Expresión del arte

Arte vivo
UNIVERSIDAD AUTÒNOMA DEL ESTADO DE MEXICO
PLANTEL “CUÁUHTEMOC” DE LA ESCUELA PREPARATORIA

Arq. Manuel Ruiz Sánchez

El arte conceptual
El arte conceptual es una
forma contemporánea de
representación artística, en la
cual una idea o concepto
específico, muchas veces
personal, complejo e inclusivo,
toma una forma abstracta, no
convencional, basada en la
negación de principios
estéticos. El arte conceptual es
diferente del “concepto” visto
como contenido del arte, pero
puede ser considerado una
forma abstracta de la idea y de
la percepción del trabajo
artístico originada en la mente
del artista, que luego puede
ser presentada en una
variedad de formas.
En el arte conceptual, la relación
entre artista, obra de arte y
espectador fue transformada.
Una obra de arte conceptual no
es una mera narración de la
naturaleza en sus muchas
variantes; los artistas, a través de
inferencias personales, utilizan los
elementos disponibles de la
expresión para representar no
solamente la naturaleza de los
objetos sino además temas
políticos, sociales y tecnológicos.
En muchos casos, el espectador, y
a veces el artista en sí mismo, son
parte íntegra de la obra de arte y
su concepto base.
Origen y características
El arte conceptual se desarrolló a
finales de la década de 1960 e
inicios de 1980. Los orígenes se
encuentran en la obra de Marcel
Duchamp, artista de origen
francés, que ya afirmaba que el
concepto era más importante que
el objeto artístico.
La característica principal de esta
corriente es el predominio de los
elementos conceptuales sobre los
puramente formales. Así pues, el
arte conceptual es una forma de
expresión que intenta evitar el
estímulo óptico a favor de los
procesos intelectuales que el
público es invitado a compartir
con el artista. Para ello, esta
disciplina artística se fija en los
ambientes cromáticos, en los
luminosos y en las variaciones
sobre la naturaleza.
¿Cuál es la ideología de este tipo de
arte? El arte conceptual se define
claramente opuesto a la burguesía y
contrario al consumo, ya que se
considera que la obra no es dueña de
nadie.
Los artistas del arte conceptual se
valen de métodos inusuales y
diversos para presentar la idea de su
obra. Eligen fotografías, videos,
documentales escritos, grabaciones,
presentaciones de actos en público…
y muchos otros materiales efímeros
que les sirven para documentar sus
ideas o explicar eventos que ocurren
fuera de los museos. Uno de los
ejemplos tempranos del arte
conceptual es “Una y tres sillas”, una
creación de Joseph Kosuth, artista
estadounidense que en 1965 crea
una obra con una silla como
protagonista central.
La obra en cuestión consiste en una silla plegable de madera, una
fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la
definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista
conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres
elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa
misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede
descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos,
o en ninguno de ellos?
A finales de la década de 1980, el arte conceptual
experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la
atención del mundo del arte de vanguardia se orienta
hacia la obra basada en el tema y el contenido. No
obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó
pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías
y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos)
sobre los proyectos.
El body art (arte minimalista
que utiliza el cuerpo como
material de la obra) y el land
art (arte terrestre que
consiste en gigantescas
obras en amplios espacios
naturales) fueron dos
corrientes muy importantes
del arte conceptual.
 Arte objeto
El arte-objeto eleva a la dignidad de arte a
los objetos simples y cotidianos como
prueba de que el arte es, sobre todo, una
actitud mental que reside en el espectador
y que, mediante la representación de estos
objetos en una sala de exposiciones, se
aprecian las calidades estéticas y no las
utilitarias.
Al sacar un objeto del contexto que le es
habitual y en el que se realiza una función
práctica, sin que éste sea basura y a su vez
se le sitúa en una dimensión en donde al
no existir nada utilitario todo puede ser
estético. Lo que determina el valor
estético ya no es un procedimiento
técnico, sino un acto mental, una actitud
distinta ante la realidad.
Denominación introducida por Marcel
Duchamp para los objetos de consumo
prefabricado o producidos industrialmente
y que el artista declaró obras de arte al
colocarlos en exposición sin alterar su
aspecto externo.
 Instalación artística
El arte de instalación es un tipo
de arte contemporáneo en el cual
el artista utiliza, como parte de la
composición, el propio medio
(como paredes, piso, luces e
instalaciones), además de objetos
diversos. En muchas ocasiones,
los materiales escogidos llenan
más o menos el espacio y el
espectador es invitado a moverse
alrededor de la obra o interactuar
con la pieza, en esos casos el
espectador mismo deviene parte
de esa obra en ese preciso
momento y ese preciso tiempo. A
veces las instalaciones son
frágiles, por lo que sólo pueden
ser vistas desde la puerta o un
extremo del espacio.
Como género dentro de las
artes plásticas, la instalación
se supedita a los sitios de
arte o emplazamientos para
los que ha sido o fue
concebida. Algunas
instalaciones son sitios
específicos de arte y sólo
puede existir en el espacio
para el que fue creada.
En una "instalación", los
objetos no existen
separados de la acción
artística, que los piensa y
proyecta en relación con su
exhibición.
Los antecedentes y motivaciones
que desembocan en las
instalaciones actuales son muy
variados. Algunos de los
antecedentes más señalados son:

