designar a este tipo de trabajos que revalorizaban las imgenes propias de los mass media (imgenes populares), y quien luego lo introdujo en Estados Unidos para rotular la nueva tendencia que prosperaba ampliamente en el escenario artstico norteamericano. Blake particip activamente en la exposicin Contemporneos Jvenes que tuvo lugar en la capital inglesa en el ao 1961, donde se distingui por emplear el tema de los teenagers (quinceaeros) en una serie de pinturas que recrean la fascinacin del adolescente por las imgenes publicitarias de las revistas y del cine (especialmente el cine de Hollywood), y en las que se evidencia un cierto sentido crtico, ms o menos velado, frente a la manipulacin del gusto juvenil. Algunas piezas constituyen incluso una alusin manifiesta a la norteamericanizacin de la moda europea y a la expansin del esquema estadounidense como modelo de la sociedad de consumo. En el balcn representa, en efecto , un conglomerado de imgenes publicitarias seleccionadas por los adolescentes para decorar las paredes de sus habitaciones. La trivialidad conceptual de las fotos de las estrellas de cine tomadas de las revistas, la acumulacin de sellos y emblemas que reproducen reclamos comerciales y su alternancia con una serie de motivos banales (corazones rojos que se reiteran a lo largo del cuadro) nos hacen presuponer una obvia postura crtica ante los efectos de estandarizacin de las imgenes consumistas.

Valga apuntar, sin embargo, el inters esttico que caracteriza al pop ingls, quizs determinado por ese origen el corte investigativo que anim los primeros acercamientos del llamado Grupo Independiente al fenmeno de la cultura de masas, y que conduce a un artista como Peter Blake a preocuparse por una cuidadosa composicin pictrica y una elaborada solucin de diseo que probablemente se sustenta en esa voluntad analtica frente a las llamadas imgenes populares. En cualquier caso, nos parece oportuno citar la reflexin del crtico cubano Desiderio Navarro en torno a un rasgo muy particular del pop europeo, que bien puede aportar otra perspectiva de anlisis ante la obra del ingls Peter Blake. Navarro se refiere a cierta carga emocional, metamorfosis imaginativa o compromiso tcito que subyace en la eleccin y presentacin de la imagen en el pop europeo. Si la imagen pop norteamericana continua el crtico- se define por su frialdad, su intrascendencia, su inocuidad () la imagen pop europea, por el contrario, se caracteriza por cierta violencia reprimida, cierta atmsfera surrealista, algn compromiso no explicitado, un inconformismo existencial y cierto afn expresionista, pero todo eso como con sordina o en estado latente.

Peter Blake (Inglaterra, 1932) En el balcn, 1955-57 Tcnica Mixta 121 x 190 cm

Roy Lichtenstein (Estados Unidos, 1923-1997) Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad de Ohio en 1949, se le reconoce como uno de los pintores ms importantes del arte pop estadounidense, dentro del cual se distingue por trabajar la temtica de los personajes de las tiras cmicas (tambin denominados comics o historietas) con una tcnica muy peculiar que tiende a la reproduccin manual y la imitacin y ampliacin del reticulado propio de ese tipo de dibujos. Sus primeros trabajos se ubicaron dentro de la generalizada tendencia informalista durante los aos cincuenta; tambin se haba interesado por los temas de corte histrico y/o folklrico vinculados al oeste norteamericano (indios y cowboys), pero desde 1961 se sinti atrado por las imgenes de los anuncios publicitarios y de las historietas de los peridicos, de donde comenz a extraer detalles que luego amplificaba, simulando sobre grandes lienzos la apariencia del fotograbado en papel y ejecutando un proceso de sntesis que consigue resaltar las cualidades plsticas de los motivos representados. Lichtenstein es de los que argumenta el surgimiento y desarrollo del arte pop en los Estados Unidos como una contraposicin consciente de los artistas frente al desmedido auge y posterior decadencia del expresionismo abstracto o informalismo, con toda la carga de ensimismamiento que esta tendencia presupuso y, sobre todo, como una oposicin activa de los creadores frente a la burda comercializacin de que el arte estaba siendo objeto. En respuesta a la interrogante Qu es el Pop?, en una entrevista publicada en la revista Art Newsen 1963, afirma: No s. La utilizacin del arte comercial como tema de la pintura, supongo. Fue difcil encontrar una pintura suficientemente despreciable como para que nadie la colgara. Todo el mundo estaba colgando de todo. Era casi aceptable colgar un trapo goteante de pintura. Todos estaban acostumbrados a eso. Lo que todos odiaban era el arte; aparentemente tampoco lo odiaban tanto. Tal contraposicin se produjo en virtud de un afn compartido entre los nuevo artistas por centrar la atencin en los elementos del entorno cotidiano tpico de la sociedad industrial y de sus iconos, sus emblemas y sus paradigmas, siempre derivados del repertorio de imgenes que aporta la cultura de masas, pero sin esclarecerse del todo cunto poda comportar de afirmacin o rechazo esta apropiacin obsesiva.

