El Informalismo no es una corriente sino una crisis.

Giulio Carlo Argan

Después de la Segunda Guerra Mundial hubo en Europa
el intento por recomponer la unidad continental. Sin
embargo muchos factores incidieron para dificultar esta
intención.
Europa había quedado desmembrada después del
reparto del territorio entre los Aliados y Rusia. Los países
habían sufrido gravísimas pérdidas materiales sobre todo
a causa de los bombardeos.
Los artistas de la postguerra se lanzaron a revisar el arte de la primera
mitad del siglo. En primer lugar: el cubismo y sus derivaciones.

Piet Mondrian

Victory Boogie-Woogie

1944
El centro de la crítica estaba dirigido al “purismo
formal”, con Mondrian como máximo
representante.
Mondrían había llevado la forma a su expresión
más perfecta.

Composition with
Red, Yelow an Blue
1927
 Entre los movimientos de post-guerra se
encuentra el Miserabilismo.
Sus artistas estaban enraizados en una visión
influida por el Surrealismo.
Concentrados en la mirada negativa,
expresaban la soledad el hombre y su angustia.
Bernard Buffet
Femme au verre
de vin - 1955
Bernard Buffet Autorretrato
 Es un momento en que definitivamente la
cultura occidental toma conciencia del fin de
los valores que la sustentaron durante siglos.
Es el momento de la “filosofía de la crisis”
que anunció Sartre.
“Crisis” es una palabra griega que significa
“encrucijada”
 La crisis que se presenta en Europa es la crisis del
humanismo: la razón que guía el obrar.
Entonces que queda sólo presente el obrar, la fuerza del
poder, que es actuar y es gesto.
El existencialismo es causa y efecto de este pensamiento.
“El mito de Sísifo”, el libro de Camus: la tarea inútil como
castigo tiene su dignidad humana en el obrar porque es algo
propio e instransferible.
Un autor que influyó en EEUU y que anunció esta
actitud fue Arshile Gorky.

Contrapuso al racionalismo
el irracionalismo surrealista.
Quitó a lo visible todo significado : a cualquier
signo que pueda darse (puntos, líneas, colores).

Son sólo señales de estar vivos y tienen el único

sentido de haber sido trazados en la tela.
Arshile Gorky Jardín de Sochi 1941
 Surge la instancia de “lo Informal”: entre
1950 y 1960 toma fuerza una tendencia que
busca no depender de ninguna estética, ni de
ninguna filosofía.
No les interesa dar un sentido, todo lo contrario,

quitan todo valor en sí mismas, todo interés, a razón,

forma, realidad. Queda sólo el “hacer”, el “gesto”.

 Del gesto, lo que queda es “la mancha” (tache).
Para realizarla utilizan la escritura automática con
influencia del surrealismo.
El color salpicado sin cuidado, la figura humana
persiste pero desfigurada, quedan los trazos libres y
la falta de respeto,
Hans Hartung establece la voluntad del hacer, del
plasmar por sí mismo. Sobre el fondo se traza una
acción que es lo único.
Todo lo demás es negado.
Todo motivo es “no”, es negación.
Es suspensión de cualquier juicio, de cualquier noción.
La iconografía del “no” se convierte en el motivo
fundamental y recurrente.
1956-9
Hans Hartung
Para Soulages, la forma es es una barrera de
rayas negras grandes y pesadas que dejan solo
pequeños resquicios en el espacio de fondo
que son el tiempo y el lugar del día que se
escapan al “no ser” y se vive .
Painting, 195 x 130 cm, May 1953 Peinture, 200x162 cm, 14 mars 1960

Pierre Soulages
En todo el ámbito del Informalismo, el problema
pasa por la materia sin forma: sin tiempo y sin
espacio. La materia es ilimitada y disponible.
El artista al manipularla, establece con ella una
relación de continuidad de la propia existencia y
de empatía.
Para Jean Fautrier todo se vuelva materia,
es cualquier cosa que no seamos nosotros
y que existe por su cuenta.
Nuestro ser-en-el-mundo
es algo extraño al mundo.
Jean Fautrier
de la serie Otages (rehenes)
 Realizados hacia 1943 durante un período de
reclusión en un asilo en las afueras de Paris,
Fautrier refleja el estado de animo de gran parte de
la resistencia cautiva bajo el yugo
del nazismo en Francia.
Son cabezas y torsos muy esquemáticos
de rica factura matérica
y finas capas de color que denotan encierro y
opresión
1943
 Jean Dubuffet rechazó la cultura y el humanismo.
Recurrió a los dibujos de los niños y de los
alienados, a los graffiti populares.
Se interesó por someter a la figura humana a un
proceso de regresión.
Utilizó el humor corrosivo y terminó reemplazando
las materias usuales por brea, asfalto, arena, polvo
de carbón.
Buscó la inversión de valores a través de la
sustancia de la obra.
Jean Dubuffet,