La tendencia escenográfica de las artes

plásticas que apuntan hacia una
revisión de los diferentes movimientos
artísticos dentro de la posmodernidad.
La importancia creciente del montaje
de las obras a exponer, tanto en las
ferias internacionales, en las ferias de
arte y otros eventos relacionados con
el mundo de la cultura y el arte.
La necesidad de incorporar al
fenómeno de las exposiciones de arte
tradicionales la poética del movimiento
minimalista y la inserción de nuevos
movimientos de expresión como el
video, la infografía, los multimedia.
La instalación trata de crear no tanto objetos, sino ambientes, entornos de
vivencia estética, emotivas, sensoriales, sensuales e intelectuales.
Se pretende excitar todos los sentidos, desde el oído al olfato (cualidades
sensoriales o perceptivas), a las emociones instintivas, sorpresa y miedo al
juego de las pasiones puramente intelectuales que pueda establecer cada
espectador.
Los ready-made, la transgresión de materiales y técnicas convencionales son
algunas de los elementos característicos de las instalaciones.
Museo
Del latín musēum, un museo es
un lugar donde se guardan y
exhiben colecciones de objetos
de interés artístico, cultural,
científico, histórico, etc. El museo,
tal como lo conocemos en la
actualidad, surge en el
Renacimiento. Estas entidades
suelen contar con una plantilla de
profesionales, formada por
curadores, restauradores,
analistas y personal de seguridad,
entre otros.
Además de contar con un espacio
físico y fijo para sus instalaciones,
algunos museos realizan
exposiciones itinerantes: de este
modo, llevan sus colecciones a
distintas partes del mundo y
amplían su público.
Un museo es una institución de
carácter permanente y no lucrativo
al servicio de la sociedad y su
desarrollo, abierta al público que
conserva, investiga, comunica y
expone o exhibe, con propósitos de
estudio, educación y deleite
colecciones de arte, científicas, etc.,
siempre con un valor cultural, según
el Consejo Internacional de Museos
(ICOM). La ciencia que los estudia se
denomina museología, y la técnica
de su gestión, museografía.
El patrimonio museográfico de una
comunidad expresa una relación con
el pasado, con las huellas dejadas
por nuestros antepasados, y junto a
los monumentos constituye lo que se
conoce como patrimonio cultural de
esa comunidad.
El Consejo Internacional de
Museos (ICOM) estableció
una tipología según el
contenido temático de las
colecciones en las siguientes
categorías:
Museos de arte
Museos de historia
natural
Museos arqueológicos
Museos monográficos
Museos históricos
Museos de las ciencias y
de las técnicas
Museos de la agricultura y
de los productos del suelo.
 Galería
La galería de arte es un espacio sumamente importante en el circuito de la
compra y venta de arte. Esto es así porque la principal función que cumple
este tipo de establecimiento es la de exponer las obras de arte para que
compradores interesados puedan conocerlas y elegir adquirirlas.
Normalmente, en las galerías de arte se exponen obras tales como pinturas
o esculturas, pero también se pueden encontrar otros elementos como, por
ejemplo, muebles, joyería, cerámica, tapices, fotografías, dibujos o incluso
instalaciones de arte de gran porte y tamaño.
Las galerías de arte contemporáneo realizan dos clases de muestras:
individuales y colectivas. En las individuales los trabajos de un solo
artista son exhibidas al público. En las colectivas, varios artistas
presentan a la vez uno o varios de sus trabajos según el tamaño de la
galería. Las muestras acostumbran durar quince o treinta días, según la
importancia del artista o los trabajos a exhibir.
 Body art
El término body art nació como una noción determinada para denominar un tipo exclusivo
de comportamiento artístico, sintetizado por la revista Avalanche, llevado a cabo entre
finales de los sesenta y principios de los setenta en Estados Unidos. Sin embargo,
actualmente, y aunque aún no hay un acuerdo tácito, los historiadores y críticos de arte no
sólo utilizan “body art” en un sentido histórico, sino también en un sentido amplio e
inclusivo, como una disciplina artística, una práctica o “modo de hacer” surgido de la