Probablemente Roy Lichtenstein es de los que ocasionalmente asume una postura ms transparente y explcita. En la referida entrevista de 1963 comenta que el arte pop es un compromiso con lo que parecen ser las ms descaradas y amenazantes caractersticas de nuestra cultura, cosas que odiamos, pero que son tambin poderosas! Y ms adelante aade: los anuncios y las tiras cmicas son interesantes como temtica. Hay algunas cosas que son utilizables, poderosas y vitales en el arte comercial. Nosotros usamos todas esas cosas, pero no estamos realmente defendiendo la estupidez, la adolescencia internacional y el terrorismo. De hecho, aun cuando trabaja los hroes de las historietas de guerra (a los que el propio artista considera tipos fascistas), subraya que su inters es netamente plstico, desprovisto de toda intencin poltica. Una obra como Whaam!, en la que se alude a un momento particularmente violenta dentro una escena de batalla el estallido de una bomba- enfatizado por el elemento textual y la alusin onomatopyica propia del lenguaje del comic, demuestra, sin lugar a duda, una excelente labor de diseo y una admirable capacidad de sntesis para trasladar el modelo al medio pictrico, aprovechando para ello el agrandamiento y la descontextualizacin de la imagen y su gananciosos destaque a partir del uso de fuertes colores primarios. Esta pieza es asimismo representativa de la profunda ambigedad conceptual que caracteriza al arte pop: un arte que en su afn de acercarse a la vida se erige en expresin de un entorno irrevocablemente contaminado con los cuestionables mitos de la sociedad de consumo.

Roy Lichtenstein (Estados Unidos, 1923-1997) Whaam, 1962 Magna/lienzo 1673 x 406 cm

Andy Warhol (Estados Unidos, 1928-1987) Realiz estudios en el Instituto de Artes Aplicadas de Philadelphia. Inicia su carrera profesional como artista comercial en New York, trabajando como diseador de modas e ilustrador publicitario en varias revistas. Desde 1962 desarrolla un tipo de produccin artstica ya para entonces clasificada como arte pop. El arte pop haba surgido en Inglaterra a mediados de la dcada de los aos cincuenta, pero de manera casi paralela y en pleno auge del arte informalista- se dan a conocer en los Estados Unidos las obras de Robert Rauschenberg y de Jasper Jons, quienes si bien en su momento fueron considerados como neodadastas, muy pronto seran reconocidos como los iniciadores del pop norteamericano. Estos dos artistas representan , ciertamente, el trnsito entre el llamado expresionismo abstracto y la nueva tendencia artstica que a partir de ahora se interesara de nuevo por la figuracin, ahora inspirada en ese entorno cotidiano particularmente signado por los medios masivos y el consumo. Rauschenberg y Johns preconizaron el empleo de objetos ordinarios y las imgenes banales del mundo de la publicidad comercial, con lo que abran un camino de inusitado alcance para la nueva expresin visual. Con razn se ha explicado el gnesis del arte pop en Norteamrica como una suerte de reaccin radical frente al informalismo. El artista Robert Indiana lo declara abiertamente en una entrevista publicada en 1963: El pop es todo lo que el arte no ha sido en las ltimas dos dcadas. Es bsicamente una vuelta en U hacia la comunicacin visual figurativa Es un retorno abrupto al padre despus de una exploracin abstracta del claustro maestro durante quince aos. Pop es un reenlistarse en el mundo y el mundo escogido para reflejar la cotidianidad ser el emblemtico entorno de la sociedad industrial representada por los inequvocos signos del american way of life. Andy Warhol, en particular, se apropia de las imgenes de la Coca-Cola , de las latas de sopa de tomate Campbells, de las estrellas de Hollywood y de las escenas de desastre y de muerte que inundan la prensa amarilla con una frecuencia y abundancia que tienden a anular su sentido terrorfico. Al trasladar estas imgenes a sus grandes telas pretende tal nivel de frialdad y distanciamiento que apela a la tcnica de reproduccin serigrfica conocida como silk-screen para producir un arte de carcter seriado y totalmente impersonal.