Dhôtel nuancé
d'abricot, juillet-août
1947
Jean Dubuffet
Paysage du
mental (la
mente)ou
Paysage mental
avec concrétions
se chevauchant,
( se superponen)
Août 1951
 Dentro del ámbito del gesto entra el movimiento
Cobra (Copenhagen, Bruxelles, Amsterdam), que se
forma en 1949 en Holanda.
Parten de un antigeometrismo y emprenden la
corrosión sistemática de la forma.
La actividad artística se reduce al gesto; la obra de
arte a la materia no formada.
Es una regresión al objeto, a la existencia en estado
puro, a la indistinción entre todo lo que existe.
Karel Appel

Tigerbird 1952
Asger Jorn
Djerba
1952
En la post-guerra Europa deja de ser el centro de
la cultura artística mundial. El nuevo centro,
también para el mercado es New York.
La relación dialéctica entre la cultura americana y
la europea se estrecha más cuando en Europa la
situación política es más crítica.
Artistas, literatos y estudiosos buscan un nuevo
campo de acción en América.
Se delinea la figura del artista americano: es un
hombre de acción
en una sociedad activista.
Pero el rol del artista es desinteresado, es un
actuar postulado como un modo de existencia
y un modo de existencia auténtica.
Es parte además de una minoría intelectual
que se podría llamar “de izquierda”.
 El arte europeo llegado a América contenía la
característica de ser una pura existencia.
Presentaba la renuncia a las técnicas tradicionales y
usaba de cualquier técnica
que pudiera desmitificar el arte.
Dos artistas de origen europeo que llegaron a América,
íconos del arte desmitificador y anticonvencional fueron
Willem de Kooning y Arshile Gorky.
 Con Gorky se habla del comienzo
del Expresionismo abstracto.

Usó las formas biomórficas, es decir, que parece

que fueran masas orgánicas,
de manera que con ellas se hace más fácil la
transmisión de sentimientos y expresiones.
Sin duda fue muy fuerte en él la influencia de
Miró.
 De Kooning, con fuerte influencia
surrealista, tomó a la figura femenina
como tema fundamental de su obra.
En estas mujeres puede verse una
progresiva evolución a partir de la década
del 30. Las formas eran biomórficas,
formadas por planos irregulares y
fragmentados sobre un fondo geométrico.
Mujer III 1953

De Kooning dio siempre importancia

a la composición
y a la estructura constructiva
Llegado a EEUU en 1930, el alemán Hans
Hoffmann fue un pintor de fuerte influencia
en la creación del “Expresionismo Abstracto”.
Tuvo una teoría doctrinaria
que difundió entre sus alumnos:

.la superación del objeto en sí

.el ritmo coherente que da significado al cuadro
.la unidad en base a tendencias profundas y
relajamientos superficiales: el objeto en tensión
A esto se sumaba la escritura automática.
Hans
Hofmann

Laburnum

1954
 Hofmann y de Kooning contribuyeron a la
formación de la corriente neoexpresionista
neoyorquina.
La culminación fue la action painting basada en la
violencia del gesto, la agresividad de los colores y
en un tamaño fuera de lo común del espacio
pictórico.
 Las zonas de tensión y de interés visuales son
uniformemente repartidas en la tela lo cual deja ya
absolutamente de lado la representación de algún
tipo de espacio y de la estructura centralizada .
La técnica del over all painting
Jackson Pollock
La loba 1943
Number 1 Jackson Pollok 1950
Argentina a mediados de la década de 1950, desde
el punto de vista artístico,
estaba abierta a la modernización.

Ya en la década anterior
la Asociación Arte Concreto Invención
había declarado el dejar de lado toda semántica
para enfrentar sólo los problemas de la forma.
Pronto los artistas concretos comenzaron a
tener disidencias entre sí
y el grupo fue teniendo escisiones.
Sin embargo, la variedad de posiciones y
de distintas corrientes
no empobreció el entorno artístico
sino más bien todo lo contrario.
 A fines de los años 50, ya han pasado
el peronismo y la Revolución Libertadora,
y está presente la idea del desarrollismo
de llevar el país a un nivel industrial
abriéndolo a los capitales extranjeros.