confluencia de la danza, el teatro, la escultura y, al menos como reflexión, la pintura. Aquí
se entiende como body art en un sentido amplio, como una categoría que incluiría a
muchas otras, como happenings, performances, arte de acción, arte de comportamiento,
body painting y otros más.
La principal diferencia entre el
body art y el arte tradicional es
el trabajo en el espacio real
con el cuerpo real. Podríamos
decir que utiliza formas y
procedimientos de la danza y
el teatro, el desarrollo del
cuerpo en el espacio-tiempo
real; si bien es una realidad
que no es la del mundo real,
sino la del espacio fingido de la
escena, para expresar
preocupaciones y reflexiones
propias de la historia del arte.
Se trata de una fusión de las
artes que nos da un arte no
exclusivamente narrativo ni
representativo.
Performance
Una nueva generación de artistas
está recuperando una forma de arte,
el performance art, que nunca había
desaparecido desde los setenta, pero
con la frenética revaloración de la
pintura y el objeto, en la década de
los ochenta había sido relegado a un
plano menor por su dificultad de
comercialización. Hoy está volviendo
con un ímpetu a la escena artística
en las galerías, en las calles, en
videos y en Internet. El performance
art ha influido todas las formas de
arte contemporáneo desde el video
arte, arte conceptual e instalaciones
multimedia. En la actualidad, los
artistas visuales están tomando el
performance como una extensión del
conjunto de su práctica artística que
puede abarcar la pintura, el video y
las instalaciones.
El término performance art es
extraordinariamente abierto
en su significado; su uso y
difusión la han hecho difícil
para referirse específicamente
a una forma concreta de arte.
Sin embargo, algunos artistas
simplemente lo delimitan
como “Arte en vivo por
artistas”, cuya actividad
artística es presentada ante
una audiencia en vivo
englobando elementos de
música, danza, poesía, teatro y
video. Después ha venido
siendo retroactivamente
empleado para referirse a
formas tempranas de arte vivo
como “happenings”, “Actions”,
“fluxus events” y “body art”.
 Happening
El happening derivaría hacia el Performance Art, al ir despegándose
progresivamente de la metáfora de la pintura en los últimos años de la década de
1960. El Performance Art surgía de exageraciones del arsenal de gestos diarios o
exploraría otros estereotipos sociales.
Un happenings es lo que, considerado como obra de arte, muestra personas y
objetos dentro de un contexto o una situación determinada. El happening
encuentra su origen en el surrealismo, en el Teatro de la crueldad ideado por
Antoine Artaud y en el collage, entendido en el más amplio sentido de la palabra,
como integrador de acciones o personas y objetos. En palabras de Mc Luham, es
“una situación repentina sin argumentos”.
En el happening se trata de
involucrar al máximo al público
en la obra de arte, haciéndole
partícipe; además interviene la
música, el teatro y como
elemento expresivo el
plásticovisual.
Se consideran las actuaciones en
los conciertos en Black Mountain
del cantante John Cage, los
precedentes históricos del
happening.
Estados Unidos tiene el honor de
ser la cuna de esta forma de
expresión artística. Fueron las
obras neodadaístas de Jasper
Johns y de Rauschenberg las que
estimularon a artistas como Allan
Kaprow, quien montó en octubre
de 1959 su primer happening
titulado "18 happenings in 6
parts”.
Fluxus
Otra de las líneas antropológicas del
Performance Art puede hallarse con los
eventos "Fluxus". El término "Fluxus" fue
empleado por primera vez en 1961,
implicando flujo o cambio en varios
lenguajes. "El artista no debe hacer de su
arte una profesión. Todo es arte y todos
pueden hacerlo".
El Fluxus ha sido considerado una
modalidad del arte de acción, pero por
su idiosincrasia iconoclasta debe dársele
un espacio más relevante, pues ejerció
una gran influencia en las nuevas
tendencias del ballet y la música. El
Fluxus se concentra en la vivencia del
acontecimiento que transcurre
improvisadamente a diferencia del
Happening y el Action, donde existe un
plan trazado de antemano. Además,
contribuiría al distanciamiento del
espectador frente al acontecimiento,
abriendo paso por este canal, así, a la
estructura del Performance.