Marilyn Monroe Pink ilustra con creces su extrema irona al escoger como tema ampliamente reiterado en un larga serie- a una figura smbolo del sistema de estrellas, justo cuando ya se ha producido su desaparicin fsica ; la manipulacin de un hecho conmocionante como lo fue la muerte de la actriz, representada en estas obras de una manera fra, repetitiva y mecnica a la manera de reclamo publicitario de cualquier producto comercial, enaltecido con atractivos colores- pone de relieve el oportunismo y el morboso cinismo que distinguen a Andy Warhol. La postura tica del arte pop, tal y como se refleja en las obras de Warhol y del resto de los creadores que se suman a este movimiento, jams alcanza un sentido crtico vertical o inequvoco, tambin ocurre, sin embargo, que la alta dosis de irona que se advierte en muchos de los trabajos y en algunas de las declaraciones pblicas de los artistas, suele poner en entredicho el sentido apologtico que pudiera atriburseles. Al respecto, el critico cubano Desiderio Navarro se pronuncia de manera radical: Dentro de su execrable civilizacin asegura- estos pop-artistas se obstinan en tomar la vida tal y como la hallan, en regodearse y revolcarse eufricamente en el Gran Sueo Americano. Nada de protestas, nada de revueltas ni de oposicin entre estos chauvinistas de la cultura norteamericana. Es incuestionable que el arte pop abri nuevas perspectivas tcnicas al terreno de la pintura a partir de un fructfero intercambio formal con la cartelstica y otras esferas del diseo. Al mismo tiempo la tendencia contribuy al oportuno ensanchamiento de los recursos expresivos del arte, tanto de sus fronteras morfolgicas como de su universo temtico, ahora preparado para asimilar mltiples zonas de inters sociolgico y cultural que haban sido desestimados con anterioridad. Tales aportes, sin embargo, no disminuyen en lo absoluto los efectos y las valoraciones ticas que inevitablemente dimanan de su falta de compromiso vital.

Andy Warhol (Estados Unidos, 1928-1987) Marilyn Monroe Pink, 1962 Acrlico/lienzo 170 x 130 cm