Desde el punto de vista social

la población está dividida
entre el peronismo y el antiperonismo.
En unos y otros hay tendencias
de izquierda y de derecha.
 El Informalismo
En julio de 1959 se realizan en Buenos Aires las primeras
muestras colectivas informalistas.
Fueron tres, y causaron sensación en el medio artístico y de
comunicación.
Reaccionan contra la pintura concreta con elementos
tomados del surrealismo y del informalismo europeo.
Entre ellos Alberto Greco, Mario Pucciarelli y Keneth Kemble.
 En 1956, Keneth Kemble (1923-1998)
comenzó una etapa
decididamente experimental.
Realizó collages de papel, trapos, cortezas, etc.

Decía que la búsqueda iba encaminada

a “obras terminadas y definitivas que no permiten
su transposición a otro medio”.
Kenneth Kemble

Sin título
[Wer Pó Wers],
c. 1955
Collage s/papel
K.Kemble

Tregua, 1957

Arpillera, trapo rejilla,

trapo de piso, tela de
algodón, óleo y
enduido sobre tela

116 x 89 cm.
Kenneth Kemble.

Composición con
trapo rejilla,

1958,
arpillera, trapos,
enduído y óleo

s/tela, 92 x 92 cm.
“Su intento es la exploración del material
en la bidimensión,
ponerse en contacto con la materia
y jugar con ella según sus instintos.

Exaltarla como materia y no como

representación de otra cosa". (La Prensa 1960)
 Esta vía de trabajo se convirtió en la base de su
programa estético:
la exploración de múltiples recursos que posibilitaran la
creación de nuevos lenguajes visuales.

Kemble pertenece al período de transición del arte

moderno al arte contemporáneo. Fue un momento sin
certezas que puso en crisis los valores, actuó contra la
“pureza” del estilo. Puede localizarse aproximadamente
entre 1956 y 1965.
Kennet Kemble
Gran concha japonesa prohibida, 1960
Arpillera, clavos, pintura industrial sobre hardboard
60 x 150 cm
Kemble buscaba crear lo que denominaba
“mundos nuevos”: que la configuración de
formas y materiales lograsen despertar
emociones estéticas inéditas.
Para eso se aleja de lo que se consideraba
como “artísticamente correcto”..
Introduce variaciones que se vinculan al
ámbito del erotismo y la intimidad.
Kenneth Kemble

Por qué me temes tanto

si ni siquiera soy
humano

1961

Tela de algodón, cola,

enduido y óleo sobre
hardboard
Kenneth Kemble
Trepanación
inconclusa, 1961
Alambre tejido,
tela, enduido y
óleo sobre
hardboard
120 x 110 cm
Paisaje suburbano

1961

chapa, lona, óleo y

enduido sobre
hardboard
Las exposiciones “Arte destructivo” (1961) e
“Investigación sobre el proceso de la creación”
(1966) se inscriben en la línea del interés de
Kemble hacia los modos en que se desarrolla
la creatividad y hacia las posibles técnicas que
pueden propiciarla
Kemble en “Arte
destructivo”
 “De ninguna manera quisiéramos codificar esta
tentativa, ni fundar un ismo basado en premisas
pretendidamente absolutas, sino simplemente
explorar un aspecto de nuestro ser tan viejo como
el hombre, pero nunca hasta ahora investigado a
fondo en el terreno del arte” .

Kemble se refería al reconocimiento de las

tendencias destructivas del ser humano
y a su canalización por la vía del arte.
 El grupo integrado por Kenneth Kemble, Enrique Barilari, Olga
López, Jorge López Anaya, Jorge Roiger, Antonio Seguí, Silvia Torras y Luis
Wells
presentó en 1961 la exposición Arte Destructivo.

La sala de exposiciones había cambiado su aspecto habitual;

al final del pasillo
un tosco cortinado de arpillera obstruía la entrada
y se escuchaban, provenientes del interior,
extrañas voces que recitaban textos sin sentido
y sonidos supuestamente musicales
 Ninguna de las piezas exhibidas
poseía identificación alguna del autor,
todo estaba oculto en la acción colectiva.
El conjunto ofrecía una significación opuesta a toda ilusión
placentera o agradable, su hilo conductor era el del desastre.
Parecía una muestra de residuos y de basura, de accidentes y de
muertes; de ruidos, de parlamentos casi incompresibles y de
“música” producida con toda clase de objetos a modo de
instrumentos musicales.
Arte destructivo 1961 Es evidente
Tres ataúdes
usados,
uno baleado