Richard Estes (Estados Unidos, 1936) Pintor estadounidense, es uno de los representantes ms caractersticos de la tendencia hiperrealista que se desarrolla desde los aos finales de la dcada de los sesenta, tanto en Amrica como en Europa. tambin denominado como fotorrealismo por la generalizada utilizacin de la fotografa como base del proceso artstico-, el hiperrealismo puede ser valorado , en sus inicios, como una derivacin del arte pop. No obstante, el hiperrealismo ha sido tambin distinguido como una de las vertientes de neofiguraciones esteticistas de la era pospop, ya que si bien desde la segunda mitad de los sesenta comienzan a tener lugar exposiciones que centran la atencin en un tipo de pintura de substrato fotogrfico (La imagen fotogrfica en el Museo Guggenheim, en 1966, Painting from Photo en el Museo Riverside, y Aspectos de un Nuevo Realismo en el Milwakee Art Center, ambas en 1969), es a partir de 1970 cuando tiene lugar la consagracin internacional de la nueva tendencia, especialmente como estratgica oposicin frente al arte conceptual por parte de los mecanismos del mercado en un momento en que ya resultaba obvio e irrevocable el agotamiento del arte pop: en 1970 se le dedican sendas muestras en el Museo Whitney y en el de Montreal; al ao siguiente es incluida una seccin de pintura hiperrrealista en la Bienal de Pars, y en 1972 ocurre su lanzamiento en Europa durante la quinta edicin de la Documenta de Kassel. Sera irnico vociferar que el hiperrrealismo es la ltima manifestacin representativa de la cultura artstica ha sealado el crtico Simon Marchan Fiz. Sera mucho menos hipcrita proclamarlo uno de los ltimos artculos mercantiles del mercado artstico. Impulsado desde Amrica, se trata de una vanguardia artificialmente montada Desgastado el arte pop y las derivaciones de la nueva abstraccin, son sospechosas para el mercado las tendencias destructoras del objeto artstico.

Formalmente el hiperrealismo se caracteriza por un tipo de lenguaje que procura reproducir la realidad con meticulosa objetividad.

Para ellos no slo apela a una fidelidad figurativa que emula con el verismo de la fotografa, sino que tambin asume esta manifestacin como punto de partida y, adems de utilizarla como modelo (la mayora de los artistas toman sus propias fotos o se sirven de documentos preexistentes), emplea recursos tales como la proyeccin de diapositivas y la impresin de negativos sobre el lienzo previo al trabajo con pinceles y pigmentos pictricos-; imita los encuadres tpicos de la fotografa y recurre al aergrafo para destacar la brillantez de la superficie pintada y aceptarla a la apariencia del papel fotogrfico. En el orden temtico el hiperrealismo alude a la representacin de imgenes cotidianas en un espectro que abarca desde la reproduccin de los paisajes de las postales tursticas, los automviles, las cafeteras, los anuncios lumnicos y las escenas urbanas, hasta la amplificacin de las fotos de pasaporte. Cada artista se identifica con un rea temtica de su preferencia. Richard Estes, en particular, es reconocido como el pintor de las calles vacas. Michigan Avenue es una obra tpica de su produccin de los aos setenta, donde las luces de nen de los comercios, de las bombillas callejeras y de los automviles , se reflejan sobre las vidrieras de los establecimientos o sobre las superficies cromadas de los propios coches. Una y otra vez reproduce un ambiente urbano que debera suponerse pleno de vitalidad humana, pero rara vez est presente el hombre en las escenas de Richard Estes. Conviene subrayar en tal sentido la ambigua postura tica que emparenta el hiperrealismo con su predecesor, el arte pop, y que ha sido advertida por algunos crticos. Axial, por ejemplo, V. Turchin ha considerado . Sin dejarse hipnotizar por la primera impresin, tratando en forma critica la nueva tendencia, se nota esta cierta verosimilitud carente de verdad autentica; se observa la realidad desprovista del gusto por la verdadera vida real. Sera ingenuo desestimar, entonces, una subyacente actitud de cuestionamiento frente a esos fetiches del folklore urbano capitalista que artistas hiperrrealistas como Richard Estes se encargan de revelar, con toda la frialdad y el distanciamiento emotivo que dimanan de una plstica provocadora y obviamente corrosiva, desde el subterfugio artstico del encantamiento visual.

Richard Estes (Estados Unidos, 1936) Michigan Avenue , 1971 leo/tela 120 x 120 cm

Esta Coleccin de obras de Arte Universal ha sido digitalizada con fines didcticos, por lo que queda terminantemente prohibido que se reproduzca con otros intereses. Los derechos reservados pertenecen al Centro Provincial de las Artes Visuales de Matanzas. 2005